Estos 5 planetas, al igual que los que se descubrirán más adelante y sus satélites, toman su nombre de divinidades de la mitología clásica, lo que establece una relación entre el planeta y el carácter de la respectiva deidad, algo que ha sido explotado por la astrología para describir el tipo de influencia que tendría sobre las personas la posición de cada uno de estos planetas en su signo zodiacal.

Gustav Holst, compositor inglés del que hoy conmemoramos el 78º aniversario de su muerte, se acercó a la astrología durante un viaje en España que realizó junto con algunos músicos y poetas también ingleses, entre los cuales estaba Clifford Bax, que fue quien le transmitió ese interés. Y fue justamente esa pasión hacia la astrología la que lo empujó a componer su obra maestra, Los planetas (partitura), una suite en siete movimientos dedicados respectivamente a cada uno de los planetas de nuestro sistema solar, con un subtítulo que describe el programa, basado en el carácter del correspondiente dios:

• Marte, el portador de la guerra.
• Venus, el portador de la paz.
• Mercurio, el mensajero alado.
• Júpiter, el portador de la alegría.
• Saturno, el portador de la vejez.
• Urano, el mago.
• Neptuno, el místico.

El primero de estos 7 movimientos está construido sobre un compás de 5/4 y arranca con un ostinato rítmico de los timbales y las cuerdas que avanza implacable y al que en seguida se sobrepone el tema principal, muy marcial y tenebroso, protagonizado por las trompas (otro recurso musical que evoca la guerra).

En el segundo movimiento, sereno y luminoso como el astro que más reluce antes del amanecer o después del atardecer (excluyendo la Luna), Holst utiliza numerosos recursos musicales para conseguir neutralizar la belicosidad anterior, empezando por renunciar a la gran variedad de instrumentos de percusión de los que dispone en esta pieza y siguiendo con el empleo de la sordina en las cuerdas y de solos del concertino.

El empleo intensivo de rápidos y ligeros pasajes de escalas y arpegios da la idea de velocidad relacionada tanto con el dios Mercurio, frecuentemente representado con alas en los pies, como con el planeta homónimo, el más rápido del sistema solar, que sólo tarda 88 días en completar su órbita alrededor del Sol.

Aunque en la iconografía del padre de los dioses del Olimpo prevalezca una imagen muy severa -sentado en el trono desde el cual impartía la justicia imponiendo severos castigos a los reos, fulminando con un rayo o transformando en planta o animal a quien lo enojaba- el término jovial nos lleva a recordar la faceta más alegre de este personaje mitológico, al que se le atribuye una gran cantidad de amantes. Holst lo describe como portador de la alegría con un movimiento a la vez solemne y chispeante.

Mucho más sombrío es el movimiento dedicado a Saturno, tal como era de esperar tratándose de alguien capaz de devorar a sus propios hijos a cambio de un reinado y por eso reducido a la condición de mortal, lo que le hará conocer el envejecimiento. Desde el comienzo, este movimiento nos recuerda el paso del tiempo con una obsesiva repetición de la alternancia de dos acordes imitando el tictac de un reloj.

Urano, el mago es un claro homenaje a otra obra que trata de magia: El aprendiz de brujo de Paul Dukas. Al igual que ésta, la pieza de Holst empieza con 4 notas largas, en esta ocasión sin adornos. Tras la repetición rápida de esas 4 notas, los fagots presentan el mismo ritmo saltarín empleado por el compositor francés y popularizado por Mickey Mouse en Fantasía.

Neptuno es quizás el dios más enigmático de la mitología clásica, misterioso como su reino, el mar, tan fascinante y a la vez tan peligroso. Los trémolos y los arpegios de las arpas y las cuerdas frotadas, junto con la alternancia de dos acordes menores, crean una atmósfera impenetrable que llega a su culminación cuando Holst evoca otro personaje mitológico del mar, las sirenas, con el canto sin texto de voces femeninas, sorprendiendo al oyente que acude a un concierto sin conocer la obra, pues el compositor indicó en la partitura que “el coro debe situarse en una habitación adyacente cuya puerta debía quedar abierta hasta el último compás de la pieza, cuando se cerrará lenta y silenciosamente”. En el último compás de la partitura hay otra anotación: “este compás debe ser repetido hasta que el sonido se pierde en la distancia”.

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 Nota: la foto que aparece en el vídeo anterior es de Manuel Ferrol.

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Hay una creencia muy extendida según la cual en la inauguración del canal de Suez se habría representado la ópera de Giuseppe Verdi Aida. Esta información, aún siendo totalmente errónea, está presente en innumerables sitios web, sobre todo blogs y foros, lo que facilita su redifusión por parte de cualquier usuario de la red que la tome por buena. A veces también caen en la trampa los periodistas profesionales, que demasiado frecuentemente se documentan de manera inadecuada, como es el caso del autor de este especial de Antena3 Noticias, que, hablando del canal de Suez, dice textualmente:

En un mes de noviembre de 1869, el día 17, se inauguró esta obra faraónica con la interpretación de ‘Aida’, de Verdi, compuesta para la ocasión.

Lo único cierto de esa afirmación es que efectivamente ese día se inauguró esa vía de 163 kilómetros de longitud que permite navegar de Europa a Asia y viceversa sin tener que rodear África, pero la música que acompañó ese evento no fue la ópera de Verdi, sino la Egyptian March Op. 335 de Johann Strauss II.

Probablemente el equívoco se debe no a una sola sino a varias causas. En primer lugar, inicialmente Verdi recibió un encargo para componer un himno (no una ópera) para la inauguración del canal, pero lo rechazó. Otra razón es que, coincidiendo con ese acontecimiento, tan sólo un par de semana antes, también se inauguró el Teatro Real de la Ópera (Khedivial Opera House) de El Cairo con la representación de una ópera de Verdi. Pero no se trataba de Aida, sino de Rigoletto. Finalmente, Aida fue estrenada en ese mismo escenario, pero eso no ocurrió hasta el 24 de diciembre de 1871, cuando ya habían pasado más de dos años desde la inauguración de ambas obras. Así lo cuentan en la página oficial del teatro:

Contrary to general belief, Aida was not commissioned for the inauguration of either Opera House or Suez Canal. In fact, the Opera House opened with Rigoletto, an earlier masterpiece by Verdi. Aida was first performed in 1871.

El edificio del cual trata el párrafo citado fue totalmente destruido por un incendio hace más de 40 años. La plaza en la que estaba situado mantiene el antiguo nombre de Plaza de la Ópera, aunque el nuevo Teatro de la Ópera, construido en 1988, esté en otro lugar.

Además de esos hechos históricos, la ambientación de Aida en el antiguo Egipto sin duda ayudó y sigue ayudando a la propagación de este equívoco.

El título de la obra es el nombre de su protagonista, una princesa etíope capturada en una expedición militar de los egipcios, que ignoran su identidad. En su cautiverio se enamora, correspondida, de Radamés, un comandante del ejército del faraón, lo que pone a ambos en un dilema, teniendo que elegir entre la persona amada y su patria.

Este conflicto interior se acentúa cuando, de vuelta de una nueva ofensiva a Etiopía, Radamés trae prisionero al padre de Aida, desconociendo que se trata del rey enemigo, que cree muerto en la batalla. El faraón, para premiar a Radamés por el éxito, le ofrece a su hija como esposa y le invita a pedir cualquier deseo. Por amor a Aida, Radamés pide la liberación de los prisioneros, que se le concede con la excepción de la misma Aida y de su padre, quienes son retenidos como garantía de que los etíopes no intentarán organizar una venganza. Sin embargo el rey etíope obliga a su hija a sonsacar a su enamorado la posición del ejército egipcio y, una vez conseguida esa información, a huir con él.

La traición involuntaria de Radamés es descubierta y castigada severamente: será enterrado vivo, pena que acepta con resignación por el consuelo de saber que Aida está a salvo. Pero cuando sus verdugos lo abandonan en el sótano que será su tumba y sellan su única vía de salida, Radamés se da cuenta de que no está solo: Aida se ha escondido allí para morir entre sus brazos.

En la larga lista de arias famosas de esta ópera destacan Celeste Aida (Celeste Aída), Qui Radames verrà (Radamés vendrá aquí) y Ritorna vincitor (Vuelve victorioso). El vídeo siguiente contiene una versión bastante curiosa de esta última aria, perteneciente a la versión cinematográfica rodada en 1953 en la que Sophia Loren interpreta a Aída con la voz de Renata Tebaldi.

Sin embargo el número más popular de esta ópera no es un aria sino una sección coral, Gloria all’Egitto, que contiene a su vez la marcha triunfal que acompaña la entrada en la ciudad del ejército victorioso de Radamés a final del segundo acto.

El tema principal de la marcha triunfal está pensado para un instrumento construido expresamente para esta ópera: una trompeta natural a la que se le añadió un solo pistón. A diferencia de las trompetas modernas, que gracias a sus tres pistones pueden tocar todas las notas incluidas en su extensión, las que podemos observar en el vídeo son muy limitadas en este sentido por lo que, en el momento en que hay una modulación a un tono lejano (lo que se da en el minuto 0:49), es necesario utilizar otro instrumento similar de diferente longitud. En este caso concreto, las dos secciones no suelen estar a cargo del un mismo instrumentista que cambia de trompeta, sino de dos músicos distintos, no sólo porque no da tiempo a realizar el cambio, sino por exigencias teatrales pues estos músicos de la orquesta no tocan en el foso como sus compañeros sino en el escenario, donde actúan como figurantes contribuyendo también visualmente al exotismo de la obra. Esta última función de este instrumento debe haber sido la razón principal del su uso, ya que esa melodía se puede realizar con una trompeta moderna sin que se note mucho la diferencia evitando múltiples desventajas, como por ejemplo la dificultad de transporte y de manejo en el espacio destinado a la orquesta, además del coste añadido.

Ya sea con trompetas naturales o modernas, este fragmento musical suena muy brillante y solemne, un carácter que obviamente no se puede conseguir con una flauta dulce. Aún así, he arreglado esta marcha para este instrumento de manera que mis alumnos y alumnas puedan disfrutar tocándola. La sección central tiene bemoles, en sentido literal, por lo que, si todavía no se tiene un nivel suficiente para tocarla, es preferible permanecer en silencio y retomar cuando se vuelve a la tonalidad principal (compás 38).

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Saudade es algo que no se comprende, sino que se siente. Que no se entiende, sino que se sufre. Que no se cuenta, sino que se canta. Y cuando la saudade se canta, se llama fado.

No vamos ahora a intentar explicar esta otra palabra, dejemos que lo haga Amália Rodrigues, considerada universalmente como la reina del fado  (la traducción sólo quiere comunicar el significado del texto y no pretende transmitir su sentido poético).

Además de la voz, en el fado suele haber dos instrumentos, la guitarra portuguesa, que dialoga con ella, y la guitarra española, llamada viola por los fadistas y generalmente empleada para sostener armónica y rítmicamente la canción, alternando de manera prácticamente continua el bajo con el resto del acorde.

Aunque compartan nombre y pertenezcan a la misma familia de los cordófonos, son dos instrumentos muy diferentes tanto en forma y tamaño (la caja de resonancia de la guitarra portuguesa, más pequeña que la española, tiene forma de pera), como en otras características que afectan decisivamente al timbre, entre las cuales destacan las cuerdas: la guitarra española tiene seis cuerdas de nylon mientras que en la portuguesa hay seis pares de cuerdas metálicas, lo que le confiere su sonoridad plena y su timbre tan peculiar.

Por lo que se refiere al aspecto exterior, seguramente la parte más original es la cabeza, en la que está insertado el clavijero con sus 12 clavijas metálicas dispuestas en forma de abanico. Su decoración es diferente en cada uno de los tres tipos de guitarra portuguesa existentes: la guitarra de Oporto con una escultura, generalmente una cabeza de persona o animal, de manera similar a las violas antiguas, la de Lisboa con una voluta, al igual que la moderna familia del violín, y la de Coimbra con una lágrima, una forma totalmente original que podemos observar, junto con otros detalles, en las preciosas fotos que aparecen en la siguiente presentación, obra de Feliciano Guimarães, quien generosamente las comparte en Flickr.

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De hecho, para el compositor italiano, del que celebramos hoy el 22º aniversario del fallecimiento, su actividad artística era absolutamente inseparable de su activismo político, caracterizado por un fuerte antifascismo, y de su preocupación por la justicia social, aspectos muy evidentes en los títulos de la gran mayoría de sus obras, entre las cuales recordamos: La victoire de Guernica y los tres epitafios dedicados a García Lorca (aquí va el 2º: Y su sangre ya viene cantando), sobre la guerra civil española; Canti di vita e d’amore: sul ponte di Hiroshima, contra el holocausto nuclear; Ricorda cosa ti hanno fatto in Auschwitz, basado en los testimonios de supervivientes de ese campo de concentración nazi o La fabbrica illuminata, una denuncia de la explotación a los trabajadores por parte del capitalismo.

Probablemente su obra más emblemática sea Il canto sospeso, una conmemoración de las víctimas de los fascismos europeos del siglo XX, cuyo material musical es una serie dodecafónica que incluye todos los intervalos:

y cuyo texto está compuesto por unos fragmentos de las cartas que algunos partisanos condenados a muerte escribieron a sus padres para despedirse antes de su ejecución.

Particularmente conmovedoras son las dos siguientes, la primera de Chaim, un campesino polaco de tan sólo 14 años;

Si el cielo fuera papel y todos los mares del mundo fueran tinta, no alcanzaría con ello describir mi sufrimiento y todo lo que he visto a mi alrededor. Digo adiós a todos y lloro [...]

La siguiente es de un maestro y periodista búlgaro de 26 años, Anton Popov:

Estoy muriendo por un mundo que brillará con una luz de tal  fuerza y belleza que mi propio sacrificio no es nada. Millones de hombres han muerto por esto en las barricadas de la guerra. Yo muero por la justicia. Nuestras ideas triunfarán [...]

En el siguiente vídeo, las cartas son leídas por Ben Kingsley y la música es interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Claudio Abbado.

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Copio y pego el texto completo porque suscribo cada una de sus palabras y no sabría expresarlo mejor. Muchas gracias, Loli.

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Desde siempre, para mi el 25 de abril es el día de la libertad, pues en mi país de origen en esa fecha se celebra la liberación de Italia de la ocupación nazifascista, en 1945. Así que aunque en España, mi país de adopción, el 25 de abril es un día cualquiera, siempre que llega ese día mi recuerdo va para los que han luchado, alguno de ellos sacrificando su propia vida, por ese derecho fundamental.

Este año he tenido la oportunidad de celebrar el 25 de abril en Portugal, donde también conmemoran en esa fecha su liberación de una dictadura, el salazarismo, conseguida en 1974 con la Revolución de los Claveles.

Ese día, a pesar de la lluvia incesante, el Rossio estaba lleno de gente de todas las edades que, con un clavel rojo en la mano, conmemoraba el fin del régimen, acabado por el golpe de Estado militar del Movimento das Forças Armadas, que abrió paso a un proceso de democratización de Portugal y al que se unió masivamente el pueblo luso, que salió a la calle en las principales ciudades portuguesas para apoyar el levantamiento y mezclarse con los militares rebeldes, a pesar de que las indicaciones que éstos daban a la población eran permanecer en sus casas. Por su parte, unos soldados pidieron unos claveles a unas vendedoras ambulantes y los introdujeron en los cañones de sus fusiles para dejar todavía más claro, por si hiciera falta, su deseo de no utilizar sus armas más que como disuasivo para el resto del ejercito y, sobre todo, para la PIDE, la policía política, que antes de rendirse causó la muerte de 4 civiles, los únicos que perdieron la vida en toda la revuelta.

Como señal para el inicio de las operaciones militares, los comandantes del MFA utilizaron una canción prohibida por el régimen dictatorial, Grândola, Vila Morena, que eligieron en un concierto que Amália Rodrigues, la reina del fado, había dado en el Coliseo de Lisboa poco menos de un mes antes. Esa canción, al igual que la mayoría de las compuestas por su autor, José Afonso, estaba prohibida por la censura, que en ese mismo concierto impidió la ejecución de otras 5 canciones del mismo cantautor. Sin embargo Grândola, Vila Morena se le escapó, así que Amália la cantó para cerrar ese concierto (la voz del siguiente vídeo es la suya) y la asoció para siempre a la Revolución de los Claveles.

El momento clave del 25 de abril portugués fue sin duda el sitio y la detención de Marcelo Caetano, el sucesor de Salazar, que a partir del comienzo de la revolución se había refugiado en el Cuartel de la Guarda Nacional Republicana del Largo do Carmo, en el Chiado. Ese momento está documentado en este vídeo, en el que se aprecia la gran cercanía y afinidad entre el pueblo y los militares rebeldes.

En ese mismo lugar, unas horas después de la manifestación, pude volver a escuchar Grândola, Vila Morena, tocada por unos gaiteros espontáneos.

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También hay algunas islas a las que sólo se puede llegar con una embarcación privada o en vaporetto. Las más famosas tal vez sean Burano, por sus casas pintadas con colores vivos y su producción artesana de encajes de bolillo, y Murano, por sus artistas del vidrio, soplado a pleno pulmón para darle todo tipo de formas.

A medio camino entre Venecia y Murano hay otra isla muy importante, aunque menos turística: San Michele. En realidad, se trata de dos islas que hasta hace algo menos de dos siglos estaban separadas por un estrecho canal que ha sido llenado de tierra para permitir la ampliación del cementerio, que ocupa todo su territorio. En este cementerio monumental descansan los restos mortales de numerosos personajes ilustres, entre ellos Igor Stravinsky.

El compositor ruso murió en Nueva York el 6 de abril de 1971, a punto de cumplir los 89 años. Se celebró un primer funeral en esta ciudad de Estados Unidos, país en el que pasó la mayor parte de su larga vida. Sin embargo a los pocos días, hoy hace exactamente 41 años, su féretro fue trasladado a Italia por su expresa voluntad para recibir sepultura en el mismo cementerio en el que desde 1929 descansaba Sergei Diaghilev, el empresario de los legendarios Ballets Rusos, una compañía que revolucionó la danza de la Europa de comienzos del siglo XX (dejando su fuerte influencia durante muchas décadas posteriores) gracias a la unión de su brillante e innovadora técnica, llena de vitalidad y expresividad, con la genialidad de un gran número de artistas que colaboraron con ella. Entre ellos: los pintores Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y Henri Matisse, los coreógrafos Michel Fokine, Marius Petipa y Vaslav Nijinsky y los músicos Claude Debussy, Maurice Ravel, Erik Satie, Richard Strauss, Ottorino Respighi, Francis Poulenc y Manuel de Falla.

El encargo que en 1910 Diaghilev hizo a Stravinsky no pudo ser mejor oportunidad para el joven compositor, muy prometedor pero todavía poco conocido: la música para un ballet sobre un cuento infantil ruso. Stravinsky, que todavía vivía en su país de origen, compuso una primera versión para piano empleando un lenguaje musical con muchas referencias al folclore de su tierra. Seguidamente, poniendo en práctica lo que había aprendido de su sabio maestro Rimsky-Korsakov, lo orquestó empleando una paleta de colores vivos y brillantes. Así nació el El pájaro de fuego, la primera de una larga serie de colaboraciones entre estos dos grandes personajes de la cultura del siglo XX, incluyendo su obra maestra: La consagración de la primavera.

El protagonista de este cuento fantástico es un pájaro de color brillante que tiene el poder de deshacer los embrujos del malvado Kastchei. El príncipe Iván, tras capturar al pájaro, conmovido por sus súplicas, lo deja en libertad. Agradecido, éste le regala una de sus plumas, que le servirá para pedirle auxilio, agitándola en el aire, cuando está a punto de sucumbir frente al brujo. El pájaro le salva cantando una dulcísima nana que duerme a Kastchei y permite a Iván destruir el huevo que contiene su alma y hacer desaparecer al malvado para siempre.

En el siguiente vídeo, grabado en 1965, tenemos la oportunidad de escuchar y ver al mismo Igor Stravinsky, octogenario, interpretando la nana y el final de la suite del ballet (versión de 1945) al frente de la New Philharmonia Orchestra.

La suite de este ballet (versión de 1919) la emplearon los estudios Disney para cerrar el largometraje Fantasía 2000. Las imágenes no se refieren en absoluto al cuento original, sino que narran otra historia, la de una ninfa del bosque que, al final de un gélido invierno, despierta la naturaleza para que vuelva a llenar de vida y color los campos. Pero comete el error de despertar también a un volcán, cuya erupción es tan violenta que, además de cubrir todo lo que le rodea, casi la mata con sus enormes chorros de lava con forma de pájaros de fuego. Cuando la ninfa se recupera, al contemplar tanta desolación a su alrededor, deja caer una lágrima que, al contacto con la tierra, devuelve la vida a toda la vegetación y la felicidad a ella y su amigo ciervo.

En el minuto 4:23 de la interpretación de Stravinsky y en el minuto 5:55 del vídeo de Disney, empieza el final del ballet, El retorno a la vida de los caballeros petrificados y la alegría general, del que he preparado un arreglo para flauta dulce.

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Siguiendo en la línea de su predecesora en la cartera de Cultura, la también cultísima Ángeles González-Sinde, quien instituyó el Premio Nacional de Tauromaquia, Wert, al mismo tiempo en que recorta de manera brutal el presupuesto para Educación, se propone incrementar los fondos destinados a la promoción de ese espectáculo lamentable y antieducativo, basado en el maltrato, el sufrimiento y la muerte.

No es casual que sea esta la “cultura” que quieran fomentar desde el Gobierno, pues está claro que quieren distraer al pueblo del durísimo ataque a los derechos sociales y constitucionales, aplicando una receta de casi 2.000 años de antigüedad que por lo visto aún sigue dando buenos resultados: panem et circenses, “una locución latina peyorativa de uso actual que describe la práctica de un gobierno que, para mantener tranquila a la población u ocultar hechos controvertidos, provee a las masas de alimento y entretenimiento de baja calidad y con criterios asistencialistas. (Wikipedia, a día de la fecha)”, ya españolizada como pan y toros a finales del siglo XVIII por León de Arroyal y puesta en música por Francisco Asenjo Barbieri, autor de la zarzuela así titulada.

Por eso, para tener una visión global y conseguir una mejor coordinación de esa labor a fin de que no falte ese entretenimiento de baja calidad, el ministerio de Wert asume también el deporte, palabra que para las masas es sinónimo de fútbol.

Entretenimiento de baja calidad, cuánta verdad en tan pocas palabras: ya se ve claramente que eso también está afectando a la primera competencia de este recién nacido ministerio, la educación, pues cuando su calidad baja, ésta se transforma en entretenimiento, en guardería.

No malinterpretéis esta palabra, de ninguna manera me refiero a la guardería infantil y menos aún a la Educación Infantil, posiblemente la más innovadora de las etapas educativas. Me refiero a que hay una clara voluntad de retroceso en educación por parte del poder económico (que hoy en día es el que controla al poder político), con la intención de recuperar los orígenes de la escuela pública: la necesidad de proporcionar un lugar en el que los hijos de los obreros estuvieran atendidos durante la jornada laboral de sus progenitores.

En la sociedad rural la escuela no era tan interesante para los poderosos, pues el puesto del trabajo de los campesinos coincidía con su domicilio. Con la industrialización y la migración urbana, fue necesaria una institución que se ocupara de niños y niñas. Y ya que estaban, que aprendieran lo que les iba a servir para integrarse eficazmente en la cadena productiva, pero no mucho más, ya que si llegaban a ser conscientes de que tenían derechos, podían llegar también a exigir que se les respetasen.

Hay conquistas como el derecho a la sanidad y a la educación, la libertad de expresión y de manifestación, el derecho de huelga, etc., cuya consecución ha necesitado mucho tiempo y, sobre todo, la lucha, a veces sangrienta, de varias generaciones. Ahora estos logros se están tambaleando. ¿Vamos a aceptarlo en silencio?

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Tras más de un año desde su redacción, en un momento en que desde el Ministerio anuncian la supresión del programa Escuela 2.0 (y de muchos otros programas y planes), es fundamental que se reflexione sobre la importancia del uso de la tecnología en educación.  No se trata simplemente de “aprender a usar los ordenadores” -lo que, de no conseguirse en edad escolar, se puede compensar una vez adultos- sino de algo mucho más importante: la tecnología bien utilizada nos sirve para cambiar el enfoque metodológico, consiguiendo que el alumnado deje de ser un receptor pasivo de conocimientos prefabricados y se convierta en el protagonista de su aprendizaje, mediante un esfuerzo continuo de construcción activa de nuevo conocimiento. En otras palabras: se trata de la calidad de la educación.

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