En Plan B, López interpreta a Zoe, una neoyorquina solterona a punto de entrar a la difícil edad de las decisiones maternales por lo que decide, a falta de pareja, buscar una inseminación artificial cuando, de repente, aparece su “principe azul” (con el rostro de la estrella de televisión Alex Loughlin). Aquí empieza el conflicto de la protagonista ¿Cómo decirle al recién conocido que está embarazada de un extraño? ¿Estará listo para iniciar una familia cuando apenas la conoce? López hace su propia versión de todos los personajes de la serie de televisión Sex And The City sumándo un encantador trabajo de comedia física que le permite ir más allá que lo que las simples situaciones le proponen, de ésta manera la vemos saborear grotescamente un platillo preparado por el novio o estrellar su automóvil frente a un árbol por estar observando al pretendiente o, finalmente, presenciar un parto “en agua” del que sale totalmente empapada ( la verdad, la secuencia resulta sumamente divertida). Tal vez éste factor sea lo único interesante de la cinta, que curiosamente, proviene de el trabajo de la actriz ya que el resto es un compendio de clitchés vistos en programas de comedia de televisión de el Warner Channel.

Además, les tengo una mala noticia pues me dá la impresión de que ésta será la última cinta en la que la actriz podrá interpretar, un “juvenil” personaje pues, aunque luce espectacular difícilmente puede dar la edad que éstos personajes requieren.

Plan B sólo muestra la desesperación en Hollywood por encontrar pretextos para realizar “comedias románticas” pues se puede percibir desde los créditos de entrada una forzada temática (la maternidad que llega relativamente tarde) que no soporta, incluso, la misma historia de amor. Lástima que, a pesar de el sobresaliente el trabajo de López  como graciosa ejecutante de la comedia  “slapstick”, ésta cinta entre en la categoría de los filmes fallidos de Jenny From The Block.

Irene Azuela es una talentosa actríz mexicana que comenzó sus estudios en el Centro de Formación Actoral. Realizó un posgrado en Teatro Clásico, en la London Academy of Music and Dramatic Arts, y un curso de Teatro Físico, en la Desmond Jones School of Mime and Physical Theater. Hoy en el Perro Andaluz una entrevista con esta Actriz.

Oscar Uriel nuevamente nos trae lo mejor del cine, entrevistas, charlas, diálogos, momentos gratos dignos de escuchar.

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Cuando la película estrenó en el Festival De Toronto se le bautizó como la nueva “Juno”, no sólo porque contaba con la participación estelar de Ellen Page, sino porque perfilaba a convertirse en la “joya” que se descubre año con año en el Festival dentro de su extensa y compleja programación siendo apadrinada por el gusto de la audiencia, muy al estilo de el fenómeno acontecido hace algunos años con Quisiera Ser Millonario en la misma plataforma.

Tarde llega la película a México y con toda razón. Resulta que la sobrevaloración conseguida gracias a los Festivales la había cotizado muy alto por lo que ninguna distribuidora se atrevía a comprar el título por el riesgo que implicaba. Finalmente llega a cines con la mexicanización de su título al de Chicas Sin Freno haciendo alusión al deporte extremo abordado en la historia, el famoso roller derby, una especie de carreras sin reglas en patines ejecutado por jovencitas.

Page interpreta a Bliss, una chica de suburbio proveniente de una familia conservadora, quien está destinada a convertirse en “reina de belleza” (línea argumental que nos remite inmediatamente a Little Miss Sunshine) de la localidad. Sin embargo nuestra diminuta heroína se resiste a seguir los consejos de su demandante mandre (Marcia Gay Harden) encontrando por accidente éste singular deporte que le permite probarse asímisma y despertar su curiosidad ante las distintas posibilidades que le ofrece la vida.

Chicas Sin Freno es el típico “coming of age” que ha servido como tema de varias óperas primas, probablemente sea la anécdota más recurrente de quienes tratan de incursionar en el cine. Barrymore inicia la cinta con seguridad y sentido de el humor sin embargo pierde el foco en el camino cuando la historia principal empieza a cruzarse con otras subtramas, es entonces cuando la pequeña cinta del despertar de una adolescente se convierte en un melodrama feminista-deportivo-romántico-con tintes de comedia (¿?).

Creo que la anécdota interesante aquí a subrayar es la relación conflictiva madre-hija pero la directora la deja ir por completo cuando Bliss entra al extraño mundo de las competencias en patines, un deporte por demás ajeno a la cultura mexicana. Todo ésto resulta curioso pues Barrymore posee la suficientes credenciales dentro y fuera de la pantalla (ha producido un interesante grupo de filmes) como para haber ofrecido un interesante filme sin pretensiones, sin embargo, se dejó llevar por todas las tentaciones alrededor como una banda sonora que distrae, un diseño de arte demasiado llamativo y un ensamble de actores a los que les gana su personalidad (Juliette Lewis, Jimmy Fallon y Kristen Wiig por mencionarles sólo algunos).

Chicas Sin Freno no es una mala película en su totalidad, de hecho, estoy seguro que varias jovencitas la disfrutarán sin embargo provoca esa extraña sensación de que su director no estaba completamente seguro hacia donde ir.

Es curioso, pero tanto Gere como Allen, ofrecen dos de sus mejores actuaciones en sus respectivas carreras en una película donde el protagonista es un perro. Los dos actores interpretan con compasión a una pareja que parece tener la vida resulta, hasta que llega la tragedia.

Saludos

]]> http://dixo.com/2010/04/hachiko-siempre-a-tu-lado.php/feed 14 http://dixo.com/2010/04/hachiko-siempre-a-tu-lado.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/BTmh_ffwioY/cine-mexicano.php http://dixo.com/2010/03/cine-mexicano.php#comments Wed, 31 Mar 2010 03:21:47 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=25197

Legión De Ángeles desperdicia en gran manera el talento de un grupo de efectivos actores entre los que se encuentran Dennis Quaid (en una desentonada interpretación que nos da la impresión que se encuentra en otro filme), Kate Walsh (la talentosa protagonista de la serie de televisión Private Practice) y Paul Bettany, quien interpreta al mismísimo arcángel Miguel, probable salvador de la humanidad. Los histriones parece que se toman en serio el trabajo al verse el esfuerzo por dar vida a estos personajes pero con un guión tan desentonado y unos diálogos tan pedestres resulta imposible que los actores puedan sacar adelante una cinta tan desigual.

El guión es de la autoría de el mismo director Scott Stewart, quien a su vez se inspiró en el irreverente cómic del mismo nombre. El problema aquí esta en le ejecución pues parece que le quedó grande el saco a Holland al trasladar la acción y el sentido de el humor inherente en la tira cómica. Legión De Ángeles resulta un híbrido que se “inspira” (por no decir “piratea”) en elementos previamente vistos en cintas del calibre de Terminator o cualquiera de la serie de zombies de George A. Romero, aunado a una línea argumental sobre el Apocalipsis bíblico, pero las elecciones que realiza el director resultan las más obvias como el hecho de que la conclusión de los acontecimientos dependan de el nacimiento de un nuevo líder que salvará la humanidad ( ¡por favor hay que buscar otro desenlace a películas sobre el Apocalipsis! ).

Legión De Ángeles es el triste caso de una mala realización de una estupenda idea pues el factor de ofrecer una re-lectura cinematográfica sobre los últimos tiempos de acuerdo a la Biblia resulta sumamente invitante, sobretodo en esta época de dudas en la efectividad y veracidad de las instituciones religiosas. Lamentablemente Legión De Ángeles no la ofrece.

Aquí hay varias cosas que me gustaría comentar con ustedes. La primera es que la cinta me gustó mucho, espléndidamente realizada con el toque singular que sólo Burton ofrece en cada una de sus películas. La dirección de arte es verdaderamente espectacular ( como era de suponerse ) por lo que creo que el material era sumamente atractivo para ser reinterpretado por este talentoso director.

Sin embargo, creo que hay muy poco de el cuento original de Lewis Carroll, por lo menos de lo que yo recuerdo. Los personajes principales siguen siendo los mismos pero los acontecimientos de esta cinta no concuerdan con los de el libro. Por ahí alguien me dijo que tiene que ver más con Through The Looking Glass ( el cual, confieso, no he leído ), una seudo secuela que sirve como “reflejo de el espejo” de el país de las maravillas. En fin, tengo entendido que no es uno ni lo otro, se trata simplemente de otra Alicia.

Creo que es muy válido que un artista pueda regalarnos su propia versión de algo o alguien que le ha inspirado en algún momento de su vida, en lo que no estoy de acuerdo es que el estudio (Disney obvio)  venda la película como el cuento  original de Carroll, haciéndose de “vista gorda” ante el producto final.

Durante toda la proyección tuve la sensación de estar viendo la primera parte de una larga franquicia comercial destinada a entretener a los niños, una mezcla de Las Crónicas De Narnia con La Brújula Dorada. Incluso en el desenlace de el filme, ésta  Alicia se enfrenta  con un “mounstro” ( tengo entendido que sacado de la manga del poema de Carroll titulado Jabberwocky ) cual cinta de aventuras fantásticas de verano.

De la crítica mordaz y subersiva implícita en la obra de Carroll prácticamente no queda nada. Pocos saben que éste cuento tenía la doble finalidad de entretener tanto a los niños como a los adultos quienes encontraban en el texto una farsa irreverente a la modernidad.

La cinta de Tim Burton me gustó pero como un producto de divertimento, no como la adaptación de un clásico literario probablemente demasiado inteligente como para convertirse en un producto más de Disney.

A manera de regreso al género, Gibson protagoniza Al Filo De La Oscuridad en donde interpreta a un maduro detective ( ¡Qué novedad! ) bostoniano quien es testigo de la muerte de su hija percatándose de que Èste acontecimiento no es sino una pieza más dentro de un complicado rompecabezas en donde está involucrada la corrupción corporativa y los intereses de varios politicos de alto rango. El filme está basado en una miniserie británica de ocho horas de duración las cuales fueron compactadas por el eficaz guionista William Monaham, responsable de libretos como The Departed por mencionar algunos y Andrew Bovell quienes hicieron lo posible por resumir la compleja trama en tan sólo dos horas. El resultado es simplemente menor al serial de televisión pues el filme trata de varias cosas para concluir en absolutamente nada. Son varias líneas argumentales que, sin el tiempo necesario para su desarrollo, sólo dibujan  un “thriller” convulsionado en el que los personajes deambulan y se comportan sin explicación alguna. De repente es una cinta de venganza ( muy a la Taken protagonizada por el también maduro Liam Neeson) y en otro momento se convierte en un filme de denuncia nuclear a la Sindrome De China, en fin una extraÒa mezcla de tópicos que imposibilitan un trabajo orgánico tanto en dirección como en actuación.

]]> http://dixo.com/2010/03/al-filo-de-la-oscuridad-2.php/feed 0 http://dixo.com/2010/03/al-filo-de-la-oscuridad-2.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/JaR-WvOIFYE/la-hermandad.php http://dixo.com/2010/02/la-hermandad.php#comments Fri, 26 Feb 2010 22:21:52 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=23148 ¡Qué mal le han hecho los directores de comerciales al género del horror y la ciencia ficción!

Para ser sincero creo que la anécdota de la película me parece sumamente efectiva a pesar de haber visto vestigios de la línea argumental en otras cintas del mismo tipo. Es lo que los norteamericanos nombran como un relato  “fish out of the water” en donde se presentan personajes fuera de su acostumbrado contexto con la finalidad de encontrar diversión en este encontronazo cultural que se sucede. Aquí Sarah Jessica Parker (ni una cirugía más, por favor) y Hugh Grant caracterizan a Meryl y Paul Morgan, un par de “snobs” neoyorquinos en plena crisis marital que, al presenciar accidentalmente un crimen, tienen que entrar al programa de protección de testigos de manera incógnita para ser relocalizados en Wyoming o lo que viene siendo “Los Beverly De Peralvillo” pero al revés. Aquí lo “gracioso” radica en ver como los citadinos se adaptan a la vida campirana y silvestre de el lugar con la ayuda de sus anfitriones (Sam Elliot y Mary Steenburgen en las dos únicas participaciones destacables de la película) al mismo tiempo que redescubren  atracción mutua. Les advierto que quienes han visto el trailer de la cinta han visto sus mejores chistes. Probablemente Parker ofrece la interpretación más interesante al darle una variante significativa al personaje de Carrie Bradshaw de Sex And The City y convertirla en una protagonista dolida por una traición y menos inteligente que su cacareado rol del programa de televisión por lo que su participación en las escenas físicas pueden resultar por lo menos pasables, todo lo contrario a lo que sucede con Hugh Grant, una vez más interpretando al británico ajeno a la cultura norteamericana, sin fuerza, totalmente fuera de contexto dentro de la convención pues en ningún momento entendemos el porque de sus acciones. Es una extraña mezcla de sus personajes protagónicos que le dieron tanta popularidad en filmes como Cuatro Bodas y Un Funeral o Notting Hill por mencionar algunos (porque son bastantes) pero con una fuerte dosis de pereza, sin embargo  pese a estos elementos definitivos creo que el principal problema radica en el guión ya que la capacidad de este par de actores para estelarizar exitosamente comedias está más que comprobada. El libreto ofrece un planteamiento interesante pero no pasa de ahí, los chistes son de lo más obvio consecuencia de la implícita situación lo que me permite deducir que fue escrito con premura o con desinterés ¿el resultado? Una ausencia de carisma entre los protagonistas que es más que obvia desde los primeros minutos transcurridos en la cinta.

La película no funcionó durante su estreno en los Estados Unidos comprobando que no resulta tan sencillo engañar al público con un atractivo cartel publicitario o un par de “nombres”  dentro de el elenco. Creo que Hollywood ha subestimado el género de la comedia romántica al tratar de convertirla en una broma alargada por casi hora y media. Para ser efectivos dentro del género se requiere de inteligencia, agudeza y un buen desarrollo de personajes. Este no es el caso con ¿Y Donde Están Los Morgan? Quedan advertidos.

Hoy el director Kevin Tancharoen , cuyo curriculum incluye únicamente trabajos para la televisión y en el terreno de los video musicales (Britney Spears y las Pussycat Dolls son clientes frecuentes), nos regala una versión para las nuevas generaciones que más que una película en sí parece un capítulo de Gossip Girl mezclado con los ingredientes del fenómeno de High School Musical. Y es una verdadera lástima pues tuvo  en sus manos los componentes necesarios para hacer una estimulante versión que se pudiera defender por sí sola, sin embargo, se optó por una mala copia de el original con una realización tan básica como la de un programa de televisión de paga.

El guionista John Ridley escogió los mejores pasajes del libreto del filme de Parker para “actualizarlos” en una versión contemporánea apta para toda la familia, o lo que quiere decir que se suavizó con la finalidad de que el producto pudiese alcanzar una clasificación para adolescentes. En esta versión de Fama no existen las drogas, la prostitución, los homosexuales, etc. Las minorías son tratadas de forma políticamente correctas con el objetivo de no ofender a nadie por lo que la estricta escuela parece más el set de Salvados Por La Campana que el centro de estudios en el que está basado. Adiós personajes inolvidables de la original, como Coco o Leroy. En esta película apenas y los roles de los jóvenes están dibujados (destacando la actriz afroamericana Naturi Naughton y el brillante Asher Book) mientras que el grupo de profesores lo integran  actores que en alguna ocasión tuvieron un éxito en comedias de televisión ( por ejemplo, Kelsey Grammer, Megan Mullally y Bebe Neuwirth) por lo que la sensación de que estamos viendo una versión “de segunda” es permanente.

Tancharoen, sabe dirigir números musicales debido a su experiencia en ése renglón y éste es el factor que se destaca en la cinta. Lamentablemente las secuencias musicales no soportan la carencia de tensión dramática en la historia por lo que parece que estamos presenciando un video musical de hora y media.

Me pueden parecer más que obvias las intenciones por parte de los productores de seducir al público con una versión moderna de Fama, lo que no me queda claro es la aparente decisión de crear un remake infinitamente menor al original debido a las características del mismo. Para efectos de presenciar la lucha de un grupo de jóvenes talentosos en busca de la excelencia artística les recomiendo echar un vistazo a Glee (paradójicamente un serial de televisión), por lo menos posee un sentido del humor más ad hoc a estos tiempos y contiene una irreverencia difícil de resistir.

Tierra De Zombies es una divertida farsa que bien podría ser la respuesta norteamericana a Shaun Of The Dead (El Desesperar De Los Muertos) aquella excelente parodia inglesa sobre el cine de zombies. A pesar de que esta filme no alcanzó la brillantez de la película británica, tiene momentos que estoy seguro divertirán al espectador.

Gran parte de la responsabilidad de la efectividad del libreto recae en la química adecuada que hacen el joven Columbus (Jesse Eisenberg) y Tallahassee (Woody Harrelson), dos sobrevivientes de una terrible epidemia causada por las vacas locas (?) que provocaron que la mayoría de la humanidad se convirtiera en sanguinarios zombies. Los dos fugitivos recorren los Estados Unidos con distintos objetivos, Columbus quiere llegar a Ohio con la finalidad de reencontrarse con sus padres mientras que Tallahasee  está en la búsqueda de los últimos twinkies sobre la faz de la tierra. En el trayecto conocen a dos astutas adolescentes Wichita (Emma Stone en un rol que le permite “robarse” la mayoría de las escenas) y Little Rock (la niña, ya crecida, de Pequeña Miss Sunshine) quienes al igual que los protagonistas resultan dos sobrevivientes que se han valido de trampas para seguir con vida. Los nombres de los cuatro personajes provienen de su lugar de origen o bien, su destino y representan cuatro de los arquetipos mas socorridos dentro del cine comercial norteamericano: Tallahassee es el francotirador sin escrúpulos y aparentemente insensible, Columbus es el típico “nerd” justo en su despertar sexual, Wichita la sensual y lista adolescente y finalmente Little Rock, la niña “sabelotodo” responsable de resolver la mayoría de las terribles situaciones que enfrentan con frialdad e inteligencia.

Tierra De Zombies es un  hilarante “road movie” a lo largo del país del norte que concluye en un parque de diversiones en Los Angeles, California. Es el pretexto perfecto para reirse de todo y de todos, sin respectar condición, raza o género, una comedia políticamente incorrecta que toma como pretexto el universo de los “zombies” sólo para regalarnos una sátira de la condición de la sociedad norteamericana.

Me sorprende que Tierra De Zombies se trate de una ópera prima. Su director, Ruben Fleischer (quien tengo entendido  tenía como curriculum únicamente labor dentro de la cadena de televisión MTV) muestra un especial oficio al combinar dos géneros como la comedia y el terror con un oportuno “timing” que permite que veamos a Tierra De Zombies no como una parodia, un “coming of age” o una película más de zombies sino como una divertida crítica inteligente que bien podría ser un merecido homenaje al maestro George A. Romero con un particular toque de ironía.

Sherlock Holmes,  a diferencia de otros héroes, es un astuto detective que utiliza su inteligencia como  instrumento esencial para resolver casos. Su perspicaz deducción de las cosas se basa en la simple observación y en la capacidad que posee para atar cabos. También tiene cualidades de antihéroe. Es desordenado, adicto, solitario y  poco sociable por lo que la elección de Robert Downey Jr para interpretarlo me parece de lo más eficaz. El actor crea un nuevo Holmes para las jóvenes generaciones inyectándole características no vistas en un personaje que ha sido interpretado por más de setenta actores en doscientas películas aproximadamente, alrededor de ese personaje. Por otro lado Jude Law podría parecer una extraña opción para caracterizar al Dr. Watson, pero aquí se convierte en la contraparte perfecta de esta singular pareja de investigadores.

La temática de la cinta tiene que ver con líneas argumentales que interesan a la audiencia en este momento, De esta forma vemos historias que, aparentemente,  rayan en lo paranormal y en la magia negra, así también la muy vista anécdota de las sociedades secretas que pretenden dominar al mundo sin embargo, en el efectivo guión, funcionan a la perfección y esto, principalmente, por la visión única de Ritchie.

Aquí Sherlock Holmes sigue viviendo en Baker Street y sigue fumando pipa lo que podrían ser los únicos detalles fieles a la creación de Conan Doyle, por lo demás, estamos hablando de un héroe totalmente distinto al de las novelas. Aquí, más parecido a un super-espía salido de Misión Imposible que a un añejo y clásico investigador privado. Un atormentado hombre que lucha a puño limpio como divertimento y que presenta una fobia marcada a las relaciones humanas. El director presta su muy peculiar estilo visto, en sus filmes anteriores, para contar un episodio en las aventuras del detective.

La reinvención funciona a las mil maravillas.

Probablemente los únicos factores menos logrados en la cinta son el desperdicio de Rachel McAdams como Irene Adler  en el típico personaje de la “dama en peligro” y de que el episodio no cierra del todo, dejando entrever una posible secuela protagonizada por el Dr. Moriarty ( se rumora que Brad Pitt podría caracterizarlo) como adversario de nuestro protagonista.

Salvo estos detalles, Sherlock Holmes es diversión pura.

Pero como les comenté en un principio, Nueva York Te Amo también tiene sus aciertos subrayados. La historia protagonizada por dos histriones de la tercera edad como son Eli Wallach y Cloris Leachman demostrando el porque son considerados dos leyendas de la actuación resulta una verdadera delicia. Sin embargo mi episodio favorito y, por el cual considero vale la pena ver el filme, es  la historia escrita por el recién fallecido Anthony Minghella y dirigida por Shekhar Kaphur protagonizada por Julie Christie y Shia Labeouf titulada simplemente Jacob, un hermoso cuento lírico situado en un viejo hotel de la gran manzana al cual regresa una leyenda de la industria musical (Christie) para ser atentida por un particular botones ( LaBeouf) en una historia que pudo o no haber sucedido. Una belleza de cortometraje que reunió el talento de un equipo sumamente creativo y talentoso.

Me pregunto ¿Qué pasaría si la colección de cortos se situara en el Distrito Federal? ¿Seguiría siendo el amor el tema central de ellos? ¿Qué diferencía habría entre una historia localizada en Coapa, Satélite, Polanco o La Condesa?

Feliz Año a todos,
Twitter @oscaruriel

Creo que La Princesa y El Sapo es la primera cinta del género de la era de Obama. Un relato que aparenta ser políticamente incorrecto en la superficie pero que en el fondo tiene una lectura de lo más tradicional de los clásicos cuentos de hadas.

Vayamos por partes, nuestra protagonista Tiana es hija de una costurera (?) en la Nueva Orleans previa a la primera Guerra Mundial. Ella es una niña afroamericana independiente que no sueña con príncipes sino con poder abrir un restaurante en donde pueda servir su muy popular platillo, un famosos “gummo” que encanta a los vecinos. Como si los personajes de color tuvieran que estar casados con la cocina, muy a “lo que el viento se llevó”.

Al crecer, Tiana se convierte en una mesera (?) que ahorra cada centavo para cumplir su sueño, sin embargo, el destino le tiene preparada una jugada al encontrarse a su sapo (!) que luego se convertirá en un príncipe que la sacará de todas sus penurias económicas.

La mera verdad, no entiendo.

Lo que nos están tratando de decir en la cinta ¿es que las niñas deben esperar la llegada de un poderoso príncipe para que sus sueños se hagan una realidad?

Disney no pierde y con tal de reactivar su muy redituable franquicia de cuentos de hadas nos presenta una anécdota de lo más tradicional, eso sí, envuelta en una apariencia de apertura pues se trata de la primera heroína de color en la historia de las películas animadas de Disney. Me parece de lo más hipócrita que nos traten de vender un “moderno” cuento que termina siendo un relato enajenante.

El resto del cuento es de lo más predecible. Hechizos y encantos, una Cenicienta del sur en una historia por demás predecible. Lo más rescatable aquí pudo haber sido el villano, sin embargo, se queda a la mitad en cuanto al desarrollo del personaje.

Eso sí, la manufactura de La Princesa y El Sapo es de primer nivel. La realización en 2D es exquisita además de utilizar apropiadamente los elementos de la circunstancia. Brillantes colores que no habíamos visto antes en una cinta animada  de Disney en el misterioso marco que sólo puede ofrecernos la exótica región de Nueva Orleans.

En cuanto a la banda sonora, Randy Newman ofrece un grupo de canciones inmemorables. Tuve la oportunidad de ver la cinta en su versión doblada al español por lo que me cuesta trabajo emitir un juicio de la letra de las canciones ya que por, lo general, este trabajo de traducción resulta infame. Esta no es la excepción.

Probablemente La Princesa y El Sapo se convierta en un éxito en taquilla y reactive el cine clásico de Disney, sin embargo creo que hay mucha más originalidad en sus anteriores cintas protagonizadas por Blanca Nieves o La Bella Durmiente, en donde las heroína no aparentaban algo que no era, simple y sencillamente cantaban esperando la llegada de su príncipe azul.

Por lo pronto esperaré Bad Lieutenant para saber cual es la última vuelta en la vertiginosa carrera de un indescifrable actor.

]]> http://dixo.com/2009/12/%c2%bfquien-diablos-es-nicolas-cage.php/feed 4 http://dixo.com/2009/12/%c2%bfquien-diablos-es-nicolas-cage.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/0NypFfXHJDk/especial-los-fantasmas-de-scrooge-3-de-3.php http://dixo.com/2009/11/especial-los-fantasmas-de-scrooge-3-de-3.php#comments Sun, 22 Nov 2009 05:44:55 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=17927 Los fantasmas de Scrooge (un cuento de navidad), ha habido muchas adaptaciones pero en palabras de su director Robert Zemeckis es una adaptación que se acerca lo mas fiel a lo que escribió Charles Dickens gracias a la tecnología aplicada en la cinta.

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2012 creo que funciona mejor como una comedia catártica que como una cinta de suspenso. Para empezar tenemos cada una de las destrucciones de los monumentos que representan la raza humana y el director se muestra sin piedad al respecto. Vemos como el Cristo Redentor del Brasil se pierde entre las olas de la destrucción, al igual que el Vaticano mientras que la Casa Blanca es víctima de un maremoto. El fin del mundo ha llegado para todos, sin  hacer excepción.

La historia se cuenta a través del punto de vista de la tradicional familia norteamericana: dos padres divorciados que dividen su tiempo para estar con sus hijos, él (John Cusack) es un fracasado novelista de ciencia ficción, ella (Amanda Peet) una ama de casa dispuesta a rehacer su vida sentimental. Juntos enfrentarán el fin del mundo en un “road movie” de tal truculencia que hace ver a Alicia En El País De Las Maravillas como el más clásico y conservador de los cuentos.

2012 es diversión pura, resulta una película que, desde su prólogo, anticipa el tono del filme invitando al espectador a disfrutar de más de dos horas de incoherencias, sin embargo, el tono político norteamericano que Emmerich imprime a sus cintas con obvias intenciones propagandísticas son las que hacen de 2012 un verdadero petardo. Digamos que 2012 es la primera película de acción de la era de Obama. En esta historia el presidente  es un tipo de color (Danny Glover) quien sacrifica su vida por la nación,  al igual que el prominente científico con todas las respuestas ( el excelente actor británico Chiwetel Ejiofor). Cuando estaba viendo esta película recordé perfectamente el porque me pareció insoportable Día De La Independencia, es ese sabor nacionalista apenas dibujado en el relato que hace de este tipo de cintas verdaderos bodrios hollywodenses.

Por si fuera poco, hacía el desenlace, Emmerich plantea una solución al problema en un panorama de “globalización” caricaturizada en donde pinta a los chinos como un pueblo de ambiciosos paranoicos y a los rusos como una bola de gangsters oportunistas, conservando la visión unidimensional de directores como Michael Bay y Brett Ratner dentro de este grupo selecto de realizadores de megaproducciones de este tipo.

Ahora, 2012 también resulta un banquete visual y una clase en la maestría de efectos digitales. Secuencia tras secuencia denotamos el detallado en  cada una de las escenas de acción y de destrucción resultando ser la película mejor realizada dentro del género con respecto al trabajo digital.

La pregunta aquí es la siguiente ¿Qué sigue en la filmografía de Roland Emmerich cuando ha terminado con el planeta? Probablemente ese sea el principal defecto de esta cinta, la ambición desmedida por destruirlo todo, un sentimiento que probablemente, desde el punto de vista más romántico, sea el preludio para replantear la producción de cintas como 2012, buscando ahora los principios básicos del cine de entretenimiento.

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Brüno por poco y no se estrena comercialmente en México debido a que la distribuidora temía la reacción de la audiencia ante un par de chistes que atacaban duramente a los mexicanos ( uno en especial a la actriz Salma Hayek ) sin embargo me parece un pretexto intrascendente debido a que el comediante no respeta nacionalidad ya que toca a todas las razas, desde africanos hasta orientales, además de que los comentarios resultan muy graciosos.

Brüno tiene otro tipo de problemas. Es una inconsistente comedia que desperdicia el talento de un valiente actor y de una circunstancia que pudo haber resultado en una hilarante y cruel comedia que reflejara la insaciable necesidad de reconocimiento de una sociedad que busca la celebridad instantánea.

]]> http://dixo.com/2009/11/bruno-resena-por-oscar-uriel.php/feed 5 http://dixo.com/2009/11/bruno-resena-por-oscar-uriel.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/KJJPNqnUaiQ/083-el-perro-andaluz-entrevista-con-juan-carlos-rulfo.php http://dixo.com/2009/11/083-el-perro-andaluz-entrevista-con-juan-carlos-rulfo.php#comments Wed, 04 Nov 2009 10:05:46 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=17085 Juan Carlos Rulfo es un director que ha sorprendido al mundo con algunas de sus obras como Del olvido al no me acuerdo y el aclamado documental El hoyo, ahora en el Perro Andaluz una entrevista con este director.

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El material con el que se hizo This Is It nunca se originó con la intención de ser exhibido comercialmente, por lo que el valor de la película aumenta. Un testimonio de perfeccionismo en escena de una de las estrellas más importantes de la música moderna que apropiadamente podríamos titular como la Crónica Del Concierto Que Nunca Fue.

]]> http://dixo.com/2009/11/this-is-it.php/feed 1 http://dixo.com/2009/11/this-is-it.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/HcVRO7_MzPU/rescate-del-metro-1-2-3.php http://dixo.com/2009/10/rescate-del-metro-1-2-3.php#comments Thu, 08 Oct 2009 23:17:06 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=15791

¿Qué podría ir mal cuando reclutas a John Travolta y a Denzel Washington para una nueva versión del clásico de 1974 The Taking Of Pelham 1 2 3? La respuesta está en la dirección de Tony Scott.

Scott, responsable de logros fílmicos como True Romance y The Hunger, de éxitos en taquilla como Top Gun y Days of Thunder, es probablemente uno de los directores más inconsistentes que haya dentro de la industria en Hollywood, basta recordar la infame Man On Fire, en donde realizó una torpe recreación de la vida violenta en el Distrito Federal a base de personajes caricaturizados o su muy peculiar versión de la vida de la francotiradora Domino Harvey, un bodrio aburrido que casi paraliza la carrera de Kiera Knightley. En general, es un realizador que sí corre riesgos, pero que peca más de soberbio.

Otra de las características de la filmografía de Scott es el ritmo y la edición de sus cintas. Por lo general, sus películas cuentan con un tempo único a base de escenas de acción que no permiten al espectador tomar un respiro. Una avalancha de imágenes editadas como si fuesen un videoclip musical. Probablemente esto funcione en cintas del género de acción pero, por ejemplo en este caso tratándose también de un drama, gran parte del encanto de la original Rescate Del Metro 1 2 3  se pierde pues la tensión dramática era consecuencia de la clase de actuación que ofrecía Walter Matthau en la primera versión. Aquí, como dirían los hermanos Cohen, ‘no hay lugar para los débiles”. No quiero que me mal interpreten, la cinta funciona como entretenimiento “palomero” , es de esas películas que la pasas bien pero que olvidas por completo en el café posterior a la función ¿ por qué ? porque es tan superficial la puesta en escena del director que todo resulta falto de relevancia.

La culpa no la tienen los actores. Tanto Washington como Travolta han demostrado ser muy eficaces en el género creando personajes divertidos y con rasgos específicos dentro de los esquemas, sin embargo, creo que la decisión de la complejidad nace de las exigencias que marque el realizador pues, a falta de una dirección, estos pueden recurrir a  lugares comunes  presentando personajes sumamente caricaturizados como se sucede en esta cinta. Al estar viendo Rescate Del Metro 1 2 3 nos da la impresión de que ya hemos presenciado las escenas en anteriores películas, de que los personajes vienen de otra cinta que ya conocemos. Es la sensación de la repetitividad, lo que hace que este filme resulta intrascendente e inmemorable.

Es una verdadera lástima pues Rescate Del Metro 123, además de las posibilidades de entretenimiento ( las cuales cumple) pudo también haber sido un vehículo para refrescar las habilidades actorales de dos actores que no viven el mejor momento en cuanto a interesantes ofertar interpretativas en el cine.

Alguien debe darle el crédito merecido a Ridley Scott, Philip K. Dick y a los guionistas de Blade Runner por ser una de las cintas que más ha influenciado a la producción de cintas comerciales de ciencia ficción. Identidad Sustituta es el último ejemplo de esto.

Probablemente la creación de un mundo habitado por versiones robóticas de los seres humanos pueda ser el único atractivo de éste filme pues el resto es el ejemplo claro de una mala ejecución y mal gusto dentro de un filme de éste género. La simple idea, ya vista y leída en superiores trabajos, de que versiones renovadas y mejoradas de nosotros mismos deambulen por el mundo mientras  las controlamos desde la comodidad del hogar es sumamente irresistible como para ignorarla como anécdota en una cinta de género, sin embargo, por la puesta en escena de Jonathan Mostow, creo que Identidad Sustituta hubiese funcionado mejor si se hubiera concebido como una comedia. El ver a Bruce Willis y Radha Mitchell caracterizar agentes del FBI en busca del asesino de los sustitutos, es simplemente una experiencia bizarra, pues  ellos mismos interpretan a  policías controlados, por lo que el extraño maquillaje que portan (para diferenciarlos de los humanos) los hace parecer actores de telenovela de las cuatro. Fuera de esto, Identidad Sustituta es una suma de anécdotas previamente vistas en Robocop, Total Recall, I Robot y Gattaca, a excepción de un par de espléndidas secuencias de persecuciones, el resto de la producción nos remonta a las cintas de clase B que pretendían imitar los efectos especiales de las grandes producciones de la década de los setentas.

El misterio que plantea la cinta se resuelve fácilmente en los primeros veinte minutos mientras que su mensaje pacifista y humanista del desenlace provoca risas en el espectador. Ahora, debo de confesarles que la película no me aburrió en lo más mínimo, es una cinta de entretenimiento puro, con un pésimo diseño de producción y un libreto falto de originalidad.

Repito, creo que la película hubiese funcionado a las mil maravillas si se hubiera filmado con la idea de crear una divertida sátira ( muy semejante a la segunda mitad de la animada Wall-E, en donde se presenta a un humano holgazán y obeso atado a una silla ) sin embargo la cara de seriedad que pone Willis en cada una de las escenas nos hace suponer que se lo tomaron muy en serio, en esta caso, Identidad Sustituta resulta una olvidable cinta de ciencia ficción.

Vaya noticia la del sábado pasado cuando los principales medios de comunicación anunciaron el arresto del director polaco Roman Polanski en el aeropuerto de Zurich por parte de autoridades suizas en complicidad con las de Estados Unidos quienes prácticamente tendieron una trampa al realizador.

Como deben de saber, Polanski enfrenta cargos de abuso sexual a una menor de edad sucedido en 1977, cuando el director era considerado uno de los autores más prominentes de Hollywood, creador de importantes filmes de signatura como El Bebé de Rosemary y El Inquilino por mencionar algunos. Después de enfrentar cargos de abuso sexual y haberse declarado culpable en un juicio que se convirtió en un circo de tres pistas, el acusado huyó a Francia en donde fue acogido por la comunidad artística logrando conseguir incluso la ciudadanía francesa y convertirse en miembro honorario de la Académie des Beaux Arts.

Hoy, a más de treinta años del incidente, los fantasmas regresan a visitar a Polanski. Cuando se disponía a asistir a una ceremonia homenaje dentro del Festival de Zurich, el director fue sorprendido a su llegada al aeropuerto por las autoridades para privarlo de su libertad inmediatamente. El acto enardeció a la comunidad cinematográfica alrededor del mundo quienes piden la libertad inmediata del autor.

Harvey Weinstein, importante ejecutivo y cabeza de The Weinstein Co. inició  una cruzada para reunir firmas en una petición de libertad para Polanski. Inmediatamente se sumaron personalidades como Wong Kar Wai y Monica Bellucci entre muchos. Por otro lado el director del Festival de Cine de Cannes Thierry Fremaux envió un comunicado de prensa oficial del Festival condenando los actos sucedidos.

Las justicia norteamericana tiene sesenta días para realizar los trámites necesarios para la extradición mientras tanto Francia ha recurrido a la Secretaria de Estado de los Estados Unidos para apelar tales intenciones.

Pero, ¿por qué  tanto estupor con respecto a este añejo caso en el que la víctima incluso ha manifestado su perdón al director y ha pedido que lo sucedido quede en el olvido? Samantha Geimer vive felizmente casada y con hijos en Hawai y sólo hace unos años hizo aparición pública exonerando ante los medios de comunicación la culpabilidad del realizador.

Les recomiendo vean el documental titulado Roman Polanski: Wanted and Desire, un impresionante trabajo de investigación en donde la directora Marina Zenovich expone la serie de anomalías ocurridas durante el caso y juicio en donde el protagonismo y el hambre de exposición mediática del juez Laurence J. Rittenban hicieron de un supuesto acto legal una hoguera de vanidades en donde la ley fue lo último que se aplicó.

Me pregunto ¿Por qué la insistencia por parte de las autoridades  de Estados Unidos en apresar un culpable que, incluso, pasó ocho meses en prisión pagando por su delito, cuando decenas de criminales caminan descaradamente por sus calles? ¿Qué, los suizos no guardan dinero de ladrones, gangsters y políticos corruptos de todo el mundo en sus dizque bancos de prestigio? Creo que hay criminales que necesitan urgentemente ser detenidos y condenados. En mi muy personal opinión, Roman Polanski está al final de ese listado.

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Lars von Trier’s Antichrist - Official Trailer from Zentropa on Vimeo.

¿Haz escuchado un título más descabellado para una película en los últimos años? De hecho el título original en inglés de éste filme animado es todavía más ridículo Cloudy With A Chance Of Meatballs, sin embargo, es el nombre original de un libro para niños de la autoría de Judy y Ron Barret publicado en 1978 con muchísimo éxito, que ahora se convierte en un largometraje de animación y déjenme decirles que el resultado es francamente positivo.

La hilarante historia gira alrededor de las aventuras de un joven científico de nombre Flint Lockwood ( con la voz de Bill Hader en inglés y Erik Elías en español) quien preocupado por la aburrida alimentación de el pueblo ( que consiste en únicamente sardinas ) decide inventar un mecanismo que convierte el agua ordinaria en alimento de tal manera que empieza a llover sobre el pueblo desayunos, comidas, cenas y postres alimentando a los habitantes con una gran variedad de platillos.

Les debo confesar que cuando vi por primera ocasión el trailer promocional de esta película pensé que Hollywood estaban optando por descabelladas ficciones rayando en lo ridículo, sin embargo, después de ver la cinta me dí cuenta que se trata de una original premisa que nació hace años gracias a la imaginación de los autores buscando respuesta ante la hambruna mundial.

A pesar del extravagante supuesto, la historia de Lluvia de Hamburguesas es muy sencilla ¿Qué sucede con la ambición del hombre ante tal acontecimiento? ¿Qué pasa con toda la basura y los desperdicios? Por supuesto que nuestro protagonista se ve acompañado de una atractiva reportera que se llama Sam Sparks ( Anna Faris en inglés, Ana Layevska en español) quien fungirá como cómplice en las aventuras de Flint y a su vez se convertirá en una posible pareja.

Lo más sorprendente de ésta cinta es que resulta entretenida tanto para niños como para adultos convirtiéndose en un filme netamente familiar sin tratar en algún momento de manipular al espectador con mensajes moralinos. Las ideas vienen implícitas en la historia, en los actos de los personajes.

Mención aparte merece el trabajo de doblaje de los actores nacionales quienes logran crear verdaderas caracterizaciones que distan por completo del trabajo de los actores anglosajones sin tratar de ganar al público con localismos y “chistes de la región” como sucede en filmes como Shrek.

Lluvia De Hamburguesas, por más repulsivo que resulte su título, es la opción cinematográfica para ver con la familia en el cine.

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Ayer por la noche me arrepentí en un principio el haber aceptado la invitación de mi amiga Irene Azuela para acompañarla a la apertura del Tour de Cine Francés. Caía un verdadero diluvio en el sur de la ciudad además de que se me antojaba quedarme en casa para ponerme al tanto de varios pendientes que tenía por ahí, sin embargo, me armé de valor para cruzar la ciudad y poder llegar a Cinépolis Diana al punto de la siete treinta de la tarde. El sólo hecho de pensar que nos proyectarían alguna añeja cinta francesa me provocaba acomodarme en el asiento y aventarme una “siestita” tratando de que nadie se percatara, cual fue mi sorpresa que el filme que nos exhibieron titulado LOL@ ( original Laughing Out Loud ) resultó una verdadera delicia. Se trata de la película más taquillera en lo que va del año en Francia, una comedia de corte juvenil protagonizada por un buen número de “nuevos rostros” que vienen a refrescar la cinematografía francesa, por cierto que la protagonista Christa Teret se encontraba en la sala para presentar el filme. La historia puede parecer digna de una telenovela producida por Pedro Damián o Luis De Llano: Lola es una singular estudiante que no para de reír, sin embargo un buen día su mundo se torna al revés, todo parece indicar que su novio la engaña ( un clon de Robert Pattinson), sus amigos le fallan y hasta la relación con su madre se complica, la diferencia de esta película y un culebrón juvenil tipo Rebelde es la maestría con la que la directora Lisa Azuelos logra captar con verdad la conflictiva etapa de la adolescencia a través de viñetas de la vida diaria, de las pequeñas cosas que significan un mundo para un joven y de la compleja relación que se torna con los padres. Por supuesto que la presencia de Sophie Marceau en la cinta en el rol de la madre de la protagonista significa un extra en este trabajo. Marceau se encuentra mas bella que nunca ( le calculo que casi se acerca a los cincuenta años) y esta convertida en toda una primera actriz. Pensar que se inició en el cine interpretando los típicos roles adolescentes en la serie de cintas de La Boum, hoy interpreta el rol de una madre con toda la dignidad, belleza e inteligencia de una de las mejores actrices de su país. En verdad les recomiendo Lol@ la cual se presenta dentro del nutrido programa del tour.

Otros filmes recomendables son Solo Los Niños Van Al Cielo de Francois Ozon, criticada durante su estreno en el Festival de Berlín sin embargo un proyecto interesante de una de las voces más controvertidas de su generación; Hace Mucho Que Te Quiero de Philippe Claudel con la magistral actuación de la actriz británica Kristin Scott Thomas ( por cierto le valió una nominación al Oscar como mejor actriz del año) y Confesiones De Familia ( Un Conte De Noel ) de Arnaud Desplechin con Catherine Denueve y Chiara Mastroianni, el resto no he tenido  oportunidad de verlas pero seguro me daré una vuelta dentro del circuito de exhibición.

Finalmente les confieso se me hizo fácil criticar el cine de Francia por considerarlo atorado aproximadamente desde hace diez años, tanto en temática como en propuesta, sin embargo al ver estas cintas me doy cuenta que es una de la cinematografías más sanas del mundo.

]]> http://dixo.com/2009/09/tour-de-cine-frances-en-mexico.php/feed 0 http://dixo.com/2009/09/tour-de-cine-frances-en-mexico.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-perro-andaluz/~3/cYrBXFFx22I/hugo-chavez-en-venecia.php http://dixo.com/2009/09/hugo-chavez-en-venecia.php#comments Thu, 10 Sep 2009 01:06:02 +0000 info@dixo.com (Oscar Uriel) http://dixo.com/?p=13688

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Basada en la novela del mismo nombre, el maestro y escritor Francois Bégaudeau nos presenta la versión cinematográfica del singular estudio social ficcionalizado titulado La Clase.

La película tuvo su estreno mundial en la edición del Festival de Cine de Cannes, Francia del 2008 obteniendo la Palma De Oro, máxima presea otorgada en el evento.

¿De qué va La Clase? Es como si los hemanos Dardenne (Rosetta y El Hijo) hubiesen realizado un remake de Al Maestro Con Cariño, o sea es un retrato crudo de lo que se sucede en un salón de clase de una preparatoria pública en Francia.

Francois ( Bégaudeau) es un singular maestro que se enfrenta a un nuevo año escolar en una escuela de uno de los distritos más pobres de Paris. En el instituto se convergen personas de distintas razas y clases sociales que provocan violentos encuentros entre los alumnos y sus maestros. El clásico “bullying” escolar que día a día se convierte en un problema aún más grave de lo que es. A manera de metáfora, el microcosmos que se sucede en al aula, es un reflejo de la intolerancia racial que se vive en toda Europa debido a la migración.

Lo que hace de La Clase un filme fascinante es su manufactura. En ningún momento, a pesar de la temática, sientes el manipuleo ni el sentimentalismo del director, todo lo contrario. a manera de casi documental vemos el día a día de lo que pasa a este diverso grupo de alumnos, principalmente su relación con el atípico maestro.

¿Hasta dónde llegarán los rebeldes alumnos para vengar las indiscreciones del maestro? En ésta historia no hay buenos ni malos, es un pasaje de la vida misma y, sinceramente, lo que vemos es aterrador. La impotencia y el coraje con el que viven los personajes de esta historia estalla un determinado día de clases provocando una guerra en la que los alumnos toman el rol de verdugos sobre los actos del maestro.

La Clase funciona como un “reality” cinematográfico, la audiencia se convierte en el espectador indiscreto de lo que acontece entre “los muros” dando la sensación de estar observando sigilosamente la cotidianeidad morbosa de lo que se sucede en el edificio de al lado.

El mérito aquí  esta en la valiente manera con la que el director monta sus cámaras y al riguroso entrenamiento de sus jóvenes actores quienes parecer estar interpretándose así mismos aunque hay que recordar que todo se sucede alrededor de una ficción.

Definitivamente La Clase es la opción para ir al cine ésta semana, por tratarse de un documento que muestra uno de los problemas más graves que se viven dentro los sistemas educativos alrededor del mundo a la par que te ves inmerso en una fascinante historia estudiantil.

Es muy extraño saber que una película con todos los elementos para convertirse en una interesante opción, ya en cartelera pase completamente desapercibida durante su estreno. Eso fue precisamente lo que sucedió con el debut de Desafío en los Estados Unidos. Lanzada durante el mes de diciembre del año pasado, pasó con más pena que gloria. Hoy se encuentra en la cartelera mexicana, ahí les van mis reflexiones.

Desafío es una película de impecable realización comandada por Ed Zwick, realizador especialista en sagas norteamericanas como Gloria, El Último Samurai y más recientemente Diamante de Sangre, un experto en mezclar sucesos históricos con un carga de compromiso moral en sus personajes y un poco de romance. Creo que esto es lo que pretendía con la producción de Desafío, sin embargo no tuvo los resultados proyectados. ¿ Por qué? Probablemente se deba a la trillada temática abordada: situada en la turbulenta época de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de judíos forman una resistencia en los bosques Bielorrusia en Europa del Este, comandados por un trío de hermanos rusos quienes se enfrentan a los terribles Nazis. El atractivo, a diferencia de otras cintas similares, es que el desenlace es mucho más romántico y menos pesimista que la común general, sin embargo, me dio siempre la impresión de que la película la había visto en otro momento.

No dudo mucho que el tema del Holocausto dé bastante tela para analizar y retratar en el cine, sin embargo, cuando vemos anécdotas mucho más intimistas y sofisticadas como sucedió el año pasado con The Reader, considero que este tipo de películas de carácter épico heroico puedan pasar a un segundo plano en el interés con el público.

A los protagonistas de Desafío les pasa lo común en una producción como ésta, tratan de unir esfuerzos a pesar de sus diferencias, padecen terrible hambre que pone a prueba su lealtad, se enamoran perdidamente de peculiares mujeres que curiosamente deambulan entre el grupo de sobrevivientes y, finalmente, logran vencer la adversidad a pesar de sus distintos caracteres.

Desafío es la típica película de formula espléndidamente ejecutada, pero sin fuerza y autenticidad.

Gran parte de que funcione a medias este filme se debe al espléndido trabajo del elenco que integran el trío de hermanos ( Daniel Craig, Liev Schreiber y Jaime Bell), todos haciendo un gran esfuerzo de caracterización a pesar de los obstáculos típicos en los acentos de los actores. Pero, lamentablemente, éste esfuerzo no es suficiente.

Ver ésta película significa ir adivinando la acciones subsecuentes de los personajes y, lo que es peor aún, las consecuencias de los mismos, por lo tanto me aburrió.

De repente lo sucedido a los personajes en el bosque ( a pesar de que está basado en un supuesto hecho real) me dio mucha flojera. Prefiero las historias de superviviencia vistas desde el interior de los personajes y no con tomas panorámicas que parecen venderle una locación determinada a un turista despistado.

Les cuento que la noche del lunes me atreví a asistir a la premier de la cinta titulada Solo Quiero Caminar, una coproducción México-España protagonizada por Diego Luna, José María Yazpik y un cuarteto de las mejores actrices trabajando en la península ibérica. El filme se estrenó hace tiempo en una edición del Festival de Berlín para después exhibirse en España en donde se convirtió en uno de los fracasos en taquilla más sonados de la temporada. Sabiendo que había sido reeditada para su distribución en cines en México, asistí al evento ofreciéndole el beneficio de la duda a la película, a pesar de que había escuchado no muy buenos comentarios por doquier.

La idea no es mala, digamos que se trata de un concepto muy “español” para nuestro gustos. Un homenaje al cine de Peckinpah y Fuller a través de un grupo de protagonistas femeninas. El problema radica primordialmente en la edición. Hacía mucho tiempo que no veía un rompecabezas tan absurdo provocando que, en varias ocasiones, no tuviéramos idea de lo que está sucediendo en la pantalla.

La historia es un ir y venir entre escenarios españoles y mexicanos. Un grupo de mujeres que aparentemente roban bancos para subsistir son sorprendidas en un sofisticado atraco siendo detenida Aurora ( una bellísima Ariadna Gil), las demás parecen seguir dedicándose a la prostitución ( ? ) lideradas por Victoria Abril ( ¡Ni una cirugía más por favor!) , es aquí donde aparecen los “capos” mexicanos interpretados por Luna y Yazpik, éste último proponiéndole matrimonio a Ana ( Elena Anaya) para después dejarla en estado de coma (?). E inicia la venganza.

Las mujeres llegan a México para hacer pagar a los narcos lo sucedido a su compañera y de paso, robarles unos cuantos dolaritos.

Es todo tan raro, tan extraño, que nos cuesta trabajo ubicar el lugar de los hechos. Los criminales parecen sacados de las películas de gangters de principios del siglo pasado, dudo mucho que las caracterizaciones se asemejen a los líderes de carteles en el México actual. Las mujeres, por otro lado, en ocasiones son retratadas como simples objetos decorativos mientras que en otras escenas se comportan como si fueran hermanas de la “femme Nikita”.

El director de tan extraña puesta en escena es Agustín Díaz Yañez, responsable de películas como Nadie Hablará De Nosotras Cuando Hayamos Muerto o Alatriste, experto en elaboración de pastiches que mezclan elementos de cómic con el más marcado tono melodramático. El problema aquí es que nunca entendemos el porque del comportamiento de los personajes, no sabemos que justifican sus acciones ni el origen de sus extravagantes comportamientos.

La culpa en ningún momento la tienen los actores. Todos tratan de buscar un tono en esta ensalada, sin embargo, esto no es suficiente para contar la historia con cordura.

Y resulta una verdadera lástima porque he tenido la oportunidad de ver el talento de Gil ( Malena Es Un Nombre De Tango ) o de Pilar López de Ayala ( Juana La Loca) en vehículos más adecuados para mostrar sus respectivas capacidades actorales.

Si alguien va a ver esta cinta y cree entender del todo lo que se sucede en la pantalla, por favor que me la explique.

Por Oscar Uriel.

Hay pocas ocasiones en las que recuerdo perfectamente la primera vez que ví determinada película. Pulp Fiction es una de ellas. Llevaba muy poco tiempo dedicándome a esto, y de repente salió la oportunidad de ir a entrevistar a Quentin Tarantino a la ciudad de Nueva York y , por consecuencia, ver la película. Obviamente había visto sus anteriores trabajos destacando Perros De Reserva pero nada me tenía preparado para el espectáculo que estaba a punto de  presenciar. Simplemente Pulp Fiction me voló los sesos.

La cinta se había ya estrenado en el Festival De Cannes llevándose la Palma De Oro ( que como están las cosas no quiere decir mucho) pero, gracias a los reportes leídos, tenía muchas deseos de verla. La verdad es que superó mis expectativas y me convertí inmediatamente en un fan más ( ¡ya sé que es un lugar común! ) de éste director, bueno, con decirles que fui a verlo al teatro a un funesto montaje de Wait Until Dark en donde, por cierto, fue duramente atacado por los críticos neoyorquinos por interpretar uno de los papeles principales junto a Marisa Tomei. No me importó gastar los casi 70 dólares que costó el boleto con tal de ver en acción a este realizador. Ahora regresa con Bastardos Sin Gloria y la expectativa vuelve a nacer.

Les confieso que lo que me intriga de éste director es su megalomanía, sus vacaciones forzadas, su terquedad y, principalmente, su amor al cine, así  de sencillo y  cursi. Tarantino es un hombre que hace homenajes al séptimo arte dentro de sus obras, un creador que no teme al que dirán y que imprime a cada uno sus trabajos de una honestidad y fuerza que, en muchas ocasiones, resulta apabullante. Me intrigan las leyendas urbanas que giran alrededor de su persona, que supuestamente es un tipo que se atraganta de cuanta comida chatarra encuentra mientras se ve inmerso en un festival de cine B en su hogar, que se enamora perdidamente de sus protagonistas ( Uma Thurman por ejemplo) y que casi pierde la cordura en el set. Por su extravagancia, Tarantino es uno de mis favoritos.

Recién me enteró  que mi compañera Daniela Michel, flamante directora del Festival de Morelia, pretende traerlo a México para el próximo mes de octubre con la intención de que Bastardos Sin Gloria abra el evento en una noche de gala ¿Imagínense a Tarantino recorriendo las calles de Morelia? La verdad la noticia no pudo ser mejor. Por supuesto que ahí estaremos, como “fans from hell” tratando de ver, aunque sea de lejos, a uno de los directores que llegó para refrescar el cine moderno.

X Men Origins Wolverine llegará a las pantallas el primero de Mayo del 2009

* Contenido en video y blogs de “Terminator – La Salvación” dando click [aquí](http://www.sonypictures.com.mx/Sony/HotSites/Mx/terminatorlasalvacion/).
* “Terminator – La Salvación” se estrena en México el 5 de junio de 2009.

Hoy en el Perro Andaluz:
Oscar Uriel y Pada se unen para comentar el fenómeno de la intolerancia y las diferencias en la pantalla grande, para poder ver reflejadas situaciones que en realidad no son tan ajenas a nuestra cotidianeidad.
Algunas de las peliculas a comentar son:
- Do the right thing
- Hedwig and the Angry Inch
- No man´s land
… Entre otras.
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