L’édit est léger, mais je trouve que le rendu final a une ambiance qui correspond plus à ce que je recherchais.

Exif :
Camera : Fuji X-E3
Exposure : 1/170 sec
Aperture : f/4.0
Focal Length : 23 mm
ISO Speed : 200

Un article du Washington Post de Geoffrey Fowler :

 « Creating an OLED screen that can fold and refold hundreds of thousands of times involved technical challenges that boggle the mind. But the question remains: Why is Samsung selling a device that it knows is still so delicate, instead of waiting until it’s worked out how to make it strong? (This isn’t just a Samsung problem; Apple recently introduced a white titanium credit card you can’t keep near leather or denim.) »

Bon évidemment, après cette histoire de carte bancaire, plutôt premium, d’Apple que l’on ne peut stocker dans un jean ou près de cuir (ce qui est tout de même l’endroit le plus logique pour stocker une carte bancaire), un deuxième acteur de la high tech sort un produit qu’il sait être particulièrement fragile. Evidemment, Apple se veut particulièrement préventif, et la plupart des gens ont pris ça pour une faiblesse structurelle de la carte. Il ne faut pas oublier malgré tout que l’usage mis en avant par Apple reste de faire du sans contact avec Apple Pay. La carte n’étant la que pour les paiements qui ne peuvent être fait par ce biais.

Revenons à Samsung, il est vrai que le produit est fragile. Mais est-ce étonnant ? Après tout, le terminal est conçu autour d’un écran oled flexible uniquement protégé par une couche de plastique forcément molle. Le  coté flexible n’est clairement pas maitrisé non plus, la belle mécanique testée en laboratoire fonctionnera surement longtemps, mais laisser une ouverture ou n’importe quelle poussière peut rentrer rend l’usage de ce smartphone complexe.

Bref, j’ai hâte de voir les premiers drops tests !

Film d’inspiration Shakespearienne, The Young Lady est un premier film particulièrement curieux au niveau de son ambiance. J’ai eu la chance de le découvrir en avant-première il y a peu.
Mais avant de vous en dire plus, on commence, comme d’habitude par le synopsis :

1865, Angleterre rurale. Katherine mène une vie malheureuse d’un mariage sans amour avec un Lord qui a deux fois son âge. Un jour, elle tombe amoureuse d’un jeune palefrenier qui travaille sur les terres de son époux et découvre la passion. Habitée par ce puissant sentiment, Katherine est prête aux plus hautes trahisons pour vivre son amour impossible.

Le titre original « Lady Macbeth » ne laissait que peu de surprise concernant l’histoire de ce film. Malgré tout, le traitement est si sombre qu’il arrive tout de même à surprendre. Il s’agit du premier film du réalisateur William Oldroyd, mais on a parfois l’impression d’être devant un film d’Hitchcock. Ce film est l’adaptation du roman de Nikolai Leskov (paru en 1865). Oldroyd a transposé son histoire dans l’Angleterre du 19ème siècle et concentrer son regard de réalisateur sur les machinations d’une jeune femme (d’où le titre « Français » The Young Lady j’imagine). L’actrice (elle aussi une nouvelle) Florence Pugh, joue le personnage de manière crédible. Son rôle, que l’on peut soutenir au départ devient de plus en plus violent au fur et à mesure du film. Une violence que l’on comprend, mais qu’on ne peut pardonner malgré tout.

Quand l’histoire commence, la jeune Katherine (Pugh) vient de se marier avec l’héritier (Paul Hilton) d’une fortune industrielle qui est bien plus vieux qu’elle. Il ne faut pas longtemps pour comprendre que sa nouvelle position n’est pas des plus confortable. Serrer dans des corsets comme dans sa vie dans une maison située dans une campagne reculée, elle ne peut trouver le réconfort dans les bras de son mari qui ne semble n’avoir que peu d’intérêt pour elle. Les seuls moments où il s’intéresse à elle sont pour lui crier des ordres. L’essentiel de l’histoire se déroule à l’intérieur de cette maison, avec assez peu de lumières et des plans entièrement dédiés aux expressions de Katherine.

Evidemment, toute cette frustration finie par exploser. Quand l’homme quitte la ville pour le travail, Katherine sort graduellement de sa coquille, en commençant par avoir une romance débridée avec le palefrenier Sebastian (Cosmo Jarvis). La servante Anna (Naomi Ackie) regarde tout cela avec effarement, ne craignant ce qui se passera lors du retour du beau père ou du mari. C’est à partir de là que cela devient violent, Katherine n’hésitant pas à se débarrasser de ce qui vient se mettre en travers de sa romance. Je ne vais pas vous en dévoiler plus.

En ce qui concerne la manière dont tout cela est raconté, si les costumes et le lieu fonctionnent bien, les personnages manquent de contexte. De plus, la manière plus que méticuleuse que Katherine a de se rebeller contre l’ordre établi est peut-être un peu trop moderne. Et Sebastian est trop terne pour réellement donner un contrepoids au personnage principal. Malgré tout, le film reste bien centré sur l’ascension de la protagoniste, le sentiment de confinement qu’elle ressent, bien marqué par le fait que l’action ne se déroule que dans la maison. Comme un bon personnage shakespearien, Katherine n’est définie que par son désir de pouvoir, sur sa vie, et sur celle des autres.

Avec aucune musique, et aucune légèreté, ce « Lady Macbeth » maintient une atmosphère de crainte permanente. Oldroyd arrive à établir une ambiance d’incertitude sur jusqu’où Katherine ira pour affirmer sa domination sur son petit monde. Forcer par la société à une certaine manière de vivre, qui rendrait n’importe qui fou, elle agit dans les limites de sa propre vérité, mais la violence de ses actes nous fait la laisser en route, alors qu’au départ on pouvait avoir envie de la soutenir.

Le film m’a laissé un sentiment de dégout… Pas par sa réalisation ou par ce qui y est conté, mais plus par l’incapacité que j’ai à me projeter dans ce personnage. Je vous laisse juge !

The Young Lady (Lady MacBeth), de William Oldroyd, c’est en salle le 12 avril 2017.

Dernier né “Live” des Grands Classiques Disney, La Belle et la Bête n’est pas vraiment une nouvelle adaptation du conte de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, mais plutôt une relecture du dessin animé Disney d’origine…
Mais avant de vous en dire plus, on commence, comme d’habitude par le synopsis :

Fin du XVIIIè siècle, dans un petit village français. Belle, jeune fille rêveuse et passionnée de littérature, vit avec son père, un vieil inventeur farfelu. S’étant perdu une nuit dans la fôret, ce dernier se réfugie au château de la Bête, qui le jette au cachot. Ne pouvant supporter de voir son père emprisonné, Belle accepte alors de prendre sa place, ignorant que sous le masque du monstre se cache un Prince Charmant tremblant d’amour pour elle, mais victime d’une terrible malédiction.

Il était une fois, dans un royaume lointain appelé la Californie (Burbank pour être plus précis), un grand studio de cinéma décida de revenir à ses « propriétés » les plus lucratives et d’en ré imaginer une dans une nouvelle version (Alice in Wonderland). Et même si les critiques trouvèrent le résultat affligeant, le public s’y rua en nombre et transforma l’expérience en succès. Et du jour au lendemain, le studio lança un grand nombre de projets pour faire la même chose sur les autres « Grands Classiques » de leur répertoire. Et à chaque fois, la recette fonctionna en termes d’audience, et parfois même, les critiques s’alignèrent (pour le très bon « Livre de la Jungle » notamment).

« La Belle et la Bête » de Bill Condon, avec Emma Watson en Belle, est donc la dernière des adaptations « Live » de Disney. Pour le moment, nous avons eu droit à Alice In Wonderland (et sa suite), Cendrillon, et le Livre de la Jungle. Pour autant, cette fois-ci, le défi est supérieur, car pour ces derniers, les dessins animés étaient anciens, alors que La Belle et la Bête ne date que de 25 ans ; ce qui lui permet d’être encore dans les mémoires (de surcroit, la comédie musicale à continuer à tourner avec la même esthétique et les mêmes chansons). Le film est de plus considéré comme un des hauts faits de Disney en termes d’animation. Il a d’ailleurs été le premier film d’animation nommé aux oscars pour « Best Picture ».

Le film est donc un clone relativement frustrant du film d’origine – les mêmes chansons, le même script, et plus souvent qu’à son tour, les mêmes choix de plans – et remplace les moments un peu authentiques d’émotions par des hyperboles un peu trop soulignées. Les musiques les plus iconiques sont plus lentes car on y a ajouté des phrases supplémentaires, et l’action à l’écran est plus confuse car il s’y passe beaucoup trop de choses par moment. Pourtant, les scénaristes ont ajouté çà et là des informations supplémentaires sur les personnages, afin d’apporter de la profondeur. Et la plupart du temps, cela fonctionne plutôt bien. Mais il y a aussi des changements plus importants.

Par exemple, Belle est maintenant non seulement une lectrice assidue mais aussi, comme son père, une inventrice émérite. Mais elle est surtout clairement identifiée comme une personne qui est souvent seule et dans son monde. Gaston (Luke Evans) lui est toujours une brute sans cervelle, mais c’est parce que c’est un ancien combattant qui n’arrive pas à retrouver sa place. LeFou (Josh Gad) est toujours le fan ultime de Gaston, mais il a aussi des sentiments confus à son sujet. Vous avez compris la logique ? Il s’agit d’ajouter une dose d’histoire passée à tous les personnages du film. La Bête (Dan Stevens) a notamment une chanson pour lui tout seul, et elle se situe à un des moments clés du film. Je ne vais pas vous dévoiler le film donc je m’arrête là sur ce sujet.

Pour finir sur la recherche de « quelque-chose qui n’était pas là avant », cette nouvelle version de La Belle et la Bête reste dans la logique déjà relativement réussie de Cendrillon. Les plus jeunes découvriront cette « histoire éternelle » et les plus vieux revisiteront avec plaisir ce classique Disney. Et mine de rien, je crois bien que c’était le but !

La Belle et la Bête (Beauty And The Beast), de Bill Condon, c’est en salle le 22 Mars 2017.

J’ai eu la chance de découvrir en avant-première un biopic pas comme les autres, racontant une histoire hors du commun…
Mais avant de vous en dire plus, on commence, comme d’habitude par le synopsis :

Le destin extraordinaire des trois scientifiques afro-américaines qui ont permis aux États-Unis de prendre la tête de la conquête spatiale, grâce à la mise en orbite de l’astronaute John Glenn. Maintenues dans l’ombre de leurs collègues masculins et dans celle d’un pays en proie à de profondes inégalités, leur histoire longtemps restée méconnue est enfin portée à l’écran.

Faire un film basé sur des événements réels n’est pas une mince affaire. Parfois, le résultat peut être fait avec beaucoup de délicatesse, comme le très bon « Loving » de Jeff Nichols. Mais parfois aussi, on peut avoir un peu trop la main lourde, et le film peut du coup ne pas fonctionner du tout. Les Figures de L’Ombre sont plutôt entre les deux. Si le sujet est, comme dans « Loving », un moment clé dans l’histoire des US, avec comme toile de fond l’Amérique à l’ère de la ségrégation (et du coup, ici en Virginie). Les bons sentiments sont un peu trop présents, mais pas suffisamment pour ruiner le film, c’est borderline.

Le scénario, écrit par le réalisateur Theodore Melfi avec l’aide d’Allison Schroeder est basé sur le livre de Margot Lee Shetterly qui raconte la manière dont les barrières des couleurs ont été abolies entre les employés de la NASA au début des années 60. A cette époque, la NASA n’avait pas encore installé des machines IBM pour vérifier les calculs de ses ingénieurs, le travail était donc fait par du personnel féminin connu sous le nom de « Computers ». Il y avait notamment une équipe de femmes de couleur, parmi lesquelles trois amis qui sont les héroïnes du livre (et donc du film) : Katherine Goble (Taraji P. Henson), qui est montré dès le prologue comme un petit génie en mathématiques ; Dorothy Vaughan (Olivia Spencer), qui est le superviseur de l’équipe sans en avoir le tire (ni le salaire) ; et Mary Jackson (Janelle Monae), clairement la plus rebelle de l’histoire qui aspire à être ingénieur. La narration se concentre du coup sur la manière dont chacune d’entre elles montre un talent exceptionnel au point de fissurer les barrières de l’époque concernant l’avancement des femmes, et bien sûr ici, concernant celui des femmes de couleur.

En tant que film, « Les Figures de l’Ombre » est un vrai bon moment de cinéma. Le réalisateur combine plusieurs éléments cinématographiques pour faire de son film une véritable expérience complète. Ce film traite à la fois de science-fiction, mais est aussi un drama sur les barrières raciales avec ce qu’il faut de notes de comédie pour alléger un propos qui pourrait être lourd. C’est un film malgré tout assez éducatif, et dans l’Amérique de Trump, il est même nécessaire, et devrait être projeté dans les salles de classes.

Ces femmes n’ont pas demandé à être célébrées, mais méritent d’être reconnues car leur savoir ont changé leur époque. Elles ne voulaient qu’un peu d’espace pour prouver leur valeur auprès de leurs équivalents blanc. « Les Figures de l’Ombre » traite bien ce propos, et quand on sait que la NASA n’a reconnu l’importance du travail de ces femmes qu’en 1995, on voit que le chemin fut long.

Vous l’avez compris, je trouve ce film nécessaire, même ici en France. Le mélange Comédie/BioPic/Drama fonctionne bien, et j’en vous recommande vivement la vision !

Les Figures de l’Ombre (Hidden Figures), de Théodore Melfi, c’est en salle le 8 Mars 2017.

J’ai eu la grande chance d’être invité le 15 novembre dernier à une projection exceptionnelle de « Vaiana, la légende du bout du monde », le fameux « Disney de noël ».

Mais avant de vous en dire plus, on commence, comme d’habitude par le synopsis :

Il y a 3 000 ans, les plus grands marins du monde voyagèrent dans le vaste océan Pacifique, à la découverte des innombrables îles de l’Océanie. Mais pendant le millénaire qui suivit, ils cessèrent de voyager. Et personne ne sait pourquoi…
Vaiana, la légende du bout du monde raconte l’aventure d’une jeune fille téméraire qui se lance dans un voyage audacieux pour accomplir la quête inachevée de ses ancêtres et sauver son peuple. Au cours de sa traversée du vaste océan, Vaiana va rencontrer Maui, un demi-dieu. Ensemble, ils vont accomplir un voyage épique riche d’action, de rencontres et d’épreuves… En accomplissant la quête inaboutie de ses ancêtres, Vaiana va découvrir la seule chose qu’elle a toujours cherchée : elle-même.

Après la tornade « Reine des neiges » en 2013, l’action de « Big Hero 6 » en 2014 et « le voyage d’Arlo » en 2015, Disney nous propose cette année de nous conter l’histoire de Vaiana (Moana en VO), réalisé par Ron Clements et John Musker. L’intrigue du film s’inspire librement des figures de la mythologie polynésienne (mais aussi de la culture Maori entre autres). Encore une fois, le film dépeint les aventures d’une jeune fille indépendante, qui quitte famille et patrie pour s’aventurer dans un monde dangereux afin d’accomplir sa destinée, tout en chantant des chansons qui risquent de rester à nouveaux dans la tête de nos chers bambins pendant un moment.

Je trouve personnellement que ce nouveau film est construit un peu comme Raiponce. Les deux héroïnes ont un tempérament assez proche, et l’alter ego de Vaiana, le demi-dieu Maui, est lui assez proche de Flynn Rider ; il est au début très arrogant. Les deux films comportent également des animaux de compagnie plus ou moins utiles, des dialogues comiques et un final impressionnant. Mais au-delà de cette ressemblance de recette, « Vaiana, la légende du bout du monde » est plus réussi car le rythme y est meilleur. Il n’y a quasiment pas de temps mort et l’histoire se déroule dans un monde très naturel et magnifique visuellement.

Les réalisateurs, Musker et Clements, ont voulu respecter le plus possible les traditions, et même si des critiques ont été émises çà et là concernant certains choix, le film est tout de même une réussite de ce point de vue-là. Les mouvements des personnages sont basés sur des danses traditionnelles polynésiennes et samoannes et les chansons ont été écrites par l’artiste Opetaia Foa’I (qui est Samoan) et le compositeur de la comédie musicale « Hamilton » (Lin-Manuel Miranda).

Bref vous l’avez compris, j’ai plutôt apprécié cette aventure. Le film sortant demain, je ne peux que vous le conseiller. J’ai vu le film en VF, mais j’ai depuis eu l’occasion d’écouter les chansons en VO et j’avoue que si cela passe pas mal en VF, en VO c’est meilleur. Bref, à vous de voir !

Vaïana, la légende du bout du monde, de Ron Clements et John Musker, c’est en salle le 30 novembre.

Lors de l’annonce du film sur Doctor Strange, je me souviens d’avoir eu une drôle d’impression… J’avais un peu peur du potentiel casse gueule d’un film avec un magicien se baladant en ville avec une cape et une tenue plutôt extravagante. Puis à nouveau, quand Marvel a annoncé avoir casté Benedict Cumberbatch pour le rôle. Pas parce que je n’ai pas confiance dans les qualités d’acteur du monsieur, bien au contraire ! Mais j’ai eu la désagréable vision d’un film qui ne serait porté que par un acteur bankable, et qui du coup, serait léger en terme de contenu.

Bref, on commence, comme d’habitude, par le synopsis :

Doctor Strange suit l’histoire du Docteur Stephen Strange, talentueux neurochirurgien qui, après un tragique accident de voiture, doit mettre son égo de côté et apprendre les secrets d’un monde caché de mysticisme et de dimensions alternatives. Basé à New York, dans le quartier de Greenwich Village, Doctor Strange doit jouer les intermédiaires entre le monde réel et ce qui se trouve au-delà, en utilisant un vaste éventail d’aptitudes métaphysiques et d’artefacts pour protéger le Marvel Cinematic Universe.

Eh bien, après avoir découvert le film il y a peu, je peux l’affirmer avec force… Je m’étais trompé. La maison des idées a encore réussi son coup. Benedict Cumberbatch est le Docteur Stephen Strange, un neuro chirurgien virtuose, très imbu de lui-même. A la suite d’un accident de voiture (largement mérité au vu de son style de conduite) il perd la souplesse qu’il avait dans ses mains. Il commence alors un parcours qui lui apprendra à maitriser non plus ses mains, mais une forme de « science » dont il avait jusqu’alors réfuté l’existence.

A grand pouvoir… Grande responsabilité, Strange devra sauver le monde (rien que çà) et par la même découvrir sa vraie place dans le multivers. Je vous entends (si si) vous plaindre du grand classicisme qu’impose un film du type « Origin Story ». Vous avez surement raison, mais le style, le ton, et le jeu d’acteur de Benedict Cumberbatch et des autres autour de lui (y compris Tilda Swinton, parfaite en « Ancient One ») permet au spectateur que je suis (et que j’espère vous serez) de passer un moment « magique » (oui j’ai osé). Par contre, j’espère que le pauvre Mad Mikkelsen, qui n’est ici qu’un dévot maléfique sans réelle matière, aura plus de jeu dans son prochain film « Disney » en date, le très attendu Rogue One : A Star Wars Story. Marvel dissémine ici tout ce qu’il faut comme détails pour que l’on découvrir un nouvel univers.

La recette est éculée, mais le film réussi tout de même. Un peu comme les Gardiens de la Galaxie qui avait été très surprenant par le ton décalé du film, Strange lui innove sur le contenu. C’est dense, très dense. Et visuellement, on en prend plein les mirettes. J’ai eu la chance de découvrir le film en IMAX 3D, et c’était assez classieux. De toute façon si vraiment vous voulez payer pour de la 3D, faite le dans une salle IMAX, ailleurs c’est de l’argent jeté par les fenêtres !

Ce film permet de soulever le voile d’un univers encore plus grand, et prouve encore une fois que Marvel reste droit dans ses bottes et a de quoi nous abreuver de super héros pour longtemps. On passe ici du Marvel Cinematic Universe au Marvel Cinematic Multiverse !

Ah et sinon, j’en vois encore qui partent de la salle quand le générique commence… Déjà, votre voiture/métro/RER/Uber ne s’envolera pas, et surtout… IL Y A TOUJOURS AU MOINS UNE SCENE POST GENERIQUE DANS UN FILM MARVEL (ça marche aussi pour les Marvel de la FOX hein). Et franchement, si la deuxième n’est pas ici ultime, la première devrait vous faire plaisir !

Doctor Strange, de Scott Derrickson, c’est en salle le 26 octobre.

Il en faut peu pour réussir un tour de force. Et à la sortie de l’avant première du Livre de la Jungle de Jon Favreau, c’est exactement ce que je me suis dit. Ce n’est pas juste une relecture du classique de Kipling, mais bien une petite révolution dans la manière dont les films de ce genre seront faits. Bref, on commence, comme d’habitude, par le synopsis :

Les aventures de Mowgli, un petit homme élevé dans la jungle par une famille de loups. Mais Mowgli n’est plus le bienvenu dans la jungle depuis que le redoutable tigre Shere Khan, qui porte les cicatrices des hommes, promet d’éliminer celui qu’il considère comme une menace. Poussé à abandonner le seul foyer qu’il ait jamais connu, Mowgli se lance dans un voyage captivant, à la découverte de soi, guidé par son mentor la panthère Bagheera et l’ours Baloo. Sur le chemin, Mowgli rencontre des créatures comme Kaa, un pyton à la voix séduisante et au regard hypnotique et le Roi Louie, qui tente de contraindre Mowgli à lui révéler le secret de la fleur rouge et insaisissable : le feu.

On va commencer par tout ce qui m’a plu… Le Livre de la jungle est certainement un des plus beaux films produits par Disney depuis bien longtemps. Les décors sont magnifiques et les éléments en images de synthèse (les animaux hein) sont tellement bien réussis que la frontière entre le réel et l’animé est définitivement floue. Si floue qu’on en oublie complètement ses effets. Evidemment, le casting y est pour beaucoup. Idris Elba notamment donne littéralement vie au tigre Shere khan, et Bill Murray se transforme en ours pour jouer Baloo. Ben Kingsley prête sa voix de sage à Bagheera.

Mais celui qui sort vraiment du lot, c’est le seul humain à l’écran… Neel Sethi, le jeune garçon qui porte sur ses épaules le plus grand poids. Mowgli est bien entendu la pièce centrale de cette histoire, mais Sethi est bien plus que cela. Le plaisir et le naturel qu’il insuffle dans chacune de ses scènes rendent le film encore plus crédible. Surtout que lors du tournage, il était souvent seul devant des fonds verts !

Cela me permet de revenir aux effets spéciaux. En utilisant massivement (et avec bonheur) des technologies très avancées, le film de Jon Favreau a forcément un ton beaucoup plus sombre que le film d’animation de 1967. Il en ressort l’impression que le film n’a pas été orienté pour les enfants. Pour autant, il reste suffisamment de rebondissements jouissifs pour que les enfants y trouvent leur compte. Et assez d’épaisseur pour que les adultes aussi.

Les passages qui ressortent le plus sont ceux où Mowgli et Baloo sont ensembles. Le cabotinage de Bill Murray y fait pour beaucoup, mais c’est la aussi que le film, à trop vouloir faire un clin d’œil au film d’animation, va trop loin. Le choix d’inclure deux chansons du film de 1967 est plus que discutable. « The Bare Necessities » (Il en faut peu pour être heureux) et « I wanna be like you » (Etre un homme comme vous) font une apparition dans le film. Et même si cela est plutôt bien amené, ça ne fonctionne pas. Si Bill Murray fait relativement bien fonctionner la chanson, ce passage est un peu absurde. Il n’y avait pas besoin de cela pour que le film soit réussi. Le second titre est encore plus bizarre. Déjà, il n’est pas vraiment chanté, mais parlé. Et Christopher Walken, aussi bon soit, n’arrive pas à rendre le passage réussi non plus.

Le Livre de la Jungle est un très bon film, drôle et tendre. Ce n’est pas le film du siècle, mais son utilisation magique des effets spéciaux et le casting en font un film à voir, et à revoir. Un bon film vous en donne pour votre argent pendant des heures, un grand film lui arrive à vous faire voyager dans un autre univers. Le film de Favreau n’est donc pas un bon film, c’est un grand film !

Le Livre de la Jungle, de Jon Favreau, c’est en salle le 13 avril.

Il y a quelques jours, j’ai eu le grand plaisir d’assister à l’avant-première du nouveau Disney Pixar. Nommé “The Good Dinosaur“, et chez nous “Le Voyage D’Arlo“.

On attaque, comme d’habitude, avec le synopsis :

Et si la catastrophe cataclysmique qui a bouleversé la Terre et provoqué l’extinction des dinosaures n’avait jamais eu lieu ? Et si les dinosaures ne s’étaient jamais éteints, et vivaient parmi nous de nos jours ?
Arlo, jeune Apatosaure au grand cœur, maladroit et craintif, qui va faire la rencontre et prendre sous son aile un étonnant compagnon : un petit garçon sauvage, très dégourdi, prénommé Spot.

Lorsque Disney nous a annoncé que cette année, nous aurions deux films Pixar, j’avoue avoir eu un peu peur. Je connais la grande qualité des équipes de nos chers Californiens, et leur goût pour le travail bien fait mais deux films, c’est forcément moins d’investissement dans chacun, non ? Et bien, après avoir vu “Le Voyage d’Arlo” je crois pouvoir dire que je me trompais. Enfin, pas tant que ça en fait. Mais oui, ils ont réussi à produire deux très bons films dans la même année.

Visuellement, “The Good Dinosaur” est vraiment celui qui sort du lot. Sa réalisation, surtout au niveau des décors est juste hallucinante de réalisme ! C’est clairement une grosse évolution en comparaison aux productions précédentes. Je ne dis pas que “Vice Versa” n’était pas beau, mais il faut avouer qu’au niveau variété des décors on a déjà vu mieux, non ?
Bref, “The Good Dinosaur” est une belle réussite visuelle.

Au niveau de l’histoire, on est plutôt dans du classique, même si le couple à l’écran (un dinosaure parlant nommé Arlo et un jeune humain plutôt équivalent à un canidé) est plutôt nouveau. Classique je vous dis, le thème du film étant le passage à l’âge adulte d’un adolescent après avoir connu une grande perte dans sa famille. Vous savez, c’est l’enfant le moins débrouillard de la famille, peureux à outrance, et qui se retrouve à devoir gérer un être prétendument inférieur. On pense assez naturellement au “Roi Lion” (pour le début), mais ce n’est pas le pire exemple à suivre, non ? Pas de chant ici, on est dans du Pixar pur souche. Le scénario est donc moins original que celui de Vice-Versa.

Je ne vais pas vous en dire plus sur l’intrigue, car je ne voudrai pas vous spoiler. Sachez juste que notre jeune Arlo croisera la route de personnages haut en couleurs, qui lui permettront de comprendre pourquoi la peur ne doit pas s’ignorer, elle doit se maitriser. Et grâce à cette maitrise on approche la vie différemment.

Et oui, les Dinosaures sont de nouveau hype… Vous en doutiez ?

Le Voyage d’Arlo, c’est le 25 novembre dans les salles, et a partir du 14 novembre au Grand Rex à Paris.

Un dieu viking, un homme en armure, un robin des bois, une espionne russe, un homme en colère… C’était déjà une drôle d’équipe ! Marvel rajoute aujourd’hui (ou plutôt réintroduit dans le Marvel Cinematic Universe) un homme fourmi. Bon ok, j’arrête avec mes traductions. Parlons d’Ant-Man.

Bref, on attaque, comme d’habitude, avec le Synopsis :

Scott Lang, cambrioleur de haut vol, va devoir apprendre à se comporter en héros et aider son mentor, le Dr Hank Pym, à protéger le secret de son spectaculaire costume d’Ant-Man, afin d’affronter une effroyable menace…

Ce nouveau film de la « Maison des idées » n’est pas vraiment un film de super héros comme les autres. Ce n’est même pas une « Origin Story » réellement… C’est entre les deux, et c’est plutôt réussi. Ant-Man, et l’humain qui l’incarne au départ dans les comics, Hank Pym, est angulaire dans le Marvelverse. Il a une part importante dans la création des Avengers, et est par exemple à l’origine d’Ultron. Cette position si particulière n’était pour le moment pas vraiment existante dans le Marvel Cinematic Universe. Ce nouveau film vient corriger cette lacune.

Marvel malgré tout ne pouvait se permettre de refaire une origin story complète, qui l’aurait obligé à prévoir un second film avant de pouvoir utiliser Ant-Man dans les autres films du MCU (L’homme fourni sera d’ailleurs présent dans la prochaine production Marvel, Captain America : Civil War). Du coup Hank Pym, à grand renfort de Flashback, est montré comme l’Ant-Man original, en utilisant une période de l’histoire pas encore exploitée par le MCU (à savoir la guerre froide). Le film est du coup bien ancré dans un monde où les Avengers existent (il y a un bon paquet de référence, et même une rencontre, mais je ne vous en dis pas plus). En prenant comme héros le second humain à se glisser dans le costume d’Ant-Man, Marvel réussi à placer son film exactement comme il faut pour la suite.

Et puis, comme je le disais plus haut, ce n’est pas un film de super héros comme les autres. C’est léger, avec beaucoup d’humour et d’auto dérision. Il y a vraiment un petit côté film de gangsters ratés dans tout ceci. Une sorte d’Ocean’s Eleven en plus comique encore.

Vous l’avez compris, j’ai plutôt été conquis par ce nouveau film Marvel. Cela tient bien la route, et la recette fonctionne (en tout cas avec moi) toujours autant. Et surtout, restez bien jusqu’à la fin, il y a deux scènes post générique. Enjoy !

Ant-Man, c’est le 14 juillet dans les salles