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Quizás el proyecto cinematográfico más ambicioso después de la saga de Harry Potter, llega a su meta, cuando, por primera vez, se reúnen personajes de diferentes películas en una sola. Así es, no se había hecho, y se tenía que ser confiado, fuerte y positivo para poder lograrlo de ésta manera.

El camino hacia The Avengers comenzó de manera oficial en el 2008, con el estreno de la primer película de Iron Man, y al final de ésta, en la ahora ya tradicional escena post-créditos, se nos dejaba ver que iba en serio: “es que dicen que al final, van a juntar a todos en una película de los Avengers… naaaaa En serio? Estaría increíble…”.

Y es que a The Avengers hay que verlos bajo ésta lupa: ya, ya los conocimos, ya cada quién tuvo su propia cinta, o dos, y a los que no, ya nos los habían presentado. ¿Qué seguía? Meterlos a la licuadora, y hacer una película llena de momentos, de escenas de acción, del melee al plano secuencia de proporciones épicas.

¿Le pudimos haber exigido más historia? Sí, seguro. ¿Importa? No, cuando lo que nos dieron era exactamente lo que queríamos. Momentos para todos, momentos en los que todos figuran. Tomemos la típica escaleta de una película de acción: Origen-acción-desarrollo de la historia-pelea intermedia de acción-desarrollo de la historia rumbo al final-pelea de acción final. Lo que Avengers hizo fue algo así como acción-acción-acción-acción-historia-acción-acción.

¿Me puedo poner exigente? Sí, claro. Lo dije desde un inicio: Chris Evans no debió haber sido el Capitán América. No sólo porque ya había sido la Antorcha Humana en las dos de Fantastic Four, sino porque, ya con un Robert Downey Jr. de Tony Stark, se lo iban a comer. Y no sólo se quedó corto en varias ocasiones en su propia película, sino que, por supuesto que Iron Man sobresale más. A veces se quieren asomar probaditas de que el Cap se le quiere imponer, pero el flaquillo güero no tiene la edad, la presencia, la personalidad, la experiencia. Si les pregunto qué personalidad tiene Hawkeye, ¿qué me responderían? Ajá, muy poca. Nos faltó ver a un Hawkeye que le rezonga al Capitán, que es más cínico y no obedece siempre la primera orden que se le da.

Pero insisto, ¿qué se nos dio a cambio? Una magnífica secuencia para re-presentar a la Black Widow, con todo y finos gags incluídos. Peleas entre ellos, peleas entre los tres pilares de los Avengers: Thor, Iron Man y el Capitán América. Loki como combatiente, Loki como mago, Loki como estratega, Loki filósofo. Thor contra Loki, Iron Man contra Loki, Hulk contra Loki. Hulk smash. Widow y Hawkeye hombro con hombro.

¿Qué se nos dio a cambio? Un nerdgasmo hecho realidad: hay tres peleas legendarias en el Universo Marvel, que han sido realizadas una y otra vez en diferentes épocas, en diferentes circunstancias, y con resultados diferentes: Hulk contra La Mole, Hulk contra Wolverine, y Hulk contra Thor. Sí, y ya vimos una en el cine. Wow.

Hulk. Ah, Hulk. Te llevaste la simpatía de todos. Ahora sí. Bana con Lee decepcionó. Norton con Leterrier no estuvo mal, pero Ruffalo con Whedon nos demuestra que se podía, y se hizo, mejor.

Sí, ese Joss Whedon, el que antes de dirigir, es fan. El que sabe qué queremos y cómo lo queríamos. El creador de culto por conceptos y personajes como Buffy La Cazavampiros, el co-escritor de cintas como Toy Story y X-Men, y su magnifica corrida en el cómic mensual Astonishing X-Men. Él fue el que nos acaba de entregar una cinta explosiva, épica, grande, grandota, enorme… que ya es parte de la historia.

¿Qué sigue? Siguen aquellas que quieran seguir por ésta línea, y tener que hacerlo igual o mejor. Siguen aquellas que quieran ser más serias, con una historia más del lado humano, como las Batman de Nolan. Sigue la segunda escena de los créditos, que no se nos mostró en México y en otros países que estrenaron antes que en EUA. Sigue Iron Man 3, Thor 2 y Capitán América 2. Y claro, los rumores de darle a éste Hulk, una tercera oportunidad como solista.

¿Sigue Thanos en Avengers 2? Más bien… ¿Sigue Avengers 2? ¿Se podría hacer con el mismo elenco? Un actor del tamaño de Robert Downey Jr. … ¿Querrá hacer al mismo personaje por más de 6 años?

Por lo pronto, ya comenzó un nuevo capítulo en la historia del cine. Ya comenzó el verano cinematográfico 2012. Y se hizo con un grito, el de Avengers Assemble!

Bienvenidos a la última parte de la revisión de Capitán Pada a lo que pasó en el 2011 y algo del 2012… ¿Quieren saber qué es lo que consideró más relevante el Capitán? Escucha el podcast.

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DC está dando de qué hablar, las ventas se han inclinado a su favor por primera vez en muchos años, los personajes han cambiado, todo esto es consecuencia de “Los nuevos 52 de DC cómics”. el Capitán nos explica lo que está pasando

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El Capitán Pada llega al esperado número 100, sus mejores hazañas, apariciones y momentos, las palabras que salieron de la historieta y nos hicieron uno con los personajes, como si lo de adentro de las hojas, gobernara con esperanza nuestras vidas

Gracias a todos los que han seguido 100 aventuras, 100 momentos, 100 experiencias, aun hay mucho que descubrir

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En la reseña del nuevo número uno de Superboy ya platicaba cómo al escritor Scott Lobdell le habían encargado el área de “jóvenes” de Los Nuevos 52 de DC Comics, lo cual puede resultar interesante para mantener una línea argumental general entre dichos títulos. Lobdell es entonces también el responsable de la nueva serie Teen Titans, que debe servir como eje al mencionado Superboy y a Red Hood and the Outlaws, con Jason Todd, el ex-segundo Robin al mando.

Hay dos características primordiales de los Teen Titans: en primera, suelen y deben tener en su alineación a los sidekicks de los superhéroes “mayores”, y debe presentar nuevos personajes adolescentes que se integren al grupo.

En los nuevos Teen Titans vemos entonces a Red Robin, Tim Drake, el tercer Robin; a Kid Flash, o sea, Bart Allen; Wonder Girl, Cassie Sandsmark y Superboy. La primera parte entonces, está satisfecha. Y con respecto a la segunda, en la portada vemos a tres personajes nuevos, y uno de ellos, de hecho llegó a las noticias: Bunker, Miguel Barragán, quien es un mexicano gay que se integrará pronto al equipo conforme avance esta primera historia. Los creadores aseguran que, a diferencia de otros superhéroes y personajes gays en los cómics, éste no dudará en decirle al mundo su preferencia y lo demostrará en su manera de hablar, en sus acciones y hasta en su vestimenta. Fuera dejaré si se trata de una herramienta para llamar la atención al concentrar dos minorías en una, sino que seamos positivos y agradezcamos que en un título de adolescentes se incluya un personaje de ésta naturaleza.

Este primer número no nos deja ver mucho, de no ser porque todos los disfraces de los personajes que conocemos han sido modificados, unos con mejor resultado que otros: Red Robin y Wonder Girl lucen bien; Kid Flash luce exagerado hasta la esquina de enfrente, y en artes promocionales, hemos visto que Superboy podría traer hasta un papel engrapado con la “S” en la espalda, a diferencia del traje que usa por lo pronto en su propia serie.

Lo que sí vemos es que, al igual que en Justice League, estos jóvenes no se conocen, no han actuado juntos y estos primeros números se dedicarán a narrar cómo se juntan, gracias a Red Robin. Así entonces vemos escenas de uno y otro, no de todos, con el arte de Brett Booth que no es malo. Teen Titans fue uno de los títulos que recibió las más bajas calificaciones, pero a mi parecer, podría tener potencial si lo que queremos es ver nuevos poderes para personajes ya establecidos, mucha acción y mucho conflicto adolescente.

P.D. Con este post termino mi serie de reseñas de algunos de los nuevos número uno de DC Comics. No compré todos, no reseñé todos los que compré y al estar en la segunda semana de octubre, tenemos ya inclusive reimpresiones de la mayoría y varios número dos de muchas de las nuevas series. Sin embargo, el resto, y más información, serán planteadas en un futuro podcast.

Twitter: @eseauto Mail: elmaildepada@dixo.com

Y del selecto grupo “Oye, ¿y si no nada más dibujas sino también escribes?” tenemos a Francis Manapul. Después del no tan claro regreso de Barry Allen a la vida durante la Final Crisis, de la tibia mini-serie Flash: Rebirth, de su importante papel durante Blackest Night, de su nueva serie mensual como parte de Brightest Day, y del mediano evento Flashpoint teniéndolo a él como eje central, llega, a tan sólo año y medio del otro número uno, un nuevo número uno de The Flash con Barry Allen como protagonista. En aquella ocasión, pretendiendo imitar lo que el escritor Geoff Johns ha hecho con Green Lantern, se le encargó a éste hacer el mencionado Rebirth y lanzar la nueva serie con Francis Manapul como dibujante. Sin embargo, ahora como parte de Los Nuevos 52 de DC Comics, le tocará a Francis no sólo el arte, sino también escribir las nuevas aventuras de The Flash.

Manapul tiene un gran estilo que luce sobre todo gracias a los colores y tintas más “pastel” que lo han acompañado. Ahora tendrá que demostrar que puede ponerse en el sitio de guionista y escribir para su propio arte. En este nuevo número uno vemos a personajes de soporte que se presentaron en la anterior serie, creados por Johns. Sobre todo a  la güera Patty Spivot, quien ahora sí es el nuevo interés romántico de Barry. Y es que, en efecto, The Flash es otro de esos personajes cuyo matrimonio, con Iris West, ha sido borrado de la continuidad en el nuevo universo DC. Es más, me parece pertinente mencionar a estas alturas que Dan DiDio, el co-publisher de DC Comics, dejó ver en su Facebook que en el universo de Los Nuevos 52 las“Crisis” no han ocurrido como las conocemos. Es decir, olvídense de si Flash Barry Allen regresó en “Final Crisis”, podría entonces ni siquiera haber muerto en la legendaria “Crisis on Infinite Earths”, o bien, nos irán explicando poco a poco cómo se acomodaron estos eventos para cada quién.

En este The Flash # 1 nuevo, veremos al Barry Allen que investiga homicidios y misterios, y que sabe usar sus poderes al máximo de maneras creativas, lo cual siempre será un gran atractivo. Y lo mejor, sin duda, es ver ahora cómo Barry Allen se cambia en The Flash. Con el re-diseño del traje, a cargo de Jim Lee, ahora vemos que se trata de módulos que se integran por separado para convertirse en el disfraz de The Flash. Sí, lo siento, debo decir que se parece un poco a como ocurre desde hace ya tiempo con la armadura de Iron Man, pero no me importa, me gusta y mucho. La portada y el logo también lucen muy bien.

Ahora, con las aguas más tranquilas y con un nuevo comienzo, The Flash necesita agarrar, irónicamente, su propio ritmo, con su propia historia y legado, y olvidarse un poco de los otros “Flashes”.

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Quiero creer que la decisión de Los Nuevos 52 de DC Comics no fue tomada a la ligera, y fueron muchas y muchas juntas de análisis de pros y contras. Cuando se realiza un movimiento atrevido y de este tamañote, entonces hay que cerrar bien la pinza, de lo contrario, todo se puede venir abajo.

Si para el nuevo título de Superman, el homónimo, recurrieron al talentazo de George Pérez, ¿por qué no hacerlo de manera completa?

Su fuerte siempre han sido los lápices, y de qué manera, y no es que la escritura no se le dé, pero sus obras más legendarias han sido al lado de grandes escritores, como Marv Wolfman y Kurt Busiek, por mencionar a sólo dos.

“Queremos que escribas Superman y que lo dibujes, pero no todo…” ¿O cómo fue la negociación? Porque el arte de este nuevo número uno de Superman luce fatal. Son los sketches de Pérez, pero terminados por Jesús Merino. O sea, no es ni uno ni otro. La portada, que si es completa de él, lejos está de ser uno de sus mejores trabajos, y sobre todo, como he insistido mucho en esta serie de reseñas, todavía más lejos está de ser un trabajo legendario, épico, digno de un número uno que pretende transformar épocas. Pérez no debería estar tan ocupado en estos días, hasta donde sé. Su otro trabajo es entintar los lápices de Dan Jurgens en la nueva serie de Green Arrow, personaje del que puedes encontrar mi reseña dando click aquí, y a menos que haya estado muy ocupado con la novela gráfica de los Teen Titans, que se viene, entonces sigo sin comprender esta dinámica. Sin embargo, tengo un vago recuerdo de haber escuchado en varias ocasiones que Pérez es de los dibujantes más rápidos. ¿Entonces?

Es importante anotar en estos momentos que, aún cuando no ha salido el número 2, ya se informó que este equipo creativo dejará el título con el número 6, y el guión quedará a cargo de Keith Giffen y el arte del mencionado Dan Jurgens, a mi parecer, uno de los dibujantes esenciales de Superman. No se sabe si éste siempre fue el plan original, de hacer una historia de 6 partes con este equipo, o exista otra razón como para que renunciaran o los corrieran.

Destruir el Daily Planet y cambiarlo por uno nuevo me parece un recurso muy forzado, como para establecer que ésta es una nueva era. Y bueno, el ver el característico globo terráqueo de la publicación destrozado, como por millonésima vez, ya me causa una impresión nivel cero. A veces, sólo a veces, hay ciertos guiños que se asoman de un Superman que vuela, que ataca, que se defiende, pero ponerlo a luchar contra un ser de fuego, me resulta francamente aburrido, como para alguien que tiene quizás su primera aproximación al personaje, como pretenden ser estos nuevos número uno.

Fuera del final del nuevo número uno de Justice League, ésta en realidad es la primera vez que podemos ver el nuevo traje de Superman, y a mí me terminó de convencer de que no me gusta. Quizás tenga que acostumbrarme, pero inclusive me remite a aquel Superman en la versión de Stan Lee en la que revisionó el universo DC en una serie de especiales, hace ya algunos años.

Éste es un nuevo universo, donde Batman tiene cuatro títulos y Superman dos, uno de ellos, por el momento, no convence.

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Greg Capullo nunca dejará de ser “el tipo que se encarga del arte de Spawn cuando Todd McFarlane no puede”. Y si más o menos conocen la historia de publicación del anti-héroe de Image, entonces sabrán que Capullo ha trabajado mucho. Antes de eso, fue “el tipo que se encargó de X-Force cuando Rob Liefeld se fue”, y su trabajo estaba muy cerca de lo aberrante. Sin embargo, ha evolucionado y lo ha hecho muy bien. No sólo como un digno sustituto, sino como alguien que fue agarrando su propio estilo. Y entonces, si, como yo, ya tenían años de no ver su trabajo, encontrarán en el nuevo #1 de Batman un dibujo muy agradable y muy consolidado. Las páginas iniciales en las que dibuja a una parte de la galería de villanos del héroe habla por sí sola, y su “Guasón” no tiene madre (las comillas las comprenderán una vez que hayan leído el número).

Desconozco cómo le habrá ido a Scott Snyder con su breve paso por “Detective Comics” antes de que el título terminara gracias a estos Nuevos 52 de DC Comics. No obstante al leer una parte de su trabajo de autor para el sello Vertigo de la misma editorial, es decir, American Vampire, me doy cuenta de porqué ha sido tan reconocido y recomendado. Es más, otra de las contables buenas cosas que derivaron de “Flashpoint” fue su visión del enviado de Krypton en ese universo alterno bajo la miniserie de tres números “Project Superman”.

Y entonces, con esta dupla, quizás se vale exigirle más a ambos creadores. ¿Estará sentando las bases para una saga memorable? Esperemos que así sea. Pues este Batman, sí, también tiene monólogos internos, pero mejor que en el Detective Comics. Vemos que tampoco escatimará en usar mucha tecnología y cualquier batigadget creíble que se pueda imaginar. Pero también quiero insistir, con base en reseñas pasadas, en que es un poco escalofriante ver el panel en el cual se encuentra Bruce Wayne y su kinder: Dick Grayson, Tim Drake y Damian Wayne. ¿Cuatro generaciones? ¿Eso es bueno para el personaje?

Misterio también hay en este título, por lo cual tampoco hay duda para adquirir el número dos, y ojalá éste título dé para mucho más. Eso sí, el logo de portada, al querer empatarlo con el de Batgirl, es una gran falla.

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El escritor Brian Azzarello es muy bien recibido por algunos sectores de los lectores de cómics. Es mejor reconocido por su obra de autor 100 Bullets, que fue publicada para el sello Vértigo de DC Comics. Su historia al lado del dibujante Jim Lee en Superman estuvo densa, al tratarse más del “superhombre” que del “superhéroe”. La que hizo en Batman, con Eduardo Risso, el dibujante con el cual también colaboró en 100 Bullets, me resultó aburrida y demasiado complicada. Sin embargo, esta misma dupla se encargó de hacer una de las historias que valieron la pena del evento “Flashpoint”: la miniserie de tres números “Batman: Knight of Vengeance”, con una de las más interesantes visiones alternas que se han hecho del personaje.

Por estas razones, la elección de Brian como el nuevo escritor de Wonder Woman me resultaba extraña. ¿Necesitaba la superheroína más importante del mundo un enfoque clavadón? Y es que La Mujer Maravilla ha sido uno de esos personajes a los cuales nomás no le dan. Ya hace algunos años en el podcast alababa el intento del escritor Allan Heinberg por hacer de WW la superheroína que todos queríamos ver, pero su trabajo en televisión evitó que se le pudiera dar continuidad. En años más recientes, el polémico J. M. Straczynski,  después de dedicarse por años a narrar el Amazing Spider-man, buscó traer atención para La Mujer Maravilla. A partir del número 600 de la serie, modificando su traje – ahora nuevamente con pantalones, diseño del mencionado Jim Lee – y alterando la realidad para darle un nuevo origen. Nada tampoco.

Entonces, este nuevo número uno de Wonder Woman me daba lo mismo, pero al ser uno de “Los Grandes Tres” del universo DC, no podía pasarlo por alto. Y entonces, me sorprendió.

La Mujer Maravilla no podrá desligarse nunca de sus orígenes en la mitología griega, y al comenzar las primeras páginas, uno no puede evitar en expirar un “ahí vamos de nuevo…”. Sin embargo, conforme vamos avanzando hay misterio, hay personajes nuevos, tanto monstruosos como humanos; hay dioses y hay una Mujer Maravilla, que puede pelear y pelear muy bien. Dentro de Los Nuevos 52 de DC Comics hay títulos que prefirieron enfocar el nuevo número uno a procurar explicar el origen, o el nuevo origen, de los personajes. Hay otros que optaron por meterse de lleno a la acción y comenzar una nueva saga como si nada hubiera pasado. Éste es de los segundos y, por lo pronto, ya nos ató para el número dos.

Hay un ligero cambio en el disfraz clásico y hemos visto en los artes promocionales que para sus apariciones en Justice League optará por el de pantalones largos. Eso sí, el arte de la portada me pareció bastante mediano, afortunadamente en interiores Cliff Chiang mejora considerablemente y podría llegar a convencerme. El logo me parece poco práctico, eso sí.

¿Será la buena para Wonder Woman? Es otro personaje al que se le debe y se le debe pagar ya.

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“Curarse en salud” equivale al gordo que entra al salón y, antes de que a alguien más se le ocurra, decir “hola, buenas tardes, soy tan gordo que al rato entro completo”. Geoff Johns sabe perfectamente que Aquaman ha sido más un superhéroe burlable desde hace mucho tiempo. Ni siquiera el escritor Peter David pudo mantenerlo interesante cortándole una mano, cambiándole el look y hacerlo más salvaje. Cuando murió en el 2001, nadie lo extrañó. Cuando volvió a morir en el 2006 y fue suplantado por otro, bueno, muchos ni siquiera sabíamos que ya había regresado.

Aquaman fue uno de los Linterna Negra que sí se quedaron vivos en la Blackest Night y, desde entonces, Johns ya traía algo entre manos con este personaje, que fue desarrollando en la poco práctica “larga miniserie” Brightest Day.

Afortunadamente, con este número uno, podría asegurar que el escritor está muy cerca de hacerle a Aquaman lo que hizo por Hal Jordan y los Green Lantern, más que lo que alcanzó a hacer por Flash en su Rebirth y Flashpoint.

Parte del éxito de Johns en GL fue ampliar la gama de personajes que giraban alrededor de éste, y convirtiendo a sus villanos en verdaderas amenazas. Ya lo hizo con Black Manta en la mencionada Brightest Day, y en este primer número nos presenta a una camada de monstruos de los cuáles queremos ya ver más, porque lucen espectaculares.

¿Funciona Aquaman como superhéroe en la tierra? Sí. Y en pocas páginas nos damos cuenta de cómo y por qué. ¿Cómo hacerle para olvidar los chistes de sushi, agua, caballitos de mar y demás? Curándose en salud: Aquaman puede comer pescado en un restaurant costero y está más que consciente de los chistes que se han hecho de él hasta en Saturday Night Live. Mención aparte merece su esposa Mera, quién también está muy cerca de convertirse en uno de los mejores personajes de soporte femeninos, con un gran protagonismo y energía sexual.

Por si fuera poco, todo esto apoyado por el dibujo de Ivan Reis, hace que este nuevo número uno de Los Nuevos 52 sea de los más recomendables. Si acaso, le podría criticar que el logo no es muy bueno. Por el bien de las leyendas, Aquaman se merece ya su lugar como uno de los personajes más reconocibles a nivel mundial.

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“Si no está roto, no lo arregles”. Palabras más, palabras menos, es uno de los lineamientos para la creación de Los Nuevos 52 de DC Comics: quitar lo que estorbaba, continuar con lo que funcionaba. Y si algo estaba funcionando, era el Green Lantern de Geoff Johns. Pensé que la saga “War of The Green Lanterns” era un esfuerzo débil por aprovechar, lo que en rating llamaríamos carry over, que le había dejado a Linterna Verde el evento Blackest Night. Sin embargo, fue una historia diferente y entretenida, y seguramente Johns ya tenía planeado lo que seguía, pues si hay un título que podríamos considerar prácticamente “inafectado” por Flashpoint y Los Nuevos 52, es precisamente Green Lantern. Inmediatamente después de las consecuencias de War of The Green Lanterns vemos a Sinestro portando nuevamente un anillo verde. De entrada en una portada que sí, Ivan Reis, sí entendió que se trataba de una tremenda oportunidad para hacer una imagen trascendental, impactante: un nuevo clásico, pues. Y entonces este numero se dedica a construir, aún más, las personalidades de Hal Jordan y del mencionado villano/antihéroe.

Repito, el título no fue afectado, pero ¿el personaje lo estará? Y es que si bien éste nuevo número uno parece indicar que la historia continúa tal cual, entonces aquí podríamos encontrarnos con las primeras discrepancias: este Green Lantern es el mismo. En Justice League veremos cómo se formó la Liga de la Justicia hace cinco años, cuando Hal Jordan, convertido en Parallax, se sacrificó para encender al Sol en el evento Final Night… había una Liga de la Justicia. Por poner sólo un ejemplo de cientos que podrían ser no irme ni tan atrás ni tan reciente. O Green Lantern: Rebirth o, me parece, que ni siquiera le busquemos explicación porque no la hay. Porque se alteraron las historias y se acomodaron para dejar lo mejor de cada una de ellas.

Si el dinero nos sirve como medida, este nuevo Green Lantern #1 en su primera edición ya es un nuevo clásico, pues se ubica dentro de los más cotizados a sólo unas semanas de su lanzamiento.

A mí el que no me sigue convenciendo en el dibujo es Doug Manhke, con esos rostros con demasiadas líneas. Aunque debo reconocerle la narrativa que tiene para presentar sus cuadros. Sin embargo, me hubiera encantado que también Ivan Reis hiciera los interiores, como ya lo ha hecho al lado de Johns en la mencionada Blackest Night, y muchos otros números de Green Lantern. No obstante, Johns prefirió llevárselo a otro de sus títulos: el nuevo Aquaman # 1.

Voy a ver qué hicieron y regreso.

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A mí me sigue haciendo ruido la onda de “Batman e Hijo”, pues me suena más a una caricatura vespertina de la hora de la comida que a algo que podría funcionar. Sin embargo, es ese mismo morbo el que hace al nuevo Batman and Robin # 1 interesante. Después de la “muerte” de Bruce Wayne, los pupilos Dick Grayson y Damian Wayne continuaron con el legado bajo la primera serie en portar el título Batman and Robin, con la exitosa mancuerna de Grant Morrison y Frank Quitely, en guión y dibujo. Después de Morrison, Peter Tomasi se encargó de escribir la serie con el artista Patrick Gleason, y son ellos mismos los que se encargan de este relanzamiento ahora con padre e hijo en los disfraces. Me parece curioso que, si por un lado, parte de Los Nuevos 52 de DC Comics sea hacer más jóvenes a sus personajes, como se ha analizado en podcasts anteriores, Damian Wayne permanezca dentro de estos cambios, cuando un hijo adolescente de Batman hace más viejo al personaje. Por algo ya en su momento Marvel desapareció el matrimonio de Peter Parker y Mary Jane Watson, y ahora DC lo hizo con Clark Kent y Louis Lane. Pero no es queja, pues me agradó la dinámica entre los nuevos Batman y Robin, y es que éste último está más cerca del rebelde Jason Todd, el segundo, a los obedientes Dick, el primero, y Tim Drake, el tercero.

Esta primera entrega contiene de todo: la mencionada complicada relación que habrá entre ambos, tanto en casa como en batalla; vehículos ultramodernos con el diseño de la casa, o de la cueva; un nuevo villano por demás interesante, misterios y casos por resolver, y hasta algo de “sanación”, con respecto a Bruce y la muerte de sus padres.

Este disfraz de Robin me agrada. La variación a aquél que debutara en manos de Tim, pero ahora con elementos más “pajarescos”, y claro, hay que ser muy cuidadosos en el arte para que Damian  esté más cercano a ser un niño que un adolescente o joven adulto, como sus predecesores. El hecho de que conservaran el logo de la primera serie, que nos evoca de inmediato a la serie televisiva de estos superhéroes, es otro gran acierto. Tenemos otro ganador dentro de Los Nuevos 52. 

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Scott Lobdell es un escritor con una amplia trayectoria ya en los comics trabajando para varias empresas. Pero es uno de esos curiosos casos en los que la gente lo ubica, aunque no lo recuerda por una grandiosa obra. Quizá su mayor aportación fue, en Marvel, la creación de Generation X, además de con esto guiar por un momento las aventuras principales de los mutantes.

Desaparecido de los grandes reflectores durante un rato, me sorprendió que figurara ahora como uno de los escritores de Los Nuevos 52, con tres títulos además: Red Hood and the Outlaws, Teen Titans y Superboy. Es decir, esa área  tan importante para DC Comics, que podría ser catalogada cómo el mini universo Titan, será completamente guiada por Lobdell. Lo cual puede ser bueno y no dudo de la capacidad de este creativo, sin embargo, el nuevo Superboy #1 no me entusiasmó.

Me han gustado las diferentes versiones de Superboy, de éste, el clon, por lo menos. Desde su creación a partir de La Muerte de Superman, como el punketín de la chamarra de piel, hasta la versión Conner Kent de la playera y los jeans. Bueno, quizás el hecho de que fuera mitad Kal – mitad Lex Luthor no me gustó tanto, pero de ahí en fuera fue una buena aportación a la familia Superman desde siempre.

En esta primera entrega vemos a un Superboy que apenas será liberado, cuya educación y entorno ha sido proporcionada por un programa de realidad virtual, mientras que él, en realidad, se encuentra sumergido en agua en un laboratorio. Ya sabes, lleno de tubos y esas cosas. En efecto, esa película ya la vimos. Bueno, es más… eso de un teen creciendo en una realidad virtual… pues lo tenemos hasta en el mismo DC, y con uno de sus compañeros de equipo: es prácticamente el origen de Impulse, o sea, el actual Kid Flash. Y si me apuran, pues acabamos de ver algo muy similar con la versión de Superman en el mundo Flashpoint, con el nombrado S1 o Subject One.

Entonces durante este ejemplar vemos mucho sobre el laboratorio, los científicos, claro, el proyecto y todo lo que un escenario de este tipo involucra. De no ser porque me sorprendió la incursión de Lois Lane a ésta historia, de manera que podría resultar interesante, el cómic estuvo a punto de perderme. El arte de interiores, de R.B. Silva, no es malo. El de la portada, sí. El logo es de los contados que no sufrieron ningún cambio, y ojalá vaya agarrando rumbo y forma. El traje negro con rojo, al parecer, será el que se use mientras se narra su origen, escape, adaptación al mundo exterior y el largo etc. mientras que para Teen Titans ya vimos que será algo más “urbano”.

Lo único que me pregunto es: si a Superman lo estamos viendo más joven en los demás títulos, ¿este Superboy no debería ser mejor un Superbro?

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Green Arrow siempre será un gran personaje de soporte. Sólo… no tanto. Desde siempre ha estado al costado de otros, como en la tan aplaudida corrida de Green Lantern/Green Arrow de inicios de los setenta, hasta en la hoy completamente olvidada saga Zero Hour. Y qué decir de su participación en Green Lantern:Rebirth o Identity Crisis. Es uno de los de la lista de aquellos que no se llevan bien con Batman y no teme en confrontarlo. Tampoco duda en expresar su calentura cuando su novia/esposa/ex-esposa Black Canary se encuentra cerca. Es un barbaján como sólo lo pude ser un tipo con ese bigotazo y esa barba.

Durante muchos años se le ha intentado dar más presencia al lado de los jugadores más establecidos del universo DC; sin embargo, pocas veces han logrado llamar la atención de no ser por la corrida del director/actor/escritor Kevin Smith, quien, después de su también apreciado trabajo con Daredevil, se propuso el reto de agarrar a otro personaje de segunda y ubicarlo entre los mejores, luego entonces, Flecha Verde era el cómic a leer.

Pues nos podemos olvidar de todo esto.

Con la llegada de “Los Nuevos 52” de DC Comics, vemos uno de los cambios más radicales de alguno de los personajes. De entrada el traje ha sido modificado, tendido más hacia una armadura, como parece ser el común denominador de la mayoría de los personajes, y se asemeja más a su versión “Smallville” como lo vio en televisión. Adiós al vello facial y la capucha podría ser sólo un adorno. No vemos a Black Canary por ningún lado, y los múltiples sidekicks que ha tenido Green Arrow en su historia son ahora suplantados por dos asistentes que lo apoyarán más vía radio y con tecnología inalámbrica. Aquella personalidad de la que les platicaba no se asoma, y es más un superhéroe que conquista la misión ocasional. Es un Flecha Verde que luce “más chavo”, la que seguramente fue la orden principal para el nuevo universo DC, como ya lo vimos con Superman y el Comisionado Gordon.

Además del personaje y de la importancia del título, otra razón que podría llevarme a suscribirme a algunos de “Los Nuevos 52” eran los creadores involucrados. En esta ocasión fue más por el dibujante Dan Jurgens y porque el entintador fuera George Pérez, que por el escritor J.T. Krul, quien ya venía narrando la historia de Flecha Verde como el Robin Hood moderno que cuidaba el bosque de Star City durante el episodio Brightest Day. Sin embargo, éste Flecha Verde, con esos dibujos, me saben más a un Booster Gold, el título del cual venía Jurgens.

Malo no está, pero me parece que ya tengo un primer candidato para quitarlo de la mencionada suscripción.

P.D. Minutos después de escribir ésta reseña, se dio a conocer que J.T. Krul había renunciado al título de Green Arrow para enfocarse únicamente al de Captain Atom.

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Watchmen, de Alan Moore, y The Dark Knight Returns, de Frank Millar, son consideradas dos de las historias que cambiaron el rumbo de los comics a mediados de los ochenta. Muy cerca de éstas debemos ubicar a The Killing Joke, también de Moore. Esta novela gráfica convirtió a The Joker en uno de los villanos más macabros en la historia de la cultura popular moderna, pues en primera, nos muestra su verdadero origen; demuestra que Batman está igual de orate que él, pero además, se encargó de destrozar la vida de Barbara Gordon, Batichica, al violarla, dispararle y dejarla paralítica de por vida… hasta septiembre del 2011.

Cuando DC Comics anunció que Barbara regresaría al disfraz clásico de Batichica, aquel legendario que inclusive vio su adaptación en la televisión en la mítica serie de la pantalla chica, me pareció una de las peores decisiones de estos cambios. Ellos aseguraban, sin embargo, que The Kiling Joke sí había ocurrido y no sería borrada de la continuidad.

Y es que Gordon se había convertido en un personaje con una gran evolución. Una silla de ruedas no iba a impedir que la heroína continuara con su lucha contra el mal, por lo cual se convirtió en Oracle, un apoyo incondicional para cualquier superhéroe que así lo solicitara, pues Barbara, frente a un puñado de ordenadores, podría conseguir cualquier tipo de información, rastrear llamadas y hasta coordinar operaciones encubiertas a través de una diadema y un auricular. Oracle se dedicó también, durante mucho tiempo, a reunir a varias superheroínas bajo el nombre de Birds of Prey, que inclusive llegaron a la televisión con actores reales, por lo menos durante trece episodios.

En protesta, fue uno de los títulos a los cuales decidí no suscribirme, pero la curiosidad me mató y me compré el nuevo número #1 de la serie. Y me gustó.

En efecto, lo que vemos es que The Killing Joke sí existió, pero Oracle no. Y entonces, después de varios años de rehabilitación, Barbara vuelve a usar el traje de Batichica: con el cabello pelirrojo al aire, la capa morada y los guantes amarillos/dorados; además de su característica motocicleta. Sin embargo, está lejos de superar mentalmente el trauma que le dejó El Guasón. El dibujo de Ardian Syaf es bueno, el logotipo no me gustó, y en el guión tenemos a Gail Simone, una de las escritoras de comics más populares de los útimos años, quien para nada es ajena a Gordon pues escribió durante varias etapas el mencionado Birds of Prey y a Wonder Woman, entre varios más.

A pesar de que durante varios años se intentó continuar con la leyenda de Batgirl, con diferentes personajes y disfraces, siendo la más interesante aquella “muda” con la máscara completa, creo que debo darle la razón a aquellos que aseguraban que ver de nuevo a Barbara como Batichica sería todo un placer. Y sí. Y si es lo que hay y Oracle quedará como el recuerdo de un grandioso y único personaje, pues adelante.

Ahora, mi siguiente pregunta sería: ¿para qué necesitamos entonces a una Batwoman?

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El segundo título en importancia dentro de la historia de DC Comics, es el Detective Comics, pues si en el Action Comics número uno, debutó Superman, fue en el DC número 27 -sí, de ahí el nombre de la empresa- cuando apareció Batman por primera vez. Con la llegada de los 52 nuevos títulos, cuya reseña comencé en el anterior post, entonces le toca al nuevo Detective Comics número uno.

Al darse cuenta que Geoff Johns y Grant Morrison no pueden escribir todos los comics mensuales, a DC no le quedó de otra más que darle oportunidad a talentos emergentes, y sí, hasta a dibujantes. Tal es el caso de Tony S. Daniel quien comenzó a llamar merecida atención cuando hizo mancuerna con el mencionado Morrison con El Hombre Murciélago, sobre todo en la conocida saga “Batman R.I.P” donde hizo un trabajo digno, más no espectacular. Ya como escritor y dibujante, se encargó de la secuela, es decir “Battle for the Cowl”, en la que varios presonajes se enfrentaron para decidir quién se quedaría como Batman ante el aparente fallecimiento de Bruce Wayne. No sé si es porque la miniserie fue de transición o porque Daniel simplemente cumplió, pero esperaba mejor dicho evento.

Así entonces, le han confiado encargarse del guión y dibujo del nuevo Detective Comics, en el cual nos queda a deber. La portada no es buena, no sabemos si vemos una cabeza decapitada de The Joker, o simplemente tiene cabecitas de muñeca en los hombros. El logotipo es feo y en una composición total, la portada debería de ser legendaria. Y no lo es.

La historia no es mala, y el enfrentamiento entre Batman y El Guasón es bueno. Sin embargo, habría que decirle a Daniel que ya estamos un poco aburridos del eterno monólogo interno y que ojalá no en cada número Batman diga “I´m Batman” porque entonces se convertirá en una broma recurrente. La historia, y algunas imágenes, son francamente violentas y el final es verdaderamente creepy. No se sí esa vaya a ser la nueva “propuesta” de los cambios en el universo DC.

Batman es de los personajes que menos cambios sufrirán en estos relanzamientos, lo que sí podemos ver es que el Comisionado Gordon ya no es tan viejo, y vuelve a ser el serio pelirrojo compadre con unos años menos.

No es una mala entrega y me interesa ver qué vienen en el 2, pero, me apresuro a decir, que el Batman # 1 estará mejor, simplemente porque tiene un mejor equipo: Scott Snyder en el guión, quien anda rompiéndola con su American Vampire, y Greg Capullo en el arte, el digno sucesor de Todd McFarlane en Spawn. Y entonces, poniéndome exquisito, no es un digno Detective Comics número uno, el cual, insisto, debió haber sido ya un clásico instantáneo.

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Llegó septiembre y con él, el nuevo universo de DC Comics. En un esfuerzo polémico y atrevido por captar nuevas audiencias y recuperar el terreno perdido que desde hace años llevan ante Marvel, el evento Flashpoint fue el pretexto perfecto para realizar una serie de cambios que podría resumirse como el “quedarse con lo que funcionaba y desechar lo que no”. De esta manera, no hay reglas. Los eventos que transcurrieron hace años no necesariamente continuarán, pero podrán mezclarse con sucesos de meses pasados. Y no hay una historia que lo vaya a explicar. Poco a poco nos iremos dando cuenta de cómo se acomodaron. El primer título, de los nuevos 52 números unos que editará DC este mes, fue el Justice League #1 en el que veremos cómo se forma, de nuevo, la Liga de la Justicia, pero hace 5 años.

El siguiente en importancia sería el Action Comics #1, el legendario título que le diera vida a Superman en  1938 comienza de nuevo, también con el primer superhéroe del mundo como protagonista.

El ver a Superman con jeans y una capita corta no me motivaba mucho. El hecho de que Grant Morrison fuera a encargarse del título, menos. Y es que su JLA me la esperaba mejor. Su All-Star Superman me encantó; su Batman R.I.P. me costó trabajo; su Return of Bruce Wayne me aburrió, y Batman and Robin estuvo entretenido. Pero lo que si se pasó de tueste fue su Final Crisis: complicada a morir. Me parece que Morrison funciona mejor si lo mantiene simple y, de entrada, es lo que hace con el nuevo Action Comics. La mayoría de las veces que hemos leído la frase “regreso a las raíces” nos hemos llevado un chasco, y no ha sido más que un gancho para vender un evento o historia. Morrison sí lo hace. Hemos visto en esta primera entrega al Superman que todavía no vuela, sino que brinca muy alto. Al que, para avanzar, corre muy rápido, no eleva los brazos y flota. Un Superman cuyo rostro aún puede ser dañado en una pelea, y claro, quedar al borde de la muerte después de detener un tren.

Ayuda el dibujo de Rag Morales a hacerlo parecer retro, sobre todo con algunos rostros que nos remiten a la caricaturización de Joe Shuster, recordando la portada clásica del primer Action Comics #1.

Desde que se mostraron las primeras imágenes sobre el rediseño de personajes para Los Nuevos 52, se vio a un Superman más joven y quizás es lo que más me brinca de ésta nueva versión, pero fuera de ello, ya llevamos dos palomitas. La primera fue lograda con el Justice League, conseguida en su totalidad por el dibujo de Jim Lee, quien hace a unos extraordinarios Batman y Green Lantern en el nuevo número uno de dicha serie.

¿Lo irá a lograr DC Comics?

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X-Men: First Class llega a DVD y Blu-ray, para esta entrega Capitán Pada nos lleva por la explicación de los personajes, detalles y algunos extras

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A todos nos ha pasado el fenómeno de la sobrevaluación o la subvaluación. Nos hablan maravillas de un disco, de una banda, de una serie de televisión y claro, de una película, elevando las expectativas al límite, para entonces, al momento de consumirlo, quedarse con un sabor de boca que dice “Sí está bien, pero no es para tanto”. Por supuesto, funciona a la inversa cuando te hablan de una verdadera porquería, y a la mera hora, no lo es tanto, en un análisis más meticuloso. Es muy probable que esto último me haya pasado con la primera película de Linterna Verde. Nunca me latió Ryan Reynolds como Hal Jordan. No sólo porque me parece que su fuerte es la comedia romántica, que ha logrado con buenos resultados como es el caso de “Definitely, Maybe”; pero, además, porque en acción nunca ha convencido, como en “Blade 3” y en “X-Men Origins: Wolverine”, cuyo Deadpool se quedó a medias. Agregándole, claro, como ya lo hice con el caso de Chris- Soy la Antorcha Humana pero también el Capitán América- Evans, como lo decía en mi anterior post, me cuesta trabajo creer que de verdad no había nadie más indicado para el papel del Green Lantern humano.

Que el traje fuera completamente animado por computadora me daba mala espina, además de pretender hacerlo más “orgánico”. A mi eso me empezaba a oler a un “Episodio I de Star Wars” dónde se exageró con los efectos especiales, que fuera de adornar, distraían de lo principal. Las malas críticas y la lenta recuperación de costos en la taquilla norteamericana decrecieron mi interés por ver la cinta.

Pero había que hacerlo, y entonces, primero lo malo:

A pesar de que semanas antes de su estreno, se dio a conocer que a la cinta le habían destinado aún más presupuesto para efectos especiales, pues los que tenía no convencía a muchos involucrados en la producción, no fue suficiente. El poder verde luce feo, chafa, sin definición. Me parece que no hubo un estudio o guía de cómo querían que se viera en la pantalla. Más real o más caricaturizado, lo que fuera, pero que se viera definido, constante, congruente. Pero la medalla al poco y mal logrado diseño de los efectos especiales, se lo lleva Parallax. Este ente, que en los cómics luce completamente diferente, resulta patético y se parece más al Spider Baby, la araña mecánica con cabeza de bebé de juguete de Toy Story. Si me apuran, Parallax no era un villano que debía aparecer en una primera entrega, pues en un afán de querer explicar de una vez el poder verde de la voluntad y el poder amarillo del miedo, se pierde tiempo y la película llega a sufrir de demasiado diálogo y de escenas innecesarias: si voy a ver una película de Green Lantern, quiero ver a Linterna Verde, no quiero ver una persecución de aviones que, créanme, ya he visto una y otra vez en el cine. Hector Hammond tampoco me pareció una buena elección de villano, a pesar de que, en un inicio, el actor Peter Sarsgaard lo hace muy bien, pero conforme el personaje se va caricaturizando, cuesta más trabajo creerle. Y es que no había manera de que un maloso cabezón luciera bien en la vida real, ya de origen era difícil. Al contrario, conforme avanza la cinta, debo decir que tanto Ryan Reynolds como el traje me convencieron. No me conformo, pero me convence. Me parece que la mejor secuencia de toda la cinta es cuando Hal visita, por primera vez, Oa.

Y es que he dejado lo mejor para el final:

Mark Strong como Sinestro está fenomenal. Y ahí estaba la respuesta para crear una película redondita: Contar entonces mejor, sí, el origen de Hal Jordan, pero de la mano de la transformación de Siniestro, el “Mejor Linterna Verde de todos los tiempos”, a la de “Nemesis de Los Linterna Verde” y claro, terminar con la creación del primer anillo amarillo, pues la escena post créditos, no tiene, hasta el momento, justificación alguna en la historia.

Green Lantern, entonces, se queda verde en varios aspectos y no termina por cerrar la pinza. Vaya, hasta en la primera pronunciación del juramento, ¿cómo para que tenía que estar entrelazado con la transformación de Hammond? Y es más, es en ese momento cuando debimos de haber visto la primera aparición del traje. Pero, a pesar de todo, hay un mundo de oportunidad con la ya anunciada secuela. Sí, todavía hay luz al final del túnel…

Aquí el trailer del filme:

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘rojano25’.

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De las cosas rescatables de las dos películas de Los Cuatro Fantásticos fueron la interpretación de Chris Evans como La Antorcha Humana, y la muy bien retratada relación con La Mole. Es en The Losers (muy recomendable) donde se mereció mucho más respeto de mi parte, porque son precisamente ese tipo de papeles los que le quedan muy bien, con tonos de comedia y aventura. Desde que nos enteramos que él sería quien interpretaría al Capitán América en la nueva adaptación cinematográfica, muchos brincamos por dos cosas; en primera, porque no se vale interpretar a dos superhéroes, y menos del mismo universo y de la misma casa, pues resulta poco creíble que él, y sólo él, fuera el único apto para el papel. (El caso de Ryan-Deadpool, pero también Green Lantern-Reynolds, será tratado en otra ocasión); y en segunda, porque, lo primero que me vino a la mente es: si Evans y Robert Downey Jr. se van a juntar en la cinta de The Avengers en el 2012, hay uno de los dos que robará cámara por su capacidad histriónica, y vaya, simplemente por personalidad… Y creo que no necesito aclararles a cuál de los dos me refiero. Sin embargo, habría que esperar… y confiar.

Confiar en que el director Joe Johnston no era ni ajeno a las películas situadas en la Segunda Guerra Mundial ni a los personajes de cómics, como lo hizo con The Rocketeer en 1991. Si además, se iban agregando grandes actores como Tommy Lee Jones y Hugo Weaving en el rol del villano principal, las cosas marchaban bien. El traje no tenía que ser fiel. Es uno de esos casos en los que se podían unir varias ideas, como bien se nota que tomaron el original y le agregaron elementos de la versión Ultimate del Capitán América. Es más, resulta un buen gag dentro de la cinta burlarse un poco de cómo se vería si hubiera sido trasladado tal cual.

Pero el resultado final… no cumplió del todo.

La vara había quedado elevada con Iron Man y con Thor ( no así con Iron Man 2, opino yo), pero además, era el último escalón para la valiente, audaz e innovadora reunión de todos en The Avengers. Pues en el camino hay un ligero tropezón. Ligero, porque no es grave, porque la película dista mucho de ser mala o insufrible. Sin embargo, me faltó algo espectacular. Si bien en Thor muchas cosas me sorprendieron, y Iron Man fue una gran montaña rusa de emociones, gags y acción, Captain America: The First Avenger se queda corta, porque nunca terminé de creerle a Evans que él será el líder y guía de Los Vengadores. Porque la muerte de Bucky resulta simple, sin chiste, poco impactante. Y si quisieran continuar con una trilogía por separado del Cap, se arrepentirán de no haberle dado la importancia requerida a este evento.

El resto de la historia no es mala, y cumple bien la función de continuar hilando eventos de las cintas paralelas de los ya mencionados. Es más, los que estén leyendo el evento actual “Fear Itself” de Marvel Comics, encontrarán varias similitudes.

Odio la maldita costumbre de que, en las películas de superhéroes, haya un momento en el que pierden la máscara y así continúan luchando. Pasa en Spider-Man; pasó con Batman; pasó con Iron Man… supongo que obedece a cuestiones visuales y hasta de presupuesto, pero me parece que le restan importancia a todo lo que hay detrás de una máscara y las consecuencias psicológicas de la mitología de un superhéroe. Bueno, pues en Capitán América me pasó al revés: le creí perfecto a Evans que él era Steve Rogers cuando, después del suero del super-soldado, sale corriendo a la calle, pero perfecto. Weaving me logró infundir temor durante toda la planeación de la trama… hasta que revela su cara roja, la cual, desde que apareció la primera foto, no me dio mucha confianza. Sí, es Red Skull, pero, ahora sí, buscando ser más afín con el cine que con el cómic, me hubiera gustado ver algo más “real”, quizá algo de músculo al aire, dañado. Más Two-Face en The Dark Knight, y no ver al “Cráneo lleno de labial Rojo”.

Eso sí, perfectamente logrado e impactante la tecnología que se usó para la transformación de Evans cuando aparece como el “Skinny” Rogers. No hay un sólo error, o dudoso mash-up, como a veces ocurre en El Extraño Caso de Benjamin Button. Aplaudo también la interpretación del genial Stanley Tucci como el Dr. Abraham Erskine.

Llegó el Capitán América y ya no hay marcha atrás. Llegó con el primer teaser partemadres de Los Avengers; y sí, a pesar de la rapidez… insisto, Evans quedará opacado por Downey Jr. cuando en los cómics, Tony Stark debe ser, si acaso, el igual de Steve Rogers pero nunca superior. Bueno, es más, si me apuran, hasta Chris Hemsworth, como Thor, tiene más presencia.

Ahora sí, todo está listo y estamos a menos de un año para que el grito de moda sea el Avengers Assemble!

Mira el trailer de la cinta:

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘luis619ism’.

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Revive toda la saga y aquí les volvemos a presentar dicho material para que lo tengan fresco y entonces puedan gritar en el cine: “Autobots, ¡transfórmense y avancen!”

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Transformers Pt. 1
Transformers Pt. 2

La entrega del Capitán dedicada a un gran amigo habla en esta ocasión de Thor, la continuación que explica a detalle la saga del dios del trueno, no puedes estar completo sin esta entrega.

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En las películas animadas directas a DVD/Blu-ray, tanto DC Comics como Marvel han encontrado una nueva oportunidad para exponer a sus personajes e historias. Por una parte, aquellos que difícilmente veríamos en la pantalla grande, y por otra, adaptaciones de historias específicas que gustan  a los que ya las vivieron en el cómic, pero sin dejar de ser nobles y accesibles para aquellos que no cuentan con la información previa. Ya para estas alturas son varias las cintas animadas que podemos encontrar, pero, como en todo, algunas salen mejor libradas que otras.

Aprovechando, por supuesto, el debut cinematográfico del Dios del Trueno, la más reciente entrega de Marvel es Thor: Historias de Asgard. De unos años para acá, en los cómics se han creado historias que pretenden ahondar más en la juventud de Thor y su crianza; la relación con Odín, su padre; así como la de Loki, su medio hermano; y todo lo que hubo antes de que Thor llegara a la Tierra a través de Donald Blake. (Para ahondar más en esto, sugiero, sin pena alguna, la serie de podcasts dedicadas al personaje: Thor, parte 1 y Thor)

Para ser sincero, dichas historias pocas veces han cobrado una gran relevancia, por lo que la cinta animada a revisión no me atraía del todo. A Thor ya lo vimos de manera animada en la doble entrega “Hulk Vs” en la que el gigante verde pelea, en el primer episodio, contra Thor, y en el segundo, contra Wolverine. El que vale la pena es precisamente éste último.

Para “Thor: Historias de Asgard” optaron por algo que podríamos llamar “Teen Thor”: con un chalequito, sin la capa, sin el casco, y vaya, lo que más duele, sin el martillo Mjolnir, quien aparece nada más como una mera referencia y en un gag que está divertido. Los creadores tomaron elementos de las Amazonas, de La Mujer Maravilla, de Las Crónicas de Narnia, La Brújula Dorada y sobre todo, de El Señor de los Anillos. Uniendo todo esto, más música con bases celtas, nos dicen que así es Asgard, y bueno, pues hay que creerles. Cuesta trabajo, entonces, entrarle a este joven Thor con su joven hermano Loki y con los también jóvenes Warriors Three; además de Lady Sif, el mencionado Odín y un elfo que, si no mal recuerdo, no suelen vivir junto con los asgardianos. Bueno, pues una vez superando todo esto, poco a poco la cinta nos va divirtiendo, con una vuelta de tuerca interesant, y presentándonos uno de los pasajes que también pudimos ver, a su manera, en la película con actores reales: la irresponsabilidad de las acciones de Thor que desatan el rompimiento de una tregua.

La animación cumple, no hay algo que sorprenda. El casting de voces es adecuado y aquí debo anotar que no es la primera vez que Videomax, la distribuidora en México de éste material, evita ofrecer versión con subtítulos, y sólo puedes verla o doblada en español o en versión original en inglés por lo que, al usar palabras rebuscadas asgardianas, a veces podría resultar difícil entender ciertos diálogos.

“Thor: Historias de Asgard” se queda como una curiosidad, más para la colección que como una compra obligatoria.

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Este post funciona a manera de continuación del anterior, o sea, el que pueden encontrar dando clic aquí, y que se escribió antes de que viera la película. De tal forma que ésta es la reseña.

No puedo evitar, entonces, pensar que realmente estaba muy sencillo usar a los personajes que en el cómic formaron parte de la verdadera primera generación de X-Men. Es decir, en lugar de Havok, Cíclope. Un Iceman transformado completamente en hielo, con un efecto visual mucho mejor que el de diamante de Emma Frost, que se ve realmente gacho. Y procurar acomodar a Ángel de alguna manera, puesto que, como todos sabemos, en la cronología de las películas lo acomodan hasta The Last Stand. Y es que no es sólo eso, sino que la historia de Mystique con Xavier termina por hacer, de todo esto, un cagadero.

La única manera en la que esto podría funcionar, y lo haría muy bien, es como lo han hecho entrever sus productores y realizadores: que está planeada como una nueva trilogía y que ésta terminará justo para darle paso a la historia de la original saga. Si es que en un futuro veremos la incorporación de los originales originales, entonces: adelante.

X-Men First Class falla en la elección de muchos actores. La mencionada Emma Frost nunca impone, nunca es la femme fatale que es en el cómic. Vaya, ni guapa es. Mientras que en la historieta cada aparición es para poner de nervios a todos, no sólo por sus atributos físicos que no duda en mostrar cada que puede, sino porque, como ya también lo mencionaba, en cualquier momento apuñala por la espalda; Mystique es una niña chubby y aunque quieren justificarlo con sus problemas de personalidad y aceptación, y su eventual transformación en la versión de Rebecca Romijn, no puedo evitar ver a una Bridget Jones con piel azul; el adorable Nicholas Hoult funciona perfecto como Hank McCoy, más no  como Beast, y el pésimo maquillaje no le ayuda para que realmente creamos que su transformación mutante ha ocurrido; Michael Fassbender cumple muy bien como Magneto y la escena del levantamiento del submarino me parece que es una de las mejores, no sólo de la cinta, sino de toda la saga en cine; del otro lado, James McAvoy no me terminó de convencer como Xavier. A veces se la creí, a veces no, y quizás obedezca más a un problema de guión, pues eso de verlo tomar cerveza como para creer que Charles es “cool” era completamente innecesario; en esta área, entonces, el que realmente me sorprendió fue Kevin Bacon como Sebastian Shaw: un gran villano, poderoso, al que hay que temerle y mucho, sin necesidad de un disfraz subidito de folklore.

Y entonces, después de todo esto ¿qué? Bueno, los aciertos de X-Men FC recaen en que, por momentos, logra recrear y representar en la pantalla lo que el grupo fue: una serie de adolescentes que no se conocían entre sí, buscando ser aceptados, descubriendo sus poderes y el uso que les pueden dar. El que ahora serán los protagonistas de una guerra entre tres bandos y que habrá consecuencias se alcanza a ver, no por la muerte de Darwin cuyo período de luto dura menos que lo que se tarda el tipo en explotar, y bueno, claro, el objetivo principal era la relación de amistad entre Erik y Xavier que se fragmenta y se convierte en el pilar sobre el cual giran las confrontaciones entre ambos. Es precisamente por esto que en las reseñas a la cinta le está yendo muy bien, porque la aventura y la evolución de los personajes está, y bueno, hasta los trajes con amarillo lucen fenomenales en la pantalla, así como todo el entorno de la época en la cual se desarrolla la historia. Que si es mejor que Thor, que sí la franquicia estaba muerta y acaba de revivir… no comparto dichas opiniones. Que me la esperaba peor cuando vi los primeros trailers, sí. Que me la esperaba mejor después de tanto aplauso, también.

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Primero que nada, debo de sacarlo de mi sistema: Sí, la elección de los personajes es la peor. Son integrantes que han formado parte de los X-Men pero siempre han sido considerados de medio pelo. Y ya iré llegando al punto poco a poco. El hacer una precuela de una trilogía complicaba ciertos eventos, como el incluir a Wolverine, a Rogue y a Angel. El primero, claro, porque el ya tiene su cinta aparte, pero además porque los tres conocen a los X-Men hasta la primera y tercera  película de la adaptación en cine de los mutantes más populares del cómic. Pero entonces,  hubieran optado por ser más fieles al cómic y entonces irse por la verdadera primera generación de los X-Men: es decir Cíclope, Jean Grey, Beast, Iceman y Angel. En el caso de Cyclops, urge una redención del personaje en el cine después de cómo lo trataron en X-Men: The Final Stand. Por lo que entonces, si se iba a modificar la historia de todas maneras, pues por lo menos lo más apegado al cómic hubiera sido lo ideal. He escuchado buenas críticas de la cinta, y debo decir que no fue sino hasta el último trailer que entonces más o menos comenzó a convencerme de que podría tener algo interesante. Me parece entonces que, dejando a un lado a los personajes, lo que podría estar muy bien logrado en la historia es el eje de la misma: la relación entre El Profesor Xavier y Magneto. Esto sí ocurre en los cómics: en algún momento, se conocen, forman una amistad y se preocupan por el futuro de los mutantes ante los ojos del homo sapiens. Sin embargo, en el camino Eric, Magneto, va tomando decisiones radicales que obligan a Xavier a desmarcarse y elegir su propio camino para llegar a su sueño: el respeto y la convivencia total entre ambas razas. A lo largo de la trilogía original de los X-Men en cine, pudimos ver destellos de esta relación cuando los dos personajes platicaban, por lo que ojalá todo vaya encajando de manera inteligente y lineal.

Ahora bien ¿quiénes son los integrantes de la primera generación de X-Men en la película? En los cómics, éstos son:

Beast: Hank McCoy, quien cuenta con gran agilidad, fuerza e inteligencia. Desde su primera aparición y durante muchos años, no contaba con pelo azul, sino que tenía un aspecto “simiesco”. Después de experimentar consigo mismo con genes de mutación, detona la siguiente etapa de su propia metamorfosis, para ahora lucir peludo, con garras y con una cara… de bestia. Fuera de un breve período en el que retoma su apariencia humana, ahora inclusive luce más “felino” y será siempre el doctor/científico al cual los X-Men recurrirán, pero además, al ser uno de los fundadores, es una de las almas que siempre mantendrán con esperanza al equipo

Banshee: la segunda gran generación de X-Men llegó con un equipo internacional formada por la africana Storm, el canadiense Wolverine, el alemán Nightcrawler, el indio Thunderbird, el ruso Colossus y el irlandés Banshee. Cuenta con el poder de gritar… sí, gritar muy fuerte y su grito sónico sirve para atacar pero también para volar. Fuera de Thunderbird, que murió de inmediato, Banshee fue el personaje que no alcanzó a despuntar (¿ven?) y a los pocos años de debutar, se retiró del equipo y más bien fungió como personaje de soporte, hasta que en los noventa se convirtió en uno de los líderes de Generation X. Actualmente está muerto.

Havok: corresponde a una etapa intermedia entre los Nuevos X-Men, mencionados anteriormente, y la primera generación. Hermano de Cíclope, lanza rayos de plasma e ingresó al equipo al lado de Polaris, hija de Magneto. Por varios años fue el líder de X-Factor y actualmente se encuentra en el espacio

Azazel: uno de los tantos personajes inventados sólo para satisfacer cierta historia. Es el padre biológico de Nightcrawler y después de su debut en los cómics de Uncanny X-Men para explicar su origen, ha desaparecido… y eso es todo.

Emma Frost: La vimos ya en la película de Wolverine. Es de los personajes de las últimas dos décadas que, uniéndose a los X-Men, aún continúa ya como parte integral del equipo. Comenzó siendo villana, conocida como la White Queen, como parte del Hellfire Club, y su conversión al lado de los buenos llegó cuando, al lado de Banshee, también dirigió a Generation X. Es el actual interés romántico de Cíclope, desde hace ya varios años, aunque no deja de tomar decisiones polémicas por lo que en cualquier momento, todos lo sabemos, es probable que regrese al lado del mal.

Mystique: Ya la vimos en toda la trilogía original. Villana que a veces ha ayudado a los X-Men, inclusive ha sido parte, pero nunca se puede confiar en ella. Es la madre de Nightcrawler.

Sebastian Shaw: uno de los líderes del grupo secreto de mutantes malos conocidos como el Hellfire Club. Se han enfrentado a los X-Men en muchas ocasiones y son responsables en gran parte de la transformación de Phoenix a Dark Phoenix, en la legendaria saga de la misma.

Dejaré a otros personajes fuera; sin embargo, con todo esto podremos ver la película y entonces ver qué tanto fueron cambiadas las historias de los mismos. Que quede claro, que si nos van a ofrecer un buen producto, entonces no hay problema. No se trata de ser terco o fanático aferrado.

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘xmenmovies‘.

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Thor, el dios del trueno, la película ya estrenada y esta que no es la reseña de la misma sino la cronología de Thor en la voz experta del Capitán, que en cada incursión nos demuestra por qué es el mejor.

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Posibles spoilers, ¿ok?

No recuerdo dónde leí que la onda de los dioses asgardianos, no es que usaran magia, sino que su tecnología era tan avanzada y tan alejada a la nuestra, que podría parecer magia. Y ponían el mismo ejemplo: es como si le hubieran dado un iPod a un hombre de Cro-Magnon

Era muy fácil crear un Asgard y unos trajes que cayeran en lo ridículo, en lo poco creíble. Y si bien las fotos previas no me daban mucha confianza, la integración de todo el concepto ya en la pantalla grande me parece de un diseño de arte excepcional, del que me atrevo a decir, estará nominado al Oscar. No es sólo la ciudad, es la visualización del puente Bifrost y la manera en la que se transportan a la Tierra. Son esos movimientos de cámara que suben al cielo, topan con “el techo” y dan la vuelta para hacernos imaginar cómo y dónde se ubica el reino de los dioses nórdicos.

 Era también fácil irse por el lado del Thor poderosísimo, al que no se le mueve el pelo y entre más mamón hable, más se le respeta. Afortunadamente hay una mezcla del Thor que impone, pero del Thor que sonríe y que hasta puede bromear. Ya les mencionaba yo en un podcast que en el relanzamiento de la serie mensual de Thor del 2007, me parecía que el escritor J. Michael Straczynski había encontrado justo ese balance entre el si hablar de manera elegante y suntuosa, pero sin llegar a las frases intragables y hasta agotadoras. Y pues cual es mi sorpresa, que sí, al ir rolando los créditos, veo que la historia para la película fue co-escrita por JMS.

Iré dudando menos cuando un director que no había realizado una película de acción, de repente es comisionado para encargarse no sólo de una cinta de gran presupuesto y de verano, sino de un personaje establecido. Así me ocurrió con Bryan Singer y los X-Men, y así dudaba de la capacidad de Kenneth Brannagh para que no nos ofreciera simplemente una novelota. Su capacidad como actor no la dudaba, ni su facilidad para hacer llevar la obra de Shakespeare de manera amena y divertida. Pero en Thor lo logró, palomeando cada una de las escenas que queríamos ver: Volando. Estrellando el martillo contra el piso. Conjurando un rayo estirando el brazo. La capa inamovible. Y es más, nunca esperé ver el efecto del martillo girando y destruyendo enemigos.

El actor Chris Hemsworth cumple muy bien. Natalie Portman llega a ser adorable. Me parece que el que menos luce es Anthony Hopkins y dejé al final a Tom Hiddleston porque me parece formidable en el papel de Loki. Toda la complejidad del personaje en cada una de sus etapas: el celoso, el traidor, el no-villano, el maldito, el manipulador. Con la confirmación de que Loki será uno de los villanos de la cinta de los Avengers del 2012, podemos estar tranquilos por ese lado, pues el papel quedó en perfectas manos. Los personajes de soporte como Heimdall, Los Warriors Three y Sif no son de los más populares en el universo de los cómics, pero su aportación, apariciones y personificaciones están justas y necesarias sólo cuando lo requieren.

Si le quitaría algo a la película de Thor, sería algunos chistes, sobre todo los físicos, más inclinados hacia el pastelazo. Sin embargo, también hay dos maravillosos: la taza que se estrella y el “Miu Miu”, para referirse a Mjolnir, el martillo. Me hubiera gustado también ver un poco menos de romance, pues me parece que podría llegar a confundirse que, si Thor recupera sus poderes, es porque aprendió la humildad, como se lo había propuesto Odín, y no el amor para con Jane.

Thor aporta también en que, como muchos ya lo saben, veremos ya en acción a otro Avenger, Hawkeye, en el papel de Jeremy Renner. Y si bien podría parecer que para la cinta del 2012 usará ese mismo disfraz, o sea ninguno, más en la onda del universo Ultimate de los cómics, creo que sí necesito verlo en algo… más vistoso. Valga la expresión.

Que no se deje de reconocer al agente Coulson de S.H.I.E.L.D a quien, independientemente de Nick Fury, y aquí es dónde debo mencionar que deben quedarse después de los créditos de Thor, de ser el personaje conductor de las películas de Los Avengers, al verlo ya en Iron Man, Iron Man 2 y ahora en ésta, ya también lo sentimos con un amigo que conocemos y que agradecemos su participación.

Creo que es aquí también dónde debo mencionar otra tradición: Sí, la aparición de Stan Lee una vez más, es maravillosa.

Thor entonces es integral, disfrutable, emocionante. Y me robo una frase que me parece ideal para concluir: Thor ya cumplió, y lo hizo bien; ahora, le toca al Capitán América.

Mira el trailer:

P.D. Aclaro, porque a veces pensamos que es del dominio público: La película de los Avengers será la reunión de Iron Man, Hulk, Thor y el Capitán América. Por supuesto, con el elenco que los ha venido interpretando, excepto Hulk, o Bruce Banner que ahora será Mark Ruffalo. Y si todo sale bien, no me queda duda que será un momento histórico, no sólo para los cómics, sino para el cine en general.

Video tomado de YouTube, de la cuenta del usuario: ‘Newfromhollywood’.

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Una más de las entradas en la Bitácora del Capitán quien ahora es sustituido por alguien más: Sharon Carter, una testigo de primera mano en los hechos ocurridos con el Capitán América. Todos los hechos, los detalles, los pensamientos en uno de los episodios del podcast de Cómics de Dixo. El Capitán Pada nos muestra por qué es el mejor en el tema.

Agradecemos a Jessica Ortiz por su ayuda para la realización de este podcast.

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Si hay un tema con el cuál no me gusta bromear, es la inseguridad. No está padre, no estamos bien y creo que en el poder de las palabras, por lo que prefiero no invocarla. Sin embargo no pude pensar en un título más ad hoc para hablar de otro tipo de inseguridad, aquella que atenta contra la privacidad de las personas y que de un par de semanas para acá, he vivido en carne propia.

Era el puente primaveral y creo que la primera vez que me di cuenta de que no podía acceder a mi Facebook fue el sábado. Lo dejé pasar y lo atribuí a un error temporal del servidor. Pasó el domingo y el lunes y el martes que retomamos actividades normales, por Twitter nos vamos dando cuenta de que a los cuatro integrantes del programa de radio La Suerte del Conejo nos habían cancelado la cuenta, y también, la del programa en sí. En el mismo Face viene un formato que puedes llenar con algunas preguntas y te piden que mandes un scan de una identificación oficial, para comprobar que la cuenta es tuya. Poco a poco lo fuimos enviando, y en el inter, Tiro se dio cuenta de que había un nuevo Héctor Padilla, con una foto mía, perfil, que por supuesto, yo no había creado. Cabe mencionar que tenemos la ligera sospecha que la foto que ocuparon no la tomaron del Face del programa, sino podría haber estado en el perfil de Peez, el cual, al igual que el mío, no está abierto para todas las personas. Son perfiles personales.

Para éstas alturas también, ya me habían complicado parte de mi trabajo pues soy Community Manager de una de las marcas de una empresa, y claro, yo era administrador por medio de mi FB, así que pasaron dos días antes de que tuviera que crear un nuevo perfil exclusivo para el funcionamiento de dicha página.

Poco a poco los FB de mis amigos y del programa fueron reactivados, excepto el mío. Vale la pena aclarar que cuando esto ocurre, desapareces. Desapareces de manera literal. Los comentarios que alguna vez hiciste en el muro de otra persona, los mensajes privados, los tags en las fotos. Todo deja de existir. Lo cual resulta interesante como para analizar la presencia en las redes sociales.

Me llegó un correo en el cual me avisaban que mi cuenta por ningún motivo sería reactivada, puesto que había hecho uso de lenguaje ofensivo y que las políticas de Facebook no permiten de ninguna manera la discriminación racial, sexual, religiosa, etc. Bueno en caso de que lo hubiera hecho, es con mis amigos, ¿no? Con mi Facebook y lo uso como quiera. Pero no, era evidente que aquí había algo detrás. Alguien nos había denunciado a todos de un jalón, provocando el bloqueo de las cuentas, pero se había ensañado conmigo, y había creado el perfil falso. No, no era un error de servidor. Era la mala intención de alguien.

Los correos que me llegan de Facebook, en español, son párrafos pre-redactados, preparados para cualquier caso. He procurado contestar de manera concisa y explicando que, claro, se trata de un caso de seguridad y de incursión a mi vida privada. Inclusive ya me respondieron con la misma respuesta y les pedí que de verdad prestaran atención a mi caso. En el último correo, del 4 de abril, me pidieron que enviara un nuevo scan de mi ID. Envié de nuevo el IFE y ahora también pasaporte y hasta el momento no me han respondido.

En días recientes, me llegó un tuit en el cual venía copiada Jimena, la muy popular chica del Diario Récord dónde un usuario le sugería que me preguntara cómo recuperar el Facebook, pues a ella también se lo habían quitado. Le recomendé el primer paso, el formato.

Más para acá, otro tuit, dónde le dicen al monero Trino que les puedo ayudar. (Ahora resulta que soy una referencia para recuperar Facebook, jajaja) y es que, también, a nuestros amigos Jis y Trino, les habían tumbado el Facebook de su programa de radio, La Chora Interminable.

Pero el caso más grave llegó anoche en las primeras horas del día. El insomnio hizo que me despertara alrededor de las 2:00 A.M y con el sueño espantado, me puse a checar el Twitter en el teléfono. Veo dos tuits de otro amigo, Raúl Guzmán, director de Récord Guadalajara, en el cual mencionaba nuevamente a Jimena, y que las propuestas sexuales que estaban apareciendo en su Twitter, evidentemente no eran de ella y que alguien acababa de hackear su cuenta. De inmediato me pasé a revisar el TL de Jimena, y en efecto, los tuits eran explícitamente sexuales y vulgares. Pasaron algunos minutos y Jimena, la real, comenzó a comunicarse con el hacker a través de la cuenta de su programa de radio de Récord FM, la Banda de Jimena, con una clara impotencia por parte de la chica ante el sujeto que evidentemente estaba buscando atacarla, primero con su FB y ahora con su TW. Al parecer mantuvieron comunicación por Mensaje Directo, pero el tipo no la bajaba de mamona y de que si no contestaba rápido, cancelaría la cuenta. Para éstas alturas, el avatar ya había cambiado por una foto, vulgar, de una chica que parecía Jimena. Cuando parecía que el tipo ya se iba a desconectar y que mañana nos enteraríamos que pasaría con el Twitter, al parecer dejó dicho que mejor no, que mejor cancelaría la cuenta y con una evidente amenaza en la cual aseguraba ser un tipo influyente y que ya sabía dónde vivía, etc. Quiero repetir: fue una amenaza. Y de inmediato me hizo recordar el no tan lejano caso de la colaboradora de Brozo a la cual también habían hackeado y usado información personal para chantajearla. En ese caso, muchos se dejaron ir por si Brozo había usado un medio para amenazar, que si había abusado de la cámara. No no, perdón, ¡con justa razón! Cierto es que en el momento en el que decidimos entrar a una red social, asumimos la responsabilidad, pero no debería de ser así, ni en FB ni en Twitter ni con nuestras cuentas de banco, las líneas telefónicas y un largo etcétera. Pero creo que se nos está olvidando el tema de fondo: la privacidad y la inseguridad.

Y así, a los pocos minutos, adiós. La cuenta de Jimena ya no existía. El usuario había desaparecido.

Si Jimena es o no santo de la devoción de todos, no está a discusión. Se metieron con su trabajo, con su vida privada y caray, lo que más duele, la intimidad ¿O vamos a creer que el sujeto no habrá leído sus mensajes directos? ¿Qué tanta información valiosa pudo obtener sobre ella?

En mi caso, pues me tranquiliza saber que mi Facebook está retenido… por Facebook pues. Y que no lo tiene nadie más. Pero en el de ella, no está nada divertido lo que le ocurrió. En tiempos de la Inseguridad 2.0

Cobardes, los que no están dando la cara. El chiste de una travesura es darse crédito. ¿O su vida está tan jodida que hasta en su falsa identidad son inseguros?

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UPDATE 7 abril: Parecería que fue todo planeado, pero les juro que no fue así. Más bien le agrega un tinte de ironía muy particular. Me gustaría pensar que la gente de Facebook leyó mi post y que tomó acciones. Sí, aja. O simplemente la realidad se encargó de cerrar este texto de una manera en la cual ni siquiera yo tuve el control. Hace un par de horas me llegó un correo donde se anunciaba que, después de analizar mi situación, llegaron a la conclusión de que mi cuenta de Facebook, había sido retenida por un error y que ya estaba reestablecida. Y así fue.

Para realizar la serie de podcasts dedicados a Flash, cuya primera parte se encuentra con un click aquí, y todo su universo particular, siento la necesidad de tener la información, los datos, y sobre todo el mood muy frescos, porque así podré explicar lo que está en una delgada línea de que a la gente que no la conozca le resulte interesante, o simplemente le represente un lío tremendo del cual se aburrirán muy pronto.

Sobre todo, hay que comprender el entorno histórico bajo el cual van surgiendo las diferentes etapas del personaje y el por qué. Y entonces, de repente, todo se me comenzó a acomodar: no era sólo darle una revisada a fechas y detalles, sino abrazar las situaciones para entonces contar la historia de manera pareja: entre el mundo del cómic y del mundo real. Digo que todo se acomodó porque he comenzado a leer la saga ‘DC:The New Frontier’ y que, por supuesto, el hilo conductor es el surgimiento de la época plateada (y a la cual claro, le dedicaré un post aparte) mientras que, buscando precisamente la adaptación animada de dicha mini-serie, que no encontré, me topé con otro DVD de esos que ahora traen la caja amarilla, pero de importación: ‘Secret Origin: The Story of DC Comics’.

Se trata de un documental editado el año pasado, narrado por Ryan Reynolds, el ahora Linterna Verde del cine, y que cuenta con entrevistas con varias figuras claves de los 75 años de historia de la compañía, desde las épocas pre-DC, hasta lo que eventualmente se convertiría en la creadora y punta de lanza en la industria del entretenimiento del cómic. Y es que ésta información resulta primordial para otro post que tengo planeado sobre el cómo DC Comics no ha sabido capitalizar el potencial que tiene y ocupar el lugar que en varias ocasiones ha ocupado sobre Marvel. Lo bueno es que se reconocen estos errores y se analizan y entonces es lo que hace a este documental tan interesante y rico en contenido. Memorable es, por ejemplo, cuando se recuerda, por si ustedes no lo sabían, como un juego de golf detonó que Stan Lee creara a Los Cuatro Fantásticos, en respuesta a la recién creada Liga de la Justicia en la época plateada.

No busquen el ‘Secret’ en ‘Secret Origin’, simplemente se trata de una marca que usa DC para sacar especiales cuando se trata de contar o revitalizar el origen de alguno personaje, e inclusive llegó a ser una serie mensual que se dedicaba a contar precisamente el origen de éstos. Pero tampoco busquen la historia de los personajes, sino, insisto, es un documento del cómo las historias y el mood bajo las cuales se creaban, reflejaban lo que estaba ocurriendo en el entorno social del mundo y sobre todo, de Estados Unidos. Y es por esto que vale la pena adquirir este material, inclusive sabiendo o no de la historia de DC Comics, y para conocer más, no sólo de ésta compañía, sino como medio de entretenimiento.

Es más, para que no se diga que en éste espacio, no se le da a usted el lector más por lo menos, les dejo éste pequeño corto, que precisamente va justo en éste sentido. No tiene que ver con el DVD pero sí refleja todo lo anterior:

Velo con un clik acá.

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El más rápido, o quizá no pero si es veloz. El cómic más caro, o quizá no pero tampoco está barato. El más complicado, o quizá no pero tampoco está fácil de entender… Para todo eso Capitán Pada nos presenta el mundo de Flash.

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Quedó fuera del podcast la charla con el dibujante mexicano Humberto Ramos (el cual encuentran dando click aquí), por cuestiones técnicas, no por otra cosa, la parte en la que menciona a ”Kraven´s Last Hunt” como una de sus historias favoritas de Spider-Man. Curiosamente, ante el regreso del personaje en la saga “Grim Hunt” que ocurrió el año pasado en el título Amazing Spider-Man, me dispuse a leer su muerte de nuevo, pero me di cuenta que sólo tenía la versión mexicana publicada por allá de 1989 a través de Novedades Editores. Luego entonces, me lancé a comprarme la recopilación con las 6 partes de la historia y ya tenía ganas de escribir sobre ésta. La reimpresión de entrada vale la pena por la introducción que escribe el autor de la saga, J.M. DeMatteis, en la cual nos platica el origen de dicha historia y cómo en su momento era un guión planeado para Batman. Y que de hecho, y siguen las casualidades, es una trama (que eventualmente sí escribió después para Batman) en la cual quiero basarme para escribir un post sobre la risa, pero eso será después. 

Comenzando entonces, coincido completamente con DeMatteis en que Kraven podría no preocuparme menos. Un tipo barbón con un chalequito de peluche de león y chanclas al lado de un Rino o un Doctor Pulpo no tenía nada que hacer. Lo que sí me preocupó mucho fue el cómo “La última cacería de Kraven” me voló la cabeza, y al abrir el trade paperback y leerla de nuevo, recordé paso a paso el porqué. 

Kraven sepultaba a El Hombre Araña. Lo sepultaba vivo: Uno de mis mayores miedos. Estaba esperando que en cualquier momento pudiera voltear la página y que todo se tratara de un sueño. Porque robar bancos y matar a tu novia güera, pues está bien, ¿no? Pero, ¿sepultar vivo a alguien? Eso sí está manchado. Kraven entonces se convertía en un ser de cuidado. Sí, en un ser que no podía hacer nada contra Spider-Man, de no ser por sus dardos con tranquilizante para elefante y sus boleadoras. Nada más que aquí no le había dado tregua al héroe. 

Por si fuera poco, se nos presentaba, o por lo menos quizás por primera vez para mí, a un tipo que era una rata. Una rata humana, repulsiva, nauseabunda, asquerosa. Vermin, el hombre rata. Es realmente grotesca la escena en la cual este sujeto lame la cara de una mujer policía y uno no puede evitar imaginarse a lo que sabe eso, a lo que huele, lo que debe sentirse. Deja tú agarrarte a golpes con un ser de estas características, sino simplemente tocarlo. 

El dibujo corre a cargo de Mike Zeck, quien siempre lo hizo muy bien y de quien es una verdadera lástima que no se tenga tanto material como de otros dibujantes legendarios. Zeck es recordado por la primera mini-serie de The Punisher y su corrida en el título del Capitán América y ahí fue el autor de una imagen clásica: la portada del anual número 8 en la cual Wolverine saca chispas con sus garras al estrellarlas contra el escudo del Cap y que tantas veces ha sido homenajeada/parodiada. Zeck también es responsable del arte de Secret Wars, la épica saga de los ochenta, y fue él el co-diseñador del traje negro de Spider-Man, que dicho sea de paso, también es el que porta en Kraven´s Last Hunt. Otro de los motivos por los cuales me atrae tanto la historia pues debo decir que, dejando a un lado nostalgias y clásicos, siempre será mi favorito. 

Esta historia también es conocida como “Fearful Symmetry” y es que otra de las genialidades de DeMatteis es irnos narrando el cuento desde los diferentes puntos de vista de los involucrados, haciendo énfasis en aquellas similitudes no tan obvias de los mismos. La obsesión y resignación de Kraven, el paralelismo entre estar enterrado vivo y escalar hacia la luz de Spider-Man, la soledad de la recién casada Mary Jane y la búsqueda de Vermin por saberse si es un ser animal o un humano incomprendido. Sí, así: son sólo cuatro actores, los cuales se mueven en esta obra teatral con la ciudad lluviosa, las coladeras y la gran mansión como escenarios. 

Sí, hoy Brian Michael Bendis es un experto, y en sí, muchos de los comics de Marvel hoy en día se escriben así, en la “descompresión”, o sea, paneles casi estáticos que se mueven poco de uno a otro, o cuadros con nada de letras. Ya DeMatteis lo estaba haciendo desde entonces, y fue una gran característica de su trabajo en los años siguientes. Si hoy en día no es nada raro encontrarnos con comics de por lo menos, una página completa con un sólo dibujo, en las 6 entregas de Kraven´s Last Hunt veremos varias realmente impactantes. 

Años después aparecería una secuela con el mismo equipo creativo, un one shot llamado “Soul of The Hunter” pero era completamente innecesaria y poca justicia le hizo a ésta. Si bien muchos dicen que ahora con “Grim Hunt” se le faltó el respeto a la saga original, insisto en que habría que verlas por separado y son muy diferentes, y por su lado, sin estériles comparaciones, “Grim Hunt” no está mal. 

Si andan buscando clásicos, que se pueden comprender en su totalidad, y que quizás no son tan mencionados en las listas de lo mejor, les aseguro que ésta es una de las aventuras más completas de El Hombre Araña.

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En el resumen de lo mejor del 2010, la última parte en donde el Capitán nos da las pistas de lo que vendrá en este año.

¿Capitán América? (no confundir con Capitán Pada) ¿Thor? ¿X-Men? No te pierdas lo mejor del 2010 en su capítulo final.

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En Los Cuatro Fantásticos, Peter Parker ha encontrado grandes aliados no sólo para los golpes, sino en Reed, una especie de padre con quien puede ñoñear de tecnología. A Sue llegó a tirarle la onda recién se conocieron, con Ben ha tenido grandes aventuras y ahora son compañeros en los New Avengers. Bueno, tan es así que los cuatro ya conocen de nuevo la identidad de Spider-man, por voluntad de Peter, después de los eventos de Brand New Day, pues ahora era Mary Jane la única que conocía dicho secreto.

(Comienza Zona Spoiler)

Pero en Johnny, en Johnny Storm, Spider-man ha encontrado al hermano que nunca tuvo. Con quien puede pelearse y lanzar bromas pesadas para luego estar comiendo pizza a la media hora. Sí, si cualquiera de los cuatro muriera, sería un duro golpe para Spider-man, pero Johnny, quizás Johnny le dolería más. 

Con todos estos elementos, la noticia se confirmaría no el día de la venta de la esperada conclusión de “Three”, sino un día antes. Se sabía que el número vendría en una bolsa negra para que la sorpresa realmente fuera eso. Sin embargo, los medios de comunicación para tener la nota, sin cautela soltaron la noticia tal cual. Habría que revisar quién fue primero, si el resto o el mismo Marvel a través de su página de Internet, quien ese mismo día había subido un artículo, claro, advirtiendo de spoilers pero en el cual también se revelaba la verdad. ¿Marvel cedió ante la filtración de la noticia? ¿O simplemente se dio un tiro en el pie y la función de la bolsa negra había quedado nulificada? 

En 1997 el número uno de la serie Thunderbolts sorprendió con una espectacular página final en la cual se revelaba que en realidad el grupo estaba confirmado por villanos. El escritor Kurt Busiek declaró estar muy contento de que, aún en una época en la que todo se filtraba por Internet (y eso que era 1997), habían podido mantener el secreto.

No fue sino hasta que salió  y tuvimos en las manos el número 2 de la mini-serie Civil War en el 2006 que todo el mundo nos enteramos que Spider-man había tomado la decisión de desenmascararse en una conferencia de prensa. 

Fuera entonces de que se le quitó cierta magia, el esperado número llegó. En una sencilla trama, o más bien en la trama de cajón número 16 para matar a alguien en la cual el-sujeto-en-cuestión-decide -quedarse-a-combatir-a-los-malos-porque-alguien-tiene-que-quedarse-para-que-los-demás-se-salven. La Antorcha Humana es atacada por una horda de miles de seres de la Zona Negativa y desaparece entre éstos ante la mirada de La Mole, quien no puede evitar soltar una lágrima en quizás el cuadro más emotivo del cómic. El otro es justo el último, en el cual Ben abraza a Valerie y a Franklin Richards, quienes acaban de perder a su tío. La última página del cómic nos revela, con un 3 en un círculo azul, el título de dicha historia: The Last Stand of Johnny Storm. 

Tenía rato de no ver tanta euforia por un cómic. En la más popular tienda de cómics en México, me suscribí para asegurarme de alcanzarlo. El ejemplar se te entregaba en caja y sólo se permitía uno por persona, por más que vi rogar a un sujeto que quería llevarse dos (“es que mi hermano no pudo venir”). Desconozco en cuánto esté un ejemplar original aún cerrado, pero sin duda alguna ya alcanzó un nivel de nuevo clásico. Y sí, a pesar de que ya sabíamos quién era el elegido por la muerte, sacarlo de la bolsa y conocer por primera vez la portada me hizo sentir que, afortunadamente para románticos como yo, estamos lejos, muy lejos de que el cómic impreso sea suplantado por el cómic digital. 

Lo que sigue es que Reed y Sue se enteren de lo que sucedió, lo cual seguramente quedará  explicado en el número 588, el cual será el último de la serie Fantastic Four. 

Se sabía ya que en marzo saldría el título “FF” con los mismos: Hickman en el guión y Steve Epting en el dibujo. Lo que se reveló esta semana es que “FF”  quiere decir Future Foundation, y que ante la muerte de Johnny, el resto tomará la decisión de dejar de llamarse Los Cuatro Fantásticos pero además, el personaje que se les unirá en esta nueva asociación será… Spider-man, y entonces todo aquél con lo que comenzó éste post, cobra más sentido.

La FF tendrá nuevos trajes y un nuevo logo, incluyendo uno para El Hombre Araña, como si los que están debutando en el Amazing Spider-man no fueran suficiente, y claro, por si no apareciera en otros títulos como Avengers y New Avengers.

Así entonces por el momento, no hay más Cuatro Fantásticos… claro, hasta nuevo aviso.

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(Continúa del post anterior)

Después de la mini serie Dark Reign: Fantastic Four, Jonathan Hickman comenzó a hacerse cargo del guión del título mensual “Fantastic Four” en el número 570, en agosto del 2009. Y así comenzó a jugar no sólo con Johnny, Ben, Reed y Sue, sino con los hijos de éstos, Valeria y Franklin, además, claro, con villanos clásicos de los FF y creando nuevos personajes alrededor de la vasta mitología de la primera familia de Marvel. La crítica de inmediato comenzó a ovacionar la corrida de Hickman, logrando inclusive que varios números se fueran directo a reimpresión. Los Cuatro Fantásticos viajaron a diferentes mundos, conocieron dimensiones alternas y enfrentaron a diferentes seres, hasta que en algún momento, se soltó la bomba: uno de los Fantastic Four moriría en enero del 2011, y la historia sería contada en la saga cínicamente conocida como “Three”, que comenzaría en el 583 y concluiría en el 587. En estos números, se pondría a cada uno por separado, en situaciones que apuntarían a que cualquiera podría fallecer o ser asesinado. La Mole regresa a su estado humano, Susan se involucra con seres submarinos al lado de Namor, Mr. Fantastic se enfrenta a Galactus, otra vez, y Johnny será vital para evitar una invasión de la Zona Negativa a la Tierra.

Pero aún así, existían unos que tenían más probabilidades de morir que otros. Y no por la historia dentro del cómic, sino fuera de él.

(Comienza la Zona de Spoilers)

Ya en el número 381, de 1993, Reed había muerto, junto con el Dr. Doom. En una etapa polémica pues sin duda alguna era una respuesta, una de las cientas, ante el éxito de La Muerte de Superman, y en la que la Mujer Invisible portaba un traje en el que el “cuatro” era formado por un agujero en el escote, además de usar una especie de “hot pants” y botas hasta las… O sea, en pocas palabras, parecía una p    una p     ok, no, no puedo decirlo.

Reed regresaría casi tres años después, en el 407 y el título iba de mal en peor hasta que ocurrió el evento Onslaught y fue relanzado bajo la visión de Jim Lee, como les comentaba en el post anterior.

A menos entonces, que Hickman fuera un cínico, era poco probable que Reed muriera.

Más adelante, con el maravilloso equipo de Mark Waid en el guión y el ya fallecido Mike Wieringo en el dibujo, los Cuatro Fantásticos quisieron levantar la cabeza y asomarse en las listas, pero tampoco funcionó. Durante esta etapa, se regresó a la numeración original y entonces en el número 500, La Mole murió, pero muy pronto su alma sería rescatada para regresar a la vida. Así que, nuevamente, a menos que quisieran ensañarse con Ben Grimm, ahí teníamos otro descartado.

Nos quedaban Sue y Johnny, en mi particular punto de vista, que la Mujer Invisible fuera quien falleciera, le daría interesantes herramientas al escritor para contar la historia de cómo la familia tendría que lidiar sin el corazón de Los Cuatro Fantásticos. Sin la contraparte femenina, sin la que, a final de cuentas, tiene el superpoder más fuerte en cuanto más lo desarrolla. Sin embargo, cuando se dieron a conocer los avances para los comics de marzo, cualquier duda fue disipada y la respuesta me la dio el Amazing Spider-man #657 en el que se muestra al superhéroe en cuclillas, melancólico hasta cierto punto y en el cielo, el tradicional “4” iluminado que en diversas ocasiones fungía a manera de bati-señal. 

(Continuará) 

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En la segunda entrega de lo mejor en cómics del 2010 el Cápitan nos habla sobre Avengers, Spiderman, Wonder Woman y múcho más.

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“The World´s Greatest Comic Magazine” y “Marvel´s First Family” son sólo algunas frases que los que amamos los cómics identificamos directamente con Los Cuatro Fantásticos. Y tienen toda la razón para ser tan presumidas, pues la era Marvel de los cómics comenzó claro, con aquél Fantastic Four número uno de 1961. No hace falta ser un erudito para comprender el porqué rompió con todo lo establecido e hicieron que los lectores comenzaran a prestarle atención a lo que un sujeto apodado Stan Lee estaba haciendo: superhéroes sin identidades secretas, personajes unidos más que por el destino, primero por lazos sanguíneos, amorosos y amistosos, y sobre todo, un monstruo como parte de los “buenos”.

“Imaginautas” es la palabra acuñada tiempo después que describía a la perfección lo que son Los Cuatro Fantásticos. Porque antes que ser un grupo de superhéroes que combatía a los malos y salvaba el mundo, primero eran unos aventureros cuyo entusiasmo de su líder Reed Richards, el Mr. Fantastic, por descubrir nuevos mundos e investigar a seres de otras dimensiones, los llevaba a vivir las más inverosímiles odiseas.

Y así fue por mucho tiempo, y así se pretendió, pero las frases se quedaron en eso, pues a lo largo del tiempo, Los Cuatro Fantásticos dejaron de ser el título a comprar. Suplantado por la problemática vida de Spider-man, la incomprensión que vivían los X-Men, los anti-héroes con garras y pistolotas, etc.

Se puede afirmar que la gran época de Los Cuatro Fantásticos, fuera de la corrida original de Stan Lee en el guión y Jack Kirby en el dibujo, ocurrió cuando John Bryne escribió y dibujó el título durante la primera mitad de los ochenta, cuando venía de crear otra época plateada para otro título de Marvel, el Uncanny X-Men.

Pero después, nada. Algunos intentos con verdaderas superestrellas tanto escribiendo como dibujando, pero definitivamente para la gente, el título era tan invisible como Sue Richards. Solamente sabían que ahí seguía. Ni siquiera en el evento Onslaught y Heroes Reborn a mitad de los noventa, en la cual el título fue relanzado con el superestrella Jim Lee tomando las riendas, logró ocupar el lugar que históricamente se merece.

Bueno, es más, todavía hasta hace poco, le pidieron a Mark Millar que escribiera, con Bryan Hitch en el dibujo, la vida de Ben Grimm, La Mole, y compañía. Equipo que la había hecho en grande anteriormente, reinterpretando el concepto de Los Avengers para el universo Ultimate de Marvel, con el nombre de Los Ultimates. Bueno, pues ni así.

Hasta que entonces surge el nombre de una nueva generación: Jonathan Hickman, en quien uno de los pilares del crew de escritores de Marvel de la última década, Brian Michael Bendis, vio un tremendo potencial. De hecho, como para encargarle la co-escritura del título mensual de una de sus creaciones durante la Secret Invasion: Los Secret Warriors. Además de otro título nuevo: S.H.I.E.L.D., al que la crítica no ha dejado de alabar.

Así entonces, tarde o temprano, habría que soltarle a Hickman uno de los títulos ya establecidos, a ver si podría hacer algo para hacerlo brillar como cuando Johnny Storm, la Antorcha Humana, hace un “nova”.

Y no sólo logró captar la atención, sino que lo llevó a las noticias y a todos los medios, cuando en el 2010 se anunció que en enero 2011, moriría uno de Los Cuatro Fantásticos 

Continuará…

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Capitán Pada está de regreso con varias noticias en su Capi-cinturón. Lo mejor del 2010, un podcast que no está atrasado, sino puesto en tiempo a tiempo para que todo tenga sentido.

Escucha al experto en cómics de Dixo hablar sobre las historias, dibujantes, escritores y todo lo relacionado que más brillo en el año que ya murió.

Sigue al Capitán Pada y a Pada (comparten twitter) en su cuenta de twitter aquí.

Escucha el podcast (ya estamos trabajando en el feed y esperamos tenerlo pronto listo, ya que fue saboteado por un villano en esta historia).

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Con el rush decembrino ya no me dio tiempo de expresar en este espacio mi opinión sobre la película Red Social, pero ante su gran triunfo en la pasada entrega de los Globos de Oro, me regresaron esas ganas de analizarla.

Comienzo diciendo que, a gusto personal, Inception se quedó como una de mis favoritas del 2010, y que hubo algo, que no sé que sea, que dejó a The Social Network en el camino, que de ninguna manera quiero decir que no sea una gran película, emocionante y divertida. De esas raras ocasiones en que es mejor llegar al cine sin conocer nada sobre la verdadera historia. Divertida desde que nos da a conocer el origen del gran juguete que tenemos en nuestra pantalla, el Facebook. Juguete para la mayoría y un must para las empresas que se adentran en el mercadeo, promoción y publicidad de las redes sociales, el social media, el community manager pues.

David Fincher no es un director constante, pues así como nos puede ofrecer verdaderas obras de culto como Seven o Fight Club, nos avienta una desangelada Panic Room, una difícil Zodiac o una, valga la expresión, curiosa, Benjamin Button. Pero en Red Social podemos ver esas maravillosas situaciones en las que no sabemos sí el director es tan bueno que sacó lo mejor de los actores, o si éstos ya lo traían y su papel simplemente fue encausarlo. Lo que más importa es el resultado y así entonces Jesse Eisenberg nos ofrece una increíble interpretación del fundador del Face, Mark Zuckerberg, en una de esas fascinantes historias de la vida real de los genios convertidos en villanos incomprendidos. De los genios, en esta ocasión por demás irónica, antisociales, con poco tacto, que tantas veces hemos visto en la pantalla grande, y que en la chica podríamos mencionar, siendo ficticio claro, a Dr. House.

A su lado, otro que también sale muy bien librado, Andrew Garfield, como el mejor amigo de Mark, Eduardo Saverin, y que para aquellos que sí lo vimos en Lions for Lambs, pero que ya no nos acordábamos, o en The Imaginarium of Doctor Parnassus, The Social Network representaba una oportunidad de oro para conocer al que será el nuevo Peter Parker/Spider-man y que quizás no por nada, en recientes días, como lo conocimos aquí en Dixo, se mostró ya la primera imagen de Andrew con el nuevo traje del arácnido trepamuros. Y por no dejar, también hay que resaltar la actuación de Justin Timberlake, a quien el papel de Sean Parker, co-fundador de Napster, le queda perfecto por ser tan parecido a la personalidad del también cantante.

Con el score de Trent Reznor, la mente e imagen detrás de Nine Inch Nails, y Atticus Ross, me pasó  lo mismo que con el trabajo de Daft Punk para Tron:Legacy. Sí, suena bien escuchándolo antes de la cinta pero nada extraordinario hasta que se convierten en verdaderas maravillas una vez que ya lo escuchamos empatado con las imágenes.

Si en la mencionada entrega de los Globos de Oro se preguntaron que hacía Kevin Spacey en la mesa de The Social Network, es porque el actor funge como productor ejecutivo de la cinta, y desde que lo vi en los créditos, me hizo recordarlo en otra cinta basada en eventos de la vida real, de genios cuya historia había que contar y otra de mis grandes favoritas: 21 (o “21 Blackjack” en español).

Al ser los Globos de Oro, la no oficial “antesala” del Oscar, ya muchos apuntan a que The Social Network podría repetir triunfos en la entrega de los premios de la Academia. A mí por lo pronto ya me urge que, si la distribuidora tiene visión, la reestrenen en el cine, o bien, que salga ya en formatos caseros DVD o Blu Ray para volverla a ver.

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Para nadie es misterio que la transformación del internet de juguete a herramienta/medio de comunicación así como la proliferación de la comunicación inmediata en la que vivimos (me refiero por supuesto a los SMS y al microblogging en los status de Facebook y Twitter) la ortografía ha tenido que ser sacrificada por el espacio, por el recuadrito en el cual nos caben sólo cierto número de caractéres. Pero. Pero. Pero…aún así, hay maneras de hacer que luzca bello. Es decir, soy un ñoño al cual sí le sigue gustando cómo luce una frase bien escrita, bien acomodada, que a partir del sujeto y predicado se atreve a romper todas y cada una de las reglas para luego acomodarlas de manera inteligente, novedosa, bella pues. Sí, eso es el arte, caray. ¿Cuestión generacional? Quizás. Pero no  encuentro belleza a ber ezzcrita una fRaSe kOn ste stilooo cuyo problema no radica en que rompe las reglas. El problema es que las rompe pero ahí las deja. Yo sí quiero, insisto, de la manera más ñoña, que mis letras cobren vida, que de repente me encuentre en un mundo con B´s y M´ gigantescas que bailan al ritmo de una varita mágica y que van formando palabras con una simetría, con un poder, con una hermosura tal que desafortunadamente hemos olvidado y a lo gacho.

Igual, nuevamente, tengo que poner el escudo antes de ser atacado, pues no soy nadie para juzgar pero para mí, una persona que tiene mala ortografía, me representa dos cosas: que no lee lo suficiente y que no observa lo suficiente.

Lo primero, vaya, es principio básico de nuestro sistema de educación: la repetición. Por medio de la repetición recordaremos siempre que la Independencia es el 15 de septiembre y la Revolución el 20 de noviembre. ¿Por qué o para qué? No importa. Apréndase las fechas. El riesgo por supuesto es ver en la víspera de las mencionadas fechas, mil y un reportajes que ya no son chistosos, cuando en la calle le preguntan a la gente qué se celebra el 15, o el 20, y no saben. Sí, es culpa de ellos. Sí, pero también del sistema que dejó de recordárselos. Es decir… a lo que voy es que siempre voy a recordar que la palabra “borrador”, “berenjena” y “boliche” comienzan con “b” pues entre más lea, más probabilidades hay que en aquellas novelas o cuentos me tope con éstas palabras y nunca más las olvide. Porque no sólo estoy usando la ortografía, la estoy consumiendo. Y bueno claro, mucho ayudaría que todos escribiéramos algo. Diario. De rigor. Un pensamiento, un poema, un post, un… algo, caray. Pero en eso no me meteré ahora.

Si tienes mala ortografía, no sabes observar.  Porque, ok, ok entiendo que quizás no sepas escribir “berenjena”. Es más ¿sabes qué? ¡No tienes porqué saberlo! Pero te juro, te juro, que si escribes “teléfono selular” tienes muchos muchos problemas de observación en un mundo en el que la palabra se mira en la calle, en el cine, en la televisión y aquí mismo al lado de esta pantalla. Perdón, no sabes observar y para mí sí es un grave problema.

Aprende a diferenciar el “haber” del “a ver”. Neta no está tan complicado. Porque me cae que si pones “me voy haber una película” tienes groseros pedos de lectura, ortografía, observación y hasta de sentido común. (Y les juro que lo acabo de ver en Twitter, en lugar de darle unfollow le hubiera tomado screenshot)

Aprende a diferenciar el “Ay”  del “Hay” del “Ahí”. Éste, si quieres, sí, quizás te implica un poquito más de comprensión, pero si en éstos momentos quieres comentarme un “Ahi! Eres bien exagerado,Pada”, entonces estamos fritos.

Lo que más me puede, es la gente que, cuando le haces notar su estúpido error, te responde con el tan mediocre: “Bueno, pero me entendiste, no?”

No. Al parecer el que no me está entendiendo, eres tú.

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Nos vimos en el Mundial, nos vimos barbones como prueba de nuestra fé. En un juego, que no se confunda. Nos vimos en éste evento deportivo que a su vez me trajo un nuevo trabajo, del cual, como siempre se dice, se aprende, se gana, se gozó, en su momento, pero hasta ahí. Nos vimos en otro trabajo al cual fue requerido gracias, quiero pensar, a que a veces hago las cosas bien. El resultado no fue el que yo, y quizás el que ellos, esperaban, pero otra vez: se aprende, se conoce y se disfruta. Y nos vimos, casi también de inmediato, en otro nuevo proyecto que continúa y que precisamente hace un año, al incursionar en la red social novedad, jamás me imaginé que se convertiría en otro recurso y lugar, éste virtual, para trabajar y aprender.

Nos vimos en la fiesta y en la cruda. Nos vimos viviendo aventuras inverosímiles, dignas de guión de comedia hollywoodense y sobre todo, nos vimos riéndonos a carcajadas, de cuando el humor duele, no por gacho sino porque no se detiene.

Nos vimos y nos encontramos. Ok, no. Nos encontramos, nos vimos, nos conocimos y nos encontramos de nuevo. Que no lo es lo mismo a re-encontrarnos. Y en esos encuentros, nada más ustedes y yo, nos vimos.

Digo que nos vimos porque ni siquiera yo me vi cuando me solté aquél pesado grillete. Cuando menos me lo esperaba, volteé y ya no lo ví. Y sólo por si acaso traigo otro del que ni cuenta me he dado (Naa, no te hagas, bien sabes que ahí anda) seguramente se irá pronto, porque ya me ví.

Nos vimos creciendo como unidad, dejando en el camino al enemigo que teníamos en casa para preparar el siguiente aniversario. Nos vimos otra vez de lunes a viernes y a pesar de que hubo momentos ríspidos, parece ser que son pasajeros.

Nos re-encontramos, aquí  si, para preparar lo que podría ser un proyectazo de proporciones épicas para el 2011.

Nos vimos sufriendo, ustedes y yo, sin necesidad de hacer comparaciones, con la tensa situación económica, pero a pesar de todo, nos pudimos seguir viendo y no se si pecaba de inocencia, desidia o qué, pero sabía que todo se arreglaría pronto.

Nos vimos, ustedes y yo, por aquí, en este espacio, o nos escuchamos, hablando de cómics y de todo, hablando de si Inception y Scott Pilgrim vs. The World se quedan como mis películas favoritas del año.

Nos vimos una vez más en la música, con discos como el de Kings Of Leon o los conciertos de Muse y de Coldplay.

Nos vimos, porque sé  que se los puedo contagiar, con un gran poder para hacer lo que queramos, y ahora que estoy convencido, mucho cuidado. Nos vimos con una gran piedra de poder en la mano, que, aunque la cerremos, su luz se escapa por los dedos.

Nos vimos 2010.

Nos vemos en el 2011. 
 

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Con las voces de Tiro, Morris y Peez, Pada nos comparte está entrevista.

Escucha la entrevista en el espacio de Capitán Pada y sus monitos.

Gracias a la suerte del conejo y RMX por compartir la entrevista.

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Como lo pidieron, aquí esta de nuevo, escribiendo desde su bitácora, recordando, y confesando…

El Capitán, que en ésta ocasión le escribe a su amigo: Iron Man.

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Llegó ya de manera comercial “Seguir Siendo” el documental que de cierta manera celebra los 20 años de carrera de Café Tacvba. La dirección corre a cargo de Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto y los protagonistas, son, por supuesto, Rubén, Joselo, Quique y Meme. Aunque eso de que sean los protagonistas, es un decir, pues la verdadera estrella es un ente mágico, amorfo, propiedad de muchos y de nadie en específico, llamado Café Tacvba. A través del largometraje nos daremos cuenta, sobre todo, de que, queramos o no, la música de éstos cuatro elementos forma parte… pues sí, tendré que decirlo… del soundtrack de nuestra vida. Me cuesta trabajo pensar que haya personas que estén en contra de las creaciónes de CT, pero supongo que, como en todo, así es. Lo que comenzó primero con fusiones de raíces de la música folklórica mexicana, el rock y tintes poperos, lo cual de inmediato creó conexión entre la audiencia, ahora es un proyecto que se da el lujo de hacer melodías sin etiquetas o dicho de manera más coloquial, lo que se les antoje, y todo sonará bien, algunas canciones más afortunadas que otras, por supuesto.

A “Seguir Siendo” le falta algo, no podría explicar que es lo que sea. Quizás una conclusión que de entrada sería un error buscarlo cuando por lo general los documentales te plantean el dilema, la situación, la historia, los vértices y los diferentes puntos de vista y el final te lo dejan a tí. Quizá es un final emocionante, un final que nos haga salir adorando a Café Tacvba. Un final que sea tan emotivo con ciertos momentos en los que uno no puede evitar sentir la piel de gallina y un sabroso escalofrío que recorre la espalda. Ver cómo surgió la ahora mítica coreografía de “Dejate Caer” es un agasajo. Resulta curioso ahondar, hasta dónde se nos da permiso, en la personalidad de Rubén: un hombre tímido pero que cuando deja salir al adorable divertido, vemos que lo es tanto arriba como dentro del escenario. De Meme podemos ver… ciertas dificultades para expresar lo que quiere, pero así son aquellos que traen cientos de ideas en la cabeza. Quique nos saca varias carcajadas y Joselo nos ofrece una fuerte revelación, de esas que quizás muchos hubieran querido más. A lo cual podría haber varias explicaciones: No lo quieren contar, cuesta trabajo sacárselos o bien, simplemente no existen.

La cinta cuenta con montajes maravillosos, como la edición de los phoners entre los cuatro, en un hotel. El de Ingrata partida entre el pasado lejano y el pasado inmediato. Y quizás mi favorita: el armado de una canción que no quedaba, no satisfacía, y al final.. esa canción les otorga un reconocimiento más. Soy fan de los documentales que cuentan con la fortuna de haber estado filmando/grabando ese momento, ese momento que quizás quedaría en la sala de edición, como cinta desperdiciada o como miles de bytes de la papelera de reciclaje, pero que de lo contrario, se agradece que se haya capturado.

Recuerdo el momento exacto en el que se estrenó Revés como sencillo. Recuerdo dónde compré el Sino. Recuerdo cómo se estrenó el Cuatro Caminos. Recuerdo el concierto de los 15 años. Recuerdo muchas, muchas cosas de Café Tacvba, sin ser mi favorita del rock mexicano. Y esos recuerdos, esa nostalgia, es lo que hacen que “Seguir Siendo” nos lleve por un maravilloso paseo inocente, en el sentido más bello de la palabra. Quiero pensar, y me atrevería a asegurar, que “Seguir Siendo” no pretende convencerte de que Café Tacvba es hoy el grupo de rock más importante de México. Bueno, no me importa, antes y sobretodo después de “Seguir Siendo”, ya lo eran para mí.

Te dejo con el trailer de la película..

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Y aquí está de regreso el Capitán Pada y no viene solo pues esta de regreso Habacuc en el estudio verde y en esta ocasión platican con fervor acerca del estreno de verano llamado:

Scott Pilgrim.

Escucha el podcast del Capitán Pada  y el muchacho Habacuc

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CA

El Capitán América dejo de aparecer en los cómics en 1950. Cuando se re-introdujo en el universo Marvel en 1963, se explicó que, al tratar de detener un avión con una bomba, enviado por Baron Zemo, El Cap, es decir, Steve Rogers, y su compañero Bucky cayeron al océano después de que el artefacto explotara. El primero quedó congelado y encontrado por los Avengers, mientras que al segundo se le declaró muerto al no encontrar su cadaver

B

En 1988, Jason Todd, el segundo Robin muere a manos de The Joker, después de una votación entre los lectores que, llamando a un número telefónico, decidían si era asesinado o sobrevivía al ataque

CA

En el 2005 se dio a conocer que Bucky había sobrevivido a la explosión, a pesar de haber perdido un brazo. Fue capturado por los rusos y entrenado para convertirse en un agente secreto que se encargaba de misiones especiales, al manipular su mente. Confrontó a su ex-compañero y amigo, el Capitán América, hasta que lograron regresarlo al lado del bien

B

En el 2005, se dio a conocer que, como consecuencia de los eventos que llevarían a la Infinite Crisis, Jason Todd había regresado a la vida años antes y quería vengarse de su ex-compañero y amigo, Batman. Primero asumió la identidad de The Red Hood y luego se descubrió que era él.

CA

2007. El Capitán América es asesinado como consecuencia de la Civil War. Bucky busca venganza contra aquellos que considera responsable. En una carta escrita en caso de su eventual muerte. El Capi le pide a Tony Stark que cuide de Bucky para que no vuelva a caer en las manipulaciones del mal. Bucky considera que nadie debe asumir el papel de Steve Rogers. Iron Man lo convence de convertirse en el nuevo Capitán América.

B

2008. Se publica la serie Batman R.I.P. aunque es en realidad en el evento titulado Final Crisis en el que Batman muere después de ser atacado por Darkseid. Al final de la saga, vemos que al parecer no está muerto sino se encuentra al inicio del tiempo.Varios de sus compañeros y amigos buscan reemplazarlo en la saga “Battle for the Cowl” incluyendo a Jason Todd. Es Dick Grayson, el primer Robin, el que se convierte en el nuevo Batman (portando el disfraz del Hombre Murciélago por segunda vez)

CA

2009. Se publica la miniserie Captain América: Reborn en la que se explica que no fue asesinado sino que fue congelado en el tiempo por un trampa de sus enemigos Red Skull, Arnim Zola y el Dr.Faustus manipulando a la novia de Steve, la agente Sharon Carter. Cuando quieren regresarlo, Sharon se libera de la máquina, lo cual obliga al Capitán América a deambular por el tiempo reviviendo sus grandes triunfos y fracasos

B

2010. Se comienza a publicar la miniserie Batman: The Return of Bruce Wayne en la vemos como Batman viaja por diferentes períodos de la historia norteamericana buscando regresar a su presente. Darkseid lo convirtió en un arma de tiempo que atacará si es que regresa por lo que la Liga de la Justicia trata de detenerlo

CA

2010. Steve Rogers se incorpora a las actividades superheróicas pero le deja el traje y escudo a Bucky. El se encargará de dirigir a los diferentes grupos de Avengers simplemente como Steve Rogers

B

2010. Se sabe que una vez que Bruce Wayne regrese, Dick Grayson no dejará el traje de Batman, mientras que Bruce como Batman, se dedicará a entrenar a otros “Batman” alrededor del mundo

Las conclusiones, en esta ocasión, se las dejo a ustedes

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So pretexto de haber visto ya Biutiful, ví de nuevo Amores Perros y no me había dado cuenta que la película cumplió ya 10 años a mediados de éste 2010. Desconozco la razón pero era para que se le hiciera más ruido ¿no? Por lo menos una edición especial, o bueno ya de perdida, una re-edición de la película y del soundtrack, que no le vendría nada mal en ventas, precisamente casándola con el estreno de la más reciente cinta del director mexicano.

Sigue siendo mi largometraje favorito de AGI y después de revisarla de nuevo me atrevo a decir que casi no ha envejecido. Casi, sí. Porque hay actuaciones y diálogos que la distancia ya no se ven tan bien. Un joven Rodrigo Murray que precisamente se ve muy “chavo” en su interpretación. Un Jorge Salinas cuya confrontación final con el medio hermano incómodo hasta da un poquito de risa. Pero del otro lado, nos damos cuenta que para ser la primera película de Gael García, lo hizo bastante bien. Una Adriana Barraza que no por nada años después estaría nominada al Oscar. Y bueno, por supuesto, ni que decir de Emilio Echavarría en el papel de El Chivo sigue siendo espectacular y la transformación del final es impresionante.

Que interesante que todos recordamos a la segunda historia, la de Daniel y Valeria cómo la más floja y la más lenta, cuando en realidad es la más corta, aproximadamente media hora. Claro que se cuenta parte de ésta dentro del primer segmento y también continúa en el tercero, pero la percepción del tiempo en esa primera impresión me resulta interesante.

Era un AGI emocionado con su primera película. Un AGI que inclusive, recordarán, se da el lujo de aparecer a cuadro en las oficinas de la revista para la que trabaja Daniel e inclusive tiene un muy corto díalogo. Un AGI que se dio el lujo de meter los comerciales que hizo para el Canal 5 y para WFM. Se valía. En ese momento seguramente no sabía si sería su primera y última película y si uno uno presume sus logros, entonces ¿quién? Hablando de televisión, era también para que ya se hubiera retransmitido el cortometraje para TV, Detrás del Dinero, con la actuación de Miguel Bosé, el cual realizó en 1995 y que es bastante bueno. O bien, que viniera incluído en el DVD de los 10 años de Amores Perros. O algo pues. Como que hace falta visión para dar a conocer éste y otros materiales que AGI ha realizado para otros proyectos como el 11 09 01 con motivo del 11 de Septiembre o el corto que realizó para internet de BMW.

Regresando a Amores Perros, el soundtrack no pudo haber estado mejor en su momento. Independientemente de la colaboración (y que continuaría a lo largo de su historia por el cine) con Gustavo Santaolalla, teníamos canciones de Julieta Venegas, Café Tacvba, Control Machete con Ely Guerra, Titán y por supuesto, la clásica Lucha de Gigantes de Nacha Pop, que en su momento AGI declaró ser su canción favorita de todos los tiempos. Y sí, nuevamente, había que meterla ya, pues nunca sabría si tendría otra oportunidad.

El famoso choque sigue siendo una de las secuencias no sólo del cine mexicano, sino me atrevería a decir que del cine en general, y se necesita una gran visión para realizarlo de esa manera y entrelazarlo de varias maneras. Estoy convencido que, de no haber tenido a Crouching Tiger Hidden Dragon enfrente, Amores Perros se hubiera llevado al Oscar. Y es que su momento, la oriental innovó en el sentido estético de las peleas, pero el recurso fue tan explotado, que hizo implosión muy rápido mientras que Amores Perros trasciende mejor.

Tristemente, como solemos hacerlo, se le ha cuestionado a AGI si el cine que está realizando se olvida de sus raíces, o inclusive si Biutiful debería representar a México en los premios de la Academia. Creo que lo más importante, es que, hace 10 años, nos entregó una cinta que rompió parámetros y se atrevió a varias cosas, y deberíamos de hacerle más fiesta.

Y como hablar de Amores Perros sin escuchar ésta canción de Café Tacvba que viene el soundtrack de la película y una de las más representativas:

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Dibujaba. Mucho. Muchísimo. Por supuesto: superhéroes. Y específicamente: al Hombre Araña. Un amigo y yo jurábamos que Marvel iba a publicar nuestra Secret Wars III. Hasta que un pendejo se cagó de la risa de mis dibujos. Y ya no terminamos la historia. Pinche Eduardo pendejo. Me cagan muchos Eduardos. (El Pocas no… aún). Pero seguí dibujando… y Emilio me dijo cuál era mi pedo: había que crear primero los bocetos de un cuerpo, con curvas y figuras redondas, para entonces precisarlos mejor.

Y seguí dibujando y mejoré considerablemente… y todavía tengo varias hojas guardadas, pero poco a poco dejé de hacerlo.

Y entonces escribí.

Escribía, claro, las tareas de la escuela. Pero también para algunos fanzines y revistas de corta duración. Curioso que nunca llevara un diario, demasiado ñoño, aún para mí supongo. Y escribía guiones: de los Especiales WFM y del CharrockyFunk en su etapa con Poza. Y los W-Info que luego se convirtieron en Reporte Radical. Y ¿saben qué me sale muy bien? Las propuestas de promociones. Dinámicas, premios, logística, etc. Ya sea enviando un mail o en una bonita presentación más pro. Eso si, me cuesta un huevo sentarme a hacerlas, pero una vez encarrerado, quedan de lujo y no hay cliente que se resista.

Y entonces hablé. Y hablaba mucho. De 9 a 11 o de 1 a 3 y a veces en las madrugadas y a veces desde la calle. Hablaba tanto que en mi casa era lo que menos hacía. Y hablé durante muchos años. Hasta que había que poner las cosas en la balanza, y el habla perdió.

Entonces planeaba, comunicaba y enviaba… pero seguí escribiendo; las noticias de Charo y los Bios de Martha Debayle. Y hablando, aunque mucho menos. Pero dejé de hacerlo.

Al más puro estilo Looney Tunes, salió un lápiz desde fuera de cuadro y me borró la boca con su goma rosa. Pero las ideas, inquietudes, anécdotas, amistades, confesiones y necesidades de comunicar seguían ahí. Y entonces escribí de nuevo. Y mucho más que antes. Porque además de mis labores principales en Sónika y Sputnik-Tráfico, Promociones y Web-a escribir de televisión, a reseñar discos y a realizar entrevistas otra vez. Pero había que hacer público lo privado, porque así me entiendo mejor. Y escribí. Y cree un blog: Y la conversación vía msn con Mimoso para entrar a Dixo fue más o menos así: “Queremos que escribas un blog” Y dije “Sí” de inmediato. Ya luego pregunté de qué o porqué y dónde o cómo.

Así que si quieres platicar de los más recientes estrenos en cine, de las nuevas voces de Los Simpsons, de la angustiante espera para que comience la quinta temporada de 24, de la vez que camine pedísimo al lado de la pista de canotaje de Xochimilco en absoluta obscuridad, de Mia Kirhsner, leer mensajes ocultos, burlarte de mis anécdotas o recordar un buen concierto, bienvenido. Tráete pomo.

Y para finalizar, les pido cantar alto esta bonita canción, pero en lugar de Lisa, ponerle Dixo, y nuevamente decir… Dixo, It´s your birthday!

Aquí esta de regreso el Capitán Pada y en ésta ocación nos comparte una entrada de otro capitan:

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Me ocupo primero, del mutante.

Sabretooth estaba bien. ¿Wild Child? Quizás no tanto. Mutantes salvajes con garras brotaron como ronchas en los noventa. Uno no podía concebir un grupo de superhéroes que no tuviera su propio Wolverine. Ah, y con pasado misterioso, claro está. No sólo fuera de Marvel, sino dentro de la misma teníamos a Feral o su hermana Thornn. O de Wildside, o cientos más.

Afortunadamente fueron quedando en el olvido para quedarnos únicamente con Wolverine y con el mencionado Sabretooth. En el número 50 de la pasada serie de Wolverine se planteó que todos estos mutantes estaban relacionados con una raza derivada de los caninos y no de los primates, conocida como los Lupinos, todos comandados por Romulus, quien a su vez había manipulado prácticamente a Logan desde siempre. Romulus por supuesto, con una similitud física a Wolverine.

La parte de los Lupinos quedó un poco de lado pero en el mismo marco, surgió Daken, el hijo de Wolverine. Hijo que había sido criado y manipulado por Romulus. Hijo que, claro, tenía garras, es mal educado, salvaje, y un largo etc. Pero ya antes teníamos a X23. Una clon de Wolverine. Una adolescente clon de Wolverine. Y claro, X23, tiene garras y a veces se pone rebelde y deja salir sus instintos animales. ¿Dónde quedó lo que hace a Wolverine único? Ahora el tipo que es lo mejor en lo que hace y lo que hace no es muy lindo, pues resulta ser que también lo hace su hijo y su mujer clon. Y eso que todavía nos falta por conocer, al parecer, a otro hijo que anda por ahí perdido.

¿Y por dónde empiezo con Batman? Es Bruce Wayne la máscara de un hombre que no tiene tiempo ni interés en la interacción social. Poco contacto tiene con los humanos normales porque no se puede dar el lujo de tener una relación con ellos. Porque se podrían convertir en víctimas no sólo de sus villanos, sino de la vida del enmascarado nocturno. ¿Batman y Robin? Sí, la contraparte natural. ¿Batichica? Quizás no tanto. Atrás quedó Barbara Gordon, ahora en su papel de Oracle, para que tengamos a una nueva Batgirl. Batwoman en los cincuentas era precisamente ese tipo de personajes que rayaban en lo ridículo (sin mencionar su disfraz) La Batwoman de ahora, abiertamente homosexual, pues todavía debe de convencerme de que era necesaria su creación.

A partir de la “muerte” de Batman, surge Dick Grayson, el primer Robin, como el nuevo Batman. Tim, el tercero, adopta la identidad de Red Robin y Damian, el hijo de Bruce Wayne, se convierte en el nuevo Robin. Ahora, Batman, Bruce, regresa y se sabe que tendremos dos Batmans. Así entonces, con las dos chicas, más los Robins y los Batmans, el Batimovil tendrá que ser cambiado por una BatiVan. Pero eso no es todo, se sabe que Bruce viajará por el mundo, buscando “expandir” la franquicia de Batman para tener a un vigilante prácticamente en cada punto del planeta. Tendremos a un Batman japonés. Es en serio. Y esto se verá en el título, Batman Inc. Si, Batman como empresa, como franquicia. No se a ustedes, pero a mi me parece demasiado. Y ya veo en un par de años, el supercrossover llamado “Battle of the Batmans” en la que todos son eliminados y sólo nos quedamos, como debe de ser, con Batman y Robin.

La familiarización de los superhéroes no está bien. La historia nos ha demostrado que son pocos los que realmente se convierten en personajes interesantes.

Comics y Videojuegos.

Escucha al Capitan y su invitado especial Habacuc hablar de esta lucha entre cómics su adaptación a videojuego y vise versa.

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Se utilizó también para “humanizar” a los personajes pues, por ejemplo, los poderes de Superman ya estaban llegando al límite del ridículo, sí, a pesar de que se trata de un hombre que puede volar y detener las balas. Pero también, fue para darle un borrón a varios personajes, también ridículos y que ya estaban estorbando y afectando la esencia de los superhéroes.

Se podía tolerar que además de Superman, tuviéramos a Superboy y Supergirl, y ya medio a fuerza, a Krytpo, el Supercan. Pero las cosas llegaron a su límite cuando teníamos a Streaky, el Supergato, Beppo, el Superchango y Comet, el… Supercaballo.

Es en serio, no los estoy inventando. Por supuesto, ésto ha sido motivo de mil y una parodias no sólo dentro del mundo del cómic sino en otros medios. Después de 1985, nos quedamos durante un buen tiempo sólo con Superman, hasta que eventualmente se fueron introduciendo nuevamente Superboy, Supergirl y sí, hasta Krypto.

En el caso de Batman teníamos no sólo a Robin, que siempre será aceptado, pero también a la Batgirl clásica, además de Batwoman, y a Ace, el Batiperro. Nuevamente, nos quedamos sólo con Batman y con Robin. Si bien la reintroducción de algunos de éstos personajes, ha sido buena, nuevamente hay una saturación de los personajes “derivados”.

De la “familia” de un personaje. Después de varios intentos, la Supergirl que tenemos ahora, es la buena. Cuya historia es la más sencilla pero les costó bastante llegar hasta ese punto. Superboy está bien construido, y Krypto, bueno, ya no es un perrito tierno. Pero en el caso de Superman, ya también tenemos nuevamente a una Superwoman, además de Steel (y su propia derivada), aquél que surgió como uno de los posibles reemplazos de Superman después de la muerte del mismo, y otra Supergirl que es una humana alterada genéticamente… y a Superboy-prime, a Superman Cyborg, a Superman de la Tierra Dos, e inclusive, hasta a Power Girl. Demasiadas “S”´s a mi parecer.

Pero el caso no es exclusivo de DC Comics, porque de unos años para acá, Marvel, que se había caracterizado por no haberle entrado a ésta expansión de sus personajes, ahora parece ser que quiere entrarle a la tendencia. Ok, tenemos a Spider-man y de unos años para acá, la original Spider-woman está nuevamente activa.

Y acabamos de ser testigo hace unos meses de la creación de la nueva Spider-girl. Ok, vamos a tolerarlo. Pero lo que ocurrió con Hulk es simplemente una broma. Si bien la historia de Fall of the Hulks y World War Hulks no estuvieron nada mal, esperábamos que al finalizar, no nos quedaramos con seres verdes y rojos rondando por ahí. Es decir, parecería que los rayos Gamma ahora todo mundo los puede comprar en la farmacia. Ya teníamos a nuestro original gigante verde, más el Doc Samson y los villanos Abomination y The Leader, además de She-Hulk.

Llegó el Red Hulk, cuya identidad se mantuvo en secreto durante un rato y su develación fue un poco decepcionante para mí. Pero además, ya teníamos a la Red She-Hulk y a la Savage She-Hulk Lyra (hija de Hulk en un futuro alterno), a Skaar y a Hiro Kala (hijos de Hulk) y si bien Abomination y Samson ya no están dentro de los vivos, también tenemos a A-Bomb. Bueno, no por nada ahora uno de los títulos mensuales será llamado The Incredible Hulks, además de los dedicados a las She-Hulks.

Me recuerda justo el momento en el cual la serie de televisión de Heroes dejó de ser interesante: todos tenían superpoderes, todos estaban conectados, todo estaban en una gran coincidencia inverosímil.

En el siguiente post analizaré lo que está ocurriendo con dos personajes cuya escencia es solitaria de origen: Wolverine y Batman.

Después de la obscuridad esta la luz, no hay noche que dure una eternidad pues al final…

Al final, siempre sale el sol.

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Es El Infierno una de las múltiples películas mexicanas que se estrenaron en la víspera del aniversario del Bicentenario de la Independencia de México. El director Luis Estrada es reconocido por otras cintas como Un Mundo Maravilloso y  La Ley de Herodes, y es precisamente con ésta última con la cual escuché que la comparación era inmediata: “Es como La Ley de Herodes pero con…”

Bueno, pues yo ni ví  “La Ley…” ni “Un Mundo…” por lo que comenzaba desde cero con Luis Estrada.

Son varios los puntos a rescatar y a criticar de “El Infierno” por lo que voy a dividirlos, sí, en 9. Los 9 círculos de “El Infierno”

9.- Impecable la fotografía, las locaciones, la producción pues. No sólo afortunadamente ya no vimos el CUM o Coyoacán, sino que nos llevaron a aquellas tierras áridas y fronterizas, creadas, montadas y recreadas, con cada uno de los detalles muy cuidados (Aunque debo decir que por ahí caché uno de esos cuchillos mágicos. Sí, esos a los cuales les desaparece la sangre de un cuadro a otro)

8.-Al audio lo puse aparte. El sonido. ¡Vaya! No me cansaré de decirlo pero que difícil es toparse con una película mexicana cuyo audio sea bueno. No hablo de un diseño de audio basado en THX, hablo de que lo básico, o sea los diálogos se entiendan. Hay cintas que ni siquiera eso logran bien

7.-¿Qué tipo de diálogos? Desafortunadamente, los peores. Salvador Sánchez, en su papel de “El padrino” no actúa, sino más bien parece que recita la sinopsis de la caja del DVD cuando le está explicando al Benny lo que ocurrió con su hermano. Cuando un hermano traiciona al otro, el hermano uno explica “soy pobre, no como tú…” denotando su origen humilde y características de tan secundario personaje, el cual se va al traste cuando vuelve a hablar y dice “mi hermano lleva ahi un par de horas”. Palabras que usamos al escribir, pero poco al hablar en nuestra cotidinidad, como la palabra cotidianidad. Diálogos que desafortunadamente no machaban, no eran creibles.

6.-Aderezados con un exceso de groserías. Perdón pero a mi ya dejó de darme risa el “órale pendejo” o el “no seas puto” forzado, repetitivo, poco natural y sin chiste. Cuando comenzó “El Infierno” pensé que estaba viendo una película enlatada de 1997, de aquellas que se aferraron a reflejar la clase media y hacerla sufrir, sufrir y sufrir, con chingos de chingadas malas palabras. No hemos encontrado un balance entre el lenguaje cotidiano y la sobreexposición del mismo. A la tercera vez que uno escucha a María Rojo decir “Hijos de la chingada” ahí es precisamente a dónde uno quiere mandarla

5.-¿Sátira? ¿Caricatura? ¿Humor Negro? Si pero como que no se define. Si pero como que a momentos es una y a momentos es otra y a momentos no es nada. Sí, porque cuando el Benny se desmaya después de la escena de tortura es maravilloso. Sí, porque la imagen del cuerpo de Reyes derramando sangre sobre el escudo nacional es excepcional. No, porque cuando el Benny se está dándo a la cuñada me pude imaginar a El Comanche y a Lin May. No, porque el papel de Emilio Guerrero como El Alcalde se pasa de parodia y se convierte en caricatura ortizdepinedoesca

4.-En actuaciones, quien se lleva la cinta es Joaquín Cosío. Sí, cierto es que el personaje le ayuda mucho y parecería creado para él, pero el Cochiloco te cae bien, te da miedo, lo conoces, lo entiendes, lo lamentas. Es tan grande la actuación de Joaquín, que se come inclusive a alquien que supuestamente tendría que ser más grande que él, o sea Reyes, que podría ser a propósito que ésto ocurra, pero entonces, por lo menos debía haber tenido mejor balance. Ernesto Gómez Cruz se queda muy mediano en comparación con Cosío

3.-”El Infierno” llega a extenderse en demasía. Si bien la vuelta de tuerca con aquel subtrama de “la protección de testigos” esta buena, queda opacada por querer llevar la historia de Benny hasta las últimas consecuencias y querer reflejar el esterotipo/realidad de todos los personajes. No había necesidad de mostrar lo que todos sabemos/pensamos de cada uno de ellos. Por ejemplo, la escena con el Diablito al final ya era innecesaria, ya nos había quedado, desde el inicio, que son patrones que se repiten.

2.-Mucho cuidado con catalogar a “El Infierno” como una película “atrevida” o, gasp, “censurable”. No nos está diciendo nada que no escuchemos en las noticias, o leyendas urbanas desafortunadamente muy reales, de conocidos de conocidos. El chiste de Calderón es finísimo pero no para espantarse o para cuestionarnos “Cómo le hicieron para que no lo editaran?!”. “El Infierno” refleja una tristísima realidad, para reflexionar sobre un problema cuya solución está enredadísima, pero tampoco es que nos  esté mostrando las entrañas y los obscuros secretos de “ese” mundo.

1.-Nunca perderé la fé  en el cine mexicano. Pero ojalá que la afinación ya esté  dominada y se trabaje ahora en el balanceo. Ya no deberíamos de ir para atrás, y que de “El Infierno” no se baje, sino se suba, porque todavía hace falta ascender.

Ya supimos algunos detalles del suceso, pero antes de que la luz aparezca la noche se pondrá realmente obscura. En ésta entrega de Capitán Pada y sus monitos escucha la segunda parte del suceso conocido como:

Blackest Night.

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Escucha el podcast de la noche más obscura.

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De concierto, creció  a evento y de evento, a marca. 212 se convirtió en un happening esperado por Guadalajara y que se fue contagiando a las demás plazas conforme RMX fue creciendo.

Y tengo tantos recuerdos…de las bandas, de los afters, de los asistentes, del escenario, de los problemas…ya cientos de memorias auditivas y gráficas.

Y ahora venía, una evolución del 212. Necesaria y exigida por la audencia.

¿Qué tal cerrar una avenida? Chapultepec ¿Qué tal varios escenarios? Cuatro ¿Qué tal varias bandas, entre nuevas y ya posicionadas? Más de 30 ¿Qué tal que no sólo nos traemos a una banda por plaza, sino camiones completos con gente de la audiencia? Torreón, Laredo, Nuevo Laredo, Celaya, San Miguel y Querétaro (sin contar aquellos que se organizaron por su cuenta como en Morelia y Tijuana)

¿Qué tal que nos juntamos en La Perla Tapatía prácticamente el 80 por ciento de gente que conforma toda la cadena RMX? Nada más dejamos a los necesarios en su plaza

Bueno, ¿y luego? Con todos éstos elementos, la emoción debería de estar ahí. Pero algo me pasaba, con la esperanza de que prendiera en cualquier momento…

Nos subimos a la montaña rusa cuando menos lo esperábamos. De un momento a otro ya todos estábamos asignados con nuestras tareas específicas, sabiendo que seguramente habría problemas y eventualidades por resolver. Que afortunadamente, fueron las menos. En serio. Uno siempre habla bien de su evento y que salió a la perfección. Y que no hubo nada que lamentar. No, es que si los hubo. Pues claro, pero nada que no se arreglara en menos de 15 minutos. Así, tal cual.

Y entonces ya no hubo tiempo para preocuparme por mi emoción. Nah. Me encantaría hacerles más romántica esta historia diciéndoles que apareció como por arte de magia en el momento en el que sonó el primer acorde, o se subió la primera banda a uno de los escenarios. Nah. La emoción creció conforme creció el evento. Con sentimientos encontrados, como el saber que a kilómetro y medio estaba ya tocando La Gusana Ciega y no podria llegar a verlos, pero de este lado, en nuestro backstage las cosas estaban saliendo de maravilla. Y mientras más de 20 mil personas veían a La Maldita Vecindad, acá no nos podía quejar porque con Disidente nos estabamos sintiendo fuertes, potentes y realizados.

No es una reseña musical. Es un pequeño punto de vista de los 212 X 212 que surgieron en un evento que crece exponencialmente gracias a los que están adelante, arriba y detrás del escenario.

Jimmy Falon en la conducción lo hizo bien, destacando por supuesto el número de entrada combinando al elenco de Glee con Tina Fey y el adorable Hurley, entre otros. Pero su mejor participación fue el otro musical, en el que, parodiando a Elton John, Boyz II Men y Green Day, les dió una despedida a 24, Law & Order y Lost, en éste orden y respectivamente.

La primera gran sorpresa de la noche fue el Emmy de Mejor Actor de Comedia para Jim Parsons, es decir, Sheldon en The Big Bang Theory, de quien no tenemos duda de que se lleva la serie, y cuya nominación y eventual triunfo parecería muy temprano para una serie de éste estilo cuyo formato es el sitcom tal cual. El que haya ganado es bien merecido, sorpresivo y para los que vemos la serie, de un inmenso gusto. Pero por otra parte, quizás es a lo que más podría aspirar TBBT. Si acaso, nuevas nominaciones para Jim pero nada más.

Glee contaba con 19 nominaciones, la que más, pero siguiendo en el mismo tema, quizás sea muy temprano para convertirse en una de esas series que pasan a la historia por arrasar en todas las ternas. Recordemos que  no es lo mismo la aceptación que tiene con el público, los números de rating y lo que la crítica especializada y los nominantes consideren. Sin embargo, si vamos a hablar de gente que se lleva la serie, o que sobresale, sin duda alguna es Jane Lynch por el papel que hace como la maestra Sue, precisamente en Glee, por lo que el Emmy a Mejor Actriz de Soporte en serie de Comedia estuvo muy bien. Retomando lo de la aceptación y la crítica, nuevamente tenemos el más claro ejemplo con House, que de ser, comprobado, la serie más vista en el mundo, se queda atorada en los Emmys, y Hugh Laurie sigue siendo nominado, sin llegar al escenario. Ya son 5 nominaciones con ésta.

La última oportunidad que tuvo Lost para hacerse de un Emmy más se quedó simplemente en ello, mientras que la hegemonía que mantenía 30 Rock desde hace algunos años en el área de comedia al parecer ha terminado y todo parece indicar que tenemos que comenzar a ver a Sofía Vergara y Modern Family, quien ganó como Mejor Serie en dicho género. Mientras que en el mismo premio pero en drama, Mad Men sigue fuerte y como cada entrega de los últimos años, me digo que creo que ya es momento de comenzar a verla

La entrega del Emmy nuevamente fue dividida en géneros, comenzando con la comedia, lo cual logró que nos engancharamos de inmediato, pero para la segunda mitad, se convirtió en algo aburrida, sobre todo para los espectadores fuera de Estados Unidos, pues difícilmente se tiene acceso a las mini series o  películas hechas para la televisión, de no ser por internet, claro, por lo que no había manera de alinearse por una favorita, aunque siempre será agradable ver y ver ganar a Al Pacino, o parece ser que el papel de Claire Daines será algo digno de buscar.
La aparición y el premio especial para George Clooney también fue interesante verlo.

Es éste un breve resumen de lo ocurrido en la noche de la televisión, con un evento agradable, pero no el más espectacular.

Mejor Serie Drama
Mad Men

Mejor Serie Comedia
Modern Family

Mejor MiniSerie
The Pacific

Mejor Película hecha para televisión
Temple Grandin

Mejor Serie Variedad, Musical o Comedia
The Daily Show with Jon Stewart

Mejor Especial Variedad, Musical o Comedia
Kennedy Center Honors

Mejor Reality Competencia
Top Chef

Mejor Programa Animado
Prep & Landing

Mejor Programa Reality
Jamie Oliver’s Food Revolution

Mejor Programa Infantil
Wizards of Waverly Place: The Movie

Mejor Anfitirón de Reality
Jeff Probst de Survivor

Mejor Actor Principal en Serie Drama
Bryan Cranston por Walter White wn Breaking Bad

Mejor Actriz Principal en Serie Drama
Kyra Sedgwick por Brenda Leigh Johnson en The Closer

Mejor Actor Principal en Serie Comedia
Jim Parsons por Sheldon Cooper en The Big Bang Theory

Mejor Actriz Principal en Serie Comedia
Edie Falco por Jackie Peyton en Nurse Jackie

Mejor Actor Principal en MiniSerie o Película
Al Pacino por Dr. Jack Kevorkian en You Don’t Know Jack

Mejor Actriz Principal en MiniSerie o Película
Claire Danes por Temple Grandin en Temple Grandin

Mejor Actor de Soporte en Serie Drama
Aaron Paul por Jesse Pinkman en Breaking Bad

Mejor Actriz de Soporte en Serie Drama
Archie Panjabi por Kalinda Sharma en The Good Wife
Mejor Actor de Soporte en Serie Comedia
Eric Stonestreet por Cameron Tucker en Modern Family

Mejor Actriz de Soporte en Serie Comedia
Jane Lynch por Sue Sylvester en Glee

Mejor Actor de Soporte en MiniSerie o Película
David Strathairn por  Dr. Carlock en Temple Grandin

Mejor Actriz de Soporte en MiniSerie o Película
Julia Ormond por Eustacia Grandin en Temple Grandin

Mejor Actor Invitado en Serie Drama
John Lithgow por Arthur Mitchell en Dexter

Mejor Actriz Invitada en Serie Drama
Ann-Margret por Rita Wills en Law & Order: Special Victims Unit

Mejor Actor Invitado en Serie Comedia
Neil Patrick Harris por Bryan Ryan en Glee

Mejor Actriz Invitada en Serie Comedia
Betty White en Saturday Night Live

estudiantes tecos

Recuerdo bien áquel fin de semana en el que saliendo de un 7Eleven me fijé en la portada de un periódico. El logo de los Tecos en grande y un titular que decía algo así como “Se acabó”. Al acercarme, la nota trataba sobre ése, el último día de los Tecos como tal, pues de ahora en adelante, cambiarían nombre e imagen: Estudiantes era el nuevo nombre oficial del equipo de la Universidad Autónoma de Guadalajara, acompañado de un nuevo logotipo, nuevo uniforme…nueva imagen pues.

Me parecía una gran estrategia: un cambio radical a una marca que estaba gastada, muerta y dañada. Todos sabemos que la sensación de estrenar algo te carga de energía por lo cual el cambio le vendría muy bien a los jugadores. Un movimiento con muchas raíces mercadotécnicas y que demostraba que la directiva estaba tomando cartas en el asunto. Bueno, hasta estrenaro nuevo himno y se lo encargaron a la banda tapatía Plástiko, con miras por supuesto a atraer a una nueva generación de aficionados.

El logo no era nada más rediseñar la imagen del ave, sino darle un significado, pues ahora se mostraba con las alas abiertas, en señal de una nueva actitud (la que siempre deberían tener). Los colores, haciendo alusión a su pasado, más elegantes…si me atrevo a decirlo… más “europeos”.

Pero nada pasó. La era Estudiantes comenzó el 25 de mayo del 2009 y el cambio de fondo y de resultados no ha llegado aún. Los Estudiantes-Tecos, como más bien se les sigue conociendo dentro del pópulo, se han vuelto una broma constante al tener la extraordinaria facultad de empatar o perder partidos que comienzan ganando. No todo es trágico, porque han ganado algunos partidos importantes, los del orgullo pues, sobre todo contra sus coestatales Chivas y Atlas. No son “el pan” ante los equipos grandes pero fuera de eso, nada está pasando con los Estudiantes.

Sin que sea queja, me parece increíble que Miguel Herrera siga como Director Técnico. La ex-estrella del Atlante lleva desde el 2008 comandando a los Estudiantes y cualquier otra directiva ya se hubiera cansado de los tristes resultados del equipo y le hubieran dado las gracias. ¿Será que aún hay gente inteligente en los altos mandos que sí entienden la palabra “continuidad” ? Si éste es el plan maestro, felicidades. Porque entonces los resultados llegarán. Quizás no en el segundo torneo del 2010, quizás inclusive no en el 2011. Pero no hay nada más aplaudible que la paciencia y de entender que los goles y puntos tarde o temprano llegarán, si es que en efecto hay un plan trazado a mediano y largo, no a corto plazo.

Herrera se lo merece. Con esa personalidad polémica, explosiva, adorable. De los que no se callan pero también de los que aguantan. Desconozco cuál es el sentir de la afición Estudiantes con respecto al equipo y a Miguel, pero ojalá pronto su pasión/necedad/necesidad sea recompensada. Necesidad porque el primero y único campeonato lo consiguieron en la temporada 93-94 (aunque cada que entre esa ansiedad y nostalgia, no hay como mirar al vecino Atlas).

Cuando me refiero a Estudiantes como tercer equipo, no se me ofenda. Es que simplemente necesita, como ya lo decía, en convertirse en una marca, y no se necesita a un equipo de encuestadores profesionales para demostrar que en el top of mind se encuentran Chivas, Atlas y Tecos, en ese orden.

La historia, sin comparar, la tienen pues. Pero es momento de ir creando una nueva. Es momento de capitalizar los cambios y de concretar la marca: que la tradición de Tecos se quede atrás y que inicie la de Estudiantes. Suerte. Suerte Miguel. Suerte a los Estudiantes.

Porque no hay plazo que no se cumpla y profecía que no se realice, es momento de revisar el evento más importante de DC comics de los últimos años.

En ésta entrega de Capitán Pada y sus monitos entérate del suceso conocido como:

Blackest Night.

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Al ver el primer episodio vimos el intrépido formato de la pantalla dividida. Por fin, había algo “nuevo” en la televisión.

Y a pesar de que en el camino se perdió, se copió a sí misma, perdió innovación y su cancelación vino en un muy buen momento, a 24 varias series como Lost, Heroes, Trauma, Prison Break y muchas otras le deben el tomarse la televisión en serio, convirtiéndose en una seria competencia para el cine y destapando el entonces aún desconocido mundo de la renta de series de televisión para los maratones.

Se convirtió ya en la serie de televisión más duradera relacionada con el espionaje.
Recordemos algunos puntos, 24, obvio, que siempre recordaremos de 24:

• 1. El ringtone de los teléfonos de CTU eran un must en los inicios de la década pasada.
• 2. Nina Myers como una de las perras más perras que se han visto en la cultura popular de los últimos años.
• 3. En el mismo sentido, el reloj digital de 24 ya forma parte de nuestro entorno y conocimiento mediático, siendo parodiado inclusive, claro, en Los Simpson.
• 4. Tony y Michelle. Por separado muy buenos. Como pareja, mejor. El regreso de Tony era innecesario y debilitó mucho al personaje. Lo hizo precisamente cuando la serie no estaba en lo mejor.
• 5. La muerte podía llegar de dónde fuera y sin menospreciar. Quizás la que más me impactó fue la del bonachón Edgar Stiles. Fuerte, dura e impredecible.
• 6. En 24 fue la primera vez que se mostró a un presidente de Estados Unidos de origen afroamericano, aún antes de que el mundo en general supiéramos de la existencia de un tal Obama. David Palmer fue un gran personaje, y su muerte, fría.
• 7. No podemos negar que de la mitad para acá, la serie comenzó a caer. Con calcas de otros plots: un traidor en CTU, un perdón presidencial y Jack desafiando a la autoridad. La película hecha para televisión (debido a la huelga de escritores) si bien no es muy buena, sirvió tanto para la audiencia como para los realizadores, como una buena refrescada y a partir de ahí, la serie comenzó a remontar de nuevo.
• 8. Gracias a 24, conocimos a una chica de nombre Elisha Cuthbert, que interpretaba a la hija de Jack Bauer. ¿¡Dónde había estado todo éste tiempo!?
• 9. Hablando de chicas, después de la muerte de la esposa de Bauer, varias jugaron el papel del nuevo interés romántico de Jack, pero sin duda alguna, la más guapa y con mejor presencia y personaje fue Renee Walker, interpretada por Annie Wersching. La evolución del personaje fue dura, hasta el último momento.
• 10. Se sabe que vendrán una serie de películas de 24, en las cuales, por razones obvias, se tendrá que condensar el tiempo, por lo cual el formato original no tendrá sentido y si bien esperamos que sean buenas, lo que ocurrió en televisión, por lo mismo, no podrá ser superado.
• 11. Todavía conservo una chamarra de 24 que la distribuidora me regaló, al igual que una taza de CTU que adorna mi cocina. Venía una gorra que perdí en un camión rumbo a Guadalajara. Luego me compré otra más pro.
• 12. El corruptísimo presidente Charles Logan que aún en la última temporada siguió haciéndose un personaje a odiar. Bush? Quizás, pero a ni no me niegan el parecido físico que tiene con Nixon, sobre todo en la versión de Frank Langella de la cinta Frost/Nixon
• 13. En el mismo rubro, 24 también muestra a la primera presidente de EUA. ¿Seguirá siendo 24 predictora del futuro del mencionado país? Allison Taylor fue magnífica, aunque en la última temporada ya la estaba cagando.
• 14. Varios fueron los actores con más renombre que hicieron papeles especiales para la serie y salieron muy bien librados como fue John Voight. Inclusive algunos lograron alejarse del género al que más estaban acostumbrados como fueron Sean Austin y en la octava, Freddie Prinze Jr.
• 15. Extrañaremos al estoico Bill Buchanan y al tierno Ethan.
• 16. En su propio renglón, Chloe se convirtió en el mejor personaje secundario desde su aparición hasta el final. Su evolución fue natural, buena, agustiante como ella misma. Aún me parece increíble que el género en el que más se ha especializado la actriz que la interpretó, Mary Lynn Rajskub, sea la comedia, cuando Chloe O´Brian lo que menos hacía era sonreir.
• 17. En su momento, 24 quizo innovar presentando episodios exclusivos, con otros personajes, para verse en teléfonos celulares. El experimento nunca funcionó ni despuntó.
• 18. A pesar de que el videojuego contó con gran parte del elenco de la serie, no fue bien recibido.
• 19. Hay varios tomos de comics basados en 24, pero por lo general son bastante medianos. Insisto, lo que se hizo en la televisión no podrá ser superado.
• 20. Si vemos los números, en realidad la serie iba hacia arriba, sobre todo basándonos en el lugar en el que rankeó el final de temporada de cada una.
• 21. Sobre éste mismo renglón, es notable que el éxito de 24 no se consolidó en la primera temporada, sino hasta que la gente comenzó a hablar de ella y entonces, regreso al tema de los DVD´s, fueron a rentarla/comprarla y entonces si, comenzar a verla directo en la televisión.
• 22. Sí, hubo un momento en el que la gente se juntaba en algunos restaurantes de la Ciudad de México los lunes en la noche para ver el nuevo capítulo de 24.
• 23. Es Jack Bauer ya un nombre que pertenece al mismo estante en el que están James Bond o John McClane.
• 24. Kiefer Sutherland nació para interpretar a Jack Bauer.

Si quieres más información visita www.fox.com/24.

Descubre lo que el anillo tiene para el Capitán Pada y conoce al miembro mas entrañable de la mitología de los Linterna.

Y como sabemos los únicos que quedan por revisar son los más importantes de todo el universo de Los Linterna y en ésta ocación tenemos a Hal Jordan.

Es él el responsable de realizar toda ésta serie de podcasts, es él, simple y sencillamente:

El mejor de los Linterna Verdes.

En ésta ocasión escucha el recorrido de los linterna de la tierra y descubre todo de tras de ellos.

Escucha al Capitán y su anillo.

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Shrek para siempre

Lejos quedó la tremenda primera parte que gritaba “Cuidado Pixar, éste es Dreamworks” (cuya primer advertencia la había realizado con “Antz”. Lejos quedaron las ahora líneas clásicas como el “deveritas, deveritas” o el “son de gomita” en parte gracias al magnífico doblaje mexicano, cuando el de Derbez aún no envejecía. Lejos quedó la pitorriza de los cuentos rosas de hadas con su estocada directa a Disney. Lejos quedó una maravillosa secuela con un magnífico personaje que llegó a aportarle y sumarle: El Gato con Botas. Lejos todo porque la tercera parte vino a darle en la madre. Si acaso un par de sonrisas lograba sacar pero muy por debajo de lo que uno esperaba. Al parecer hay realizadores que todavía no se dan cuenta que hay dos elementos que por lo general perjudican a la historia: los “hijos” y “demasiados personajes”. Y Shrek Tercero tenía los dos. Más una historia aburrida. Alguien entonces, por los viejos y lejanos tiempos, quizo rectificar el camino e inteligentemente, regresó a lo “básico”. A Shrek le aplicaron su “One more day” (http://en.wikipedia.org/wiki/Spider-Man:_One_More_Day) y rediseñaron la historia, con un universo paralelo, con un buen nuevo villano (Rumpelstiltskin) y deshaciéndose de la paja de la anterior. En efecto, la trama es más interesante pero nuevamente se olvidaron de los chistes, por lo que se queda en una película de aventuras. Si la tercera había queda en la lona, la cuarta se alcanza a levantar para retirarse y de manera literal, cierra el capítulo para regresar al estante y sutilmente darle paso a los spin-offs, siendo el primero el del mencionado Gato.

Así concluye la primer gran franquicia del estudio de animación de Dreamworks y seguramente no cómo ellos, y nosotros, hubiéramos querido

Mi villano favorito

A veces mis instintos no se equivocan y cuando vi el trailer de ésta, no me llamó nada la atención. Luego comencé a leer/escuchar que no estaba nada mal y que valía la pena en tercera dimensión. Bueno, la segunda se la pueden evitar. Insisto: aún no he visto película animada que supere el 3D de “Cómo entrenar a tu dragón” (http://dixo.com/2010/04/como-entrenar-a-tu-dragon-2.php). La primera, como dicen por ahí…” vamoaver”. Analizando la trama de la cinta, me doy cuenta que en realidad tiene un gran potencial que quizás no se explotó al máximo: el punto de vista del malo. Y el malo malísimo como diría mi profesor de Literatura. El malo que hace las maldades, pues. El malo villano, as in los clásicos villanos del estilo James Bond. Pero cuidado, aquí es cuando comienza a cojear la cinta, pues las grandes naves y armas, los escondites, las computadoras con cientos de botones nos remiten de inmediato a Los Increíbles. Y eso, eso no está bien.

La música de repente nos comienza a llamar la atención. El tema “Despicable Me” está increíble. Y al final, en los créditos, me doy cuenta porqué. Un gigante del score cinematográfico se unió a un gigante de la producción musical: Hans Zimmer (El Rey León, Inception) y Pharell Williams (N.E.R.D y The Neptunes) . Pero… en ese mismo mood de película de los cincuenta, también se nos aparecen de repente Los Increíbles y el score de Giacchino…y eso no está bien.

A los Minions, seguramente ya los vieron. ¿Los pequeños seres amarillos de uno y dos ojos con antifaces? Bueno, a pesar de que logran sacar un par de risas, son un terrible fusil de los Rayman Raving Rabbids, personajes de la saga de videojuegos. Y eso, eso está muy mal.

El doblaje de Andrés Bustamante prometía mucho, pero no está siquiera cercano a lo que hizo para Monsters Inc. y en ésta, no dejas de escuchar al Doctor Chunga.

Hay muy buenos gags, sin duda. La tripleta de las niñas, a pesar de que nos predicen el final desde mucho tiempo antes, está maravillosa. Será entonces Mi Villano Favorito una cinta que quedará más cerca de una Mounstros contra Aliens que de alguna otra de animación con más trascendencia. (Y me temo que por ahí irá la de Megamente, a estrenarse en diciembre, también de Dreamworks). Pero lo que no se debe dejar pasar por alto es que Universal, en su área de animación, está levantando la mano para quitarle el tercer lugar que tenía la 20th Century Fox en la misma área, quien por empecinarse con sus Ice Age, hace tiempo que no entrega un buen trabajo.

Lo que ambas películas me llevan a concluir, de manera contundente, es que ya es suficiente de los bailes en las cintas animadas. Fue cagado la primera, la segunda, la tercera…pero para la decimocuarta ya dejó de ser chistoso, y paso a ser, como dirían mis queridos Jis y Trino… “chitocho”.

Como su nombre lo indica, la convención que comenzó siendo dedicada al comic en 1970, pero de un par de años para acá se ha convertido en una parada obligada veraniega para actores, artistas, realizadoras, productoras y distribuidoras que quieran dar grandes anuncios y publicitar sus proyectos actuales y a futuro. No importa si apenas roza el mundo de la ciencia ficción, la fantasía y/o los superhéroes, con eso es pretexto perfecto para estar presente ya sea con un stand o con una conferencia. Y es que tienen al público más fiel del mundo. A aquél que durante muchos años estuvo escondido, fue buleado , incomprendido, rebajado y alienado. Por lo que ahora que puede expresarse libremente, entonces celebrará y gritará todos y cada uno de los cameos, de las revelaciones, de las imágenes en pantalla, de las respuestas, de las noticias, los lanzamientos y las confirmaciones.

Así apareció Guillermo del Toro para asegurar que su siguiente proyecto será una nueva cinta, olvidando completamente a la anterior, de la marca La Mansión Embrujada de Disney. Así aparecieron los actores anteriormente mencionados para confirmar que durante los próximos dos años junto a Chris Evans, Chris Hemsworth, Jeremy Renner y Mark Ruffalo para nosotros serán Iron Man, Nick Fury, Black Widow, Captain America, Thor, Hawkeye y Hulk. O sea los Avengers, confirmando también que el director de dicha cinta será Joss Whedon.

Trailers de videojuegos que seguramente estarán en boca de todos hasta su salida y hasta que lleguen los estrenos navideños como son el de DC Universe Online, Megaman Universe, Marvel vs Capcom 3 y la revelación ahora sí de los cuatro Hombre Araña que se podrán manejar en Spider-man Shattered Dimensions.

En la San Diego Comic-con 2010 también es el lugar dónde los realizadores de Tron Legacy prácticamente le declararon la guerra frontal a Avatar diciendo que la secuela del clásico ochentero superará por mucho al 3D de la de Cameron. Es ahí en California donde las primeras acciones concretas de la compra de Disney de Marvel comienzan a verse materializadas: la caricatura de Avengers se transmitirá por Disney XD, y los personajes de la extinta editorial Crossgen, adquirida por Disney, se incorporarán al universo Marvel. Es el lugar dónde ya muchos vieron la cinta de Scott Pilgrim vs The World y aseguran que está tan buena como se ve en los trailers además de tener quizás sea todo lo que esperábamos ver más en la de Kick-Ass.

Ya no es la San Diego Comic-con e lugar al que iban bloggeros o editores de fanzines a reportear. Ya viajan de todo el mundo críticos de cine y periodistas de espectáculos. En los pasillos seguramente te podrás topar a la fan de Star Wars más sexy, Adrianne Curry o a Thirteen de House, o sea Olivia Wilde. Y a la que hoy en día podría ser la chica de al lado más reconocida por el geekdom: Penny, quien no sólo apareció en el panel de la nueva temporada de The Big Bang Theory, sino que junto con el resto del elenco, se sentaron a dar autógrafos.

Las noticias de cómics son quizás lo que a muchos menos les interesa pero en más buenas para los mexicanos, se confirmó que Humberto Ramos será titular de Amazing Spider-man.

Otra vez fue una convención exitosa, que nos deja a un Red Hulk como parte de los Avengers y a un nuevo Daredevil que podría ser Kraven. Un nuevo título llamado Batman Inc. y un teaser del final de Brightest Day. El regreso de los Iluminati de Marvel y una nueva serie de Wolverine. No se sabe qué pasará con Dick Grayson cuando Bruce Wayne regrese y cual será Batman, mientras que Superman camina por todo EUA y al parecer se tocará el tema de la ley de Arizona.

Fue la Comic-con nuevamente una muestra de que el cine, la televisión y los videojuegos tienen bien puestos los ojos en el material impreso, y es una relación que ya es permanente. Es el evento al que el staff de Lost no dejaba de asistir mientras la serie existía. Es un evento que ha crecido y hace años, los “famosos” que se aparecían por ahí eran del tipo Todd McFarlane.

Es un evento que demuestra que el entretenimiento está siendo dominado por los geeks… mientras que es un evento, en el que nunca dejarán de aparecer imágenes como ésta…

Con el debido crédito a Christian Martinoli, es la pregunta que se me ocurre a escasos minutos que se diera a conocer la incorporación de Cuauhtémoc Blanco al Irapuato de la segunda división. Llega a préstamo seis meses proveniente del Veracruz, que para fines prácticos de éste escrito, no está de más recordar que se trata de otro equipo que busca todavía regresar a la Primera División. En su momento, se entendió que, más que por dinero, Cuau aceptara jugar con los Tiburones Rojos por la amistad que mantiene tanto con jugadores como con directivos de dicha institución, muchos con los cuales compartió vestidor, equipo y aventuras cuando militaba con el América. Si lo del Irapuato, porque seguramente tampoco es por dinero o comodidades de lujo, es parecido a lo del equipo del puerto, entonces adelante. Lo que preocupa es… ¿cuántas serán las camisetas que Blanco tendrá que vestir antes del anhelado retiro con las Águilas del América? Es un secreto a voces que hay diferencias entre la actual directiva del equipo de Coapa, específicamente con el presidente Michel Bauer, y el delantero seleccionado nacional, por lo que o se liman asperezas entre ambas partes, o el retiro del 10 con el equipo del Estadio Azteca no llegará nunca, y ésta película no tendrá el final que todos quisiéramos ver.

Aquí quizás el enemigo más mortal es el tiempo. Todos sabemos que a cada momento, Cuau está más cerca del retiro. Ya nos dio un susto en aquella despedida del Tri cuando Sven-Göran-Eriksson se encontraba al frente de la Selección Mexicana. Una despedida agridulce, gacha, triste, desangelada, nula de todo respeto por parte del holandés para con nuestro tepiteño favorito. Afortunadamente se hizo justicia y Sven se fue pronto, y Blanco regresó. Por lo menos se lleva otro gol, el último en Mundiales, en Sudáfrica pero también, su último partido en la más reciente Copa Mundial fue desangelado y sin tiempo u oportunidad para darle una despedida digna, la cual posiblemente sea la que veamos el 11 de agosto contra el actual campeón del mundo.

El caso de Cuauhtémoc Blanco es como el juego de las sillas. El amor que le tiene a la pelota es quizás otra de las razones tan nobles que lo tienen jugando, y tal vez lo que pasa por la mente del jugador es “pues aunque sea en segunda división, pero jugando” pero no se le vaya a acabar la música, y cuando menos lo espere, se quede sin silla…o atorado en una playera que no sea la amarilla con azul.

Porque a la afición de Veracruz le bastó poco tiempo para adorarlo y hacerlo parte no sólo de su equipo sino de su ciudad, como se pudo ver una y otra vez en la producción  “La Docu-mentada”. Porque el paso por la MLS si bien fue interesante, tampoco fue la cumbre de su carrera, pero por lo menos mucho mejor que su actuación europea. Porque de lo del Necaxa y Santos ni nos acordamos. Porque nos urge no sólo ver un partido del América con sus viejos compañeros, para cuando Blanco ya no esté activo, y planeado meses después de que haya dejado de jugar. No, lo que queremos es una temporada completa en el América. Y es que es la última gran estrella que una de las marcas más importantes del fútbol mexicano, siendo el segundo mejor anotador del América.  Es el único jugador mexicano que ha anotado tres goles en tres mundiales diferentes. Es el segundo seleccionado nacional con mayor cantidad de goles en juegos oficiales de la FIFA con el Tri. Lejos de que una despedida de Cuau en el América, además del partido de despedida con la Selección, tiene un gran potencial comercial, ya si no lo ven por el lado de los números, es una cuestión de romanticismo y honor. Porque a Cuauhtémoc se le está yendo el tiempo. Y el guión del final feliz se está enredando demasiado.

Capitán Pada se acerca al final de la saga de los linterna no te quedes sin descubrir el universo de éstos entrañables personajes.

Y como sabemos los únicos que quedan por revisar son los más importantes de todo el universo de Los Linterna y en ésta ocación tenemos a Kyle Rayner.

En ésta ocasión escucha el recorrido de los linterna de la tierra y descubre todo de tras de ellos.

Escucha al Capitán y su anillo.

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Tenía que hacer un deporte. Órdenes de arriba…de mis papás, pues. La elección no era tan complicada: Karate. En mi caso específico, Tae Kwon Do. Y es que el karate estaba de moda. Mi papá consumía cualquier pelicula que llevara en el título la palabra Ninja o Contacto, o Karate, o Kung. No podría asegurar que cuando salí del cine después de ver Karate Kid, de inmediato pedí que se me inscribiera a un Dojo. Una epifanía como tal, no la tuve, pero seguramente influyó. Las escuelas de karate estaban por todos lados en ese ochentero Distrito Federal. Nos inscribieron a mi vecino y a mí. A mi hermano después. Otros dos amigos de la escuela ya iban. Uno inclusive, días después nos enteramos, que en la misma escuela a la que yo asistía. En la contraesquina del aún nuevo PeriCoapa.

Sí, la canción no podía tener más razón… everybody was Kung Fu fighting.

Bajo este entorno llegó  Karate Kid, la cual voló la cabeza de chicos y grandes. Pero sobre todo a los de en medio. A aquellos que estaban completamente identificados con el protagonista. Y es que tenía todos los elementos necesarios, mezclados de manera muy fina: el adolescente bulieado. El que se muda a un nuevo entorno en el que no conoce a nadie. El que no tiene padre. El que se enamora. El que encuentra un motivo para distraerse, para conquistar a la chica y para hacerse de un poco de respeto. Porque el paso de Daniel LaRusso a Peter Parker es prácticamente inmediato. Por la acción, por los golpes, por la tremenda música del final, por las canciones poperas que lo acompañaban. Por ese mundo de maquinitas, carritos chocones, motocicletas y fútbol en la playa.

Ya después vendría la secuela, que dificilmente supera a la primera, y la tercera que inteligentemente se olvida de la 2 y si no supera, quizás sí iguala a la original.

Karate Kid no ha envejecido, esta escrita de una manera tan sencilla y tan concreta, que lo hace muy bien. Las actuaciones no son tan exageradas como sí hay otras ochenteras que hoy en día podrían provocarnos risa. Un clásico que podemos poner en la vitrina al lado de otra trilogía trascendental: Back To The Future. Una cinta recordada aún por todo aquel que escucha un Wax On Wax Off, un Daniel-san, un Cobra Kai y que en más de una ocasión hemos imitado la patalla de la grulla.

Por este entorno, quizás irrepetible, es que la nueva versión de Karate Kid la tenía dificil desde el inicio. Porque de ninguna manera harán que se pongan de moda de nuevo las artes marciales, mientras que la otra, de las cientas de películas del género, es de las que sobresale. Había que darle oportunidad Jackie Chan como el tutor. Pero los temores eran infundados: no lo logra. Casi no aparece y cuando lo hace, no tiene nada de presencia. Me habla de una flojera de casting, que cuando había que buscar a un señor que enseñara karate, se fueron de inmediato con el conocido Chan y no arriesgaron. Vaya ¡Pat Morita (el entrañable Señor Miyagi) era stand up comedian antes de hacer Karate Kid!

La madre es simplemente castrosa. Un cliché de la mujer afroamericana gritona, regañoa, quesque chistosita. La pequeña oriental muy adorable y la escena del baile es maravillosa.

Por su parte Jaden Smith sale bien librado. Quizás a veces completamente desdibujado, pero en otras ocasiones provoca la empatía y la carcajada. La preparación física es indudable y las escenas de pelea están muy bien logradas. Sigue la misma línea de la original, con situaciones prácticamente calcadas de la ochentera, y con otras modificadas para ofrecer algo nuevo. Lejos está la escena final de la misma emoción que la del campeonato del Valle, pero además no entendieron que el patadón que da el ahora protagonista Dre, si bien es espectacular, de ninguna manera es posible imitarla en la calle, y ahí es cuando la Karate Kid original atinó en todos aspectos y tenía magia.

No es malo el remake ¿Necesario? No.

Desde hace varios años, de manera extraoficial por lo menos para el público común, quedó  definido que el verano cinematográfico comienza en mayo, y entonces se convierte en la temporada más importante para las productoras y distribuidoras (quizás sólo a la par de la Navideña). El banderazo este año, como con la primera parte, lo dió Iron Man 2 (en México el 30 de abril) y partir de eso el verano ha estado descompuesto. Por supuesto que Toy Story 3 era desde ya la más esperada y seguramente la que se lleve el triunfo total, no sólo en taquilla sino en el gusto del público, pero para los que ya la vimos desde la semana de estreno, tenemos una grave sequía. Si nunca vi la serie y por lo mismo no me interesó la primera parte, la secuela de Sex and de City me importa poco menos que los resultados del Necaxa. A pesar de que el remake de A Nightmare On Elm Street no me desagradó parece ser que al igual que el de Viernes 13 (el cual si estuvo malón) no trascenderá.  Lo mismo ocurre con IM2 que entre sentimientos encontrados, lo que queremos es mejor esperar a la de Thor, Capitán América y Avengers, o inclusive, una IM3. Robin Hood no estuvo mal, pero difícilmente aporta un extra al género épico de las grandes batallas masivas. Exactamente lo mismo ocurre con Príncipe de Persia, aunque con tremendas bases para convertirse en la nueva gran franquicia del productor Bruckheimer que suplante a Los Piratas del Caribe, cuya cuarta parte suena más a una necedad que a algo realmente necesario. Lo mismo ocurre con Shrek Para Siempre que en México le tuvo un miedo tremendo a TS3 y no se estrenó como en EUA. Y que ojalá repare lo que hizo la tercera entrega, que distó mucho de aquella primera parte tan buena y tan perfecta, y que parecía indicar que Dreamworks llegaba con todo para convertirse en una verdadera competencia de Pixar.

¿Qué nos falta que podría rescatarlo? La verdad es que no mucho. Llega la tercera parte de la saga de Crepúsculo que al parecer tiene la misma cantidad de fanáticos con su respetable obsesión como aquellos que les saca ronchas acercarse siquiera a los sparklin’ vampires

The Losers es algo que yo catalogaría como “sleeper hit”. Aquellas que sin hacer mucho ruido, resultan un producto bastante agradable, lástima que se perdió en la cartelera pero se las recomiendo mucho en cuanto salga a la renta. Dudo mucho que The Karate Kid pueda convertirse en algo más que el remake de un clásico ochentero mientras que en una de esas podría ser Tom Cruise el que venga a rescatar, una vez más, el género de acción, ahora al lado de Cameron Díaz en ésta película con un título que, una vez más, fue traducido de manera atroz y como si no saliéramos de las mismas pinches palabritas de siempre: “ Encuentro Explosivo”. En el género de comedia, “Grown ups” me llama a la atención, esperando que sea más una “Par de Colmilludos” que una sobrevalorada “The Hangover”.  Nos falta aún la animada Despicable Me, la nueva entrega de Predators confiando en que Robert Rodriguez traiga algo que nos haga olvidar la Aliens versus Predator 2. Los primeros comentarios de The Last Airbender apuntan a que se trata de un nuevo “fracasototote” de Shyamalan y ya para el cierre, veremos “Inception” cuyo gran elenco con Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Marion Cotillard, Michael Caine y Cillian Murphy bajo la dirección de Christopher “reviví a Batman” Nolan se antoja bastante. Por ahí le traigo muchas ganas al documental “99 minutos en el cielo” (“Oh My God?”) simplemente por las puras apariciones de gente tan variada como David Copperfield, Hugh “Wolverine” Jackman, Seal y hasta Ringo Starr.

Pero aún así, el verano cinematográfico del 2010 está como de palomitas sin sal.

Una selección que tenía que ser la mejor del mundo. Con la mayor cantidad de jugadores jugando en el extranjero. Con un Márquez que en ese primer partido salía a dar la cara y la personalidad para dar el volantazo y regresarnos al camino antes de que llegar siquiera a la primera caseta. Con Cuauhtemoc que hacía el que seguramente será el último gol en copas mundiales. El primero, se convierte en el jugador mexicano que más partidos mundialistas ha jugado, con 12. El segundo, empata con 11 con La Tota Carbajal

Y tu tenías razón, falta acción…

Pero los goles no se meten. No caen. No entran. Y así no hay como. Y entonces el que quizás puede ser el mexicano más feliz del país en éstos momentos, es aquél que ideó la campaña de Bimbo y el slogan. El “Haz Sandwich”  trascendió, se convirtió en voz del pueblo, en titulares de periódicos, en trending topics, en revivir la Sister Twisted de Kinky y escucharla en la radio, en los antros, en la calle.

Qué  fue de aquellos sueños, dónde esta la ilusión…
En el partido, Argentina nos sacó el corazón con un machete. Sin piedad. Lejos de lo del árbitro que es tema aparte, lo que ocurrió fue un putazo anímico. Y cuando el corazón estaba todavía latiendo en el piso, los sudamericanos le dispararon con bazooka.

La flama se apagó…

Ya no había mucho que hacer entonces. ¿Apagarle a la tele? No, si la esperanza aún quedaba, pero la realidad ya también se había sentado en el sillón a agarrar los Cheetos y la chela.

No entiendo a mi generación…

Y terminó el partido y no faltó el que dijo “Ven,se los dije/Hasta creen/Era obvio”. No, no te hagas el chinguetas. Una cosa es que te valga madre el fútbol y ni lo peles, y otra cosa es que quieras sentirte el pistola viendo lo que nadie veía. No, si no quería madrear argentinos, mucho menos a Maradona (como sea, en una semana, pasado el trago amargo, deseo mucho que conquiste otra copa, ahora como DT), o a italianos para desquitarnos del abanderado. No, al que menos iba a soportar en esos momentos era al mexicano del “jejeje a huevooo pero sigan confiando en la desepción mexicana” (El que no sólo cae en el chiste viejo, aburrido y de lugar común, sino que ni escribir sabe”.

Qué  fue de mi tranquilidad…

Que si el Guille. Que si el Bofo. Que porqué no Guardado. Que tampoco es que al Conejo le dieran batalla. Ya. Qué importa. Ya se dijo todo. Aún así, me quedo con el Javier Aguirre como un tipo con una gran personalidad y ángel. ¿Si la cagó? Pues como la cagó Hugo, Lavolpe, Mejía Barón et al. No habrá técnico que la deje de cagar hasta que México será campeón ¿no?
Me quedó con el mencionado Blanco y una despedida que desafortunadamente no es cómo lo hubiéramos querido. En la cancha, con aplausos, con quizás algunas lágrimas. Qué ingrato puede ser el deporte. Me quedo con la anécdota de que nunca me había dejado la barba por 20 días, en una “manda” en la que no me rasuraría hasta que México quedara eliminada. Me quedo con la experiencia de estar trabajando ahora en un nuevo proyecto, un regreso a los impresos, pero ahora totalmente deportivo.

Me quedo con ese sentimiento, de que en cuatro años, ahí estaremos otra vez. Pero lo del domingo, lo del domingo…

Eso sí  dolió

Capitán Pada continúa con la serie de “los linterna” y trae hasta nosotros la cuarta entrega, descubre si aún es poseedor de el anillo lector de fichas técnicas además de seguir descubriendo todo el universo de los linternas.

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Advertencias varias: La primera es que esta reseña, para poder realizarse de manera sincera y sin ataduras, contiene spoilers. La segunda es que, para ver la película de Kick-Ass, les juro que me quité el disfraz de fanboy y lo dejé colgado en el closet al lado de las botas de spandex Y la tercera es que soy un gran defensor de las adaptaciones. A partir de ésto, comencemos, partiendo de éstos dos últimos puntos

Cuando los lenguajes son diferentes entonces, la adaptación es necesaria. El medio, el público y las herramientas son diferentes y lo que funciona en uno, posiblemente se vea/suene/parezca ridículo en otro. Cierto es que en este proceso, nunca se tendrá contento a todos. Los fans de la caricatura/seriedeTV/libro/comics respingaremos de que en el medio original estaba mejor tal o cual cosa. Pero para no caer en ese juego malvibrante y renegón,  siempre defenderé la adaptación y la decisión de los realizadores de modificar ciertos asuntos que consideren convenientes…siempre y cuando se respete la escencia de lo que el medio y los creadores originales quisieron mostrar.

Es aquí en dónde quizás la película de Kick-Ass falla. La primera mini serie, de ocho números, que es la que vemos en el cine, se caracterizó de inmediato por no ser una historia de superhéroes. Por algo, aún no terminaba y ya se habían comprado los derechos para llevarla al cine. Es la historia del tipo más simple del mundo, como él mismo lo explica al inicio, que decide ponerse un disfraz…pues porqué sí. Porque puede. Porque nadie lo había hecho. Pero lo mejor es que no deja de serlo durante toda la historia, mientras que en el cine hay una especie de redención, que tantas veces hemos visto, que de ser el underdog se convierte en el cool. Y en la vida real, tampoco es así. En el comic, cuando le revela a Kate que no es gay y que él es Kick Ass, ella lo manda a la chingada. Nada de jetpacks ni de bazukas. En el comic, el no tiene los huevitos para matar a alguien más. Alguien dijo Peter Parker? Claro, el casting buscaba a alguien así. En el comic, Dave es güero, más chaparro, más chavito. En la cinta, no podemos evitar en pensar en Tobey Maguire e insisto, seguramente esa era la intención.

Lo que más me dolió fue la omisión del verdadero origen de Big Daddy y Hit Girl. En la cinta vemos que BG era policía, fue incriminado y ahora busca venganza. Cuando éste le cuenta dicha historia a Kick-Ass, éste reacciona fascinado pues “ustedes sí que tienen un origen de superhéroes”. Dicho sea de paso, BD siempre carga una gran maleta con él. Al estar capturados y antes de morir, BD le revela a KA la verdad: el origen es falso, inventado. BD es tan fanboy de los comics como el mismo KA, y se convirtió en superhéroe pues porque sí. Porque puede. ¿Por qué no? ¿Y la maleta? Ahi trae su colección de comics, y vende los más viejos para pagarse las armas. Antes de morir, le pide a KA que no le revele nada a Hit Girl para que ella se quede con esa imagen de él. Porque de hecho, la mamá de ella lo dejó por huevón. Qué historia ¿no? Y desafortunadamente fue eliminada. En una maravillosa trama que hace crítica y le da la vuelta a los pilares/clichés/leyes de los superhéroes y los comics de capas.

Únicamente por no dejar, también mencionaré que, sobre la traición de Red Mist, en el comic no nos enteramos sino hasta el final, siendo tan sorpresivo para nosotros como para KA. En la cinta resultaría difícil ocultar esto a menos que se usara una máscara completa, o bien, el chaval sólo apareciera una vez sin máscara.

Para finalizar con lo bueno, es un gran logro que se hayan respetado las referencias culturales pop actuales: Myspace, YouTube y el gran gag sobre Lost. Los chistes y las referencias a los comics están perfectas.

Y por sobre todas las cosas:Hit-Girl. Maravillosa. Adorable. La pequeña actriz no podría ser más perfecta y ad hoc para el papel. Las escenas de acción que superan, como debe de ser, a las del mismo Kick Ass. Ella parte madres. Ella se lleva la película y es suficiente razón, no, es una razón de mucho peso, para apreciar la cinta. Kick-Ass entonces es una película, que, irónicamente, disfruten más aquellos que no hayan leído el comic.

(Para más sobre el cómic de Kick-Ass, podrían escuchar el podcast de Capitán Pada y sus monitos, el episodio 71, de lo mejor de la década, que encuentran dando click AQUÍ)

¿Cómo no repetir lo que se ha dicho en la última semana? Vamos, en el último mes, pues.

Es más, ¿Cómo no repetir lo que se ha dicho en la última hora y media desde que terminó  el partido inaugural del Mundial de Sudáfrica 2010?

Se siente gacho. Es como cuando te cortan y entonces no sabes qué vas a hacer el siguiente domingo. Nadie te prepara para eso. Estás preparado para la victoria. Sí, sin duda. Estás preparado para la derrota. Pues sí, porque vas a vomitar una frustración atorada. Pero ¿el empate? No, pues ahí si no.

Faltan 23 minutos para que comience el Uruguay-Francia. La esperanza es que empaten. Para facilitarnos las cosas. Porque, otra vez, nuestra suerte no depende de nosotros. Va a tener que ser una serie de circunstancias, suerte y rezos para que el futuro nos convenga.

Nos deben ellos. Nos deben que ayer jueves ya nada nos importaba, que el pasado de mediano plazo lo habíamos dejado atrás y ahora, otra vez, sin mirar, aventándonos sin red, estábamos dando el salto de fé. Nos deben entonces lo que sucedió esta mañana. Nos deben el mal sabor de boca que ni con pizza ni con Doritos ni con cerveza se nos quita. Nos deben la, para muchos, desvelada. Nos la deben y aceptamos que dicho voucher sea pagado el jueves.

Me debo un mundial. Debo de aceptar que, debido a los horarios, no pude disfrutar el Corea-Japón 2002 como hubiera querido. Pudieron más el trajín diario y el sueño que el consumo completo y absoluto de las cruzadas que ocurren cada cuatro años. Este lo quiero mamar al doble.

Le deben a mi amigo Fabían. Se lo deben desde hace 24 años. Estábamos en mi casa, al sur de la ciudad. Todos en la sala. En el famoso México-Paraguay. Carajo, era nuestro país. Carajo, era nuestro mundial. Carajo, era nuestro ídolo. Y entonces…Hugo falló el penal. El penal, carajo. El penal. Y entonces tienen razón al decir que, contra lo que se combatía hoy, era contra los fantasmas y los demonios. Y Fabían lloró. Pero en serio no mames cómo lloro. Bueno el Niño “No Sirven Pa´na´ es un roble comparado con aquél incidente. Es que, al igual que a nosotros hoy, a el nadie lo había preparado para lo que seguía. A él lo habían cortado y no sabía que iba a hacer el próximo domingo.

Vamos a saldar las cuentas. Las que ustedes nos deben y por aquellas en las que hemos dudado. Pero no  se valen empates. Esos son pagarés medianitos.

La segunda producción de nuestro metálico héroe nos trae a nuevos personajes, pero, ¿quiénes son?, Capitán Pada nos tiene preparada una guía práctica para conocer el contexto de cada uno de ellos.

Escucha el origen de dos de los personajes que hacen su aparición en la secuela de Iron Man para la pantalla grande.

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Ahí estaba, el peor Spider-man del mundo. Con una máscara demasiado justa, con capa, cargando mochilas que provocaban un “joroba” y claro, sin disparador de telarañas. Era el Yepafest y 600 niños de orfanatos fueron convocados para darles una fiesta: bandas y actos en vivo, puestos de comida, juegos y destreza, regalos, juguetes, cuentacuentos, inflables, etc.
Varios invitados especiales, entre ellos, el luchador Horus. Se encontraba en el escenario rifando varios regalos, incluyendo boletos para la función del domingo.
Se acerca un muchacho, con síndrome de Down, y nos da a entender que quería saber cómo se llamaba el luchador. El chico no dejó entonces de gritarle “¡Horus! ¡Horus!” y de saludarlo. Le dijimos “Hey, ahorita que se baje, nos acompañas para ir a saludarlo”

Así fue, y Horus lo saludó y se tomaron un par de fotos en pose de luchador y el muchacho estaba muy contento.

En eso, se acercó otro chico, de otra institución. El, en la rifa, ya se había ganado boletos para ir a la Arena México.
Se acerco al muchacho y le dijo “Oye, toma, te regalo mis boletos…”

Ahí estaba, el peor Spider-man del mundo, recibiendo una lección de humildad, de vida, de amor. Un chico que no tiene mucho, pero quizás tiene lo necesario, lo suficiente.

Ahí estaba, el peor Spider-man del mundo, pero también el más feliz, porque quizás, quizás, todavía hay esperanza…

Iron Man 2 necesita funcionarle a Marvel Studios para que entonces la gente ya esté más que enganchada para seguir éste camino que continuará vía Thor y First Avenger: Captain America y terminar en la película de los Avengers. Pero tranquilos, no hay ninguna prisa, y la historia tampoco debería de ser tan complicada de contar, y ésta es una de las cosas que, más que beneficiar, afectan a Iron Man 2.

Porque entonces se vuelve en una película con una estructura que ya hemos visto en otras ocasiones: tres peleas fuertes, y en medio un desarrollo de la historia que se convierte en mucho diálogo y poca diversión. En la primera, cuando está probando la armadura, cuando vuela por primera vez y demás descansos entretenidos, la hicieron muy ágil y atractiva. En ésta, la historia a veces se torna lenta y aburrida entre lo que ocurre con la Avengers Iniciative y entre la trama general de la cinta. Por ejemplo: Sí, visualmente cuando está descubriendo aquello que su papá le heredó y que le salvará la vida es muy bueno (aunque nada que no hubieramos visto en la primera) pero a nivel de diálogo, pierde a la audiencia. Y vaya, una cosa es que sea un genio, y otra cosa es que en la historia de la química haya un antes y después de Tony Stark al descubrir..¿un nuevo elemento? ¿Así de plano?

Digo, el hecho de que lo mismo que lo esté salvando lo esté matando, me parece fabuloso, pero se pudo  resolver de otra manera, y no llegar a éste extremo.

La historia del alcoholismo daba para una gran historia, madura, y el cómo lo manejan, queda bastante flojo. Es decir, se puede hacer una película con tramas muy complejas, sin olvidar la parte “superheróica”como lo hizo The Dark Knight, que si bien a veces resultó un poco enredada, lo libra bastante bien. En lo que sí acierta es en no presentarnos al héroe que cuando hay peligro, se pone el disfraz. Éste, como ya nos advertía el final de la primera, iba a ser otro tipo de superhéroe, lo cual de entrada ya tiene su twist.

Mickey Rourke me queda a deber y nos deja un sentimiento de simplemente repitió su tan ovacionado papel en El Luchador. Don Cheadle no nos deja con algo a destacar. Gwyneth Paltrow mejora considerablemente con respecto a la primera, pero en cuanto se pone en mujer-gritona-en-peligro, pierde todo el respeto. Scarlet Johanson se luce en una sola secuencia, la cual no deja de ser la versión extended de lo que ya vimos en los trailers, y tampoco es tan extended. Lo que si me pareció muy atinado es la manera en la que explican, ahí sí, de manera muy sencilla, cuál es su función dentro del proyecto de los Avengers y verla en la cafetería junto con Nick Fury y Iron Man sin casco, está muy fresco.

Robert Downey Jr. cumple pero no sorprende. Al parecer ya se sintió muy agusto con el papel y no nos dió algo más. Sí, por supuesto que hay escenas muy buenas, como la del juzgado, y uno que otro gag que nos saca la risa, pero no hay un nuevo límite a vencer. Creo que lo mismo le pasó al director Jon Favreau: se confió que ya tenía todo dominado. El que mejor papel nos da es Sam Rockwell.

De los efectos especiales y las peleas no se esperaba algo peor, y por supuesto están muy bien logradas, pero, como ya lo mencionaba, son contadas éstas escenas.

Mientras que la primera Iron Man evitó escenas clichés como el beso entre el protagonista y la co-protagonista, aquí, para nuestro infortunio, aparece y sabe mal, porque bien pudieron extender la tensión sexual para la siguiente y no había necesidad de hacerlo ya. Y bueno, ni que decir del impactante mencionado final de la primera, mientras que aquí, sólo…termina.

Es más, hasta en los créditos del final de la primera le echaron más ganas, mientras que aquí no existen, y son intercambiados por los créditos del inicio, que no dejan de ser una secuencia fácil, sencilla, del tipo “se está construyendo algo”, que ya habíamos visto en muchos otros lugares.

La escena después de los créditos es fabulosa, haciendo referencia a Thor, no así aquella referencia relacionada con El Capitán América que queda simplona.

En conclusión, a alquien se le olvidó hacer una cinta divertida. Iron Man 2 para nada es mala, pero quizás daba para mucho más, teniendo la anterior como referencia, y difícilmente lo consigue.

La segunda producción de nuestro metálico héroe nos trae a nuevos personajes, pero, ¿quiénes son?, Capitán Pada nos tiene preparada una guía práctica para conocer el contexto de cada uno de ellos.

Escucha el origen de estos dos personajes que hacen su aparición en la secuela de Iron Man para la pantalla grande.

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-”¿Quique?”

-”Sí. Quique. Quique Iglesias, ¿ves?”

Diego estaba desesperado, sin embargo, en una noche de insomnio, pensó: “Si hago esto, entonces jugaré el juego de la frívola vanidad, y no quiero eso. Cierto es que necesito más trabajo, y de todas maneras será temporal. Pero además, el lunar es un constante recordatorio de mis padres. De Los Lunares. No, a tomar por culo. Si quieren bien, si no, lo siento”

Michel nuevamente entró al quite, y sí, nuevamente en tono sarcástico, le dijo “Bueno, pues entonces deberías de hacer lo segundo que hacen todos los argentinos que llegan a nuestro país…deberías de ser mesero”

Apenado con Michel debido al retraso de cuatro meses que tenía de su parte de la renta, de inmediato se dispuso a buscar esta nueva opción. Siempre con la idea, de que, o sería temporal, o bien, le echaría “todos los kilos” para siempre ascender en el organigrama de aquél restaurant o bar que lo recibiera.

De hecho fue Restaurant-Bar el que lo recibió. CHMA era el nombre del lugar, el cual abría desde la una de la tarde, para comidas, y cerraba a las 2 de la mañana, para copear, empedar o cenar algunos entremeses. El lugar era llamado así  por su dueño. Chemita. Don Chemita. Adorable abuelo que había resistido los embates de la competencia. Ciento y un veces vio surgir establecimientos similares a su alrededor, pero las mismas que los vió caer y renacer bajo otro nombre. Y si bien había días y noches flojos, como en todo negocio, en el CHMA siempre era uno bienvenido. Don Chemita vivía para su lugar. Después de tantos años, Don Chemita sabía que la supervivencia no era cuestión de falta de confianza para delegar responsabilidades, sino el toque que él tenía para elegir la comida, para supervisar las bebidas, para cuidar la caja, para siempre estar renovando la decoración, desde un nuevo cuadrito hasta cambiar el color de un poste. Que si era cuaresma, ahí iba Don Chemita personalmente con los cocineros a elegir el pescado. Que si alguien se había quejado de un mesero, Don Chemita se disculpaba con el comensal y de inmediato, de ninguna manera altanera, le llamaba la atención a áquel.

A los vecinos les preocupaba Don Chemita. “Ay Don Chemita, ¿de qué le sirve estar ganando todo éste dinero si ni lo disfruta?” Los lunes era el día que el CHMA cerraba, y Don Chemita por lo general se quedaba en su casa. Pero si había que salir a hacer compras para el CHMA, pues vámonos. Sí acaso un día o dos se tomaba Don Chemita para la vacación, pero nada más. ¿Enfermedades? Muy pocas, y nunca por trabajar tanto, sino porque la salud de Don Chemita se encontraba óptima. ¿Por qué? Pues porque disfrutaba su trabajo caray, y amaba al CHMA. Y ese amor por la camiseta, o mejor dicho, por el mandil, es lo que Don Chemita buscaba en sus empleados.

Y si alguien era entregado, ese era Diego.

¿Han tocado la piel de un cocodrilo? La sensación es bien rara. Como que la mente no está preparada porque te la imaginas de una manera y es muy diferente. No podría describírselas. Como en aquella típica broma en la que levantas una maleta que crees que está muy pesada y entonces está vacía. Y el cerebro como que hace corto circuito. Lo mismo pasa con la piel de los delfines (que en teoría no se debe de tocar, pero eso me lo dijeron ya que lo había acariciado)

Y entonces sabemos en qué  y cómo va a terminar y a desarrollarse la historia de CEATD. Fuera de esto, la cinta funciona y mucho, por todo lo que expliqué anteriormente. Bien.

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Capitán Pada continúa con la serie de “los linterna” y trae hasta nosotros la tercera entrega en la que con la ayuda de un anillo nos cuenta cuáles son las características de cada uno de los anillos de poder.

Acompaña a éste par en la siguiente entrega .

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Qué fuertes tiempos estamos viviendo. Cualquier intento de conclusión me lleva a la misma palabra:

Paranoia

¿Quién nos lastimó tanto?

La respuesta de hecho es bastante sencilla. Ellos. “Son los mismos los del gobierno” solíamos bromear en la universidad de que todo era culpa de las autoridades. Pero era un chiste pues. Haciendo mofa hiriente de lo que a mi generación, y las 5 de arriba y las 5 de abajo, nos tocó (¿toca?) vivir. ¿Que si el América ganaba? Arreglado. ¿Que si el error de diciembre? Arreglado. Y ciento y un mil ejemplos más,  mientras Caifanes cantaba ‘El Comunicador’.

Son los mismos los del gobierno. Y los medios los que nos lastimaron. Como experimento veterinario, o como Bart al querer agarrar un panquecillo conectado a la electricidad, nos dejaron traumados. Ciscados pues (¿Siscados? ¿Ciscados?)

¿Pero en serio no podemos superarlo? Hoy quizás estamos peor que nunca.

Vivimos en un estado de paranoia constante. 24/7

¿Que si Ciro Gómez Leyva habla de Twitter? Paranoia, porque no vaya a ser que al un medio de comunicación tradicional hable de una red social, nos vayan a quitar el juguetito del mes.

¿Que si la influenza nos vino a modificar un mes de nuestras vidas? Paranoia, fue para tapar algo ¿Qué? “Que no sé, pero algo”.

¿Qué si el policía se acerca? “¿Ahora qué quiere éste pendejo?”. Paranoia.

¿Que todos los premios en los medios de comunicación están arreglados? Paranoia

¿Que porqué ponemos a Thermo o a Elis Paprika? ¿Cuanto nos pagan? Paranoia

¿Que nos van a cobrar por usar el Hotmail? “Por si las dudas, reenvio el correo”. Paranoia

¿Que si Moenia le está copiando a Soda? (Cuando en realidad, se llama “samplear”). Paranoia

¿Que porqué gano ese video y no el de mi hermano que estaba más chido? Paranoia

¿Que si ponemos de broma un cachito de una canción de Paulina Rubio quiere decir que ya nos vamos a convertir en Exa? Paranoia

¿Qué sí? Paranoia ¿Qué porque él? Paranoia ¿Qué? Paranoia

Y bueno, qué decir de aquellos que a punta de declaraciones y acciones, se han ganado el que aparezca su foto en el diccionario debajo de la definición de Paranoia: Andrés Manuel López Obrador y Hugo Chávez.

Piensa mal y acertarás. Pues sí y no. “Es como todo pues” decíamos también.

Los motes “Telerisa”  y “TVApesta” lejos de la risa, me da una tristeza infinita. Me hace sentir que nuestra percepción sigue atrapada en viejos patrones de pensamiento dañados, lastimados, encerrados.

Traemos un fantasma al lado.. Una loza en la espalda. Un grillete en los pies. Comparten apellido, el cual es Paranoia

Paranoia hacia los medios. Paranoia del gobierno. Con eso puedo lidiar.

Paranoia con los amigos. Paranoia en los amores. Eso nos va a asfixiar. Paranoia con Paranoia

Para. No. Ya.

Relajémonos. Es por nuestro bien.

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Si de por sí, como lo comentaba en el post anterior, me identificaba con la música de Sting y The Police, al leer Broken Music me identifiqué con el sujeto. Es mágnifico leer cómo se va refugiando en la música y cómo argumenta que el bajo iba con sus sentimientos en ese momento: el no querer el spotlight pero sí querer ser el mejor músico. El retraerse, el servir de apoyo, en lo que su familia sufría un terremoto causado por la infidelidad.

Otros, otros nos refugíamos en otras cosas, en otros medios, en otros instrumentos, en otros sentidos; de los cinco, no de las formas. Y acrecentado sí, cuando también mi familia tuvo su propio temblor y se partió a la mitad. Para luego entonces, después de años de standing by, buscar el reconocimiento de los demás. porque todos los que nos dedicamos a ésto, querámoslo o no, nos gusta y lo buscamos. Él en la música, otros en el spotlight.

Es natural que al gustarnos una banda, busquemos el material solista de alguno de sus integrantes. Lo que no siempre es natural, es que nos convenza. En el caso de Sting, para mí, lo fue por muchos años, con sus ires y venires. Y como con The Police, comencé con un grandes exitos: el Fields of Gold 1984-1994. Y lo devoré. Y nuevamente, el güero ese formaba parte del soundtrack de mi vida con canciones como la tremendamente romántica ‘When We Dance’, ‘If you love somebody set them free’, ‘Fields of Gold’, ‘All This Time’, ‘Fragile’, la optimista y bailadora ‘We´ll be together’, ‘Englishman in New York’, ‘Mad about you’ (de mis favoritas de todos los tiempos) y por supuesto ‘If I ever lose my faith in you’, la cual se extraía del disco anterior a ese, el Ten Summoner’s Tales pero que ya nos advertía algo: que Sting estaba en una transformación musical que quizás no estaría tan padre.

Con ella, a la que le gustaba The Police, bromeábamos que el disco del 96, debería de haberse llamado “Sting Falling” pues el sencillo que lo daba a conocer “Let your soul be your pilot” estaba ñoña, gacha, aburrida. ¿Dónde estaba la actitud acústica de “It´s Probably Me” o la nostalgia tremenda de “Shape of My Heart”?

Tres años tuvieron que pasar para recuperarnos del ‘Mercury Falling’ y con un título muy ad hoc llegó el ‘Brand New Day’. Ahora sí, con actitud, con felicidad pues, pero no con ñoñez.

Broken Music es una lectura optimista para aquellos que a veces nos llega a pasar por la cabeza si elegimos el camino correcto. Si algún día llegara la grande. Cuando vemos que un muchacho que le había dedicado toda su vida a la música, ya estaba casado, con un hijo, viviendo de la pensión económica de su gobierno…y su primer sencillo aún no sonaba en la radio. Broken Music es el título que le dio la abuela a los sonidos que Gordon sacaba del piano cuando todavía era un niño.

“…All this time “ es un título perfecto. Es un autohomenaje al tipo que les mencionaba en el párrafo anterior. Es una manera de decir “Sí, esto es lo que he hecho y lo puedo hace todavía mejor”. Es un disco completo. Es un disco en vivo, más no de concierto en estadio sino más con sabor a Unplugged, con un Sting tocando, mezclando, saboreando lo mejor tanto de su carrera solista como con The Police, con arreglos maravillosos.  Y sin duda alguna, es mi disco favorito de Sting. Es de esos que se escuchan de inicio a fin.

Es un disco de graduación pues lo que le sigue se ha ido por otra línea. Una línea que dejó  al “Sacred Love” cojeando de algunos lados y que lo llevó al año pasado a sacar un disco navideño, al cual ya no le entré.

Ah ¿de la chica a la que le gustaba The Police? Tendrá como cinco años que no la veo. No sé si le siga gustando Sting. Eventualmente tenemos comunicación vía mail. Luego le preguntaré.

Los conciertos de Sting como solista los he disfrutado mucho. El que dio con Annie Lennox fue tremendo.

Desafortunadamente, el concierto de The Police musicalmente no fue lo que esperaba. Quizás demasiados arreglos cuando lo que queríamos era darnos por bien servidos que en esta vida ibamos a escuchar a esa banda en vivo y punto. ¿Les cuento algo? Irónicamente, fuimos los cuatro amigos juntos  de la prepa. Con sus diferentes novias en ese entonces.

Ver a The Police me hizo sentir como cuando creíamos que no veríamos ya nunca a The Cure y se hicieron presentes después de muchos años de no hacerlo en nuestro país. Y eso me hace recordar la historia de la chica a la que le gustaba The Cure. Pero eso se los cuento luego.

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Con Bienes Raíces creo que hemos alcanzado el siguiente escalón, del cual espero no vayamos a bajar un pie. Aquí debo confesar que no vi la anterior serie del Canal Once, XY, de la cual sólo he escuchado buenas recomendaciones por lo que tendré que estar al pendiente para cacharla de nuevo.
Bienes Raíces comenzó bastante bien. Aplaudo la gran producción de locaciones y escenarios, los diálogos muy creíbles y algo que supongo no se puede enseñar, pero sí aprender, el ritmo de los cortes y la narración de la historia son cosas a destacar. El gran fallo, tremendo fallo, fue el audio, en ese primer episodio: recurrieron a doblar varios diálogos pero mal logrado, mal empatado y fuera de sincronía no sólo con la imagen, sino con el resto del audio y se notaba la diferencia entre un audio original y uno sobrepuesto. Mucho también he criticado que me parece increíbles que no he visto una película mexicana que no tenga un buen audio, y que si las ves en el cine, pides a gritos que le suban el volumen (como si fuera posible pues) porque los diálogos simplemente no se escuchan. Me da coraje pues no creo que no haya nadie en nuestro país capaz de realizarlo, cuando conozco a muchos productores de audio muy buenos que podrían realizar dicho trabajo, y cuando estamos en un país en el el que existe cientos de estudios de doblaje y producción de audio. Voy a especular, y creo que esto se debe a que el presupuesto, cuidado e importancia que se le da al audio se está dejando para el final, cuando debería de tener la misma importancia que la calidad de la imagen y la fotografía.
El problema del audio fue mejorado en los consecuentes episodios, pero lo que ya estaba aplaudiendo, fue bajando de calidad. Los diálogos comenzaron a ser un poco predecibles, de plantilla, y quizás abusando de las groserías. De que se siente que fueron metidas porque se puede. En otras ocasiones, las  tramas unitarias de cada episodio han resultado predecibles, sí, de plantilla, pero supongo que tendré que perdonarlo pues hasta en grandes clásicos de la literatura, sabemos de antemano quién va a ser el malo, el mentiroso o el traidor.
Pero de ahí en fuera, me gusta. Me gusta que la idea sea tremendamente original al plantear como base un negocio de… pues de Bienes Raíces; que la personalidad de ambas protagonistas sea tan básica pero tan bien desarrollada. Personajes que, en esta ocasión sí, hay que creerles que en cualquier momento cobran vida propia y que llegará un momento en el que ellas dicten el guión con base en sus fortalezas y debilidades. El resto del elenco no tiene ninguna falla y son refrescantes. No puedo dejar de mencionar que las dos protagonistas son mujeres hermosas, guapas y con una tremenda personalidad: Fabiana Perzabal (en el papel de Maricarmen) y Gabriela de la Garza (en el papel de Rebeca).
Bienes Raíces se transmite por el 11 los jueves a las 10 de la noche. Y si esta serie me hizo dejar de ver Glee a la misma hora en Fox, entonces, no cabe duda, hemos subido un escalón, y se agradece.

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La segunda parte de lo mejor en cómics de la década traído a ustedes por el mejor representante de esta cultura en la década.

Señoras y señores, el Capitán Pada y sus monitos… todos los monitos que hicieron un gran papel en la década.

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P.D. Y cante el título de este post, al ritmo de ésta canción

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Para comenzar, debo decir que soy fan de Tercer Grado, programa que se transmite los miércoles al terminar el Noticiero de Joaquín López Dóriga, conducido por Leopoldo Gómez y que cuenta con la participación rotativa del mismo Dóriga así como Adela Micha, Carlos Marín, Ciro Gómez Leyva, Denisse Maerker y Carlos Loret de Mola. En la más reciente edición, del miércoles pasado, nuevamente se tocó el tema de “La Guerra contra el Narcotráfico” y sí la estrategia del Presidente Felipe Calderón es la correcta.

Como siempre, el tema fue polémico, polar y difícilmente se puede llegar a una conclusión contundente. En éste tema en específico, a veces me da miedo externar mi opinión: en primera, por si la gente llegase a considerarla muy fría e insensible, y en segunda, por las mismas razones, por si debería de revisarme a ver si todavía tengo alma y corazón.

Vaya, es que la premisa es muy básica, histórica y sencilla: En una guerra, hay casualidades. ¿Inocentes? Sí. Y si de por sí el concepto de “inocencia” es bastante polémico y amplio, y que, por lo menos a mí, siempre me jala para el lado de la religión y las creencias, entonces procuraré dejarlo a un lado.

Que la gente muera en la calle por estar en el lugar equivocado a la hora equivocada es triste. Es malo. Es fatal. Que la gente tenga miedo y que a partir de ello tenga que modificar sus actividades cotidianas es injusto. Vivimos un poco de ese miedo el año pasado en Torreón. Digamos que tuvimos un encuentro cercano del séptimo tipo. Pero nada grave. Pero dió miedo. Y sólo fueron unas horas. No puedo ni atreverme a imaginar el tener que vivir así 24/7.

Por supuesto que al presidente Calderón nadie le ha asegurado que sea el camino correcto. Porque entonces la sangre y la venganza corre. E, insisto, se lleva entre las patas a gente que no debería. Y si supieramos que es el camino correcto…o sea que ya sabemos en qué va a terminar la película. ¿Lo aprobaríamos? ¿Vale la pena el costo humano con tal de que el resultado a largo plazo sea mejor?

No lo sé.

Claro, entonces de inmediato vendrán los reclamos y los insultos, y con toda razón ¿eh? Al decirme que “como tu no has perdido a alguien por culpa del narcotráfico, no tienes ni la más puta idea de lo que dices”.

Afortunadamente, no. Hace unos meses, a mi familia nos sacaron un gran susto, y sí, los primeros hechos apuntaban a que se trataba de una de las más poderosas y conocidas bandas del narco. A la mera hora, resultó que no, que se trataba de unos impostores tratándose de imponer bajo una identidad falsa.

¿Que sentí en ese momento? Miedo. Impotencia. Coraje. La cosa no pasó a mayores, y por supuesto, de haber pasado, no sé cómo hubiera reaccionado.

Olvídemonos por un momento de otras opciones como el mejorar la educación y la legalización de las drogas…A ver, va de nuevo la pregunta…y vamos a dejar de hacernos weyes: va más directa.

¿Vale la pena la muerte de inocentes si con esto se terminará la violencia del y por el narcotráfico?

¿Ustedes que responden?

¿Qué va a pasar con Avatar? Nuevamente, pregunto: ¿Está para un antes y un después? Irónicamente, no está tan fácil, y es que, inversosímiles mundos de espectaculares directores, como el mismo Cameron tiene la culpa, por darnos extraordinarias aventuras. Y Avatar ya es una de ellas.

]]> http://dixo.com/2009/12/avatar.php/feed 10 http://dixo.com/2009/12/avatar.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-pada/~3/sb5pJW82QYc/el-es-seth-green.php http://dixo.com/2009/12/el-es-seth-green.php#comments Mon, 14 Dec 2009 10:54:32 +0000 info@dixo.com (Pada) http://dixo.com/?p=18982 Cuando le platico a alguien sobre Seth Green, tengo que explicarles que es “el hijo de Dr. Evil en las de Austin Powers pero no es Mini-Me” y hay gente que más o menos lo ubica. Ya cuando ven de quién se trata, entonces sí reconocen su cara, y saben que lo han visto en otras cosas por ahí, como podría ser en la extinta serie Buffy the Vampire Slayer o como personaje intermitente en That 70´s Show. No, no es el gran actor que pinta para convertirse en la próxima super estrella, pero no lo hace mal, y tiene buen tino para elegir los proyectos, como la recién estrenada Par de Colmilludos, que quizás si no fuera por su participación, no la habría visto, pero me dejó con un buen sabor de boca porque se trata de una muy divertida comedia, muy a la vieja Disney, boba y con mucho humor físico, pero de verdad se las recomiendo y las últimas escenas con Green están re-buenas.

Lo que más admiro de Seth es su trabajo fuera de cuadro, porque el tipo prácticamente hace de todo: hace mucho trabajo de voz: quizá la más reconocida es la de Chris Griffin en Family Guy, y en algunos videojuegos como Mass Effect.

También lo hace para la que considero su máxima creación: Robot Chicken, parodias con animación stop motion con juguetes que resultan todo un agasajo para la cultura pop y geek, donde lo mismo se pitorrean de Kill Bill como de Mario Bros y por supuesto, los, hasta ahora dos, especiales de Star Wars que cuentan con toda la aprobación de George Lucas (quien inclusive en el primer especial, presta su voz para sí mismo en una gran secuencia) y que al verla, uno podría pensar dos cosas: Lucas de verdad necesita una lana extra, o simplemente se ha flexiblizado con respecto al uso de sus personajes y las parodias que pueden hacerse de éstos. (¿Boba Fett en relación homo con Han Solo?)

La serie, de menos de 15 minutos de duración, se transmitía a través de nuestro país al igual que en Estados Unidos, en el bloque Adult Swim de Cartoon Network, dedicada a la animación más subida de tono, pero el bloque (que se transmitía los fines de semana en la noche) desapareció de CN en su versión latinoamericana y ahora el accesar a Robot Chicken sólo es posible comprando las temporadas, y los dos especiales,  de importación en DVD ( y bueno, también por internet).

Green tiene un humor que me pega, que lo siento muy mío, generacional pues, y que me hace admirar completo su trabajo. Hasta hace poco vi It (Eso), y sin saberlo, ahí estaba Seth Green actuando, y yo no lo sabía. Hasta hace poco vi Can´t Hardly Wait, y ahí estaba Green, sin saberlo. Me prestaron quizá una de sus películas más obscuras, Party Monsters, bien malechita la cinta, pero la historia es fascinante, basada en una historia real, y digo obscura pues el, junto con Macaulay Culkin, interpretan a dos homosexuales dedicados a la fiesta extrema y rayando en la decadencia.

Y voy a la tienda de comics, y ahí estaba Freshmen, un par de mini-series, de unos superhéroes accidentados, que, sin perder objetividad, sí debo decir que están dos tres, y que no pasó a mayores,  pero tampoco pasa nada si se topan algún número por ahí y lo compran.

Y es que, hablando de Culkin, Green pertenece a un grupo de amigos, también muy dictado por su generación, al cual pertenecen actores y realizadores ya no tan jóvenes como el mencionado ex Pobre Angelito, Mila Kunis, Sarah Michelle Gellar, Breckin Meyer (también escritor y presta voces de Robot Chicken)y el propio Seth MacFarlane, creador de Family Guy, y muchos más, los cuales están sentando las bases para proyectos por demás interesantes y que, si pueden capitalizar su talento, estaría por demás interesante lo que nos pueden ofrecer en un futuro.

Por lo pronto, corran a ver la peli Sex Drive, que también es muy divertida, y por mucho, pero por mucho, pidan, encarguen o consigan como quieran, las temporadas y especiales de Robot Chicken: no quisiera cerrar con una frase vendedora clichesca, pero me cae que no se van a arrepentir, y aplaudir la labor de Green al actuar en voz, es co-creador, escribe, produce y dirige.