Il lavoro di Pia Interlandi infatti ruota attorno al binomio moda/morte. Nessuno in passato ha mai osato tanto, anche perché, diciamolo, non è certamente un parallelismo immediato quello fra la moda e un qualcosa di macabro e temuto come la morte.

La giovane designer canadese ha mostrato un forte interesse per tale funesto evento sin da quando era una semplice studentessa, dedicandogli poi l’intera tesi del dottorato di ricerca al Melbourne RMIT Institute ed intitolandola “Garments For the Grave” (letteralmente “Indumenti per la sepoltura”).Documentandosi presso istituti medici e patologi forensi veri e propri, la designer ha sviluppato un’interessante filosofia, la cui idea di fondo prevede che ogni abito che indossiamo debba adattarsi perfettamente al nostro corpo e alle nostre esigenze.

In moltissime culture infatti, quando un corpo viene preparato per la cerimonia di sepoltura/cremazione, è rivestito da un abito che sia nel senso più fisico che simbolico, andrà a fondersi con le membra del defunto, pronto così per ritornare tra le braccia della natura. “Cosa indosserai? Chi ti vestirà? Cosa ti lascerai alle spalle ?”

Sono queste le domande sui cui ruota la collezione della designer, che lascia la più totale libertà al cliente di customizzare l’abito in tutte le sue sfaccettature: taglio, forma, dimensione, cuciture e ricami. Proprio perché l’indumento assume una funzione tanto importante da essere l’unico accompagnatore dell’ultimo viaggio, deve essere quanto più simile a noi per carattere ed aspetto.

Il lavoro di Pia ha attirato l’attenzione della stampa: infatti, a breve sarà il soggetto di un documentario per il canale americano ABC. Il film esplorerà l’idea di cos’è la nostra anima, dove va dopo la morte.Per l’occasione Pia cerca alcuni volontari, pronti a cimentarsi nel pensiero del loro abito di sepoltura.

Volete partecipare? Scrivete a souldocumentary@gmail.com.
Sicuri che la morte faccia ancora paura?

Autori: Andrea Campanella, Sergio Ponchione.

Casa Editrice: Cut-up.

La città della Spezia è conosciuta come Porta di Sion. Alla fine della seconda guerra mondiale il Golfo della Spezia divenne infatti la base di partenza degli scampati ai lager nazisti, che ora guardavano al mare con la speranza di lasciarsi alle spalle l’Europa degli orrori e di raggiungere la Terra promessa.

Verso la Terra Promessa (La Spezia Porta di Sion), realizzato per il Premio Exodus 2011, racconta, sotto forma di fumetto, la concitazione che si viveva nella città di La Spezia nel maggio del 1946. Al porto della Spezia erano pronte a partire due imbarcazioni, la Fede di Savona e il motoveliero Fenice, che avrebbero condotto 1014 profughi ebrei nella loro “terra promessa”, Israele.

Tutto era pronto, ma alcune navi inglesi bloccarono l’uscita dal porto delle due imbarcazioni venendo a creare così una situazione di crisi internazionale. I profughi a bordo della nave dichiararono lo sciopero della fame e riuscirono così ad attirare l’attenzione delle maggiori autorità inglesi (autorizzate a controllare l’afflusso in Palestina) che cedettero alle volontà dei profughi.

Questa breve ma significativa graphic novel, scritta da Andrea Campanella e disegnata da Sergio Ponchione, riesce nell’intento di mostrare tutta la solidarietà e l’accoglienza della comunità e delle autorità spezzine che nel corso di quegli anni accolsero migliaia di quei profughi ebrei scampati ai lager nazisti e in attesa di raggiungere via mare una terra che, quasi per antitesi, negli anni che verranno, ospiterà il sanguinoso conflitto arabo-israeliano.

Il sito www.cut-up.it

Never Hide Noise. An History of Rock’n Roll  raccoglie trenta scatti di fotografi famosi, da Don Hunstein a Daniel Kramer, celebrativi del brand e del suo significato intramontabile. Lou Reed indossa un paio di Ray-Ban sulla copertina del 45 giri di Walk on The Wild Side del 1972. Lo stesso fa Bob Dylan, tenendone un paio in mano sulla copertina di Hightway 61 Revisited. Dai Wayfarer indossati dai The Blues Brothers, agli Aviator di Jim Morrison.
Non si tratta di pura estetica. Si tratta di stile, phatos, espressione. Quando un oggetto poteva ancora rappresentare simbolicamente un modo di vivere, genio e sregolatezza.

La mostra è organizzata da Luxottica, in collaborazione con XL di Repubblica.

Per chi si aspettava un ritorno sulla scia de I Moralisti, questo 100 giorni da oggi sarà risultato sicuramente spiazzante. Abbandonato quasi del tutto l’approccio cantautorale, vi siete spostati verso un frullato di suoni più freschi, giovani e azzardiamo, al passo con i tempi. Sicuramente avrà un grande impatto sui vostri ascoltatori più giovani. Credi tuttavia siano più quelli che vi hanno salutato (allontanandosi dalla vostra musica) o quelli che si sono avvicinati a voi?
È impossibile prevedere a chi piacerà un disco e perché. Non ci siamo mai posti verso la musica in quest’ottica e mai come oggi suoniamo per divertirci ed appagare la nostra curiosità. Credo di avere sempre sognato di essere immediato e accessibile per tutti, ma ciò credo capiti solo ai veri geni del pop e non è mai frutto di una serie di regolette. Col tempo però ci si conosce meglio e credo che questo disco sia il piú accessibile semplicemente perché è quello con meno pippe.
Alessandro, ci parli di come è nato il nuovo disco, dei suoi personaggi ed eventuali influenze?
Le influenze sono tante, ma mai troppe. Si va dalla new wave, alla disco, dall’afrobeat al dream pop. Mi stupisce che qualcuno parli di disco “con troppe influenze”, come se la creatività dovesse essere recintata entro determinati limiti. Anche questa mi sembra solo una grande pippa, il nostro disco non è piú eclettico – anzi! – di centinaia di cose uscite all’estero in questi anni. Forse in Italia si è restii a tentare determinati abbinamenti e ci si affeziona un po’ troppo al suono delle band, sino a farne quasi un feticcio fa difendere. Ogni ascoltatore è il benvenuto per noi, purché abbia la giusta spensieratezza nell’ascoltare delle canzoni di tre minuti.

Oltre alla musica, è evidente un cambiamento nel look. Da fuori sembrerebbe quasi una forzatura questa nuova immagine da hipster del XXI secolo. Eravamo abituati ad abbigliamenti come giacca e cravatta, vedervi in “skinny jeans” e maglietta fa quasi uno strano effetto. A cosa è dovuta questa trasformazione, da quasi-dandy a “new hipster”?
Sinceramente mi lascia piú perplesso la rincorsa sistematica ad appiccicare un’etichetta ad una band basandosi su impressioni superficiali, su una foto o su venti secondi di un video. Tu hai mai cambiato parrucchiere? Hai mai provato nuove posizioni con la tua ragazza/o? Hai provato la cucina di un altro paese magari diventandone dipendente? Se si, non penso tu abbia perso tempo a giustificarlo! Siamo artisti e ci piace giocare, anche con le estetiche. E stirare le camicie ogni tre giorni alla lunga è uno sbattone. Meglio le t-shirt, no?
Per la promozione di 100 giorni da oggi, avete fatto affidamento a Tumblr. La tecnologia ha in qualche modo influenzato il vostro ultimo lavoro? E che rapporto avete con essa?
Lo stesso che hanno piú o meno tutti, un rapporto basato sulla scarsa competenza e la praticità. Tumblr ti permette di condividere immagini, ossia idee, con persone di tutto il mondo, evitando di doverti sorbire gallerie di autoscatti, tonnellate di commenti inutili e troppi fronzoli virtuali. Noi che abbiamo sempre abusato di fonti e spiegazioni ci siamo da subito innamorati di questo modo, fra i tanti, di divulgare quello che vogliamo dire, uno sforzo che non sempre si esaurisce con la musica, e oggi non ha bisogno di troppe parole attorno.
Se non sbaglio tu Alessandro vivi a Milano. Essendo anche tu un artista, cosa ne pensi della questione Macao. Pare tu non sia molto d’accordo con l’approccio rigorosamente ANTI- avuto dai rappresentanti di questo collettivo. Cosa ne pensi della situazione che si è venuta a creare? E che futuro vedi, artisticamente parlando, per il nostro paese?
L’esperienza Macao dal punto di vista degli occupanti mi ha deluso profondamente. Per la dialettica ammuffita, il linguaggio buonista e nebuloso, l’oltranzismo nel preferire l’aura poetica da duri e puri al dialogo (e all’adeguamento alle regole democratiche, visto che non si vive di soli slogan) con una giunta mai così disponibile e dialogante. Mi ha invece colpito e rincuorato la mobilitazione cittadina, come ha scritto qualcuno su un forum, “non quella di chi ha usato Macao per fare passerelle di vario tipo (da quelle politiche a quelle musicali), ma quella di chi ci ha creduto e ha offerto del tempo, gratuitamente, e delle idee. Magari finendo a zappare la terra in giardino, perché i tavoli d’architettura erano già occupati dai soliti noti”.

Curiosità: la copertina di 100 giorni da oggi. Perché proprio quell’immagine, e che significato si cela dietro di essa?

È uno dei tanti misteri celati nella mente di Sterven Jonger, il vero guru della nostra svolta comunicativa. Per noi è un pugno in faccia alla realtà, fatto di colore e bizzarria e non di violenza fine a sé stessa.

Diane Pernet con il suo A Shaded View on Fashion Film ha anticipato tutti attraverso un’operazione ambiziosa, ma ricchissima: non solo di artisti, video makers, attori ma anche di marchi tutti riuniti sotto l’occhio tecnologico della videocamera. Diane è sempre alla continua ricerca di nuovi spunti e spinge al limite il lavoro sul fashion film.
Il Destino è il tema per il video contest lanciato recentemente da Diane durante la sua visita alla NABA di Milano, un progetto parallelo alla prossima edizione del festival. Dal 22 al 24 giugno infatti Diane tornerà a Milano per selezionare i migliori video del contest.

Dai cortometraggi home made alle produzioni colossali, il panorama offre davvero di tutto.
Il blog Ravished by Illusions è un esempio di tutto questo. Uno spazio sul web nato per raccogliere proprio tutti i video legati alla moda e all’estetica contemporanea mixando musica, atmosfere ad abiti con più sciolta disinvoltura.

E adesso? Al momento due sono i nomi che più attirano l’attenzione.
Parliamo di Cartier con il suo (quasi) film L’Odyssée de Cartier, produzione durata quasi due anni a metà strada tra film e computer grafica che racconta per sequenze d’immagini la lunghissima storia della maison che vanta 160 anni di onorata gioielleria. Un corto d’impatto che vanta ricostruzioni storiche tra la Russia degli Zar alla Parigi modena.

Ultimo in ordine di tempo è il video di Prada firmato Roman Polansky, intitolato A Therapy e presentato al Festival di Cannes appena iniziato. Protagonisti, Helena Bonham Carter e Ben Kingsley, paziente lei e psicologo lui. Il corto si svolge tutto in un’unica location, lo studio, mentre lo psicologo è intento in una seduta di terapia. Mentre la paziente racconta un sogno, lo psicologo viene ipnotizzato dalla pelliccia della donna tanto da sconnettersi dalla situazione attirato solo dal desiderio di toccare, e indossare, il morbido cappotto. Il marchio non viene sbattuto in faccia in modo grossolano, ma solo per caso tramite le scarpe che la donna abbandona a terra e dallo slogan finale “Prada suits everyone”.

Il video interessa i brand, sia italiani che stranieri, e appassiona gli utenti, soprattutto del web. Un media ricco di spunti e capace di veicolare mondi ed ispirazioni per appassionare ed impressionare, per raccontare e informare. Stay tuned!

Title: 100 giorni da oggi.

Year: May 15, 2012.

Where: Italia.

Shelf: Indie Rock, Alternative, Electro Pop.

Who?

Amor Fou, gioco di parole italo francese tra “amore folle ed amore passato”, è il nome della band milanese il cui frontman è Alessandro Raina, conosciuto per la collaborazione con i Giardini di Mirò.
Sebbene egli nasca come giornalista musicale, pare si sia innamorato talmente tanto della musica suonata da passare – con assoluta naturalezza – dalla parte del “recensito”, e rivelandosi così tra gli artisti più interessanti della scena musicale indipendente nostrana. Comincia infatti con i Giardini di Mirò, dedicandosi presto ad altri progetti, tra cui gli Amor Fou, formazione nata nel 2006 e sopravvissuta a diversi cambi. Il divario tra critica entusiasta ed un pubblico non sempre numeroso, anzi decisamente “meno del previsto”, come loro stessi affermano scherzandoci sopra (“forse perche ci vestivamo da becchini chic”), fa vivere agli Amor Fou momenti altalenanti. Così, ecco il twist nella formazione: Giuliano Dottori, Paolo Perego (Fiamma Fumana e Nuovi Orizzonti Artificiali) e Leziero Rescigno (La Crus) partecipano alla produzione del nuovo album, il cui titolo, 100 giorni da oggi, rispecchia proprio la quantità di tempo necessaria alla buona riuscita di un progetto, di qualsiasi natura esso sia. Titolo decisamente evocativo per il periodo socio-politico in cui la band decide di tornare a farsi riascoltare.

What?

Il nuovo album, uscito il 15 Maggio, ha delle linee musicali decisamente diverse dai primi due lavori, La stagione del Cannibale e I Moralisti (entrambi EMI), i cui i toni erano più malinconici e nostalgici, con le liriche incentrate sul tema amoroso dell’abbandono. 100 giorni da oggi è una bella finestra sul mondo. Finestra da cui guardano fuori quattro giovani della nostra epoca. Gli Amor Fou non si limitano a guardare restando impassibili, ma scavalcano questo “passaggio” perché vogliono vivere tutto, nonostante tutto. Cercano quindi il modo migliore di esistere in un periodo che è rappresentato dal grigiore e dal sangue, in un mondo “scosso” ed in fermento. Fermento che sembra aver colpito anche il loro stile, sfoderando così un nuovo sound, colmo di contaminazioni new wave, electropop, afro e dance. Non mancano, inoltre, omaggi più o meno evidenti a grandi autori italiani, da Graziani a Battisti, omaggiato in Le Guerre Umanitarie  che utilizza “Apro gli occhi e ti vedo” come incipit. Questo cambiamento di stile è decisamente una bella sfida. Trattare argomenti delicati come quelli che si possono ascoltare in Le Guerre Umanitarie, La Primavera Araba e Forse Italia, può essere rischioso, dato che il pericolo di cadere nell’ovvio è sempre dietro l’angolo. A maggior ragione se il linguaggio musicale utilizzato è ancora in fase di rodaggio, sia per il musicista che lo ha appena adottato, sia per l’ascoltatore, che pretende dal suo artista di riferimento una certa maestria al riguardo. Dopotutto, se c’è una grande verità, è che in qualsiasi posto del mondo ci si trovi, la musica – intesa come arte dei suoni – rimane l’unico linguaggio universale, così come i sentimenti contrastanti con i quali oggi i ragazzi di tutto il pianeta hanno giornalmente a che fare.

Ad un anno dall’uscita negli Stati uniti, arriva finalmente in Italia Another Earth, il debutto del regista Mike Cahill, opera capace di entusiasmare il Sundance Film Festival (con ben due premi, tra cui l’Alfred P. Sloan), grazie ad una trama che ruota attorno alla scoperta di un’altra Terra, abitata da nostri “doppi”.

La pellicola è incentrata sulla figura di Rhonda Williams, interpretata da Brit Marling (premio come miglior attrice al Sitges Film Festival e cosceneggiatrice del film) e John Burroughs, William Mapother (già visto in Lost nei panni del cattivo Dr. Ethan Rom, guarda caso anagramma di “Other Man”). I destini dei due si incrociano quando lei, studentessa di astrofisica al MIT (Massachusetts Institute of Technology), al ritorno da una festa, sporgendosi dal finestrino dell’auto per ammirare il pianeta gemello, prova un incidente che costa la vita alla moglie incinta di John e al loro figlio. Dopo quattro anni di carcere, Rhonda decide di placare il proprio senso di colpa avvicinando John e diventando la sua donna delle pulizie, tra menzogne ed espedienti che cadono nel momento in cui la studentessa vince un biglietto per poter visitare il pianeta clone, e da cui dipenderà il finale toccante del film.

La possibilità di raggiungere un mondo uguale al nostro, ma differente per quanto riguarda la sorte delle persone, diventa un pretesto per raccontare il bisogno vitale di porre rimedio ai propri errori, che l’uomo deve soddisfare per poter continuare a vivere serenamente.

Qui l’elemento fantascientifico è una parola sussurrata, non un effetto speciale. Viene così meno la pretenziosità a stelle e strisce, quella dello scopritore colombiano di nuovi mondi, per lasciar spazio ad una teoria che distrugge categorie come colone e colonizzatore, doppio e originale. D’altronde, se il cinema americano lotta da sempre con le minacce aliene, dove la non conoscenza dell’altro corrisponde puntualmente con una rivelazione malvagia, nel film di Cahill “il pianeta gemello” è l’incognita che non fa paura, perché niente potrà essere peggiore degli sbagli, talvolta irrimediabili, che l’essere umano ha commesso sulla Terra.

La colonna sonora è sicuramente tra le migliori di questi ultimi anni, con That Home dei Cinematic Orchestra usata per il trailer e le musiche della band americana Fall On Your Sword che commuovono durante tutto il film, in un crescendo di archi ed elementi elettronici.

Se volete incontrare anche voi il vostro “altro”, potete visitare il sito Meet Your Other You e ammirare l’idea che sta alla base di questa ottima pellicola indipendente che purtroppo, unica pecca al riguardo, ha una distribuzione molto limitata sul territorio nazionale.

La svolta avviene nel 2011 nella stessa città dove in primavera apre un altro showroom, The Garden Studio, una sorta di atelier/web-shop dove i giovani designer che non hanno ancora uno spazio apposito possono vendere le loro collezioni.

Dóri dimostra di essere “multi creativa”. Idea progetti su misura, allestisce vetrine e disegna costumi. S’ispira a persone e luoghi, il suo stile è minimale e confortevole, con una particolare attenzione nella scelta dei tessuti d’alta qualità come la seta.

La collezione primavera estate 2012 è costituita da linee morbide, femminili e con volumi molto ampi. Utilizzando la tecnica dell’acquerello riesce a creare una palette di colori che sfuma dolcemente. Si passa dal rosso all’azzurro a colori tenui, come il beige, che si mescolano naturalmente. Originale il taglio dei capi, le camicie sono tagliate sopra l’ombelico e salopette rivisitate in chiave estiva. Interessante anche il costo non eccessivo di ogni singolo pezzo, soprattutto considerata l’ottima qualità.

Per info e shopping on-line visitate il sito www.doritomcsanyi.com

La ragazzina è inquieta, trascorre molto tempo da sola, dipinge, scolpisce e scrive racconti, poesie ma soprattutto canzoni. Studia sassofono e presto con gli amici inizia a suonare in qualche gruppo. È il 1991 quando questa ventiduenne magrissima, quasi emaciata, con grandi occhi verdi, labbra carnose e capelli corvini esordisce con “Dress”. Il singolo è una folgorazione, la stampa inizia ad interessarsi a lei e, con la pubblicazione di “Dry”, eletto miglior album dell’anno, iniziano a fioccare le copertine, tra le quali quella di NME con la schiena nuda, particolare che solleva accuse di anti-femminismo.

La sua immagine è quella di ragazza semplice, senza un filo di trucco, in jeans, giubbotto di pelle, canottiera e Doc Martens, con i capelli raccolti, le ascelle non depilate e lo sguardo spaesato, un’immagine che riporta alla mente un vecchio scatto della pittrice Georgia O’Keefe. I suoi testi sono tutt’altra cosa. “Dry” è un pugno in faccia, a tal punto da venire definito la colonna sonora di un esaurimento nervoso. È una deriva frammentaria di urgenza carnale in cui si parla in modo diretto e crudo di sessualità, sangue, amore che consuma e lascia lividi.

Questa foga inquieta trova continuità nel successivo “Rid of me”. Polly Jean diventa P.J. I paragoni con altre riot girls si sprecano, in particolare quelli con Patti Smith e Lydia Lunch, che la cantante liquida come giornalismo pigro. La fanciulla del Dorset sta crescendo e, come ogni ragazza della sua età, è tempo per P.J. di sperimentare con la sua immagine. Il trucco diventa molto marcato, a volte sbavato, drammatico, i capelli da gorgone, indossa vestiti aderenti, tutina in lycra fucsia, pellicce ecologiche, soprabiti maculati, boa di piume.

Rifiuta ogni presunta influenza del teatro Kabuki, dell’estetica drag queen, per poi autodefinirsi “Joan Crawford in acido”, ricordando l’interpretazione dell’attrice in “Che fine ha fatto Baby Jane”. Il risultato dovrebbe essere una sorta di caricatura della perfetta casalinga anni ’50 sempre curata, con le scarpe col tacco alto e gli occhiali dalla montatura felina. A Spin dichiara: “Questa combinazione di essere elegante, divertente e rivoltante tutto allo stesso tempo che mi affascina. Veramente trovo che questo modo di portare il make-up, tutto sbavato, sia estremamente bello. Forse ho solo un senso della bellezza un po’ distorto”.

La rivista Mojo la definisce in modo centrato come l’improvvisata fusione tra Gloria Swanson, Diamanda Galas e Vampirella: lungo abito scarlatto, capelli simili a un nido di corvi, il trucco di chi sta per scendere nel sepolcro. È questo il frame che s’imprime nella mente di molti mentre P.J. canta. Erotismo drammatico, magnetico senso della fisicità, sangue, dolore e desiderio sono elementi che accomunano la Harvey alla poetica della fotografa Francesca Woodman e dell’artista francese Gina Pane, di cui fino all’ 8 luglio è possibile visitare la mostra antologica presso il MART di Rovereto.
Il 1995 è l’anno di “To bring you my love”, del blues viscerale, dell’incomunicabilità, di testi come “Ho giaciuto col diavolo, ho maledetto il buon Dio, rinunciato al Paradiso per portarti il mio amore”, ma è anche l’anno di un duetto che passerà alla storia. Polly incontra il suo alter ego maschile Mr Nick Cave con cui canta lo standard “Henry Lee”.

Durante la lavorazione del video, vestiti allo stesso modo, come due immagini speculari, immersi l’uno nell’altra, i due s’innamorano e per un periodo fanno coppia fissa, dando origine ad una sorta di carteggio musicale che avrà strascichi nei loro lavori successivi. Lei di lui dirà: La prima volta che ho ascoltato un suo disco avevo diciotto anni. Sono rimasta sconvolta dalle sue canzoni e non ho ascoltato altro per molto tempo. La sua musica aveva toccato alcune parti di me in modo così forte.

Se una sola immagine potesse rendere l’emozione di To bring you my love la candidata favorita sarebbe un vecchio scatto di Helmut Newton intitolato Pina Bausch coccodrillo, in cui le gambe della danzatrice sbucano dalle fauci dell’animale. P.J. matura e si libera degli orpelli: “Era solo una maschera per me, mi serviva a esorcizzare un momento molto difficile della mia vita. Ma era tutto falso, costruito. Adesso sono cambiata e sul palco mi sento me stessa, come quando vado a fare la spesa”.

La natura intima, ma raffinata, quasi eterea si manifesta con “Is this desire” in cui la cantante presta la voce a Catherine, Angelene, Leah ed alle altre figure femminili che popolano il disco. La conferma di un ormai stabile successo arriva con “Stories From The City, Stories From The Sea”, dodici canzoni scritte tra New York e il Dorset che restituiscono una Polly più solare.

Con “Uh uh her” del 2004 torna l’aggressività, il low-fi, il livore che lascia la ferita d’amore, ma non il look truce, l’unica scelta eccentrica è quella del completo bianco in pvc realizzato per lei dallo stilista Todd Lynn per il video di “This is love”. Il P.J. style è arrivato, negli anni, ad una formula abbastanza consolidata composta da top basici, minigonne, culottes, stivali col tacco, su cui a farla da padrone sono le esili gambe di Mrs Harvey, rese celebri da una sua immagine in slip e t-shirt nera su cui campeggiava la scritta “Lick my leg”.

Sin dall’esordio Maria Mochnacz contribuisce all’estetica dell’artista, ne cura i video e le copertine degli album e con cui Polly Jean vive un sodalizio quasi più spirituale che artistico, che ha visto l’entrata di una terza componente quando Annie Mochnacz, sorella di Maria, ha iniziato ad occuparsi del look della cantante. Se i lavori dei primi anni ben si sposano con una fotografia livida, in bianco e nero come quella di Eugenio Recuenco, Katia Chansheva e la sua arte femminile e sofferente, Ellen Rogers, Jacques Henri Lartigue, Emmet Gowin, Frank Horvat, Bill Brandt o Edouard Boubat, il matrimonio migliore per i suoi ultimi lavori è quello con l’arte classica e preraffaellita. In particolare con “The Lady of Shallot Looking at Lancelot” di John William Waterhouse e con “The white girl” di James Abbott Mcneil Whistler, ma anche con Schiele, Lucien Freud e il più contemporaneo “The murmur of the innocent” di Gottfried Heinwein.

Questa minuta donna del Dorset, umorale, istintiva, viscerale che ha scelto di basare tutta la propria vita sull’istinto, nel 2007, quarantenne, dà alle stampe “White Chalk”. Piano chitarra e voce, la magnetica P.J. canta il dolore di un amore finito, la solitudine, senza sovrastrutture, nuda, offrendo i suoi sentimenti a chiunque ascolti. L’estetica che accompagna l’album è quasi spiritistica e vede la donna eterea, simile ad un fantasma, in abiti ottocenteschi, edoardiani, austeri scelti con cura da Annie Mochnacz.

Polly è un’incarnazione terribile ed intensa che ricorda la figura di June Carter Cash e la poetica di Louise Borgeois. Parte della crescita di una persona è aprirsi al mondo, cosa da cui la Harvey è sempre rifuggita, ma con cui sceglie di fare i conti in “Let England Shake”. È un folk elettroacustico registrato in una chiesa, scarno che contiene struggenti brani sugli orrori delle guerre. A dare volto alle liriche e il visual di Seamus Murphy, a dare forma agli abiti è una grande fan di Polly, la stilista Ann Demeulemeester che la veste per l’ultimo tour con look, poetico, mistico, quasi ancestrale fatto di lunghi abiti in pelle, che ne esaltano la fragilità.

Nel tempo molte si sono ispirate a questa cantante che tanto crudamente ha cantato i suoi demoni, da Peaches a Marina and the Diamonds, passando per Karen O, Anna Calvi ed Alison Mosshart, ma nessuna di loro è riuscita a coglierne in pieno la complessità. Ha influenzato la musica, ma anche la moda di stilisti come Vena Cava, Jantine Van Peski, Cratures of the wind, Sara Bro Jorgensen, Alice Temperley, Gareth Pugh.

Polly Jean Harvey ha basato tutta la sua vita sull’istinto, dando vita ad un’immagine iconica ed allo stesso tempo aperta a più letture. Ha avuto un’epoca drammatica e teatrale in abiti kitsch e make up sfatto, è stata ninfa acquatica dal lungo vestito rosso in raso, è passata per una più gioiosa in cui vestiva con abito t-shirt delle Spice Girls, è stata spirito edoardiano fino a diventare the last living rose.

Ha detto “non sono più complessa di qualunque stereotipo, e ci sono parti di me destinate a rimanere completamente sconosciute” e nella penombra ha scelto di vivere ritirandosi nell’amata campagna inglese. Poco si sa della sua vita privata, è zia di quattro nipoti, frequenta una cerchia ristretta di amici, vive lontano dalla frenesia e dalla folla, ama la solitudine, è stata innamorata, ma a trapelare sono pochi nomi: Steve Albini, Nick Cave, Vincent Gallo, John Parish, che da quasi vent’anni ne è la spalla musicale.

Ha sempre cercato con attenzione le parole da usare, volendo rimanere una narratrice. Magra, minuta, con la bocca storta, i capelli ribelli, il viso irregolare e una somiglianza con una giovane Inez Van Lamsweerde, nessuno si azzarderebbe a definirla bella eppure gode di un incredibile fascino. È il magnetismo dell’inquietudine, della fragilità esposta come la dote principale e non come una cosa di cui sbarazzarsi. È la foga elegante che giace nel cuore di tutti noi.

Autori: Mark Long, Jim Demonakos, Nate Powel.

Casa Editrice: BAO Publishing.

“Alla fine non ricorderemo le parole dei nostri nemici,

ma il silenzio dei nostri amici“.

Martin Luther King

La storia degli Stati Uniti d’America come tutti ben sappiamo è fatta anche di pagine tristi. Storie di segregazione, di razzismo, di odio reciproco tra bianchi e neri. Pagine di storia macchiate dal sangue e dall’ostilità, pagine che sarebbe stato meglio non aver mai dovuto leggere.

Tratto da una storia vera, Il Silenzio dei Nostri Amici (edito nel nostro paese da BAO Publishing), è ambientato a Houston, Texas, alla fine degli anni sessanta, anni caldissimi per la lotta dei diritti civili e narra la storia, in parte autobiografica, di Mark Long (aiutato nella stesura del racconto da Jim Demonakos) figlio di John, un giornalista impegnato nel documentare le rivolte della comunità dei “bassifondi” di Houston.

Proprio durante una manifestazione, attaccato da alcuni studenti per il semplice fatto di essere “un bianco in mezzo a tanti neri”, John conosce Larry Thomas, un attivista di colore impegnato nella SNCC (comitato coordinatore non violento degli studenti al campus della TSU), che lo proteggerà dall’aggressione dei dimostranti. Dopo questo incontro verrà ad instaurasi un rapporto di grande amicizia tra i due che desterà non poche perplessità all’interno delle rispettive comunità.

Il racconto, illustrato dai disegni in bianco e nero di Nate Powell (già noto in Italia per Portami via), oltre a farci respirare il clima di tensione sociale di quel periodo storico, ruota attorno alla manifestazione sfociata in tragedia e in cui a perdere la vita sarà un poliziotto, con un processo che vedrà scagionati cinque studenti neri grazie alla testimonianza dello stesso John.

Il silenzio dei nostri amici è un racconto capace di far riflettere sulle ingiustizie che i neri d’America hanno subito e che tutt’ora, in alcuni casi, continuano a patire. Un racconto capace di lasciare il lettore con il cuore spezzato, quando nelle ultime pagine del libro viene annunciata la fine del “sogno”. Hanno sparato a King!.

Per maggiori informazioni www.baopublishing.it

Qual è l’idea dalla quale parte il progetto Infinite We Are?
Il progetto “Infinite We Are” prende ispirazione da ciò che accomuna tutti gli esseri umani: il semplice desiderio di vivere profondamente la vita, cercando però scopi individuali, e la profonda necessità dell’esplorazione di se stessi e della propria “comune” singolarità.

Perché scegliere come tema dominante il complesso stato di “infinità” dell’essere umano?
Per quanto infinitamente unici, tutti viviamo qui, adesso. Ognuno di noi si trova qui per la stessa ragione e, allo stesso tempo, ha uno scopo individuale. Il nostro spazio è immateriale, puramente energetico, senza massa o volume. Esplorando l’universo circostante e la filosofia introspettiva ho affrontato cambiamenti importanti ed è nato in me il desiderio di tradurre e modellare le mie riflessioni trasformandole in forme e materia. Parte così la necessità di sviluppare un progetto filosofico e stilistico.

I toni di colore sembrano appartenere ad un’ isola leggendaria. Trattandosi di astratto infinito, qual è il filo conduttore degli abiti maschili?
Ogni outfit è ispirato alle sfumature assunte dalla luna durante l’eclissi avvenuta il 26 giungo 2010; questo da vita ad una collezione composta da un’antologia di personaggi uniti da un profondo legame emozionale – caratterizzato dalla continua evoluzione.

Come nella collezione precedente, anche in questo caso i materiali sono naturali, vissuti – a tratti aspri – e i tagli sono elaborati ed eleganti. I tuoi abiti sono simili ad architetture ma rimane visibile il desiderio di renderli “facili da indossare”. È come se nella tua visione i trend contemporanei vadano di pari passo con la tua immaginazione visionaria. Quando il progetto artistico collide con quello stilistico? Qual è la connessione tra la ricerca stilistica, il concept e la comodità?
Desideravo che l’unione della complessità dei capi e della loro comodità trovasse un equilibrio personale, per questo ho scelto tessuti come cotone, lana, pelle e lino, affinchè confluissero in una collezione attenta alla funzionalità che non sacrificasse tagli complessi e drappeggi artificiosi. Gli strati di tessuto si appoggiano sulla figura, traducendo simbolicamente uno stile visionario e sintentizzandone l’immagine, che segue le forme e l’anima del suo indossatore, aumentando spessori e massa. I dettagli dei capi sono scolpiti e forgiati con tessuti naturali, le differenti tecniche di tintura e la meticosola lavorazione, arrichita di accessori, serve a conferire individualità – seppur diverse tra loro – ad un’ unica storia narrativa.

I tuoi uomini sembrano provenire dallo spazio, sono moderni ma mantengono un fascino retrò. Quali sono i pezzi che ne delineano lo stile?
Casacche e giacche dai tagli trasversali, pantaloni stile fantino e skinny neri sembrano outfit retrò-post-moderni e sono accompagnati da accessori visionari, come i cappelli simili a crateri vulcanici o le Moon Walks – una linea di scarpe ortopediche realizzate in collaborazione con la Ortho Baltic Footwear Company – con suole preformate con la Tecnolgia CAD e ispirate alle complesse personalità dei Moon Monks.

Chi è l’uomo ideale per indossare la collezione Infinite We Are?
I capi della collezione FW2013 sono simili a tuniche spaziali dalle superfici ruvide e rappresentano una figura dinamica, desiderosa di evoluzione e persa nello spazio. L’uomo “infinito” è pronto all’evoluzione, a trasformarsi e a mimetizzarsi nello spazio confinante.

Accennavi ad una ricerca introspettiva e a cambiamenti personali, come motivo scatenante di questa collezione mistica. È stato difficile dare un volto alla tua immaginazione?
Seppur difficile inizialmente, era forte il desiderio di poter dare un volto e una forma ad un’idea che avevo in mente. Trovare una connotazione allo stato d’infinità dell’uomo, traducendo il mio pensiero in forme scultoree ridefinite dalla mia personalità e dalle mie esperienze, è stato complesso ma profondamente intenso e appagante.

Se potessi descrivere la collezione Infinite We Are in poche parole? Direi che Infinite We Are è la storia di un’anima in cerca dell’infinito.

I monaci mascherati di Dainius Bendikas sono vestiti di luna per incontrare la moda, l’arte e l’universo introspettivo dell’essere umano. L’anatomia dell’uomo di Bendikas si trasforma, trasfigurando, in un ologramma dell’essere umano osservato dall’interno. Un viaggio stilistico oltre i confini della terra, dove lo stile incontra l’espressione forte e curiosa della creatività giovane. Complessa, nuova, essenziale.

What is the idea from which the project We Are Infinite starts?
The “Infinite We Are” project takes inspiration from what is common to all human beings: the simple desire to live life deeply, trying however individual goals and human needs of deeper exploration of themselves and their “common” singularity.

Why did you choose the dominant theme of the complex state of human infinity?
As infinitely unique, we all live here now. Each of us is here for the same reason, and on the other hand, all of us have an individual purpose. Our space is immaterial, pure energy without mass or volume. Exploring the surrounding universe and introspective philosophy I have faced major changes and was born in me the desire to translate and shape my thoughts turning them into shapes and materials. That’s how I felt the need to develop a philosophical and stylistic project.

The colour tones seem to belong to a legendary island. According to abstract infinity, what is the common line of these man’s clothes?
Each outfit was inspired by the shades of the moon during the eclipse happened on 2010 June 26; this gives life to a collection consisting of an anthology of characters united by a deep emotional bond – characterized by constant evolution.

As in the earlier collection, the materials are natural, lived – sometimes bitter – and cuts are elegant and elaborate. Your clothes are similar to architectures but the desire to make “comfortability” remains visible. It feels like your futuristic vision has to match with nowadays trends; when does the artist project collide to the fashion collection?
What is the connection between design research, concept and comfort? I wished that the union of complexity and of “comfortability” balanced itself. So I chose fabrics like cotton, wool, leather and linen, so that flow into a collection that features comfort but doesn’t sacrifice complex cuts and artful draping. The layers of tissue rely on the figure, a visionary style and translating symbolically sintetizing the image and follows the shape and soul of its wearer, increasing thickness and mass. The details of the garments are carved and shaped with natural fabrics, different techniques of dyeing and processing meticulous, enriched with accessories, used to give individuality – although different from each other – a unique narrative history.

Your men seem to come from space, are modern but maintain a retro charm. What are the pieces that define your style?
Coats and jackets with cross cuts, skinny trouser and jockey style pants seem to be create retro-post-modern outfits and accompanied by visionaries accessories, as hats similar to volcanic craters or the shoes: Moon Walks – a line of orthopedic shoes made in collaboration with Ortho Baltic Footwear Company – with molded soles with Teconolgia CAD and inspired by the complex personalities of Moon Monks.

Who is the ideal man to wear the We Are Infinite collection?
The pieces of the FW2013 collection are similar to space tunics with rough surfaces and represent a dynamic figure, eager to evolution and lost in space. The “infinite” man is ready to evolution, to change and blend into the neighboring space.

You pointed to an introspective and personal changes, as the reason for triggering the collection of mystical. It’s been hard to put a face to his imagination?
If while difficult initially, was the strong desire to give a face and a form to an idea I had in mind. Find a connotation of infinity to the state of man, translating my thoughts into sculptural forms redefined by my personality and my experience has been intense and complex but deeply satisfying.
If you could describe the We Are Infinite collection in a nutshell?
I would say that We Are Infinite is the story of a soul pursuing of infinity.

The masked monks by Dainius Bendikas are moon dressed to meet fashion, art and introspection of the human universe. The anatomy of the human by Bendikas is transformed, transfigured, in a hologram of a human being observed from the inside. A journey beyond the stylistic boundaries of the earth, where style meets the strong expression of the creative and curious young man. Complex, new, essential.

Nel 2010, dopo aver fissato a New York la sua base, lancia BROOD, un brand che si prefigge di operare un connubio tra couture e quotidianità. BROOD – alla sua terza stagione presso la Fashion Week della “grande mela2 – crea esclusivamente collezioni di abiti da sera, introducendo un’ innovazione di fondo nel concept e nella realizzazione. Gli evening dress di Sarkan Sarier vengono destrutturati, ripensati utilizzando le consolidate tecniche di lavorazione sartoriale applicandole a inconsueti materiali, come la seta trattata e prelavata.

Lo scopo è quello di dar vita ad abiti che facciano sentire una donna a proprio agio sia durante le occasioni speciali cosi come nella normale routine diurna, quando indossa jeans e t-shirt. L’approccio di BROOD alla sera è anticonvenzionale e disinvolto anche riguardo ai motivi che lo ispirano, non per niente, “musa” della collezione primavera estate 2012 è John Ninomiya, “pilota” specializzato nel cluster ballooning, modalità di volo in cui l’ individuo si libra nell’aria appeso ad un cospicuo numero di palloncini gonfiati ad elio.

Il richiamo ai connotati dello sportswear, d’altronde, è da sempre una costante nelle creazioni di Serkan Sarier. Il dettaglio preponderante che del cluster ballooning ha catturato la sua attenzione, la forma “afflosciata” tipica dei palloncini sgonfi, ha dato vita ad una serie di abiti ricchi di pieghe quasi attorcigliati, avvitati attorno al corpo grazie a una serie di grinze e increspature. Anche il momento del “volo” è servito di ispirazione al designer tedesco, rimasto colpito dal riflesso cangiante che i palloncini imprimono sulle finestre delle case, dalla loro leggerezza, dalla caratteristica imbragatura che Ninomiya indossa. Tutti elementi che Sarier concentra e rielabora in outfit fortemente caratterizzati.

L’utilizzo di un materiale come il taffetà in seta è il trait-d’union con le sue radici sartoriali, Sarkan lo manipola per un effetto délavè, tinge il bianco utilizzando tecniche che ricordano il tie-dye e creano un bicolore sfumato tra candore e tonalità decise, abbozza fantasie che un immaginario specchio d’acqua riflette in arabeschi blurred. Drappeggia gonne ed abiti intorno al corpo servendosi di lacci strategicamente annodati che originano giochi di forme, di volumi e variano orli e lunghezze, squarcia il tessuto in tagli ed aperture inaspettate giostrando sulle asimmetrie.

Gli abiti firmati BROOD sono composti da un pezzo unico o da tailleur che comprendono giacchine dal collo rigorosamente alla coreana o con cappuccio in stile felpa, in alcuni casi, vengono strutturati come due abiti sovrapposti. Altamente malleabili, variabili nella forma da chi li indossa, la loro versatilità ne rende possibili molteplici interpretazioni. “Mi piace l’idea di una donna che sia in grado di adattare gli abiti al suo mood”, ha dichiarato Serkan Sarier. L’intera collezione è pervasa di tonalità come il viola, l’arancio, il giallo cedro, il beige e il rosa cipria, tassativamente sfumati nel bianco, colori forti e delicati che assumono una valenza avanguardista nel modo stesso in cui vengono “spalmati” sugli abiti.

D’altronde, per Sarier ,”A contare, è come si interpreta la realtà”. Quella dei suoi abiti da sera, è una realtà decisamente innovativa che coniuga un glamour votato alla praticità mixandolo con i più innati dettami di eleganza, estrosamente rivisitati dal suo genio creativo.

Il sito www.broodbyserkansarier.com

Title: The Passion.

Year: May 18, 2012.

Where: Italy.

Shelf: Indie Pop, Acoustic, Alternative.

Who?

Il “mare interno” degli Inland Sea è uno specchio d’acqua che custodisce una particolare sensibilità per le melodie, come d’altronde ha sempre avuto modo di fare la musica italiana. Quel Mar Mediterraneo che – in maniera paradossale – è circondato dalle terre, nel caso della band milanese, richiama però alla mente il Mare del Nord, lo stesso che bagna i paesi anglofoni da cui gli Inland Sea sembrano prendere spunto per le loro musiche. Dopo una lunga gavetta come cover-band, esibizioni sul palco delle Scimmie, a Milano, nel 2008 comincia la loro personale produzione musicale. Pubblicano così Things Change (2010) per l’etichetta Palbertmusic, ed il loro brano Come To Me Now diventa un piccolo successo radiofonico. A conferma di ciò, arrivano i riconoscimenti anche del pubblico che li premia portando un loro pezzo, In The Air, ed il primo album ai vertici della classifica alternativa di iTunes. Dopo questa breve ed inattesa popolarità, gli Island Sea decidono di non farsi distrarre dal buon risultato e così, tornati ai concerti “per pochi amici”, si dedicano  anima e corpo alla produzione del nuovo album, The Passion, in uscita tra pochi giorni, ed ascoltato in esclusiva per voi da noi di Enquire.

What?

The Passion è un lavoro completo, caratterizzato da un perfetto equilibrio tra musiche e testi. Dopo un ascolto  attento, la prima considerazione da fare riguarda la totale emancipazione che gli Inland Sea hanno raggiunto, allontanandosi da metrica e melodia tipicamente nostrane. Se per alcuni questo può risultare come un lavoro impersonale,  a noi sembra che il quartetto milanese abbia svolto un notevole esercizio di ricerca che passa dai suoni, con un folk di stampo britannico, sino ai testi, lucidi ma allo stesso tempo pieni di modulazioni poetiche. L’album si apre con le chitarre semi-distorte di The Gift, e subito l’ingranaggio si mette in moto, attivando un retrogusto che sa di Travis e Gomez, ma soprattutto dei primi. Stesso discorso per il pezzo successivo, la spoglia ma accattivante Hushing The Whispers, dove vien fuori – in maniera piacevole – la letteratura musicale pop scozzese degli ultimi decenni. Fortunatamente, le influenze sono tante e variegate, così accade che nella prominente He’s Your Son, vengano fuori i “Padri” dei gruppi summenzionati, quei Beatles senza i quali oggi non avremmo gli Inland Sea. E ancora, come non lasciarsi trasportare dalle onde sintetiche di The Crossing, dove le percussioni tempestose vengono inaspettatamente placate dal falsetto rassicurante di  Paolo Spada. D’altronde il mare è anche questo, una canzone che non sempre è facile prevedere.

Title: Caimani.

Year: April 16, 2012.

Where: Italy.

Shelf: Indie Rock, Alternative, Experimental.

Who?

Tra le band indipendenti italiane, gli Insooner sono sicuramente una delle poche con una piacevole attenzione per i dettagli. Sin dal loro esordio, l’autoprodotto Assemblando oceani per annegare in pace (2010), il trio di Varese ha costruito una credibile carriera musicale basandosi su spunti anche esterofili che hanno permesso loro di ritagliarsi uno spazio nell’affollato panorama musicale alternativo. La loro è una storia che ancora deve essere scritta, un progetto giovane che si basa su delle ottime premesse, per un racconto che secondo noi riserverà tante piacevoli sorprese.  Juan Manuel Di Stefano (voce, basso), Matteo Renna (chitarre, cori) e Gian Maria Gallicchio (batteria, percussioni) hanno comunque una storia quasi decennale, passata per varie demo, la collaborazione con Daniele Landi (ex Interno 17) ed il loro approdo all’etichetta Forears, che ha visto la produzione del loro nuovo album, Caimani, uscito lo scorso aprile, ed un videoclip tratto dal primo disco, Praga Dorata, premiato al festival CortiSonici del 2011.

What?

Il nuovo album degli Insooner è una prova robusta ed una porta aperta a nuovi fan. C’è una stabilità musicale di fondo che vien fuori dalle otto tracce che compongono il disco. Basta ascoltare il nuovo singolo, Caimani Infernali, accompagnato dal rispettivo videoclip, per averne conferma, tra il rock scenico e aereo tipico degli anni ‘90. Caimani è un disco che si basa su una uniformità che per alcuni può coincidere con il solito “play safe” della musica indipendente italiana, in realtà gli Insooner dimostrano soltanto di aver trovato una loro dimensione e di non dover per forza sperimentare nuove strade col rischio di strafare. La potenza reale non sta nella forza demolitrice delle chitarre ma, quasi per antitesi, nell’energia creatrice dei testi, sospesi tra il cammino di ricerca interiore ed il malessere generazionale. Si ascolti Istantanea della fine, il pezzo conclusivo di questo disco, per comprendere come dietro l’apparente groviglio di concetti che scorrono sulla base sognante (che pur profuma di post-grunge), si nasconda un mondo abitato da predatori che circuiscono le proprio vittime non più con la forza, ma anche con l’uso di inganni degni di Giuda, pezzo tra i più originali dell’album. Ecco, se avete bisogno di una bella botta di adrenalina che vi risvegli dal torpore della scena musicale indie dove gli intellettualismi sono diventati orpelli assolutamente eccessivi, questo è il disco che fa per voi.

Photo credit Oriella Minutola

La scelta del nome è legata al momento del concepimento, nel settembre 2009, davanti a cappuccino e brioche. Deve essersi trattata di una colazione particolarmente sostanziosa se Vogue Italia, nello stesso anno, li inserisce tra i finalisti del prestigioso concorso Who’s on next?. E i “buongiorno” non sono affatto finiti: dalla linea di debutto, omaggio alla t-shirt femminile, i due designer hanno attualmente all’attivo la produzione di un guardaroba completo – tra maglieria, capospalla e accessori – nonché un’identità ben definita e riconoscibile. La nuova collezione maschile SS2012 si racchiude nel senso di un unico termine: hot.

Lo sguardo è rivolto a una foresta in fiamme, il sole nocivo ha trasformato i suoi rami in micce incandescenti, in braccia di fuoco pronte a ustionarci in un caldo abbraccio. L’aria è soffocante, irrespirabile, contaminata da vapori narcotici, siamo trasportati in una dimensione alienata e alienante. È qui che COMEFORBREAKFAST arriva a soccorrere le nostre fobie, le paure giovanili, le sensazioni di straniamento e spaesamento quotidiano.

Dell’esplosione non rimarrà che un cumulo di cenere, come dimostrano le tonalità scelte per i capi: una scala di grigi, dal pallido all’antracite, con l’aggiunta di un giallo bruciato e dell’onnipresente nero. In più, le textures tridimensionali e le stampe originali non sono altro che la proiezione grafica di cortecce. Su gilet, pantaloni e camicie appaiono vere e proprie serigrafie artistiche di tronchi scrostati, quasi a voler invogliarci a raschiare, a compiere un’esperienza tattile.

L’effetto dei tessuti, del resto, è super-soft. Seta, lino, cashmere e jersey sono resi materiali performanti, modellati sul corpo da soffi di vento, lo stesso che trapassa i fori delle canotte retate, lo stesso che vuole combattere il fuoco. Anche la tuta in pelle nera, molto simile a una muta munita di macro-zip, sembra riuscire a proteggerci dal surriscaldamento globale, aiutandoci a nuotare nei divampi dell’incendio, senza subire ossidazione. Si delinea un’idea di leggerezza e agilità, a cui contribuiscono ulteriormente le linee aperte e pulite, i tagli semplici, ma decisi, di giacche, trench e maglioni over-size.

Tuttavia, dietro l’apparente essenzialità minimalista, si nasconde uno spirito cross-over, una ricerca continua tra materia e forma, tra lunghezze e volumi. Si sperimentano silhouette versatili, da s-definizione di genere, al fine di costruire uno stile polivalente e multifunzionale, a metà tra basic sportivo ed eleganza casual. COMEFORBREAKFAST, andando ad unire tecniche moderne a dettami tradizionali, diverrà indubbiamente promotore di un contemporaneo concetto di made in Italy. Noi ci mettiamo la mano sul fuoco.

Il sito www.comeforbreakfast.com

La vita di Ellen Von Unwerth, nata a Francoforte nel 1954, è circondata da un’aura quasi leggendaria: alcune versioni della sua biografia la descrivono orfana e data in adozione ad una comune hippy con base a Monaco di Baviera, dalla quale si distacca, ancora giovanissima, per seguire una compagnia circense nel ruolo di assistente di un lanciatore di coltelli. Del mondo del circo Von Unwerth respira umori e poesia, atmosfere che aleggeranno per sempre nella sua interiorità creando un legame fortissimo con l’estro, la stravaganza e il senso dell’avventura. Successivamente, a Parigi, intraprende la carriera di modella che durerà dieci anni e da cui trarrà insegnamenti preziosi quando, nel 1986,  decide di porsi all’altro lato dell’obiettivo dedicandosi alla fotografia di moda: tutto il bagaglio di nozioni che Von Unwerth ha appreso interpretando un personaggio davanti ad una macchina fotografica in un’esperienza pluriennale,  costituisce parte essenziale nella formazione del suo stile.

La fama arriva proprio grazie alla campagna pubblicitaria per GUESS: un servizio fotografico che lancia Claudia Schiffer esaltandone la somiglianza con Brigitte Bardot tramite un sapiente make up e hairstyle.

Da quel momento, la carriera di Von Unwerth proseguirà ininterrottamente costellata di successi, come il primo premio che riceve, nel 1991, al Festival Internazionale della fotografia di moda. Oltre agli shooting fotografici per le più prestigiose riviste patinate (i suoi lavori vengono pubblicati nelle edizioni internazionali di VOGUE, oltre che da Vanity Fair, I-D, The Face, Arena, VOGUE Uomo, solo per citarne alcune), realizza campagne pubblicitarie per  brand quali Victoria’s Secret, Tommy Hilfiger, MAC cosmetics, Blumarine, MIU MIU e moltissimi altri.

Sin dall’inizio, la sua fotografia sottolinea un erotismo che ne percorre l’opera in toto: delle modelle che ritrae Ellen Von Unwerth riesce a scavare nella più intima essenza, evidenziandone la femminilità allo stato puro. Le sue donne sono moderne pin up che giocano con il sesso con curiosità, passione e ironia: ogni volgarità viene bandita. Risaltano l’eleganza, il glamour, lo stile, senza mai rivelarsi doti intimidenti.

Pur essendo evidente il tributo ad Helmut Newton, gli scatti di Von Unwerth sono del tutto privi delle tracce di sofisticatezza estrema, dell’aura di irraggiungibilità che pervadono le immagini dell’artista tedesco. La giocosità, l’ironia, una marcata joie de vivre sono sempre presenti nell’universo fotografico di Von Unwerth, che si diverte a immortalare in scatti le top e le celebrities più belle del mondo, estrapolandone tutta la sensualità: con le mie foto cerco solo di comunicare un senso di leggerezza che può aiutare a trovare la gioia senza troppi intellettualismi, dice della sua arte.

E se mascherine, body strizzati, frustini e vertiginosi tacchi stiletto rimandano indubbiamente al pianeta fetish, Von Unwerth lo racconta con sguardo mai morboso, bensì evidenziandone  un sano erotismo, liberatorio e briosamente malizioso.

A chi la accusa di sfruttare il corpo femminile, risponde che il suo obiettivo è creare delle belle foto interpretate da modelle perfettamente comprese nel ruolo e in completa sintonia con gli intenti dell’artista. Intanto, diversifica il suo talento cimentandosi come regista in corti per il fashion world, realizza videoclip e foto destinate alle copertine degli album per una molteplicità di interpreti e gruppi musicali, gira spot pubblicitari.

Le mostre a lei dedicate si susseguono a ritmo serrato nei musei e nelle più rinomate gallerie d’arte, dall’America all’Europa. L’opera di Ellen Von Unwerth è raccolta in sei volumi: editi a partire dal 1994, includono Snaps, Wicked (1998), Couples (1998),  la fotostoria Omahyra & Boyd (2005),  Revenge (2005) e Fraulein (2009). Una serie di libri fotografici che riporta le foto esposte in mostra nelle più importanti capitali internazionali, come Parigi, New York, Berlino, Amsterdam, Londra e Mosca.

Fraulein, in particolare, edito dalla Taschen in soli 1500 esemplari autografati,  include una monografia e tutti gli scatti esposti alla Michael Hoppen Gallery di Londra durante una exhibition del 2009: le immagini più intense, belle e intriganti scattate dall’artista negli ultimi 15 anni.

Esiste poi un lavoro molto recente in cui riaffiora tutta una serie di influenze e di esperienze di vita: in occasione della tredicesima uscita di LULA magazine, la magia e le atmosfere del mondo del circo tornano prepotentemente alla ribalta in un servizio che Ellen Von Unwerth dedica al Gifford’s Circus.

La modella Rasa Zukauskaite ed alcuni circensi sono protagonisti di scatti fotografici e di un video – dallo stile che ricorda il fotogramma di un film muto – che alternano giocolieri, acrobati, lanciatori di coltelli, orsi fittizi e nuvole di zucchero a velo in un connubio di romanticismo, ironia e poesia:  un bagaglio interiore che riemerge, con una continuità più o meno latente, in tutta l’opera della grande fotografa tedesca.

Things are moving quickly for Lee Suk Tae and only a year later, in 1997, he launches his first brand, called Kaal E. Suktae. He is invited to participate in several shows, from the Korean Fashion Association to the Hong Kong Fashion Week, while the following year, the label opens up a store in the Galleria Department Store in Apgujungdong. In 1999 he takes part in an important performance called “Art & Wear” organized by the Korean National Museum of Contemporary Art. The international vocation of Kaal E. Suktae proceeds nonstop and between 2000 and 2004 he participates both in the Y&K New York Collection and the Lie Sang Bong Paris Collection. In 2004 he is responsible for the  creation and making of the uniform of the Amore Pacific Corporation and opens his showroom in Shinsadong. The experience matured over the years has allowed Lee Suk Tae to teach and in 2005 he will be in fact a professor at the Konkuk University.

In 2010 he collaborates with WizWid, the colossal online megastore of the Far East, and makes another important step for the brand, that the same year is chosen to participate on The Train NYC! and on the TRANOI Femme Paris tradeshow, concomitant with the Parisian Fashion Week, to which, in 2011, is added other tradeshows, such as Blueprint from Singapore and the Coterie in New York.

Yves Saint-Laurent has always been an absolute reference to Lee Suk Tae,  and from this admiration you can see traces of also in his last ss 2012 collection, thanks to the use of fucsia, the importance of jackets, impecably structured and sartorial. All his creative universe is surrounded by a purely European influece of which the designer has interiorized it’s characters and moods. His structural avant-gard, like he loves to define it, forms a leit motiv of the ss12 collection unifying elements of the street fashion and a distinct taste for craftmanship.

The collection, called Water from water, is charecterized by a mix of materials declined in colour-blocking and in numerous asymmetries. Geometry, graphisms and overlaying are combined with melanges, besides fabrics and colours: prevalent tones like white, black, light blue in various shades, fucsia, grey and than the floreal fantasies, batik, geometrical. The entire collection highlights a spirit between the romantic and the rock n roll with soft organza dresses and satin alternating with structured shapes of tailleur pants and geometrical jackets with puffed sleeves.

The outfits presents styling surprises like sleeves suddenly opening up to the naked skin, swirling rags combined with versatile designed mini skirts, fan-shape effect, given by the very tight folds, applied on jackets and mini dresses. The length of the dresses are beautifuly played between the mini and maxi.

The tonalities chosen mark the avant-garde mood of Kaal E.Suktae’s metropolitan princess, self-assured and secure in a look that goes beyond the oriental boundries to be a part of the whole world.

Website www.kaalesuktae.com

Autore: Arne Bellstorf.

Casa Editrice: Black Velvet.

Cosa sarebbe il mondo del rock ‘n’ roll senza le sue innumerevoli storie, leggende ed i suoi miti? Di sicuro non sarebbe la stessa cosa e mancherebbe quell’alone di magia che oltre alla musica, materia prima e fondante di questo stile, è rappresentato per l’appunto dalla necessità e la curiosità di sentirsi raccontare, ed andare alla ricerca, di storie, che siano o meno reali, e che riguardano i protagonisti di questo mondo.

Arne Bellstorf, autore e disegnatore tedesco, cerca con la graphic novel Baby’s In Black di raccontarci il momento che forse più di tutti ha segnato nel profondo la storia del rock: la spedizione in cerca di fortuna dei Beatles in terra teutonica agli inizi degli anni sessanta. Sarebbe stato fin troppo facile, forse, raccontare la semplice tournée degli allora cinque Beatles, poi diventati Fab4. Perciò, per non cadere nel banale, la storia si concentra su ben altro: sull’incontro tra la fotografa Astrid Kirchherr, colei che inventò lo storico “look beatle” e l’allora quinto elemento Stuart Sutcliffe, che in quegli anni ricopriva il ruolo di bassista all’interno del gruppo di Liverpool.

Sì passa quindi rapidamente dalle illustrazioni dei primi concerti dei cinque all’interno di locali frequentati per lo più da brutti ceffi di Amburgo, situati nella zona a luci rosse della città, Reeperbahn, all’incontro dei due giovani artisti (grazie all’amico di Astrid, Klaus Voorman, che diventerà inseguito anch’egli musicista). Passando per la fase di innamoramento, breve ma intensa, e giungendo al dramma della malattia che porterà Stuart, ancora giovanissimo, alla prematura morte.

Un racconto in bianco e nero che cattura l’attenzione, toccando i momenti fondamentali della storia d’amore tra Astrid e Stuart cui fa da cornice la storia del gruppo di Liverpool in terra teutonica. Bellstorf ha chiesto aiuto direttamente alla Kirchherr (che nel frattempo è diventata un’importante fotografa di fama mondiale) per raccogliere dettagli sui momenti salienti dei “cinque” Beatles in Germania e per rendere al meglio l’atmosfera di quei tempi.

Una graphic novel, Baby’s In Black (prende il nome da una canzone scritta a quattro mani dal genio della coppia Lennon/McCartney), che ci riporta indietro nel tempo e permette di vivere attraverso le immagini in un’epoca che ha segnato la storia della musica rock e non solo.

Maggiori informazioni al sio www.blackvelveteditrice.com

Title: We Are On Fire.

Year: June 5, 2012.

Where: Paris.

Shelf: Folktronica, Hip Hop, Experimental.

Who?

Le CocoRosie sono il non plus ultra della cultura indie. A livello visivo, con il loro make up androgino, e a livello di scelte sonore, in un tripudio di melodie lo-fi, il duo statunitense formato dalle sorelle Sierra e Bianca Casady, ha dato vita ad un nuovo modo di fare musica. Il loro primo album, La Maison De Mon Rêve, viene spesso annoverato tra quelli che nel nuovo millennio hanno rappresentato un punto di rottura con le tradizioni sonore alternative attuali. Critica e pubblica sono rimasti difatti affascinati da quel connubio di elementi acustici fusi con echi di un mondo bambinesco fatto di toy instrument e giochi vocali di ogni genere. Le CocoRosie sono questo, due artiste che nella musica sono riuscite a trovare il loro punto d’incontro, dopo tanti anni di separazione fisica dovuta alla scelta dei genitori di crescerle in luoghi differenti. Questo loro magico rapporto viene fuori soprattutto in Grey Oceans, album del 2010 che le riporta alla ribalta dopo due dischi, Noah’s Ark e The Adventures of Ghosthorse and Stillborn, non proprio entusiasmanti. Un processo di crescita comune che ora continua con un nuovo album, di cui sappiamo ben poco, ed un singolo di prossima uscita che non riusciamo a toglierci dalla testa.

What?

We Are On Fire è il ritorno delle CocoRosie, un doppio lato A contenente la title-track ed un pezzo insieme alla voce degli Antony and the Johnsons, e disponibile in formato digitale e vinile. Su una base ritmata con un ritornello contagioso – cosa quasi inusuale per un pezzo delle CocoRosie – e trascinato da un arrangiamento che flirta col trip-hop e la musica etnica dal sapore orient, We Are On Fire è forse uno dei pezzi migliori usciti fuori dal cilindro delle CocoRosie. Il tutto condito con un testo che ci riporta indietro, ai tempi dell’Inquisizione, con riferimenti a streghe bruciate perché considerate sacrileghe, e che ora si aggirano tra vecchie chiese infestate: “I used to have eyes the color of sky/ Now I can see in the middle of the night”. In realtà questo progresso melodico è percepibile anche nella b-side Tearz For Animals, in compagnia dell’amico Antony Hegarty. Un pezzo di una bellezza disarmante che vede la voce del cantante inglese e quella di Sierra, incontrarsi su una base sognante dove il legno dei cordofoni viene falciato dagli effetti sintetici di strumenti giocattolo e taglienti tappeti elettronici. Siamo impazienti di sapere qualcosa di più sul nuovo disco, anche perché se queste sono le premesse, siamo sicuri che sarà un nuovo passo in avanti per il progetto CocoRosie.