«Rock & Clown es un nuevo concepto de festival que transciende a los estándares de los grandes eventos musicales para proponer un lugar común entre dos de las disciplinas artísticas más indisciplinadas y contestatarias . Rock & Clown toma la irreverencia, la provocación, el descaro, el humor, la alegría, y todo cuanto tienen de espontáneo estos dos mundos.»

Así es como el festival Rock & Clown se define a sí mismo, y nada más lejos de la realidad. El pasado 10 de Julio tuvo lugar el evento en A Estrada, Pontevedra, reuniendo a artistas tan dispares como Elliott Murphy, Leo Bassi o Nacho Vegas, fusionando así el mundo de la música y el humor.

elpulpo tuvimos la suerte de poder participar activamente en este primer año del Rock & Clown, creando toda la imagen y sus correspondientes aplicaciones (logotipo, cartelería, flyers, merchandising…). Desde el principio, en el momento en el que nos hablaron del concepto, tuvimos claro que  la gráfica debía, no solo plasmar estos dos mundos (Rock y Clown), sino fusionarlos de alguna manera.

El eje principal de toda la identidad es el personaje Rocky Clown, un hombre mitad rockero mitad payaso, a partir del cual, junto con el logotipo, se dio forma a todo el resto de piezas gráficas. Si queréis echarle un vistazo, sólo tenéis que ir a la sección de proyectos.

Esperemos que esto sólo sea el comienzo de un gran festival, y mientras hacemos tiempo hasta el verano que viene, os dejo con unas imágenes sacadas directamente del facebook del Rock & Clown.

Es cierto que hacerse músico, escritor o director de cine hoy en día es una difícil tarea, y más aún querer vivir de ello. Estamos en la era de la información, o mejor dicho, de la sobreinformación; lo tenemos todo al alcance de un sólo click, y no necesitamos levantarnos de la silla para poder escuchar el último disco de tal banda, ver la película éxito en U.S.A., o leer el best seller en el que está basado esa película. Por un lado tiene sus ventajas, de sobras conocidas, pero la verdad es que intentar vender un producto se está convirtiendo en algo cada vez más complicado, y parece que se empiezan a dar cuenta, ofreciendo algo más que el producto en sí.
Saben que hay un sector del público que no se conforma simplemente con el producto, que va a ir más allá y querrá adquirir todo lo relacionado con el artista: camisetas, pósters, ediciones especiales, etc., es decir, merchandising.

Hace no mucho tiempo, el artista Vincent Gallo desde su web dedicada a la venta de merchandise, y en la cual se pueden adquirir camisetas dibujadas por él mismo por 150$, puso a la venta su propio esperma por el valor de un millón de dólares, siempre y cuando la compradora fuese rubia natural y de ojos azules. Eso si, haría un descuento si la mujer en cuestión pudiese demostrar que tiene descendencia alemana de mediados del siglo XX.
¿Realmente el señor Gallo está ofreciendo un producto, se está riendo de todo el mundo, o se trata de una campaña de marketing? Lo único que se sabe con certeza es que su esperma sigue a la venta.

Otro caso similar es el de Josh Freese, batería de bandas como The Vandals, NIN, Devo, Weezer, y un largo etc., que puso a la venta su nuevo álbum en solitario con diferentes tarifas que van desde los 7$ a los 75.000$.
¿Qué diferencia una versión de otra? La más barata te da derecho únicamente al disco en su versión digital, otra de 2.500$ incluye el CD firmado, una camiseta, una lección de batería( o si no sabes tocar, un masaje en los pies y la espalda), una visita con un miembro de Devo o The Vandals al museo de cera, y tres prendas de vestir sacadas de su propio armario, y comprando la de 75.000$ te podrás ir de gira con él, cruzar Hollywood en el Lamborghini de Danny, de la banda Tool, te grabará un disco de 5 temas sobre tu vida y será tu asistente personal durante un mes.
En este caso, el artista admite que todo esto lo hace para conseguir publicidad, pero si alguien quiere adquirir cualquiera de los packs, están disponibles.

El último de los casos que se han escuchado, y alejándose de los motivos de Vincent Gallo y Josh Freese, es el del libro de Peter Hook (Joy Division, New Order) The Hacienda: How Not to Run a Club, que habla precisamente de eso, del club de Manchester que dio cobijo a todo el sonido post-punk de los 80.
El libro se vende en tres ediciones limitadas, en las que se incluyen serigrafías, vinilos, una guitarra, y trozos de la pista de baile y de la barra del local, todo a un precio que ronda los 600$.

Help! I’m currently being held prisoner by the Russian mafia and being forced to post spam comments on blogs and forum!
If you don’t approve this they will kill me. They’re coming back now.
Please send help!

Le deseamos toda la suerte del mundo al pobre prisionero, por el momento no aprobaremos su comentario.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»

Hace unas semanas la gente de psd tuts+ publicó una lista con las que según ellos, son las cuarenta mejores portadas de la historia de los videjuegos. Brevemente explicaban el porque de la aparición de cada una de ellas en dicha lista, no estando siempre su inclusión justificada por la calidad gráfica. Como en todos los listados y a modo personal creo que sobra alguna portada y se echan de menos otras tantas.

Una de las ausencias que más he notado y supongo que como a mí le pasará a todo aquel que lleve jugando a videojuegos más de década y media, son las portadas de la saga de aventuras gráficas protagonizadas por el aspirtante a pirata, Guybrush Threepwood, saga que recibe el nombre de The Secret of Monkey Island. Dichos videojuegos, cuya primera y segunda parte han disfrutado de sendos remakes recientemente, la primera hace un año y la segunda hace un par de semanas, tienen como ambiente el mundo de los piratas siendo el sentido del humor una de sus principales características. Estos juegos, además de tener unos guiones que ya querrían para sí la mayoría de las películas que se pueden ver hoy en día, poseen un apartado artístico que las hacía sobresalir entre la mayoría de los videojuegos de la época, y dentro del cual brillaban con luz propia su principal elemento de comunicación, es decir, las carátulas. La persona encargada de la realización de las misma es el ilustrador, guionista y desarrollador de videojuegos, Steve Purcell, que comenzó a ser popular en la década de los ochenta gracias a los cómics escritos y dibujados por el mismo, titulados Sam&Max, protagonizados por una pareja de policías formada por un perro (Sam) y un conejo (Max) y a las ya citadas portadas de videojuegos.

No sería hasta mediados de los ochenta cuando George Lucas, fundador de Lucasarts, subisidiaria de Lucasfilm, ficha a Purcell como director de arte del videojuego Zak McKracken and the Alien Mindbender, pionero del género de las aventuras gráficas. A partir de aquí la relación con Lucasarts sería muy estrecha y es durante las décadas de los ochenta y los noventa cuando Purcell se encargará de la dirección de arte de muchos de los videojuegos de la compañía, como pueden ser Dream Pipe, The Dig, la ya citada saga de The Secret of Monkey Island o la propia aventura basada en sus personajes, Sam&Max hit the road. Steve Purcell puede ser considerado el Drew Struzan de los carteles cinematográficos, no en vano Struzan es uno de los cartelistas favoritos de George Lucas. Ambos comparten la característica de invertir una gran cantidad de tiempo en la realización de bocetos antes de llegar al resultado final y la realización de las obras de una manera completamente manual, sin la utilización del ordenador en ninguna de las fases del desarrollo.

Actualmente Steve sigue unido al mundo del videojuego mediante la empresa Telltalegames, donde entre otros proyectos, sigue desarrollando aventuras gráficas ambientadas en los universos de The Secret of Monkey Island y Sam&Max.

Hoy mismo se acaba de hacer público el cartel que va a encabezar la imagen de la próxima edición de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantástic de Catalunya, la número 43, que se celebrará del 7 al 17 de Octubre. El cartel rinde tributo a El resplandor, de Stanley Kubrick, que este año cumple 30 años. Para el que escribe esto es una de las películas que más miedo le produce su visionado, especialmente la escena en que salen las famosas gemelas cogidas de la mano en el pasillo del hotel.

Precisamente esa escena es la que se ha seleccionado para la realización de dicho cartel, evidentemente las niñas no son las mismas, como tampoco lo es el emplazamiento, ya que el mar de la localidad costera sustituye a la tan setentera moqueta del hotel.

Para la realización de dicha escena, Kubrick, como fanático de la fotografía que era, se había basado en la foto de unas gemelas que la fotógrafa Neoyorkina Diane Arbus, famosa por sus retratos de gente curiosa, por no decir extraña, había realizado de unas niñas en el año 1967.

Como un juego de buscar las diferencias, aquí debajo os dejo la foto original, un fotograma de la película y el cartel del festival.

Ya desde los años 60, cuando comenzó a cobrar cierta popularidad, el skate siempre ha ido ligado de una manera u otra al arte.

El hecho de que naciese como un deporte underground ligado al surf, y que el formato de la tabla funciona como un lienzo de madera, han contribuido a que hasta la actualidad se hayan creado verdaderas obras de arte sobre ruedas.

Jim Phillips sabe mucho sobre esto. Nacido en San Jose, California, tras estudiar Bellas Artes, ha dedicado toda su vida al skate, surf y rock, creando anuncios para revistas y  carteles para eventos. Pero fue a finales de la década de los ‘70 cuando entró como director de arte en Santa Cruz skateboardings, dedicándose así a realizar el logotipo, diseños de las tablas, y otras piezas publicitarias de la marca.

Quizás lo reconoceréis por la “Screaming Hand”, una de sus ilustraciones más emblemáticas, incluso más que el propio logotipo de Santa Cruz.
Esta mano recoge toda la esencia del artista: una mezcla de cómic, surrealismo y psicodélica de los ‘60.

Y enlazando con esto, deciros que este domingo 18 de Julio tendremos en Barcelona el Tony Hawk And Friends, a las 18:00 horas en la Plaza del Mar, situada en la Barceloneta. También estarán pinchando Joey Cape (Lagwagon) y Tony Sly (No Use For A Name), los cuales harán un concierto acústico esa misma noche en El Último Chiringo, Ocata, Masnou. Allí nos vemos.

Se dice que lo importante no es ganar si no participar. Esa debería ser la actitud con la que tendríamos que afrontar la participación en concursos los estudios de diseño gráfico. ¿Por qué?, varias son las razones. Cuando te presentas a un concurso normalmente también lo hacen un número bastante elevado de estudios, agencias de publicidad o particulares, con lo que con casi toda seguridad al jurado le gustará un diseño que no sea el tuyo. Como en casi todos los concursos, los de diseño gráfico también sufren la plaga de “el conocido”, es decir, una persona que conozca a miembros del jurado tendrá más posibilidades de llevarse el premio, que suele ser una cantidad más o menos respetable de dinero, suponiendo que esa persona les caiga bien, claro. También cabe citar el problema que existe con los miembros integrantes de la mayoría de los jurados, y es que estos suele estar constituidos por todo menos por personas que poseen conocimientos de la materia tratada, es como si en un concurso de diseño de lámparas ningún miembro del jurado fuera un diseñador de producto.

Supongo que a estas alturas queda claro lo en desacuerdo que estamos con los dichosos concursos, el problema radica en que hoy en día, y con la excusa de la tan manida crisis económica, muchas de las instituciones, tanto de carácter público como privado, sacan todo a concurso. Que hay que realizar un cartel, a concurso, que hay que rediseñar la imagen corporativa de la empresa, a concurso, que hay que hacer un nuevo diseño de la ropa interior de los empleados, a concurso…. No les sale mal la jugada, decenas, cientos o incluso miles de propuestas totalmente gratuitas.

De los pocos concursos a los que nos hemos presentado, de uno de los que estamos más orgullos del resultado es el del Cartel de las fiestas de Sant Feliu en Alella, un pequeño pueblo cercano a Barcelona. Una de las premisas para la realización del diseño era alejarnos lo máximo posible del típico cartel de fiestas, es decir aquel dónde aparece reflejado un elemento representativo del pueblo con fuegos artificiales de fondo. ¿Qué hacer entonces cuando el 90% de los carteles siguen está pauta?, la respuesta nos vino al estudiar el escudo de la población, un ala de ángel con un corona encima, si cogemos el ala, la duplicamos y la volteamos nos sale dibujado un corazón, ¿qué son las fiestas de un pueblo si no más que un acto de amor hacia el mismo?.

La primera parte del cartel estaba resuelta, ahora faltaba la tipografía. Después de probar un número bastante elevado de tipografías notábamos que nos fallaba algo y ese algo era que nos estaba quedando un cartel un pelín serio para ser unas fiestas. Entonces nos pusimos a buscar tipografías que tuviesen como elemento representativo el reflejar en un alto grado un elemento festivo. Después de muchas pruebas tampoco nos gustaba lo que veíamos, con lo que a falta de una tipo que funcione no se nos ocurre otra cosa mejor que hacerla, y así nació la fuente “Guateque”, dónde se toma como claro referente las luces utilizadas en los puestos de las ferias.

Voilá, corriendo a entregar la propuesta que no llegamos a tiempo y a esperar a que se haga público el fallo del jurado pensando que contábamos con bastantes posibilidades de llenar la cartera con el dinero del premio. Evidentemente no fue así. ¿Que queréis ver el cartel ganador?, hombre, no va a ser tan fácil como verlo colgado aquí debajo, pero seguro que si buscáis un poco por la red lo encontraréis.

Si has visitado nuestro blog últimamente y te has sorprendido de que no se haya actualizado tan frecuentemente como debería hacerlo, es por la simple razón de que la mitad del estudio hemos estado pasando unos días de vacaciones en una de las ciudades más impresionantes del mundo, Nueva York.

Tal como reza el titular de esta entrada, Nueva York es otro mundo. Si nunca has estado en tan calurosa ciudad imagínate un Madrid o una Barcelona multiplicado por tres, tanto a lo ancho como a lo alto, y no solo eso, multiplica también las tiendas, las salas de conciertos, los cines… y no llegarás a hacerte una idea de lo que significa pisar esa metrópoli.

En nuestro periplo por la ciudad de los rascacielos hemos visto millones de cosas interesantes, pero una de las que más nos ha llamado la atención y que más relación tiene con las entradas de este blog es la gran cantidad de diseño gráfico bien realizado que se respira en sus calles. Desde los letreros de la mayoría de las tiendas, hasta los carteles publicitarios (impagable la valla de “Red dead Redemption”), pasando por tipografías rotuladas a mano directamente en los muros de los edificios o los paneles metálicos de las atracciones de Coney Island, todo respira un buen hacer y un gusto por el trabajo bien hecho que no hace más que hacernos morir de la envidia.

Os dejamos algunos ejemplos de lo que hemos visto y fotografiado, esperemos que os gusten y que os entren ganas de visitar ese otro mundo.

Ahora que llega el calor, acompañado de una cervecita bien fría, apetece poner un poco de música acorde con estas temperaturas, tanto si estás de vacaciones disfrutando de la playa, como si estás en el trabajo imaginándotela.

The Bomboras fueron una banda proveniente de Los Angeles, conocidos por pertenecer al revival surf que apareció entre finales de la década de los ‘80 y finales de los ‘90, protagonizada por bandas como Man or Astro-Man?, Huevos Rancheros o The Phantom Surfers. Bandas que cogían lo mejor del instro-surf de los ‘60 y lo mezclaban con sonidos más actuales como el garage o el punk. Estéticamente imagínense: un cocktail (hawaiano, eso sí) de zombies, hot rods, go-go’s, etc. Vamos, cultura lowbrow en estado puro.

Este «Head Shrinkin’ Fun» (Telstar Records, 1998) es su último disco editado, y su título hace referencia a las cabezas momificadas de la tribu de los Shuaras, que mediante un truculento proceso, eran capaces de reducir los cogotes de sus enemigos para quedárselas como trofeos.

Con este concepto se ha creado todo el layout del disco. El conocido diseñador e ilustrador Shag se ha encargado de reproducir fielmente el packaging de aquellos juegos de mesa de los ‘60,  y nos muestra a dos niños puramente americanos jugando con la cabeza-trofeo que reza el título y dos ojos como dados. No pueden faltar la marca (ficticia) del juego y la pegatina que advierte que a los menores de 8 años puede herir su sensibilidad.

Así como la ilustración funciona perfectamente, e incluso nos hace dudar de si es o no un montaje, no podemos decir lo mismo de la tipografía. ¿Y no sería más fácil y resultón rotular el título que coger una tipografía intentando emular el lettering de antaño? En cuanto a la tipografía utilizada para el nombre del grupo, una grotesca en versión itálica y condensada, cumple bien su función.

Os recomiendo que si podéis, le echéis un vistazo a la contraportada del disco (en el vinilo, supongo que en la versión CD irá en el interior del libreto), ya que al igual que el frontal, hacen el mismo juego con los títulos de las canciones. Todo un trabajazo obra del señor Shag.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»

David Eugene Edwards, más conocido por ser el fundador y multiinstrumentista de la banda americana de country alternativo 16 Horsepower, lleva desde el año 2001 dando forma a su proyecto personal Wovenhand, convirtiendose en banda con este «Ten Stones» (Sounds Familyre, 2008), disco con el que entra el también ex-16 Horsepower Pascal Humbert al bajo.

El sonido de Wovenhand va más allá del country oscuro y religioso de su anterior banda. Estos elementos siguen estando ahí, pero de una forma mucho más misteriosa, épica y poderosa, acercándose a sonidos propios del medievo.
Todo el álbum en su totalidad, podría ser la banda sonora perfecta para las cruzadas del siglo X. Sólo hay que echar un vistazo a la portada o los títulos de las canciones (This Beatiful Axe, Iron Feather) para darse cuenta de que estamos ante un grito de guerra con la religión por bandera.

El diseño que envuelve el disco no podría ser de otra manera: a modo de tapiz medieval, y rodeado de motivos florales se encuentra el nombre del grupo y el título del disco.

Quizás lo más sencillo (y comercial) hubiese sido, sin prescindir del carácter medieval, darle un aspecto actualizado, pero eso conllevaría quitarle todo su significado, porque esta portada no destaca precisamente por ser impactante.
Todos los elementos (tipografía, colores, ornamentos…) hacen un todo armónico, no destaca excesivamente una cosa por encima de otra, y aquí está el valor del diseño, el reproducir fielmente una imagen que corresponde a otra época en la que se usaban otros códigos totalmente diferentes a los actuales, cosa que se ha logrado a la perfección. 
Los motivos ornamentales y la rotulación, todo realizado a mano, y por supuesto los colores, propios de los tapices en los cuales se usaban tintes naturales para teñir el tejido.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»

Spanish Creativity Journal es un blog sin ánimo de lucro que se dedica a promover el diseño «made in spain» a lo largo y ancho del mundo.

Nos sentimos muy agradecidos de que se hayan puesto en contacto con nosotros para incluír un post dedicado a elpulpo, concretamente a nuestros carteles, mostrando una selección de ellos.

Desde aquí, muchas gracias al equipo de SCJ, y muchos ánimos para seguir adelante con el proyecto.

elpulpo en Spanish Creativity Journal

Con motivo de las fiestas de San Paio de 2010, desde elpulpo, hemos tenido el placer de realizar las piezas de comunicación para este evento que se repite cada mes de Junio en la localidad de A Estrada.

Para realizar los carteles estuvimos buscando algún elemento significativo que poder representar, algo que cualquier persona y de cualquier edad  pudiese, no solo identificar, sino sentirse identificado.

Las farolas, situadas en el centro de A Estrada, son ese elemento que estábamos buscando. La farola siempre está ahí, de día y de noche, observando a los transeúntes los días de feria, y acompañando a los chavales durante las noches de fiesta. Por eso quisimos que el cartel estuviese vivo tanto de día como de noche, al igual que ocurre durante los días de las fiestas.

Para ello, sobre el cartel se ha impreso una tinta especial fosforescente, de modo que cuando se hace de noche, las luces de las farolas siguen brillando.

Además de esta pieza principal, se han realizado otro cartel a una sola tinta indicando la programación, y un programa de mano, del cual subiremos imágenes próximamente.

Muchas gracias al Concello da Estrada por contar con nosotros para este proyecto.

Hay una creencia bastante extendida en el mundo del diseño gráfico que viene a decir que aunque el presupuesto que se tiene para un proyecto sea sumamente raquítico y el material que se dispone para la creación del mismo sea casi inexistente, si se tienen buenas ideas el proyecto acabará siendo brillante. También existe esa otra de que muchos estudios hacen trabajos espectaculares debido a que manejan presupuestos desorbitados con los que poder pagar grandes fotógrafos, ilustradores, tipógrafos o lo que les venga en gana, que si no tuviesen todo ese dinero respaldando sus trabajos realmente no estarían tan valorados. Como suele ocurrir en estos casos, dichas “reglas” a veces se cumplen y a veces no.

En lo que todo el mundo está de acuerdo es que si en un proyecto coincide una idea genial con un presupuesto de más de seis cifras el resultado será por regla general de exhibir en un museo. Me imagino la cara que se les debió de quedar a la gente de BLT & Associates, cuando recibieron la llamada de los productores de El caballero Oscuro (The Dark Knight, 2008), para encargarse de la comunicación de la película. Ahí es nada, encargarse del diseño gráfico de la película llamada a ser el mejor film de superhéroes de la historia, eso para empezar, ya que cuando se vislumbraron las cifras para el presupuesto de la campaña, se les debió quedar una sonrisa más marcada que la del mismísimo Joker.

Ya tenemos un ingrediente de la receta, el dinero. Ahora falta el otro, las ideas, más bien en singular, LA IDEA, en mayúsculas y negrita. Primero se hacen unos carteles que nada más mirarlos te entren unas ganas horribles de ir a ver la película al cine, seas o no fan de Batman. Misión cumplida. Después, aprovechando el tirón que posee el personaje del Joker, ¿por qué no rediseñar los carteles ya hechos como si el Joker los hubiera pintarrajeado?, así de fácil, así de genial. El resultado: lo dicho, campaña para exhibir en un museo.

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Hablar de Dwarves es hablar de  provocación, primitivismo punk y mala leche en toda regla. Es difícil escoger una de tantas portadas de estos salvajes originarios de Chicago, por lo que me he decidido a hacer un 3 en 1 y mostrar una supuesta trilogía basada únicamente en las carátulas.

Dwarves comenzaron siendo adolescentes como una banda de garage-punk del montón, estilo del cual se fueron desprendiendo, dirigiéndose cada vez más al punk-rock y el hardcore. Es en sus últimos discos cuando comienzan a tontear con sonidos tales como el surf, pop, industrial e incluso rap, demostrando que se puede ser punk y tener talento a la vez. Su carrera está plagada de polémicas anécdotas, las cuales podéis leer en su página web, y en más de una ocasión han tenido encontronazos con la ley. Ser un auténtico punk en el siglo XXI es una ardua tarea.

Teniendo como nombre «Los Enanos», un largo curriculum propio de un psicópata, y un bajista llamado «Hewhocannotbenamed», era de esperar que sus portadas no fuesen menos controvertidas.
La primera que nos ocupa es la del álbum «Blood Guts & Pussy» (Sub Pop, 1990), primer disco de la banda que dispone de ciertos medios. Para ella contaron con Michael Lavine, al que se le considera uno de los fotógrafos del llamado movimiento grunge y que ha retratado a bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o Sonic Youth.
Lavine ha sabido transmitir a la perfección el impacto y la provocación de Dwarves, mostrando una escena de dos mujeres desnudas y un enano, todos bañados en sangre de conejo, como si se tratase de una versión retorcida y sádica de un cuento de los hermanos Grimm. Es cierto que es desagradable, y que es verdaderamente explícita, pero no cabe duda de que está hecha con estilo y elegancia, y de esto saben mucho los reyes del buen/mal gusto.

La segunda de las portadas pertenece al álbum «Come Clean» (Epitaph, 2000), el cual funciona como un guiño. Las composiciones (es aquí cuando comienzan a introducir nuevos sonidos), el título, y por supuesto, la portada. Se mantienen las dos doncellas (por aquello del cuento) y el enano, pero en este caso se cambian los litros de sangre por jabón, y el conejo por un cepillo. ¿Intentan hacernos creer que se han redimido de sus pecados? Continúa la ofensa.

Parece ser que a partir del Come Clean han tomado como sello de identidad incluir a estos personajes en sus portadas posteriores, tal y como demuestra el disco «The Dwarves Must Die» (SFTRI, 2004). Si en la anterior intentaban hacernos pensar que habían aprendido la lección, aquí vuelven a dar otra vuelta de tuerca. Juzgad vosotros mismos.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»

Lo primero es lo primero, y hoy toca aplaudir con toda la fuerza posible la loable iniciativa que Astiberri Ediciones lleva realizando desde hace un tiempo. Y es que no conformándose con editar algunos de los mejores cómics que puedes encontrar en castellano, van y se sacan de la manga como si de un truco de magia se tratase la colección Astiberri Pop, donde se hace un repaso imprescindible a la cultura pop mediante libros editados de una manera exquisita.

La última referencia que se ha incorporado a esta colección recibe el nombre de Los colores del Underground y viene firmada por Joan S. Luna, crítico musical y personaje popular de la ciudad Condal, que desde mediados de los noventa ocupa el cargo de redactor jefe en la revista musical MondoSonoro. El libro hace un repaso a la obra de 22 artistas que forman parte del denominado Surrealismo Pop, movimiento donde se integran artistas plásticos que utilizan como referente para la realización de su obra todo lo relacionado con la cultura pop. Desde los cómics, los superheróes o el punk-rock, pasando por los dibujos animados, la ciencia ficción o la serie B hasta los videojuegos o el Graffiti. ¿Quiéres nombres?, ahí van unos cuantos: Ron English, Jeff Soto, Heiko Müller o Gary Baseman como representantes internacionales y Sergio Mora o Gonzalo Rueda representando la cantera nacional.

El libro está estructurado, y he ahí su verdadero interés, mediante entrevistas realizadas por Joan a los diferentes artistas. Esto quiere decir que son ellos los que se encargan de contarte de primera mano quienes son y por qué hacen lo que hacen. Además cada texto viene acompañado por numerosas imágenes de sus obras con un acabado de lujo. ¿La parte negativa?, que solamente sean 22 en vez de 100 o 200 los representantes del movimiento, recemos para que saquen un segundo o incluso tercer volumen, estoy convencido de que tiene que haber material descartado de sobra para poder hacerlo. Como último apunte y no por ello menos importante es que en cada entrevista se le pregunta a cada uno de ellos por sus artistas de referencia, con lo que tienes material para profundizar en el tema hasta aburrirte.

Aquí abajo la portada y algunas de las obras incluídas en el libro.

Normalmente cuando se planea la realización de una campaña de marketing de una película se suelen seguir estos pasos:

-La productora del film se pone en contacto con el estudio de diseño que se va a encargar de la realización de la campaña, pasándole unas cuantas imágenes de la película y un pequeño resumen de la misma.

-Con este material, el estudio tiene que presentar unas cuantas propuestas, contando con un tiempo X para realizarlas.

-Cuando el estudio  está convencido del resultado obtenido le enseña las propuestas a su cliente.

-La productora, que evidentemente lo que más desea es que las salas de cine se llenen de gente hasta arriba, suele desechar lo que ve ya que, donde el estudio dice que hay una intención artística, la productora dice que hay un cartel que es demasiado arriesgado.

-El estudio tiene que volver a realizar otras propuestas, se las vuelve a enseñar al cliente y el cliente vuelve a opinar. Puede que esta vez le guste lo que ve o puede que no, en el segundo caso se tiene que repetir el proceso una y otra vez hasta que, en la mayoría de las veces, se llegue a un resultado que les guste a ambas partes o, en las menos, se termine rompiendo la relación.

El resultado: Un cartel oficial y unos cuantos que bien o no se llegan a ver o se utilizan en muy contadas ocasiones, véase cuando la película se presenta en festivales.

No sé si en el caso que nos ocupa hoy ha ocurrido lo descrito, pero lo que está claro es que  se ha llegado a la realización de tres piezas de un acabado gráfico espectacular. La película en cuestión, dirigida por el gallego Rodrigo Cortés con producción española se llama “Buried” (“Enterrado”) y fue una de las grandes triunfadoras del festival de Sundance.  El punto de partida de la misma es muy sencillo: Un hombre se despierta en un ataúd con un teléfono móvil, un mechero y 90 minutos de oxígeno. Si, ya sé que ahora estás deseando verla, yo también, pero para hacerlo de manera legal no nos queda más remedio que esperar hasta el día 1 de octubre, fecha del estreno en España.

La primera pieza es un Teaser Póster, en dónde se juega de una manera magistral con el espacio y el color.

La segunda, que representa el diseño más comercial de los tres, ese que se cuelga en la entrada de los cines, posee un trabajo de Photoshop de los buenos, de los que no se notan. Ya querrían para si muchas películas con presupuestos infinitamente más holgados disfrutar de un cartel tan bien realizado.

Por último nos encontramos con la pieza más experimental, esa que se utiliza en los festivales de cine y que te gustaría ver colgada en la pared de tu habitación. Es evidente la deuda que posee con Saul Bass, diseñador gráfico estadounidense encargado de la realización de entre otros, los carteles de películas como Vértigo. (Vertigo, 1958, Alfred Hitchcock) o El hombre del brazo de oro (The Man with the Golden Arm, 1955, Otto Preminger). Un sentido homenaje en toda regla.

Podríamos denominar a Angels of Light como el cajón de sastre de Michael Gira, músico neoyorquino que dio vida a la gran banda Swans a principio de la década de los 80, resucitados nuevamente en este 2010. Es con los ángeles de la luz dónde deja aparcado aquel sonido violento característico para dar lugar a otras inquietudes musicales y conceptuales. No es que haya dado un cambio radical, sino que ha profundizado más en sí mismo, experimentando con otros sonidos como el folk o incluso el country.

Con «We Are Him» (Young God, 2007) estamos ante un disco de raíces, nada que ver con estilos, sino con las propias de Gira, la máxima expresión del músico. Sonidos  llenos de una belleza y optimismo aparente, pero que en el fondo esconden algo oscuro, apocalíptico e hipnótico.

La portada corre a cargo del artista británico Deryk Thomas, quien ya había trabajado con Gira en discos de Swans, y que el músico ha catalogado en alguna ocasión como una síntesis de El Bosco, Francis Bacon y Walt Disney. En esta ocasión el artista ha cedido uno de sus cuadros titulado “Happy Birthday Puppy No-Mark” para ilustrar We Are Him.

Nos encontramos ante una imagen, que al igual que ocurre con el apartado musical, muestra una escena aparentemente inocente: un tierno perrito antropomórfico celebrando su cumpleaños a la orilla del río. Es al fijarse en los detalles, cargados de simbolismo, cuando nos damos cuenta de que hay algo que no encaja dentro del marco bucólico y de colores saturados.Podríamos decir que, al igual que ocurre con las composiciones, detrás de la luz, se esconden las sombras, o mejor dicho, conviven ambas en armonía. Así podemos observar elementos tales como la tarta, un oso de peluche, globos etc., pero también vemos un cuchillo, una tumba con un cráneo grabado sobre la que se posa un cuervo, o su regalo de cumpleaños, un hueso humano. En el apartado tipográfico, al igual que ocurría con el «Special Wishes» de Harvey Milk, las letras son inexistentes, ensalzando así la obra de Deryk Thomas.

Por último, os propongo un juego: analizar cada uno de los elementos que componen la portada y descubrir su significado.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»

Si en el anterior post dedicado a la relación del mundo del diseño gráfico y el cine, protagonizado por Jeff Kleinsmith, quedaba claro que le trae sin cuidado el famoso “menos es más”, Jamie Bolton, el protagonista de hoy sigue la doctrina de la Bauhaus a rajatabla.

Bolton, joven diseñador gráfico inglés, se ha labrado un nombre dentro de la comunidad gráfica debido sus reinterpretaciones minimalistas de carteles cinematográficos. Todos los carteles pertenecen a un proyecto que comenzó en la universidad y aún a día de hoy sigue realizando. La operación, solamente sencilla en apariencia es la siguiente: se selecciona una película, tras darle muchas vueltas a la cabeza se extrae un elemento lo más representativo de la misma y se estampa en le cartel junto con el nombre de la misma y su creador (siempre utilizando la tipografía Futura). El resultado, pequeñas obras maestras de síntesis de la información. Si bien es cierto que es necesario haber visto las películas previamente para poder disfrutar plenamente de las piezas, los carteles de la trilogía de Regreso al futuro o Star wars merecen estar adornando con todos los honores las paredes de los fans de las mismas, y más sabiendo el ridículo precio al que se venden en shoottheglass.bigcartel.com

La guerra de las galaxias. (Star Wars, 1977 ,George Lucas)

El imperio contraataca. (The Empire Strikes Back, 1980, Irvin Kershner)

El retorno del Jedi. (Return of the Jedi, 1983, Richard Marquand)

Regreso al futuro (Back to the Future, 1985, Robert Zemeckis)

Regreso al futuro II (Back to the Future, Part II, 1989, Robert Zemeckis)

Regreso al futuro III (Back to the Future, Part III, 1990, Robert Zemeckis)

Blade Runner (Blade Runner, 1982, Ridley Scott)

Cazafantasmas (Ghost Busters, 1984, Ivan Reitman)

Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993, Steven Spielberg)

El resplandor (The Shining, 1980, Stanley Kubrick)

Harvey Milk es una de esas bandas que con el paso del tiempo se ha ganado a pulso una reputación dentro de la música underground. No es la más conocida, ni la que más vende (siempre hablando desde una perspectiva independiente, claro. Damos por supuesto que los de Athens están lejos de introducirse en el mainstream), pero sí que cuentan con una buena plantilla de seguidores fieles a su característico y a la vez camaleónico sonido.

Harvey Milk se caracterizan por hacer siempre lo que les da la gana en todos los ámbitos. Musicalmente no hay más que escuchar su discografía, desde su primer álbum «My Love Is Higher …», estructuras complejas, silencios, vientos, pasando por «The Pleaser», hard rock puro y duro, hasta su «A Small Turn In Human Kindness», donde recuperan la esencia de sus primeros discos, pero con un sonido cada vez más personal.

Gráficamente, que al fin y al cabo es a lo que vamos, lo mismo. En la mayoría de los casos, son ellos los que eligen las fotografías del layout, mandándolas directamente a la discográfica para que realicen la maquetación. A priori puede parecer un poco raro, teniendo en cuenta que no se dedican a esto, pero sus portadas siempre han reflejado el contenido musical que le corresponde. Si bien en sus primeros álbumes no seguían ningún patrón, es a partir de este «Special Wishes» cuando comienzan a utilizar la fotografía como único elemento gráfico.

Seguramente su disco más versátil, «Special Wishes», es una amalgama de sus anteriores trabajos. Lejos de ser un popurri, empaquetan en cada tema sonidos metálicos, pero a la vez con alma, rock desgarrado e intenso, y hasta sonidos puramente sureños, todo de una forma armónica. Y si, todo esto está en la fotografía de la portada.

A simple vista, podría no decirnos más allá de lo que vemos: imagen en blanco y negro de una habitación, un tanto desordenada, y un póster de Jimmy Hendrix mal puesto sobre una pared de tablones de madera. Podríamos (mal)pensar que todo ha sido colocado ex profeso para tirar la foto, o no. ¿Acaso no es más bonito imaginarse a Creston Spiers (guitarra y voces), papel en mano componiendo los temas, sentado en una butaca desde el otro lado de la habitación? Eso es lo que inspira la fotografía, sinceridad y espontaneidad.

El hecho de no utilizar tipografía es algo arriesgado. Sólo si le damos la vuelta a la carpeta podemos leer el nombre del grupo y del disco, hecho que reafirma que la intención es no despistar lo más mínimo, quizás de una forma un tanto radical. De centrar la atención en esa imagen como parte de una pieza global.

Un claro ejemplo de cuándo contenido y continente van de la mano.

Nota: La lectura de «La portada del miércoles» puede requerir la escucha del disco en cuestión»