Levitants ha publicado esta semana Las Cosas Importantes, el segundo adelanto de su próximo álbum, que verá la luz en otoño de 2026. El single ha sido producido por Javier Vielba (Arizona Baby, El Meister) y grabado en directo por Raúl Pérez en los estudios La Mina de Granada.

Las Cosas Importantes es una declaración de amor que conecta con la melancolía new wave de los inicios de la banda, sin abandonar el rock alternativo que los define. Sobre una base de guitarras y bajos con pulso dance, una voz íntima construye un clímax sonoro que se expande a medida que avanza el tema, con sintetizadores hipnóticos y destellos de synthpop nocturno inspirado en la escena de club inglesa.

Aquí, el segundo avance de su próximo álbum, después de escuchar Fondo de Pantalla.

levitants - Las Cosas Importantes

levitants - Fondo de Pantalla

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Social Distortion han anunciado la publicación de un nuevo álbum de estudio titulado Born To Kill, el primero en 15 años, que verá el 8 de mayo vía Epitaph Records.

El octavo disco de Social Distortion marca también el regreso de la banda tras la recuperación de Mike Ness de su lucha contra el cáncer, y su primer adelanto ya se puede escuchar con un tema homónimo que ya está disponible en las plataformas digitales.

Born To Kill está coproducido por Mike Ness junto a Dave Sardy, e incluye colaboraciones de Benmont Tench (Tom Petty and the Heartbreakers) y Lucinda Williams.

Social Distortion - Born To Kill

Social Distortion - Partners In Crime

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Movistar Plus+ ha compartido el primer tráiler de El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen que se estrenará en cines el próximo 26 de agosto de la mano de A Contracorriente Films, y posteriormente llegará en exclusiva a Movistar Plus+.

El ser querido cuenta con un guión escrito a medias entre el propio Sorogoyen e Isabel Peña, su habitual colaboradora, y cuenta con un reparto encabezado por Javier Bardem y Vicky Luengo.

Sinopsis: ¿De qué va El ser querido?

Un aclamado director se reencuentra con su distanciada hija, una actriz sin éxito, para rodar juntos una película, enfrentándose a su tensa relación y a asuntos del pasado sin resolver que ninguno de los dos quiere abordar directamente.

El ser querido es una nueva colaboración de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña con Movistar Plus+, después de las de Antidisturbios, Apagón, As Bestas y Los años nuevos, y este es su primer tráiler:

Teaser tráiler de El Ser Querido

Reparto de El ser querido

Además de Bardem, que regresa al cine español tras la exitosa El buen patrón de León de Aranoa, y Luengo, el reparto de la película se completa con nombres como el de Raúl Arévalo, Raúl Prieto, Marina Foïs, Mourad Ouani, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando y Malena.

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La enigmática artista neozelandesa Aldous Harding ha roto su largo silencio discográfico de cuatro años y ha anunciado el que será su quinto álbum de estudio: Train On The Island. Este trabajo marca su regreso oficial tras Warm Chris (2022) y se posiciona como uno de los lanzamientos más esperados de la escena art-folk para este 2026.

Como primer adelanto, Harding ha compartido el single One Stop, que llega acompañado de un videoclip dirigido por su colaboradora visual habitual, Michelle Henning.

Para la creación de este nuevo universo de diez canciones, Aldous ha vuelto a confiar en su equipo de máxima fidelidad. Repite junto a John Parish (el legendario aliado de PJ Harvey) en la producción, con quien ya trabajó en sus tres álbumes anteriores y se marcha a grabar a los míticos Rockfield Studios en Monmouth, Gales, el lugar donde se gestaron hitos como Designer y Party.

Aunque Harding es conocida por su minimalismo excéntrico, Train On The Island contará con una inusual instrumentación que promete sumar profundidad y matices a su habitual firma. Para ello, la neozelandesa ha confiado en Huw Evans (H. Hawkline) al bajo, voces, guitarras y órgano, Sebastian Rochford, baterista de Polar Bear marcando el ritmo Mali Llywelyn al arpa, Joe Harvey-Whyte al pedal-steel y los sintetizadores de Thomas Poli.

El disco llegará el 8 de mayo vía 4AD y así suena su primer adelanto, One Stop:

Aldous Harding - One Stop

Aldous Harding - Venus in the Zinnia

Fecha de publicación de Train On The Island

8 de mayo

Tracklist de Train On The Island

1. I Ate The Most
2. One Stop
3. Train On The Island
4. Worms
5. Venus In The Zinnia
6. If Lady Does It
7. San Francisco
8. What Am I Gonna Do?
9. Riding That Symbol
10. Coats

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Primavera Sound Barcelona ha publicado los horarios de Primavera a la Ciutat 2026, la programación paralela de conciertos incluida para los poseedores de abono del festival. Un total de 90 shows se repartirán entre la Sala Apolo, La (2) de Apolo, Razzmatazz, Paral·lel 62, LAUT, La Nau, Les Enfants Brillants y el CCCB durante la semana del festival, del 1 al 7 de junio de 2026.

Entre los nombres destacados de esta edición figuran el regreso de Mogwai al festival, la presentación de Essex Honey a cargo de Blood Orange, el reencuentro con Santiago Motorizado y la fiesta del sello DH2 con Kelly Lee Owens, Olof Dreijer y George Daniel. La programación se amplía además con la fiesta XL Play, impulsada por el sello XL Recordings, con actuaciones de Dexter in the Newsagent, DJ Python, keiyaA y spirit blue. También están confirmados el guitarrista flamenco Yerai Cortés, el dúo de noise-rock japonés Melt-Banana y los congoleños Konono Nº1. El cartel completo incluye además a Yves Tumor, Soleá Morente, Black Country, New Road, Hannah Diamond, bar italia y Model/Actriz, entre otros. Por otro lado, la actuación de Mark Ernestus' Ndagga Rhythm Force ha quedado cancelada.

Podéis consultar aquí los horarios.

Mecánica de reservas de Primavera a la Ciutat 2026

El acceso a los conciertos en salas funciona mediante un sistema de reserva hasta completar aforo, disponible a través de la app AccessTicket. Las reservas están vinculadas a un depósito de 15 € retornable automáticamente en caso de asistencia; si no se asiste, el importe se destina íntegramente a proyectos sin ánimo de lucro de la Fundació Primavera Sound y otras iniciativas como la Fundació La Loma Horse Home.

Los plazos de reserva son los siguientes:

• 14 de abril (12:00 CEST) — poseedores de abono VIP
• 15 de abril (10:00 CEST) — poseedores de abonos comprados antes del anuncio del cartel
• 15 de abril (12:00 CEST) — clientes Revolut
• 16 de abril (12:00 CEST) — poseedores de abono general
• 17 de abril (12:00 CEST) — venta de entradas para público general en Fever

Los conciertos en el Pati de les Dones del CCCB, integrados en la programación de Primavera Pro, serán de acceso libre y gratuito.

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El Festival de Cannes ha desvelado en las últimas horas los nombres que conformarán la selección oficial de su edición 2026 (que se celebrará del 12 al 23 de mayo), marcada por un claro giro hacia el cine de autor internacional y una menor presencia de grandes producciones estadounidenses.

Entre los nombres más destacados en competición figuran cineastas consagrados como Asghar Farhadi, Pedro Almodóvar, Hirokazu Kore-eda, Ryusuke Hamaguchi o Paweł Pawlikowski, consolidando una edición dominada por voces internacionales y propuestas independientes. Uno de los titulares de esta edición es, en efecto, la escasa representación de Hollywood en la sección oficial. El único director estadounidense en competición será Ira Sachs, que presentará The Man I Love, una fantasía musical ambientada en el Nueva York de los años 80 durante la crisis del sida, protagonizada por Rami Malek.

El director del festival, Thierry Fremaux, subrayó el crecimiento del certamen, que ha recibido 2.541 largometrajes procedentes de 141 países distintos, una cifra récord que evidencia la expansión del cine internacional fuera de los grandes estudios. Además, la edición de 2026 alcanza un nuevo hito en representación femenina, con cinco directoras compitiendo por la Palma de Oro. Fuera de competición, además, destacan títulos de directores como Nicolas Winding Refn, Steven Soderbergh o Ron Howard, mientras que John Travolta presentará su debut como director en la sección Cannes Premiere.

Desde casa también tendremos una representación por todo lo alto, con Pedro Almodóvar compitiendo en la Croisette con Amarga Navidad, Rodrigo Sorogoyen presentando El ser querido o los Javis con La Bola Negra. La película inaugural, por su parte, será The Electric Kiss, del director Pierre Salvadori, ambientada en el París artístico de principios del siglo XX, mientras que el jurado estará presidido por el cineasta surcoreano Park Chan-wook. También se ha confirmado que Barbra Streisand y Peter Jackson recibirán la Palma de Oro honorífica.

A continuación, os presentamos la lista completa de seleccionados de Cannes 2026:

Competición

• Minotaur — Andrey Zvyagintsev
• El ser querido — Rodrigo Sorogoyen
• The Man I Love — Ira Sachs
• Fatherland — Paweł Pawlikowski
• Moulin — László Nemes
• Histoires de la nuit — Léa Mysius
• Fjord — Cristian Mungiu
• Notre Salut — Emmanuel Marre
• Gentle Monster — Marie Kreutzer
• Hope — Na Hong-jin
• Nagi Notes — Kôji Fukada
• Sheep in the Box — Hirokazu Kore-eda
• Garance — Jeanne Herry
• The Unknown — Arthur Harari
• Sudden — Ryusuke Hamaguchi
• The Dreamed Adventure — Valeska Grisebach
• Coward — Lukas Dhont
• La bola negra — Javier Calvo & Javier Ambrossi
• Parallel Tales — Asghar Farhadi
• Amarga Navidad — Pedro Almodóvar
• A Woman’s Life — Charline Bourgeois-Tacquet

Un Certain Regard

• La más dulce — Laïla Marrakchi
• Club Kid — Jordan Firstman
• Teenage Sex and Death at Camp Miasma — Jane Schoenbrun
• Everytime — Sandra Wollner
• Yesterday the Eye Didn’t Sleep — Rakan Mayasi
• Meltdown — Manuela Martelli

Fuera de competición

• Her Private Hell — Nicolas Winding Refn
• Diamond — Andy Garcia
• The Electric Kiss — Pierre Salvadori
• De Gaulle: L’Age de Fer — Antonin Baudry

Sesiones especiales y otras secciones

• John Lennon: The Last Interview — Steven Soderbergh
• Avedon — Ron Howard
• Propeller One-Way — John Travolta
• Kokurojo: The Samurai and the Prisoner — Kiyoshi Kurosawa

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Netflix ha confirmado el estreno de La desconocida para el 5 de junio de 2026. La película es un thriller dirigido por Gabe Ibáñez (Hierro, Autómata) y protagonizado por Candela Peña, Ana Rujas y Pol López, con Manolo Solo y Kira Miró completando el reparto principal.

La desconocida adapta la novela homónima de Rosa Montero y Olivier Truc, publicada en España por Alfaguara, mientras que el guion es de Lara Sendim. Por otro lado, la producción, rodada en Barcelona y Algeciras, corre a cargo de K&S Films (Relatos salvajes, El Eternauta), con Matías Mosteirín y Pola Zito como productores ejecutivos.

En palabras de Rosa Montero, “Estoy muy ilusionada con el estreno en Netflix de la película que han hecho sobre La desconocida, la novela negra que escribí a cuatro manos con el autor francés Olivier Truc. Fue un trabajo fascinante, divertidísimo y algo loco que hizo que la historia de nuestra desconocida alcanzara una intensidad poco habitual. Me muero de ganas de ver cómo ese equipo formidable ha plasmado todo ese suspense en el film.” Por su parte, Olivier Truc añade: “Escribir La desconocida fue una experiencia maravillosa trabajando con Rosa Montero. Estoy seguro que muchos lectores del libro estarán emocionados por verla ahora en la pantalla”.

¿De qué trata La desconocida?

La película sigue la investigación de un caso liderado por la detective Anna Ripoll (Candela Peña), tras el hallazgo de una mujer (Ana Rujas) amordazada y maniatada dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, incapaz de recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. Anna, junto al oficial Quique Zárate (Pol López), se embarca en una carrera contrarreloj para descubrir la identidad de la desconocida y los secretos ocultos en su memoria.

La desconocida es el tercer largometraje de Gabe Ibáñez como director, once años después de Autómata (2014), la película de ciencia ficción protagonizada por Antonio Banderas.

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Parece irremediable que, aunque una canción nazca desde lo más íntimo, hoy día esté sentenciada a disolverse casi de inmediato en el flujo incesante de datos que nos rodea. No es la primera vez que un artista nos ayuda a ganar conciencia sobre esto con su propia obra. Daniel Lopatin, sin ir más lejos, ya trazó un impecable alegato a la memoria y la desaparición con su último proyecto. Ahora, y desde casa, es el valenciano Rubén Segovia, conocido artísticamente como RUVENRUVEN, quien decide pasar revista a este territorio movedizo con Líquido (2026), un EP que sintetiza su forma de capear el temporal y asumir la realidad profesional que le toca.

Bajo la superficie de estas cinco piezas late una reflexión silenciosa sobre el tiempo que habitamos, delimitado por vínculos atravesados por la distancia, afectos que persisten en medio de la aceleración y una sensación de extrañeza ante un sistema que convierte cada obra de arte en un objeto identificable, cuantificable e intercambiable. Pese al hastío que este desplazamiento de lo humano a lo impersonal pueda causarle, sin embargo, Rubén no considera su último proyecto como un gesto programático o combativo con el que posicionarse de espaldas al sistema, sino más bien como una toma de conciencia encarnada en lo personal.

Charlamos con él con motivo del lanzamiento de Líquido, disponible desde hoy en todas partes, y su pronta presentación en Madrid (16 de abril) y Barcelona (30 de abril).

Entrevista a RUVENRUVEN

‘Líquido’ es el primer trabajo formal que nos entregas después de tu LP de debut, ‘Plastic Boy’. ¿Cómo encaja este nuevo trabajo en tu discografía?

'Líquido' nace como una respuesta inevitable a 'Plastic Boy'. Después de publicar aquel LP, entré en un bucle bastante tóxico de autoevaluación y de alguna forma, este nuevo EP surge como una consecuencia de todo ese proceso. Si en 'Plastic Boy' estaba obsesionado con el glitch digital, en 'Líquido' se podría decir que me centro más en capturar una sonoridad más directa y cercana a lo acústico. Es un cambio de enfoque que también implica otra manera de contar, menos filtrada por la ansiedad del resultado y más conectada con la experiencia. Aun así, no se trata de una ruptura total, claro. Hay un hilo común que atraviesa ambos trabajos y que sigue siendo esencial en el proyecto, solo que en 'Líquido' aparece desde un estado más depurado y relajado.

Creo que has hablado en alguna ocasión de Zygmunt Bauman y de su obra 'Modernidad líquida' como referentes para este nuevo EP. ¿En qué momento te diste cuenta de que las reflexiones de este sociólogo rimaban tanto con tu imaginario?

Pues no fue hasta después de publicar 'Plastic Boy', precisamente, cuando su pensamiento volvió a cobrar sentido dentro de mí y de mi forma de componer. En ese momento empezaba a hacer canciones más acústicas, construidas desde la guitarra y la voz, sin una intención narrativa clara entre ellas. Eran piezas más íntimas, centradas en relaciones, amor, amistad o duelo. Y en paralelo, arrastraba toda esa resaca emocional de la que hablaba antes, junto con una sensación bastante intensa de impotencia frente al aceleracionismo y el turbocapitalismo al que se enfrentan mis canciones al ver la luz. Fue en ese contexto cuando me reencontré con Bauman. Recuerdo que estaba en un café, justo antes de tocar en Madrid con Chlöe’s Clue, hablando con mi amigo Rob, que me comentó que estaba releyéndolo, y fue como si todo encajara de golpe.

A partir de ese momento decidí volver a su obra, especialmente a 'Modernidad Líquida', e ir trazando paralelismos entre sus ideas y lo que estaba creando. Poco a poco empecé a entender que esas canciones podían dialogar entre sí bajo ese marco conceptual, y que ahí estaba el germen de lo que terminaría siendo 'Líquido'. También trasladé la idea a lo visual y al imaginario del proyecto, trabajando junto a seis puñales, con quienes desarrollé una propuesta que gira en torno a una bebida fría: un continente hiper comercializado, de consumo desechable y con un marketing edulcorado. Una metáfora bastante directa de cómo percibo, a veces, el uso y el ciclo de vida de las canciones hoy en día.

"No creo que haya una forma correcta o incorrecta de hacer música"

No eres el primer artista que empieza a ganar autoconciencia sobre esta deriva en la que la música actual está entrando. ¿Crees que esto está condicionando también la forma en la que los artistas produces y hacéis música?

Sin duda hay un condicionamiento, es inevitable. Al final, muchas de las canciones que escucho responden a ciertas estructuras, duraciones o decisiones sonoras que vienen marcadas por determinadas corrientes y tendencias actuales. Si eso influye en lo que escucho, de alguna manera también termina filtrándose en lo que hago. Y más siendo mis canciones, al fin y al cabo, canciones pop. Ahora bien, no sé si mi intención es ir frontalmente en contra de eso. Me parece complicado, y tampoco creo que ese sea el discurso que quiero sostener. Más que plantearlas como una resistencia, entiendo estas conclusiones como una convivencia con el contexto. No creo que haya una forma correcta o incorrecta de hacer música. Lo que sí me interesa es ser honesto con cómo me atraviesa todo esto. Este EP no pretende ser un alegato sobre cómo deberían hacerse las cosas, pero sí quiere poner en primer plano una sensación muy personal, una forma concreta de vivir esa relación entre música, creación y consumo.

Sobre decisiones, en tu EP salta a la vista una muy clara: despojar estas de un título personalizado.

Los títulos de las canciones son, literalmente, su código ISRC: ese identificador que se asigna cuando una grabación ya está terminada y lista para entrar en circulación. Es, de alguna forma, el documento de identidad de una canción dentro de la industria. Que las canciones se titulen así es, sin duda, un gesto deliberado. Me interesaba señalar cómo algo que nace de un proceso profundamente personal puede acabar reducido a una cadena alfanumérica, a un código de barras en la estantería de tu supermercado. Hay algo de violento y cotidiano a la vez en eso.

"Siempre he entendido el directo como una reconstrucción más que como una réplica"

Pronto presentarás este proyecto en directo, así que aprovecho para preguntarte sobre las decisiones técnicas que han sido clave a a la hora de diseñar tus futuros conciertos.

Siempre he entendido el directo como una reconstrucción más que como una réplica. No me interesa trasladar el máster al escenario de forma literal, sino rehacer que las canciones cobren una nueva vida en ese espacio. Eso implica tomar decisiones, a veces reducir capas, pero no para simplificarlas, sino para redistribuir el peso hacia la interpretación, hacia lo que está pasando en ese momento. Me interesa que haya elementos que solo existan en vivo, aunque eso suponga traicionar ligeramente la versión de estudio. Ahora tenemos dos conciertos ya anunciados, en Madrid el día 16 de abril y en Barcelona el día 30, y tengo muchas ganas de presentar lo que hemos preparado.

También conservas tu costumbre de invitar a terceros en el compacto, como vemos con mariagrep y Tatuaje. ¿Qué te interesaba específicamente del contraste que aportan ambas colaboraciones?

Más allá del contraste, lo que me interesaba era la conexión con ambos proyectos y con las personas detrás de los proyectos. Son bandas amigas con las que he conectado de forma muy natural a nivel musical, y eso se nota en cómo aparecen dentro del EP. Creo que, aunque sus universos sean distintos, comparten una sensibilidad parecida en la forma de acercarse a las canciones. Hay algo muy honesto que encaja bien con el espíritu de 'Líquido'. Las colaboraciones no están planteadas como un choque de mundos, sino como una extensión del propio discurso del proyecto.

Ya que mencionamos a Tatuaje, a quienes has producido su LP de debut, déjame que te pregunte más por tu faceta productora. Antes de conocerte como RUVENRUVEN, ya tenías una trayectoria sólida como productor. ¿Qué dirías que te aporta trabajar con material ajeno que no encuentras trabajando sobre tu propio material?

Trabajar con material de otras bandas y artistas es salir de uno mismo. Te obliga a escuchar desde otro lugar, a entender qué necesita una canción que no nace de tus propias inercias. Cuando solo trabajas con lo tuyo, hay automatismos que se repiten, sin embargo, produciendo para otros estos automatismos se rompen. Hacer mis propias canciones es un ejercicio diferente, más solitario y vulnerable, realmente es como estar frente a un espejo totalmente desnudo y trabajar con otras personas introduce fricción. Ahí es donde pasan cosas que no podrías haber generado por tu cuenta. Quizás por eso también me gusta invitar a artistas que admiro a participar de mis propios temas. En la colaboración siento que hay expansión y enriquecimiento sobre aquello que quiero contar.

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"Hay algo profundamente liberador en asumir la exposición de uno mismo como artista"

Y en su día, ¿qué te empujó a dar el paso al proyecto en solitario? ¿Te ha costado exponerte como artista después de haber trabajado tanto tiempo desde un lugar más técnico y menos visible?

Supongo que tengo una especie de problema: disfruto haciendo canciones en casi cualquier contexto. Me gusta acompañar procesos ajenos, pero también necesitaba un espacio para mí. El proyecto en solitario no responde tanto a una estrategia sino a una necesidad. Y sí, hay una exposición que incomoda. Pero al mismo tiempo hay algo profundamente liberador en asumir la exposición de uno mismo como artista. Una forma distinta de satisfacción, más frágil, eso seguro.

Por cierto, eres de Valencia, como tantos otros proyectos que hemos visto explotar en los últimos años, ¿qué está pasando en la Terreta y qué peso dirías que tienen tus influencias valencianas en la forma en la que escribes y produces?

Creo que lo que está sucediendo en Valencia a nivel musical es definitivamente muy bonito y especial. En primer lugar, hay mucha gente haciendo cosas interesantes desde hace tiempo, desde una lógica bastante horizontal y con una red de apoyo fuerte. Ahora todo esto simplemente está teniendo más visibilidad, pero Valencia lleva mucho tiempo acogiendo escenas increíbles. Es lo suficientemente grande para que tengamos de todo y lo suficientemente pequeña para que los artistas puedan compartir espacios en los que, inevitablemente, se acaban generando dinámicas e identidades colectivas. Ahora simplemente hay más foco, pero el tejido ya estaba ahí. Compartir procesos acaba generando una sensibilidad común, aunque no sea algo explícito o programado. En mi caso, el entorno tiene un peso enorme, tanto en lo estético como en la forma en la que entiendo el hecho de hacer música. Haber visto a bandas como La Plata, Gazella, Ultralágrima, y haber trabajado y compartido ratos con Xenia, Chlöe’s Clue, Margarita Quebrada o Carlota me ha marcado profundamente. Igual que me marca ahora compartir sesiones con Tatuaje, con Maria Grep o con Mariana També en Barcelona.

RUVENRUVEN estará presentando su nuevo EP, Líquido, en Madrid (Café La Palma) el día 16 de abril y en Barcelona ( Heliogàbal) el 30 de abril. Escúchalo aquí mismo:

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Tras más de una década formando parte del aclamado dúo de pop experimental Let's Eat Grandma, Rosa Walton ha decidido iniciar un nuevo capítulo profesional con el anuncio de su primer álbum como solista titulado Tell Me It’s A Dream, que llegará el 5 de junio vía Transgressive Records. Este trabajo se presenta como su declaración artística más personal y expansiva hasta la fecha, un proyecto que comenzó a gestarse durante el confinamiento en sesiones junto a Sam E Yamaha y que finalmente tomó forma en los estudios StudiOwz.

Para la producción, Walton ha asumido galones compartiendo tareas con el prestigioso David Wrench, conocido por su impecable trabajo con figuras de la talla de Frank Ocean, Jamie xx o FKA twigs. Y como primer adelanto de esta nueva etapa, la artista ha compartido el sencillo Sorry Anyway, una canción que pone el foco en la autoaceptación y en el orgullo de abrazar la propia individualidad.

Según explica la propia Walton, el tema trata sobre no permitir que nadie te frene, ya sea en una relación o al perseguir tus ambiciones, reivindicando una actitud de libertad frente a las etiquetas impuestas por los demás. Musicalmente, la pieza destaca por una cierta "suciedad" juguetona y desenfadada que marca el inicio de un nuevo estilo vocal para ella, rodeada de músicos como el guitarrista John Victor o la batería Elena Costa.

Es importante destacar que este movimiento no supone una ruptura con su pasado, ya que su compañera Jenny Hollingworth también colabora en el tema inédito Prettier Things -además, recordamos que su compañera también debutó recientemente en solitario. Para Walton, este disco no nació de la necesidad de estar sola, sino como un proceso para mantenerse conectada a la realidad a través de la escritura, desembocando en una obra que celebra la ambición y la belleza aumentada del mundo.

Rosa Walton - Sorry Anyway

Rosa Walton - Halfway Round The World

Fecha de publicación de Tell Me It’s A Dream

5 de junio

Tracklist de Tell Me It’s A Dream

1. Heart To Heartbreak
2. Sorry Anyway
3. Taking The Roof Down
4. Wave Machine
5. When Will It All Reveal
6. Halfway Round The World
7. Prettier Things
8. July
9. Romance Is Dead On

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IMPALA ha roto su silencio tras conocerse la operación anunciada por Warner Music Group (WMG) de adquirir Revelator, una de las piezas del ecosistema de distribución digital vinculadas al sector independiente. La asociación europea de sellos independientes, todavía con el fantasma reciente de lo sucedido entre Universal y Downtown, sitúa la operación en un doble marco: por un lado, la interpreta como una prueba de la capacidad de innovación del sector independiente; pero por otro, advierte de que este tipo de movimientos sigue vaciando de estructura propia a un tejido que nació precisamente para ofrecer alternativas a los grandes grupos.

Desde su perspectiva, la compra confirma que las empresas independientes siguen generando activos lo bastante sólidos como para atraer el interés de las majors, lo que demuestra la fortaleza innovadora del sector, pero también insiste en una idea que viene repitiendo desde hace tiempo: toda empresa independiente necesita contar con buenas opciones de salida cuando llega el momento de vender o reestructurar su negocio. En ese sentido, recuerda que los grandes jugadores siguen siendo necesarios en todos los mercados y confía en que este tipo de operaciones acaben impulsando una mayor competencia entre las grandes discográficas.

Sin embargo, la organización pone el foco en la otra cara del movimiento: cuando un sello o una compañía elige voluntariamente un socio independiente, la absorción posterior por parte de un gran grupo termina trasladando valor y capacidad operativa fuera del ecosistema independiente. IMPALA considera que este trasvase vuelve a restar una pieza más a la infraestructura del sector y que eso tiene consecuencias negativas no solo para las empresas, sino también para los artistas, para los fans y para la diversidad cultural europea en su conjunto.

IMPALA sostiene que, con las condiciones adecuadas, este tipo de operaciones no tiene por qué verse solo como una pérdida, dejando claro el potencial de que estas puedan convertirse en una oportunidad para el sector independiente y para Europa en general. Pero para que eso ocurra, se reclaman mecanismos de financiación que permitan operar y crecer, una protección real de todas las fuentes de ingresos, mercados que funcionen correctamente y que favorezcan la diversidad y la creatividad humana, además de una mayor colaboración entre actores del sector y un respaldo claro de los responsables públicos a la importancia estratégica de la diversidad.

A continuación, os dejamos con el comunicado oficial de IMPALA que puedes consultar también en la web de la asociación:

“La compra de Revelator por Warner da fe de la innovación que existe en el sector independiente. Como venimos diciendo de forma constante, todas las empresas independientes necesitan buenas opciones de salida. Los grandes actores son importantes en todos los mercados, y esperamos que esto vea una mayor competencia entre los majors. Al mismo tiempo, la tendencia continúa: sellos y artistas que tomaron la decisión consciente de trabajar con un socio independiente se encuentran ahora con un major, y el ecosistema independiente pierde otro trozo de su infraestructura. Eso son malas noticias para los artistas, los fans y la diversidad de Europa en su conjunto.

La distribución en manos independientes desempeña un papel clave en el ecosistema general, que necesita reforzarse, tal y como expuso Dan Fowler en su reciente informe, ‘Powering an Independent and Culturally Diverse European Music Ecosystem’. Ese informe expone el caso empresarial para hacer crecer el sector independiente y contiene recomendaciones clave en las que estamos trabajando, entre ellas opciones de financiación y una reforma del streaming, y pedimos a la UE y a los reguladores nacionales que adopten un enfoque estratégico hacia la cultura. Un mercado fuerte, con excelentes opciones de propiedad independiente para todos los increíbles artistas y sellos del sector, es esencial, y hace falta una revisión seria de cómo logramos eso.

Con las condiciones adecuadas, esto representa una oportunidad para el sector independiente y también para Europa. Eso implica mecanismos de financiación para operar y crecer, reforzar todas las fuentes de ingresos, mercados que funcionen correctamente y promuevan la diversidad y la creatividad humana, colaboración dentro de la industria y apoyo por parte de los responsables de la toma de decisiones en todos los ámbitos en torno a la importancia estratégica de la diversidad.”

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Deleste Festival alcanza en 2026 su decimocuarta edición, convirtiéndose sin duda en la cita levantina más esperada de la primavera. Los días 22 y 23 de mayo, en los Jardines de Viveros de València, el festival volverá a desplegar esa identidad propia que lo ha distinguido desde sus inicios, marcada por una curaduría de artistas que no busca el impacto inmediato, sino subrayar el eco que queda después de cada concierto.

Acostumbrados a los festivales multitudinarios, donde no cabe un alfiler entre el público y los asistentes tienen que hacer encajes de bolillos para poder disfrutar de un porcentaje mínimo del cartel, Deleste Festival 2026 apuesta por la economía del directo. Menos acumulación y más sentido: la clase de propuesta que, sin prisas ni congojas, todo espectador y partícipe agradece.

Bajo esta premisa, Deleste despliega nuevamente una programación que cruza generaciones, lenguajes y temperamentos, con nombres primordialmente de relieve internacional y una selección que invita tanto al entusiasmo como a la curiosidad. Desde leyendas que han sabido mutar sin perder su pulso hasta voces que ensayan nuevos lenguajes, el festival propone un itinerario en el que conviven intensidad, experimentación y cierta elegancia difícil de impostar.

Además, y aunque el grueso del cartel se concentre en sus dos jornadas principales, Deleste volverá a extender su radio de acción más allá del recinto con una programación paralela que se desplegará a lo largo del mes en distintos puntos de la ciudad. Sin desvelar aún los detalles, el festival nos invita a que permanezcamos atentos al anuncio de estas actividades, concebidas como una prolongación natural del espíritu del festival.

Y todo ello, efectivamente, en un entorno amplio y arbolado, donde raíz y naturaleza urbana se entrelazan para transformar la instantaneidad musical en una experiencia inolvidable. Los Jardines de Viveros de València, abiertos solo a contadas propuestas culturales que saben integrarse en su equilibrio, nos ofrecen con su dimensión patrimonial un enclave único en el que contemporaneidad, historia, catarsis y conservación dialogarán durante la celebración del festival.

Tan solo con esto, desde luego, bastaría para pensar que Deleste Festival 2026 alberga argumentos de sobra para convertirse en el plato fuerte del inicio de la temporada festivalera, pero nosotros te damos, además, nueve razones extra para no perderte ni loco este festival valenciano:

Deleste Festival 2026: 9 razones para no perderte el festival valenciano

1. El legado en combustión permanente de Primal Scream

Mientras algunas banda se limitan a sobrevivir meramente al paso del tiempo, otras se dedican a reformularlo a su antojo. Solo así se explica la inmortalidad de Primal Scream y cómo la banda consigue que su propuesta siga orbitando en torno a una idea tan simple como inagotable, la de convertir su música en un espacio de comunión física y ritual, donde rock, electrónica y soul confraternizan sin jerarquías. Desde aquel punto de inflexión que supuso ‘Screamadelica’ (1991) en la carrera de Bobby Gillespie y los suyos, el grupo ha sabido mutar sin perder su pulsión, que a estas alturas queda claro que no entiende de nostalgias y solo se conjuga en presente continuo.

2. La arquitectura emocional y atenta de Apparat

A estas alturas, y tras un extenso hiato de siete años, Sascha Ring ha logrado que su música evolucione desde la pista de baile hacia territorios donde la textura, el silencio y la emoción pesan tanto como el ritmo. Apparat respira, se expande y se repliega sobre sí mismo, generando una tensión delicada entre lo íntimo y lo festivo y traduciendo su directo en experiencias casi inmersivas donde cada capa sonora parece pensada para afectar al cuerpo de forma sutil pero persistente.

3. La hipnosis elegante de Kerala Dust

Los londinenses Kerala Dust habitan con distinción introspectiva ese territorio fronterizo donde la electrónica se vuelve orgánica y el rock adopta cadencias de club. Su propuesta se sostiene sobre ritmos repetitivos y envolventes, pero lo que realmente les distingue es su capacidad para generar trance en sus oyentes sin renunciar por ello a la melodía más accesible. Hay en su música una cualidad narrativa, cinematográfica incluso, que avanza con lentitud calculada, como si cada tema fuese el tramo físico y atmosférico de un viaje que se despliega a su propio tempo.

4. El pulso primario y salvaje de Holy Fuck

Lo de Holy Fuck es, ante todo, una reivindicación del directo como acto irrepetible. Su electrónica no se programa, se ejecuta, se suda y se empuja hasta el límite, gracias a esa corrosiva mezcla de instrumentos analógicos y energía con tintes punk. Una urgencia poco habitual en el género que convierte cada tema en algo vivo, imperfecto y ferozmente humano. Lejos de la precisión quirúrgica del laptop, su sonido respira desaliño y, precisamente por eso, conecta de forma tan directa con el cuerpo.

5. La incomodidad inteligente e irónica de Billy Nomates

Billy Nomates tiene ya callo en lo que se refiere a convertir la urgencia en discurso y la austeridad en estilo. Construida desde estructuras mínimas y con actitud frontal, su propuesta destaca por una voz que no busca agradar sino reclamar, valiéndose de un sanguinario picadillo de desencanto, mordacidad y lucidez poco complaciente. Sus canciones son un mazazo en la cara y la mirada con la que las diseña, una radiografía crítica que atraviesa lo cotidiano, despojándolo de cualquier épica impostada para revelar la obscenidad social que se esconde tras el telón.

6. La sofisticación helada de Röyksopp

Röyksopp han hecho de la sutileza una forma propia de permanencia. Siempre en tránsito entre el ambient, el house y el synth-pop, Svein Berge y Torbjørn Brundtland han conseguido sobresalir por una capacidad poco común para conjugar sofisticación y accesibilidad sin caer en lo obvio. Hay en su sonido una constante exploración de los contrastes, luz y sombra, melancolía y euforia, que acaba cristalizando en una identidad reconocible y profundamente envolvente, incluso en formato DJ set. Su propuesta conserva también así ese pulso narrativo que convertirá su prometida sesión en un viaje que trascenderá la mera sucesión de temas y se convertirá en ese punto de equilibrio y comunión en el cada beat se convierte en una invitación a sentir.

7. El músculo local de Los Invaders

Los Invaders representan esa conexión directa con el territorio que todo festival necesita para no perder su anclaje. En este caso, Miguel Ángel Orihuela y los suyos nos traen con la sapiencia de unos veteranos esa dulce mezcla de canciones inmediatas y explosivas, pensadas para el directo y para tenernos gritando como locos entre líneas que van del indie-rock a la electrónica. Sin caer necesariamente en fórmulas previsibles, el cuarteto ché ha sabido construir un repertorio que funciona como catalizador de la energía colectiva, y su directo en Deleste se postula claramente como un sínodo orientado al encuentro y al momento compartido.

8. El dramatismo eléctrico de Anna Calvi

La guitarra y la voz de Anna Calvi, afiladas e incisivas ambas, son capaces de lograr que sus conciertos pasen de la contención al desgarro en cuestión de segundos, urdiendo una propuesta sobre las tablas en la que cada canción se vive al límite. Su teatralidad, nunca excesiva, bebe tanto del rock como de una sensibilidad cinematográfica total que atrapa y desarma a partes iguales, haciendo de su intervención esa dosis de visceralidad cruda y elegancia inquieta que cualquier amante de la música celebra.

9. La herencia fuera de tiempo de The Molotovs

Cuando uno se topa con la singular y anacrónica propuesta de los hermanos Mathew e Issey Cartlidge definitivamente cree que todavía hay esperanza en el futuro. Y es que aunque The Molotovs miren descaradamente al pasado, ese sonido atravesado por el punk, la new wave y cierta actitud mod se articula en torno a canciones directas, afiladas y sin rodeos que no dejan de ser tan efectivas como vigentes en nuestros días. Pero más allá de las referencias evidentes, lo que define su estilo propio es una energía imposible de dosificar y que logra que sus acelerados directos se conviertan en pequeñas cápsulas de tensión juvenil donde ironía y desencanto conviven con un impulso casi eufórico.

¡Bola extra! El latido continuo de la pista en Deleste Festival 2026

Más allá de sus escenarios principales y sus cabezas de cartel, Deleste Festival 2026 también nos ofrecerá una interesante programación electrónica que atraviesa sus dos jornadas, convirtiéndose en el aperitivo perfecto para lograr que la energía no descienda antes, entre y después de cada concierto.

En ese terreno se sitúan nombres como Mateo Cabero, cuya trayectoria como DJ y productor dialoga con la tradición de la electrónica más refinada, o ME dj, el seudónimo electrónico de Mamen García y con el que ya ha demostrado a lo largo de muchos festivales saber construir como nadie sesiones emocionales y envolventes. A ellos se suman Miss_Tra, una de las voces más sólidas del techno valenciano, con un enfoque que combina contundencia y vanguardia, y Toxicosmos, proyecto extra-musical histórico que abraza el indie y el rock desde la pista de baile, rompiendo cualquier prejuicio estilístico.

Deleste Festival 2026 - Más información

Por nuestra parte, solo nos queda recordaros que Deleste Festival 2026 se celebrará los días 22 y 23 de mayo en los Jardines de Viveros de València, y que sus abonos se encuentran ya a la venta dentro de estas tres franjas de precios:

• Abono completo: 79€
• Entrada de día (Viernes): 49€
• Entrada de día (Sábado): 54€

Os invitamos a que entréis en la página web del festival, www.delestefestival.com, y consultéis el resto de detalles sobre el cartel y la experiencia.

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Pond han anunciado la publicación de Terrestrials, su próximo álbum de estudio, que verá la luz el 19 de junio a través de Mangovision y Secretly Distribution.

Durante la grabación de Terrestrials, la banda se impuso varias normas de partida: no usar pedales fuzz, no incluir baladas y evitar, en sus propias coordenadas, cualquier deriva asociada a cierto imaginario más cercano a Pink Floyd. En su lugar, el grupo buscó una identidad distinta, con referencias a bandas post-punk de tono gótico como Sisters Of Mercy y Magazine.

Tras escuchas Terrestials hace casi un mes, el primer adelanto del LP, la banda australiana nos deja ahora con Two Hands, un tema que surge a raíz de la destrucción de los refugios rocosos sagrados de Juukan Gorge, en la cordillera de Hammersley Range, en Australia Occidental, por parte de la empresa minera Rio Tinto.

Nicholas Allbrook recuerda que aquellos refugios tenían una enorme importancia arqueológica, cultural y espiritual, y que contenían una secuencia cultural de 46.000 años conservada por las comunidades indígenas locales. A partir de ahí, plantea cómo habría reaccionado el país si la destrucción hubiese afectado a lugares como el Vaticano, Notre Dame o St. Paul’s por culpa de una expansión corporativa. La canción funciona así también como una llamada a reconocer la legitimidad de esa rabia ante una injusticia de ese calibre.

Aquí, la oportunidad de escuchar los adelantos extraídos de Terrestrials:

Pond - Two Hands

Pond - Terrrestrials

El tema, compuesto por Jay Watson (aka GUM), se presenta como una meditación psicodélica sobre la dualidad de nuestra especie, y fue grabada en los estudios Nowave de Mullumbimby bajo la dirección de Julian Abbott. El líder de la formación, Nicholas Allbrook, explica que la canción nació de conversaciones con su prima Iz y de la fascinación por lo "sobrenatural" que resulta el comportamiento humano. Para Allbrook, los humanos somos los seres más extraños de la Tierra, empeñados en destruir nuestro hogar mientras poseemos una capacidad infinita para conectar y nutrir. "Es casi más sobrenatural que los propios extraterrestres", afirma el músico, señalando que solo los niños y los enamorados parecen capaces de vivir fuera del peso del pasado y el futuro.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip producido por Jesse Taylor Smith, que refuerza la atmósfera reflexiva y vibrante de la pista.

Fecha de publicación de Terrestrials

19 de junio

Tracklist de Terrestrials

1. Skyworks
2. Casuarina
3. Through The Heather
4. Two Hands
5. Roebuck Plains
6. The Fatal Shore
7. Tourmaline
8. Terrestrials
9. Personal Hell
10. Nashville (I’m Dying)

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Fink ha compartido Wishing for Blue Sky, el segundo adelanto de su próximo álbum, The City Is Coming to Erase It All, que se publicará el 5 de junio de 2026 a través de R'COUP'D.

Wishing for Blue Sky llega después del primer single de presentación Memorise Your Senses, lanzado el mes pasado, y según Fin Greenall, es la primera canción del álbum y la que terminó de definir el espíritu del disco: "Una polaroid del momento en la vida en que despiertas, cuando quieres más, cuando te das cuenta de que alejarte es el primer paso hacia un futuro desconocido."

Fink es el proyecto del músico británico Fin Greenall, activo desde finales de los años noventa y consolidado en la escena del indie folk y el soul atmosférico con álbumes como Sort of Revolution (2009) o Hard Believer (2014). The City Is Coming to Erase It All será su noveno disco de estudio.

Fink - Wishing for Blue Sky

Fecha de publicación de The City Is Coming to Erase It All

5 de junio

Tracklist de The City Is Coming to Erase It All

1. Wishing For Blue Sky
2. Does The Shade Choose Who To Comfort
3. Two Magpies
4. Memorise Your Senses
5. Dark Edges
6. Keeping You Awake
7. I Buried All The Answers
8. Spirit Of Place

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Courtney Barnett ha anunciado una gira de doce fechas por Europa y el Reino Unido para octubre de 2026. La gira, que arranca en Berlín el 5 de octubre y cierra en Londres el 20 de octubre, llega tras la publicación de Creature of Habit, su cuarto álbum de estudio, ya disponible a través de Fiction Records.

Creature of Habit es el primer disco de la compositora e interprete australiana desde Things Take Time, Take Time (2021) y llega en un momento de transición personal: la relocalización a Estados Unidos y el cierre de su propio sello, Milk! Records. Sobre el disco, la propia Barnett ha declarado: "Este álbum trata sobre el cambio. Está en las letras, en las ideas. Trata de abrazar el cambio, pero también de llorar lo que ha cambiado, el caos y la confusión de todos esos sentimientos."

A la espera de que Courtney Barnett confirme algún concierto en España, las entradas para la gira europea y del Reino Unido saldrán a la venta este viernes 10 de abril a las 10:00 h (hora peninsular del Reino Unido).

Conciertos de Courtney Barnett en Europa y Reino Unido en 2026

• 5 de octubre de 2026 - Berlín, Alemania - Huxleys Neue Welt
• 6 de octubre de 2026 - Colonia, Alemania - Bürgerhaus Stollwerck
• 7 de octubre de 2026 - Utrecht, Países Bajos - TivoliVredenburg (Ronda)
• 8 de octubre de 2026 - Bruselas, Bélgica - AB Flex
• 10 de octubre de 2026 - Luxemburgo, Luxemburgo - Rockhal Club
• 11 de octubre de 2026 - París, Francia - Casino de Paris
• 13 de octubre de 2026 - Glasgow, Reino Unido - Barrowland Ballroom
• 14 de octubre de 2026 - Gateshead, Reino Unido - The Glasshouse
• 16 de octubre de 2026 - Nottingham, Reino Unido - Rock City
• 17 de octubre de 2026 - Mánchester, Reino Unido - Aviva Studios
• 19 de octubre de 2026 - Bristol, Reino Unido - Bristol Beacon
• 20 de octubre de 2026 - Londres, Reino Unido - O2 Forum Kentish Town

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Está claro que a estas alturas el único encanto que le queda a festivales tan casposos como Coachella es poder disfrutar de estas briznas de hype a la vieja escuela, con proyectos imposibles despertando el interés de los más viejos del lugar. Después de ver hace unos meses su nombre presidiendo una de las jornadas del cartel del festival de marras, podemos confirmar que la oscuridad industrial de Nine Inch Nails y el techno agresivo de Boys Noize se fusionarán oficialmente en un nuevo proyecto colaborativo titulado Nine Inch Noize que verá la luz más allá de su actuación en directo. El álbum se titulará Halo 38, por ser nada menos que el trigésimo-octavo dentro de la mítica discografía de Trent Reznor, y saldrá a la venta el próximo 17 de abril.

La noticia, confirmada tras aparecer una valla publicitaria críptica con la inscripción Halo 38, marca la culminación de una relación creativa que ya dio sus frutos en la banda sonora de Challengers y en la esperada TRON: Ares, donde Alex Ridha (Boys Noize) está acreditado en la producción de varias canciones. Este no ha ocultado el entusiasmo: "Nine Inch Nails siempre ha sido una referencia para mí... es increíble trabajar con leyendas que además son tan geniales".

El estreno mundial de este proyecto no podría tener un escenario más imponente, como decimos, pues Nine Inch Noize debutarán oficialmente en vivo durante los dos fines de semana de Coachella, con actuaciones programadas para los sábados 11 y 18 de abril. Sobre lo que podemos esperar del directo de estas dos figuras musicales es, a priori, una mezcla vanguardista de dark industrial y electro-techno a gran escala, con temas en vivo como Peel It Back, que ya han tanteado en apariciones conjuntas recientes.

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El icónico grupo de Illinois y pioneros del emo y el sonido Midwest, American Football, ha anunciado en las últimas horas que su cuarto álbum de estudio es una realidad y llegará el próximo 1 de mayo bajo el sello Polyvinyl. Tras un 2024 dedicado a celebrar el 25º aniversario de su legendario debut (con colaboraciones de Ethel Cain e Iron & Wine), la banda rompe un silencio de seis años desde su último material inédito y nos presenta su próximo trabajo.

Fieles a su tradición, el álbum se titulará simplemente LP4, manteniendo esa mística numérica que ha acompañado sus entregas desde 1999. Y aunque todavía no han liberado ningún sencillo, el anuncio llega arropado por una ambiciosa gira mundial para este 2026 que recorrerá Norteamérica, el Reino Unido y Europa (Spoiler: no, no actuarán en España).

Por último, deciros que la banda ha desvelado que en LP4 ha contado con la colaboración de Brendan Yates de Turnstile, Caithlin De Marrais de Rainer Maria, y Wisp.

American Football - Bad Moons

Mike Kinsella explica que Bad Moons es “un Frankenstein de dos demos diferentes” que llevaban tiempo rondando por la banda: uno más juguetón, con niños jugando y pianos de juguete, y otro más oscuro, con guitarras chirriando y una batería mucho más contundente. Kinsella cuenta también que ya cantaba el mantra “(…) in the dark” sobre esa segunda parte, y que el reto fue unir temáticamente la inocencia del arranque con la desesperación del final.

Para resolverlo, decidió arrancar la canción como si fuera un niño. O, mejor dicho, dos. “Apilados dentro de una sola gabardina, viviendo en secreto y a regañadientes la vida de un hombre adulto, acumulando sus errores y su culpa”, explica. Y remata que, al final, todo eso acaba desbordándose en una confesión catártica con la que espera que cualquiera que haya vivido algo parecido pueda conectar.

El tema está producido por Sonny DiPerri y llega acompañado de un videoclip dirigido por Alex Acy y Rémi Belleville. Acy lo resume así: “Creo que parte de crecer es darte cuenta de que solo puedes ser más empático con los demás cuando eres empático contigo mismo”. También apunta que a muchos chicos les cuesta más interiorizarlo, y que eso termina derivando en decisiones “tontas y de las que te arrepientes”. Por eso, él y Belleville quisieron anclar el vídeo en el Canadá rural, un entorno que asocian con un aire muy similar al del Midwest.

American Football - Bad Moons

American Football - No Feeling (feat. Brendan Yates)

Fecha de publicación de LP4

1 de mayo

Tracklist de LP4

1. Man Overboard
2. No Feeling
3. Blood On My Blood
4. Bad Moons
5. The One with the Piano
6. Patron Saint of Pale
7. Wake Her Up
8. Desdemona
9. Lullabye
10. No Soul to Save

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