Los Beastie Boys editaron su octava producción discográfica oficial bajo el título Hot Sauce Committee Part Two. Un disco que además de ser fresco y actual  también es innegablemente parte del sonido e historia de estos raperos. La lírica me recuerda a la insolencia del  Licensed To Ill y Paul’s Boutique y musicalmente es más cercano al Hello Nasty y a algunos tracks del To The 5 Borroughs.

El lanzamiento de este material me inspiró instintivamente a largas sesiones durante las últimas semanas recorriendo todos los álbumes oficiales, antologías y hasta disfruté nuevamente del Some Old Bullshit (la colección de las canciones punketas y abrasivas de sus inicios). El futuro de los Beastie Boys no está planeado, no se puede afirmar la aparición del Hot Sauce Committee Part One, que originalmente estaba planeado para mediados del año pasado ni tampoco se tiene presente una gira del trío de MC’s . Esta incertidumbre está inspirada en gran parte por la enfermedad de MCA.  Lo que se tiene con certeza es que los Beastie Boys vuelven a sacudir el hip hop; en la primera semana vendieron más de 128,000 copias y el disco se encuentra en segundo lugar de popularidad, detrás de Adele y en primer lugar en las listas especializadas en hip hop.

Les presento un recorrido por los los 8 discos de estudio, considerados como los álbumes oficiales de los Beastie Boys, ya que todos y cada uno de ellos merece ser celebrado. En estos discos escucho como su pasado continúa siendo vibrante en el presente.

Licensed To Ill (1986)
El debut de los Beastie Boys es legendario por varias razones. Históricamente, el álbum fue editado por una de las disqueras más importantes del hip hop, la en ese momento recién fundada Def Jam Recordings. El sello fue creado por Russell Simmons y Rick Rubin, este último también estaría a cargo de la producción del LP. La combinación entre los tres carismáticos y extrovertidos Beasties  y la particular estética que transgrede cualquier género musical de Rick Rubin resultó explosiva. Musicalmente,  les será muy difícil encontrar un disco más divertido, travieso y contagioso que este.  Los Beastie Boys se presentan como tres estereotípicos raperos, malos, vandálicos y hasta homofóbicos y misóginos, pero todos sabemos y escuchamos que sólo son tres lindos y flacuchos nenes judíos de Brooklyn. Aún así, su conciencia y ética les pesa tanto, que en 1999, Ad-Rock publicó una carta abierta en la revista Time Out New York pidiendo disculpas por sus letras ofensivas.

Paul’s Boutique (1989)
El segundo disco de los Beasties se convirtió en una producción de culto. Originalmente no atrajo la popularidad y atención que su debut ni generó instantáneamente un himno como ‘Fight For Your Right‘, pero es uno esos álbumes que con el tiempo fue ganando el estatus que no recibió en sus inicios. Este es un disco de big beats, de grooves de carácter fuerte y de sonido confrontativo in your face. La producción corrió a cargo del dúo Dust Brothers, que llevan a su límite composiciones de otros artistas por medio del sample y el sentido del humor y aliviane de Mario Caldato Jr. Se podría decir que Paul’s Boutique es el Licensed To Ill con bling bling en dónde cuenta.

Check Your Head (1992)
Este álbum fue lanzado en el año de 1992, justo en el momento que el mundo entero había adoptado al grunge como un movimiento propio. El sonido de este disco de los Beastie Boys parece adecuado a su momento histórico, la música es alternativa y su trío de instrumentos dominan la parte central de las canciones. El rock-punk lleno de distorsiones se hace sentir y  el groove hip hopero no se ve afectado. Las canciones tienen un ambiente particularmente oscuro y aunque en las letras son tan engreídos como siempre, las nihilistas melodías son indiscutiblemente himnos de la generación X. Este disco bien se puede considerar el Nevermind del hip-hop.

Ill Communication (1994)
Si el Check Your Head es el Nevermind, entonces el sencillo ‘Sabotage’ es la ‘Smells Like Teen Spirit’ del hip hop. La canción venía acompañada de un video dirigido por Spike Jonze inspirado en los programas policíacos de la televisión de los años setenta y esa estética retro también se aprecia en la música del álbum. Ill Communication es un disco en el que se escucha la aguja cruzando un vinil sucio y las bases rítmicas son extraídas del old school funk. Si hay un disco que puede resumir todo lo que significan los Beastie Boys, es este. Entre los colaboradores se encuentran Money Mark y su fiel productor Mario Caldato Jr.

Hello Nasty (1998)
La quinta producción de los Beastie Boys es un asunto fiestero, de club y con toda la estética reventada de la música electrónica. Apropiadamente, en la canción ‘Unite’ hacen la invitación: “Ravers of the world unite”. En este disco pueden encontrar beats que rebotan, la fiebre global que existía en esos momentos alrededor del drum&bass y mucho loop dance. En la canción ‘Picture This’ hasta se escucha la presencia de Portishead. Un disco para bailar que cae en los excesos y que probablemente sólo de escucharlo debería dar cruda.
No sé exactamente el porque, supongo que me nace del mismo lugar de donde criticamos a las bandas mexicanas cuando cantan en inglés, pero me emociona de sobremanera el final en español de la canción ‘The Move’ que cierra con un sampler de ‘El Rey y Yo’ de Los Ángeles Negros.
Este sería el último disco producido por Mario Caldato Jr y el inició de la fructífera relación entre los Beastie Boys y el tornamesista Mix Master Mike. Probablemente este es el título de un disco de los Beastie Boys que mejor define su contenido. La música es guarra, necia y sudorosa.

To The 5 Buroughs (2004)
Este disco está dedicado a la ciudad de Nueva York y sus cinco barrios, pero no sólo es una carta de amor a la ciudad natal de los MC‘s, también es un tributo al mismo hip hop. Este es, indiscutiblemente, el disco más serio de los Beastie Boys. En el exploran la tradiciones más trascendentes y esenciales de la cultura de este género musical. El álbum es el sonido que resulta de la clásica combinación entre MC’s y DJ, este último siendo el asombroso tornamesista Mix Master Mike. Este es un disco que se encuentra lejos del antro y cerca de la calle. Su actitud es urbana, pero lejos de caer en los clichés del rap ghetto, es un sonido muy refinado y elegante. Una de las partes estéticas del hip hop es el graffiti y si este fuera un trabajo visual, no sería del que se creaba en acto de rebeldía en los vagones del metro nuyorquino de los años setentas, sino el graffiti que actualmente se muestra en museos y galerías. Este LP es el arte consagrado y aceptado por la academia del hip hop.

The Mix-Up (2007)
No se puede escuchar este disco sin recordar la colección The In Sound from Way Out!, un acoplado editado en 1996 que contiene las piezas instrumentales que originalmente habían aparecido en su mayoría en los discos Check Your Head e Ill Communication.
La música instrumental de los Beastie Boys es de raíz blues, pero no se distraen del groove a favor de la abstracción a la que puede llegar ese género musical. Si los Beastie Boys son ligeros y alivianados, no lo dejan de ser en su propuesta instrumental. Se escucha claramente que se divirtieron como enanos al grabar estas piezas y que su intención nunca fue romperse el coco o desafiar matemáticamente la gravedad tonal, como lo hacen muchos de los jazzistas. Este disco me recuerda a la obra de gente como Booker T. Jones y John Lurie, es blues eléctrico con mucho funk. Esta obra ganó el Grammy por mejor obra instrumental pop en su año.

Hot Sauce Committe Part Two (2011)
Después de la seriedad del To The 5 Buroughs y la sofisticación del The Mix Up, los Beastie Boys presentan las letras más pubertas,  ego-fantásticas, y elocuentes que hayan grabado en cualquiera de sus trabajos previos. La grabación del disco ya estaba iniciada cuando recibieron la mala noticia de la enfermedad de MCA y decidieron mantener la ruta alegre por la que habían optado desde un principio. La música feliz y fiestera de este disco no sólo fue una terapia para los miembros de la agrupación, sino lo es para todos los que lo hemos escuchado. La música es tan exagerada como sus alardes. Los beats son de esos que se te meten al sistema motriz y no puedes evitar moverte al escucharlos, aunque sea por lo menos marcando el ritmo con el pie debajo del escritorio.
La conclusión a la que llego con este disco, es que los Beastie Boys difícilmente me decepcionarán, porque hasta ahora, no han hecho nada que no me encante.

En el mes de abril el autoproclamado colectivo de arte terrorista, llamado Voina (Guerra), ganó el premio de arte “Innovación 2011” entregado por el Ministerio de Cultura de Rusia por su intervención radical al puente levadizo Litneyny en la ciudad de San Petersburgo.  En 23 segundos, antes de que el puente se elevara, dibujaron un pene de aproximadamente 65 metros de altura con pintura blanca. Cuando el puente quedó en su posición vertical, la imagen del gigantesco falo, con todo y sus testículos, apuntaba directamente al edificio de la Dirección del Servicio Federal de Seguridad (SFS); el título de la obra es “Un miembro capturado por la SFS“ (A dick captured by the FSB). Voina fue otorgado casi 15 mil dólares, pero el premio no les llegó fácil. Primero causaron controversia cuando originalmente fueron descalificados, por no firmar un documento en el que sometían su trabajo a competencia. Posteriormente, según informes del miembro del jurado, Ekaterina Degot, no fue tanto que la mayoría votara a su favor, sino que la mayoría no quiso votar en su contra. Voina es un grupo radical de arte y sus miembros están acusados por varios crímenes, entre las imputaciones más severas esta el voltear varios coches de policía, con los oficiales adentro, frente al palacio de gobierno en un happening titulado “Golpe al palacio“ (Palace Coup). Algunos miembros del colectivo podrían llegar a tener una sentencia de hasta 7 años en la cárcel.  El Ministerio de Cultura, expresó que no censuraría la decisión del jurado, pero que le parecía insólito premiar a vándalos y criminales.

El arte callejero, como el graffiti, los carteles, esténciles e intervenciones a propiedad pública y privada, se ejerce a pesar de las leyes, la buena moral y lo aceptado como apropiado en nuestras sociedades que pretenden ser civilizadas.

El reconocimiento en el mainstream que ha ganado el arte callejero en la última década, y cuya inercia probablemente nace principalmente de la fama y obra del artista inglés Banksy, ha puesto tanto a los artistas, como a los consumidores y a los mercaderes del arte en una situación incómoda.

El arte ilegal, plasmado en la calles, despierta preguntas retóricas sobre la propiedad, sobre los derechos de autor y sobre la pertenencia en general. Los artistas callejeros no ganan dinero directamente de plasmar sus imágenes en las ciudades, pero ahora sus obras se subastan en Sotheby’s y se exhiben en museos de arte contemporáneo y  en mansiones de coleccionistas. Para muchos críticos, esto significa la máxima glorificación del vandalismo. Para muchos amantes del arte callejero, los artistas se venden al sistema contra el que se expresan.

Desde el 17 de abril y hasta el 8 de agosto se celebra el arte calllejero, en una exhibición titulada “Art In The Streets” en el Museo de Arte Contemporáneo Geffen en la ciudad de Los Ángeles. Este mismo museo mandó eliminar el mural exterior que se había comisionado del artista urbano italiano, Blu. La obra presentaba ataúdes de soldados cubiertos de dólares, lo que se consideró inapropiado por la proximidad del edificio con un hospital de veteranos y el Monumento a los Soldados Japoneses- Americanos. El arte callejero es desafiante por naturaleza y por más que la controversia sea lo que, tristemente, más buscan los vendedores de arte, la esencia del arte urbano, es ilegal.

Varios admiran los murales, o las obras de artistas como Swoon o el político Banksy, pero rechazan los tags y los graffitis. Se sienten con el juicio estético de hacer distinciones entre los graffitis buenos y los que consideran sólo rayones. Pero en esencia, nacen del mismo lugar; de la necesidad de dejar tu marca en una pared, sin tener que comprar el edificio o tener la aprobación de un curador.

El arte terrorista de Voina levanta fuertes cuestionamientos contra su estado y esta es la misma motivación de muchos artistas que llevan su obra a las vías públicas. El arte de Voina, la estética, esta en el acto mismo, no en la imagen, al igual que en los tags (aunque personalmente me encantan las paredes donde se reúnen muchos tags, para mi, en el caso de esas firmas, más siempre es mejor).

Querer vivir en una ciudad sin rayas en nuestro país, es querer vivir en las falsas apariencias (algo que parece gustarle mucho a nuestra sociedad). Las ciudades están intervenidas, porque tienen seres que las habitan y las hacen suyas a pesar de no ser dueños de nada; nuestras paredes están pintarrajeadas con el respeto que se merecen nuestro estado.

@lamadela

]]> http://dixo.com/2011/05/06/arte-ilegal.php/feed 3 http://dixo.com/2011/05/06/arte-ilegal.php http://feedproxy.google.com/~r/dixo-satisfaccion/~3/9jcEycChpEU/fotografias-conceptuales-2.php http://dixo.com/2010/12/27/fotografias-conceptuales-2.php#comments Tue, 28 Dec 2010 05:07:27 +0000 info@dixo.com (Madela Bada) http://dixo.com/?p=44028  

La fotografía conceptual requiere una mayor implicación del espectador, no sólo en la forma de percibirlo, sino con su acción y participación.

Viene de Increíbles ejemplos de fotografía conceptual.

Fuente: Escáner Cultural. Imágenes tomadas del sitio dpshots.

LEAN BIEN LA NOTA, saquen sus conclusiones, opinen del tema.

Por: Recienmentero.

Sin duda, el sueño de todos cuando salimos de viaje, y llevamos tantas cosas, que ni la maleta podemos cerrar. ¿Dónde los venderán?

LEAN BIEN LA NOTA, saquen sus conclusiones, opinen del tema.

Por: Recienmentero.

Dicen que para ser exitoso, hay que verse exitoso.

Para verse exitoso, hay que amar lo que se hace.

Para amar lo que se hace, hay que hacer lo que nos gusta.

Y al hacer lo que nos gusta, hay que estar cómodos.

A mi me funciona: yo hago lo que me gusta, estoy cómodo, y me veo bien.

¿Sabes que es lo que te hace ver bien al desempeñar tu trabajo?

Averígualo ya en:    http://www.levi.com.mx/mexico/workwear.aspx

Después de ser adquirida en 2005 por la marca deportiva Adidas, Reebok al fin obtuvo un nuevo impulso con un producto que, si no es revolucionario, le ha funcionado muy bien; y es que está dirigido completamente a la mujer mezclando los temas que más nos interesan: belleza y salud. Se trata de los tenis Reebok Easytone, que te ayudan a mantenerte en forma con sólo usarlos, y ya han incrementado en un 25% los ingresos de la empresa. Otro elemento que ha causado furor, y no sólo entre los hombres, ha sido su publicidad nada conservadora.

Sin duda, agregar a la lista de regalos navideños.

Fuente: Gurusblog.

LEAN BIEN LA NOTA, saquen sus conclusiones, opinen del tema.

Por: Recienmentero.

Disfrútalas.

Imágenes tomadas del sitio ‘dpshots’. Fuente: Wikipedia.

LEAN BIEN LA NOTA, saquen sus conclusiones, opinen del tema.

Por: Recienmentero.

¿Eres de los que hacen de su trabajo una pasión? 

¿La lógica y la razón siempre están de tu lado?, ¿Nunca te detienes, nunca abandonas, siempre vas por más?,  O ¿Todo lo que te rodea es el comienzo de una gran idea? 

El trabajo se transforma en pasión cuando pones lo mejor de ti, recuerda que la única forma de tener un trabajo genial es cuando se ama lo que se hace. 

Intelecto, Fuerza, Carisma, Instinto, Creatividad, ¿Sabes cómo esta compuesto tu trabajo?   

Averígualo ya mismo en:  www.levi.com.mx/mexico/workwear.aspx

La famosa ciudad norteamericana que se publicita como la cede del pecado, usa como slogan la frase: “Lo que sucede en Las Vegas, se queda en Las Vegas”.  Se presume que uno va a ese “oasis” plástico situado en el desierto del estado de Nevada a reventar, caer en excesos y dejarse llevar por el libertinaje. Por lo tanto, no se trata de Las Vegas, en realidad esa es la primera regla de la fiesta: “ Lo que pasa en el reven, se queda en reven”. Es una regla casi implícita entre amigos, cuates y pachangueros; se da por hecho que cuándo un grupo de amigos en la peda acaban en el table, no se lo irán a platicar casualmente a las parejas de los asistentes de dicha bacanal.  Años después de una gran fiesta, cuando te topas en la calle con un cuate con el que asististe, no balconeas cuantas drogas se metieron esa noche en presencia de personas desconocidas. Si te encuentras en el super a una chica con su nuevo novio, no presumes que en una noche alcoholizada tuvieron sexo caliente, banal y frívolo. Así es como también se van desarrollando amistades llenas de confianza que existen casi exclusivamente gracias a la fiesta.

Cada reunión entre amigos con una botella de vino y una chelas, cada vez que entre cuates se le sube un poco más al volumen de la música para bailar, cuando un grupo de conocidos se encuentran en un concierto y hasta a veces cuando un par de amigas cambian el planeado té de las 6 de la tarde por unos vodkas con jugo de naranja, se abre una ventana con vista a los excesos. Sí, el alcohol es un desinhibidor social y unos lo necesitan más que otros, pero el reven por si mismo necesita generar una cierta inercia para que realmente se llegué hasta a las últimas consecuencias de la noche. En el mejor de los casos, todos los involucrados se la pasan igual de bien, pero nunca falta aquel que le da la también legendaria “mala copa”. En circunstancias extremas los sucesos en el reven también pueden acabar con amistades, pero en la mayoría de los casos es difícil juzgar a un cuate cuando se habían sobrepasado los límites de la lucidez. Y esa debería ser la segunda regla de reven: “Si te vas de reven, no le tengas resentimientos al reven….si ya sabes como se pone…” Es el slogan que Las Vegas nunca utilizará, porque evidentemente la ciudad del pecado no quiere que te detengas a pensar en las consecuencias que el reven conlleva; los dueños de los casinos definitivamente no están interesados en que recapacites como se encontrará tu estado de cuenta al regresar a casa después de una vacaciones apostando y puteando. Lo que me lleva a la definitiva tercera regla del buen reven: “Lo vivido nadie te lo puede quitar”. En el reven he conocido ha gente extraordinaria, he presenciado eventos cautivadores y visto como intrigantes historias se desenvuelven. Supongo que por eso me gusta pensar que la vida es una fiesta… y que la cruda valga la pena.

La música se engrana en el cerebro, décadas después puedes recordar la letra de una canción, una melodía te transporta a un preciso instante de tu vida o te despierta un aroma que habías olvidado conocías. Una canción se vuelve entonces una forma de despertar partes de tu cerebro que pueden estar dormitando durante años… hasta que escucha la secuencia de notas indicadas. Hay cajas fuertes dentro de nuestro cráneo que sólo se abren cuando por nuestros oídos entra la clave indicada. Por eso es tan difícil distanciarse emocionalmente de una rola que ha sido parte de nuestras historias, porque literalmente son la forma de accesar a los recuerdos que nos han marcado.

También me deja una reflexión, siempre tener cuidado de no permitir que una mala canción sea participe de un gran momento de la vida, porque sino me acompañará el resto de mi existencia.

212 se llevó a cabo abarcando más de un kilómetro de la Av. Chapultepec en la ciudad de Guadalajara. La primera agrupación daba inició a las 4:45 de la tarde y desde temprano la gente empezó a llegar en cantidades respetables y constantes. A lo largo de la Av. Chapultepec se colocaron 4 escenarios. Como en ningún festival al que he asistido organizado por Ocesa, el audio de un escenario no invadía el espacio sonoro del siguiente, lo que permitía que cada uno de las tarimas mantuviera su integridad y personalidad.

Sí, se acabaron pisoteando las plantas de las jardineras del camellón de la avenida y también hubiera sido mucho más gratificante que la extensa campaña de reciclaje que se implemento hubiera sido utilizada por los asistentes para que al final del concierto la calle quedara limpia, pero realmente fueron los únicos dos detalles que se podían criticar y sobre lo cual se asentó un artículo del periódico Mural de Guadalajara. Lo importante, lo verdaderamente sorprendente, fue que en un evento con tantas miles de personas, muy poca supervisión de seguridad y habiendo generado un ambiente de tolerancia en donde la gente consumió en la vía pública, se contó con un saldo blanco. No sólo no hubo grandes perturbios, sino los asistentes se comportaron de forma pacífica y respetuosa.  La diversidad de personas reunidas también era extensa, fue un ejemplo cívico de cómo todos los miembros de una sociedad pueden compartir un espacio público y disfrutar de un evento cultural. Personalmente, de lo que más disfrute fue de las miles de sonrisas que tuve la oportunidad de observar.

En los escenarios se presentaron reconocidos actos como la Maldita Vecindad, Nortec: Bostich + Fussible y Los Bunkers, pero también fue un espacio para varias bandas locales como Vainilla y Thermo y un espacio para celebrar a bandas de culto como La Revolución de Emiliano Zapata. El 212 le abrió las puertas a varios actos nuevos y la gente los recibió con mucha curiosidad y atención. Todos los escenarios gozaron de siempre tener público atento frente a ellos. Me fue imposible ver a todos los actos, pero de lo que sí llegué a disfrutar, me quedé feliz con la actuación fúrica y ácida de Descartes A Kant, los poderosos novatos (a los que les deseo un gran futuro) Robot Junkie Paradise, la creatividad de Los Impostors, el colmillo de La Revolución de Emiliano Zapata y la confianza en escena de Bostich+Fussible.
212 promete regresar el año entrante, pero en esta ocasión fue un exitoso evento que llevó música, cultura y fiesta para todos en las calles de Guadalajara.

(escenario amarillo durante Descartes a Kant)

por @lamadela

Dropbox es un increíble sistema para generar folders pesados en la red y poderlos compartir; por citar la mejor analogía que he escuchado, Krisstiane lo sintetizó: “es como un ftp, pero chingón”.  No me quiero desviar en las tecnicalidades de un servicio gratuito que al instalarlo notarán sus virtudes, me quiero concentrar en lo que podemos hacer con él. No, tampoco voy a gastar nuestro tiempo en las millones de razones que se me ocurren para que nos compartamos arte libremente.

Con KCT grabado, Carlos Andrade y yo hemos empezado una pequeña comunidad de melómanos que compartimos música. Parte del atractivo es que cada uno de los miembros funciona como un editor musical y sube una obra seleccionada del universo de discos que están a su alcance, así se han ido juntando discos como el concierto de Peter Gabriel en Guadalajara, estrenos muy recomendables como el EP en vivo de Underworld en el iTunes Festival en Londres y discos ilegales desde su concepción (por incluir samplers de los recelosos Beatles) como el Grey Album de Danger Mouse.

En China los servidores pueden hasta bloquear el google search; el tráfico de información se ve amenazado por actos legales como A.C.T.A. y desde Napster nos vienen persiguiendo a todos los que “pirateamos” música en línea. Pero los famosísimos “loopholes” han sido imposible de sellar. En algún momento, las disqueras le quisieron poner candados a los CD’s para que no se pudieran rippear (idea que con la popularidad de los reproductores portátiles de MP3 es imposible de imaginar el día de hoy) una idea tonta, ya que justo ahí radica el primero de los grandes “loopholes” tecnológicos en la música: si se puede reproducir, se puede grabar. Y así, no han encontrado la forma de sellar completamente el intercambio de archivos.

Lo interesante de la idea del “peer to peer” es que son dos personas en un universo anónimo compartiendo algo que les parece tan interesante que no deberían quedarse sólo para ellos; es un acto desinteresado y sin egoísmo que requiere de un poco de esfuerzo y tiempo. Estudios cuestionables aparecen por todas partes e indican cómo las redes sociales nos vuelven anti-sociales, como la internet nos aleja del supuesto “mundo real” y no se dan cuenta que millones de archivos de interesante información son generados por personas y que lo hacen sólo por compartir. En la mayoría de los casos, el intercambio de música en línea es uno de los actos menos egoístas que me puedo imaginar. Recientes estudios de las Universidades de Emory y Claremont indican que las hormonas responsables del sentimiento que llamamos amor, también despiertan un intenso sentido de posesión por el amado.

Parece que estamos programados para no poder sentir amor sin posesión y es sorprendente que supremos nuestros instintos básicos para querer regalarle a un perfecto extraño algo que adoramos. Todos los melómanos tenemos discos que hemos celado intensamente; agrupaciones oscuras que sólo por conocerlas y amarlas nos dan un cierto sentido de soberbia, pero en la red estamos dispuestos a compartirlos con el universo y eso también nos genera un orgullo particular… muchas veces al subir un extraño álbum a la internet uno piensa: “ahora sí, putos, ¡agárrense que ahí les va!”.

Carlos y yo los invitamos a intercambiar música en el folder de KCT grabado. Es muy sencillo pertenecer a nuestra pequeña comunidad y accesar a la música. Recuerda de subir obras completas y siempre firmar el libro de visitas donde debes indicar que fue lo que nos compartiste.

A continuación explico paso por paso como ser parte del folder de KCT grabado.

Primero: abre una cuenta en Dropbox.

Para generar una cuenta en Dropbox ahora, da click AQUÍ.

Segundo: envía el mail con el que generaste tu cuenta en Dropbox al Twitter o Mail de Carlos o mío (Madela).

Para el Twitter de @carlosandrade da click AQUÍ
Para el Twitter de @lamadela da click AQUÍ

El mail de Carlos Andrade: carlosandrade (@) dixo.com.
El mail de Madela: madela (@) dixo.com.

Tercero: Carlos o yo (Madela) te haremos llegar la invitación al folder por medio del mismo Dropbox. A partir de ahí… eres libre de disfrutar y compartir la música que gustes.

En DIXO te estamos invitando a manifestarte… hay tantas formas de hacerlo y una de ellas es mantener el libre tráfico de información en la internet. ¡Fuck A.C.T.A.!

por Madela Bada.

Vengo de una familia conservadora en su moral pero muy liberal en su ideas políticas y que vive como si Dios existiera; nací en un hogar en donde las reglas cotidianas de comportamiento eran muy diferentes a un dormitorio lleno de adolescentes con aspiraciones creativas y artísticas con libertad de movimiento y pensamiento. Ese internado era un ambiente del que ningún adulto responsable poblano que yo conocía hasta ese momento hubiera aprobado para sus hijos.

Una hermosa joven de veintitantos años -recién graduada de sociología, inteligente, liberal y marihuana- era la responsable de mantener el “orden” en el edificio de residencias. Me acuerdo que ella me cortaba el pelo en capas para que se me esponjara como el de Nena (sí, la de 99 Luftballon) y también me ayudaba a pintarme la mitad del cabello con henna roja. En Cholula, dormía a las nueve, había llevado una vida muy controlada y  protegida.

Las clases en el internado eran académicamente exigentes y los maestros eran estrictos, pero sólo en el salón de clases. Llevaba clase de latín, de solfeo y filosofía. En la clase de literatura leíamos Fausto y en nuestros tiempos libres buscábamos los manifiestos más radicales (entre los favoritos estaba cualquier cosa Dadaísta) y nuestras interpretaciones eran tan exageradas como las hormonas que corrían por nuestros pubertos cuerpos.

Aunque oficialmente se reconoce la caída del Muro de Berlín con el fin de la República Democrática Alemana hasta 1990, los primeros trozos del Muro empezaron a caer en 1989. De forma fortuita, esta mexicana estaba en Alemania en uno de los momentos históricos más importantes del mundo. Varios de mis compañeros tenían familia que había quedado del otro lado de la cortina de hierro después de la Segunda Guerra Mundial. Mis amigos  y yo participábamos en rallies ant-nazis, pintábamos rosas negras sobre grafittis skinheads, íbamos a conferencias y participábamos en cadenas humanas. Usábamos libretas de papel reciclado, estábamos concientes del SIDA y de las formas de prevenirlo.

{Las pubertas que se creían muy rebeldes en 1989 o 1990}

Éramos jovencitos enérgicos que pensábamos que podíamos cambiar el mundo. Éramos contestatarios, un poco groseros, hacíamos mucho ruido y más de una vez sobrepasamos los límites de lo correcto para un chavito de 14 años. También tuve varias experiencias que ningún psicólogo recomendaría para una chamaca. No lo puedo negar, no todo era sana rebeldía, también acompañé a mi amiga de 16 años a tener un aborto; una noche llevamos a un amiguito con congestión alcohólica de urgencia al hospital; íbamos a un antro ilegal de mala muerte a escuchar música dark y ahí, en más de una ocasión, se me clavó una jeringa en la suela del zapato; recuerdo varias noches heladas de invierno dormidos hechos bolita en una estación de tren a la intemperie y viajar de aventón con perfectos extraños. Pero gracias a esa irresponsable y anárquica actitud llegamos no sólo a Berlín a quitarle con cincel y martillo un cacho al Muro y sino también, posteriormente, a celebrar en el Love Parade de 1990. Esa aventura (y supongo que el hecho de que estaba fumando cigarros y marihuana tampoco ayudó), fue lo que acabó de asustar a mi pobres padres, que después de esa fiesta me encerraron en mi casa en Cholula y me castigaron por lo siguientes dos años.

El Love Parade se generó en medio de un radical cambio político. El primer festival se llevó a cabo justamente en 1989 porque la caída del Muro de Berlín representaba ante nuestros ingenuos ojos la caída de la represión. El Love Parade celebraba la libertad, el respeto y el amor. Era una demostración de libertad y de expresar públicamente nuevos pensamientos e ideales. En el primer Love Parade sólo participaron alrededor de 150 personas y una carroza, pero instantáneamente se volvió legendario. En 1990, mis amigos y yo nos escapamos a Berlín para participar en lo que sería la demostración política más divertidas de nuestras hasta entonces muy breves y superfluas carreras de activistas sociales. Tuve que revisar los archivos históricos, porque yo no les hubiera podido dar cifras exactas, para mi fue simplemente gigantesco. En el año 1990 el Love Parade reunió a 2000 participantes, alrededor de 6 carrozas para el desfile y se llevó acabo en la calle Kurfürstendamm. No les podría decir quién tocó porque hasta 3 o 4 años después empecé realmente a prestarle atención a la música electrónica fuera de la fiesta. Pero sí, estaba Dr. Motte, el fundador del festival.
En 1999 el festival reunió a más de 1 millón y medio de asistentes y se realizó en un tramo de la ciudad que concluía en la impresionante Puerta de Brandenburgo. Ese año entre los DJ’s se encontraron: Carl Cox, DJ Hell, Mark Spoon, Sven Väth, Paul Van Dyk, Armand Van Helden y Westbam. En el año 2008 el Love Parade se llevó acabo en la ciudad de Dortmund, tuvo a más de 1millón 600 mil bailarines.

Este pasado 24 de Julio, en la Ciudad de Druisburg, en medio del frenesí y descontrol del pánico masivo, fallecieron 19 personas y fueron heridas 342 personas, de las cuales 40 fueron de gravedad. Según un reporte de la revista Spiegel, el lugar sólo contaba con el permiso de recibir 250,000 personas y se vieron en la crisis al recibir aproximadamente 1 millón 4cientos mil asistentes (esta cifra no ha sido confirmada por la policía).

Los organizadores del Love Parade han decidido que este festival ya no se volverá a realizar. Con esta tragedia, acaba el Love Parade, pero también parece el fin de la era Rave. La idea de estos festivales masivos para bailar sin parar durante maratónicas horas, exhibiendo comportamientos alternos de forma abierta, realizados de forma itinerante, existen a partir de justamente de fiestas como el Love Parade y el Mayday. Este año, se acabó el festival del amor, el rave más famoso del mundo y también el más icónico.

Por Madela Bada.
(Hay datos de mi vida personal que no han sido verificados y pueden existir algunas incongruencias.)

El sábado asistí a la décima marcha del día mundial por la liberación del cannabis. La cita fue a la una de la tarde en el zócalo y yo llegué puntual, porque uno de mis deseos era fumarme un toque en el zócalo capitalino. Los organizadores tomaron la palabra y expresaron las razones por las que se llevaba a cabo la manifestación. Expresaron como la marihuana tiene usos médicos, industriales y químicos que deberían ser aprovechados; hablaron de los derechos de los adultos de poder decidir que introducen a sus cuerpos; tocaron el sensible tema de la guerra contra el narco y como la violencia que rodea al mercado negro nos está afectando. Los ahí reunidos, limpiábamos mota, ponchábamos gallos y fumábamos marihuana en silencio escuchando respetuosamente a los oradores. A las dos de la tarde se inició la marcha que nos llevaría del zócalo al Hemiciclo a Juárez en la Alameda Central. Los pachecos no somos reconocidos por nuestra puntualidad y capacidad de tener una clara percepción del tiempo, por lo que varios fueron llegando y poco a poco la marcha cada vez se hizo más grande. Al final se reunieron unas cuantas miles de personas.

Había pancartas que exclamaban : “¡Calderón fúmate ésta!” “Son mis neuronas y me las trueno si quiero” “Amigos del Kush” y “Estamos puestos para pagar impuestos” entre varias más.

Después de reunirnos en el Hemiciclo a Juárez, empezaron las festividades del concierto en el kiosco de la Alameda Central. El sol pegaba duro, muchos se retiraron a sus casas después de haber cumplido con su deber cívico y otros se quedaron entre las sombras de los árboles a escuchar las bandas que se presentaron sobre el escenario. Alrededor de las seis me retiré a mi casa. Varios de los ahí reunidos ya estaban bien entonados y habían aprovechado la tolerancia de las autoridades ante la manifestación pacífica para no sólo consumir mota en público.

Evidentemente, la mayoría de los que ahí nos reunimos, disfrutamos de la marihuana. Pero la marcha se trató de algo mucho más importante que sólo pedir que las leyes me dejen disfrutar de lo que me plazca. Para mi, en realidad, se trató de que la legalización de las drogas permitiría que se acabe pacíficamente la terrible guerra que el gobierno de Calderón ha emprendido en contra del narco a cuestas de la vida de todos los mexicanos. La legalización de las drogas es una solución efectiva y real para que el narco y los militares no hagan de nuestras calles una campo de batalla. Al legalizar las drogas, las personas que sufren de adicciones agudas serían tratadas de forma médica con la esperanza de salvarlos y no como criminales que merecen ser castigados por su enfermedad. La legalización de la marihuana puede generar nuevas industrias que ayuden a la sustentabilidad de nuestra economía y también de nuestros ecosistemas.

Sólo el año pasado fallecieron más de 7000 personas en nuestro país a causa de la inútil guerra contra el narco que ha emprendido el gobierno federal. La forma más efectiva de frenar el poder del mercado negro y sus benefactores, de acabar con la violencia relacionada al tráfico de drogas y de tener una sociedad más educada con respecto a los efectos de las sustancias psicoactivas, es legalizándola.

Éste sábado pasado marché porque quiero un país más sano gracias a la legalización de las drogas.

por Madela Bada.

(Marnie Stern)

Yo llegué temprano, sabiendo que la artista que más me importaba sería uno de los primeros actos en presentarse. Me evito comentar sobre Los Amparito y Bam Bam, las propuestas nacionales. Suficiente humillación fue aparecer sobre el mismo escenario y tener que padecer las necesarias comparaciones con las ideas que se subieron después de ellos. El primer acto después de las bandas de Guadalajara y Monterrey fue la virtuosa Marnie Stern en la guitarra y voces de su power trío de rock que más que progresivo es punketo. La vertiginosidad de sus piezas causa mareo y des-ubicación. Su voz es aguda y chillante; el bajo es necio y envolvente; el baterista tiene una escuela que esta entre la de Animal de los Muppets y  el estilo de Bryan “Brain” Mantia y le encanta pegar con ambas baquetas al mismo tiempo. Pero la guitarra, la guitarra es la estrella de la noche; las manos de Stern fluyen ligeras y como si pudiera moverse a la misma velocidad del sonido. Stern usa una de las guitarras más mariconas que yo haya visto entre músicos serios de rock.

(Marnie Stern)

Luego siguió Little Dragon, una banda sueca de música electrónica, que es soporífera y cuando se prende recuerda al house editado por Ministry Of Sound a finales de los noventa. Muchas de las chicas reunidas en el Poliforum Siqueiros parecen haber disfrutado de los colchones electrónicos con sonidos pseudo orgánicos como simulando una flauta de Pan, los bajos insípidos y a la cantante que actuaba como si estuviera “poseída” por su música. Al empezar el ruido de Big Pink, la siguiente banda, parecía que a Little Dragon sólo le habían prestado la mitad de las bocinas disponibles. Personalmente había escuchado sin mucho interés su álbum debut A Brief History of Love editado por la legendaria disquera 4AD. No esperaba mucho, pero Big Pink tienen la fórmula correcta para hacer ruido vuela sesos. Big Pink fue el momento musical de la noche. La acústica rebotante del Poliforum pareció sólo exaltar sus delays, sus relentandos y ritmos alargados. Su ruido es simplemente espectacular y emocionante. Su música es como la baba amorfa de los Ghostbusters, que se hace más grande e invasiva cuantos más sentimientos absorbe y al final uno se ahoga en ella. Es música neurótica, histérica y no es capaz de auto-contenerse aunque esté en público.

(Big Pink)

Muchos de los reunidos esperaban el cierre con Deerhunter. Yo tenía mis grandes dudas y estas fueron corroboradas por su música. La música de Deerhunter es estática, no va ninguna parte, de repente piensas que el ruido se puede poner épico, pero esperas y esperas y no pasa nada. Es ruido blanco, es ruido sin personalidad. Su propuesta es de mucha armonía, pero no encuentro la música dentro de su estructura arquitectónica de sonido. Deerhunter quieren apantallar, pero no tienen con que.

(Big Pink)

por Madela Bada.

Llevo 53 días sin fumar. Como para muchos en este proceso, tengo sentimientos encontrados. Extraño mis mentolados, no lo puedo negar, pero también estoy contenta por los cambios en mi vidas gracias a  esta desintoxicación. Inmediatamente me percaté que el olfato se ha exponenciado y todo huele mucho más intenso que en mis 20 años de chacuaco. Ahora, descubro que el mundo, para bien y para mal, es un lugar muy oloroso. Dejar el cigarro tiene ventajas para la salud indiscutibles. Pero, para un fumador de corazón, aunque no exista ciencia que lo apoye, el fumar es tan placentero que a sabiendas de la información que lo rodea, esta dispuesto a sortear problemas cardiovasculares, enfisema y cáncer pulmonar, sólo por mencionar los más obvios. Por el momento estoy optando por aguantar los antojos y prefiero la opción más saludable y mucho menos sabrosa.

No entiendo los sabotajes que suceden en nuestras cabezas, pero nos gustan cosas que nos son buenas para nosotros. Para vivir saludablemente hay varias recomendaciones, ya casi obvias: no comas grasas, no consumas azúcares, no tomes alcohol en exceso, no abuses del café, desinféctate las manos, no ingieras demasiados irritantes, no te desveles, no tengas sexos sin condón, no cenes pesado antes de dormir, no lleves una vida sedentaria, no uses papel del baño con perfume, haz ejercicio regularmente y no fumes. En resumen, para llevar una vida saludable es nada de excesos y todo lo desabrido en medida.

Ahora -¡cómo si no fuera suficiente con haber dejado el exquisito cigarro!- el Dr. George Prochnik quiere que también le baje el volumen de mi música. En el libro In Pursuit of Silence: Listening for Meaning in a World of Noise, el doctor – un autoproclamado amante del silencio- sugiere que el ruido es demasiado para nuestro sistema. Él ruido incesante y los altos volúmenes alteran el ritmo cardiaco y la respiración (cosa que a ninguna persona que sabe de la existencia de un género musical llamado Trance le sorprende) y que estresan al cuerpo al grado de ser muy peligrosos. Incluso, hay una entrevista con el investigador que se titula “In Pursuit of Silence”: How noise really is killing us… ¡¿cómo el ruido nos esta matando?! Parece exagerado, pero Prochnik esta convencido de los efectos negativos del ruido. Dentro de su libro propone puntos interesantes, como si Hitler era una persona con una modulación tan particular y precisa de voz que lograba convencer a los alemanes de seguirlo,  y sí, hay que discutir abiertamente sobre la contaminación auditiva, al igual que sobre cualquier otro tipo de contaminación. Pero no le pienso bajar al volumen. Me matará, pero no le voy a bajar a mis Rolling Stones. No pienso escuchar música que se llama NOISE en bajito. De por si, la vida sana parece monástica, pero ahora, hasta quieren que vivamos en silencio. Bueno, ya ni existen curas que toman el voto de silencio, pero la ciencia lo propone como un estilo de vida.

Sin música a todo volumen, esta es una vida que no vale la pena vivir. Una razón para levantarme en la mañanas, es saber que puedo subirle al volumen a una canción que me hace feliz. Que la música  y los decibeles me maten, no se me ocurre una muerte que me sepa más rico.

por Madela Bada.

Pirate Radio es la historia de cómo se sataniza a aquellos que son diferentes a las convenientes “normas” de una sociedad hipócrita y como el rock siempre ha sido y será la bandera de todos los seres originales e insurrectos. En ésta película, el rock es el símbolo de liberación y empoderamiento de los que viven fuera de los márgenes de la sociedad y de aquellos que simplemente quieren bailar hasta morir.

Al ver la película observo transcurriendo en frente mío las románticas razones que me llevaron a querer hacer radio y las razones que me orillaron a ser una melómana profesional. Tengo un programa de radio que se trasmite a través de RMX de las 00hrs a las 02 hrs, un horario naturalmente pirata y en la oscuridad de la indecente madrugada, el rock puede respirar sin verse apresurado por responsabilidades comerciales. A la mitad de la noche se puede poner en un medio masivo de comunicación una canción que en todo México probablemente no conocen más de 1000 personas y hacerlo sólo porque esta chida. Cuando me pregunten la razón por la que escogí trasmitir en las madrugadas (sí, sí es una pregunta recurrente), les puedo decir: “ Ve Pirate Radio.” Y al verla podrán sentir lo emocionante que puede ser dejarse llevar por el ritmo de una buena canción de rock. El soundtrack de Pirate Radio es una colección de joyas de los sesentas y la película inicia con ‘All Day And All Of The Night’ de los incontenibles Kinks (presentados espectacularmente por The Count) y de ahí sólo se pone mejor con rolas de The Zombies, The Hollies, David Bowie, The Who, Smokey Robinson, Procol Harum, The Supremes, Otis Redding, Cream, Dusty Springfield, Jimi Hendrix, etc.

Pirate Radio es mía, me pertenece y  no creo que nadie me la quiera pelear ya que fue un fiasco en taquilla recuperando tan sólo una cuarta parte de su costo de producción y además fue despedazada por la crítica especializada. Pero me sospecho que será de ésos casos que en DVD se convertirá en una pieza de culto.

Por Madela Bada.

Girlcrush Galore

Tengo demasiadas razones para adorar a Susan Sarandon y probablemente las primeras 20 están relacionadas a una de mis películas favoritas de todos los tiempos, The Rocky Horror Picture Show. Sarandon tiene la capacidad de desnudarse con una elegancia única y por más que se esfuerce no puede ser vulgar. Es una actriz que ha hecho legendarios papeles que desbordan sexualidad (Bull Durham, The Witches Of Eastwick, White Palace, Thelma & Louise, etc) y hasta de monja es sexy ( Dead Man Walkin). Es un mujer que con la edad se ha puesto cada vez más sabrosa y lo sabe, por lo que posó desnuda a los 62 año de edad en libro de Pin Ups del fotógrafo Timothy White. También ayuda que es una actriz con una intensa carrera activista y una mujer comprometida con ideas políticas que ayuda a impulsar con su fama.

Sandra Ávila Beltrán, La Reina del Pacífico.

Yo me empecé a rasurar las piernas antes de que me saliera siquiera bellos en el sobaco, tenía unos 13 años de edad. Fui la primera niña de mi salón en rasurarse las piernas (no tenía nada más que rasurarme, más que unos bellitos güeros en las pantorrillas), un acto verdaderamente innecesario en ése momento, pero fue lo primero que haría como mujer y que me acompañaría por el resto de mi vida. Me rasuro mientras estoy en la regadera (una razón más a favor de depilarse sin desperdiciar litros de agua en duchas más largas) con mi jabón normal y me gustan los rastrillos para mujeres, sólo porque son rosas o de colores más simpáticos que los de los hombres. Si se usa con paciencia, y especial cuidado en las rodillas y detrás del tobillo, el rastrillo moderno no duele ni lastima. Como bien le dice Frenchy a Sandy cuando esta a punto de perforarle las orejas en la película clásica Vaselina: “ la belleza es dolor.” Y sí, muchos artículos que enaltecen la belleza femenina son dolorosos: el brassiere con varilla que junta y levanta, los tacones que le dan buena pantorrilla a cualquier pata de chichicuilote, la quemazón de la decoloración y las permanentes, llevarse unas pestañas al desmaquillar el rimmel a prueba de agua y llegando a medidas más extremas: inyecciones, cirugías y rellenos sintéticos. El rastrillo es lo que en inglés llaman un loophole, una excepción a la norma, un caso en donde uno no tiene que pagar el costo, en donde no hay dolor y hay belleza.

En la vida hay pequeñas cosas que me causan tremenda satisfacción, como mi práctico rastrillo rosado de plástico.

por Madela Bada.

Tengo el frente frío estacionado en los huesos. Tengo mucho frío y se refleja en que hoy traigo una gruesas calcetas de los Misfits y tenis cerrados. Uso el mismo uniforme todos los días, es práctico, cómodo y clásico, se conforma de 4 partes esenciales, además de la ropa interior: jeans, playera/blusa/sweater, perfume y chanclas. Carlos Andrade (que odia las chaclas y hasta a twiteado al respecto) me corregiría en éste instante, aclarando que las que yo uso son flip-flops. También tengo de las ortopédicas de suela de corcho, de las que Carlos llamaría amazónicas/romanas y de las deportivas que parecen tenis, pero mis favoritas son las chanclas, sí las flip-flops. La chancla de plástico es el zapato más práctico y cómodo que he conocido.

La idea de pasar de usar todos los días Converse a chanclas, me vino al ver un documental, sí en el canal de National Geographic, en el que comentaron que durante la época de monzones en la India la gente no usa zapatos de cuero o de tela, porque se pudren por las enormes cantidades de agua y retienen la humedad cerca del pie, lo que provoca hongos y mal olor. A mi me pareció una solución lógica para la época de verano en la lluviosa Ciudad de México. Si se te mojan los pies, estos se secan en cuestión de minutos, a diferencia de unos Converse.

La uso para todas las ocasiones, para ir a la oficina, al ir a comer a un restaurante mamón, cuando voy al cine, para nadar o entrar al sauna de un baño público, para lavar el patio de la casa y hasta las he usado en algunos conciertos en los que siento que mis pies no serán aniquilados por un pisotón con una bota militar.

También esta la cuestión de la practicidad y comodidad. Las chanclas de plástico no hay que hormarlas a tus pies en un proceso que puede sacar ampollas. Si necesitas más apoyo en el arco, hay versiones ortopédicas. Como no soy la única fodonga que no se quiere amarrar los zapatos (la misma hueva que ha hecho de los Vans un gran éxito) la industria de la chanclas ha hecho grandes contribuciones en los últimos años.  Para lavarlas y desinfectarlas sólo basta con meterlas en una cubeta de agua con un chorrito de cloro y obviamente no tienes que esperar días a que se acaben de secar por completo. Yo soy fan de una marca brasileña llamada Havaianas y me cuestan entre 100 y 200 pesos. Las hay de todos los colores y con todos los motivos y dibujos que te puedas imaginar. Incluso tienen unas con tacones y otras muy discotequeras con cristales de Swarovski . Yo he de tener unos 10 pares y a menos de que alguno de mis perros me robe una chancla (les encanta mordisquear los botones con los que se detienen la cintas a la suela), son muy aguantadoras y los dibujos no de borran (a diferencia de mis Converse de edición especial de Frida Kahlo, que después de una pinche lavada, hasta con Vel Rosita, acabaron siendo unos carísimos Converse blancos sin chiste).

Tengo chanclas de todos los colores, pero las que más uso son las negras. Mis flip-flops son prácticas, cómodas, hay de todos los colores para combinarlas con todo y me las pongo en menos de un segundo. Amarrarse las agujetas sería un desperdicio de tiempo si no fuera porque es la única forma en la que no se me congelan los dedos en éste frío. Extraño mis chanclas.

Por Madela.

La muerte siempre ha encontrado en la música un lugar donde es venerada, querida y aunque es temible, no es temida. En especial el rock le tiene un apego especial a la muerte. Existen muchos géneros musicales dedicados específicamente al culto a la muerte. La música goth, en la que los músicos y fanáticos se visten de terciopelos oscuros, se maquillan caras pálidas y el maquillaje alrededor de los ojos es tan negro que parecen la fosas oculares de calacas. El death metal, con instrumentacióntan violenta que se vuelve asesina. Luego tenemos a The Grateful Dead, Dead Can Dance, Dead Prez, Dead Kennedys, etc. Bueno, hasta el buen Paul canta : “live and let die.” El rock parece un altar de muertos en cualquier fecha. Si el rock tiene aroma, es el del humo, alcohol, sudor y xempazuchitl; el mismo olor de las calles de mi natal Cholula en éstas fechas.

Aquí les recomiendo tres discos de proyectos de diferentes géneros musicales que celebran la muerte en sus nombres y que debutaron éste año:

Dead Man’s Bones

Éste dúo angelino esta conformado por Zach Shields y Ryan Gosling que conocemos mejor como el actor nominado al Oscar. Dead Man’s Bones es una propuesta de música indie folk con mucha vida, a pesar de su titulo y temática recurrente. Los tracks que escuchamos en el disco fueron grabados en vivo y en un máximo de 3 tomas. También cuentan con el apoyo de un coro infantil. La música es ligera y mayoritariamente acústica. Las canciones son orgánicas, humanas y emotivas. Ésta obra suena honesta y cálida, pero los compositores son fans de las películas de terror, por lo que sus letras son historias que se deberían escuchar al frente de una fogata en una noche de luna llena.

The Deadbeats

Éste es un colectivo de productores británicos que decidieron, ahora, trabajar para si mismos y en realidad éste disco tiene la apariencia de un proyecto de estudio más que de una banda. Digamos que si en el caso de los proyectos musicales, normalmente primero es el huevo y luego la gallina, en ésta ocasión primero fue la gallina y luego el huevo. Su disco debut titulado Made In The Shade, son canciones que flotan entre la electrónica y el pop. La producción es pulcra y bien pensada; los beats son hipnotizantes y relajantes. Las letras son simples, optimistas y repetitivas; no es la lírica los que importa sino el efecto de las voces como sonido puro. Estoy convencida de que a Madonna le hubiera encantado grabar la rola Breath.

The Dead Weather

Indiscutiblemente el disco que más he escuchado este año. Lo he violado, lo he ultrajado, no pasan más de dos días desde que apareció en iLike sin que lo ponga y no me puedo cansar de él. Horehound es un disco puerco, de garage, con un cuerpo que sangra y es una obra muy sincrética de todo lo que puede ser el rock. Su sonido es particularmente norteamericano, clásico y contiene composiciones eternas. Es música sabrosa, sensual, usa tanga y no esta depilada.   ¡mmmmhhhhh, fuchi, fuchi, qué rico!

Merzbau de Kurt Schwitters.