empantallado

Cine club: El pianista (2002).

noreply@blogger.com (tomas) — Wed, 11 Nov 2009 00:53:00 +0000

LES PIDO PACIENCIA, ANDO HASTA ARRIBA DE TRABAJO. PREFIERO, AUNQUE SEA POCO A POCO, IR ESCRIBIENDO.

Hoy me tocaba escribir sobre la segunda parte de Rec, pero resulta que me descargué El Pianista, de Roman Polanski y no pude resistirme, primero a verla y luego a reseñarla aquí. La historia es la de Wladyslaw Szpilman, un pianista polaco-judío que sobrevivió al getto de Varsovia, durante las deportaciones a campos de exterminios. La historia de Szpliman es, en cierto modo, la de Polanski. Nacido en Francia, en 1936 su familia regresa a Polonia -de donde era originaria la madre-. Allí son internados en el getto de Cracovia tras la invasión alemana del país. Su madre morirá en Auschwitz. Roman, nacido en 1933 logrará huir del getto, haciéndose pasar por católico.

El horror.

La vida de Szpliman, soberbiamente interpretado por Adrien Brody, es la vida normal de un artista. Toca el piano en la radio polaca, hasta la invasión alemana de 1939. Desde ese momento su vida da un giro de ciento ochenta grados. Lo único que puede hacer es sobrevivir. Trasladado junto a su familia al getto de Varsovia, allí se hacinan casi medio millón de judíos polacos.

Polanski nos lleva a esas calles y lo hace demostrando muy poca fe en el género humano. Vemos la brutalidad de los nazis; la indiferencia de los propios judíos, muchos interesados en lucrase de la situación o capaces de integrar una policía tan brutal con los judíos como los propios alemanes y evidentemente, a los polacos, que como los judíos permanecen indiferentes o se intentan aprovechar de su desgracia.

El horror se nos muestra de forma cotidiana. No vemos nunca un campo de exterminio... ¿hace falta? ¿no son de por si las muestras de violencia "cotidiana" que presenciamos? Los muertos tirados en la calle, apenas objetos ante los que todos permanecen indiferentes,

Durante muchas partes de la película los alemanes son presentados casi como esperpentos, gordos, brutales... como personajes de la novela gráfica Mauss, mientras que los judíos se van convirtiendo apenas en muñecos desprovistos de vida y voluntad.

Robinson Crusoe.

Durante la segunda mitad de la película, el peso de la misma cae sobre el protagonista, convertido en una suerte de Robinson Crusoe. Su isla, el apartamento en el que se refugia. Su salvación y al tiempo una cárcel. Desde ella se va desprendiendo de capas de su personalidad. Su familia, sus amigos, todo va desapareciendo hasta que su propia identidad queda en el aire. Hasta que como Robinson, a su isla llega Miércoles. Este con forma de militar alemán.

Videos empantallados: Danger 50000 Volts-Zombies.

noreply@blogger.com (tomas) — Fri, 06 Nov 2009 00:20:00 +0000

Estaba buscando algún vídeo de The world´s end, película protagonizada por Simon Pegg, en la que por lo que intuyo tocará el cine apocalíptico, haciendo una lectura similar al cine de zombis en Shaun of the dead o al policiaco en Hot Fuzz. Pero no encontré nada.

Lo que si descubrí fue un programa, presentado por Nick Frost: Danger 50000 volts. En este -leído en la wikipedia- tocan en clave humorística diferentes situaciones de riesgo. Uno de los episodio va sobre zombis, lo que al tiempo me ha recordado -también- en la adaptación de la Guía de superviviencia zombi, de Max Brooks.

Desgraciadamente, el vídeo solo esta en versión original. Pero si puedo decir que merecen verdaderamente la pena.

Preview: Celda 211.

noreply@blogger.com (tomas) — Thu, 05 Nov 2009 23:51:00 +0000

Este viernes se estrena Celda 211. Dirigida por Daniel Monzón, adaptando la novela de Francisco Pérez Gandull, cuenta con un actor que -personalmente- me encanta: Luis Tosar.

La historia es la de un funcionario de prisiones que, en su primer día de trabajo termina metido en un motín. La única solución que encuentra para sobrevivir es hacerse pasar por un preso más.
Además de a Tosar, en el reparto encontramos a Carlos Bardem, Marta Etura, Antonio Resines y Alberto Ammann.

Infectados (Carriers).

noreply@blogger.com (tomas) — Mon, 02 Nov 2009 23:45:00 +0000

Road warrior. El guerrero de la carretera. Eso es lo que aparece pintado en uno de los coches de los protagonistas de Infectados (Carriers) y también era el subtítulo de la segunda parte de la saga Mad Max. Como en la película de George Miller, cinta la dirigida por los hermanos Pastor (Alex y David) se sitúa en un próximo y apocalíptico futuro. En la australiana el caos era provocado por una Guerra nuclear -el gran miedo de la época de la Guerra Fría-, en esta es un virus (ese terror tan nuestro) el que ha arrasado con la población del planeta. En ambas cintas los supervivientes viven de rapiñar las sobras del mundo de antes, aunque eso implique pasar por encima de otros seres humanos, haciendo buena la frase de Hobbes: El hombre es un lobo para el hombre.

En un mundo donde el orden social preestablecido ha desaparecido, en el que reina la desesperanza y no hay futuro... no queda nada. Ese espíritu la pone en conexión con otra obra que nos sitúa en un mundo reducido a añicos, La carretera de Corman McCarthy. En las dos historias hay una serie de elementos paralelos, un grupo familiar recorriendo una carretera; el destino final, una playa en la que esperan encontrar algo que les permita mirar el futuro con esperanza.

Chirs Pine (Brian) y Lou Taylor Pucci (Danny) interpretan a la pareja de hermanos, acompañados por la novia del primero Piper Peraboo y por la enigmática Kate (Emily Van Camp), de la que poco o nada sabemos. Son supervivientes de una plaga que ha arrasado el mundo y se dirigen hacia el lugar del que guardan hermosos recuerdos de niñez.

En el trayecto descubrirán que la infección no es el peor de los males que les aguardan.

Es interesante una idea. Lejos de lo que, a priori, podría parecer, esta no es una película de zombis, ni infectados. Me parece que, sobre todo, es una historia sobre los humanos y hasta que punto somos capaces de llegar, pasando por encima de nuestra humanidad con tal de sobrevivir un día más.

En este sentido, me ha interesado el personaje de Kate. De ella, prácticamente, no sabemos nada, apenas cuatro datos. Al menos no de antes de la infección. Pero hay un par de detalles a destacar. Su mirada cada vez que ve un teléfono, el gancho con el viejo mundo y, por otro, su inquebrantable voluntad de sobrevivir, más allá de cualquier remordimiento o duda -como muestra de adaptación a la nueva realidad-.

La estructura de la película parece responder de la propia vía que transitan los protagonistas y que hace inevitable, de nuevo, la referencia a La carretera como más que posible referencia.

A lo largo del camino presenciamos diversos episodios (el encuentro de un padre y su hija enferma, el hallazgo de un refugio...) que no hacen más que reforzar la sensación de angustia y la falta de esperanza de la que hablaba al principio.

También hablaría de las similitudes que guarda con Zombieland: la existencia de reglas en un mundo que las ha perdido; el viaje y no la búsqueda de un refugio... con la salvedad que donde una lo hace desde un punto de vista cómico, la otra es un drama. De hecho, me atrevería a decir que durante gran parte del metraje el elemento dramático cuenta con un peso mayor que el de terror; más aún, diría que este se hace presente muy pocas veces y cuando lo hace es casi más como amenaza que como peligro real. Resulta, además, significativo como este proviene en la mayoría de las ocasiones de los sanos y no de los infectados como se podría pensar. En cierto modo es como si quisiera plantear que, en el fondo, todos están infectados-afectados. Unos mueren, los otros viven una vida que no es tal.

Ya destaqué a una de las protagonistas (Van Camp), pero también llamaría la atención sobre el televisivo rostro de Christopher Meloni, quien interpreta al padre de una niña enferma a la que encuentra, quien da pie a una serie de referencias acerca de la naturaleza de la enfermedad como posible carácter de "castigo divino", que a más de uno le recordarán lo que se dice de otras enfermedades (particularmente el SIDA). De nuevo, esto conecta la película con un miedo muy de nuestra época, el contagio y los virus -solo hay que ver lo que se dice de la gripe A-.

En lo que si me pareció más flojita la película es en los hermanos protagonistas, cuyos roles son bastante tópicos. Uno (Pine) es el protector, que se enfrenta a la realidad de forma fría, el otro (Pucci) es un idealista que aún cree que hay esperanza. En líneas generales si me atrevería a decir que esa parte es la que menos me ha gustado, aunque el tono general de la cinta y el final, que deja una sensación de profundísima tristeza hace que Infectados merezca la pena y esperar muy buenas cosas de los hermanos Pastor.

Si la cosa funciona (Whatever works).

noreply@blogger.com (tomas) — Mon, 26 Oct 2009 00:03:00 +0000

Cada año -desde hace veintinueve- y de manera incansable, Woody Allen nos ofrece una nueva película. Esto hace que la calidad de sus obras sea un tanto dispar. Al menos, desde la lógica. No se puede parir una genialidad tras otra constantemente. De este modo diría que ha tenido algunos bajos y muchos altos (uno de ellos Match point, de la que me confieso enamorado).

Por otro lado, sus últimas películas las ha filmado en Europa (Londres, Barcelona...), lejos de su decorado habitual, Nueva York. Eso no ha sido, sin embargo, obice para que todas sus historias se desarrollen dentro de unos parámetros bastante claros. Lugares comunes. Uno de ellos, nos dice que Dios no existe y que el ser humano es poco más que una marioneta que sufre los vaivenes del destino, con la fictícia esperanza de que haya algo más.

El origen de la genialidad de Allen, o uno de ellos, es que con esos mimbres logra construir diferentes historias. Si disfraza la historia de drama o intriga, obtendríamos El sueño de Casandra o Match point; si se enfoca desde la comedia veríamos algo como Si la cosa funciona (Whatever works).

Boris Yelnikof (Larry David) era profesor universitario, aspirante al Nobel. Un genio, que un día ante la certeza de lo inútil de la existencia humana cambia de vida. Egoísta, huraño y descreído, vive en un modesto apartamento y trabaja como profesor de ajedrez -paradójicamente, una metáfora del Dios-demiurgo que maneja a las personas como peones-. Pero todo cambia cuando una noche se encuentra con Melodie (Evan Rachel Wood) una pueblerina, recién llegada del sur profundo de los Estados Unidos.

La película tiene una trama muy teatral (que a mí si me ha gustado), tanto en su planteamiento como en sus localizaciones, mucho interior salvo cuando Boris le enseña a Melodie los lugares más típicos de Nueva York. En cierto modo me ha recordado a las comedias de Shakespeare por el tono burlesco; la manera en la que persigue oponer carácteres socialmente opuestos, solo hay que ver a Boris y Melodie, o a este, un comunista ateo, frente a la madre (Patricia Clarkson) -religiosa y consevadora- y como la trama se dispersa en un momento dado para concretarse al final.

Pero si en algo se soporta la historia sobre todo es en la interpretación de sus personajes y fundamentalmente en Boris, a través sus reflexiones en forma de monólogos a cámara y su acidez, el elemento alrededor del que se articula el resto de la trama con su leiv motiv, la frase que da título a la película, en el que se contiene la idea que ante la inexistencia de nada, más allá del aquí y ahora, lo importante para vivir es que la cosa funcione; pero también destacaría en un momento dado su amargura y la sensación de que todas sus palabras no son más que una pose ante el dolor de vivir.

Larry David está genial, en el típico "personaje Allen", con sus tics, sus manías, sus filias y sus fobias, el único que habla directamente a la cámara y que fustiga a todo el mundo con sus comentarios. Evan Rachel Wood es la otra sorpresa del film, en un rol que también recordará a otros personajes femeninos del director (Scarlett Johansson, Diane Keaton, etc), una chica deslumbrada por el intelecto de Boris, quien termina actuando a modo de Pigamleon, transformándola; e igualmente, me ha parecido maravillosa Patricia Clarkson, la madre de Melodie y su transformación en artista liberada. Por contra, el padre-esposo (Ed Begrely Jr.) si me quedó un poco descolgado, dando la sensación de que su aparición "sólo" tiene como fin cerrar la historia.

Algo que comentaba al principio y que alguno podría achacar es la presencia de ciertos tópicos, bastante habituales en la filmografía de Allen. Pero como decía, su gran mérito es ser capaz de contar historias con ellos, porque que sean recurrentes con implica estereotipados o que no enganchen. Lo que si vi fue un cierto giro en el guión -la infidelidad- que si bien necesario no me termino de parecer bien cuadradado.De todos modos, sin ser una película sobresaliente, funciona y diría que bastante bien.

Número 9 (9).

noreply@blogger.com (tomas) — Thu, 22 Oct 2009 00:15:00 +0000

Hace un tiempo, cuando se estrenó Beowulf fuí muy crítico con ella. Me parecía (me parece) absurdo utilizar la animación infográfica para -limitarse a - representar el mundo real. Desde entonces, creo que por un lado la técnica ha seguido evolucionando pero también, y muy importante, las historias. Wall-e o Up indican cual puede ser el caminar a seguir por este género, el de crear una realidad a partir de lo real, no imitándola fielmente, sino utilizándola como un recurso para construir otro mundo. Los parajes por los que deambulan los personajes de 9 comparten esa cualidad, es un mundo destruido, devastado, repleto de escombros del que fue nuestro mundo. En ella vemos como una guerra entre hombres y máquinas ha arrasado el planeta. Los únicos supervivientes son unos seres de tela que se esconden de una amenaza que les acecha.

Pese a que estéticamente la película me ha gustado, lo que realmente me ha impresionado de esta película, dirigida por Shane Acker y con Tim Burton y Timur Bekmambetov, son algunas de las ideas que se esconden detrás.
La primera me ha hecho pensar en Metrópolis, la película de Fritz Lang. Como en esta, nos encontramos ciencia y magia estrechamente relacionada, casi en un sentido medieval más próximo a lo alquímico. Solo así se explica el origen de los protagonistas.
Por otro lado, hay una interesante oposición entre fe y tecnología. No en vano, mientras los protagonistas se refugian en una iglesia, "el mal" nace de una fábrica, originado engrendos mecánicos que imitan a seres vivos. Un plano significativo es en el que los protagonistas huyen de su refugio para buscar cobijo en una biblioteca (¿El conocimiento y la ciencia enfrentados?). Esto cobra más importancia cuando uno de los protagonistas (1) viste casi a modo papal. Este es un valor, el de la metáfora muy presente también, otro ejemplo... El "héroe" de la función, 9, porta un bastón en el que cuenta con una bombilla encendida, ¿una luz para los demás personajes?

Igualmente, cuenta con diversas referencias. Una, Tim Burton, pero sobre todo en el diseño de las criaturas. No tanto en la historia, pero en el aspecto de muchas de ellas si que se aprecia su huella. Igualmente sucede con Matrix -aunque en cierto modo, por lo visto, ya es una referencia un tanto inevitable-. Aunque sitúa el conflicto "final" no en el futuro, sino en unos hipotéticos años 30-40.

En general, la película está muy bien, por los protagonistas -aunque yo me quedo con la pareja de "gemelos"-; la historia esta bien llevada, aunque pierde un poco de fuelle hacia su parte final, volviéndose un tanto... convencioanl y eso le resta algo de "épica".

Videos empantallados: Lonely day.

noreply@blogger.com (tomas) — Wed, 21 Oct 2009 01:45:00 +0000

En un periodo de stand by desde 2005, System of a Down fue una de las bandas de rock de más exitosas de finales de los noventa-primeros años del nuevo milenio. Uno de sus mejores vídeoclips, para mí, es el de Lonely day (2005) -dirigido por Josh Melnick y Xander Charity- con voz de Daron Malakian (en lugar del habitual Serj Tankian) y en el que, visualmente, hay un homenaje a los míticos Pink Floyd.

Zombieland.

noreply@blogger.com (tomas) — Thu, 15 Oct 2009 14:33:00 +0000

Dentro del género de terror y, más concretamente, el de temática zombi hay un elemento que juega un papel fundamental: la cabaña. Si los no muertos vienen a representar una imagen de nosotros mismos alienada, un "yo que ya no soy yo", la cabaña, el refugio, significaría el doble aislamiento que vivimos... porque las cosas dentro no suelen ser idílicas precisamente.

Esta reflexión no es gratuita. Pensemos en que la mayoría de películas que han tocado el tema tienen una constante, la existencia de un reducto asediado, solo hay que recordar, desde La noche de los muertos vivientes, pasando por Evil Dead, o Shaun of the Dead... pero siempre hay excepciones. Una, Zombieland. En ella, en lugar de recluirse, sus personajes recorren un caminos asolados por una plaga zombi, al tiempo que no saben muy bien como enfrentarse al mundo.

Zombieland es el nombre que reciben los Estados Unidos de boca de Columbus (Jesse Eisenberg), uno de sus protagonistas. Al principio de la cinta, cree que es el único ser humano vivo en el país. Un joven estudiante inadaptado que no sabía cual era su lugar en el mundo y que tras el apocalipsis zombi, cree que lo ha encontrado... porque no hay nadie que le pueda rechazar. Se dedica a sobrevivir, amparándose en una serie de reglas. En contra de lo que cree, no está solo se irá encontrando con otros seres, tan perdidos como él (Tallahase -Woody Harrelson-, Little Rock -Abigail Breslin-y Wichita -Emman Stone-). De ellos solo sabe el origen porque, como dice el personaje de Harrelson, así se evita el apego (y el dolor de la perdida).

De la película había leído mucho, en torno a que estaba en la línea de Zombies Party/Shaun of the Dead. Personalmente no creo que sea así, porque mientras la película británica, en el fondo, era fiel a todos los elementos del género, en esta caso más que una zombedy -como se ha dado en llamar-, estamos ante una comedia con zombis. Esto es porque, me parece que se mueve más en los parámetros de lo cómico que en el terror, de hecho gran parte de la historia funcionaría sin el elemento de terror, aunque este no creo que tenga gran peso.

La historia parte, fundamentalmente, de los personajes y su manera de enfrentarse a la vida. Son todos inadaptados, casi descastados antes incluso de que pasara nada y con grandes dificultades de encarar el mundo. Es interesante como cada uno de los protagonistas, en el fondo, están heridos. Y todo ello se empeora con la presencia de muertos vivientes. En este sentido es ejemplar una escena, en la que se nos cuenta como nuestro protagonista tiene verdaderos problemas para relacionarse... algo que en una situación así, solo puede ir a peor.

Fundamental es el trabajo actoral. Todos los actores está muy bien, pero creo que Harrelson está genial. Aparentemente, un paranoico, obsesionado con unos dulces, pero que encierra una historia detrás que le da sentido a esta obsesión -tremenda su escena en casa de Bill Murray-.

Ese es otro acierto de la historia. Al inicio, conocemos las reglas de Colombus. Estas le han permitido sobrellevar la situación, pero no resultan ser más una manera de enfrentarse al mundo y esto es algo que se repite con todos los personajes. Pero no olvidemos que es una comedia y por ello no quiero olvidarme de Bill Murray que aparece haciendo un cameo (largo) y que aparece en un segmento que me encantó.

Todavía no he dicho nada, pero también me pareció interesante la dirección de Richard Fleischer. La película cuenta con unos títulos de crédito brillantes y algunas escenas más que brillantes, como una en la que el grupo de protagonistas destroza una tienda de souvenirs con un estilo que parece sacado de La naranja mecánica. Igualmente destacaría. como dije al inicio, la manera en la que a diferencia de lo habitual es una película que transcurre en gran parte en espacio abierto, el que se suele evitar -muchas veces- en el género (aunque al final hay, algo así como, una cabaña).

Si tuviera que buscarle peros a la película... me dio la sensación en un momento dado, tras la presentación de los personajes, en el que parece que el guión cae en un punto un poco muerto, para -eso sí- terminar repuntando al final.

Pandorum.

noreply@blogger.com (tomas) — Tue, 13 Oct 2009 21:00:00 +0000

Es paradójico. Uno de los problemas fundamentales del cine de Hollywood hoy es que la mayoría de las veces se sabe como van a terminar las películas. Eso hace interesante plantearse qué sucedería si precisamente lo mejor de una película son la fase iniciales y, en contra de lo habitual, la final. Eso es, a grandes rasgos lo que sucede con Pandorum.

La película, dirigida por Christian Alvart, cuenta como una nave espacial es enviada al planeta Tanis en 2153 con el objetivo de colonizarlo y encontrar una esperanza para una raza humana que agoniza en la Tierra ante la falta de recursos naturales. A bordo de esta la tripulación duerme en un sueño forzado durante años, hasta que uno se despierta (Ben Foster) para descubrir que el viaje no ha ido tal y como estaba previsto.

La cinta ha llegado a las pantallas avalada por un enorme interés y lo cierto, es que una vez vista, deja una sensación un tanto agridulce. Cuenta con tres actos muy marcados. Durante el primero, que me gustó mucho parece que vamos a presenciar una historia de terror ambientada en una nave espacial, que se presenta casi más a modo de barco encantado -al modo de Horizonte final o Alien-.

Durante la segunda parte de la trama, esta da un giro, en lo que finalmente se revela como un simple (o no) mcguffin, pasando a convertirse en una cinta de acción, con reminiscencias de

Neil Marshall (The Descent). En este punto recordé a John Carpenter y como se manejaba en estas historias, en las que la referencia al western y a los héroes perseguidos por los indios es muy evidente, además creo que el veterano director le habría dado algo más de empaque a los seres con los que se encuentran los protagonistas, que parecen una mezcla entre los Fantasmas de Marte y el Predator.

Y esto nos lleva al final, que vendría a recuperar el tono del inicio. Eso da que pensar, que quizás lo mejor habría sido mantener la misma tónica durante todo el metraje, porque hay muchas cosas que quedan un poco pendientes. Quizás habría sido mejor dedicarle a todo el desarrollo menos tiempo y más a esta, en la que se plantean las verdaderas incógnitas de la historia.

Es esta debilidad del guión la que perjudica, terriblemente, al conjunto de la película.

Si destacaría la interpretación de Foster (que apunta a muy buen actor), que consigue sostener la película, la ambientación, muy oscuro y algunas referencias, fílmicas, como las ya mencionadas a las que cabría unir otras que irían desde Mad Max o Supernova hasta Matrix y religiosas, referidas al cielo, al infierno y al paraíso, que parecen intentar darle un giro más... trascendental a la película.

Pandorum parte de una idea buena, pero le dedica demasiado tiempo a la acción, algo que al final resulta bastante superfluo, dándole poco margen -precisamente- a lo que podría haber resultado más interesante para la trama, el terror y la sensación paranoide de no saber donde o cuando se vive.

Año uno (Year one).

noreply@blogger.com (tomas) — Mon, 12 Oct 2009 15:55:00 +0000

Como dije hace poco... Si, la he visto (...me he atrevido).

Año uno es la historia de dos cavernícolas que expulsados de su tribu, por comer el fruto del árbol del bien y del mal, comienzan un viaje en el que se encontraran con personajes bíblicos como Caín y Abel, para terminar en Sodoma.

A aquellos a los que les guste especialmente Jack Black la película y todo su catálogo de muecas, gestos y demás, les encantará. Yo, no me encuentro entre ellos, eché de menos un poco más de presencia de Michael Cera, que si me parece está muy bien. También me gustaron los secundarios, sobre todo Oliver Plat y Vinnie Jones.

Pese a que me parece que dista mucho de ser una comedia redonda -para mi, por la cantidad de tiempo que la cámara se fija en Black- si que hubo algo que me sorprendió. Una reflexión muy curiosa acerca de la existencia de Dios. Si, en una película del Hollywood actual, dirigida por Harold Ramis. Pero que nadie se alarme, no deja de ser una comedia y bastante facilona...

Videos empantallados: The last man on earth (1964).

noreply@blogger.com (tomas) — Sun, 11 Oct 2009 16:26:00 +0000

No estoy muy al tanto en el tema, así que no sé porque algunas películas pasan a ser de dominio público y otras no, pese a ser contemporáneas en el tiempo. Hoy, ya que es domingo y mañana es festivo dejo colgado, lo que para mi es, una pequeña joya: The last man on earth(1964). La primera adaptación de la novela de Richard Matheson, Soy leyenda, dirigida por Ubaldo Ragona y Sidney Salkow, protagonizada por el magnífico Vincent Price. La lástima es que no está en versión doblada ni con subtítulos.

La historia, creo, es bastante conocida. Tras un conflicto global los habitantes del planeta se convierten en una especia de vampiros. Huyen de la luz del sol, temen a las cruces y no soportan el ajo. ¿Dije todos? No, un científico que pasa sus días recordando a su familia y descubriendo como él es el monstruo para un nuevo mundo.

Con un presupuesto que se antoja limitado, aunque creo que se nota la influencia en películas posteriores como La noche de los muertos vivientes (1968), gran parte del peso de la historia recae en la interpretación de Price.

¿Más? Aquí la magnífica revisión de la película hecha por el Becario Lucifér.

Grandes momentos de la historia del cine: Fast food nation.

noreply@blogger.com (tomas) — Tue, 06 Oct 2009 19:12:00 +0000

En la línea -y casi a modo de reconocimiento- de uno de los vídeos seleccionados por mi compañero Dante -en especial este-, hoy el momento seleccionado es uno proveniente de Fast food nation (2006). Su director, Richard Linklater vendría a ser, en cierto modo, el "equivalente USA" de Michael Winterbottom. Un autor capaz de emplear el medio cinematográfico en cualquiera de sus variantes y capaz de desenvolverse en (casi) cualquier género con solvencia.

En Fast food nation nos habla del proceso de elaboración de la comida rápida y presentándose como un proceso mucho menos inocente de lo que pensamos cada vez que vamos a un restaurante de este tipo de comida, a través de varias historias paralelas: la del representante (Greg Kinnear) de una empresa que investiga ciertos residuos encontrados en la carne que utilizan, una pareja de mejicanos que cruzan la frontera y encuentran trabajo en una planta de procesado de carne... de todos los personajes, uno de los que más me gustó fue el interpretado por Kris Kristofferson. Un viejo ganadero, con una visión -aparentemente- anticuada del mundo...

Preview: The box.

noreply@blogger.com (tomas) — Sat, 03 Oct 2009 23:03:00 +0000

Si existe un director inclasificable en el Hollywood actual, ese es Richard Kelly. Donnie Darko o, la casi inédita, Southland Tales -a la que en Videodromo le dedican un magnífico monográfico- dan buena fe de ello. Su película más reciente es la adaptación de un relato de Richard Matheson: The box.

En la puerta de la casa donde vive una pareja, Cameron Diaz y James Marsden, alguien deja una caja. A la mañana siguiente, un desconocido (Frank Langella) les advierte. Si la abren, recibirán un millón de dólares, pero también de que alguien, en algún lugar del mundo, morirá.

El estreno, en USA el 6 de noviembre y por confirmar el resto, se presupone que en el resto del mundo será en torno a esos días.

Ya lo había leído en algún lado, y no sé si estarán de acuerdo, pero hasta en el trailer parece que no hay mucha claridad respecto a la historia. Como me decía un amigo, es como si los ejecutivos no supieran como venderla (¿ciencia ficción? ¿terror?). Además ¿qué sería de Kelly sin paradojas?
¿Qué les parece.?

Gamer.

noreply@blogger.com (tomas) — Tue, 29 Sep 2009 23:29:00 +0000

Vamos a ponernos en situación...

Cojamos a prota de 300, poniendo cara de espartano. Lo juntamos con Dexter, "regalando" algunos de los momentos más inclasificables que se han podido ver en la pantalla ultimamente -como verle cantar, y bailar, el I got you under my skin. A todo eso le damos un aire donde se mezclen Perseguido, Matrix, Los Sims y alguna que otra cosa que se me pueda escapar y lo que obtendremos es una película digna de un nuevo género, algo así como "Si, la he visto (...me he atrevido)". En esta podría encajar perfectamente Gamer.

El futuro próximo. Un joven magnate de los videojuegos ha creado la experiencia definitiva, en la que los jugadores no solo asumen un rol, sino que son capaces de controlar a seres humanos "de verdad". Uno de ellos, es un presidiario que intenta recuperar su libertad (y a su familia) en la versión más salvaje del juego.

Poco puedo decir de la película. Parte de una idea, cuando menos, curiosa. Eso de entrar en el cuerpo de otra persona y controlarlo no deja de ser llamativo. Además de que podría llevar a una serie de cuestiones curiosas sobre el yo y nuestra manera de actuar... pero que nadie se engañe. Eso no se va a ver en la película. Tras un inicio regular, aunque de un montaje -para mi- demasiado agitado, a los tres cuartos de hora la historia se agota. En el momento que termina la acción. Esta es lo más logrado que tiene, fundamentalmente porque es bastante sangrienta -o al menos en lo que suele ser para el cine taquillero- y es un aliciente.

¿Aparte de eso? Diría que nada, la historia deja caer cosas. No diría que cuenta, porque realmente no cuenta nada. Las cosas pasan, pero tampoco tenemos una gran explicación. Aunque cuando la tenemos, como al conocer la motivación del personaje de Michael C. Hall, la verdad que sería mejor ignorarla...

Preview: Paranormal Activity.

noreply@blogger.com (tomas) — Sun, 27 Sep 2009 22:49:00 +0000

Tengo, ahora mismo, la televisión puesta. Veo en el programa de Iker Jiménez que hablan de una película que parece será uno de los sleepers de la temporada, Paranormal activity. El director del Festival de Sitges, Angel Salas, habla de cinerrealidad, de lo poco que se sabe de su realizador (Oren Peli), así como del equipo de la película y de ciertas leyendas que circulan por internet acerca de si realmente es una película o suceso reales, o que si Peli existe o es un nombre tras el que se esconde un colectivo que ha filmado sucesos reales...

Por otro lado, ya había leído sobre esta película en la web de la revista Scifi World. Rodada hace dos años, sus derechos estaban en poder de la Dreamworks que tenía previsto un remake, que no se va a realizar.

Pese a lo que se puede leer, el director (aquí una entrevista en inglés para Shcok till you drop)... existe y si... es una película. La campaña de publicidad juega, como ya pasó con Rec, con las reacciones del público y con el aspecto documental de la película, significativo cuando contó con un presupuesto de once mil dólares. Y más llamativa es la fórmula usada para su estreno en USA (en España estará para el 27 de noviembre), bajo la fórmula "Demand it". La película salió este fin de semana en trece salas de los Estados Unidos y en la página de internet de la misma, los espectadores pueden solicitar que se estrene en su ciudad.

La trama gira en torno a una pareja que vive en una casa en la que empiezan a suceder cosas extrañas. Para saber que es lo que las origina, filman con cámaras de vídeo el interior de su hogar.

Videos empantallados: Fall to pieces.

noreply@blogger.com (tomas) — Sat, 26 Sep 2009 02:30:00 +0000

Pese a que los excesos han ido haciendo mella en su físico, no lo ha hecho en la voz de Scott Weiland. Formó parte del grupo Velvet revolver, en el que coincidió con Slash, Duff McKagan y Matt Sorum, antiguos miembros de Guns N' Roses.
Su primer, y quizás más conocido, éxito fue Fall to pieces. Su vídeo, dirigido por Kevin Kerslake me parece magnífico, bastante alejado de lo que es el canon actual y en donde música e historia van estrechamente unidas.

Videos empantallados: Whiskey in the jar.

noreply@blogger.com (tomas) — Mon, 21 Sep 2009 13:39:00 +0000

A muchos el nombre de Jonas Akerlund no les sonará demasiado. Otra cosa será si hablamos que ha dirigido vídeos para artistas como U2, Madonna, Lady Gaga o Metallica. De estos últimos, hoy traemos a este blog su adaptación de la canción tradicional irlandesa Whiskey in the jar (1999).

Distrito 9 (District 9).

noreply@blogger.com (tomas) — Mon, 21 Sep 2009 01:28:00 +0000

Un valor que, diría, en muchas ocasiones parece haber olvidado el cine, al menos ese que todos consumimos compulsivamente (y en masa) es de la metáfora. Me refiero a esa capacidad de hablarnos de nuestro mundo sin hacerlo, o al menos no directamente. Hacer que veamos nuestra realidad desde otra perspectiva y que ello nos empuje a reflexionar sobre la misma. Esto es muy poco habitual en el género de la ciencia ficción, donde las historias están muchas veces, poco o nada, conectadas con la realidad y más cercanas al entretenimiento más puro.

Más de una vez he tenido una discusión amistosa. He planteado que habría sido del género de no haberse rodado la saga Star Wars. Durante mucho tiempo la ciencia ficción vivía en la esfera de la serie B, pero a partir de los años sesenta, y coincidiendo con una serie de movimientos contraculturales, este comenzó a hacerse eco de las inquietudes del momento.

Pensemos en algunos títulos: La fuga de Logan, Naves silenciosas, El planeta de los simios, Hasta que el destino nos alcance, 2001. Una odisea del espacio... filmados en un margen de apenas diez años y todos, en el fondo, traducían preocupaciones como el racismo, la amenaza nuclear, el maltrato al medioambiente...

Pero con el estreno y éxito de la saga de George Lucas se produjo un nuevo giro, de manera que fueron las sagas galácticas la que comenzaron a captar la atención mayoritaría del público (aunque no hay que olvidar películas como Blade Runner, Código 46, 12 monos...). En estas el tema no iba más allá de la pantalla y eso (en mi opinión) hizo que el género se debilitara.

Ahora, Neill Blomkamp un director debutante ha revolucionado las salas. Nacido en Sudáfrica, con el apoyo en la producción de Peter Jackson -tras no poder filmar la adaptación del videojuego Halo- ha dirigido Distrito 9. Una mezcla entre ciencia ficción y denuncia social. En ella se nos plantea como hace veinte años llega a la Tierra, sobre Johanesburgo una nave espacial. Dentro más de un millón de alienigenas se hacinan, sin posibilidad de que esta se volver a su hogar. La solución, ubicarlos en un barrio, un getto, el Distrito 9. Tras dos décadas la situación es insostenible. Su presencia en la capital sudafricana no hace más que producir constantes disturbios y revueltas. De manera que se toma la solución de reubicarlos, más lejos de la ciudad.

Contaba el director que cuando escribió la primera versión de la película, tenía en mente la política segregacionista del apartheid que conoció en su niñez. En una relectura posterior, estuvo influenciado por un hecho -en cierto modo- más perverso. Ahora el racismo se daba entre miembros de la misma raza. Negros sudafricanos que atacaban a inmigrantes venidos de otros países africanos. En ambos casos, nos encontramos con temas de fondo similares: violencia, intolerancia, racismo... temas que ya estaban presentes en el corto de 2005, Alive in Joburg del mismo director.

Disturbios en Sudáfrica en 2008, en protesta contra la inmigración desde países vecinos.

Sin querer presentarse como real, Distrito 9 emplea durante gran parte de su metraje el lenguaje del un documental. En él se cuenta la historia de la presencia extraterrestres en el planeta, a partir de la de Wikus Van De Merwe, mezclando imágenes de informativos (peligrosamente cercanas a la realidad), testimonios... pasando de lo general, a lo concreto. Wikus es un gris burócrata, muy bien interpretado por Sharlto Copley en uno de los grandes descubrimientos de la película. También me gustó mucho el aspecto de los alienígenas. Su diseño no creo que sorprenda, pero cuenta con con algo tan simple como ojos que ayudan, y mucho, a dotarles de humanidad... la misma que durante gran parte de la cinta parecen no tener los humanos -atención a la escena en la que los protagonistas van al cuartel del MNU-.

En contra de la película... por decir algo, un momento, justo en el segundo acto en el que parece que la película parece que va a ser como un episodio de Más allá del límite con alguna moraleja facilona sobre la naturaleza humana... aunque por suerte no es así; y que quizás, hacia la parte final se abusa un poco de la acción. Pero si algo se puede decir de Distrito 9 es que se trata de una película inteligente. Donde todos los elementos están muy compensados, desde lo más dramático, pasando por momentos muy sangrientos, en los que ni siquiera la acción esconde la idea que se encierra detrás de ella, plantearse una serie de cuestiones sobre donde están los límites de lo que llamamos naturaleza "humana" (por ejemplo, ¿qué interesa al protagonista humano y al alienígena?) y, que al tiempo, conectan con una realidad sangrante.

Patrick Swayze.

noreply@blogger.com (tomas) — Wed, 16 Sep 2009 21:18:00 +0000

No es que fuera un actor que me encantara, pero creo que para la mayoría de nosotros, al menos los de una generación, Patrick Swayze fue una de esas imágenes icónicas de los ochenta. Por eso quería recordar uno de sus momentos más recordados (Ghost, 1990).

Videos empantallados: You belong with me vs Single ladies.

noreply@blogger.com (tomas) — Wed, 16 Sep 2009 18:25:00 +0000

Sin que me vuelvan loco, al menos no por como cantan, si quiero dejar hoy un par de vídeos. Todo, porque en la reciente entrega de premios organizada por la cadena MTV hubo una cierta polémica porque a la hora de entregar los premios al mejor videoclip, el cantante Kanye West salto al escenario para criticar que el ganador fuera el de la canción de Taylor Swift, en lugar de Beyoncé.

¿Alguien haciéndose publicidad?

No es que ninguno de ellos me parezca excepcional, pero puestos a comparar... me quedaría con el de esta última.

Ya me dirán qué les parece...

Taylor Swift, You belong with me.

Beyoncé, Single Ladies.

Aquí les dejó la reseña de la noticia y acá, los motivos (1 y 2) por los que se podría envidiar algo a West.

Top ten de cine zombi.

noreply@blogger.com (tomas) — Fri, 11 Sep 2009 15:45:00 +0000

La revista británica Bizarre publica un artículo con un top ten de películas de temática zombi. Pese a poder parecer poco original, y como me ha llamado la atención, lo reproduzco aquí. No es un ranking, se trata de una lista de cintas. Muchas serán conocidas, otras un poco menos y puede incluso que haya alguna que otra sorpresa...

Dawn of the Dead (1978).

Hablar de esta película es hacerlo de un clásico, no sólo del terror, sino del cine en general. Una crítica de Romero a la cultura consumista... con Hare Krishna incluido.

Dead snow (2009).
Estudiantes noruegos de vacaciones se encuentran con un grupo de zombis nazis, en una trama que parece más sacada del primer Raimi...

Zombi 2 (1979).
Al rebufo de Romero, desde tierras italianas llegaron una serie de películas en la que los zombis eran protagonistas. Entre ellas, esta Zombi 2 de Lucio Fulci, que incluía una bizarra lucha entre un tiburón y un muerto viviente.

Yo caminé con un zombi (1943).
Obra del artesano Jacques Tourneur, en ella una joven enfermera es enviada a las Antillas a cuidar de un esposa sospechosamente enferma.

Reanimator (1985).
Una versión de Lovecraft, cruzada por la historia del Doctor Frankstein dirigida por Stuart Gordon que nos dejó momentos inolvidables.

Versus (2000).
Esta no la conocía, una películas japonesa en la que se mezcla muertos revividos, yakuzas y artes marciales... puede dar mucho de sí.

Rec (2007).
De la película de Plaza y Balagueró poco o nada se puede decir que no se haya dicho ya. Una mezcla con el lenguaje documental que se convirtió en todo un éxito de público y crítica.

La plaga de los zombis (1966).
No podía quedarse atrás esta maravilla del cine británico, en un ambiente victoriano de la mano de la mítica productora Hammer.

White zombie (1932).
Para muchos la primera aparición de los zombis en el cine, en una película que contaba con la presencia del mítico Bela Lugosi.

Pontypool (2008).
Esta no la he visto, si he oído (en el podcast de Zomicz) que está muy bien, se trata de una película independiente canadiense de un presupuesto bajo, pero -al parecer- bastante interesante.

Vídeos empantallados: Black Eyed Dog (Nick Drake).

noreply@blogger.com (tomas) — Wed, 09 Sep 2009 21:42:00 +0000

Tras su fallecimiento, casi de inmediato, la figura de Heath Ledger se convirtió en un icono moderno, paralelo al de James Dean en su momento. Jóvenes, torturados y muertos repentinamente y en circunstancias dramáticas. Pero sería injusto no mencionar a otro artista, al cantante Nick Drake, por el que Ledger sentía una rendida admiración. Este era un cantautor británico, muerto por envenenamiento con antidepresivos, a los veintiséis años de edad.
Al parecer, Ledger era un enamorado de sus canciones, tristes y melancólicas. Fruto de esta pasión grabó un vídeo para una exposición sobre el cantante.
A veces, algunas coincidencias resultan estremecedoras...

Fuente: jenesaispop.com

Entrevista a Robert Kirkman (The Walking Dead).

noreply@blogger.com (tomas) — Tue, 08 Sep 2009 20:42:00 +0000

Muchos, entre los que me encuentro, se han sorprendido recientemente con el anuncio de que la cadena de televisión AMC va a convertir en serie el cómic The Walking Dead. Creado por Robert Kirkman, cuenta la historia de un grupo de supervivientes a un brote zombi que arrasa con la población. Pero ese no será el peor de sus males, muchos de los supervivientes que se encontraran les dejarán claro que la muerte (o los no muerto) no es lo peor que les puede suceder.
Más allá de lo tópica que puede parecer esta sinopsis, se trata de una obra más que recomendable que utiliza muchos elementos conocidos, pero desde una perspectiva dura, centrada en ocasiones más en el efecto que produce en la mente de una persona "normal" vivir en un mundo asi.

La serie estará producida por Frank Darabont, lo que -a priori- es una garantía y cuenta con la aprobación de Kirkman, que parece implicado y decidido a que esta sea fiel al espiritu de su obra. En la web Zomicz.com se recoge una entrevista al autor de Kentucky, que aqui recogemos, con sus impresiones sobre la adaptación...

(Enlace al original).
Los muertos caminan directo del comic hacia tu televisor cuando se confirmara el mes pasado que AMC está planeando la adaptación televisiva del comic The Walking Dead, escrito por Robert Kirkman con el creador de películas como The Shawshank Redemption, Frank Darabont como guionista y director.

Kirkman que hará el trabajo de Productor Ejecutivo (desconozco cuál es el trabajo de un productos ejecutivo) hablo un poco acerca del proyecto, de cómo Darabont se unió al proyecto y que pueden esperar los fans de la serie.

A continuación les traducimos la entrevista que publico CBR en su página de internet.

CBR: En el pasado se te pregunto acerca de una película de The Walking Dead y tú sugeriste que una serie de televisión funcionaria mejor. ¿Por qué la televisión ofrece una mejor plataforma para la serie?
ROBERT KIRKMAN: Solo así tiene sentido para mí. Lo que hace a The Walking Dead única e interesante es que es una película de zombis que no tiene fin. Hacer una película en base a eso? Es algo tonto. Toda la idea detrás del comic es que es una larga exploración de los personajes y sus situaciones y como ellos sobrellevan estos problemas tras un largo periodo de tiempo, las diferentes cosas que le suceden a los personajes y como les afectan y cambian sus caracteres. Se puede lograr eso en una serie de películas, pero no es lo ideal. No es común que la gente diga, “Oh comprare esto y que se comprometan a hacer 10 películas basadas en eso!” Así que la serie de TV tiene mucho más sentido para mí por todas estas razones.

Estoy muy feliz que TWD haya terminado en manos de AMC. Creo que es una cadena genial que tiene muchos programas buenos actualmente, pero más importante aún, tiene grandes planes para el futuro. Estoy súper contento que TWD sea ahora parte de ese futuro.

¿Crees que AMC pueda con los temas tan fuertes que se muestran en el comic, como otros canales como HBO o Showtime?
Creo que si. El lenguaje profano no es 100% parte del comic, si no podemos decir la palabra con F (fuck), no creo que la extrañaremos demasiado mientras no digan “frak” o algo ridículo como eso. Pero hubo un episodio reciente de Breaking Bad donde la cabeza cortada de un tipo fue puesta en la espalda de una tortuga. Tu podias verla totalmente y si era algo espeluznante. En cuanto a los contenidos permitidos, la verdad no me preocupa en absoluto.

¿Cómo se unió al proyecto Frank Darabont?
El estaba involucrado desde hace mucho tiempo cuando el show casi se hacía en NBC. Nunca hable mucho de ello en su momento porque estaba todo en el aire y no me gusta anunciar cosas que no puedan o no vayan a realizarse. “Oh, hay la posibilidad de que esto se haga”, luego no sucede. Así que no hicimos ningún anuncio publicó al respecto, pero se Frank subió a bordo e iba a escribir y dirigir el piloto en aquel entonces y pues nunca se llego a realizar. Aunque se mantuvo al margen diciendo “Hey, si esto se llega a hacer algún día, avísenme. Hagámoslo.” El ha estado trabajando en esto por un buen tiempo ya.

Conozco a Frank desde hace tiempo, le gusta el comic y ha leído cada uno de los números. Le hago un pequeño test de vez en cuando solo para ver si está al día. Le gusta el comic por lo que es, el no cree que sea un comic de acción, el no cree que sea una historia de gore y terror. Al trabajar con gente diferente de Hollywood que ha tratado de hacer el proyecto de TWD en el pasado, me he quedado en shock que tan fácil es no entender a The Walking Dead. Frank lo ha entendido. Creo que está en buenas manos.

¿Crees que haya algo que su filmografía que lo haga perfecto para The Walking Dead?
Ademas de The Shawshank Redemption y The Green Mile, y todo lo demás que ha hecho, creo que el mejor indicador para saber que hara un buen trabajo es su película mas reciente, The Mist. Mucha gente no se da cuenta que Frank es un tipo de generos, el escribió The Blob, escribió también A Nightmare on Elm Street 3. El comenzó haciendo películas de terror y es un gran fan del genero Scifi y terror. El va a los Comic con todos los años solo por diversión, aunque no esté en promoción con alguna película nueva. El vive y disfruta estas cosas. Si ves The Mist, verás que puede desarrollar los personajes (es un excelente guionista) pero The Mist es una gran muestra de que sabe cómo manejar el tema.

¿Qué tan involucrado estará Frank Darabont con la serie más allá del piloto?
Me sorprenderá si no termina representando a Rick! Así de involucrado quiere estar! [risas] no se cual será su rol, pero la idea es que después de que dirija el piloto, el no querrá irse y dejar a alguien mas continúe con el proyecto ya que le gusta mucho el material. Es muy pronto todavía, pero como yo lo entiendo, el será Rick y yo seré Shane y será algo más que una obra de dos.

¿Qué tan apegado estará la serie al comic?
Será 110% fiel, pero no sé si los personajes serán exactamente iguales y tampoco sé si cada uno de los personajes aparecerán en la serie, hay más de 45 personajes en el comic hasta ahora. Pero como dije aun es muy pronto. Bien podríamos tener a todos los personajes ahí, no lo sé en realidad. Sera extremadamente fiel, pero en lo personal, no quiero que sea igual cuadro a cuadro, panel por panel al comic. Creo que eso sería extremadamente aburrido para mí y para los que leen el comic.

En términos de la historia The Walking Dead es brutal a un nivel emocional, te has deshecho de muchos personajes que los lectores han llegado a querer, es casi injusto a veces. ¿Crees que eso sea algo fácil de plasmar en la televisión?
No lo sé, no trabajo en televisión. Parece que es factible, pero al mismo tiempo si consigas que un gran actor haga un personaje, no querrás matar a ese personaje muy pronto. Así que, no lo sé. Estoy seguro que habrá muchas muertes en esto, no se si será tan frecuentemente como en el comic, porque es brutal.

Al mismo tiempo se que hay muchas personas en Hollywood hacen series de televisión para hacer algo como The Walking Dead por seis o siete episodios sabiendo que van a morir! [risas] No sería un gran compromiso para estas gentes. Pero como dije antes, es muy pronto aun y no sé cómo será eso.

¿Qué tan involucrado vas o deseas estar en el proyecto?
Si pasa del piloto, estaré escribiendo episodios y viendo la trama principal de la serie. Estaré en eso mientras los comics me lo permitan. Si llega al punto en el que el comic baja de ritmo, dejare la serie en las manos capaces que esté trabajando en ella. Pero soy productor ejecutivo del show, así que puedo estar tan involucrado como quiera. Ahora mismo quiero estar muy involucrado, solo para estar seguro de que será tan fabuloso como creo que será.

Mi principal compromiso es con los comics. Quiero ser el primero en la historia que tenga una serie o película basada en su comic y que continúe publicando ininterrumpidamente su comic. Como fan, odio cuando dicen, “Oh es increíble, habrá una serie de televisión… y ahora el comic desaparece. Pero que carajos! Ya platique con Charlie Adlard al respecto y definitivamente queremos mantener la serie sin interrupciones. Así que esto es lo primero.

Ahora que se ha anunciado oficialmente, ¿Qué es lo que te emociona más de que The Walking Dead se convierta en serie de televisión?
El ver a Frank Darabont representando a Rick [risas] estoy emocionado por el reparto y estoy emocionado de poder ver el programa. Estoy emocionado por todo, pero es un poco extraño… mi papá me envió un correo diciendo, “Felicidades por el programa de tv.” Jamás pensé que recibiría un correo así de mi papá – es bizarro--. Todo esto es bastante irreal.

Videos empantallados: La teoría de la caja.

noreply@blogger.com (tomas) — Sun, 06 Sep 2009 00:31:00 +0000

Me falta poco para las vacaciones y a pesar de que tengo unas cuantas pelís por comentar, me he abandonado a la vagancia durante estos días. Sobreponiendome, cuelgo un vídeo que ya lleva tiempo rondando por ahí. "La teoría de la caja" de JJ Abrams, una idea que viene a ser lo mismo que el McGuffin de Hitchcock, la presencia de una excusa argumental que da pie a la trama, pero que en el fondo puede ser cualquier cosa... o nada.

Preview: La carretera (2).

noreply@blogger.com (tomas) — Fri, 04 Sep 2009 10:43:00 +0000

Leo en la página web de la revista SciFi World llegan varios clips de La carretera, la adaptación de la novela de Corman McCarthy que se estrena el próximo 13 de noviembre en España y que pasa por ser uno de los grandes estrenos de los próximos meses.

¿Más?
La crítica de Carlos Boyero desde Venecia.
Reseña del libro en Stalker.