El blog de José Ramón González

Convento de San José en Badajoz

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sat, 07 Sep 2013 08:30:00 +0000

Seguimos el repaso al catálogo monumental de Badajoz con una pequeña aproximación a la historia y edificio del Convento de San José, también conocido como Convento de las Adoratrices por ser custodiado por esta congregación religiosa. Se trata de un edificio neogótico situado en la plaza de San José, cuya singularidad se acrecienta por ser prácticamente un testigo único de estilo arquitectónico en la comunidad extremeña.

El templo posee un complicado emplazamiento ocupando una estrecha franja de espacio entre la citada plaza de San José, la Alcazaba Árabe y las calles San Atón y Suárez de Figueroa, lo que unido a la pendiente del terreno y su grandiosa fisonomía siempre me ha hecho evocar la figura de un gran barco que se hubiera quedado varado antes de llegar a la Plaza Alta.

El edificio comenzó a construirse en 1917 sobre los restos de la primitiva Ermita de San José, derribándose entonces varias casas que tenía adosadas y restaurándose la pequeña iglesia como capilla del convento. La primitiva ermita fue erigida en el siglo XIII bajo esta advocación al haber sido conquistada la ciudad a los musulmanes por el rey Alfonso IX de León el día de San José de 1230.

De especial importancia durante el siglo XVI fue la cofradía fundada por los carpinteros y entalladores de la ciudad en este lugar, con figuras tan destacadas como los maestros Hans de Bruselas y Jerónimo de Valencia –autores de la sillería del coro de la Catedral- que dotaron al templo de un gran patrimonio artístico. A principios del XIX, durante la Guerra de la Independencia, la ermita fue bombardeada y saqueada, lo que sumió al edificio en un estado de progresivo deterioro que culminaría con la sustitución del templo por el actual convento.

El proyecto lo firmó el ingeniero Francisco Franco Pineda, quien por estos años realizó numerosas obras en la ciudad junto a su colaborador habitual, el maestro de obras Adel Pinna. Franco Pineda -conocido como "Curro" Franco- nació en Sevilla en 1880 y fue comandante de ingenieros, arquitecto militar y gerente de la empresa Pax Paper de Badajoz.

Precisamente muchas de las obras que realizó junto a Pinna en Badajoz fueron la decoración de diversos locales. Como curiosidad hay que recordar que Pax Paper fue la encargada de realizar el espectacular techo del antiguo Casino –hoy Salón Noble de la Diputación- con figuras vegetales, angelotes y querubines que enmarcan los conocidos lienzos de Adelardo Covarsí.

Sin embargo, la obra cumbre de Curro Franco fue el Instituto de Higiene del Doctor Murga en Sevilla (1905-1907), un espectacular edificio de inspiración grecorromana que se situaba en la calle Marqués de Paradas, 35. Construido como residencia, clínica y laboratorio del doctor Leopoldo Murga Machado e inspirado en el Museo Británico, fue derribado en los años 60 del pasado siglo.

Otra de sus grandes obras, también desaparecida, fue el Cuartel de Menacho de Badajoz (1920-1925). González González le atribuye también la realización junto a Adel Pinna del edificio Las 3 Campanas (1916-17) y la Casa Álvarez-Buiza (1919-21), siendo también de su autoría el edificio de viviendas de la calle Dosma, nº 18 de Badajoz (1924-25).

Franco Pineda escogió para el Convento de San José el neogótico, un estilo surgido en Inglaterra a finales del siglo XVIII que pretendía recuperar las formas arquitectónicas del gótico medieval y que alcanzó su máximo esplendor en Europa durante el XIX. Mucho tuvieron que ver en la propagación de este estilo las teorías del arquitecto y arqueólogo francés Eugène Viollet-le-Duc -restaurador de la catedral de Notre Dame de París y la villa medieval de Carcasone-, que defendía la “unidad de estilo” de las construcciones, basada en su admiración por el gótico, al que consideraba superior técnicamente a todos los estilos posteriores.

Viollet-le-Duc no tenía reparos en eliminar elementos renacentistas, barrocos o neoclásicos de las obras en las que intervenía para dotarlas del supuesto aspecto que el arquitecto original les habría dado de haberlas completado, erradicando de esta forma la correcta contemplación de la historia y evolución artística de los monumentos. Ejemplos muy destacados de esta corriente neogótica del XIX son las nuevas fachadas de las catedrales de Milán y Florencia o las más cercanas de Cuenca y Barcelona.

En nuestra región los ejemplos arquitectónicos del neogótico son escasos, aunque habría que mencionar pequeñas muestras como la capilla de Santa Isabel en Villanueva de la Serena (1893), la capilla funeraria de la familia Higuero (1909) en la Iglesia de la Asunción del pueblo de Ruanes (Cáceres) o la entrada al cementerio de Alcuéscar (Cáceres); lo cual convierte al convento de San José de Badajoz en la mejor y más completa representación de este estilo en la región.

La iglesia del convento presenta una pequeña y sencilla fachada principal que se abre a la plaza de San José compuesta por una portada con arco ojival en la que se sitúa un relieve del escultor Julio Clivilles representando al santo con el niño Jesús y dos ángeles. Sobre ella se encuentra un bello rosetón y rematando y enfatizando la parte central una espadaña que acoge las campanas y una crestería típicamente gótica que recorría primitivamente todo el edificio. La iglesia se cubre interiormente con bóveda de medio cañón y cúpula de medio punto, imitándose mediante molduras las bóvedas de crucería gótica.

En el exterior el conjunto era originalmente de gran presencia y monumentalidad, no encontrándose otra iglesia en toda la ciudad de Badajoz con tal profusión de elementos decorativos –arcos de numerosas formas, bajorrelieves, pináculos- en sus fachadas. Curiosamente, el convento de San José también fue uno de los primeros edificios de Badajoz en que se empleó el cemento armado.

Desgraciadamente, el convento ha estado sumido durante décadas en un gran abandono por parte de las administraciones, habiéndose perdido buena parte de las cresterías, gárgolas y elementos originales. Las Adoratrices, incapaces de acometer por sí mismas la financiación de una obra integral de rehabilitación, han recurrido a la prensa para pedir ayuda en varias ocasiones durante la última década.

Tras importantes desprendimientos en marzo de 2006, una de sus peticiones desembocó en la concesión en 2007 de una partida de 120.000 euros por parte de la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura para restaurar únicamente las tres fachadas de la iglesia –dejando el resto de las dependencias conventuales para futuras fases-. El proyecto de rehabilitación lo firmó el arquitecto Jaime Olivera y fue ejecutado por la empresa Construcciones Olivenza, centrándose en el enlucido, cresterías y huecos originales para que el templo recobrase su aspecto primitivo.

La obra, terminada en julio de 2009, recuperó felizmente el revoco de cal a la martillina de la fachada y las cresterías que remataban el edificio, gracias a moldes con los que se copiaron los adornos que aún se conservaban completos. Desde entonces han pasado cinco años en los que no se ha vuelto a actuar en el edificio, presentando el resto de fachadas del convento un aspecto deplorable y ofreciendo una imagen pésima al visitante que se acerca a la Alcazaba y su entorno.

En el interior del templo la situación no es mucho mejor, encontrándose el pavimento destrozado y corriendo peligro de pérdidas irreparables alguna obra de arte. Precisamente el pasado 21 de abril las Adoratrices volvieron a dar la voz de alarma a través del diario HOY para que la iniciativa privada o pública colaborase en la recuperación del retablo mayor del convento, una magnífica obra barroca que se encuentra muy deteriorada debido al paso del tiempo y los efectos de la carcoma. El retablo ya había comenzado a consolidarse en verano de 2012 por el restaurador Luis Mangas pero la falta de presupuesto y la repentina muerte de Mangas unos meses después paralizaron la obra.

Desde BaluArte de Badajoz animo a todos los amantes del patrimonio y la historia local, y sobre todo a las administraciones, a colaborar para la recuperación de este emblemático edificio de nuestra ciudad, que desgraciadamente y como muchos de nuestros monumentos, sigue cayéndose literalmente a pedazos.

Bibliografía:
•Plástica Extremeña. María del Mar Lozano Bartolozzi. Caja de Badajoz. 1990.
•Historia de la Arquitectura en Extremadura. Antonio de la Cruz Solís. Diputación Provincial de Badajoz. 1998.
•Guía artística de la ciudad de Badajoz. Carmen Araya y Fernando Rubio. Diputación Provincial de Badajoz. 2003
•Badajoz, mucho que ver. Asociación Amigos de Badajoz. Tecnigraf. 2004.
•Diario HOY 30/03/2006. Miriam Fernández Rúa. "El deterioro de la fachada de las Adoratrices se convierte en una amenaza".
•Diario HOY 31/01/2007. Evaristo Fernández de Vega. "La Consejería de Cultura restaurará la fachada de la iglesia de las Adoratrices".
•Guía de arquitectura de Badajoz 1900-1975. José-Manuel González González. Junta de Extremadura. 2011.
•Diario HOY 27/11/2008. Evaristo Fernández de Vega. "Un esqueleto de andamios anuncia la rehabilitación de las Adoratrices".
•El Periódico Extremadura 24/09/2012. A.M.Romasanta. "Las monjas Adoratrices necesitan ayuda para poder salvar su capilla".
•Diario HOY 21/04/2013. Evaristo Fernández de Vega. "El retablo de las Adoratrices se cae a pedazos".
Fotografías: José Ramón González / Archivo de José Ángel Vicente / M.Arribas.

*Publicado originalmente en BaluArte de Badajoz

Miami Sound Machine: Otra Vez (1981)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 01 Sep 2013 08:00:00 +0000

Hoy Gloria Estefan cumple 56 maravillosos años, por eso quiero dedicar esta entrada a todos sus fans y especialmente a los que he conocido a través de los años. Entre ellos a Isa Garnateo, Ignacio Sánchez, Carolina Poza, Rubén Fernández, Miriam Fernández, Joaco Sánchez, Marilú Biondi, David Cordero, Aarón Cuevas, Gorane Cantalapiedra, Carlos González Jr., Óliver García, Felipe Blanco, Claudinei Oliveira, Ascen Gómez, Pedro Vega, Raúl del Águila, Vero y Luisa Carnicero y a todos aquellos otros con los que también he compartido momentos de locura, risas, esperas, rumores, quedadas, fotos y sobre todo, una gran afición como ha sido y es seguir la carrera de tu artista favorito.

Aunque muchos identifiquen el nombre Miami Sound Machine con un grupo de tres exuberantes chicas latinas surgidas a principios de los 2000 siguiendo la estela de Destiny's Child, lo cierto es que la agrupación original formada en los 70 la integraban la archiconocida Gloria Estefan, su prima Merci Navarro, Emilio Estefan -marido de Gloria-, Rául Murciano, Enrique "Kiki" García y Juan Marcos Ávila.

La banda, creada bajo el liderazgo de Emilio Estefan en Miami a mediados de los años 70 con el nombre Miami Latin Boys, cambió su denominación a Miami Sound Machine cuando Gloria y Merci se unieron al conjunto en 1975. Antes de lanzar el disco que hoy nos ocupa, publicaron otros cuatro: Renacer / Live Again (1977), Miami Sound Machine -con dos versiones diferentes, en inglés y español- (1978) y Miami Sound Machine -conocido popularmente como The Piano Album- (1980) consiguiendo en pocos años lograr un gran éxito en Florida y sobre todo en América Central y Sudamérica con temas como Renacer o Regresa A Mí.

Si bien los primeros elepés reflejan una producción más pobre, Otra Vez supone un gran ascenso en la calidad musical y el sonido de la agrupación, probablemente por ser también el primero con una gran discográfica, CBS -que se convertiría posteriormente en Sony-. En Otra Vez, al igual que sus predecesores, ya se incluía la mezcla de pop, rock, música latina y soul con la que Miami Sound Machine alcanzaría la fama mundial tan sólo unos años después cantando en inglés. Estos álbumes fueron, sin duda alguna, el germen del conocido "Sonido Miami" y la base de lo que casi dos décadas más tarde se conocería como "Latin Boom" tras el éxito de artistas como Ricky Martin, Jennifer Lopez, Marc Anthony o Shakira.

Otra Vez incluía, como en anteriores producciones, versiones de otros artistas adaptadas a español: así el popular Lança Perfume de la brasileña Rita Lee se convirtió en Baila Conmigo mientras que la dulce balada de Paul Anka Think I'm In Love Again fue transformada por Gloria Estefan en Me Enamoré. Precisamente este tema, en su versión original en inglés, ha sido grabado nuevamente por el veterano artista canadiense junto a Gloria en el reciente disco Duets (2013).

Hay que destacar también que Gloria no sólo adaptó estas versiones a español para Otra Vez sino que contribuyó con una composición propia, Quiéreme Más, y con un tema co-escrito con Wesley Wright -guitarrista del grupo-, Has Logrado Olvidar. Otro corte interesante es Quedemos Como Amigos de la puertorriqueña Mary Lynne Pagán, que había formado parte del cuarteto femenino de los 60 y 70 "Las Caribelles". Pagán también escribió temas para otros artistas, como el grupo adolescente Menudo (Ricky Martin).

El disco supuso la consagración del grupo en el mercado hispano y de él se desprendieron los hits Otra Vez, Sola, Me Enamoré y Baila Conmigo. Fue también en esta época cuando la tímida Gloria comenzó a dejar de esconderse entre timbales para ser la mayor atracción de la agrupación, gracias a la firme convicción de su marido Emilio de convertirla en una estrella. Esto, unido a ciertos desacuerdos entre los miembros de Miami Sound Machine Raúl Murciano y Merci Navarro -que eran pareja- con Emilio y Gloria por el reparto de acciones que la CBS les había dado como pago, supuso la salida de Miami Sound Machine de los dos primeros. Quedándose el grupo con cuatro de los seis miembros originales: Emilio, Gloria, Juan Marcos Ávila y Enrique "Kiki" García.

Otra Vez es actualmente un disco de coleccionista para los fans de Gloria, Miami Sound Machine y los sonidos funk, disco y latinos de los 80, ya que se encuentra descatalogado prácticamente desde su publicación. Quizá una caja con la discografía de Miami Sound Machine anterior a 1984 remasterizada sacaría del olvido y acercaría al gran público estas pequeñas joyas.

La Muerte de Adonis

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Fri, 30 Aug 2013 10:15:00 +0000

Los que tengáis el placer de disfrutar con la escritura me entenderéis si os digo que a veces me produce sonrojo, vergüenza -y hasta risa- leer pequeñas tonterías que escribía en mi más tierna adolescencia. Es increíble comprobar como cambian nuestra forma de expresarnos, nuestros sentimientos o ideas y lo extraño que es tener la sensación de que aquellas cursiladas o locuras las debió escribir otra persona.

Hoy quiero compartir una de esos textos para que podáis corroborarlo por vosotros mismos. Hace nada menos que catorce años comencé a escribir poesía con motivo del certamen literario que organizaba mi instituto, el por entonces IES Valdepasillas -hoy IES Maestro Domingo Cáceres- de Badajoz. No pude tener mejores comienzos, al recibir el Primer Premio de Poesía en la categoría ESO por este pequeño poema inspirado por la obra del mismo nombre del pintor tunecino afincado en España Eugenio Álvarez-Dumont (1864-1927).

Este cuadro, perteneciente a los fondos del Museo del Prado, se encuentra en depósito en el Museo de Bellas Artes de Badajoz desde 1948 y allí he tenido la suerte de admirarlo en infinidad de ocasiones. La obra fue pintada en 1889 y se trata de un envío de pensionado de Álvarez-Dumont desde la Academia Española de Roma. Inspirada claramente en la Metamorfosis de Ovidio, presenta una escena mitológica, Adonis muerto por un jabalí.

Esta pintura siempre me llamó la atención por su monumentalidad -mide 240 x 140 cms-, el tratamiento de la luz, el logradísimo escorzo de la figura de Adonis y el elegante erotismo de la escena a pesar de representar un momento trágico. Detalles como el perro -símbolo de la fidelidad- o el magistral paisaje, dan habida cuenta de la maestría y estudio previo que Álvarez-Dumont demostró en la obra. El cuadro se adscribe en el Romanticismo de finales del XIX, corriente muy del gusto del momento en que fue pintado y gratamente valorada por la crítica y los jurados de las famosas Exposiciones Nacionales de la época.

La Muerte de Adonis

Se escapó el último pensamiento,
la sangre de las nubes besaba la tierra.
Su cuerpo, presintiendo el fatal desenlace
alcanzó sensualmente la última postura fingida.

No asimilaba el marcado destino que le había
sido impuesto. Gritaba.

Rememoraba la intensa rebeldía que su propia
vida destilaba.

Atrás quedaban las siluetas de los viejos recuerdos,
los fríos sentimientos, el dolor se mantendría eterno.

Su piel recibía las lluvias finales.
Agotado, resistía sin fuerzas los posos de un pasado cruel.

Podía presentir a enemiga, la sabía cerca.
Inmovilizado, no podía huir.

Ella se aproximaba velozmente surcando el cielo
con su manto oscuro. Le alcanzó.
Él, inerte tras el encuentro con la Muerte, expulsó
una lágrima contenida.

Ella le concedió un último párrafo: "Te recordarán", le dijo.
Su mirada acuosa y metálica desapareció.

Vestigio de una vida sostenida por la tragedia,
fuerte y brillante se mantuvo su corazón de bronce.

Primer Premio de Poesía, categoría ESO del IES Valdepasillas de Badajoz (1999)

© José Ramón González Rico, 1999.

Entrevista con Miguel Ángel González Chacón

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 06 Aug 2013 11:00:00 +0000

Miguel Ángel González Chacón es un joven pintor nacido en Llerena (Badajoz) en 1985. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en la especialidad de Pintura en 2011 y en Grabado y Diseño en 2013; ha sido reconocido entre otros con el Primer Premio JABA de Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Badajoz (2013), Primer Premio de la Feria Internacional Ganadera de Zafra (2011), Primer Premio de Pintura del Certamen Nacional Calamonte Joven (2011).

También ha sido finalista en otras convocatorias artísticas de primer orden como el certamen MALAGACREA del Ayuntamiento de Málaga (2013), Premio Internacional de Pintura Eugenio Hermoso de Fregenal de la Sierra (2013) o el Premio de Pintura Timoteo Pérez Rubio del Ayuntamiento de Oliva de la Frontera (2012).

Perteneciente a la generación artística de pintores extremeños como Yovani Boza, Gemma Granados, Ismael Barraso o Virginia Rivas, la obra de González Chacón destaca por su rotunda modernidad y la fuerza compositiva de sus creaciones. Con una corta pero importante trayectoria en exposiciones individuales y colectivas en Andalucía y Extremadura, el artista prepara una gran retrospectiva que podrá verse en otoño en la Sala Vaquero Poblador de la Diputación Provincial de Badajoz.

JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ

¿Cuándo descubriste tu amor por el arte?
Creo que con eso se nace. Desde pequeño estaba siempre dibujando, creando. Ya se notaba mi pasión por el arte. Algo que tengo marcado es que cuando me hacían la típica pregunta de qué quería ser de mayor, mi respuesta era pintor o ebanista. Son cosas que te hacen pensar como aún sin tener pleno uso de la razón a esas edades, uno puede tener tan claro lo que quiere ser en la vida. Creo que ahí se demuestra que es algo vocacional.

Naciste en Llerena y te has formado en Sevilla, dos localidades muy vinculadas a la vida y obra de Zurbarán, uno de los grandes genios de la pintura universal. ¿Crees que algún día tus cuadros colgarán en museos como los suyos?
La verdad es que los dos lugares de formación han sido esenciales en mi crecimiento como artista. El querer llegar algún día a tener el mismo reconocimiento que Zurbarán es ser un poco vanidoso, puesto que es uno de los grandes genios de la pintura española, y yo estoy empezando mi trayectoria ahora mismo. No sé si mis cuadros se colgaran en museos como los suyos, pero sí que es una meta que mi forma de transmitir llegue al mayor número de personas.

¿A qué artistas admiras y hasta qué punto han influido en tu estilo?
Hay muchos artistas a los que admiro pero si tengo que hacer una selección sería Juan Genovés por su manera de abordar el tema de masa en la sociedad y su impecable estilo. Y respecto a artistas extranjeros me quedaría con Chirau Shiota y Lisa Kokin. Ambas artistas trabajan con el recuerdo, de forma totalmente opuesta, pero con el hilo como nexo de unión para expresarse. Los tres artistas utilizan un lenguaje con el que me siento identificado. Y son artistas referentes, los cuales te enseñan una manera tan sutil, limpia e impactante de transmitir un concepto.

¿Algún referente extremeño?
Pues para ser sinceros no tengo un artista extremeño en concreto como referente. Conozco obras de muchos, con los cuales coincido en certámenes y exposiciones. Creo que en la actualidad hay una gran cantera de buenas artistas en Extremadura que abarcan todos los estilos pero que necesitan más apoyo por parte de las instituciones para poder crecer a nivel profesional.

¿Y algún pintor o artista consagrado al que realmente detestes?
Pregunta interesante. Siempre hay artistas con los cuales no compartes formas de ver el arte. Para mí todo no es arte, y claro que hay artistas que según mi punto de vista no hacen arte, pero a lo mejor su intención es esa. En cuanto a nombres me los reservo porque tampoco te puede gustar todo.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
El pensamiento humano, la forma de comportarse de las personas, las limitaciones a la hora de tomar decisiones, por su puesto mi familia y el entorno donde me muevo. Creo que todo es un cúmulo de inspiración para mis obras.

Eres probablemente el pintor novel más premiado de Extremadura, ¿qué han supuesto para ti todos estos reconocimientos?
No me considero el pintor novel más premiado pero es cierto que los primeros reconocimientos de mi pequeña trayectoria los estoy teniendo en Extremadura. Que sea en tu propia tierra donde se te empiece a valorar siempre es muy gratificante y te impulsa a continuar creando para crecer como artista y como persona.

El conseguir tales reconocimientos es ver como Extremadura está apoyando a los artistas jóvenes de la comunidad, apoyando un punto de vista contemporáneo del arte, donde la investigación y el desarrollo están muy presentes. Y en el cual la parte conceptual de la obra tiene el mismo peso que la parte plástica.

Acabas de graduarte en tu segunda especialidad de Bellas Artes, ¿cómo ha sido tu paso por la Universidad de Sevilla?
Si miró atrás puedo decir que muy gratificante. Ahora mismo me siento realizado. Han sido siete años de constante aprendizaje, donde he podido a crecer como persona al mismo tiempo que como artista. Aún recuerdo como cuando empecé la carrera cinco años me parecían muchos. Un profesor me dijo que sin darme pasarían los años. Y llevaba razón, pasaron muy rápido.

Cuando uno termina un ciclo puede percibir como hay momentos en los que no se disfruta al cien por cien de lo que hace -ya sea por fechas de entregas, falta de inspiración, no tener una línea de trabajo definida- y eso fue lo que me llevo a realizar la segunda especialidad. La he disfrutado al máximo y eso se ha visto reflejado en mis obras.

Mi punto de vista de la universidad es que es un lugar donde confluyen personas con las mismas inquietudes, donde se produce un intercambio de preguntas, experiencias, opiniones y todo ello hace crecer al artista, llenándolo de vida.

Actualmente te mueves entre la pintura, el grabado, la serigrafía… ¿Cuáles son tus técnicas favoritas?
Es una pregunta difícil. Me siento cómodo con todas ellas pero ahora mismo la introducción del hilo en mis obras -ya sean grabados, pinturas o instalaciones- está siendo muy renovadora en mi forma de crear. Estoy empezando a crear un estilo propio. No me gusta limitarme en cuanto a técnicas. Creo que todo artista debe de llevar una línea abierta de investigación donde el medio no sea más importante que el contenido. Yo intento adaptar las técnicas que aprendo a mi lenguaje, sacando el mayor partido a lo que ofrecen cada una de ellas.

Precisamente, en tu última exposición en el Espacio Gonzalo Bilbao de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla presentaste obras realizadas con técnicas consideradas menores, como el zurcido. ¿Qué te ha hecho decantarte por ellas? ¿Es algún tipo de reivindicación o experimentación?
La utilización del hilo no es solo algo que plásticamente me llame la atención sino que sustenta a nivel conceptual el proyecto que desarrollo. Como se suele decir “no doy puntada sin hilo”. Actualmente llevo desarrollando una línea de investigación donde uno la resina epoxi con el zurcido.

A parte de experimentación, como bien apuntabas en la pregunta, también se trata de utilizar técnicas que durante la historia han sido asociadas a la mujer, a modo de reivindicación. Trato de romper esa idea preconcebida que se tiene, donde el sexismo es tan evidente a la vez que prejuicioso.

Hace unas semanas cuando asistí a un seminario del artista francés Hervy Di Ros, -precursor del Arte modesto: el cual trata de elevar a arte mayor aquellos que son considerados menores- descubrí que la introducción del hilo en las obras se considera una de las técnicas de este Arte, pues integra en una obra una técnica considerada artesanal elevándola a la categoría de artística.

Muchos otros artistas extremeños de tu generación que están alcanzado proyección como Yovani Boza, Alberto de los Ríos o Ismael Barraso han estudiado fuera de Extremadura. ¿Crees necesaria la existencia de una Facultad de Bellas Artes en la región?
Más que necesaria diría que imprescindible. Creo que Extremadura tiene una gran tradición de artistas, y que por no tener la suficiente formación en la región tienen que emigrar a otras comunidades para poder formarse y crecer como artistas. El no disponer de una Facultad de BBAA en Extremadura supone no sólo que tengamos que salir de ella sino un mayor esfuerzo económico para formarnos. Algo que limita mucho y deja a muchos artistas en potencia por el camino. Si existiese alguna en la región eso se podría reducir bastante.

Para terminar, ¿cuáles son tus próximos proyectos?
Actualmente sigo presentándome a diversos concursos y seminarios de la geografía española. Mi próximo proyecto tendrá lugar en la Sala Vaquero Poblador de la Diputación de Badajoz en el mes de Noviembre, en la que inauguraré una exposición individual. La primera que tendrá lugar en Badajoz capital.

Gloria Estefan : Hold Me, Thrill Me, Kiss Me (1994)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Wed, 10 Apr 2013 13:08:00 +0000

Vuelvo al mundo blog después de una etapa de constantes cambios y qué mejor forma de hacerlo que de la mano de la artista que me ha acompañado toda la vida. Gloria Estefan prepara nuevo lanzamiento discográfico –una colección de versiones jazz y soul de clásicos de los años 30, 40 y 50- por lo que hoy quiero recordar su primer disco de standards: Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, publicado a finales de 1994.

Siempre he sentido especial predilección por este álbum, tan alejado del sonido Miami, que me llamó la atención desde muy pequeño por la sencillez de la fotografía de portada. Menos es más, que diría Van der Rohe. Elegancia pura, no tengo otra forma de definirla. Lo gracioso de esto es que muchos años después descubrí que durante la sesión de fotos, realizada por Alberto Tolot -y en concreto para la realización de esta fotografía- Gloria se subió en dos latas de conserva de tomate para estilizar su figura. ¡Estefan, eres única!

Os llamará la atención que Gloria publique otro segundo volumen de standards. No es que Estefan haya decidido convertirse en una lady crooner y vivir de los éxitos de otros constantemente pero, con la perspectiva que da observar ahora sus casi 40 años de trayectoria musical, puede afirmarse que los covers han tenido una especial significación en su carrera. Habría que remontarse muy atrás pero ahí están las versiones que hiciera con su grupo Miami Sound Machine en los 70 y principios de los 80 de temas de Stevie Wonder, Barbra Streisand, Michael Jackson, Laura Branigan, Donna Summer, Paul Anka o las Andrew Sisters. También habría que recordar rarezas como The 70’s “Moment” Medley, la espectacular cara B de 16 minutos de duración del single Don’t Let This Moment End de su álbum gloria! (1998) con versiones de Jackson 5, Thelma Houston, Diana Ross o The O’Jays. O su remake del Young Hearts Run Free de Candi Staton que se incluyó en la banda sonora de la serie Mujeres Desesperadas (2005).

Sin embargo, el origen de Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, hay que buscarlo en un concierto que la Estefan realizó para el canal de televisión VH1 en 1993, dentro del programa Center Stage. En estas presentaciones se pedía al artista de turno que cantara –además de sus éxitos y temas habituales- una canción de otro intérprete. Gloria escogió para la ocasión este tema popularizado por Mel Carter en 1965. La espectacular acogida que tuvo la interpretación por parte de sus fans motivó a Gloria a grabarla en estudio. La idea derivaría posteriormente en un LP completo con versiones de canciones que le habían influido especialmente durante su adolescencia y por ende, en la formación de su estilo musical e interpretativo. Entre los artistas versionados encontramos a Gerry & The Peacemakers, The Young Rascals o The Moments.

El disco se grabó en los estudios Crescent Moon de Miami -propiedad de los Estefan- y fue lanzado escalonadamente en Estados Unidos, Europa, Australia y Asia entre mediados de octubre y primeros de noviembre de 1994. Hold Me, Thrill Me, Kiss Me recoge temas principalmente de los 60 y 70 -pero también anteriores (Goodnight My Love, 1957)- siguiendo casi todos una línea estilística inspirada claramente en el traditional pop, el soul y el R&B de la vieja escuela.

La producción corrió a cargo de Emilio Estefan y de dos de los músicos de Gloria: su teclista Clay Ostwald (Jon Secada, Matt Bianco, Seiko, Julio Iglesias) y su director musical y bajista Jorge Casas (Ricky Martin, Albita, The Manhattan Transfer, Luis Miguel). El trío de productores se rodeó también de grandes músicos latinos que ya habían colaborado con Gloria en el recién publicado Mi Tierra como Paquito D’Rivera (saxofón), Nestor Torres (flauta), Hernan Mullet (trompeta), el legendario guitarrista cubano Juanito Márquez o el padre del mambo Israel “Cachao” López.

El primer single fue el himno disco Turn The Beat around (1976), que fue escogido también como tema principal de la película El especialista, protagonizada por Sharon Stone y Silvester Stallone. La banda sonora de la cinta fue producida precisamente por Emilio Estefan y contó con otros artistas de su círculo como Jon Secada o nuestras Azúcar Moreno.

Turn The Beat Around fue seleccionada por Gloria por ser una de las primeras canciones que fusionó la música disco legítima con la percusión latina. El single contó con espectaculares remixes realizados por Pablo Flores, David Morales y Phillip Damien, algunos de los cuales incluían como novedad un segmento del éxito Conga cantado en español. El tema se convirtió en un bombazo en los clubes y radios norteamericanas, llegando al #1 de la lista dance de Billboard, al #10 del Hot 100 –sumando Gloria otro gran éxito en inglés a su palmarés- y recibiendo certificaciones de Oro en Estados Unidos y Australia.

Como anécdota, hay que mencionar que Gloria estaba embarazada de seis meses durante la realización del videoclip, rodado en la azotea del conocido rascacielos Miami Tower, por lo que aparece únicamente en primeros planos y planos largos. Otro hecho destacable es que la popularidad del tema se disparó hasta tal extremo tras el éxito de Gloria, que la propia Vicki Sue Robinson –cantante original de Turn The Beat Around en los 70- volvió a salir de gira para aprovechar el tirón comercial del momento.

El segundo single para Europa fue el tema que da título al disco, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, interpretado originalmente por Karen Chandler en 1952 pero cuya versión más conocida es la que realizó Mel Carter en los 60. La canción alcanzó un nada despreciable puesto #11 en las listas británicas, siendo certificada single de Plata y convirtiéndose desde entonces en uno de los temas más reconocidos de Gloria en Reino Unido.

Para el resto del mundo se escogió como segundo sencillo el tema Everlasting Love (Robert Knight, 1967), un corte dance con un estilo más cercano a la música club de los 90 y que constituye la excepción estilística del álbum. Contó con remixes de varios de los DJ’s más importantes del momento como Tony Moran o Love To Infinity, devolviendo a Gloria nuevamente al #1 de la lista Dance de Billboard. En España conquistó el #1 de la emisora 40 Principales y en Australia fue certificado single de Oro.

El icónico videoclip, especialmente moderno para la época, contó con numerosos drag queens –algunos caracterizados como la propia Gloria en diferentes momentos de su carrera- entre los que destacaban las famosas Venus D-Lite, Sutan Amrull y The Fabolous Wonder Twins. Estefan no aparece en el vídeo salvo en imágenes rescatadas de anteriores videoclips, debido a su avanzado estado de gestación en el momento del rodaje. La original grabación otorgó a Gloria un premio Billboard en la categoría Videoclip Dance del Año.

El tercer single fue It’s Too Late, versión del tema original de Carole King que apareció en su histórico Tapestry (1971). Este álbum ha sido señalado por Gloria en numerosas ocasiones como el disco completo que más le ha influido musicalmente como cantante y compositora. El tema de King gozó de enorme popularidad en la época, llegando al #1 norteamericano y siendo premiado en los Grammy de 1972 como Grabación del Año.

Curiosamente, Carole y Gloria han colaborado posteriormente en dos ocasiones: el especial Divas Live (1998) -en el que ambas interpretaron You’ve Got A Friend junto a Celine Dion y Shania Twain- y en 2009 durante la gira mundial 90 Millas de Gloria en un concierto especial en Las Vegas llamado “She’s got a friend”, en el que ambas desgranaron lo mejor de su repertorio.

El cuarto single fue Cherchez La Femme, versión del clásico de Dr. Buzzard’s Original Savannah Band (1976), que no contó con videoclip pero sí con nuevos remixes de Marc Pirrone y Gary Q, entre otros. Como curiosidad señalar que tanto en el tema original como en el de Gloria es mencionado al principio de la canción el ex presidente de Sony Music Tommy Mottola, casado por entonces con la diva Mariah Carey y gran impulsor de la carrera de Estefan y otros artistas como Celine Dion, Shakira o Billy Joel.

Otros temas destacables son las baladas R&B You've Made Me So Very Happy (Blood, Sweat & Tears, 1969) y Love On A Two Way Street (The Moments, 1970), pero personalmente tengo que destacar la versión de Breaking Up Is Hard To Do (Neil Sedaka, 1962) en la que la voz de Gloria reluce con un color y matices de cantante jazz desconocidos hasta la fecha. La edición internacional del álbum contó como bonus track con una correctísima versión del archiconocido Don’t Let The Sun Go Down On Me de Elton John, grabada por Gloria 4 años antes y publicada entonces como cara B de algunos de los singles de su disco Cuts Both Ways.

Pese a ser el primer disco en inglés con el que Gloria no salió de gira mundial de apoyo –debido a su embarazo y posterior nacimiento de su hija Emily-, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me fue álbum Top 10 en Estados Unidos (doble platino), Reino Unido (doble platino), Australia (doble platino), España (Oro) y Japón (Oro). Del disco se han vendido hasta la fecha alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo.

La impecable producción realizada por Emilio Estefan y sus colaboradores, su sonido soberbiamente clásico, los elegantes arreglos de los temas con inesperados solos de guitarra, sutiles percusiones latinas –influencia clara de Mi Tierra- y, sobre todo, la voz de Gloria cargada de sensuales matices y alcanzando registros inéditos, hacen de este disco una joya musical y toda una rareza dentro del catálogo de Estefan.

Poema de Isósceles

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Thu, 07 Jun 2012 17:33:00 +0000

Me dicen que en este momento de mi vida debo estar solo

Sin duda sería la opción más inteligente por mi parte

Pero lo único que yo quiero es estar contigo

Recorrerte despacio, acariciar tu pelo

Iluminar tus ojos azules

Que me reflejen

Brillante

Pletórico

Has llegado…

Y voy a dejarme llevar

No trataré de retrasar lo inevitable

Porque el camino recorrido me ha enseñado

A distinguir el brillo de lo falso y el vicio de lo humano

Y a valorar lo estrictamente genuino que –ahora- he encontrado

© José Ramón González Rico (7 de junio de 2012)

El rey de las etiquetas

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 05 Jun 2012 15:30:00 +0000

"Desarraigo. Esa podría ser la palabra clave y que mejor define mis últimos diez años de vida. Me ha costado reconocerlo, y aún me cuesta, pero tras casi una década viviendo en la gran ciudad sigo notando que no pertenezco del todo a este lugar. No me malinterpretéis… me encanta Madrid. Adoro esta ciudad y todo lo que conlleva. Lo bueno y lo malo –excepto a la señora Botella, que nunca dejará de provocarme arcadas-.

En Madrid me he hecho un hombre, como diría mi abuela. Aquí empecé a trabajar, a estudiar, a salir adelante por mí mismo, a conocer gente, a perder mi timidez -y por extensión mi virginidad-. Aquí he reído, llorado y me han dado más palos que en ningún sitio. En definitiva, en Madrid he comprobado lo que es vivir. En el más amplio sentido de la palabra.

Pero a veces pienso que nunca seré del todo de aquí. Y tampoco de allí. Porque no soy algo genuinamente autóctono de ningún lado. Esto sumado a una precoz crisis de los 30 y ver que tu vida no es ni ligeramente parecida a lo que esperabas me ha generado siempre una sensación de desencuentro conmigo mismo. Yo que soy el rey de las etiquetas y que todo trato de meterlo en una cajita mental con su nombre y procedencia no puedo meterme a mí mismo en ningún sitio. Al menos no con una etiqueta suficientemente buena o convincente para mí.”

Y en esas divagaciones estaba cuando por fin el autobús en el que viajo ha llegado a la estación de Badajoz y he visto a mi madre esperando en el andén. La misma mujer que me castigaba sin ir a la Feria de San Juan cuando hacía alguna trastada, que me preparaba el mejor arroz a la cubana que he comido en mi vida, que me cuidaba amorosamente cuando me ponía malo y que hoy, pese a los 400 kilómetros que nos separan, sigue haciéndolo en la medida de sus posibilidades.

No he tenido más remedio que reconocer mi muchas veces grandiosa gilipollez. Da igual el lugar en el que estés, el trabajo que tengas, lo que hayas hecho o dejado de hacer o la gente que te rodee... En el fondo sigues siendo aquel niño y la persona que ves ahora delante del espejo es únicamente una metamorfosis. Una versión mejorada si te viene mejor. Y tú… Tú puedes ser quien quieras en la vida. Afortunadamente tienes casi todo de tu parte.

Whitney Houston: Whitney - The Greatest Hits (2000)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 12 Feb 2012 18:21:00 +0000

Anoche recibí antes de acostarme dos noticias que me impactaron sobremanera. Por un lado me enteré casi por casualidad que mi participación en los Premios 20 Blogs del diario 20 Minutos no sólo había sido recompensada con un puesto de finalista en la categoría Cultura y Tendencias en la que presenté el blog sino que había sido elegido igualmente finalista al Premio al Mejor Diseño del Año entre más de 6.000 blogs. Pero la alegría me duró poco porque apenas 5 minutos después un amigo me comunicaba que uno de mis ídolos musicales de toda la vida había fallecido repentinamente. Sí, la voz de Whitney Houston se había apagado definitivamente con tan solo 48 años.

Esta es probablemente la entrada del blog que nunca me gustaría haber escrito y he tenido un debate interno sobre hacer un repaso a su vida y carrera como he hecho con otros artistas o publicar otro tipo de entrada. Y es que si bien su impresionante trayectoria musical queda ya como algo irrepetible e inigualable, teniendo en cuenta los cambios drásticos en el mundo de la música en los últimos años, determinados momentos de su vida no son ni mucho menos admirables. Por lo que en este caso voy a centrarme en sus hitos y en rendirle tributo a través de uno de mis discos más queridos, su recopilatorio Whitney – The Greatest Hits, publicado en 2000.

Whitney Elizabeth Houston nació en Newark (New Jersey) el 9 de agosto de 1963 en el seno de una familia muy musical. Su madre Cissy Houston fue corista, entre otros, de Elvis Presley y tuvo posteriormente una respetable carrera en el mundo de la música soul y góspel. Whitney era igualmente prima de otro icono del mundo del espectáculo, la cantante Dionne Warwick. Además era ahijada de Aretha Franklin, la intérprete negra más importante de todos los tiempos.

Con tan solo 11 años comenzó a cantar góspel en el coro de la New Hope Baptist Church en su Newark natal. Por entonces ya recibía clases de canto de su propia madre y escuchaba discos de Chaka Khan y Gladys Night. Durante su adolescencia acompañó a su madre en multitud de actuaciones en clubes y participó como corista en discos de Jermaine Jackson, Chaka Khan y Lou Rawls. A principios de los 80 incursionó en el mundo de la moda, siendo portada de importantes revistas como Cosmopolitan, Glamour o Seventeen.

En 1983 fue descubierta por el mítico productor norteamericano Clive Davis, que quedó impresionado al verla actuar junto a su madre. Davis le ofreció un contrato mundial con el sello Arista, relación discográfica que ha continuado hasta nuestros días. En 1985 veía la luz el álbum debut de Whitney Houston, con título homónimo, que se convertiría en todo un fenómeno aclamado por la crítica y el público. El disco contenía temas archiconocidos como How will I know, Saving all my love for you o Greatest love of all y de él se han vendido hasta la fecha más de 25 millones de unidades.

Después de este álbum vendrían otros como Whitney (1987) o I’m your baby tonight (1990), de los que se desprendieron éxitos mundiales como I wanna dance with somebody, So emotional, Didn’t we almost have it all, Where do broken hearts go o All the man that I need. A partir de aquí comienza una etapa de subidas y bajadas marcada, sin duda, por su matrimonio en 1992 con el cantante Bobby Brown, una negativa influencia en su vida personal y profesional que le indujo al mundo de las drogas.

Ese mismo año protagonizó la inolvidable película El Guardaespaldas junto a Kevin Costner. El filme será siempre recordado por la mítica interpretación de Whitney del tema I will always love you, versión original del clásico de Dolly Parton. El éxito arrollador de la película -410 millones de dólares recaudados- se reflejó en su banda sonora, que se mantuvo durante 24 semanas en la posición #1 de la lista de Billboard. El disco produjo un ramillete de nuevos éxitos para Whitney: Run to you, I have nothing, I'm every woman (versión de Chaka Khan) y Queen of the night. Hasta la fecha se han vendido más de 44 millones de copias del disco y 12 millones de singles de I will always love you, por lo que es considerada la banda sonora más vendida de todos los tiempos.

Durante la década de los 90 Whitney participó en otras películas como Waiting to exhale (Esperando un respiro), The preacher’s wife (La mujer del predicador) o Cinderella, colaborando con nuevos temas en sus bandas sonoras. En 1998 vería la luz otro de sus álbumes más aclamados, My love is your love, que la devolvió a lo más alto de las listas musicales y de ventas de todo el mundo . El disco, que en un principio iba a ser un recopilatorio con remixes, contenía el famoso dueto con Mariah Carey When you believe y los sencillos It’s not right but is OK y Heartbreak Hotel, nuevos hits mundiales para la cantante.

En 2000 Whitney recuperó la idea de lanzar un grandes éxitos y reunió sus temas más comerciales junto a dos nuevos duetos, uno con el cantante español Enrique Iglesias y otro con el británico George Michael. El resultado fue un recopilatorio doble -cuya espectacular portada y libreto estuvieron a cargo del genial David Lachapelle- con un primer cedé llamado Cool Down en el que se recogían las mejores baladas de Houston, y un segundo cedé con temas uptempo y remezclas dance bajo el nombre Throw Down. El álbum fue lanzado mundialmente a mediados de mayo de 2000 convirtiéndose en un Top 10 en ventas en las listas de todo el mundo.

El primer single fue la remezcla realizada del tema Could I have this kiss forever, compuesto por Diane Warren y cantado a dúo con Enrique Iglesias e incluido en primer lugar en el álbum Enrique del cantante español. Houston e Iglesias grabaron por separado y se reunieron por primera vez cuando la canción estaba siendo remezclada por Metro, el mismo equipo que había arreglado los temas Bailamos y Rhythm Divine. El tema se convirtió en un éxito inmediato, llegando al #1 en varios países como Suiza y Holanda y al Top 10 en otros como España, Reino Unido, Suecia, Noruega, Italia, Alemania, Irlanda, Canadá, Bélgica o Austria. Fue certificado single de Plata en Francia y de Oro en Suiza, Alemania y Australia.

El segundo single fue el dueto con George Michael, If I told you that, que ya había sido cantado solo por Whitney en su último disco, añadiéndose la voz de Michael posteriormente. El tema se convirtió en un éxito en las radios de todo el mundo debido a su rotación masiva, si bien sólo alcanzó el Top 10 en Reino Unido e Italia. La canción contó con un elegante videoclip dirigido por Kevin Bray, cuyas escenas discurrían en un glamouroso club.

Después de esta compilación Whitney lanzó únicamente un álbum navideño y otro de estudio de escaso éxito, reduciéndose drásticamente su repercusión comercial. En este momento de su vida eran continuas sus entradas y salidas de los centros de rehabilitación y sus sonados escándalos matrimoniales. No sería hasta la publicación del disco I look to you en 2009 cuando la diva levantara por fin la cabeza, volviendo al #1 en Estados Unidos y otra decena de países con el que es ya el último álbum de su carrera. Actualmente había terminado el rodaje de su participación en la película Sparkle, cuyo estreno está previsto en agosto de este mismo año.

Todos los temas destacados en esta entrada podéis encontrarlos en este magnífico The Greatest Hits que os comento. Un disco redondo de principio a fin en el que a través del característico sonido híbrido de R&B y Pop de Whitney tendréis el lujo de escuchar a la que es posiblemente la mejor voz femenina de todos los tiempos. Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 10 millones de discos, siendo certificado 4x Platino en Reino Unido; 3x Platino en Europa y Estados Unidos; Platino en España, Suiza, Holanda, Suecia, Alemania, Bélgica y Canadá; 2x Oro en Francia y Oro en Brasil, Australia y Finlandia.

Whitney pasará a la historia no sólo por su prodigiosa voz, también por sus increíbles logros: más de 170 millones de discos vendidos, el récord Guinness como la intérprete femenina más premiada (recibió más de 400 galardones, incluidos 2 premios Emmy, 6 Grammy, 30 Billboard y 22 American Music Award –artista más premiada también en la historia de dichos premios-). En 2003 su disco debut fue incluido por la prestigiosa revista Billboard entre los 500 más importantes de la historia, en 2007 el periódico USA Today nombró su entrada en la industria musical como “uno de los hitos más importantes de la historia de la música”, en 2008 la revista Billboard la nombró una de los 100 artistas más importantes de la historia. Whitney sigue siendo, además, la única cantante que ha conseguido 7 números 1 consecutivos en la lista de la famosa revista.

¡Hasta siempre Whitney!

Los tesoros del Hermitage en el Prado

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 24 Jan 2012 12:07:00 +0000

Os traigo un pedacito de la última gran exposición que acabo de visitar en Madrid. Se trata de El Hermitage en el Prado, una espectacular representación de la historia y de los grandes tesoros del museo ruso compuesta por 170 obras de pintura, escultura, arqueología y artes decorativas que tenemos el lujo de poder visitar en el madrileño Museo del Prado hasta el próximo 25 de marzo.

La exposición obedece a un acuerdo entre el Prado, el Hermitage y la Sociedad Estatal de Acción Cultural que ha propiciado un intercambio de colecciones sin precedentes en la historia de ambos museos. La pinacoteca rusa ya acogió entre febrero y mayo del pasado año El Prado en el Hermitage, una soberbia colección de más de sesenta obras de pintura del museo español que batió récords en tierras rusas, con más de 600.000 visitantes.

Las piezas cedidas por el Hermitage abarcan nada menos que desde el siglo V a.C. hasta el XX, y entre ellas destacan especialmente obras maestras como la Virgen con el niño de Alberto Durero, un San Sebastián de Tiziano, el Tañedor de laúd de Caravaggio, Paisaje con carro de Rubens, Hamán reconoce su suerte de Rembrandt, Perseo y Andrómeda de Mengs o el Éxtasis de Santa Teresa de Bernini.

Mención especial merece la nutrida representación española, con obras de El Greco, Diego Velázquez, José de Ribera, Ignacio Zuloaga y Picasso. Del genio malagueño se exhiben cuatro obras magistrales: La bebedora de Absenta (1901), Niño con perro (1905), Mujer sentada (1908) y Mesita en un café (1912).

Sin desmerecer en absoluto las piezas de etapas anteriores, tengo que decir que la colección exhibida de los siglos XIX y XX es sencillamente espectacular. Y para muestra un botón: El estanque en Montgeron de Monet, Primavera eterna de Rodin, Niño con fusta de Renoir, Te avae no Maria de Gauguin, Paisaje azul de Cézanne, Ataque de un tigre a un toro de Rousseau, Conversación de Matisse, Bodegón metafísico de Morandi... En definitiva, un derroche de arte en mayúsculas que no os debéis perder.

Fantasía (1940)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Mon, 23 Jan 2012 19:58:00 +0000

Una de mis películas de animación favorita es Fantasía (1940), tercer largometraje de la factoría Disney tras Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Pinocho, que producido al mismo tiempo, se estrenó en febrero de 1940. Fantasía es, en mi opinión, un prodigio artístico pionero y prácticamente único en su género en el que se combinaron algunas de las más célebres piezas de música clásica con un conjunto de influencias del mundo de la literatura, la mitología y la pintura con un resultado inmejorable.

Lo que llama la atención de la película y la hace diferente al resto de clásicos de Disney es su propio concepto experimental. No se trata simplemente de un cuento adaptado o de una historia con principio, desarrollo y final. Fantasía es un conjunto de siete secuencias animadas, o cortos si así lo queremos ver, que surgieron de la inspiración de los dibujantes y animadores escuchando determinadas composiciones de música clásica.

Las piezas musicales fueron interpretadas por la Orquesta de Filadelfia bajo la batuta del director de origen inglés Leopold Stokowski. Todas las secuencias comienzan con imágenes de Stokowski dirigiendo a la orquesta, y en ocasiones, también con proyecciones de los músicos a modo de sombras chinescas para posteriormente dar paso a las imágenes animadas.

Hay que destacar que Fantasía supuso una innovación técnica en el campo de la reproducción sonora, pues fue la primera película comercial con sonido multicanal. Esto fue posible gracias a la obstinación de Walt Disney, que se sentía decepcionado por la escasa calidad de los sistemas de grabación y reproducción de la época, a la experiencia previa de Stokowski –que había grabado pistas musicales estereofónicas a principios de los años 30- y sobre todo a la labor del ingeniero de sonido William E. Garity y el mezclador John N.A. Hawkins. Este avance les fue recompensado a los cuatro con un Óscar Honorífico en 1942, además de otro para Stokowski por la magistral interpretación de la música de la cinta.

La primera pieza de Fantasía es La tocata y fuga en re menor del compositor alemán Johann Sebastian Bach. Se representa con una sucesión de imágenes abstractas –líneas, estrellas, ondas y diferentes formas geométricas- inspiradas en la obra del pintor alemán Oskar Fischinger. La obra de Fischinger era bien conocida por Disney, dado que el pintor vivía en el exilio y llevaba instalado en Hollywood desde 1936.

La segunda pieza es El Cascanueces, del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski, que está a su vez dividida en seis partes: danza del hada, danza china, danza de los mirlintons, danza árabe, danza rusa y danza de las flores. La primera parte y la última están protagonizadas por pequeñas hadas que bien podrían ser un antecedente del diseño del personaje Campanilla, del también clásico Peter Pan (1953).

La tercera parte, probablemente la más famosa, es El aprendiz de brujo. Evoca el poema de Goethe escrito en 1797 y musicalizado por Paul Dukas en 1899. Sorprendentemente está protagonizada por Mickey Mouse, el popular ratón creado por Disney en los años 20. En un primer momento se pensó en el personaje del enano Mudito de Blancanieves para este segmento pero finalmente se escogió a Mickey en una astuta maniobra de Walt Disney para recuperar la popularidad de su más célebre creación.

En esta inolvidable secuencia Mickey usa el gorro de su maestro, el mago Yen Sid, para dar vida a una escoba que le sustituya trayendo agua desde una fuente cercana a la morada de su mentor. El ratón se queda dormido y despierta en medio de una gran inundación, pues la escoba ha seguido llenando el pozo de la casa y le resulta imposible detenerla.

La cuarta parte es La consagración de la primavera, del ruso Igor Stravinski. En este segmento se muestran imágenes del nacimiento de la Tierra, de los primeros seres vivos del planeta y sobre todo de la vida y extinción de los dinosaurios. Estas últimas imágenes bien podrían ser las que inspiraron la saga de películas de dibujos animados En busca del valle encantado, de Universal Studios.

La quinta parte representa la Sexta sinfonía o Sinfonía pastoral, del alemán Ludwig Van Beethoven. En ella se muestran deliciosas imágenes de figuras mitológicas como centauros, unicornios, pegasos o caballos voladores… así como de los dioses Vulcano, Zeus, Iris, Baco, Helios y Diana.

La sexta parte ilustra la Danza de las horas, ballet que pertenece a la ópera La Gioconda, del compositor italiano Amilcare Ponchielli. En este segmento –quizá el más divertido de la película- aparecen hipopótamos, avestruces, elefantes y cocodrilos caracterizados como bailarines de ballet ejecutando pasos auténticos con gran virtuosismo, aunque el resultado final del baile termina siendo un desastre.

La última parte se divide en dos escenas, siendo la primera Una noche en el monte pelado, del compositor ruso Modest Músorgski. En ésta, la cima de una montaña se transforma en un gigantesco demonio que reúne a su alrededor y en torno a un gran fuego a diversos entes y almas erráticas en una especie de noche de Walpurgis o de las brujas. La segunda escena es una gran procesión nocturna en la lejanía, en la que el componente humano sólo se intuye por la tenue luz de unas antorchas. Las figuras se adentran en un bosque con reminiscencias de catedral mientras suena el Ave María del austriaco Franz Schubert.

Como dato curioso hay que decir que la película no fue doblada en España hasta 1977, contando con la inigualable voz del cantante catalán Josep Guardiola como narrador. En 2000 se estrenó la secuela Fantasía 2000, que pese a estar inspirada en la primera entrega no obtuvo los resultados cualitativos esperados, siendo también un fracaso en taquilla. A finales de 2010 Disney publicó una Edición Diamante de la película original, siendo lanzada en dvd y blue-ray.

Entrevista con Ismael Barraso

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 22 Jan 2012 14:51:00 +0000

«El paisaje siempre puede aportar cosas nuevas al arte, es un escenario en constante cambio»

Ismael Barraso Franco es un joven pintor extremeño nacido en Valencia del Ventoso (Badajoz) en 1986. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ha recibido entre otras distinciones el Primer Premio del Concurso de Pintura al Aire Libre "De la Luna al fuego" de Zafra (2007), Mención de Honor en el Certamen de Pintura de la Feria Internacional Ganadera de Zafra (2009), Beca de la Academia de San Quirce de Segovia (2009), Mención de Honor en el Certamen de Pintura "Francisco de Zurbarán" de Fuente de Cantos (2010). Actualmente muestra su exposición "Tiempo de nieve" en la sala Vaquero Poblador de la Diputación Provincial de Badajoz (c/ Obispo San Juan de Ribera, 6. Badajoz).

JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ

¿Cuándo comenzó tu historia de amor con la pintura?
Desde muy pequeño he tenido inquietudes artísticas. Siempre me recuerdo dibujando, pintando, yendo a talleres de pintura y manualidades. Cuando fui haciéndome un poco más mayor me dí cuenta que era algo a lo que quería dedicarme. Tanto fue así que al terminar la E.S.O., con 16 años, decidí irme a Badajoz a realizar al Bachillerato Artístico y desde entonces sabía que acabaría estudiando Bellas Artes.

¿Cómo definirías tu estilo?
El tipo de pintura que yo planteo es una pintura figurativa, gestual, directa, intensa, que capta una mirada envolvente a la par que sugerente, generando una serie de veladuras y empastes que enriquecen la obra.

Mis composiciones suelen ser atrevidas, predominando las panorámicas, los horizontes altos, los contrapicados. La gama de color que utilizo suelen tender hacia los tonos grises pero con gran variedad cromática. En cierto modo creo que me encuentro inmerso en un periodo de búsqueda constante y que lo que más me interesa es ahora pintar y pintar.

¿Cuáles son los artistas que más te han influido?
Mi pintura bebe de muchas corrientes artísticas, predominando el gusto por una pincelada flexible y rotunda. De ahí que me interese la pintura de Cezanne, Sorolla, Velázquez, en cuanto a lo que a técnica se refiere.

Actualmente hay dos artistas que han tocado la temática de la nieve y que en cierto modo han influido en mi obra. Se trata de Santiago Ydañez y de Guillermo Sedano. Otros artistas que también me llaman mucho la atención son Alex Kanevsky, por sus maravillosos paisajes y su pincelada suelta y fragmentada, y Jenny Saville, con esos desnudos tan impactantes y cargados de materia.

¿Tienes algún pintor extremeño como referente?
Siempre me ha llamado la atención la obra de Godofredo Ortega y Muñoz y sus distintas interpretaciones del paisaje. Me quedo tanto con su pincelada jugosa y vibrante como con su gama de colores. En concreto hay varios cuadros de este pintor que me llaman mucho la atención, y no solo por la temática de la nieve, sino por la forma en la que están tratados, como Deshielo o Pirineos.

En tu localidad natal, Valencia del Ventoso, has ganado premios de fotografía y has realizado el logotipo del periódico local. También pintaste la cúpula de la Iglesia de Ntra. Sra. De la Esperanza… ¿Te sientes profeta en tu tierra?
Uno siempre siente afecto a la tierra que le ha visto nacer y crecer. La verdad es que la gente se involucra mucho conmigo y en cierto modo se sienten orgullosos de que las cosas me estén empezando a ir bien.

Desde muy pequeño he conseguido algunos premios en concursos de christmas, carteles de Carnaval y demás certámenes que organizaban las distintas asociaciones del pueblo. Poco a poco fui dándome a conocer de este modo, hasta acabar haciendo encargos a particulares y trabajos de otra envergadura como fueron la cúpula de la iglesia de Ntra. Sra. De la Esperanza y uno de los cuadros para el retablo de la Ermita de Ntra Sra. del Valle.

¿Te resultó difícil trasladarte a Sevilla para cursar Bellas Artes?
No me resultó nada difícil, es más, creí que tanto por la cercanía con Extremadura como por el tipo de clima me iba a resultar fácil adaptarme.

En un principio iba a realizar la carrera de Bellas Artes en Salamanca, ya que conseguí pasar la prueba de acceso. Una vez matriculado y con las asignaturas elegidas me llamaron para decirme que me habían aceptado en la universidad de Sevilla. Y me dio una corazonada al visitar la facultad. Algo me decía que debía quedarme allí y hasta día de hoy no me he arrepentido en absoluto.

Si hubiera existido facultad de Bellas Artes en la Universidad de Extremadura, ¿te habrías quedado aquí?
Pues posiblemente sí, aunque no sabría contestar con total seguridad. Me suelo mover mucho por sensaciones, si la facultad me hubiera dado buenas vibraciones pues seguramente hubiera acabado aquí.

En 2009 recibiste la prestigiosa beca “Pintores Pensionados del Palacio de Quintanar” de la Academia de San Quirce en Segovia, ¿qué supuso para ti la experiencia?
La verdad, para mí hasta día de hoy ha sido una de las experiencias más completas que he vivido. El haber compartido afición y dedicación con 25 personas con las mismas inquietudes artísticas y el trato recibido hicieron de esta beca un mes para recordar en todos los sentidos.

Oportunidades de este tipo no hay muchas ya que son numerosas las personas que se inscriben para realizar estas becas y el haber sido elegido para ello fue una grata sorpresa. Tantas fueron las ganas de repetir otra experiencia de este tipo que al año siguiente presenté un proyecto para la Beca de Paisaje de Mondaríz. Me preseleccionaron pero me quedé a las puertas como reserva número uno.

Estás exponiendo actualmente en la sala Vaquero Poblador de la Diputación de Badajoz con el título “Tiempo de nieve”, ¿qué podemos encontrar en la muestra?
“Tiempo de nieve” es una frase que condensa muy bien la esencia de está exposición, formada por 17 cuadros realizados en acrílico sobre lienzo y sobre madera. En la serie podéis observar dentro de la misma temática algunas variantes que van desde una máquina quitanieves o un bosque, hasta un lago o una montaña nevada.

La gama de colores tiende hacia los grises, los verdes, los azules, casi siempre mezclados con blanco. En cuanto a la factura, se trata de una pincelada suelta, siendo en algunos casos más sintética y otros más analítica. En los últimos cuadros se puede observar un paisaje más montañoso, con una gama más azulada.

¿Cómo surgió exponer allí?
Hace más de un año presenté un dossier con un proyecto y una serie de obras. Me llamaron al poco tiempo pero tuve que retrasar la oferta, ya que me encontraba realizando un master y no podía dedicarle todo el tiempo que quería. De modo que nuevamente volvieron a contactar conmigo y ya fue cuando acepté la oferta.

La parte más conocida de tu obra son los paisajes, ¿sientes especial predilección por este género?
Esto es algo curioso ya que antes de cursar la asignatura de paisaje en la Facultad de Bellas Artes me dedicaba a pintar retratos, desnudos y bodegones. Sólo pintaba algún paisaje por encargo o en concursos de pintura rápida.

No sé si fueron los días que pasé pintando en contacto con la naturaleza en los Reales Alcázares en Sevilla o la beca de paisaje en Segovia, pero empecé a tener cada vez más inquietudes hacia este género y a día de hoy es lo que hago en mi obra más personal.

¿Qué crees que puede aportar el paisaje, siendo uno de los géneros pictóricos más antiguos, al arte actual?
El paisaje es un fiel reflejo del modo en que vivimos. Como decía Oteiza "a formas distintas de hombre corresponden distintas interpretaciones del paisaje". La pintura actual se encuentra sumergida en una profunda vorágine de estilos, técnicas y tendencias.

Hay diferentes formas de acercarse y observar el paisaje, como puede ser la emoción, la reflexión o el conocimiento. Creo que el paisaje siempre puede aportar cosas nuevas al arte, es como un escenario en el que constantemente se están realizando cambios. Gracias al arte, hemos podido observar su evolución, de tal modo que si el mundo sigue evolucionando, el paisaje irá alterándose a la par. Por lo tanto la pintura de paisaje seguirá experimentando también esos cambios.

¿Cómo ves el panorama artístico actual en Extremadura?
Creo que cada vez hay más movimiento artístico dentro de la región. Se convocan más premios de pintura, hay más salas de exposición, hay proyectos como Aupex y becas para jóvenes creadores como la Zurbarán, para dar a conocer a jóvenes artistas extremeños.

Para terminar, ¿cuáles son tus próximos proyectos?
Tengo varias cosas en mente aunque hay que acabar de pulir esas ideas para poco a poco ir dándoles forma. Por lo pronto seguir pintando, seguir buscando nuevas ideas, leer mucho y sobre todo ver, observar. ¿Y por qué no? También en cierto modo absorber.

Las 3 Campanas

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Wed, 04 Jan 2012 02:00:00 +0000

Hoy comparto con vosotros otro rinconcito de Badajoz que en este caso, además, significa mucho para mí pues me trae recuerdos de mi más tierna infancia. Se trata del histórico y centenario edificio de Las Tres Campanas, situado en la plazuela de la Soledad, en pleno casco histórico badajocense. Edificio que acogió hasta hace escasos años la más antigua y emblemática de las jugueterías de Badajoz, que tenía el mismo nombre que el inmueble. Aún recuerdo mi cara de asombro ante las maravillas que ofrecían sus escaparates: playmobils, scalextrics, naves espaciales, robots, Másters del Universo y tantos otros objetos anhelados en aquella época.

El edificio de Las Tres Campanas se construyó en 1899 por encargo de la familia Ramallo para destinarlo a uso comercial. En 1912 sufrió un incendio y fue reedificado en 1917 por Adel Pinna y Curro Franco. Pinna, que no estaba titulado como arquitecto y por lo tanto daba a otros sus proyectos para que los firmaran, salpicó el casco antiguo de Badajoz de obras de gran porte plenas de buen gusto y originalidad como La Giralda, la casa Álvarez o el Garaje Plá.

Las Tres Campanas presenta una fachada de estilo modernista con cuatro plantas y tres calles. Las dos primeras plantas muestran dos cuerpos laterales avanzados sobre la fachada con miradores. El cuerpo central es más ancho y presenta un balcón en la primera planta. La tercera planta sigue el diseño de las anteriores pero se sustituyen los miradores por unos pequeños balcones.

Destaca el uso de la carpintería de madera así como los estucados que imitan motivos vegetales y el ritmo curvilíneo de la fachada -rasgos típicamente modernistas-. El cuerpo superior queda rematado por dos pequeñas cúpulas en los extremos, agallonadas y de cierto gusto afrancesado. Y en el centro encontramos un reloj fabricado por la empresa Pérez en 1917, al que hay dar cuerda a diario y que es ya en si mismo una verdadera joya. Como remate del reloj aparece una singularísima veleta en forma de paraguas que acoge el símbolo distintivo del edificio, las tres campanas.

El interior lo recuerdo de una belleza extraordinaria cuando era juguetería: pilares de fundición, artesonados maravillosos, escaleras de caracol de delicada madera, mostradores y estanterías decorados con fina marquetería... También tenía dos ascensores con cristaleras y asientos -ésto último me parecía muy llamativo- y un gran reloj de madera con números romanos que colgaba del techo... En fin, una preciosidad que ya de niño me llamaba la atención y no sólo por la infinidad de juguetes que inundaban los estantes.

Hace algunos años la juguetería se trasladó de su centenario enclave y la Caja Rural de Extremadura compró el edificio para convertirlo en su sede central. Este cambio de sede nunca llegó a materializarse. Recientemente unos particulares lo compraron para ser parte de un complejo hotelero que se extendería por la adyacente calle Duque de San Germán, proyectándose el restaurante del hotel en Las Tres Campanas. Esperemos que, de ver la luz esta iniciativa, sea lo suficientemente respetuosa con el histórico edificio y su esplendoroso interior. Muchos "niños" de Badajoz les estaríamos agradecidos por mimar este lugar mágico de nuestra infancia.

Bibliografía:
·Guía artística de la ciudad de Badajoz. Carmen Araya Iglesias y Fernando Rubio García. Diputación Provincial de Badajoz, 2003.
·Badajoz, mucho que ver. Asociación Amigos de Badajoz. Tecnigraf, 2004.
·Un hotel para Las Tres Campanas. Juan López-Lago. Diario HOY, 24 de febrero de 2010.

Entrevista con Rubén Errebeene

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 27 Dec 2011 16:56:00 +0000

«Mi estudio es un lugar en el que encuentro la paz y mi creatividad se dispara»

Rubén Errebeene es una joven promesa de la fotografía y, sin duda, una de las figuras de moda de la noche madrileña gracias a sus desenfadadas instantáneas para diversos clubes de la capital. Nacido en Madrid en 1988, ha fotografiado a populares cantantes como Nacho Cano o los miembros del grupo Pignoise. Sus personales imágenes se han convertido en portada de revistas como Showdown, Lollypop u Hola! México. Además, Rubén imparte clases de orientación fotográfica en La Central de Cine de Madrid, acaba de inaugurar su propio estudio en Pozuelo de Alarcón y prepara el lanzamiento de una revista digital de tendencias.

JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ

¿Cómo comenzó tu historia de amor con la fotografía?
Pues comenzó digamos con el Paint, empezando a hacer montajes, de locos. Luego ya decidí estudiar Arte y ahí fue donde vi mi verdadera vocación. Aunque siempre me ha gustado mucho dibujar muñecajos. Mi profesora de Artes quería que fuese ilustrador infantil.

¿Por qué decidiste ser fotógrafo?
Me tiraban más las nuevas tecnologías. El futuro sabía que estaba en lo digital y decidí aparcar a un lado el mundo del dibujo por esta otra manera de dibujar, con luz.

¿Qué tipo de cámara o cámaras utilizas?
Soy adicto a Sony. Tengo cuatro cámaras, dos de ellas para fotos y las otras dos para vídeo. Tengo de todo tipo de gamas desde las mas básica -con la que empecé- a la profesional, que es la que uso ahora.

Tienes un estilo muy personal ¿dónde encuentras las inspiración? ¿te ha influido la obra de algún fotógrafo?
Me inspiro mucho en los videoclips. En Estados Unidos: Las Vegas, California... También me gusta mucho el estilo londinense. Y dos grandes inspiraciones son David LaChapelle y Mario Testino.

¿Cuánto tiempo llevas dedicándote a la fotografía?
Voy a hacer, creo... 4 años.

Has retratado a gente muy conocida como Verónica Romeo, Soraya, Pignoise, Roser, Nacho Cano pero ¿hay algún otro famoso con el que te gustaría trabajar?
Creo, no... lo tengo claro: Rihanna , Christina Aguilera, Lady Gaga, Britney Spears, Beyoncé... Mi futuro creo que está al otro lado del charco.

También has realizado fotografías para clubes como Ohm y multitud de fiestas de Madrid, ¿sientes especial atracción como fotógrafo por el mundo de la noche?
Si te digo la verdad es un mundo que siempre he tenido muy "yo nunca". Pero mira, la crisis llega para todos y vi en la noche una salida muy fácil, divertida y que podía compaginar con mi mundo diurno. Puedo estar con mis amigos a la vez que trabajo y es muy divertido pero la noche quema mucho, ¡aunque he de reconocer que me lo paso como un enano!

Has realizado colaboraciones y portadas para revistas como Lollypop, Showdown u Hola! México, ¿qué supone para ti ver tu obra en la portadas?
¡Buf! sobre todo la que más me impactó fue la de Hola! México. Ver mis fotos y pensar que mi trabajo ha cruzado el charco... Lloré y todo. ¡La tengo guardada como oro en paño! Las demás portadas pues hacen mogollón de ilusión, la verdad. ¡Ver que tu trabajo gusta y que se expone en medios digitales es una pasada!

Te has implicado en una causa solidaria con Apoyo Positivo, ¿puedes explicarnos en qué ha consistido tu labor y la campaña Help!?
En Apoyo Positivo cada uno colabora con lo que sabe hacer: la maquilladora maquilla, el cámara graba, el peluquero peina ¿y yo qué es lo que sé hacer? Fotos. Pues decidí colaborar con las fotos de la campaña. Ya participé el año pasado y quedaron muy contentos con el trabajo y este año me han encargado el trabajo de más peso, las celebrities. Pero a mí eso me ha encantado, era una responsabilidad enorme pero lo he disfrutado. Y disfruto también poniendo mi granito de arena porque juntos formamos un equipazo genial.

El año pasado impartiste varias clases de fotografía a alumnos de arte dramático de la Central de Cine de Madrid ¿cómo surgió esta oportunidad?
Fue por un amigo actor, Ruben Mascato, con el que hicé una sesion de fotos. El recibía clases en La Central de Cine, enseñó mi trabajo y la directora de la Central -a la cuál adoro- Eva Lesmes, se puso en contacto conmigo para proponerme esas clases. La verdad es que me temblaban las piernas el primer día pero parece mentira que ya haya hecho un año y sea profe... Ya tengo los horarios del nuevo curso que comienza en enero y estoy ansioso porque disfruto y me encanta trabajar con gente tan diversa. Poderles echar un cable ayudándoles a posar y orientándoles sobre la importancia de la fotografía en un casting o en un proyecto cinematográfico.

¿Te ves ejerciendo en el futuro de profesor de fotografía?
Sí, por este año ya tengo todas las clases cubiertas y bueno, no doy exactamente clases de fotografía. Es una especie de clase de orientación. Hay gente que llega a la gran ciudad sin saber la importancia que tiene una buena foto con la que ellos se sientan identificados en un casting. Es su carta de presentación. Es lo primero que ven. Y esa es mi labor, jugar con su cara, sus expresiones, ver su lado bueno, lo que les favorece... En definitiva, echarles un cable. Y ellos me ayudan a mí a tener más destreza, a ser más agil, más rapido a la hora de hacer fotos. Es muy divertido.

¿Qué ha supuesto para ti abrir tu recién estrenado estudio en Pozuelo?
Ha supuesto un gran paso. Antes de verano me dije que mi vida debía dar un cambio... Una de las alternativas era irme a Londres a vivir. Otra independizarme. Y la del estudio la veía más a largo plazo pero surgió así y decidí tirarme a la piscina. Para mí es un lugar donde encuentro la paz, mi creatividad se dispara y es que me encanta tener un lugar donde dar rienda suelta a todo lo que me propongo. Y lo mejor es que lo consigo. En Pozuelo aún no se me conoce mucho porque yo soy más de ciudad. Mi gente, con la que trabajo, todos viven en el centro. Pero ya se andará, ¡ya daré que hablar!

¿Crees que la fotografía de estudio está reñida con la artística?
Se puede ser muy artista tanto en un estudio como fuera... La cuestión es tener el duende, el ángel dentro de ti. Si tú tienes arte, todo lo que hagas llevará tu sello.

¿Cuáles son los próximos proyectos de Rubén Errebeene?
Tengo varios proyectos musicales muy relacionados con el mundo de la noche, mi nuevo curso en La Central de Cine y una escapadita a la cuidad condal, Barcelona. Tengo en mente montar una revista ¡pero quiero que sea algo tan genial que quiero darle mil y dos mil vueltas a todo! Ya está empezando a nacer, será digital y muy Errebeene. Mucho color, mucho flúor, mucha moda, música, cine... Cosas que nos interesan a la gente joven. Hablaremos de sexo sin censura, de la noche madrileña y de toda España. ¡Poco a poco os enteraréis de todo!

Juan Gatti en la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 25 Dec 2011 10:16:00 +0000

Hoy os recomiendo que visitéis la retrospectiva Contraluz del mítico diseñador gráfico -el oficio se le queda corto- Juan Gatti, que desde el mes pasado tenemos el lujo de poder visitar en Madrid en la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II (c/ Santa Engracia, 125) y que recoge obras de las tres últimas décadas. Definido por muchos como el fotógrado de la Movida, ha recibido entre otros reconocimientos el Premio Nacional de Diseño (2004) y la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2010).

Gatti nació en Buenos Aires en 1950 pero desde 1980 está afincado en Madrid. Es muy conocido, sobre todo, por haber colaborado intensamente con Pedro Almodóvar en multitud de carteles para sus películas: Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Átame (1989), Tacones lejanos (1991), Hable con ella (2002), La mala educación (2004), Volver (2006), Los abrazos rotos (2009) o La piel que habito (2011) aunque también ha realizado diseños para Álex de la Iglesia o Fernando Trueba.

Juan Gatti fue hasta 1985 director de arte de la discográfica CBS (después Sony) por lo que diseñó multitud de portadas archiconocidas como la del grupo Tequila (1979), Deseo Carnal de Alaska y Dinarama (1984) o Descanso dominical de Mecano (1988) además de otras para Miguel Bosé, Radio Futura, Nacha Pop o Ana Belén. Todo este ingente trabajo en el mundo del cine y de la música forma la colorida primera parte de la exposición.

La segunda parte de la muestra la componen una serie de cuarenta fotografías en blanco y negro de gran formato que son las que precisamente dan título a la exposición. Son imágenes más personales, sin ataduras artísticas de ningún tipo, en las que Gatti nos sumerge en un mundo onírico que se aleja totalmente de sus trabajos más conocidos. El recorrido termina con una delirante proyección en la cúpula del torreón que acoge la sala de exposiciones, antiguo depósito de aguas del Canal de Isabell II.

Seda, de Alessandro Baricco (1996)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sat, 24 Dec 2011 18:53:00 +0000

Hoy quiero hablaros de una pequeña novela que llegó a mis manos hace meses como primera entrega de esas colecciones que aparecen en los quioscos a finales de verano con precio estupendo al principio y clavada del quince en las siguientes entregas. Se trata de Seda (1996) del escritor italiano Alessandro Baricco.

Tengo que decir, no muy a mi favor, que ni recordaba que la tenía. Hace relativamente poco leí una mención sobre ella en la magnífica novela El maleficio de la duda de mi admirado Ariel Capone, por lo que de inmediato entró en mi lista de deseos hasta que ayer –voilà!- apareció por arte de magia en mi biblioteca y recordé, como os he dicho antes, que la tenía desde hacía meses.

Alessandro Baricco nació en Turín en 1958, es licenciado en Filosofía y fue precisamente con esta novela, Seda, con la que alcanzó la fama mundial en 1996 tras convertirse el título en un bestseller que se ha traducido desde entonces a 17 idiomas. Tan sólo en España lleva 40 ediciones, para que os hagáis una idea.

Ha publicado en total 8 novelas, siendo Seda la tercera tras Tierras de cristal (1991, Premio "Selezione Campiello" y "Prix Médicis Étranger") y Océano mar (1993, Premio "Viareggio"); además de varios ensayos y obras de teatro.

A Seda le ocurre igual que a su autor, para unos es una obra de culto y para otros una pantomima –que aunque lo parezca no es una de las empresas de la Pantoja-. Partiendo de esa premisa me dispuse a comenzar su lectura esta mañana, mientras iba en metro al trabajo. Después de dedicarle la media hora de ida, la media de vuelta y un ratito más en casa... c’est fini.

Seda narra la historia de Hervé Joncour, un joven francés afincado en Lavilledieu -pueblo que se dedica a la elaboración de seda- en la que una nefasta enfermedad de los gusanos de seda locales obliga al protagonista a cruzar medio mundo para comprar miles de huevos de este insecto en Japón. El encargado de satisfacer su demanda es el comerciante Hara Kei, considerado algo así como el amo y señor de la villa en su tierra. Es allí donde Hervé queda prendado de una joven muchacha de rasgos occidentales que acompaña siempre a Hara Kei y con la que no cruza palabra en toda la historia.

Sin entrar en más spoilers, tengo que decir que no se le puede negar a Baricco la maestría en construir un gran relato, con descripciones cuanto menos sutiles y un estilo narrativo donde los detalles se reducen a la mínima expresión para dar importancia total simplemente a la historia, sin florituras. Historia bellísima y tristísima, por cierto.

Aunque a veces Seda parece una historia escrita de un tirón; otras, roza exageradamente lo cinematográfico y cabría preguntarse si Baricco la hizo pensando en que alguien le comprara los derechos para llevarla al cine. Pero lo cierto es que no deja de ser una genialidad construir una historia de tal calibre y profundidad con tan sólo el armazón. Porque como os digo, no hay más detrás. El ahorro de palabras, situaciones y detalles es constante a lo largo de las 125 páginas.

¿El mensaje de Seda? El triunfo del cerebro ante el corazón, encarnado en un protagonista que es incapaz de abandonar su monótona existencia, su trabajo y a su mujer por un amor a primera vista por el que románticamente habría podido renunciar a todo. Con el inesperado final cabe preguntarse si el protagonista se arrepintió en algún momento de su vida de no haber tomado otra decisión. Y es en este punto en el que Baricco alcanza una cota de penetración en el subsconciente del lector que hacen de Seda una obra efectiva, sublime e inolvidable.

Alberto de los Ríos expone en Badajoz

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sat, 17 Dec 2011 09:08:00 +0000

Desde ayer y hasta el 12 de enero puede visitarse en el café-bar La Galería de Badajoz (c/ Arias Montano, 8) la exposición La rebelión de los círculos del joven pintor badajocense Alberto de los Ríos. La muestra recoge obras creadas por el artista durante los últimos cincos años, desde creaciones de su etapa formativa en Italia hasta trabajos actuales realizados en spray y rotuladores acrílicos con una estética plenamente contemporánea.

Alberto de los Ríos nació en Badajoz en 1979 y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha sido profesor de pintura en spray en Turín (Italia) y actualmente regenta la Academia de Artes Plásticas La fábrica de artistas en la c/ Santo Domingo, 74 de Badajoz.

Sus obras han sido seleccionadas para importantes certámenes como el PerOGGI (Roma, 2007), Ciudad de Béjar (Salamanca, 2009), Arte Joven Extremeño (Badajoz, 2009), Juan José Narbón (Cáceres, 2010) o Jóvenes Creadores (Badajoz, 2011). De los Ríos también ha formado parte de numerosas colectivas en Italia y España (Burgos, Granada, Cáceres, Salamanca) y ha expuesto con anterioridad en Badajoz (Casas Mudéjares, The Coffee Break, Museo de la Ciudad, La Galería) pero esta es la primera vez que muestra obras inéditas de su etapa italiana en nuestra ciudad.

Puedes leer aquí la entrevista que realicé a Alberto de los Ríos el año pasado con motivo de su exposición Paisajes extremendos.

*Publicado originalmente en BaluArte de Badajoz

Pesadilla en la cocina

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 13 Dec 2011 03:47:00 +0000

Quiero recomendaros un programa que suelo ver de vez en cuando, cuando el trabajo y las obligaciones me lo permiten. Se trata de Pesadilla en la cocina, o Kitchen Nightmares, un programa norteamericano sobre restauración que emite en la actualidad el canal FOX y que a su vez está basado en otro del mismo formato de origen británico. En él, el conocido chef escocés Gordon Ramsay (12 estrellas Michelín) acude en cada episodio a prestar su ayuda a diferentes restaurantes que se encuentran en serios apuros económicos.

En un primer momento el chef Ramsay visita el local, conoce a los propietarios y prueba parte del menú como primera toma de contacto. Posteriormente comienza a analizar las necesidades gastronómicas del barrio o zona en que se encuentra el restaurante, las relaciones entre los diferentes miembros de la plantilla y la salubridad de las instalaciones y cocinas. Todo con el único fin de dar con la clave que ayude a reflotar el negocio.

Merece especial atención la forma en que el conocido chef se inmiscuye en las monótonas vidas de las personas que componen estos pequeños negocios familiares y va transformando sus mentalidades con sus certeros comentarios realizados casi siempre de forma directa, radical y en muchos casos hiriente.

Pero Ramsay no se limita a trastocar vidas y menús, sino que en el último momento realiza un extreme makeover del restaurante para adaptar su imagen al tipo de cocina y público adecuados, cual Nuria Roca en Reforma Sorpresa.

Normalmente los negocios repuntan, y no es extraño que en determinados capítulos Ramsay vuelva a visitar algunos restaurantes para comprobar su evolución. En ocasiones, incluso, cede temporalmente a personal de sus propios restaurantes para consolidar las mejoras introducidas. Pero también se dan casos de cierres definitivos a causa de las deudas que los propietarios tienen acumuladas.

Pesadilla en la cocina se emite en España en el canal Nova en horario prime time y tiene una duración aproximada de 50 minutos. Echadle un vistazo si os gustan la cocina y los negocios, ¡merece la pena!

Gloria Estefan regresa con Miss Little Havana

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Mon, 28 Nov 2011 17:00:00 +0000

Mañana sale a la venta en formato físico la última aventura discográfica de Gloria Estefan, Miss Little Havana, que ya estaba disponible en iTunes España desde octubre. El disco, cuyo nombre hace alusión a un personaje ficticio encarnado por una joven cubana que llega a Miami en busca de oportunidades, amor y diversión, es prácticamente una versión actualizada del estilo que lanzó a la fama a Gloria hace casi 3 décadas cuando era la solista del grupo Miami Sound Machine.

Y es que el álbum, producido por Pharrell Williams (N*E*R*D, The Neptunes), Emilio Estefan y la propia Gloria, resucita el "sonido Miami" que los Estefan impulsaron a principios de los 80, y que alcanzó su éxtasis a finales de los 90 en las voces de Ricky Martin, Jennifer Lopez o Marc Anthony, con una inyección explosiva de música urbana, R&B y arreglos dance de plena actualidad.

Miss Little Havana es, sin duda, uno de los grandes regresos discográficos del año y toda una sorpresa incluso para los fans de la cantante, cuyo último álbum en inglés, Unwrapped, se remonta nada menos que a 2003. La portada es una singular composición del artista cubanoamericano LEBO que muestra una imagen de la intérprete realizada siguiendo la técnica del collage con fotos de diferentes épocas y vibrantes dibujos muy acordes con el sonido cálido y sensual del álbum.

Y es que la Estefan parece haber vuelto con ganas, como demuestran el videoclip del sencillo Wepa, dirigido por Ray Kay -autor de vídeos para Lady Gaga, Justin Bieber y Britney Spears- y el nuevo número #1 alcanzado en la lista Dance norteamericana que se suma a los más de 60 que Gloria ha logrado en la prestigiosa revista Billboard. No obstante es la única artista que ha llegado a lo más alto de las listas Hot 100, Pop, Adult Contemporary, Dance, Latin y Tropical de la prestigiosa publicación. En nuestro país ha sido notorio su regreso a la lista de Los 40 Principales en la que no aparecía desde hacía más de una década.

Miss Little Havana cuenta igualmente con varias sorpresas, como una versión del éxito Let’s get loud que la Estefan compuso para su álbum gloria! pero que finalmente cedió a Jennifer Lopez y que está incluida en el disco On the 6 de la neoyorquina y otra nueva versión descargable del clásico Conga remezclada por Pablo Flores, ahora que se cumplen 25 años del éxito mundial de la que es considerada su canción más emblemática en el mercado anglo. Atentos también a los temas Hotel Nacional y Medicine porque se perfilan como los próximos singles.

Entrevista con Carlos Simón

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sat, 15 Oct 2011 09:43:00 +0000

«Mucha gente quiere dedicarse a este mundo pero son muy pocos los que deciden a quien le dan la oportunidad»

Carlos Simón es un joven cantautor nacido en Valencia en 1989 y afincado en Madrid, ciudad en la que poco a poco va abriéndose camino en el difícil mundo de la música. Ha tocado en salas como Búho Real (Madrid) y Pirámide (Valencia). Esta noche ofrece un concierto acústico en la sala El rincón del arte nuevo en Madrid (c/ Segovia, 17. Metro Ópera).

JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ

¿Cuándo decidiste que querías dedicarte al mundo de la música?
Desde pequeño he querido dedicarme a la música. Siempre he dicho que en mi vida hay tres pilares que son mi familia, mis amigos y la música. Sin uno de ellos me sería muy difícil vivir. Pero aunque desde pequeño he querido dedicarme a esto, creo que el paso de venirme hace un año a Madrid a buscarme la vida para hacerme un hueco ha sido el cambio que necesitaba para empezar a encaminar mi vida en este mundo tan complicado.

¿Te resultó difícil el cambio de Valencia a Madrid?
La verdad es que no me costó mucho. Soy una persona a la que le aburre mucho la rutina y me gustan los cambios, hacer cosas nuevas y sobre todo perseguir lo que quiero. Y soy consciente de que la mejor ciudad para conseguir mis propósitos es Madrid y que debo quedarme aquí.

¿Estás compaginando tu pasión por la música con estudios?
Ahora no. Estuve estudiando Psicología pero me di cuenta que no era lo mío. Ahora estoy centrado únicamente en la música pero no descarto empezar a estudiar de nuevo algún día.

¿No confías del todo en poder vivir de tu vocación?
¡Ojalá pudiese vivir de la música!

Eres muy joven y sin embargo has compuesto ya más de 70 canciones ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Desde siempre la música ha estado en mi vida diariamente y sin duda mi fuente de inspiración menos directa ha sido toda la música que he escuchado desde que era pequeño hasta ahora. Pero sobre todo mi fuente de inspiración siempre han sido los cantautores. Actualmente escucho música de autor.

En tu página oficial afirmas que tienes una manera original de componer ¿Sigues alguna rutina diferente o particular?
Primero improviso la melodía de la canción con la letra que me sale en el momento. La mayoría no tienen sentido o es un inglés inventado jaja [ríe]. Entonces me grabo y, si veo que es una melodía que me gusta, añado la letra que me apetece y le va a la canción sobre el tema.

¿Cuando comenzaste a componer?
Empecé a componer a los 13 ó 14 años más o menos. Eso sí, de esa época conservo muy pocas canciones por el bien del mundo [ríe]. Como en todo, el tiempo te da experiencia y uno va mejorando con el esfuerzo y las ganas de hacerlo mejor. Actualmente en mis conciertos suelo cantar una canción que si que conservo de esa etapa que es Un día de invierno. La compuse incluso antes de empezar a tocar la guitarra, a los 14 años.

¿Tienes algún referente musical que haya influido en tu estilo?
Supongo que han influido muchísimos cantantes que he ido escuchando a lo largo de mi vida pero debería destacar a Alejandro Sanz, Luís Fonsi, Sin Bandera, Camila, Vega... y paro aquí porque podría estar nombrando hasta aburrir [ríe].

¿Sigues la trayectoria de algún otro cantautor que esté empezando como tú?
Ojalá pudiese seguir la misma trayectoria de Pablo Alborán. Él también empezó por salas de Madrid y ahora le ha cambiado la vida completamente. Es un ejemplo a seguir para todos los que nos dedicamos a la música. Te das cuenta que es posible llegar con esfuerzo y constancia.

En otra entrevista el cantautor Carlos Salinas me contaba que tuvo que insistir durante mucho tiempo para tocar en la sala Búho Real. ¿Crees que el problema es que hay mucha competencia entre los nuevos cantautores o es simplemente cuestión de gustos de los dueños de las salas?
Creo que todo tiene que ver. Hay muchísima gente que quiere dedicarse a este mundo pero son muy pocos los que deciden a quien le dan la oportunidad. Hay que ser constante e insistir por lo que uno quiere, al final siempre te dan la oportunidad y si va bien puedes seguir tocando.

En 2007 ganaste el Festival Narciso de Cantautores del Puerto de Sagunto, ¿qué supuso ese premio para ti? ¿Vas a participar en más certámenes?
Fue toda una experiencia porque una parte del premio era hacer un concierto en una sala y fue la primera vez que me subí a un escenario para cantar un repertorio de una hora con mis temas. Fue muy bien y me sentí muy arropado por toda la gente que vino a verme. Ese día supe que tenía que subirme a un escenario más a menudo.

Uno de tus temas se llama Mucho por recorrer, ¿qué te queda por recorrer para alcanzar tu meta como cantante?
Aún me queda mucho por recorrer y habré alcanzado mi meta el día que pueda decirme a mí mismo que puedo vivir de la música y que es lo que me alimenta cada día. Nada fácil tal y como están las cosas hoy en día pero sé que estoy en el sitio que debería estar. Es una forma de buscar mi felicidad que supongo que es lo que busca todo el mundo en la vida.

¿Qué podremos escuchar esta noche en El rincón del arte nuevo?
He hecho una selección de mis canciones bastante variada en cuanto a temática, aunque generalmente se hable del amor. Además seguramente cante alguna versión de una de mis canciones favoritas.

Fotografías: Facebook oficial de Carlos Simón

Mis 10 canciones favoritas en inglés (3ª parte)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 25 Sep 2011 12:22:00 +0000

· Queen - Don't stop me now. Estamos ante el primer single del disco Jazz (1978) del grupo británico Queen. Escrita e interpretada por su mítico líder, Freddie Mercury, es un himno rock de inmensa popularidad en nuestros días pero que no gozó de la misma fama en la época de su lanzamiento.

De hecho, el álbum Jazz –séptimo en la discografía de la banda- fue quizá el menos elogiado por la crítica, quizá por una mezcla de estilos mucho más evidente que sus predecesores y de difícil digestión en aquel momento. No obstante, y pese a no recibir certificaciones de multiplatino en Reino Unido y Estados Unidos como en ocasiones anteriores, el grupo Queen fue premiado con sendos platinos en ambos países.

El tema Don’t stop me now alcanzó el #10 en Irlanda y #9 en Reino Unido, siendo certificado single de plata. No tuvo la misma suerte en el mercado norteamericano, donde apenas pudo llegar al #86 del Hot 100. Sin embargo es una canción que con los años ha ido ganando fama y reconocimiento en la cultura popular, tras ser incluida en multitud de series de televisión, películas y anuncios de todas partes del mundo, convirtiéndose en uno de los temas más populares de la banda de Londres.

Igualmente ha sido versionada por multitud de artistas de muy diferentes géneros y procedencias, una de las últimas ha sido la popular –y tengo que decir que personalmente detestada- Katy Perry en su Hello Katy Tour.

Es un tema tan trepidante, enérgico, descarado y rockero –el solo de guitarra de Brian May es, sencillamente, impresionante- que levanta el ánimo a cualquiera. Ni que decir tiene que lo he interpretado cientos de veces en mis particulares conciertos caseros ja, ja.

· Tina Turner - What’s love got to do with it. Dicen que todas las grandes divas del pop tienen en sus carreras un álbum que las devuelven a lo más alto tras épocas en las que han mantenido un perfil bajo en el mundo de la música. Casos como el de Cher y su Believe o más recientemente Mariah Carey y su Emancipation of Mimi son ejemplos de libro. En 1985 le ocurrió algo similar a esta veterana intérprete nacida en Nutbush (Tennessee) en 1939 con la publicación del disco Private dancer.

Por entonces Tina llevaba casi una década alejada del que había sido su marido y pareja artística, Ike Turner, -con el que había conquistado las listas norteamericanas en los 60 y 70 con temas tan populares como River deep, mountain high o Proud Mary- debido a los malos tratos sufridos durante su matrimonio. Sus intentos por lanzarse en solitario apenas habían tenido repercusión hasta que en 1983 grabó una versión del tema de Al Green Let’s stay together que se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido. Esto hizo que su discográfica apostara fuerte por ella en su siguiente producción musical.

Así nació Private dancer, un álbum que combinaba sabiamente sonidos Pop, R&B, Rock e incluso New Wave y que marcaría el nuevo estilo seguido desde entonces por la artista. El disco fue un éxito inmediato con nada menos que 7 de los 10 temas del álbum lanzados como singles. El más conocido es, sin duda, What’t love got to do with it, sencillo que catapultó a Turner al #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia y cuyo icónico videoclip rodado en las calles de Nueva York es todo un símbolo de los años 80. Tina consiguió tres premios Grammy por este tema: Record of the Year, Song of the Year y Best Female Pop Vocal Performance.

Mi primer recuerdo de este grandísimo tema viene del disco Grammy’s Greatest Moments Vol. 1, publicado en 1994, que recogía algunas de las actuaciones más memorables de los prestigiosos premios. Disco que cantaba casi de principio a fin con mi hermana y que contenía también el medley de Gloria Estefan Don’t wanna lose you / Si voy a perderte, la primera interpretación en español en unos premios Grammy, allá por 1990.

· Otis Redding - (Sittin’ on) The dock of the bay. Otis Redding es una de esas figuras musicales que con su corta y prometedora carrera y un final trágico e inesperado estaba llamado a convertirse en la leyenda que es hoy en día. Nacido en Dawson (Georgia) en 1941, publicó su primer álbum, Pain in my heart, en 1964 con un marcadísimo estilo soul. Durante los años posteriores publicó otros 5 discos en la misma línea estilística, con éxitos como Try a little tenderness, Security, Respect o I’ve been loving you too long, que le convirtieron en una de las estrellas más grandes de la llamada “música negra”.

Otis fue uno de los artistas del histórico Monterey Pop Festival que se celebró del 16 al 18 de junio de 1967 y en el que participaron también figuras de la talla de Jimi Hendrix, The Who, Janis Joplin o The Mamas & The Papas. Unos meses después, el 10 de diciembre, Redding y su banda volaban en su avión privado hacia Madison (Wisconsin) para ofrecer un concierto cuando sufrieron un terrible accidente debido a las malas condiciones climáticas y se estrellaron en el lago Monona, perdiendo Otis la vida.

Tan sólo 3 días antes grabó este tema, (Sittin’ On) The dock of the bay, compuesto por él mismo junto a su guitarrista, Steve Cropper. La letra, bastante autobiográfica, habla de un hombre que abandonó su Georgia natal y ahora contempla los barcos zarpar desde el muelle de la bahía de San Francisco. Al parecer Otis quería completar la canción con más letra pero tras su fallecimiento fue lanzada en enero de 1968 tal y como estaba. El tema se convirtió en un éxito inmediato debido al impacto de la repentina muerte del cantante, alcanzando no sólo el #1 de las listas R&B sino el #1 del Hot 100 norteamericano durante 4 semanas. Otis consiguió además varios reconocimientos póstumos, algunos de los más grandes de su carrera, como dos premios Grammy en las categorías Best R&B Song y Best Male R&B Vocal Performance.

Es un tema que me enamoró hace muchísimos años, tras escucharlo en un anuncio de televisión, por la inmensa carga nostálgica de la letra y la profunda interpretación. Pese a la gran distancia entre mi vida y la suya, quizá me sentí identificado con ese emigrante de la canción que añoraba su tierra y que había hecho de ese muelle su refugio. Un muelle que perfectamente podía ser metafórico y que no es otra cosa que un nuevo lugar en el mundo al que poder llamar hogar.

Mis 10 canciones favoritas en inglés (2ª parte)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Thu, 01 Sep 2011 23:02:00 +0000

Ya han pasado casi tres meses desde que comencé este pequeño repaso a mis 10 temas favoritos en inglés y hoy es el turno de la segunda parte. Como veréis mis gustos musicales no pueden ser más eclécticos:

· Michael Jackson – Heal the world. Cuando Michael Jackson publicó el disco Dangerous en 1991 ya llevaba una década siendo la figura primerísima del mundo de la música. Por eso no resultó nada extraño que el álbum debutara en el #1 de Estados Unidos y Gran Bretaña con unas ventas arrolladoras. Los primeros singles, Black or White, Remember the time o In the closet, se convirtieron en grandes éxitos a nivel mundial, sosteniendo el estatus de una estrella que estaba a punto de perder brillo por motivos completamente ajenos a su carrera artística.

Si bien estos sencillos fueron la parte señera del álbum que más se promocionó, en mi humilde opinión destacaría también la canción Heal the world. Y lo hago no por ser un tema especialmente enérgico o por tener un espectacular arreglo musical o un llamativo videoclip, sino por la sensibilidad con la que Jackson lo compuso y el mensaje tan humano, positivo y solidario que desprende. No obstante, el propio Michael reconoció en 2001 que era el tema del que más orgulloso estaba.

Este tema lo conocí no en 1991 ó 1992, como habría sido normal, sino en 1995 a través de mi por entonces profesora de inglés en 5º de EGB. Recuerdo con gran cariño como toda la clase lo cantábamos a coro. Más de 30 niños de apenas 10 años que siempre estaban peleando, unidos por la música y cantando al unísono. ¡Se me pone la piel de gallina!

· Suede – Trash. En 1996 la banda londinense Suede publicó Coming Up, su tercera aventura discográfica, con la que consiguieron por fin la fama mundial. El álbum seguía la línea de sus anteriores trabajos con una mezcla de glam rock y rock alternativo con tintes de pop británico por entonces poco frecuente en las emisoras de radio más comerciales.

El primer single fue el tema Trash (Basura), que tuvo una acogida espectacular en las radios de todo el mundo precisamente por ceder un poco del sonido original de la banda a favor de un toque pop que no distorsionaba en absoluto con su estilo habitual. El resultado, con un Brett Anderson en una decadentísima interpretación vocal de un buen gusto indudable y una música más cercana al britpop que al glam rock de sus comienzos, se convirtió en un éxito internacional.

Recuerdo especialmente este tema como uno de los más emblemáticos de la época 1995-1998 en la que era totalmente adicto a los 40 Principales y al programa Del 40 al 1 que emitía Canal +. Precisamente en este programa apareció varias veces el videoclip de esta canción, con una estética glam algo edulcorada que sería posteriormente imitada hasta la saciedad.

· The Mamas & The Papas – Carlifornia dreamin’. ¿Qué decir de este grupo mítico de los 60 y la época hippie? Pues que tengo tanto que contar que les voy a dedicar una entrada en exclusiva en breve. Por eso me basta con afirmar que este pequeño tema de apenas dos minutos es, sin lugar a dudas, una de las mejores composiciones de toda la historia de la música. California dreamin' no tiene desperdicio por ningún lado: composición perfecta, arreglo espectacular, instrumentación acertadísima y -en el caso que nos ocupa- unas armonías vocales insuperables.

Escrita por John Phillips -uno de los componentes de The Mamas & The Papas- mientras vivía en Nueva York (1963) e inspirada por la cálida California, fue terminada cuando aún el grupo no estaba formado y grabada posteriormente por los cuatro miembros de la banda: John y Michelle Phillips, Denny Doherty y Cass Elliot. El tema se publicó en 1965 y no se convirtió en un éxito inmediato pero fue ganando popularidad hasta que en 1966 llegó al #4 en Estados Unidos.

El primer recuerdo que tengo de este grupo es del anuncio de televisión del recopilatorio Lo mejor de The Mamas And The Papas que se publicó en España en 1994 y que curiosamente no contaba con una imagen de ellos en la portada, sino con la de un bebé bañándose en un cubo de latón. Desde aquel momento quedé completamente enamorado de este tema, de esta banda irrepetible y sobre todo de la carismática "Mama" Cass.

La Pintura de Historia en el Museo de Bellas Artes de Badajoz

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Mon, 29 Aug 2011 12:39:00 +0000

Durante mi última visita relámpago a Badajoz he podido visitar una interesante exposición en el Museo de Bellas Artes, encuadrada en uno de los proyectos de la pinacoteca: "Obras de almacén". Con esta iniciativa, la dirección del Museo de Bellas Artes pretende dar a conocer algunas obras que por falta de espacio –y no de categoría- no se exhiben regularmente.

Y con este fin tan loable se inauguró hace un par de semanas la pequeña exposición que os comento, formada por cuatro lienzos de los pintores Felipe Checa y José Caballero adscritos al género de la pintura de Historia. De Checa se exponen El testamento de Isabel la Católica (copia de Eduardo Rosales) y Felipe II recibe a Luis de Morales y de Caballero Los comuneros de Castilla (copia de Antonio Gisbert) y La visita hecha por Hernán Cortés a Carlos V, hospedado en 1528 en casa de los Duques de Béjar.

La Pintura de Historia fue un género que estuvo de moda durante el segundo y último tercio del siglo XIX, debido en gran medida a su uso didáctico, de exaltación patriótica y en ocasiones también de identidad regionalista. Fue muy fomentada en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, que premiaban con asiduidad obras de esta tipología. Además, era un tema obligado dentro de los envíos que los pintores debían mandar a las instituciones que los becaban –Academias, Escuelas de Bellas Artes, Diputaciones, Ayuntamientos-.

Felipe Checa Delicado nació en Badajoz en 1844 en la actual calle Sepúlveda. Se formó durante cuatro años en el Instituto de Segunda Enseñanza de la ciudad y posteriormente en la Escuela Superior de Pintura de Madrid, teniendo como profesores a Pablo Gonzalvo y Joaquín Espalter. Recibió, entre otros honores, una Mención Honorífica en los Juegos Florales de Sevilla en 1875, otra en la Exposición General de Barcelona de 1891 y Diploma de Honor en la Exposición Regional de Béjar de 1903. Fue fundador y director de la Academia Municipal de Dibujo y Pintura desde 1876 y profesor de la Escuela de Artes y Oficios desde 1894 hasta 1906, año de su muerte. Está ampliamente representado en el Museo de Bellas Artes con más de un centenar de obras.

José Caballero Villarroel nació en Barcarrota (Badajoz) en 1842. Tuvo una trayectoria muy parecida en sus comienzos a la de su compañero y amigo Felipe Checa. Al igual que él se formó primero en el Instituto de Segunda Enseñanza de Badajoz teniendo a José Gutierrez de la Vega como profesor. Posteriormente recibe beca de la Diputación de Badajoz y comienza estudios -con Checa- en la Escuela Superior de Pintura de Madrid (Academia de San Fernando). De esta época es precisamente el cuadro de Hernán Cortés que se exhibe en la exposición. José Caballero murió muy joven, con tan sólo 35 años, cuando tenía una prometedora carrera por delante. Está representando en el Museo de Bellas Artes con una docena de lienzos, principalmente retratos y bodegones.

Las cuatro obras de Felipe Checa y José Caballero podrán visitarse durante el resto de agosto y septiembre en la sala de exposiciones temporales del Museo de Bellas Artes de Badajoz (c / Duque de San Germán, 3) en horario de 10 a 14 horas de martes a domingo y de 16 a 20 horas de martes a viernes.

Desde aquí, felicitar nuevamente al Museo Provincial de Bellas Artes de Badajoz por su labor difusora del arte y la cultura extremeñas.

Bibliografía:
·Museo de Bellas Artes de Badajoz. Catálogo de Pinturas. Román Hernández Nieves. Diputación Provincial de Badajoz, 2003.
·Felipe Checa Delicado. Primer Centenario de su muerte (Catálogo de la Exposición Antológica en el Museo de Bellas Artes de Badajoz). Román Hernández Nieves. Diputación Provincial de Badajoz, 2006
·Díptico La Pintura de Historia. Román Hernández Nieves. Diputación Provincial de Badajoz, 2011.

*Publicado originalmente en BaluArte de Badajoz

Monumento a Francisco de Zurbarán

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Tue, 09 Aug 2011 17:57:00 +0000

En la preciosa Plaza de San Andrés (o de Cervantes) del casco antiguo de Badajoz, rodeado de bellos edificios de finales del siglo XIX y primera mitad del XX se encuentra este magnífico monumento dedicado al insigne pintor extremeño Francisco de Zurbarán –natural de Fuente de Cantos-, obra del escultor Aurelio Cabrera.

La figura está realizada en bronce y fue instalada en la plaza el 28 de agosto de 1932, tras ser donada por el autor al Ayuntamiento de Badajoz como agradecimiento por su formación en la Academia Municipal de Dibujo de la ciudad –actual Escuela de Artes y Oficios Adelardo Covarsí- y por iniciativa de los artistas extremeños.

Aurelio Cabrera y Gallardo nació en Alburquerque en 1870 y en hoy en día está considerado como uno de los grandes escultores de su tiempo. Siendo niño es becado por el Ayuntamiento de su localidad natal para recibir clases en la Escuela de Dibujo de Badajoz, teniendo como profesor al afamado pintor Felipe Checa.

Bajo el mecenazgo del Conde de la Torre del Fresno marcha a Madrid en 1896 para continuar con sus estudios en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado, obteniendo unas calificaciones impecables. Entre los logros más importantes de su carrera destacan las Terceras Medallas en Escultura obtenidas en las Exposiciones Nacionales de 1899 y 1901 y la Mención de Honor en Artes Decorativas en 1906.

También es destacable el concurso ganado en 1903 para erigir el Monumento a los Héroes de Ultramar en el Parque del Oeste de Madrid. En 1906 consigue por oposición la plaza de profesor de Talla y Carpintería Artística en la Escuela Superior de Artes Industriales de Toledo, ciudad en la que se instala y donde finalmente morirá en 1936. A Aurelio Cabrera le debemos también la recuperación de numerosas piezas arqueológicas que hoy forman parte del Museo Arqueológico Provincial.

Como curiosidad hay que decir que la figura de Zurbarán erigida en Badajoz no es la primigenia surgida del molde original creado por Aurelio Cabrera. La primera fue realizada con motivo de la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929 para ser instalada delante del Pabellón de Extremadura en el Parque de María Luisa. Al parecer, el monumento fue encargado en primer lugar al ceramista y escultor de Almendralejo Pedro Navia, autor de la azulejería de la Plaza de España sevillana, pero finalmente fue realizada por Aurelio Cabrera.

Si bien la exposición sevillana comenzó en 1929, es probable que la escultura del pintor extremeño no estuviera instalada desde el principio delante del pabellón de la región, puesto que en su base aparece la fecha de 1930. Con los años, la figura original instalada en Sevilla fue trasladada a la Plaza de Pilatos, donde aún continúa, siendo restaurada en 2007.

La de Badajoz, como comentábamos, fue la segunda reproducción y presenta pocas diferencias en su concepción formal salvo los cuatro bajorrelieves que adornan el pedestal sevillano representando el escudo de Fuente de Cantos -patria chica del pintor-, la Torre del Oro sevillana, una Santa Casilda inspirada en la original de Zurbarán y el Arco de la Macarena. El pedestal de Badajoz, realizado por el magnífico marmolista Ángel Zoido, presenta la misma forma que el sevillano pero es completamente liso.

La figura realizada por Cabrera es un magistral retrato del pintor, representado de pie, con la pierna izquierda adelantada y portando una gran paleta y pinceles, así como una espada en la cintura. Aunque de inspiración realista en su concepto, llama la atención por el contrario su moderna realización para la época, al resolver los rasgos y ropajes con aristas y planos ligeramente cercanos al cubismo.

No fue la de Badajoz la última reproducción realizada de tan bella escultura, puesto que dos años más tarde, en 1934, es levantado otro monumento al pintor con otra copia de esta misma figura en Fuente de Cantos. Si bien el resultado es de factura notablemente más sencilla que los anteriores de Sevilla y Badajoz. Existe, además, otra copia del busto de esta escultura en el Museo de Bellas Artes de Badajoz, obtenida del molde original.

Bibliografía:
·Plástica Extremeña. María del Mar Lozano Bartolozzi. Caja de Badajoz, 1990.
·Aurelio Cabrera. Biografías Extremeñas. Moisés Bazán de la Huerta, Diputación Provincial de Badajoz, 1992.
·Museo de Bellas Artes de Badajoz. Francisco Pedraja y otros. Caja de Badajoz, 1993.
·Guía Artística de la Ciudad de Badajoz. Carmen Araya Iglesias, Fernando Rubio García. Diputación Provincial de Badajoz, 2003.
·Badajoz, mucho que ver. Asociación Amigos de de Badajoz. Tecnigraf, 2004.

*Publicado originalmente en BaluArte de Badajoz

Amy Winehouse: Back to black (2006)

noreply@blogger.com (José Ramón González) — Sun, 07 Aug 2011 15:52:00 +0000

Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983 en el distrito londinense de Southgate, siendo hija de un taxista y una farmacéutica. Creció escuchando las canciones de Frank Sinatra que le cantaba su hermano mayor y emulando desde muy temprana edad a los legendarios intérpretes de jazz de los discos de su familia, demostrando unas grandes aptitudes musicales.

Con tan sólo 10 años fundó un grupo de rap, Sweet ‘n’ Sour, comenzó a recibir clases de interpretación en la Escuela de Teatro de Susi Earnshaw y posteriormente en la de Silvia Young, de la que sería expulsada con 14 años por su carácter rebelde. Este hecho marcaría el comienzo de un bagaje constante por diversos centros de enseñanza. A esta edad, además, ya había aprendido a tocar la guitarra, componía sus propias temas y realizaba labores periodísticas para la agencia World Entertainment News Network.

En 2002, después de una breve etapa como vocalista invitada en otros proyectos musicales, firmó por fin con EMI, discográfica que la lanzaría a la fama un año después. Este contrato supuso el comienzo de una fructífera colaboración musical con el productor Salaam Remi, que acababa de participar en dos exitosos álbumes del rapero Nas, Stillmatic (2001) y God’s Son (2002).

Su álbum debut, como no podía ser de otra forma, se llamó Frank (2003) en honor del gran Sinatra. Lanzado originalmente en Reino Unido, ya dejaba intuir la mezcla de jazz, soul y R&B que alcanzaría finalmente la fórmula perfecta en Back to black (2006). El disco fue alabado por la crítica y se convirtió en la sensación del año, siendo certificado triple platino en Gran Bretaña y haciendo a Amy merecedora, entre otros, del prestigioso premio Ivor Novello en la categoría Mejor Canción Contemporánea por Stronger tan me.

El resultado de todo lo aprendido con Frank fue vertido en Back to black -su segundo álbum de estudio- un disco de soul y jazz soberbiamente clásico con claras reminiscencias de los álbumes de la legendaria discográfica Motown, pero a la vez, con un toque fresco y novedoso gracias a los arreglos R&B plenamente actuales. A destacar también la espléndida voz negra de Amy, que nada tenía que envidiar a las de mitos como Sarah Vaughan o Nina Simone. Se dejaba notar también el buen gusto en la producción de Mark Ronson, que ese mismo año había coproducido otro cuidadísimo álbum de título casi idéntico: el Back to basics de Christina Aguilera.

El primer single fue la archiconocida Rehab, tema compuesto por la propia Amy y cuya primera frase surgió durante un paseo por Nueva York con Mark Ronson. La letra, casi premonitoria del trágico final de la cantante, relata la reticencia de la intérprete a iniciar una terapia de rehabilitación contra las sustancias a las que era adicta. Como curiosidad destacar que en ella menciona a músicos de los que sin duda era admiradora, como Ray Charles y Donny Hathaway. El tema se convirtió en Top 10 en multitud de países, incluidos Reino Unido, Bélgica, España, Estados Unidos, Canadá, Hungría y Noruega. Siendo certificado 2x Platino en nuestro país; Platino en Estados Unidos y Dinamarca; y Oro en Bélgica y Nueva Zelanda.

Otros temas destacables, en la misma línea estilística del primer sencillo, fueron los singles posteriores: You know I’m no good y Back to black. Sin embargo, en mi opinión, lo mejor del disco está representado por Tears dry on their own -que samplea el conocidísimo éxito de Marvin Gaye y Tammi Terrell Ain’t no mountain high enough y cuyo videoclip fue dirigido por el fotógrafo David LaChappelle (Elton John, Whitney Houston, Christina Aguilera, Macy Gray, No Doubt, Jennifer Lopez)- y la poética Love is a losing game, con ecos del estilo doo-wop.

Gracias a la publicación de este disco y sobre todo a su original imagen con gran moño y exageradísimas rayas de ojos negras, Amy se convirtió en un icono de la moda, inspirando incluso a diseñadores como Karl Lagerfeld. También es el más claro antecedente del fenómeno Lady Gaga, en el que una superestrella de la música acapara la atención de toda la prensa mundial, y no sólo la especializada en música, siendo noticia incluso en los informativos más por su vida y apariciones que por su propio trabajo. Winehouse, además, abrió las puertas a nuevos artistas británicos de soul y R&B como Adele, Duffy o Bryn Crhistopher, que han logrado posteriormente la fama internacional.

Back to black fue #1 en una quincena de países, incluyendo Reino Unido, Francia, Alemania y España. El álbum fue certificado Diamante en Brasil; 8x Platino en Reino Unido; 7x Platino en Europa y Suiza; 6x Platino en Alemania; 5x Platino en Austria y Holanda; 3x Platino en Dinamarca y Bélgica; 2x Platino en Estados Unidos, España, Rusia, Portugal, Nueva Zelanda, Polonia, Australia y Francia; Platino en Suecia, Noruega, Grecia, Hungría, Finlandia y Canadá; Oro en Argentina, Japón y Turquía.

Amy Winehouse fue reconocida en los premios Grammy de 2008 con seis nominaciones, de las cuales ganó cinco: Artista Revelación, Mejor Álbum Vocal Pop (Back to black), Canción del Año (Rehab), Grabación del Año (Rehab) y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina (Rehab). En Reino Unido recibió dos premios Ivor Novello en las categorías Mejor Canción Contemporánea (Rehab) y Mejor Canción, Música Y Letra (Love is a losing game).

Tras la muerte de Amy el pasado 23 de julio, el álbum ocupó la primera posición del portal iTunes en prácticamente todo el mundo, volviendo incluso al Top 10 del Billboard norteamericano, por lo que es muy probable que los 12 millones de copias despachados hasta entonces hayan sido ampliamente superados. Un logro más de una artista irrepetible.

*Esta entrada está dedicada con todo mi cariño a Miss Van der Woodsen, a la que adoro.

Mis 10 canciones favoritas en inglés (1ª parte)

noreply@blogger.com (José R. González) — Sat, 11 Jun 2011 09:01:00 +0000

Hoy os traigo, tras petición en Facebook, un listado con 10 de mis canciones favoritas en inglés. No puedo decir que sea una lista completamente cerrada puesto que escoger tan sólo una decena de canciones entre todo "mi" repertorio es tarea harto difícil. Ni siquiera las pondré en orden de preferencia. Pero éstas que os muestro a continuación cumplen de sobra la función de este tipo de decálogos: me siguen desde hace muchos años, influyen en mi humor cuando las escucho, tienen algún tipo de vivencia personal relacionada con ellas y creo -humildemente- que también son muy buenos temas desde el punto de vista musical.

· Roxette - Sleeping in my car. Fue escrita por Per Gessle -verdadera alma del grupo- cuando ya tenían el álbum Crash! Boom! Bang! (1994) casi listo y sorprendentemente se convirtió en su primer single. La fuerza del arreglo con potentes sonidos de guitarra, la sugerente letra de reminiscencias sexuales y la voz de Marie -en su plenitud- la convirtieron en un éxito mundial.

Definida por ellos mismos en su Greatest Hits de 1995 como "¡una canción genial!", no es de extrañar que se haya instituido con los años en uno de sus temas más representativos. Sin embargo a muchos os sonará porque en España fue utilizada en el anuncio de la colonia Azur de Puig.

Me trae buenísimos recuerdos de los conciertos improvisados que mi hermana y yo montábamos en casa en plena adolescencia, cantando temas de Roxette durante horas hasta quedarnos afónicos con nuestro viejo equipo de música y un casete del grupo que ni siquiera era original puesto que no teníamos dinero para comprarlo.

· Gloria Estefan - Always tomorrow. La Estefan escribió este tema para la banda sonora de una película del actor Dustin Hoffman que nunca vio la luz. Por suerte fue felizmente recogida en su Greatest Hits de 1992, un fantástico recopilatorio que incluía nada menos que diez Top 10 en las listas norteamericanas -tanto de Gloria en solitario como de su época al frente de Miami Sound Machine- y cuatro temas nuevos (Always tomorrow, I see your smile, Christmas through your eyes y Go away).

Cuando el huracán Andrew asoló las costas de Florida en agosto de 1992, Always tomorrow se convirtió accidentalmente en un himno para sus víctimas por el positivo mensaje de superación que desprendía la canción. Gloria, que donó los beneficios del tema a los afectados, organizó además un concierto para recaudar fondos en el que participaron -entre otros- Jon Secada, Celia Cruz, Whoopi Goldberg o Paul Simon.

Es, sin duda, una de las mejores composiciones musicales de toda la carrera de Gloria Estefan, en la línea estilística de temas como Cuts both ways o Coming out of the dark. Personalmente, me siento muy identificado con la letra, que me ha ayudado en muchos momentos de mi vida gracias al mensaje de esperanza y de superación de las adversidades.

· Europe - The final countdown. Qué decir sobre este mítico himno rock que no sepáis. No conozco a ninguna persona que no lo haya escuchado y entonado alguna vez. The final countdown fue escrita por Joey Tempest, líder y cantante del grupo sueco Europe. Sí, echad cuentas... me gustan Roxette, Ace of Base, Europe, ABBA... así que no os extrañeis si os digo que tengo media casa amueblada con IKEA. ¡Se ve que lo sueco me pone!

The final countdown fue el primer single de su tercer álbum de estudio, del mismo nombre, lanzado en 1986. Con un característico riff de teclado que se repite insistentemente durante toda la canción, una interpretación desgarrada y un grupo con una imagen completamente moderna, tenía todos los ingredientes para llegar al número 1 en 25 países -entre ellos España-. La letra se inspiraba, además, en el conocido tema de David Bowie Space Oddity.

Me recuerda mi más tierna infancia, cuando sólo existían dos canales de televisión, la 1 y la 2. Por entonces TVE emitía el programa Tocata (1983-1987) en el que grupos de diferentes estilos tenían un gran escaparate de promoción. El videoclip era un formato en pleno auge y grupos melenudos como éste estaban a la orden del día y me dejaban con la boca abierta ante el televisor con tan sólo 3 añitos. ¡Tengo espíritu rockero de nacimiento! ¡Vivan los 80!