Aprender a tocar un instrumento musical puede ser apasionante. Sin embargo, la práctica diaria, sobre todo cuando ha de hacerse en solitario, no está exenta de dificultades. Una de ellas, que sin duda no es menor, es el aburrimiento. De ahí el éxito de recursos que van desde los primeros discos de Music Minus One hasta aplicaciones como SmartMusic que, entre otros objetivos, procuran que el aprendizaje resulte divertido. Desde hace algunos meses se ha venido hablando de una nueva herramienta, Practice Your Music. A pesar de su nombre, la misma ha sido desarrollada por una empresa de Vizcaya, desde donde se ha dado a conocer en foros nacionales e internacionales, llegando a ganar premios como el concedido por la European APPCUP e incluso a captar la atención de Microsoft, que ha decidido incluirla entre las Apps de su nuevo sistema, Windows 8. Con estos antecedentes uno piensa en una gran empresa, con grandes despachos y cientos de empleados. Al menos esto pensaba yo hasta que decidí recabar más información y contacté con ellos a través de su cuenta en Twitter: @PYMapp Tras intercambiar algunos correos descubrimos que íbamos a coincidir en la Music Education Expo 2013 de Londres, y allí pude conocer a Aitor Alzibar y Aitor Narbaiza, que son el alma máter del proyecto. Descubrir los entresijos de Practice Your Music siguiendo sus explicaciones fue sumamente interesante; a las bondades del producto que yo misma había podido descubrir tras darme de alta en la web se sumaron diversas opciones que para mí habían pasado desapercibidas. Si ya pensaba que se trataba de una herramienta que todo estudiante, profesor o aficionado a la música debía conocer, tras esa conversación me quedaron muy pocas dudas. Por ello, y con la intención de difundir esta herramienta entre los lectores de REM, se publica hoy este post.

A.G. ¿Qué es Practice Your Music? (PYM)

A.A. y A.N. Practice Your Music es un software para la practica musical. Un software para poder interactuar con músicos. PYM cubre una vieja necesidad de todos los músicos, practicar de forma amena.

A.G. ¿Cómo surge la idea de crear este servicio?

A.A. y A.N. Hace algunos años teníamos una escuela de música moderna y los chavales cuando estaban en clase te prestaban atención pero luego en casa no hacían todo el trabajo que deberían hacer. Así que empezamos a trabajar en la idea de crear algo para hacer esos momentos más agradables, trabajar en el lema aprender divirtiéndose.

Nosotros venimos del mundo profesional de la música, técnicos de sonido, producción técnica, composición de banda sonoras y tenemos una gran experiencia en el mundo audiovisual.

Con toda esta experiencia desarrollamos PYM.

A. G. ¿Quienes son sus principales destinatarios?

A.A. y A.N. El usuario de PYM es todo aquel que tenga interés y conocimiento de un instrumento musical. Todo aquel que quiera tocar, cantar.

Tanto aquellos que estén dentro de la enseñanza reglada como aquellos que aprende por su cuenta. Vamos todo aquel que quiera practicar.

A. G. ¿Es necesario descargar alguna aplicación para utilizar PYM?

A.A. y A.N. Actualmente PYM se puede encontrar en Windows 8, en formato web, como aplicación de Chrome y próximamente como aplicación de Facebook. La aplicación funciona autónomamente. En la dirección www.practiceyourmusic.com puedes darte de alta y empezar a funcionar automáticamente. En W8, Chrome, Facebook es necesario instalarse la app, pero ninguna otra adicional.

A. G. ¿Qué repertorio integra PYM?

A.A. y A.N. Actualmente disponemos de unas 70 canciones de música clásica. Hay cuartetos de cuerda, quintentos de viento, piano-piano, piano-flauta, piano-clarinete….. El repertorio es bastante genérico porque queremos llagar al máximo público posible.

El repertorio aumenta constantemente y en los próximos meses vamos a incluir diferentes temas de jazz y pop-rock.

A. G. ¿Por qué incluye una red social?

A.A. y A.N. La comunicación es muy importante en un proyecto de estas características y las redes sociales son un vehículo imprescindible. Se informará a través de la redes sociales de los nuevos temas, los nuevos estilos. A parte de que estarás informado de las canciones que han tocado tus amigos de las redes sociales.

Por otro lado en un futuro no muy lejano, vamos a incluir la función de grabación. Para que los usuarios puedan grabarse su sesión y posteriormente compartirla en las redes sociales con sus amigos.

A.G. ¿Existen ofertas similares a Practice your music?

A.A. y A.N. Nuestra apuesta siempre ha sido por la calidad y siempre hemos intentado tener un producto diferente a otros. Por eso desde un primer momento hemos tenido claro que debíamos de trabajar con audio real, pistas grabadas por músicos y no MIDI. Esto junto con unas imágenes de calidad alta hace que no conozcamos herramientas similares.Hay software que permiten realizar practicas similares pero no de tanta calidad y con tantas funciones como PYM.

A. G. ¿Cuál es la diferencia entre PYM y aplicaciones como SmartMusic de Finale?

A.A. y A.N. SMFinale es una herramienta muy interesante, ellos como nosotros también utilizan, como es lógico, las partituras como eje principal de su aplicación. En nuestro caso, como ya hemos explicado, hacemos un esfuerzo por la calidad, tanto de video como de audio, a través de músicos y música reales. Nuestra herramienta incorpora unos videos que acercan y humanizan la interpretación, y además en nuestra aplicación contamos con controles de volúmenes, metrónomo, distintos visionados de partituras, etc.

A. G. ¿Qué ventajas ofrece PYM a un estudiante de música? ¿Y a un músico profesional?

A.A. y A.N. PYM permite a un estudiante poder practicar con músicos reales desde la habitación de casa. Permite que el estudiante pueda practica con otros instrumentos de una forma real. Hace las horas de ensayos más divertidas y más amenas. PYM te ayuda a prepararte como un músico profesional.

Para el músico profesional de momento tiene una utilidad limitada. En un futuro habrá masterclases de grandes maestros que ayudaran a los diferentes músicos profesionales a poder extender sus conocimientos.

A. G. ¿Cuánto contara la versión de pago?

A.A. y A.N. En la fase Beta la idea es detectar posible contratiempos en la App y además de eso queremos que los posibles usuario puedan utilizar la y probarla sin ningún tipo de compromiso.

La idea es la de tener usuarios-suscriptores y darles un acceso completo a todas las canciones del catalogo, siempre en modo online. Para ello prevemos un precio de 6,95 euros por mes.

Posteriormente habrá una versión de compra de canciones unitarias a cambio de un microprecio.

A. G. ¿Cómo ves el futuro de las tecnologías en relación a la interpretación musical?

A.A. y A.N. El avance en las tecnologías, tanto en el campo de la música como en otros campos, es imparable, e imprescindibles. En cualquier caso, yo creo que la tecnología está siempre para ayudar y vamos a complementar la oferta para el estudiante, usuario o profesor.

 A.G. ¿Piensas que servicios como PYM podrán en algún momento reemplazar al profesor de música?

A.A. y A.N. No, nosotros pensamos que esta aplicación no remplaza al profesor, lo complementa. La presencia de un profesor es esencial en la enseñanza musical, y en cualquier ámbito de la educación.

Pero, por otra parte, esta herramienta sirve para ayudar y potenciar la práctica tanto cuando esté el profesor presente como cuando no y siempre que contemos con el apoyo y la ayuda de un profesor, progresaremos mejor. Esta herramienta no sería posible sin la colaboración de los profesores de música.

Desde que descubrí la App Notebook de Smart Board para iPad he sentido bastante curiosidad por conocer las posibilidades didácticas que puede aportar al aula de música. La verdad es que un iPad es un elemento que posee un potencial educativo tremendo y unido a una pizarra digital puede llegar a convertirse en un punto de inflexión en la historia de la metodología educativa.

Desgraciadamente la App Notebook para iPad no permite manejar las pizarra digitales Smart Board desde la tableta (pero todo llegará), por lo que nos tenemos que conformar con crear actividades o practicar actividades muy similares a las que es posible realizar con la aplicación Notebook para PC o Mac. En estos tutoriales realizo un repaso de las principales características de la aplicación que pueden servir para crear actividades musicales:

• Vídeo 1: Opciones de sonido de Notebook para iPad y creación de una actividad con flauta de émbolo.
• Vídeo 2: Creamos una actividad para que el alumnado grabe "Paisajes sonoros". (Más información sobre lo que son los Paisajes sonoros)
• Vídeo 3: Creación de actividades musicales con un piano. CREO QUE ES EL MEJOR VÍDEO.

{youtube}l8auKKYUxwc{/youtube}

{youtube}1mMjHfp6ikE{/youtube}

CREO QUE ESTE ES EL MEJOR VÍDEO:

{youtube}fDXkkAjA3Jw{/youtube}

[dropcap cap="H"] Hay que comenzar diciendo la verdad, y es que crear musicogramas en Flash no es fácil. Para muchos resultará una tarea avanzada que conlleva una inversión de tiempo bastante grande. Yo siempre recomiendo a cualquier interesado realizar alguno de los cursos de Flash que imparte en INTEF o algún centro de formación del profesorado.[/dropcap]

En el primer artículo que escribí en REM podéis comprobar que ya hablé sobre este tipo de material didáctico y expuse algunos ejemplos prácticos sobre ello. En esta ocasión se trata de que veáis cómo se crean y que os animéis a hacerlo. El segundo de los tres vídeos es el que sin duda más miga contiene y resulta bastante complejo por la programación Action Script necesaria para hacer funcionar el musicograma. Venga ánimo y espero que os gusten.

• Vídeo 1: Creación de musicogramas en Flash (dibujo vectorial).
• Vídeo 2: Creación de musicogramas en Flash (línea del tiempo y Action Script).
• Vídeo 3: Creación de musicogramas en Flash (publicación de la película SWF y HTML).

{youtube}2eOygkyg93E{/youtube}

{youtube}ONivy-jAVAo{/youtube}

{youtube}wC4CuNUwt8c{/youtube}

[dropcap cap="C"]Como ya hemos tratado en anteriores artículos sobre las presentaciones Prezi, en esta ocasión no me andaré por las ramas y directamente explicaré una de las utilidades que podemos encontrarle como la creación de sencillos juegos musicales. Para la elaboración de este juego es necesario insertar sonidos MP3 en la presentación. Algo que no permite la aplicación pero que es posible saltarse si montamos el archivo MP3 como si se tratara de una película de vídeo. Ello implica la utilización de alguna aplicación de edición de vídeo. Yo he utilizado iMovie, pero también es perfectamente posible utilizar Movie Maker.[/dropcap]

Por otro lado, también he necesitado descargar el sonido de algunos vídeos de Youtube, para ello he utilizado una aplicación en línea denominada VidToMp3, la cual permite descargar de manera muy sencilla e intuitiva el audio de cualquier vídeo de YouTube.

 Con todos estos ingredientes he montado el juego musical,  cuyo resultado podéis ver en el primer vídeo. En esta ocasión os recomendó que prestéis atención al primer vídeo pues explica el resultado final de juego musical. En el resto de vídeos podréis ver cómo he ido creando poco a poco el juego.

 Aquí tenéis el enlace a la presentación Prezi:

ADIVINA QUÉ INSTRUMENTO SUENA (enlace a la Web de Prezi).

• Vídeo 1: Juego musical "Adivina qué instrumento suena"
• Vídeo 2: Organización de la presentación.
• Vídeo 3: Inserción de elementos.
• Vídeo 4: Inserción de archivos de audio MP3 en formato de vídeo.

{youtube}rtWfmrqzpFc{/youtube}

{youtube}Dub5E8jwj_E{/youtube}

{youtube}QTQHI9xDIUU{/youtube}

{youtube}Zm-At-pG5PE{/youtube}

[dropcap cap="D"]Desde que descubrí Prezi me encantó la forma que tiene de realizar presentaciones originales, divertidas y visualmente muy atractivas. Otra de las posibilidades que me fascinó fue que todas las presentaciones y toda la aplicación se encuentra en línea con lo cual no es necesario instalar nada en nuestro ordenador. Siempre que estemos en un lugar con posibilidad de conectarnos a Internet podremos visualizar y editar todas nuestras presentaciones.[/dropcap]

En esta ocasión vamos a mostrar cómo creamos una presentación sobre diferentes instrumentos musicales de cuerda frotada que nos podrá servir de utilidad en nuestra aula de música. Aprovechando las posibilidades visuales de Prezi realizaremos un esquema sobre el cual insertaremos diferentes imágenes y vídeos de YouTube. Este tutorial vamos a desarrollarlo en tres vídeos:

• Vídeo 1: Organización y esquema de la presentación.
• Vídeo 2: Inserción de los elementos.
• Vídeo 3: Publicación de la presentación.

Finalmente os enlazo la presentación para que la podáis utilizar directamente desde Prezi, espero que os guste. Un saludo.

Presentación "Los instrumentos de cuerda frotada" (Enlace a la presentación en la Web de Prezi)

{youtube}Bey4tAR9Eqg{/youtube}

{youtube}bou4bbJQ28s{/youtube}

{youtube}yX3jU4QeCZY{/youtube}

[dropcap cap="R"]ealizar musicogramas es una de mis actividades favoritas en el aula de música, tanto a los alumnos del colegio como a los de la facultad les encanta seguir las piezas musicales sin necesidad de utilizar partituras formales. En esta ocasión vamos a mostrar cómo realizar un musicograma utilizando el software Notebook 11 de la marca Smart Board. En mi colegio utilizamos diferentes marcas de pizarras digitales y, después de probar unas cuantas aplicaciones para pizarra digital, creo que el software de Smart es el más intuitivo y sencillo de utilizar para el profesorado. Es posible descargar e instalar este software desde la web de Smart aunque obviamente después del periodo de prueba será necesaria una licencia.[/dropcap]

En este primer video voy a mostrar como realizar un musicograma de una manera extremadamente sencilla, tal y como se podría realizar en clase. Para ello he utilizado el musicograma "En la gruta del rey de las montañas" de E. Grieg creado por Amalia Gómez. Se trata de instertar la imagen de un musicograma que ya realizado previamente en papel y posteriormente insertar al archivo de sonido MP3, de manera que desde la pizarra digital pueda realizar la actividad de una manera completa.

En el segundo vídeo se trata de hacer algo un poco más elaborado. Con las herramientas de dibujo del programa vamos a crear nuestro propio musiocograma y a insertarle la música. Esta segunda opción permite mucha más personalización y control sobre los elementos de la actividad.

¡Espero que os gusten! ;-)

Vídeo 1: Realización del musicograma insertando imagen y sonido.

{youtube}KwVitGs9qyw{/youtube}

Vídeo 2: Creación del musicograma utilizando las herramientas de Notebook 11.

{youtube}3LSupye1WzA{/youtube}

A.G. Conocer tu trabajo y leer tu currículum nos da una idea de una trayectoria en la que aparecen referencias a la composición, la música electroacústica, la educación musical, la ecología sonora, la audiovisión... ¿Cómo se entretejen estas experiencias?

S.E. Es muy interesante el término “entretejen” que usaste en tu pregunta. En verdad mi búsqueda profesional siempre ha estado basada en el transitar por diversos campos expresivos del arte con una actitud libre, curiosa, investigadora, sin filtros ni reglas esclavizantes. Si bien el eje de esta búsqueda siempre fue desde y a través de la música, me interesó indagar sobre  el tratamiento y análisis de ella a través de diversos campos de acción como la educación, la tecnología, la composición, la ecología. Por tanto, la interrelación de estos campos, sus imbricancias, sus integraciones (o no), sus convergencias y en especial sus diferencias, se fueron dando natural y espontáneamente en un principio y luego ese paso experiencial me llevó ineludiblemente al paso teórico e investigativo. Mi lema fue y será el “trascender” los límites de las fronteras de los lenguajes y de las disciplinas y a través de ello, analizar los encuentros y desencuentros lexicales entre las diversos formatos expresivos de los sonoro y lo visual.

A.G. Has sido directora y creadora de dos licenciaturas con enfoques muy novedosos: Audiovisión y Enseñanza de las artes combinadas. ¿Podrías contarnos en qué consiste cada una de ellas, cuáles son sus principales objetivos, a quiénes van dirigidas y cuáles son sus salidas profesionales?

S.E. La Licenciatura en Audiovisión es una carrera de grado de cuatro años de duración, cuyo objetivo central es la formación de posproductores audiovisuales en el campo del sonido y de la imagen (por eso el tramo de tecnicatura de 3 años forma en cada una de estas especialidades y el tramo de licenciatura posterior de 1 año forma en la conjunción de estas dos especialidades).

La fortaleza de la carrera se encuentra en el hecho de que esta especialidad –por lo menos en Argentina– era propia de una formación empírica o a lo sumo terciaria, pero no universitaria. Solo cuando nació esta Licenciatura en la Universidad Nacional de Lanús, en el partido de Remedios de la Escalada, provincia de Buenos Aires, apareció la oportunidad de una formación universitaria en el campo (campo no explorado por ninguna universidad en América ni en Latinoamérica, hasta el momento de su surgimiento en el año 1997).

Esta carrera va dirigida a aquellos interesados en la edición final de un producto sonoro y/o audiovisual pero a la vez a aquellos interesados en conocer en profundidad cuestiones de la grabación en audio y video, de sus producciones artísticas contemporáneas, y del aporte de la tecnología a nivel alto en problemáticas de 3D, realidad aumentada, etc.

La salida laboral es inmensa puesto que nuestros egresados se insertan fácilmente en el mundo de las productoras sonoras y audiovisuales, en los medios de comunicación y en el campo artístico y educativo.

En cuanto al Ciclo de Licenciatura en Enseñanza de las Artes Combinadas, es una carrera de dos años de duración, dirigida a educadores de arte de todas las especialidades que posean título terciario oficial de no menos de 3 años de duración. Se dicta también en la Universidad Nacional de Lanús.

El plan curricular se desarrolla en base al estudio de tres lenguajes: el sonoro, el visual y el corporal, y la estructura metodológica está dividida en cuatro campos: el del panorama teórico cultural general (en el primer cuatrimestre), el del análisis de los lenguajes específicos de la música, el teatro-danza y la imagen (en el segundo cuatrimestre), el de las didácticas de la música, el teatro-danza y la imagen (en el tercer cuatrimestre) y el de la investigación, la tecnología y el taller de integración (en el cuarto cuatrimestre).

Está dirigido a educadores de arte que deseen incorporar a su especificidad de expresión, una visión integral del arte a través de sus convergencias lingüísticas y expresivas.

La salida laboral es lógicamente la docencia con una visión más plural y moderna que la tradicional, pero también la producción de espectáculos integrales con la inclusión de recursos tecnológicos multimediales.

A.G. Uno de los temas recurrentes en tus escritos es el de la integración de las artes. ¿Por qué integrar?

S.E. Las experiencias innovadoras interdisciplinarias en las artes refieren a un hacer original  y personal en un campo poco o nada conocido construyendo desde espacios diferentes y a su vez complementarios. Si esto fuera así, se podría decir que escasamente podríamos hablar hoy en día de experiencias innovadoras en las artes puesto que el arte en toda su historia transitó naturalmente la interdisciplinariedad combinando lenguajes diferentes, buscando paridades expresivas, nucleando pensamientos convergentes, conduciendo un discurso global desde discursos particulares; la ópera, el ballet, el teatro, la comedia musical, el film y las producciones audiovisuales de todo tipo, dan cuenta de ello.

Sin embargo, las experiencias innovadoras interdisciplinarias actuales estarían dadas por la integración o combinación de las artes. Desde lo conceptual, se entiende por integración el “dicho de las partes”, el constituir un todo, o también el aunar o fusionar dos o más conceptos divergentes entre sí, en uno solo que los sintetice.

La interdisciplina artística lleva en sí misma la impronta del riesgo, del ir más allá, de trasvasar los límites de lo estatuido, pero dentro de las propias reglas que se impone el espacio fronterizo, como territorio particular de cruces y confrontaciones.

Este concepto de integración, también incluye el concepto de síncresis que tal como manifiesta Michel Chion el cual no implica una supuesta redundancia entre dos campos lingüísticos ni una relación de fuerzas entre ellos, sino un percibir los dos campos como uno solo, unívoco, indisoluble, nuevo. Entonces, la integración tiene que ver con la síncresis, dado que ella refiere a la expresión en una sola forma de dos o más elementos lingüísticos diferentes.

Así es que yo defino a las artes integradas como unidas por un punto de interacción en el que se transita el cruce de lenguajes, la interlexicalidad de los mismos, así como la fusión y síncresis de sus fronteras, desdibujando los límites formales de sus discursos.

A.G. ¿Piensas que la integración de las artes es posible en las escuelas? ¿Cómo hacer esta idea compatible con los currículos que, en la mayoría de los casos, se organizan en materias independientes como la plástica, la música y, en el mejor de los casos, el teatro?

S.E. Se puede analizar el estado actual del problema de la enseñanza de las Artes desde diversas variables.

Actualmente, los profesores de Música, Plástica, Danza, Teatro o cualquier otra de las llamadas “Bellas Artes”, absorben en su totalidad las variables de la oferta educativa artística escolar, terciaria y universitaria. Los conocimientos y herramientas pedagógicas que poseen para este desempeño, están generalmente fuera de las necesidades actuales del arte, y fueron adquiridos en compartimentos estancos, diferenciados y especializados sin ningún tipo de formación integral. En general, el músico no conoce de la imagen ni del teatro y la danza, el plástico poco sabe de la música, el teatro y la danza, el  artista de teatro, poco sabe de la música y la plástica.

Se  observa, por tanto, una cierta falta de adquisición de las ideas renovadoras respecto de los principios que gobiernan a las artes combinadas como emergentes de lenguajes interdisciplinarios, a la luz de lo que en los últimos tiempos se ha descubierto a través de la psicología del desarrollo y de la psicología genética.

Sin embargo, la cultura artística del hombre de nuestro tiempo –ya sea como hacedor o simplemente como consumidor– es de alto nivel en varios países, por lo cual, los  artistas ocupan lugares destacados en el mundo.

Esta realidad no tiene el mismo nivel en el mundo de la educación. En Argentina, por ejemplo, el docente de arte arrastra aún una asignatura pendiente en el campo educativo. Nuestra escuela sigue considerando al Arte una “materia de complemento, de entretenimiento” que no transita el campo fértil de la investigación y por lo tanto se encuentra desprendida de la modernidad que ha llevado a las más avanzadas investigaciones mundiales de las Ciencias de la Cognición a considerar a las distintas expresiones artísticas como fundamentales para la formación integral del hombre.

No se ha implantado aún, en la casi totalidad del espectro de la educación artística,  el “aggiornamiento” suficiente para que el docente de Arte actual sea capaz de reflejar en el aula el amplio, variado e interdisciplinario desarrollo que las “Bellas Artes”  han tenido en el plano de la creación.

Otro aspecto del problema se centra en la falta de conocimiento de autores como Sloboda, Meyer, Jackendoff, Barthes o Imberty, entre otros, quienes no son conocidos en nuestro medio educativo por la dificultad idiomática, ya que tampoco está debidamente desarrollado en nuestro país el estudio de otras lenguas, en especial el inglés. En la actualidad, no es posible transferir conocimientos ni experiencias de Arte, sin el manejo de por lo menos uno de los principales idiomas en que se transmite la cultura porque no alcanza con conocer solamente la cultura circunscripta a la lengua de pertenencia.

También cabe en este análisis observar que en el pasado; solo los poseedores de talentos excepcionales estaban capacitados para proponer innovaciones a la tradición, quienes eran a su vez los responsables de indicar los caminos del progreso.  Era necesario “ser consagrado” para convertirse en referente de cambio, de evolución, de formación de estilo o escuela artística. Viejas y anquilosadas concepciones de la enseñanza artística continúan concibiendo que sólo es posible enseñar Arte a los alumnos poseedores de “talento o tendencia natural” para el arte. Conceptos de este tipo, operarían como elementos de juicio apriorístico, para definir la competencia o falta de competencia del estudiante. Las Ciencias de la Cognición, en su avance actual, demuestran que el Arte –igual que cualquier otro objeto de conocimiento– se desarrolla por medio del estímulo y de la educación, por lo cual, con adecuadas metodologías, cualquier niño o joven con  “talento normal” puede alcanzar un grado artístico elevado y puede adquirir competencias válidas en el campo de su vocación.

Finalmente, y quizás como problemática central de este análisis, podríamos observar el rol social que la enseñanza de las artes integradas tiene hoy. La falta de maestros y/o profesores especializados en cada disciplina artística, así como ciertos factores de tipo presupuestario y de grandes distancias en regiones apartadas y sin medios de transporte, harían necesaria la presencia en el aula de un docente con competencias y habilidades múltiples, capaz de desempeñarse tanto en la música, la danza, el teatro como en la plástica, de acuerdo a las necesidades educativas, o de las características culturales del lugar donde se desempeña. De este modo promoverá la expresión libre y creativa, con identidad regional, integrando escuela y familia y en especial, potenciando las vocaciones de cada alumno. Así, en lugar de “imponer” la clase de música o de plástica, el docente será una especie de gestor cultural, un animador que guiará el hacer expresivo individual dentro de una composición grupal.

A.G. ¿Están los docentes preparados para abordar proyectos en los que las artes se integren?

S.E. Hummm… preparados a priori, no sé. Pero una vez “revelados”, sí... sin dudas.

Todo comienza por el convencimiento. Hay que trabajar duro para romper las fronteras del conocimiento tradicional, de los prejuicios, del “mejor malo conocido que bueno por conocer”, del no es posible, no es fácil, de los  no, no, no...

Cuando en las prácticas y teorizaciones de las clases de formación universitaria se les demuestra que los límites metodológicos no existen sino que se los pone uno mismo por inseguridad; cuando se les demuestra que la sociedad toda en la que vivimos integra lenguajes, pensamientos, ideologías, políticas; cuando se les explica que así como se puede ser padre o madre y a la vez hijo o tío, o amigo o hermano, es decir, cuando se habla de la capacidad del hombre para asumir diferentes roles en diferentes momentos de vida y que esos momentos dan nuevas realidades y verdades, comprenden que la flexibilidad, el permiso para trascender está a la mano y el arte es claramente el mejor campo para expresarlo.

Eso sí, paralelamente hay que enseñar las nuevas reglas de ese accionar integral, hay que codificarlo, nominarlo, estructurarlo porque si no hablaríamos de un “caos expresivo” sin orientación ni discurso. Por tanto, una vez conocidos los nuevos recursos lingüísticos, el campo expresivo se abre de una manera generosa y permite la creatividad y la libertad expresiva, pero desde una base teórico-práctica adquirida metodologícamente.

A.G. ¿Hacia dónde va o debería ir la educación musical en un mundo audiovisual?

S.E. Justamente la educación musical debería ir hacia ese mundo audiovisual. Tal como dice Michel Chion “no se ve lo mismo cuando se oye, ni se oye igual cuando se ve”. Este axioma –casi una declaración jurada o testamento de su pensamiento general– indica que hoy estamos en un mundo audiovisual y que  el “contrato audiovisual” es un hecho ineludible. Por tanto, se transmite, se comunica desde los dos lenguajes y la percepción del mensaje llega desde la conjunción de ambos. Es importante entender que aunque estemos “escuchando” un concierto en vivo, en realidad estamos “audioviendo” un concierto en vivo pues los gestos de los instrumentistas y el director, la proxemia de la instalación escénica, la iluminación y acústica del teatro, la gente que constituye el público y por tanto el clima sonoro y visual del mismo, inciden en nuestra percepción. Por tanto, ese “vivo” del espectáculo es eso, un espectáculo audiovisual centrado en un mensaje sonoro (orquestal, lírico, solista, etc).

A.G. Parte de tu trabajo ha estado vinculado a la ecología sonora. ¿Es este un contenido que puede trabajarse en la escuela? ¿Pertenece al ámbito de la música o, por el contrario, lo trasciende?

S.E. Sí efectivamente. La concientización sobre la polución sonora en el medioambiente fue y es otro campo de mi preocupación y en una época fue también un campo de ocupación y produccion. Por las décadas de 1990 y 2000 me dediqué a trabajar sobre este problema organizando encuentros internacionales, cursos en diversos lugares del mundo, escritos y el libro Ecología Acústica y Educación. Bases para el diseño de un nuevo paisaje sonoro que mereció en España el Premio EMBAT consistente en la publicación del volumen por la Editorial Graó en el año 2005. De hecho he escrito también sobre el tema en capítulos de libros y revistas españolas.

Este campo de la ecología sonora fue desarrollado por mí desde diversos espacios de análisis y producción:

1. Desde la salud auditiva contemplando los problemas acústicos y de pérdida de audición.
2. Desde la recreación y reflexión a partir del diseño y realización de caminatas sonoras y de silencio en la naturaleza, con metodología pautada en su desarrollo para la concientización de la Escucha Reducida del medioambiente.
3. Desde la educación instalando contenidos de este campo en las currículas escolares, en el dictado de cursos extracurriculares, en la realización de talleres educativos para niños y docentes.
4. Desde la investigación llevando adelante proyectos con grupos de docentes investigadores, estudiantes universitarios y especialistas de la salud auditiva, ingenieros de sonido, etc. En la actualidad dirijo el proyecto “El ruido en el Municipio de Lanús”, dedicado a la medición del medioambiente sonoro de esta localidad de la provincia de Buenos Aires y la relación del mismo con los vecinos habitantes del lugar.
5. Desde el arte, diseñando proyectos con artistas y estudiantes de creación de obras interdisciplinarias ecologistas, instaladas en ámbitos de la naturaleza.

Respecto a la segunda parte de la pregunta, contestaré simplemente citando a John Cage cuando decía que la música existe dentro y fuera de la sala de conciertos, y que el silencio no solo es parte de la música sino que la contiene puesto que cada sonido que suena se produce antes y después de un silencio.

A.G. También eres codirectora artística del Festival Acumástico y Multimedial "Sonoimágenes". ¿Puedes contarnos algo sobre este evento?

S.E. El Festival fue creado en el año 2000 por quien escribe junto a  Daniel Schachter y Raúl Minsburg, compositores electroacústicos y profesores de la Licenciatura en Audiovisión (carrera que creé y dirigí hasta el 2011).

Consideramos al Festival como un brazo artístico emergente de los objetivos curriculares de la Licenciatura, dado que ésta es una carrera que forma principalmente a técnicos y posproductores de imagen y sonido, pero no a artistas. Sin embargo la tarea profesional de nuestros graduados frecuentemente tiene competencias de participación, colaboración y hasta de diseño sonoro y visual en el mundo artístico tanto para sonorizar o espacializar un espectáculo de música electroacústica o para intervenir en la creación y difusión de un video arte.

De tal modo que el Festival nació con la intencionalidad central de proveer de un ámbito de praxis profesional a nuestros alumnos y graduados, a la vez que crear un nuevo espacio de difusión del arte sonoro y visual electroacústico que había perdido campo en los últimos tiempos en nuestro país, dada la desaparición de grupos e instituciones artísticas de esta especialidad. Con el tiempo, el Festival adquirió renombre internacional ya que en los 12 años que lleva de vida realiza permanentes intercambios con artistas de todas las latitudes.

A.G. Tengo entendido que actualmente diriges el Centro Interactivo de Ciencia y Tecnología "Abremate". ¿Qué presencia tienen las artes en este proyecto?

S.E. El Centro Interactivo de Ciencia y Tecnología – CICyT “Abremate”, dependiente de la Universidad Nacional de Lanús,  es un museo dedicado a la promoción y el conocimiento de la ciencia y la tecnología a través de módulos interactivos expuestos en su sala de exposición y a los cuales accede el público para jugar y conocer, acompañados por docentes-guía, empleados del museo.

El CICyT posee 63 módulos (juegos) en la sala de exposición fija y 42 módulos (juegos) en la Muestra Itinerante que va a escuelas e instituciones de todo el país de acuerdo a los requerimientos que se realicen.

Permite conocer la historia y evolución de la ciencia y la tecnología a través de caminos diferentes (el de la física, la biología, la electricidad, la anatomía humana, etc.), pero siempre a través del juego y de la praxis interactiva.

Desde el 2011 la Universidad ha requerido mi gestión al frente de este organismo, para promover la integración de la ciencia y la tecnología a través del arte.

Por ello estamos llevando adelante un plan de acción que incluye el diseño de nuevos módulos creados por artistas escultores, plásticos, sonoros y audiovisuales, un programa “Cultura en acción” que incluye la presentación de obras teatrales para niños y jóvenes basadas en temas de ciencia y tecnología, un ciclo de conferencias-concierto donde se presentan artistas junto a científicos y como ya mencioné en una pregunta anterior, el inicio de carreras de posgrado cuyas temáticas relacionen al arte con la tecnología y la ciencia.

Este ámbito de acción también está iluminado por la idea constante de mi accionar, en la cual las fronteras de las especifidades se “irradian” y por tanto los conocimientos se influyen unos a otros y esto es lo que conforma la sociedad globalizada o la “Aldea Global” al decir de Marshall McLuhan.

A.G. En tu web hablas de tu trayectoria profesional como una experiencia plena de diversidad en las búsquedas y los encuentros. ¿Qué busca hoy Susana Espinosa? ¿Cuáles son sus proyectos más inmediatos?

S.E. Qué pregunta interesante. Para responderla te diré porqué hice el Doctorado en Filosofía a tan elevada edad (lo comencé 6 años atrás y estoy a punto de entregar mi tesis la cual obtendré posiblemente el año próximo, en el que tendré 68 años).

Ese doctorado me permitió afirmarme en mi búsqueda de siempre: construir eternas preguntas con respuestas difíciles o imposibles de obtener. Es decir, proponerme desafíos para abrir campos nuevos de indagación, de investigación y si se puede de construcción. Generar proyectos, y proyectos, y proyectos, mientras la salud –en especial la mental– me lo permita.

No hay nada más hermoso que saber que no se sabe nada (aún a riesgo de que esta frase parezca remanida). Mi proyecto es no perder el espíritu curioso y a través del mismo, si es posible, construir y construir.  Hoy por hoy, me siento capaz de afrontar cualquier campo de acción (la ciencia, la tecnología, el arte, la educación...) porque tengo como base el saber que bien asesorada y constituyendo un buen equipo de colaboradores expertos, tengo la capacidad para conducirlos hacia la obtención del producto que sea.

Concretamente entre los proyectos inmediatos se encuentra el diseño de dos seminarios de posgrado en relación a la ciencia, el arte y la tecnología y posteriormente el diseño de una maestría en este campo, indagando sobre la enseñanza y la producción científica a través del arte. Estos proyectos han sido pedidos por las autoridades de la Universidad Nacional de Lanús, donde serán luego aplicados y desarrollados.

Y para más adelante, cuando ya esté jubilada, tengo en carpeta la escritura y edición de tres libros con pack audiovisual: uno sobre la enseñanza de la música en la escuela secundaria (una versión remozada de la obra gráfica, sonora y visual “Resonancias”, escrita junto a Silvia Malbrán y Silvia Furnó y editada por Ricordi en la década de 1980), otro sobre la improvisación instrumental-vocal contemporánea y su aplicación en la educación artística, y otro sobre las Estéticas Sonoro-Visuales Contemporáneas con la presentación de la metodología de enseñanza y las producciones artísticas de mis alumnos de la Licenciatura en Audiovisión de la Universidad Nacional de Lanús.

A.G. Gracias, Alex, por acceder a esta entrevista. Para comenzar, me gustaría saber algo sobre tus principales intereses en el ámbito de la Educación Musical.

A. R. Como educador musical, investigador y desarrollador de tecnologías para la enseñanza y el aprendizaje musical, mi mayor interés es ayudar a los niños y las niñas a expresarse creativamente. Esto puede concretarse en el uso de tecnologías para componer una canción o en la invención de un kit electrónico para diseñar un instrumento musical completamente nuevo.

A.G. ¿Cuándo y por qué comenzaste a trabajar con tecnología musical?

A. R. En realidad comencé a usar dispositivos tecnológicos cuando a los siete años tuve mi propio teclado sintetizador. Tenía un secuenciador por hardware muy básico que me permitía elaborar canciones con una velocidad más lenta, introduciendo la música nota a nota y luego aumentar la velocidad para reproducirla en el tempo real. Lo utilicé para componer piezas musicales breves y para explorar algunas piezas que todavía no podía tocar a la velocidad adecuada. Luego, en el Instituto, descubrí un software básico de notación musical y comencé a componer piezas musicales para otras personas. Para mí, la tecnología siempre ha sido una plataforma para experimentar con la música y para explorar nuevas maneras de organizar los sonidos de forma novedosa, sorprendente y divertida.

A.G. En tu opinión, ¿cómo ha cambiado la tecnología, y especialmente Internet, el escenario de la educación musical en los últimos años y qué perspectivas abre para el futuro?

A.R. Bueno... Por una parte Internet permite que músicos de todo el mundo puedan "dialogar", aprender los unos de los otros y colaborar juntos. Ahora hay más gente aprendiendo música a través de YouTube que con lecciones presenciales. Puedes acudir a Internet para encontrar un vídeo que te enseñará cómo tocar prácticamente cualquier instrumento y aprender la canción que te gusta. Además de este aspecto, cada vez hay más software basado en la web. Con Noteflight dispones de un programa de notación completo que funciona a través del navegador, independientemente de dónde estés o el ordenador que uses. Con OhmStudio puedes colaborar en la grabación de pistas.  En poco tiempo, estas tecnologías basadas en la web también funcionarán en nuestros teléfonos móviles inteligentes. De hecho, ya es posible descargar apps que transforman nuestros teléfonos móviles o el iPad en un estudio móvil de creación y grabación musical. Debido a estos desarrollos, nuestros estudiantes pueden aprender de nosotros y hacer música 24/7[1]. Como profesores, necesitamos comprender esta situación y conectar con lo que los estudiantes ya están haciendo fuera de nuestras clases.

A.G. ¿Podríamos hoy enseñar música sin tecnologías?

A.R. Creo que no. Después de todo, en algún momento de la historia el papel y el lápiz fueron nuevas tecnologías. Siempre comento con los estudiantes que el órgano fue, probablemente, el primer "sintetizador". En toda la música que escuchan nuestros alumnos ha intervenido, en algún momento del proceso, la tecnología. Nuestras ideas sobre lo que es un buen "sonido" o la interpretación musical están determinadas fundamentalmente por las grabaciones musicales escuchadas a través de discos compactos y archivos MP3, más que por la escucha en conciertos en vivo. En este sentido, nunca podemos enseñar sin tecnologías, y muchos estudiantes están aprendiendo con vídeos de YouTube fuera de nuestras clases. Es una realidad que no podemos ignorar.

A.G. Tienes una interesante experiencia en el uso de dispositivos móviles. ¿Qué diferencia hay entre usar ordenadores y dispositivos móviles en las clases de música?

A.R. Creo que estos dispositivos son simples extensiones de nuestras clases. Podemos usarlos para comunicarnos con nuestros estudiantes, para escuchar grabaciones, para compartir grabaciones de ensayos, y como instrumentos musicales y entornos compositivos. Para mí, la versión de GarageBand para el iPad es más interesante y posee más funciones de interés que la versión para ordenadores.  Puedo llevarla conmigo y usarla para tocar o componer. El teléfono móvil es un ordenador... sólo más pequeño y más portable.

A.G. ¿Cuál es el error o la idea equivocada más frecuente acerca del aprendizaje musical con tecnologías?

A.R. Que todo se centra o gira en torno a las tecnologías. La eficacia de la tecnología depende el usuario. La tecnología no puede hacer nada por sí misma. Cuando se utiliza de manera adecuada, puede ser un aliado poderoso y muy útil en el proceso musical. No obstante, también puede ser usada simplemente como un artilugio, o una recompensa, o para mantener a los alumnos entretenidos. El uso apropiado de la tecnología depende de una buena programación y de un profesor ingenioso que sabe cuándo utilizarla y cómo diseñar experiencias interesantes y atractivas.

A.G. ¿Qué cosas buenas estamos haciendo con las tecnologías en el ámbito de la educación musical y en cuáles necesitamos mejorar?

A.R. Que algo sea "bueno" o no con las tecnologías depende de cómo se utilicen. Algunas de las mejores implementaciones de la tecnología que he visto en educación musical son aquella en las que los docentes utilizan los recursos tecnológicos para establecer conexiones con aquella música en la que los estudiantes están interesados. Entre otros ejemplos, podríamos pensar en un docente que la pide a sus estudiantes que compartan vídeos de su música favorita en YouTube, que les anima a hacer música utilizando la web y dispositivos móviles fuera de la clase y que luego deja un tiempo en el aula para compartir la música que sus estudiantes han creado con y sin tecnologías.

En cuanto a lo que necesita mejorarse, gran parte de la tecnología disponible para los docentes y los estudiantes fue diseñada originalmente para músicos profesionales.  Como resultado de esto, el software y las aplicaciones son muchas veces demasiado complejas y no tienen un diseño que permita un manejo intuitivo. En este campo, necesitamos hacer más investigaciones para averiguar cómo diseñar tecnologías para niños y jóvenes que les permitan aprender y crear música.  Hemos dado unos pasos de gigantes en los últimos años, pero todavía queda mucho trabajo por hacer en este área.

A.G. ¿Los padres y los docentes tienen que estar implicados en el uso de tecnologías para apoyar el aprendizaje musical de los niños?

A.R. A medida que el consumo y la creación musical se basan cada vez más en la web y en Internet, los padres y los docentes necesitan estar al tanto de lo que sus hijos y estudiantes están haciendo online. Como sucede con cualquier tecnología, Internet no es siempre un lugar seguro. En los entornos online, el ciber-bullying es un tema real y preocupante. Cada vez hay más herramientas musicales online que disponen de foros para conectar a los usuarios. Los docentes y los padres deben conversar con los estudiantes sobre esto y compartir los procesos de creación musical utilizando estas herramientas.

A.G. En tus investigaciones observas de manera sistemática las prácticas de niños y  jóvenes para hacer nuevas propuestas de aprendizaje musical. ¿Qué podemos aprender de ellos?

A.R. ¡Todo! Los estudiantes que observo están haciendo música y colaborando con otros músicos (profesionales o aficionados) de todo el mundo de maneras totalmente novedosas. Están descubriendo nuevas herramientas musicales, ideas y grabaciones. Recomiendo a todos los docentes que dejen al menos unas horas de clase cada mes para que los estudiantes puedan intercambiar herramientas y música que descubren fuera del aula. Este proceso pone al docente en el rol del estudiante y al estudiante en el rol del docente. Para mí, la clase ideal es aquella que puede considerarse como un espacio de aprendizaje mutuo, en el que todos pueden ser tanto estudiantes como docentes.

A.G. ¿Cuál es la situación actual de la educación musical con tecnologías en las escuelas de Primaria y Secundaria de los Estados Unidos?

A.R. Como sucede, en general, con todas las artes en las escuelas, los presupuestos se están recortando y la música es una de las materias afectadas. Para los profesores de música es cada vez más difícil obtener financiación para adquirir tecnologías,  aunque con una frecuencia creciente se están integrando iPads y ordenadores portátiles en todas las escuelas. La mayoría de las escuelas en los Estados Unidos no están gestionadas por un organismo de educación centralizado. A menudo, depende más de la iniciativa personal de cada docente de música el tener una wiki y un sitio web de la clase. Aquellos que lo tienen, suelen obtener más apoyo por parte de los padres ya que utilizan la web del aula o la presencia en redes sociales como un medio para defender los intereses de la educación musical en su comunidad.

Mirando la parte positiva, cada vez hay más herramientas musicales gratuitas disponibles en Internet, o apps para dispositivos móviles igualmente accesibles o sin coste. A medida que más y más niños tienen acceso a estos recursos en sus hogares, los docentes tienen más opciones para embarcar a los estudiantes en proyectos en los que pueden utilizar tecnologías fuera del tiempo de clase.

A.G. ¿Qué deberían aprender sobre TIC en los procesos de formación inicial los futuros profesores de música?

A.R. Deberían disponer de un tiempo para comprender el papel que las tecnologías han desempeñado en los procesos de creación y consumo musical a lo largo de la historia... incluso en la música clásica occidental, en lugar de verlas como algo "ajeno" o no musical. Trabajo con estudiantes que se preparan para ser profesores de música e intento que piensen acerca de las siguientes cuestiones:

1. ¿Dónde tienes experiencias musicales en tu vida?
2. ¿Cómo usas las tecnologías en tu vida cotidiana y qué tecnologías usas?
3. ¿Qué significa la música para ti?
4. ¿Qué música escuchas?
5. ¿Alguna vez haces música?
6. ¿Eres músico? ¿Por qué / por qué no?
7. Si pudieses aprender algo acerca de la música: ¿qué sería?
8. ¿Qué es lo que más te gusta de la música en la escuela?
9. ¿Qué es lo que no te gusta de la música en la escuela?

Luego les dejo responder a estas preguntas de tres maneras:

• Como lo hubiesen hecho cuando ellos mismos eran alumnos de primaria
• Como imaginan que lo haría un alumno de primaria en la actualidad
• Entrevistando a un maestro de música de primaria y formulándole estas mismas preguntas.

Una vez que lo han hecho, les pido que comparen las respuestas. Este ejercicio ha sido muy útil para poner de manifiesto cuestiones que ayuden a determinar cuál debería ser el lugar de las TIC en las clases de música.

A.G. ¿Podrías recomendarnos algunos recursos tecnológicos para primaria y secundaria?

A.R. Claro. Algunos de mis favoritos son los siguientes:

• Noteflight. Una plataforma social online de notación musical; el "Google Docs" de la notación musical.
• Scratch. Un entorno visual de programación para música y multimedia.
• MaKey MaKey. Un "kit de invención" de bajo coste para la música y el mundo.
• Music Delta. Una plataforma interactiva online para que los niños puedan aprender, interactuar y hacer música.

Además, hay algunos grandes recursos para profesores de música.

• Musicpln. Un estupendo grupo en Facebook que reúne a profesores de música de todo el mundo.
• Experiencing Audio. Esta es una web que mantengo y que inicia a los docentes en proyectos creativos que exploran los roles y procesos musicales de ingenieros de grabación y productores.
• Performamatics. Esta web de mi grupo de investigación que indaga sobre maneras de enseñar a desarrollar el pensamiento musical y tecnológico integrando música, matemáticas, ciencia e informática.

A.G. ¿Podrías decirnos algo más sobre tus líneas de investigación?

A.R. Sí. Actualmente estoy investigando acerca de cómo aprenden los niños para convertirse en ingenieros de grabación y productores en una comunidad que desarrolla un programa extraescolar de música. También investigo sobre cómo los niños y las niñas se ayudan mutuamente a través de las discusiones online en los foros de Noteflight. Además, participo en dos proyectos que intentan averiguar cómo los niños hacen música con kits electrónicos de creación y trabajo con la Facultad de Informática en el desarrollo de un currículum de robótica basado en la música para estudiantes de primaria y secundaria en la que los alumnos crean robot que hacen música e instrumentos que se ejecutan mediante la intermediación de robots.

A.G. No quiero terminar esta entrevista sin agradecer una vez más a Alex Ruthmann la oportunidad de conocer sus opiniones y propuestas en el ámbito de las TIC y la educación musical. Asimismo, para aquellos lectores interesados, dejo aquí algunos enlaces de interés.

 Alex Ruthmann's Blog: Thoughts and musings about learning and teaching music.

Su perfil en Twitter: http://twitter.com/alexruthmann

Su canal en YouTube.

Una web en Mendeley con algunas de sus últimas publicaciones.

[dropcap cap="E"]n REM nos hemos hecho eco de diversas plataformas que buscan música en la red y que posibilitan la creación de listas de reproducción personales (lastFM, Goear, Spotify…). Hoy nos centramos en apps específicas que realizan esta labor con partituras o con la obra de los propios compositores.[/dropcap]

[inset side="right" title="Pioneros"]La filarmónica de Bruselas ha sido la primera (al menos oficialmente) en sustituir el papel por la tablet. Enun acto simbólico lanzaron por los aires el papel para reemplazarlo por la tablet.[/inset]

Si unimos el potencial multimedia de tablets y smartphones a las posibilidades de búsqueda de la red, encontramos una interesante combinación para la búsqueda de música no sólo en formatos de audio, sino también en partitura. Precisamente no hace mucho que la filarmónica de Bruselas sustituyó las partituras de los atriles por tablets para interpretar el Tristán de Wagner entre otras obras.

{youtube}eQdfk3Qj5pk{/youtube}

La aplicación que utilizaron en la filarmónica de Bruselas es neoScores, actualmente en desarrollo, aunque no es la única aplicación capaz de visualizar partituras entre otras muchas opciones.

Virtual Sheet Music
(iOS) Esta app pone a tu disposición una enorme catálogo con miles de partituras (algunas de ellas gratis otras previo pago). Es posible visualizar las partituras en pdf, descargarlas, imprimirlas y escucharlas, dado que trabaja con archivos MIDI y Mp3.  Sin duda hará las delicias de los estudiantes de música y melómano en general. La app incluye 50 partituras gratis para trabajar con ellas incluso off-line. Como decíamos, la consulta más extensa requiere de una conexión la red. Precisamente tiene su propio sitio web en el que nos podemos registrar y crear nuestras propias carpetas, sincronizarlas con nuestro dispositivo, etc.

[inset side="left" title="Funcionamiento"]La mayoría de estas apps funcionan de una forma afín, permitiendo el paso de páginas y añadiendo interesantes opciones: posibilidad de anotación, grabación, afinadores, metrónomo, etc.[/inset]

eStand
Es una aplicación multiplataforma, puede utilizarse tanto en la tablet como en el smartphone o el pc. Permite la visualización de partituras en diferentes formatos (pdf, jpeg, bmp, etc.), además de la anotación de comentarios marginales como si de papel se tratase, la creación de bibliotecas organizadas por diversos criterios (autor, época, estilo…); incorpora metrónomo, afinador y otras útiles opciones, como pasar las páginas de la partitura con toques en la pantalla o mediante un pedal. La única pega es que es de pago (desde 149 euros)…

The Chopin Project Lite.

(iOS). En este caso no se visualiza la partitura, “sólo” disponemos del audio, que no es poco. Los amantes del piano del polaco estarán encantados con esta app que pone a tu disposición el repertorio de Chopin. Eso sí, tendrás que abonar algo menos de 1 dólar (USD) para acceder a todo el repertorio. Algunos de los intérpretes son William Kapell o Arthur Greene.

La aplicación permite crear listas de reproducción por género, tonalidad, o fecha de composición o realizar múltiples búsquedas por estos mismos conceptos.

[div class="notice" class2="typo[icon"]
Referencias.

Neoscores.

Copin Project lite.

Virtual Sheet Music.

eStand.

[/div]