Tres jornadas sofocantes pero muy bien distribuídas no lograron la afluencia de público deseada

 

¿Estará empezando el principio del final para los festivales? Es la pregunta que me hice tras despedirme de Tomavistas 2025.

El festival que antaño tenía un cartel más selecto entre lo nuevo y divergente, pasó a ser este año una selección de cabezas de cartel muy variopinta, me atrevería a decir que velozmente improvisada, que dio como resultado una mezcla de estilos y de géneros muy dispares que buscaban la asistencia del público a mansalva. Y, ojo, no socavo la calidad de cada artista, para gustos los colores. Pero produjo el efecto contrario.

En las tres jornadas se notaba menos afluencia de gente, por un lado esto es positivo para quienes se agobian en los grandes tumultos. Estábamos, no como en una fiesta privada de un amigo, pero sí yendo a los diferentes escenarios sin tener que esquivar cabezas y cuerpos como nos pasó el año pasado. Otra ventaja era la cobertura óptima en todo momento, haciendo fácil la retransmisión en directo en las redes sociales de los medios acreditados para aquellos que no pudieron desplazarse hasta el recinto de La Caja Mágica. Un recinto que, si bien es cierto, este año estaba mejor organizado por zona de ocio y zona de comida y bebida, se queda muy por debajo de su antecesor parque Tierno Galván.

¿Nos estamos cansando de los festivales? Es la pregunta que me hice tras comprobar cómo la gente estaba más atenta a sus conversaciones que a lo que estaba sucediendo en el escenario. Cuando una mítica banda como es Doves, o los enormes Mogwai están actuando y tú prefieres contarle a tu amigo lo que hiciste el fin de semana pasado, o a dónde piensas irte este año de vacaciones es porque no has venido a escuchar música. Me da pena comprobar que todo es un recurso ególatra de cara a aparecer en las redes sociales y decir que has estado allí.

Ahora todo vale, se regalan entradas para llenar espacios, para consumir alcohol y para hacer negocio. Después de este desahogo, vamos al turrón.

Si hay algo que destacar de la primera jornada es sin duda la versatilidad y el show que ofreció Amaia. Confieso que fue mi primera vez, había tenido referencias previas de gente que había ido a sus conciertos, pero no me las creía, no creía que era para tanto la chiquilla. Y me equivoqué. Aparte del instrumento que tiene en esa poderosísima garganta, la de Navarra hipnotiza subida a un escenario tanto por su carisma, como por sus movimientos naïf, como por sus -a veces- torpes pasos de baile que la hacen encantadora. El momento destacado fue cuando hizo alusión a la muerte acordándose de su abuela en una canción dedicada a ella.

Jimena Amarillo desplegó su ‘Angélika’, el nuevo trabajo que presentó hace poco. El autotune le jugó una mala pasada a Jimena Amarillo porque se comprobó que canta muy bonito cuando no hace uso de él, como ocurrió en ‘Kafeliko’ la canción que escogió para su cierre de setlist; no así a Judeline, que repitiendo una serie de contoneos sensuales y provocativos se ganó al público de La Caja Mágica acompañada de sus bailarines en una recreación que recordaba a la experimentación y propuesta de Rosalía. María José Llergo fue otro ejemplo de la presencia sáfica este año en el festival. Siempre comprometida con sus raíces, armó un setlist apoyándose en su álbum ‘Ultrabelleza’. Nos regaló su arte cantando por Lola Flores en ‘Pena, penita, pena’ mientras los asistentes pasábamos un calor insufrible en los aledaños del escenario Glo.

La segunda jornada estuvo más equitativa en cuanto a géneros musicales. A primera hora de la tarde nos congregábamos en el escenario Tan de Madrid como Tomavistas, resguardándonos de ese sol acusador, para ver a las granaínas Las Dianas que apenas días atrás estuvieron en el Día de la Música celebrado en el Patio de El Reina Sofía. Los ánimos de Laura desgañitándose y viviendo cada canción lograron despegarnos de ese calor acumulado en nuestra piel y disfrutamos del paseo por ‘Ya decidiré Mañana’, su último y más personal disco. Su directo engancha y no pierde fuelle en ningún momento.

En otra esfera, aunque también con ápices reivindicativos -no hubo más que ver el telón que reinaba en el escenario Tomavistas rezando POÉTICO, POLÍTICO, UN POCO ESPIRITUAL- estaban los cordobeses Viva Belgrado. Con la ayuda de Cris G. Sánches, la nueva bajista en sustitución de Ángel Madueño, replicaron ‘Cancionero de los Cielos’ tal cual aparece en el álbum de estudio. Al ser mi primera toma de contacto con la banda en directo no me puedo asir a veces anteriores, pero pude experimentar una catarsis sonora superlativa mientras me cobijaba en una pequeña sombra situada enfrente de la pantalla que separaba los dos escenarios.

Volvimos a bajar las pulsaciones con el folk cálido de Carlos Ares. Su propuesta en su último trabajo ‘En la boca del Lobo’ es como una balsa de aceite en tiempos convulsos. Fueron muy fugaces esos momentos de conexión con el público, pero estuvieron presentes en temas como ‘Importante’, interpretada a capella por el cantante gallego que apuesta por un proyecto único y personal.

Lo de Carlangas es la definición literal de verbena. Ayudado por Los Cubatas y por, exclusiva, su futura mujer Núria Ferviú, dio un recital digno de fiesta de pueblo donde no había un solo hueco para bajar el ánimo. Es un maestro de ceremonias perfecto y domina el escenario con una locuacidad desmedida. Se agradeció tener este momento para lo que venía después: Los Doves.

Presentando su sexto trabajo, ‘Constellations For The Lonely’, siguen partiendo la pana. Pasan los años por ellos, pero no las ganas de divertirse en el escenario.

La nueva formación con Jake Evans, Nathan Sudders y Christian Madden se sincronizó como un reloj suizo e hicieron gala del reconocido savoir faire a la hora de hacer música en las islas británicas. Cuando sonó ‘Pounding’ retrocedí 20 años de vida y los de Manchester pudieron sacarme una lagrimita del ojo.

Llegó el turno a Love of Lesbian en lo que sería uno de los platos fuertes de esta segunda jornada. No tienen que justificar a estas alturas del partido su consistencia en la industria musical española, pero la puesta en escena sí ha envejecido mal o no han sabido -o querido- renovarse en ese sentido. Los continuos cambios de disfraz de Balmes hacían gracia por la novedad allá en la época de ‘Maniobras de Escapismo’, el mejor álbum de la banda al que nunca han podido superar, pero en 2025 queda un poco obsoleto y sin casar con la nueva propuesta de los álbumes más actuales. Para quienes siempre hemos disfrutado con este grupo se nos quedó una hora de concierto descafeinada, solo salvable cuando recurrieron a canciones como ‘1999’, ‘Allí donde solíamos gritar’ o ‘Club de Fans de John Boy’ con la que concluyeron. Incluyeron sendos singles sacados con Rigoberta Bandini y Eva Amaral, que, sobre el escenario aparecieron sobre impresas en pantalla haciendo la réplica a Balmes.

Lo que hicieron Parquesvr en el escenario cubierto fue el claro ejemplo de conectar con tu público. Canciones que ya son himnos generacionales como ‘Alfredo’s’ o ‘Almodóvor Amenábor’ sin esconder su sarcasmo descarado, y que, además, para el goce del melómano, son canciones con buenas melodías. Fue la primera vez que tocaban ‘El Palco’, su último lanzamiento que fue acogido con fervor entre el público.

Y así nos fuimos al último día de festival en donde lo más destacable fue Mogwai. ‘We are not here’ una de las insuperables piezas del maravilloso ‘Mr. Beast’ sonó entre las otras espectaculares composiciones de esta banda escocesa. Y, a mí, se me quitó una espinita clavada. La atemporalidad de sus creaciones se hace más palpable en directo. Es increíble lo que son capaces de hacer sobre el escenario: magia al fin y al cabo. Un setlist donde podriamos destacar todas las canciones, pero nos quedamos con la mencionada ‘We are not Here’, y ‘Hunted by a Freak’, ‘Ritchie Sacramento’ y ‘Fanzine Made of Flesh’. Se fueron, pero volvieron con ‘Mogwai Fear Satan’ cerrando los ojos por última vez y balanceando el cuerpo por los compases del tema de su álbum ‘Young Team’.

A Biznaga le tocó también el escenario cubierto ofreciendo lo mejor de sí a unas horas intempestivas (seis de la tarde). ‘Madrid nos pertenece’ no podía faltar en un festival tan de Madrid.

Y con Yard Act bailamos con la complicidad de su carismático cantante James Smith. Los de Leeds escogieron el Tomavistas como única visita a España este año y se lo gozaron bien a base de buenos ritmos post punk que trae su disco de 2024 ‘Where’s My Utopia?’.

 

Marta Brandariz y Javier Martín son el dúo que da vida a The Low Flying Panic Attack, grupo de música electrónica que marcará un hito en su carrera con el lanzamiento de su nuevo álbum

Una puesta en escena espectacular basada en sonidos, imágenes y complementos visuales de vídeo. Así, la propuesta de este nuevo álbum viene con diferentes propuestas bailables y algunas más profundas, un cover de rock creado con la energía que los caracteriza como grupo. Tuvimos la posibilidad de conversar con Javier y Marta en la antesala de su evento, sobre su nuevo trabajo, sus inspiraciones y el quehacer de la música electrónica alternativa en España y Europa. 

En el contexto del lanzamiento de su último álbum estuve viendo algunas entrevistas que les han hecho, ustedes señalaban que buscaban un poco huir de lo comercial y de lo indie, y que también esas eran las bases para comenzar a darle movida a su trabajo. Quería preguntarles para iniciar esta conversación, ¿cuál es la propuesta que ustedes tienen como como dúo? ¿En qué género ustedes lo encuadran? ¿Se puede hablar, no sé, de un electropop o solo de electrónica?

Javier: Pues buena pregunta, la verdad es que tampoco nos gustaría ponernos etiquetas porque creo que eso al final te encasilla y no te deja mucha libertad que es justo lo que que buscamos con cada trabajo que hacemos. Es cierto que la música que estamos haciendo en los últimos años se asemeja más a la electrónica pero no deja de ser música pop con estructuras normales, con un estribillo y una estrofa. O sea, hacemos música pop, pero la vestimos con electrónica. Yo diría eso, la palabra indie desde hace unos años a mí me da como bastante, bastante miedo porque no me siento representado en cuanto a la etiqueta sonora, pero sí en cuanto a la manera de gestionar porque somos independientes cien por cien y por esa parte sí que a lo mejor la palabra indie es como tiene que entenderse, pues me parece que nos encaja más.

Marta: Sí,sobre lo de indie, independientes pues sí, si nos acogemos al significado más estricto de la palabra, ha sido así desde el principio. O sea, nos hemos autogestionado, nos lo hemos guisado todos nosotros nunca hemos dependido de nadie y eso quizá también nos ha dado esa libertad para, como decimos siempre, nadie nos espera, con lo cual podemos hacer lo que nos dé la gana. También eso va un poco unido a lo del género. Hacemos un poco lo que ha dicho Javi, pero a lo mejor en el siguiente trabajo cambian un poco las tintas y nos permite ser honestos con nosotros mismos y tener mucha libertad.

También revisando y analizando un poco la estética de sus trabajos, a mí al menos me genera una sensación de que va muy en la línea de lo gótico. Quería preguntarle a ustedes ¿qué representa o si para ustedes tiene relación con su trabajo, esta estética, esta corriente artística? ¿Cómo se manifiesta en su música? 

Javier: Pues es no en lo gótico como tal, pero sí que es cierto que a mí personalmente me gustan muchos grupos que se les ha puesto esa etiqueta: NIN, The Cure, Depeche Mode. Por esa parte seguro que hay mucha influencia, pero creo que hay más en cuanto a que nos gusta cierta oscuridad para vestir nuestra propuesta y huimos un poco de que se confunda nuestra música a lo mejor más electrónica con algo más pop o indie. Intentamos siempre darle un toque un poco más oscuro. Se puede decir que tampoco es premeditado, simplemente a veces sale porque es que somos así, pero también queremos subir de ese cliché de que lo gótico es triste. Creo que no hay grupo más alegre en el mundo del pop o del rock como The Cure. Eso es lo que yo pienso. Somos personas alegres en nuestras vidas, pero cuando hacemos música, es cierto que nos envuelve cierta oscuridad.

Mencionas a The Cure. Hablemos de inspiraciones para el último trabajo que lanzaron hace nada. Porque también se puede ver que su propuesta no solo es musical, sino también hay un ambiente que se crea que sus canciones y se puede ver. ¿Qué inspiraciones tuvieron en mente para poder crear el álbum? 

Javier: Me hace gracia que en las últimas entrevistas que nos estáis haciendo nos decís mucho lo de que nuestra música se puede ver. Y es verdad que lo hemos hablado muchas veces, que sí. Nosotros sentimos que nuestra música tiene como colores o sensaciones que no son puramente sonoras. He estado escuchando mucho Overmono, Fred Again, cosas más ambient, mezcladas con drum and base o con jungle, sobre todo UK Garage es el estilo que más ha marcado este este disco, pero también un poco de todo porque luego Marta es la que le va a poner la voz y ya tiene sus propias influencias.

Marta: Sí, pero lo que queríamos también un poco era quizás huir de lo que habíamos hecho anteriormente, porque al final el primer disco y el segundo van un poquito de la mano. Uno es como la madurez del anterior, pero sí que tendemos mucho a lo mejor complicarnos en el buen sentido, hacer temas como muy complejos, con muchas capas de profundidad y esta vez queríamos hacer algo un poco más ligero y más bailable también. Nos hemos inclinado un poco por ahí y en cuanto a la parte visual, por añadir un detalle, a día de hoy no entendemos nuestras propuestas sin la parte visual y eso se debe ver en nuestros directos, que ya es inevitable. Creo que a partir de ahora va a seguir siendo así.

Y en ese sentido, ¿toman inspiración, quizás algo fuera de la de la música, pero que sigue haciendo arte tipo películas, libros…?

Marta: Bueno, eso es siempre porque al final todo el imaginario es colectivo. Y luego todas las referencias audiovisuales, literarias… nos hemos empapado mucho al principio, sobre todo de ciencia ficción. ‘Black Mirror’, ‘Blade Runner’… Cosas también muy distópicas, pero un poco de todo. En este disco es verdad que hay quizás menos referencias explícitas a cosas de ese tipo, pero siguen estando ahí porque al final nos empapamos de ello.

En el álbum hay canciones como tú bien decías que son un poco más relajadas y que pueden acompañar bien a una fiesta al atardecer, pero también hay canciones más rápidas y profundas. No sé si ustedes pensaron en alguna ocasión cómo ambientar el álbum en el día a día de las personas.

Javier: Me gustaría responder como algo muy trascendental sobre eso, pero no, realmente cuando estamos haciendo música solo pensamos en nosotros dos como público objetivo. No pensamos en si esto va a escucharlo alguien o cómo lo va a escuchar, o cuando llegas hasta cierto punto del disco sí que a lo mejor metes ese componente de “oye, nos falta una canción un poco más más de este estilo o más rápida”, pero en este disco en concreto hemos hecho las canciones que iban saliendo, íbamos haciendo una, otra, otra. Hemos sido muy prolíficos, hemos hecho muchas canciones en muy poco tiempo y eso no nos ha permitido tampoco detenernos mucho o valorar lo que estábamos haciendo. Y creo que esa es lo mejor del disco, que no tiene nada de premeditado e igual es el disco un poco como más actitud punk o punky, porque no hemos medido nada, no nos hemos fijado mucho en lo musical como tal. Hemos simplemente tirado los ritmos hecho los ambientes, cantado, hecho las letras y no nos hemos parado mucho a pensar. De hecho, la versión que hay en el disco de Nirvana es fruto de eso, de no pensarlo. Si lo hubiésemos pensado, no lo habríamos hecho por el vértigo que nos daba hacer algo de Nirvana. Pero como lo hemos hecho sin pensar, pues mira.

Sí, de hecho, justo tengo una pregunta que trata sobre eso: ¿por qué una reversión de ‘Smells Like Teen Spirit’? ¿Cómo se relacionan ustedes con la figura de Kurt Cobain o con Nirvana propiamente?

Marta: Yo creo que ha marcado nuestra adolescencia muy profundamente, de alguna manera.

Javier: A mí personalmente me impactó mucho cuando leí que se había suicidado, yo tenía 14 años y estaba muy en la movida, Seattle, escuchando Pearl Jam, Alice in Chains, Nirvana… Creo que fue la primera estrella que yo viviendo se  suicidaba o se moría de manera trágica, etcétera, con 27 años. A mí me marcó mucho y me dio mucha tristeza. Y siempre he mirado la música de Nirvana como con un poco de pena porque me habría gustado seguir escuchando lo que habría hecho a lo largo de los años. La versión surgió un poco por inconsciencia, porque estábamos buscando canciones, simplemente a ver cuál podíamos encajar en una versión y esta nada más empezar a producirla y meter Marta su voz encajó perfecta. Y dejamos de pensar en que era una versión y la tomamos como canción nuestra.

Marta: Sí, además antes las versiones que habíamos incluido en trabajos anteriores sí que quizás estaban más cerca a nivel de estilo de nuestra historia y también queríamos aportar algo más. Al final lo que es la definición de una versión realmente es el darle tu velo y tu forma de trabajar, de producir. Y ha salido un resultado que nosotros estamos muy contentos.

Personalmente fue una sorpresa cuando la escuché y está realmente muy hermosa la versión que ustedes hicieron. Tengo una última pregunta ya para ir cerrando esta entrevista: ¿Cómo ven ustedes la escena de la música electrónica en el mundo, especialmente en Europa? Ahora con todo lo que son fiestas como el Boiler Room, está teniendo más popularidad también otros festivales especialmente dedicados a música electrónica.

Javier: Pues no lo sé, a nosotros eso nos pasa como por encima. Lo de Europa para la música es Europa y España es otra historia. Aquí no hay escena, aquí no hay no hay nada que apoye una música como la nuestra, excepto algunos medios que sí que nos dedican tiempo, nos ponéis el foco. El resto están a otra cosa, están más al pop indie. Pero la palabra indie y como la etiqueta comercial que para mí no deja de ser la música de hace 20 años que sonaba en la radiofórmula de España, pues El canto del Loco, etcétera. Ese también era indie, y entonces para nosotros no hay escena. No podemos decir que aquí hay una escena de electrónica. Puede haber una escena de club, de DJS, de música más para pincharla, pero nosotros no encajamos ahí porque cantamos y creo que le exigimos un poco más a la gente a la hora de escuchar nuestra música, no es solo una música que te puedes poner de fondo.

Y en ese sentido, ¿ustedes apuntan a estar en un festival o siguen por este momento queriendo presentar el álbum en espacios donde tengan mayor intimidad con su público? 

Javier: Necesidad por necesidad, lo hacemos nosotros y hacemos nuestra presentación el jueves que viene aquí en Madrid y no estamos en festivales porque no, porque alguien no quiere porque por nosotros sí.

Marta: Es que los festivales es lo de siempre, hay que entender que son empresas y que tienen que vender entradas, entonces nosotros no encajamos en ese cartel o en ese catálogo. Pero bueno, también creo que es una ventaja, no sé si es a lo mejor por ser positivos en este tema, pero poder organizar nosotros una presentación y hacerla de nuestra manera también como antes al principio hablábamos, nos da mucha libertad. Un festival no deja de ser algo muy encorsetado. Nosotros hemos estado tocando con otras propuestas musicales en festivales y es un ritmo muy estresante en el que no hay ni pruebas de sonido. Es todo como muy acelerado. Entonces parece como que la música tampoco es lo más relevante dentro de un
festival.

Javier: Y no creo que estemos tampoco como para tomar a las 17 horas de la tarde por 600 euros en mano. Preferimos hacerlo a nuestra manera. Cogemos una sala, hacemos nuestra propuesta y vemos nuestra pantalla, hacemos nuestras luces, una propuesta visual que creemos que aporta valor y que ahí sí que pensamos en el que nos va a venir a ver para ofrecerles un show especial, más que ir a los festivales por estar y por como hacer un check y decir, vale, hemos estado en este festival, pero es que luego no te aporta nada.

 

La cotidianidad honesta de la juventud

 

A Veces Siempre acaba de estrenar un single doble titulado ‘No es que uno sea tonto’, las canciones cuyos nombres son el título del single y ‘Vuelve la calma’ expresan lo difícil que es crecer cuando te sientes estancado.

Con estilo alternativo e independiente, este proyecto musical busca matizar la etapa más complicada, la transición de los 20 a los 30 años, donde se siente que el tiempo ha pasado muy rápido, no hay logros grandes y la vida es cada vez más seria y compleja. Diego González, Gerardo Hormazábal, Carlos Soto y Roberto Salvio adelantan su primer disco bajo la fórmula clásica de batería, bajo y guitarras.

Desde los primeros acordes las canciones se sienten como el latido silencioso de la ansiedad adulta, reconociendo el miedo de crecer pero afrontándolo de manera directa. Con influencias del rock de The Beatles y el indie del cantante canadiense Mac DeMarco, el cuarteto presenta estos temas señalándonos que, La primera es una canción mucho más rapidita, se siente como dos cucharadas y a la papa, pero es una reflexión súper real sobre cuestionar las decisiones que se toman. La segunda es más pausada, un coro que se diferencia del verso, con arreglos más jazzeros, y que habla del bucle de equivocarse y volver a empezar».

Tuvimos la posibilidad de desafiarlos a responder nuestro Tostatest, esto fue lo que nos respondieron.

1.- ¿A qué edad te empezó a interesar la música?

Carlos: Creo que a los 12 años aprox, cuando me di cuenta que ya no sería futbolista.
Diego: Mi papá era sonidista, así que por su trabajo  me crié en conciertos y con instrumentos.
Gerardo: Desde que tengo uso de razón.
Roberto: Con mayor impetú como a los 14, quería ser dj primero antes de tocar jaja.

2.- ¿De pequeño/a querías ser…?

Carlos: Lo primero que quise ser fue vaquero.
Diego: Músico.
Gerardo: Paleontólogo.
Roberto: Quise ser piloto de carreras Nascar.

3.- ¿Tu medio favorito para viajar?

Carlos: Micro, no tengo tantas alternativas tampoco.
Diego: Antes era claustrofóbico así que me acomodaba más el bus, pero ahora me gusta el avión.
Gerardo: Tren.
Roberto: Bicicleta.

4.- Una película que te haya marcado.

Carlos: Cuando vi ‘American beauty’ por primera vez cambio mi forma de ver el cine.
Diego: me dejé bigote desde que vi ‘Her’.
Gerardo: Star Wars.
Roberto: Uff muchas pero la primera fue Volver al Futuro.

5.- El mejor concierto al que has asistido.

Carlos: No sé si es el mejor, pero metallica en el 2010 cambio un poco mi vida.
Diego: Paul McCartney en Chile, 2014.
Gerardo: Tool.
Roberto: Radiohead 2018 en el Nacional.

6.- ¿A qué grupo te gustaría ver en concierto?

Carlos: Que no haya visto supongo que blur o los smashing pumpkins.
Diego: Gorillaz y Blur. Nunca he podido ver a Damon Albarn en vivo.
Gerardo: Thundercat (por segunda vez) y Sabrina Carpenter.
Roberto: Tricot de japón.

7.- ¿Recuerdas el primer disco que compraste con tu dinero?

Carlos: Puede que haya sido ‘Facelift’ de alice in chains.
Diego: Por el trabajo de mi papá siempre tuve acceso a discos sin comprarlos, pero creo que el primero que compré yo fue el ‘Otra era’ de Javiera Mena.
Gerardo: Bocanada de Cerati.
Roberto: Todavia no lo hago jajaja puro streaming y 🏴‍☠️.

8.- ¿Y el último?

Carlos: Creo que artaud de pescado rabioso.
Diego: Con la era digital uno cada vez compra menos discos. Pero creo que fue uno de un amigo que hace música.
Gerardo: Vinilo Deluxe del Drunk de Thundercat.
Roberto: jajaja.

9.- Tus favoritos: un músico, un actor y un personaje público.

Carlos: Paul mcartney, robert deniro, carlos caszely
Diego: Alvaro Henriquez. Joaquin Phoenix. Salvador Allende.
Gerardo: Thundercat, no tengo actor favorito, Felipe Avello.
Roberto: Shutoku Mukai, Rhea Seehorn y Keznitdeus.

10.- Recomiéndanos un local para escuchar música.

Carlos: Cualquiera que sirva alcohol a buen precio.
Diego: Me gustaria decir “Cavern Club” en liverpool.
Gerardo: Mi casa (no salgo).
Roberto: Mmm rojas magallanes.

11.- ¿Cómo definirías tu último trabajo discográfico?

Carlos: Como los beatles si hubiera nacido en el gobierno de frei ruiz-tagle.
Diego: Es como si en una fiesta estuvieran Chico Trujillo, Mac Demarco, John Lennon y Jorge González. Y quizás Felipe Avello.
Gerardo: Ansioso.
Roberto: Un continuo desde Los Tres, pasando por Briceño y Niños del Cerro.

12.- ¿La culpa de todo la tiene Yoko Ono?

Carlos: Nop.
Diego: No, la tiene McCartney.
Gerardo: No.
Roberto: No creo.

13.- ¿Qué canción te pone los pelos de punta?

Carlos: ‘Africa’ de toto.
Diego: ‘One track’ de Tame Impala.
Gerardo: ‘Been Thinking’ – Hikes.
Roberto: ‘Sound and Vision’ de David Bowie.

14.- ¿Estás enganchado a algún programa/serie de televisión?

Carlos: En este momento con succession.
Diego: He visto 4 veces The Office.
Gerardo: Big Bang Theory.
Roberto: Con The Apothecary Diaries.

15.- ¿Crees que desaparecerá la música en formato físico?

Carlos: No realmente.
Diego: No, ahora es vintage y la gente hace reels con eso.
Gerardo: No.
Roberto: Nunca.

16.- ¿Con quién te gustaría tener una charla?

Carlos: Martin scorsese.
Diego: Con Bjork.
Gerardo: Con mi gato si pudiera hablar.
Roberto: JC Rodriguez.

17.- ¿Dónde te gustaría actuar?

Carlos: Creo que cualquier lugar sería ideal en este momento.
Diego: En la blondie.
Gerardo: Glasgow Music Festival.
Roberto: Rojas Magallanes.

18.- El mejor carrete que te has pegado ha sido…

Carlos: El primero que se me viene a la mentes es uno donde un estábamos en una casa deshabitada y todo se descontroló.
Diego: Probablemente del mejor carrete no me acuerdo nada.
Gerardo: Ninguno, no me gusta carretiar.
Roberto: En la casa de mi amigo Rosela.

19.- Si te dieran la opción de poder volar a cambio de no volver a hacer música, elegirías…

Carlos: No me imagino dejando de hacer música, pero volar suena muy conveniente.
Diego: No me veo sin poder tocar guitarra, y he vivido toda mi vida sin poder volar.
Gerardo: Seguir haciendo música.
Roberto: Tocar música siempre.

20.- ¿Con quién te gustaría trabajar?

Diego: Con el protagonista de Severance.
Gerardo: Thundercat.
Roberto: Dave Fridmann.

21.- ¿Eres de los que busca críticas o menciones sobre tu trabajo en internet?

Carlos: El que diga que no lo hace miente.
Diego: Me gusta ver las críticas, sobre todos si son negativas.
Gerardo: No.
Roberto: jaja si.

22.- ¿Ves el streaming como un negocio rentable para los músicos?

Carlos: Para músicos emergentes yo diría que no, y desconozco otras realidades.
Diego: Jamás.
Gerardo: Depende.
Roberto: Muy dificil que si lo sea.

23.- Tu plato favorito.

Carlos: Porotos con mazamorra.
Diego: Ñoquis con salsa boloñesa.
Gerardo: Lomo saltado.
Roberto: Lasagna.

24- ¿Crees que hay vida extraterrestre?

Carlos: Por supuesto.
Diego: Después de ver arrival, si.
Gerardo: Me gusta creer que si, pero tenemos la Paradoja de Fermi.
Roberto: Definitivamente que si.

25.- ¿Vacaciones de relax o turismo de patear ciudades?

Carlos: No estoy familiarizado con el concepto de patear ciudades, pero si soy de esos.
Diego: Ojalá dormir todo el día.
Gerardo: Turismo a lo choro.
Roberto: Me gusta mucho conocer otras partes.

 

 

Ede vuelve con FIERALINDA poco a poco a partir del 11 de junio

 

Hace tiempo que Ede estaba ausente por aquí, pero ha llegado el momento de volver y contarnos, contarme: «he estado reconectado con este intercambio raro, investigándome la voz, el cuerpo, la esencia… y creando a mi FIERALINDA, el concepto que da vida a mi nuevo disco».

FIERALINDA nace de la contradicción y es un díptico, con dos mitades que parecen antagónicas pero que en realidad se complementan, que van desde lo íntimo a aquello que necesita ser gritado, con todas las combinaciones de ambos. Lo ha compuesto como quien ensaya una escena una y otra vez descubriendo cada vez algo nuevo, hasta que, al fin, conecta y entiende lo que nace de una misma y permite que todo eso florezca, se expanda.

FIERALINDA es música, pero también es teatro, es cuerpo, es pregunta y no siempre respuesta; una puerta abierta a lo salvaje, lo elemental, a lo hermoso y lo crudo que nace de dentro. No busca agradar ni encajar, solo existir, habitar el espacio que le corresponde. El 11 de junio FIERALINDA empezará a ver la luz, poco a poco, haciendo camino. No tenemos un plan estudiado hasta el último milímetro de lanzamiento, de márketing o de comunicación, tampoco lo queremos así. Esa manera no responde a la viveza de este disco, que es un proceso aún cambiante y seguirá siéndolo. Es el momento de permitirnos explorar y ser en este nuevo espacio, relacionarnos desde este otro lugar, haciendo camino de la manera más viva posible, con una única certeza: este disco tiene voz propia, y yo solo quiero dejarla sonar.

Llegamos hasta aquí y felices de ello

Este 2025 EL PERFIL DE LA TOSTADA alcanza la friolera cantidad de 14 años publicando contenido relacionado con la música independiente de nuestro país y también fuera de nuestras fronteras y nos gustaría hacer un pequeño ejercicio antes de proseguir.

14 años por amor al arte imposibles de alcanzar si no fuera por las decenas de colaboradores que, con mayor o menor asiduidad, han regalado sus impresiones en el formato que fuera para publicarlas en este blog. Por aquí han pasado (benditos) músicos, periodistas, publicistas, dueños de sellos musicales y muchas más personas con un amor común por la música. Ni mucho menos ha sido siempre fácil conciliar trabajo y/o estudios y/o hijos con esto, pero hemos seguido contra viento y marea, nos hemos estancado y nos hemos levantado una y otra vez picados por ese amor a un proyecto colaborativo y altruista en esencia. Quien lo probó, lo sabe.

Hemos visto grupos casi llegar a Eurovisión (recordemos a Miss Caffeina, unos imprescindibles del indie nacional en el Benidorm Fest de 2024 y la aún más reciente Kuve que en 2016 hacía un crowdfunding para grabar su disco). Hemos pecado de buenistas en más de una ocasión cuando no hemos sabido anotar que un disco o un grupo no daba para más, pero también hemos respetado los inicios de quienes, al igual que nosotros, estaban en esto por amor al arte y por puro disfrute. A veces esto es más que suficiente para un merecido indulto. Nuestro silencio ha podido ser más elocuente en más de una de estas ocasiones.

También hemos remendado cosas, como dejar de poner nota y rankings y hablar simplemente de música, festivales y conciertos que han marcado nuestras vidas durante el último año. Porque nuestro ánimo siempre ha sido mejorar.

Y hemos mantenido nuestra esencia, como el tostatest que merece la pena rescatar para ver los primeros balbuceos en prensa de algunos que luego tocaron la gloria y nosotros hemos visto crecer con orgullo de padre. Merece la pena bichear en la sección y descubrir esos inicios.

Asistimos en el presente a tiempos convulsos en los que la IA ha irrumpido y cambiado el panorama en general y de la prensa en particular, muy dada a sabotearse a sí misma y perder credibilidad vendiéndose al mejor postor. Sin embargo, como cualquier herramienta creemos que su uso puede ser de utilidad y de ejemplo un botón, la imagen que ilustra este post está hecha con IA. De ahí a intentar engañar a los usuarios o hacer clickbait a costa de imágenes falsas de famosos hay un largo trecho. Pero ese tipo de gente existía antes y después de ChatGPT.

Pedimos disculpas cuando no hemos podido llegar a todo, de lo que dan fe los cientos de correos recibidos cada semana de sellos, managers y grupos noveles entre ruido y spam que hay que cribar. Han cambiado las redes (¿Facebook? OK boomer) y X de un señor de cuyo nombre no querer acordase es mejor, pero la conexión con nuestros seguidores permanece tan viva como nunca. Escribir para uno mismo es un diario, escribir para los demás es la humana necesidad de comunicar elevada a placer.

Nos hemos divertido, mucho. En festivales donde hemos bailado y sufrido por llegar a todo, en conciertos que han quedado como recuerdo imborrable ligados a nuestra vida, en entrevistas que siempre habíamos soñado hacer. Son horas de trabajo para coordinar, redactar y mantener un proyecto como éste. Un trabajo no lucrativo prácticamente en su totalidad (cero publicidad que nos ha quitado la posibilidad de ganar dinero -poco, seamos sinceros- pero también nos ha dado más independencia). Y sin embargo, enriquecedor en otros muchos aspectos. Hoy la noticia de portada es un gracias a todos los que lo han hecho posible.

Y al futuro, por existir.

Por amor al arte, una vez más.

Foto. Ibai Acevedo

De lo íntimo a lo cósmico: viaje de ida y vuelta

 

El jueves 8 de mayo, el dúo con sede en Barcelona Aurehl publicó su álbum de debut, ‘The first ghost on Eris’: una joya de dream pop y trip-hop entre lo íntimo y lo cósmico. Un álbum precioso y fascinante que habita los espacios fronterizos que hay entre la luz y la oscuridad, entre lo real y lo intangible, entre lo humano y todo aquello que nos supera y abraza; y que aborda grandes cuestiones de la humanidad como el amor, la transformación, la pérdida, la vulnerabilidad o los miedos, y lo hace con una lírica llena de simbolismo y una gran profundidad emocional. Gustará a los fans de Portishead, Beach House, Massive Attack, Goldfrapp, Tricky, Apparat, The xx, Chromatics. El focus track será ‘Caution’. Y aquí está su Tostatest.

 

1.- ¿A qué edad te empezó a interesar la música?

Itziar: Ya de cría, en todos los viajes cuando íbamos en el coche nos acompañaron muchas cintas cassette, recuerdo una que se llamaba “Nights in White Satin” que recopilaba un montón de baladas de los 80, disfrutaba mirando por la ventanilla, cantandolas, jugando a hacer los coros y imaginandome a los músicos en el escenario tocando esas canciones mientras les contemplaba desde esas butacas rojas de terciopelo de los viejos teatros…
Jiroz: De muy pequeño, en casa se escuchaba muchísima música y mi padre compró la primer cadena musical con cd, vinilo y cassette del pueblo a principio de los años 90, sumado que mi padre tenía una discoteca en los años 80 todos esos vinilos acabaron en una habitación de casa y eran horas y horas con mis hermanos descubriendo cada disco.

2.- ¿De pequeño/a querías ser….?

Itziar: Era tan tímida que siempre llevé en secreto lo de cantar…me gustaba mucho actuar también ante algunos amigos muy cercanos y en alguna obra de teatro de la escuela en la que siempre solía ser la que se tiraba de la silla o volaba por los aires, luego terminaba con las piernas llenas de moratones… En fin… De cría opté más por el dibujo y la pintura para poder canalizarlo de otra manera…A pesar de que me gustaba escribir, cantar, actuar, pintar y dibujar nunca tuve muy claro lo qué quería ser…
Jiroz: Algo relacionado con el dibujo o la creatividad.

3.- ¿Tu medio favorito para viajar?

Itziar: El tren.
Jiroz: Coche y música.

4.- Una película que te haya marcado.

Itziar: Eduardo Manostijeras.
Jiroz: “El quimérico inquilino” de Roman Polanski, la vi desde muy pequeño y me quedó grabada en la retina, la pase muy mal pero no podía dejar de mirar.

5.- El mejor concierto al que has asistido.

Itziar: Depeche Mode en el Palau Sant Jordi.
Jiroz: David Gilmour en el Royal Albert Hall de Londres, St. Vincent en Razzmatazz.

6.- ¿A qué grupo te gustaría ver en concierto?

Itziar: Annie Lennox, The Cure y R.E.M.
Jiroz: Soap&Skin.

7.- ¿Recuerdas el primer disco que compraste con tu dinero?

Itziar: ‘Nevermind’ de Nirvana (lo compré en cassette).
Jiroz: En cd, ‘Voodoo Lounge’, The Rolling Stones.

8.- ¿Y el último?

Itziar: ‘Suspiria’ de Thom Yorke (en vinilo).
Jiroz: En vinilo, King Crimson, Discipline.

9.- Tus favoritos: un músico, un actor y un personaje público.

Itziar: Annie Lennox y David Bowie / Holly Hunter / Pina Bausch…
Jiroz: Ufff muy difícil elegir solo uno… música, estoy muy enganchado con Anja Plaschg de Soap&Skin, me parece muy original, arriesgada y sumamente delicada, es increíble. Un actor Willem Dafoe y personaje público el escritor Stephen King.

10.- Recomiéndanos un local para escuchar música.

Itziar: La Sala Taro es un local que recomendaría 100%, luego han cerrado muchos de los que me gustaban o ahora han cambiado totalmente el rollo como El Pipa Club y La Sidecar…
Jiroz: Sala Taro, Barcelona.

11. ¿Cómo definirías tu último trabajo discográfico?

Itziar: Creo que es un disco que invita a imaginar, a viajar a mundos y espacios lejanos, a soñar para recrear otras realidades.
Jiroz: Onírico.

12.- ¿La culpa de todo la tiene Yoko Ono?

Itziar: “jajajaja!! La culpa siempre la tiene el Ego mal encauzado…”
Jiroz: La culpa la tuvo ‘The wall’ 😉

13.- ¿Qué canción te pone los pelos de punta?

Itziar: Matte kudasai, King Crimson.
Jiroz: Varúð, Sigur Rós.

14.- ¿Estás enganchado/a a algún programa/serie de televisión?

Itziar: Adolescencia.
Jiroz: Siempre vuelvo a “The office” tanto inglesa como Norteamericana.

15.- ¿Crees que desaparecerá la música en formato físico?

Itziar: No.
Jiroz: No.

16.- ¿Con quién te gustaría tener una charla?

Itziar: Annie Lennox.
Jiroz: Trent Reznor.

17.- ¿Dónde te gustaría actuar?

Itziar: Donde nos quieran oír! el sitio da igual.
Jiroz: Donde nos quieran oír! el sitio da igual.

18.- La mejor juerga que te has pegado ha sido…

Itziar: En euskadi, mi pueblo.
Jiroz: Siempre los viajes a conciertos con amigos y amigas.

19.- Si te dieran la opción de poder volar a cambio de no volver a hacer música, elegirías…

Itziar: Hacer música.
Jiroz: Hacer música.

20.- ¿Con quién te gustaría trabajar?

Itziar: Keaton Henson.
Jiroz: Con Marina Herlop, distinta y una brisa de aire fresco lo que hace.

21.- ¿Eres de las que busca críticas o menciones sobre tu trabajo en internet?

Itziar: No.
Jiroz: No.

22.- ¿Ves el streaming como un negocio rentable para los músicos?

Itziar: No lo sé, no estoy muy al tanto de estos temas.
Jiroz: No lo sé, no estoy muy al tanto de estos temas.

23.- Tu plato favorito.

Itziar: Tortilla de patata de mi madre.
Jiroz: Filetes de Berenjena con tomate y queso, acompañado con puré de patatas y boniato.

24- ¿Crees que hay vida extraterrestre?

Itziar: Por supuesto…. y están llegando!
Jiroz: Ya me cuesta procesar muchas veces el comportamiento de la vida terrestre ni me quiero imaginar una vida extraterrestre, así que no lo sé 🙂

25.- ¿Vacaciones de relax o turismo de patear ciudades?

Itziar: Patear ciudades, siempre.
Jiroz: Patear ciudades, siempre.

 

 

Su cita en Madrid, en la sala Cadillac Solitario, no defraudó

 

Eran muchas las ganas que tenía de verle en directo después de haberle entrevistado el año pasado presentando el discazo que es ‘El Mundo es cruel (pero creo en él)’ y que, por circunstancias de la vida, no pude asistir a su presentación el 14 de abril de 2024 en la Sala Sol.

Ignacio Sarria se come mucho la cabeza para intentar que las canciones cuenten exactamente lo que está sintiendo de verdad -es una de las confesiones que nos dejó- pero sobre el escenario es otra historia. Lo que vivimos el pasado sábado quienes nos acercamos al pub del madrileño Barrio del Pilar, Cadillac Solitario, dista mucho de esa confesión.

Fue puro placer visual y acústico lo que Sarria ofreció en su último concierto dentro del ciclo Girando por Salas. El escenario se vistió con los elegantes movimientos de cadera del artista sin desentonar con la forma de tocar del resto de su banda. Lo estético es importante para este cantautor de origen malagueño que ha peleado y mucho su sitio en la música.

La banda, en su conjunto, aflora el atractivo de los clubes de música de los años 60 y 70 en Estados Unidos. Las canciones están vestidas con telas de primera calidad, se ponen guapas para la ocasión y sacan lo mejor de sí mismas en los acordes de piano y no hay más que fijarse en las líneas de bajo para darse cuenta del ensayadísimo aire retro. Mención aparte son esos solos de guitarra que saben a rock añejo, como el que se calzaron en ‘A tu Vera’.

‘El mundo es cruel (pero creo en él)’ está dibujado para brillar en su versión directo. Cada una de las canciones escogidas dentro de ese álbum para esta gira toman la palabra y son la expresión máxima del amor por el rock y la electrónica que Nacho profesa a grupos como Parcels o Los Beatles.

Fue en la última canción donde Ignacio Sarria cedió su sitio a la guitarra de Alejandro Hidalgo para que se luciese. Y es que ‘Flor’ es una canción que ha nacido para el directo y la mejor elección para irse a casa con la mayor carga de serotonina en el cuerpo.

 

Próximas fechas de la gira de Sarria:

19, 20 y 21 junio – Azkena Rock – Vitoria Gasteiz

27 y 28 junio – Sentir Baeza AOVE Fest – Baeza

26 julio – Pipa Fest – Villalada, Palencia

6-10 agosto – Sonorama Ribera

 

 

La comunión con el género del pop rock traza un nuevo camino para Taïn

 

Taïn es Jorge Tain Alemparte. De mente inquieta y autodidacta, en 2023 decide embarcarse en un nuevo camino musical, dejando atrás sus raíces rap y urbano para adentrarse en el mundo del Pop Rock. Con el respaldo del productor Juan de Dios y bajo el amparo de la agencia Esmerarte Industrias Creativas, Taïn se sumerge en un viaje sonoro influenciado por artistas como Pole, Hens o Dani Fernández.

En forma de dos EPs ‘Amor Subterráneo Vol.1’ y ‘Amor Subterráneo Vol.2’ adelantó este nuevo LP, ‘Amor subterráneo’ ( 2025, Esmerarte), inspirado por referentes poéticos como Miguel Hernández. Charlamos con él en la semana de lanzamiento del disco y comienzo de su gira de presentación.

Es tu primer álbum pop-rock. ¿Cómo de cómodo te encuentras en este género musical viniendo del urbano?

La verdad es que fue un cambio un poco drástico de estar escribiendo sobre un loop o sobre una base impuesta, coger la guitarra y desarrollarme de cualquier manera que iba pudiendo.

Pues, creo que fue un gran cambio y un gran acierto; y, además, me siento mucho más cómodo porque, ya te digo, es lo que me pasa: que puedo hacer una canción siguiendo la estructura que yo quiero, en vez de una estructura impuesta.

No sé, me siento mucho más libre, mucho más cómodo. Y, la verdad, es que aprovechar todo ese potencial que me da hacer rock o pop-rock o pop o como se le quiera etiquetar, me sienta mucho mejor.

¿Y cómo surgió ese cambio? ¿Fue algo que lo venías pidiendo tú o fue a raíz de entrar en el esmerarte o cómo fue?

No, fue un cambio natural.

Bastante antes de hacer el cambio, ya sabía que mi tendencia al hacer canciones iba siendo mucho más melódica que otra cosa y me centraba más en desarrollar una buena melodía, y me gustaba mucho más. Con lo cual, lo que decía antes, lo que me daba esa versatilidad era una guitarra y empecé a tocar la guitarra yo solo de manera autodidacta y a investigar por ahí. Entonces, me fui desvinculando un poco de lo urbano y a raíz de Esmerarte sí que es verdad que empezamos a desarrollar el proyecto entero, lo que viene siendo todo el disco; pero el sonido ya estaba cambiando mucho antes de tener la oportunidad de trabajar con ellos.

 

Entiendo que los dos géneros, el pop rock y el urbano, tienen códigos distintos a la hora de componer.

Sí, claro. Además, antes era mucho más purista. El mundo del rap era mucho más cerrado. Si hablabas de sentimientos te tachaban como rap rosa, cosas así. También las guerras de egos que había allí no es lo mismo que hay en el rock (o en el indie mismo) que cuando coincidí, por ejemplo, con Iván Ferreiro. Es algo que cuento siempre porque me encanta contarlo y que la gente vea lo buena persona que puede llegar a ser alguien que está en el top de mucha gente. Coincidí con él en un festival y, luego, en Backstage estuve hablando con él.

Me abrió las puertas de su casa, fui a comer un día con él, me invitó a ensayos generales, a su estudio. Y, que alguien así, tan trascendente en la historia de la música de nuestro país, te invite a su casa nada más conocerte es algo que quiero compartir y quiero transmitirlo en un futuro a alguien. Entonces, eso en el rap no pasaba.

No lo conozco, pero Iván Ferreiro tiene pinta de ser muy buen tío. O sea, como muy cercano, ¿no?

Sí, sí, literalmente. Es un cacho de pan, se preocupa por todo. De hecho, cuando también estuve en temas burocráticos con Esmerarte, me dio su apoyo y me dijo que cualquier cosa que necesitase lo llamase. Y nada, estuvimos viendo todos esos temas. Es una persona que me apadrinó, por así decirlo, y cuento con él para todo.

¡Qué guay! ¿Y qué expectativas te has generado tú a ti mismo con esta nueva etapa creativa?

Pues, no sé qué sabría decir porque las expectativas a veces juegan una mala pasada y no me gusta mucho hablar en cuanto a números. Pero sí que es verdad que mis expectativas es que le guste a la gente, que conecten, que me lleguen mensajes diciéndome que les has ayudado, etcétera, etcétera.

Luego, si conecta con un número de gente más grande o más pequeño, es un poco menos trascendente, pero siempre intentando que llegue al mayor número de gente.

«Quiero que el álbum le guste a la gente, que conecten, que me lleguen mensajes diciéndome que les has ayudado, etcétera, etcétera»

‘He vuelto a creer’ es la canción que aún no conocemos de este nuevo trabajo, las demás ya han sido descubiertas en los EPs o como single. ¿Qué te has guardado para este lanzamiento del disco con ella que todavía no has mostrado?

Pues sí, la verdad es que con estas dos canciones se viene un poco lo que va a ser mi sonido a partir de ahora. Sí que es verdad que hubo un cambio del rap urbano al pop rock y ahora va a haber otro pequeño cambio, un ligero asentamiento en el sonido, que va a ser del pop rock al pop punk, al rock punk, un sonido un poco más rebelde.

Y viene eso, viene una balada que mola mucho, pero que acaba fuerte como todas las canciones, y también un poco de ruido, de distorsión.

Y ¿qué has aprendido o qué te llevas de haber trabajado junto a Juan de Dios, que fue productor de Amaral, de Deluxe?

Pues me llevo, más que un compañero y un productor, un amigo.

La verdad es que es increíble Juan de Dios, sobre todo me llamó mucho la atención la primera vez que trabajé con él, su versatilidad a la hora de tener el sonido antiguo -que tenía el pop antiguo- y renovarlo, y adaptarse al sonido de ahora, a las herramientas que utilizamos ahora nosotros produciendo la gente más joven. Y esa versatilidad que tiene para renovar todo me parece increíble. Eso es lo que me llevo.

O sea que él también ha aprendido cosas de ti, ¿no? Ha sido como un intercambio entre los dos.

Sí, yo diría que sí, fue un poco una sinergia. Además, nos dejamos influenciar mucho el uno por el otro, y estamos siempre muy atentos a lo que dice el otro, al bienestar del otro, a los gustos musicales. De hecho, había días que iba al estudio y no hacíamos absolutamente nada más que hablar y compartir. Y yo creo que eso, bueno, al fin y al cabo también se nota en las canciones que hay complicidad, hay confianza, y yo creo que eso lo ganamos todos.

 

Bueno, apenas te ha dado tiempo a digerir este último trabajo, porque hace poquito que sacaste los EPs, pero cuéntanos si has corregido algún error (o has pulido alguna cosa) de tu primera etapa, de la etapa urbana, para ‘Amor Subterráneo’.

Positivamente yo te diría que no he corregido ningún error, porque no creo que en ningún momento de lo que llevo haciendo música haya cometido alguno, porque siempre me he guiado por lo que quería, por lo que necesitaba. Y sí que es verdad que si le podemos llamar un error, o yo más lo catalogaría como falta de medios, el sonido ahora es mucho más profesional, las estrategias que llevamos a cabo para promocionar la música son mucho más profesionales. Eso sí que me lo tomo un poco más en serio, pero por las circunstancias en las que estoy ahora.

Pero ya te digo, positivamente he seguido la misma línea que he seguido hasta ahora, la misma línea que he seguido siempre, que es soltar. Es que yo creo que tampoco hay ningún truco, es ser tú mismo. Y he seguido haciendo lo mismo que al principio.

Explica un poquito más eso de el sonido es más profesional ahora.

Cuando me refiero a desarrollar el sonido, es porque yo antes no tenía la posibilidad de pagar un productor, por ejemplo, o pagar sesiones de estudio tan profesionales, más bien me iba buscando las castañas como podía, o me juntaba con un amigo que era productor y que estaba empezando a hacer beats, o me ayudaba a producir simplemente, y ahora sí que me puedo nutrir de gente como Juan de Dios gracias a Esmerarte. Y yo creo que eso es el único error que hemos corregido.

«Antes no tenía la posibilidad de pagar un productor o sesiones de estudio tan profesionales, ahora sí gracias a Esmerarte»

Desde el lado del artista, no desde el lado humano, desde el lado del artista, ¿cómo ves tú a las nuevas generaciones, bueno, a tu público? porque has logrado crear una fiel comunidad de seguidores.

Creo que reclaman honestidad, reclaman verdad, y creo que son conscientes de que merecen música que tenga un cuidado, música que esté hecha con mimo. Y bueno, son conocedores de eso y saben lo que necesitan.

Entonces, los considero un público muy exigente. Y, además, también me dejan sentirme libre y hacer cualquier tipo de canción, cualquier tipo de registro musical que va a estar conmigo para lo que haga falta.

Y empiezas gira esta semana, el día 22 de mayo. La mayoría de las fechas son en tu tierra, en Galicia. ¿Qué vas a ofrecer esta vez? ¿Cómo está planteada la gira?

Pues está planteada para, este año sobre todo, explotar Galicia, asentarnos aquí y que el resto de España pueda ver lo que vamos a servir y que nos quieran venir a ver en cualquier otra comunidad.

Lo que les ofrecemos es un directo que pasa por absolutamente todos los estados de ánimo. Va a haber momentos muy íntimos, va a haber momentos melancólicos de conectar contigo mismo y que sea una experiencia individual, momentos de explotar colectivamente. Bueno, un poco de todo.

Yo creo que van a ser unos conciertos muy cercanos en los que va a ser de tú a tú y vamos a disfrutar tanto ellos como yo.

¿Va a haber alguna sorpresa? Antes has mencionado a Iván Ferreiro. No sé, se me ocurre que, a lo mejor, siendo en Galicia…

Bueno, hay cosas planteadas, pero sí que es verdad que, por ejemplo, en las fechas de salas voy a cantar alguna canción que no ha salido, que va a ser del siguiente proyecto y cosas así. Sorpresas va a haber siempre.

 

 

 

Fechas de conciertos confirmadas para ver a Taïn en directo:

22 de mayo – Festival Festial – Alcázar de San Juan.

23 de mayo – Sala Filomatic – A Coruña.

31 de mayo – La Fábrica de Chocolate Club – Vigo.

12,13,14 de junio – Festival O Son Do Camiño – Santiago de Compostela.

3 de julio – Festival PortAmérica – Portas.

22/23 de agosto – Río Verbena Fest – Pontevedra.

Entradas en https://soytain.com

 

Masterización y producción con textura británica para el nuevo single que presenta el trío

 

El último single de la banda malagueña chinachinachina, el tercero en su historia, es ‘Forget me’. Con él recrean una confesión delicada e intimista que empieza con la voz increíble de Annie y crece hasta romper en un final con influencias shoegaze y dreampop. La producción corrió a cargo del británico John Foyle, que ha trabajado con Damon Albarn (Blur, Gorillaz), y una masterización que tuvo lugar en Abbey Road Studios por Christian Wright (LCD Soundsystem).

Aunque ‘Forget Me’ sea el tercer single de la banda, fue el primero en el que que chinachinachina trabajaron juntos; la toma de contacto, la chispa. Esa conexión instantánea de la que habla la canción se trasladó más allá de la música, pero en este caso con final feliz para el grupo. La unión de Annie (voz principal y teclados), Juande (batería) y Javier (guitarras y sintetizadores) nos ha obsequiado además los ya publicados temas ‘skin’, y ‘Not Anymore’, tres pruebas de su versatilidad y del futuro prometedor que les augura.
Es precisamente Annie quien responde a nuestras preguntas tostadas.

 

1.- ¿A qué edad te empezó a interesar la música?

Creo que desde que tengo uso de razón cantaba encerrada en el baño, en mi habitación, intentando que nadie me escuchase. Pero oficialmente, a partir de los ocho años empecé a estudiar piano y conservatorio.

2.- ¿De pequeño/a querías ser….?

Quería ser médico de la Cruz roja en África.

3.- ¿Tu medio favorito para viajar?

El avión sin duda.

4.- Una película que te haya marcado.

‘Isla de perros’ de Wes Anderson.

 

5.- El mejor concierto al que has asistido.

Podría decir muchos, pero el último fue DIIV en la sala But en Madrid el año pasado.

6.- ¿A qué grupo te gustaría ver en concierto?

Jorja Smith, Mk.gee, Olivia Dean…

7.- ¿Recuerdas el primer disco que compraste con tu dinero?

Fue el ‘Dummy’ de Portishead en CD.

8.- ¿Y el último?

El ‘Teen Dream’ de Beach House en vinilo.

9.- Tus favoritos: un músico, un actor y un personaje público.

Jeff Buckley, Joaquin Phoenix, cualquier persona persona que use su tiempo para animar a la adopción de perros abandonados.

10.- Recomiéndanos un local para escuchar música.

En Málaga podría decir El Muro. Pero el ojalá tener a mano un Ruido Rosa como el de Granada.

11. ¿Cómo definirías tu último trabajo discográfico?

El último single (‘Forget Me’) es bonito y cortavenas.

 

12.- ¿La culpa de todo la tiene Yoko Ono?

A ver, de todo todo…

13.- ¿Qué canción te pone los pelos de punta?

‘Another Life’ de Naomi Sharon.

14.- ¿Estás enganchado/a a algún programa/serie de televisión?

Severance.

15.- ¿Crees que desaparecerá la música en formato físico?

No creo, coexistirá con el formato digital, pero quizá se irá definiendo cada vez más como un elemento de coleccionismo.

 

16.- ¿Con quién te gustaría tener una charla?

Con Alejandra Pizarnik.

17.- ¿Dónde te gustaría actuar?

En el Vida Festival, por ejemplo.

18.- La mejor juerga que te has pegado ha sido…

Cualquiera de las muchas que disfruté con las Uniforms o con mis chicos de Green Cross.

19.- Si te dieran la opción de poder volar a cambio de no volver a hacer música, elegirías…

Volar está sobrevalorado…

20.- ¿Con quién te gustaría trabajar?

Con Ralphie Choo, Anadie y Bronquio.

21.- ¿Eres de las que busca críticas o menciones sobre tu trabajo en internet?

Prefiero disfrutar del feedback de mi entorno cercano.

 

22.- ¿Ves el streaming como un negocio rentable para los músicos?

Eso da para una charla interesante con un vino por delante. Pero, para la mayoría de artistas, no resulta rentable.

23.- Tu plato favorito

Porra Antequerana.

24- ¿Crees que hay vida extraterrestre?

Por supuesto.

25.- ¿Vacaciones de relax o turismo de patear ciudades?

Patear de manera que vuelvas más cansada de lo que te fuiste 🙂

 

 

 

Presentarán su último disco ‘Ondas de Choque’

 

En este 2025 se cumplen veinte años del nacimiento de la banda riojana El Cuarto Verde y para celebrarlo el día 24 de mayo ofrecerán un concierto muy especial con un montón de invitados, con la proyección de un documental resumiendo su prolífica carrera y con la actuación de una banda sorpresa.

Entre sus hitos musicales cabe destacar que han grabado siete trabajos discográficos con más de 50 canciones, suman más de trescientos directos en su haber por la toda la geografía peninsular, sus discos han obtenido el reconocimiento de la crítica siendo nombrados entre los mejores discos del año para webzines y revistas como MondoSonoro, Ruta66, RockSesion, ManerasdeVivir o SonicWebMagazine, han sonado en radios nacionales como Radio 3, Rock FM,cadena SER o 40 principales y en un sinfín de radios y podcasts independientes, en revistas como Heavy Rock o RockEstatal y han colaborado en sus discos artistas de la talla de Rosendo Mercado, Antonio Arias (Lagartija Nick), Aiora Rentería(Zea Mays) o Josu Korkostegi (Parabellum).

Como reza el final de su nuevo documental El Cuarto Verde es y seguirá siendo un proyecto de resistencia, de música, de pérdida económica, de compromiso y disfrute y todo para seguir buscando la belleza y difundirla a su manera. Es un convenio cultural entre cuatro amigos, en realidad es el vínculo más fuerte, el de la amistad y el amor por la música, podría haber sido una sociedad gastronómica pero no, fue, es y será El Cuarto Verde.

‘Ondas de choque’ (La Bujía Records, 2023) es el sexto álbum de estudio de los de Logroño, grabado en Muir Estudio por Yon Vidaur y masterizado en Doctor Master Music por Estanis Elorza. Seis canciones que se presentan como una ventana abierta, un punto desde el que asomarse a nuevos parajes, es la pregunta cuando sólo buscas respuestas, es ácido, es pasional, es adictivo y por encima de todo es de verdad. Otra vuelta de tuerca a una carrera que siempre se encuentra en época de estudio, de transición musical bajo la marca de la casa. Repleto de una literatura carga de intenciones y de esa forma tan característica de decir las cosas sin excesivo artificio, a cuerpo descubierto y con referencias y alusiones repartidas por cada single.

Tendrá lugar en la sala Fundición de Logroño, a las 21:00h.

Las entradas anticipadas las puedes conseguir en salafundición.es