E’ successo questo quando su Facebook ci siamo imbattuti in un video: 3D collages in layers of glass che racconta l’opera dell’artista Dustin Yellin.

Dallo scorso Marzo – e fino al 27 Agosto 2017 – il MoMu (Mode Museum) di Anversa ospita una “retrospettiva” tutta dedicata alla parentesi stilistica del designer belga nell’universo Hermès. L’esposizione nasce dalla necessità di raccontare, comprendere e rielaborare quel percorso incompreso. Essa è forse strettamente correlata anche al crescente interesse – di collezionisti e amanti della moda – per i pezzi d’archivio firmati Maison Martin Margiela.

Lo stilista di Genk, considerato membro onorario del collettivo The Antwerp Six, si forma alla Royal Academy of Fine Arts di Anversa e trascorre gli anni 80/90 a sperimentare e a costruire la sua reputazione di stilista visionario e avant-garde. Strappa, scuce, macchia, decostruisce e rovescia letteralmente la percezione di stile dando un tocco innovativo, bizzarro e seducente alla moda.

Nel 1998 Martin Margiela presenta la sua prima collezione A/I per Hermès. In passerella sfilarono abiti eleganti dai colori neutri in un’escalation di beige, cammello e grigio. Nessuna rivisitazione delle icone della Maison francese, né “una Birkin divisa in due”. Le aspettative furono ampiamente disattese.

La mostra raccoglie e rimette insieme alcuni capi per esplorare lo stilista nella sue duplice abilità.

Il bianco da un lato e l’arancio dall’altro sono i due specchi attraverso i quali, il MoMu e la curatrice Van Godtsenhoven vogliono presentare i due lati di una medaglia così diversi ma allo stesso tempo speculari. Sullo sfondo bianco l’archivio di MMM e su quello arancio la sofisticata eleganza di Hermès.

Una continuità narrativa e stilistica che emerge capo dopo capo e mette in luce quanto lo stesso uomo, la stessa mente nonché lo stesso stilista si sia approcciato a due prodotti opposti eseguendoli semplicemente in modo similare.

Infatti con la Maison omonima Margiela esplorava l’incompleto, trasformando quei dettagli imperfetti – come l’utilizzo improprio delle fodere o le elaborate decostruizioni – nella sua firma distintiva. Con Hermès, invece, si affidò alla maestria artigianale dell’Atelier che rendeva quegli stessi dettagli invisibili.

Comodità e stile. Soluzioni funzionali ed eleganza. Come “Vareuse” il maglione double-face –  della collazione pret-a-porter AW 98 di Hermès – con un profondo scollo a V che consentiva di sfilare il capo dalle spalle e annodarlo in vita senza sfilarlo dalla testa e rischiare di intaccare un’acconciatura perfetta.

Attraverso capi d’archivio, interi outfit, video e fotografie – il MoMu mostra il genio di Margiela mettendo in risalto la costruzione degli indumenti e i mille modi in cui possono essere indossati. Ne evidenzia il profilo umano, l’appassionata ricerca di stile e la cura per la donna e i suoi bisogni in fatto di abbigliamento. “Margiela: The Hermès Years” è il modo perfetto per riconsiderare in maniera oggettiva il lavoro svolto dallo stilista Belga tra il 1997 e il 2003 per Hermès ed entrare in contatto con uno degli stilisti più rivoluzionari del suo tempo.

Enquire consiglia a chi si trova nei dintorni di Anversa di cogliere l’occasione per visitare l’esposizione presso il Mode Museum e, a tutti gli altri curiosi, di dare un occhio al sito Byronesque.com dove potreste trovare il pezzo d’archivio che manca dal vostro guardaroba.

Sono serviti due anni per progettare questa mostra nel tempio Inglese dell’arte contemporanea disegnato da David Chipperfield. Oltre 100 oggetti esposti in comunicazione tra loro, “corpi” disobbedienti che litigano, discutono, si divertono e mostrano come l’arte comunichi naturalmente con la moda.

Il forte desiderio di Anderson di condividere la sua profonda passione per l’arte moderna e contemporanea – nonché il desiderio della Galleria di avviare una collaborazione multidisciplinare – ha fatto si che “Disobedient Bodies” prendesse vita e ottenesse entusiastiche recensioni.

In molti hanno tracciato il percorso di questo binomio creativo: Dries Van Noten con la mostra “Inspiration” e il museo Salvatore Ferragamo con “Tra Arte e Moda” – per citarne alcuni. Secondo Anderson questa è l’occasione perfetta per analizzare la percezione del corpo umano nel corso degli ultimi due secoli secondo artisti, artigiani e stilisti. Il momento giusto di esplorare la forma umana nell’arte e affrontare il discusso tema del “genere”.

Il percorso prende vita in maniera spontanea e così “Reclining Figure” di Harry Moore, una scultura in legno del 1936, comunica con il “Cone Dress” di Jean Paul Gaultier – noto ai più per essere stato indossato da Madonna. Un abito imbottito firmato da Rei Kawakubo giace ai piedi di un’opera di Brancusi e il “Column Dress” in chiffon nero con corsetto in rame di Yves Saint Laurent è situato di fronte alla scultura astratta “Perforated Torso” di Maria Bartuszova.

Molto di tutto ciò che appariva radicalmente innovativo all’epoca appare classico oggi e, con il senno di poi, è interessante osservare ciò che è diventato iconografico con una percezione attuale.

Anderson sprona il visitatore a mettere due pezzi a confronto ed osservarli in una nuova luce, costringe l’osservatore ad una reazione visiva ed immediata portandolo ad una personale interpretazione dei pezzi in conversazione tra di loro, per questo non ci sono didascalie ma solo un testo introduttivo all’inizio della mostra.

La riflessione di Anderson spazia tra i generi e le tematiche, unisce ed ascolta, comunica e s’interroga sul nuovo sentimento moderno che mira ad isolare invece di coinvolgere. Da sempre creatività segue l’impulsivo istinto umano di unire e non di dividere così come l’arte fa con la moda e viceversa.

Per coloro che si trovano nel Regno Unito o programmano di andarci, “Disobedient Bodies” rimarrà aperta fino al 18 Giugno. A detta di Vogue e Vanity Fair “non ci sono scuse per perdere questo progetto di ri-contestualizzazione artistica che trascende dal fascino della passerella”.

“Tra Arte e Moda” – ospitata in Palazzo Spini Feroni – raccoglie negli spazi del museo, fondamenta sulle quali nascono l’elegante negozio e una parte del Headquarter della Maison Fiorentina, una successione di accessori e di capi d’abbigliamento affiancati da dipinti, fotografie e litografie dai quali prendono deliberatamente ispirazione.

Con la forte volontà di evidenziare le caratteristiche che accomunano le due discipline – quella artistica e quella stilistica – attraversiamo varie epoche messe a confronto: dai Preraffaelliti al Futurismo, dal Surrealismo fino ad approdare al Radical Fashion.

La mostra racconta così l’evoluzione tra le due arti in un unicum visivo che traccia le corrispondenze tra di esse.

Partendo da un breve excursus che si concentra sul lavoro del calzolaio prodigioso – nel quale emergono le celebri zeppe Rainbow realizzate per Judy Garland, le Mirror dedicate a Carmen Miranda, il sandalo invisibile con fascette composte da fili di Nylon trasparente con un look evanescente e le Kimo ispirate al tradizionale abito Giapponese – si  susseguono, poi, correnti e stili diversi.

Emergono figure come: Rosa Gianoni – femminista, giornalista e celebre sarta – che creò un elegante manto da corte in velluto di seta ispirato agli affreschi gotici di Pisanello. Alexander McQueen con il suo abito in seta plissettata e jaquard fantasia del pittore Olandese Hyeronymus Bosch.

Mariano Fortuny – noto per la sua produzione tessile e il suo estro creativo – che nel 1907 diede vita a Delphos & Peplos, due abiti plissetati che ricordano il chitone greco e richiamano gli abiti preraffaelliti illustrati da uno dei pionieri del Liberty, Walter Crane.

Si passa dal toscano Thayat che creò la Bituata, un abito universale pensato per unificare le diverse classi sociali, all’Inglese Harry Gordon che, alcuni decenni più tardi, progetta il Paper Dress al simbolico costo di un solo pound.

Poi è la volta della stilista fiorentina Germana Marucelli che, in cerca d’innovazione nel periodo bellico, sviluppa collaborazioni con artisti del suo tempo e crea un sodalizio perfetto con Getulio Alviani, Paolo Scheggi e Pietro Zuffi con i quali studierà abiti in grado di interpretare perfettamente le esigenze della donna del tempo.

Intanto Schiaparelli collabora con Jean Cocteu mentre artisti come Balla creano il vestito antineutrale, un manifesti stilistico Futurista che vuole abolire le tinte e le foggie teutoniche in favore di colori illuminanti, dinamicità, asimmetria e comodità.

Più tardi Yves Saint Laurent realizza il celebre abito Mondrian, Mila Schön reinterpreta le “mobiles” di Alexander Calder e Issey Miyake attinge dal surrealismo di Joan Mirò per le sue giacche minimaliste.

Nel frattempo Elio Fiorucci si ispira al sintetismo della street art di Keith Haring e Andy Warhol si impone sulla scena mondiale con la sua visione consumistica e pop, realizzando illustrazioni di moda per i più importanti magazine del settore e posando, tra gli altri, davanti all’obiettivo di Christopher Makos per Altered Image.

In un girotondo a 360° torniamo infine alla moda contemporanea. Agli esponenti che rendono unica la moda oggi. Hussein Chalayan esplora la relazione tra natura, cultura e tecnologia nell’abito monumento in resina di vetro “Remote Control Dress”.  Nel 2010 Nick Cave realizza “Soundsuit” abiti visionari interamente creati con centrini, tessuti in maglia e paillettes.  Ultima, non per importanza, è l’opera “Food Faerie” di Yinka Shonibare: una serie di manichini in fibra di vetro con indosso abiti stampati a fantasia Batik che riflettono sul tema dell’identità raziale e del consumismo, mescolando il concetto di etnicità d’ ispirazione africana e le pose statiche di fragilità contrapposte alla supremazia occidentale.

“Tra Arte & Moda” delinea un percorso creativo complesso, sottolineandone il cadenzato susseguirsi e il fondamentale bisogno reciproco delle due discipline di sperimentarsi, di innovarsi e di osservarsi a vicenda.

Per la sua collezione Autunno Inverno 2017, Melitta parte da una riflessione sul recente documentario di Adam Curtis “HyperNormalisation” che mostra la differenza tra mondo reale e mondo irreale. Utilizzando come base proprio questo documentario, Melitta giunge alla conclusione che i designers devono essere “al servizio” dei loro clienti.

Le forme tipiche di Baumeister, scultoree e tridimensionali, entrano nel trend iniziato da Vêtements con spalle importanti, felpe e vite segnate.

L’ARTE DELLA CAPOEIRA
Flessuosità, leggerezza, potenza: questi sono i tre elementi fondamentali che contraddistinguono la Capoeira, antica arte marziale brasiliana le cui origini sprofondano nei secoli.
Intrisa di una forza magica, la Capoeira tramuta la lotta in danza rendendo l’interno corpo uno strumento.

AMICI-RIVALI
Gesti che sfidano senza perdere la grazia, giocatori che si fronteggiano senza mai sfiorarsi, virtuosismi acrobatici tra cielo e terra… Un inno alla libertà sullo scenario di un Brasile che alterna spiagge candide e foreste sterminate.

L’agilità diviene dote irrinunciabile, punto di forza di un duello privo di armi che si ispira alle movenze ferine di difesa e attacco.

UN COSTANTE ESERCIZIO
È nelle gambe che si concentra la forza massima. Alla base, un allenamento quotidiano per rassodare i muscoli e una squisita abilità nel padroneggiare la “ginga”, matrice ed esito di tutti i movimenti.

BRAZILIFICATION DEL CORPO
Il corpo si scolpisce per generare energia, ma catapultarsi nella “roda” richiede un’autentica attitude artistica.

EQUILIBRIUM
L’equilibrio è una costante: dona ritmo alla lotta, concrete basi alla coordinazione e origina lo swing, un mix perfettamente calibrato di creatività, tensione e movimento.

“Svuota la tua mente. Sii senza forma. Senza limiti…”

ALLA RICERCA DELLA LIBERTÀ
L’oceano. Le onde che, con il loro andirivieni, cadenzano i giorni e le stagioni. Gli spazi immensi di quel mare che un tempo ha unito la terra carioca e l’Africa, con i suoi rituali. Proprio come l’ acqua il capoeirista fa della gestualità poesia, fonde lo spirito al suo involucro esterno in un fluire inarrestabile di evoluzioni.

Credits:
Photographer: Andre Costa
Creative Director: Pier Fioraso
Editor: Silvia Ragni
Fashion Assistant: Elaine Fioraso
Models: Alex Calado, Gil Tatzu
Location: Boa Viagem, Recife – Brazil

Per la collezione completa ed altre proposte: www.emiliocavallini.com

Il secondo appuntamento con Reverso vedrà protagonisti Alexander Robotnick, alfiere della disco anni 80, i chiaccheratissimi Tiger & Woods dall’identità celata famosi in tutto il mondo, uno dei massimi esponenti della disco italiana moderna Fabrizio Mammarella e Dj Mozart di Jestofunk, memorabile resident della Baia degli Angeli. E poi l’icona dell’italo disco Fred Ventura, il talentuoso Uabos, il label manager della GetWet Robotalco e Rollo//Dexx.

Ma Reverso non è solo musica: infatti ci saranno workshop, conferenze, una mostra fotografica, Spaghetti Disco, curata da Lorenzo Cibrario e interamente dedicata all’Italo Disco e al mondo delle discoteche italiane tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli ’80, ed una proiezione “Facce di Festa” a cura di Studio Azzurro.

Tutto questo sarà accompagnato da bevande e piatti a tema ispirati al periodo degli anni 80 italiani.

Non resta che segnarvi in agenda l’11 marzo c/o Santeria Social Club. L’ingresso è anche gratuito.
Cosa volete di più?
Se volete maggiori informazioni potete andare qui https://bit.ly/reverso_festival

E’ la storia di una ragazza parigina che si innamora di uno zingaro. Prova a diventare una gitana ad assumerne lo stile ma senza successo. E’ la storia di un amore impossibile.

Una collezione più oscura rispetto all’estate scorsa ma ne continua il filo dal punto di vista estetico. Le linee e i volumi che, dall’estate 2017, Jacquemus ha iniziato a creare si ritrovano anche qui. Spalle ampie, blazer sartoriali avvitati, pantaloni con rouche e cappotti a clessidra.

Nel contempo, si sente odore di Spagna nei i cappelli  da matador, un rimando a Picasso e al surrealismo e si percepisce un rimando a diverse epoche come gli strutturati anni ’40 e gli anni ’20 con gli abiti scivolati e la vita bassa.

I codici della strada, i cappucci, le coulisse, i dettagli, tutto ci rimanda alla strada ma con un occhio un pò più barocco rispetto al solito.

Denim, pelle e maglieria basica sono affiancati a tessuti ricchi di lurex a velluti e seta.

Naturalmente la sovrapposizione continua e il gioco di volumi sono i padroni indiscussi.

Wunderkind ci propone dei ” look che divengono quasi una corazza intimista e personale”.

Un mix libero che unisce diversi riferimenti, grunge, militare, sartoriale, femminile, metropolitano.

Anche nella sua visione del prossimo inverno vediamo una tendenza imperante portata alla ribalta da Demna Gvasalia, da Jacquemus e da molti altri designers, le spalle over. Una reminiscenza anni’80 che si mescola alla silhouette over delle giacche. Una forma a triangolo prettamente forte e maschile che comunica uno spirito combattivo e determinato.

Le forme morbide e ricurve si ritrovano nelle gonne, nella forma extra lunga delle maniche sagomate, nelle stampe interne usate come fodere dei capi spalla.

Anche l’influenza della cultura giapponese si ritrova in molti dei capi presentati. Dalla stampa interna dei cappotti ai top incrociati, gli accessori e i capi imbottiti.

Marques ‘ Almeida continua la sperimentazione con le proporzioni e coi volumi e si rifà, per la stagione Autunno Inverno 2017, al lavoro del fotografo Malick Sidibé.

Sia nel lavoro di Sidibé che nel lavoro del brand, si ritrova un senso forte di inclusione e di accettazione della diversità che ritrova direttamente in passerella dove le modelle sono persone comuni con differenti fisicità.

Colori sfavillanti e capi sartoriali totalmente rivisitati diventano, assieme ai capi in shearling, gli elementi distintivi di un brand in continua ascesa.

Rispetto al passato compagno capi drappeggiati in seta o in velluto, spalle over definite che ci riportano a quegli anni ’80 a cui molti ultimamente fanno riferimento.

La designer Natasa Cagalj gioca con i volumi e con le forme intervenendo in modo drastico su abiti, trench e camicie. Tagli e spostamenti, il capo tradizionale si trasforma. Maniche che scompaiono da una parte e ricompaiono dall’altra.

La sua collezione Autunno Inverno 2017 diventa un momento di sperimentazione in cui ripercorrere la storia del Denim durante questi ultimi 30 anni grazie anche a “reperti” che la designer ha raccolto in giro per il mondo e che sono stati mostrati durante la presentazione di ieri.

Una collezione che esalta al massimo la sapienza di Thom Browne con i tessuti, gioca con loro come un bambino ingegnoso. Sfodera la maestria con cui lavora l’imbottito, eredità del suo passato in Moncler.

Costruzione e perfezione nei volumi con un filo sottile di ironia carnevalesca.

Il maschile è nelle linee pulite e sartoriali, nelle stampe dei tessuti, nei completi, in ogni dettaglio.

Patchwork e rombi in ogni dove, come se si volesse mescolare la tipica stampa maschile con i motivi dell’Arlecchino, anche i colori forti utilizzati per alcuni look lo suggeriscono.

Anche per Eckhaus Latta la moda diventa momento impegnato sotto il profilo politico ma in modo più positivo.

Rispetto al “protest wear” adottato dagli altri designer, nella lotta contro il trumpismo, Eckhaus Latta ricoprono la passerella di tonalità accese e stampe floreali.

La collezione autunno inverno 2017 presentata durante la fashion week di New York presenta una palette calda e linee sinuose. Pantaloni e maniche a campana, volumi ampi, sovrapposizioni e – contemporaneamente – dettagli iper femminili che esaltano la figura.

Non passano inosservate, infatti, le frasi scritte su cappelli, felpe e t-shirts: “We Need Leaders” e “Make America New York” riprendono i moniti elettorali di Trump.