L’intento di Andrea Rosso, direttore creativo di 55DSL, appassionato di grafica, fotografia e arti visive in generale, è di creare un lifestyle, una community, di cui facciano parte non solo coloro che indossano un capo 55DSL, ma anche tutti quelli che nel marchio si riconoscano per estetica, ispirazioni&aspirazioni, per approccio alla vita – in una parola: per attitudine.

Pian piano 55DSL diventa la “scusa”, il mezzo per dar vita all’immaginario creativo di Andrea, a tutto tondo, così come per dare visibilità a tantissimi giovani artisti e non – di ogni tipo di disciplina e provenienza, da VASAVA a Gavin Watson – cui, nel tempo, viene data l’opportunità di collaborare con il marchio. Nascono collabs, capsule e limited editions (10.55), eventi che raccontano di libri (Italia Suxxx), di graffiti (Fast Or Die), di qualsiasi cosa emozioni Andrea in quel momento.

Ovviamente, parliamo sempre del figlio di un genitore illustre (Diesel) e pur sempre di un brand di abbigliamento, per cui la cura e la ricerca del prodotto è centrale in tutte le iniziative e le collezioni presentate (i k-way in nylon stampato all-over o deep-dyed della SS2008 sono stati alcuni dei capi più fotografati negli editoriali di quel periodo, senza soffermarci sul denim che, per forza di cose, è sempre stato realizzato seguendo un certo know-how insito nell’azienda). Dal 2008 ad oggi sono trascorsi cinque anni, il che vuol dire circa una decina di collezioni, e 55DSL è cambiato – nel bene e nel male, come sempre accade.

L’arte visiva ed il contesto che ne accompagna attività e promozione ha come fagocitato l’abbigliamento, facendo parlare del marchio per il lancio di “quel video”, per l’evento in cui si presenta il contest realizzato con la scuola di moda e grafica (la NABA, il progetto era “FiftyFive Fights For the Future”, n.d.r.), e un po’ meno magari per la collaborazione che vede protagonista SALEWA, brand italiano di outdoor con una pluridecennale esperienza nel prodotto.

Noi di Enquire abbiamo avuto l’occasione di vedere in anteprima la collezione FW13 di 55DSL e siamo stati contenti di vedere che “la genetica non è un’opinione” e che la cura, la ricerca, quell’attitudine street-fashion che ha dato vita e che ha alimentato tutto in questi venti anni è sempre lì, pronta probabilmente a regalarci nuovi pezzi iconici: se sarà l‘husky leggero da donna J-Fort, in nylon stampato camo con inserti in tricot sulle maniche, o la camicia da uomo double face Flinnt – metà in flanella e metà nel nylon di cui sopra – lo scopriremo forse fra altri cinque anni.

Per il momento vi rimandiamo al sito ufficiale www.55dsl.com, dove potrete godervi l’ultimo movie prodotto, Italy, Texas, video look-book della collezione SS13, e vi lasciamo con degli snap-shots della FW13, fra stampe vintage, tagli cowboy, canvas in cotone spalmato e tanto deep-dyeing.

Quando e come nasce il vostro spazio? Si tratta di una fondazione ex-novo oppure le strutture (fisiche, ma anche associative/gerarchiche ove presenti) sono preesistenti?

Zelle Arte Contemporanea è un artist-run space diretto da Federico Lupo ed inaugurato nell’aprile del 2005  nel cuore del centro storico di Palermo, immerso nei vicoli del tradizionale quartiere Seralcadi, più noto come ‘Il Capo”.

Zelle inaugura il primo progetto in uno spazio particolarmente piccolo quanto accogliente nel tardo-secentesco Palazzo Patricolo, prospicente Via Matteo Bonello, a due passi dal cinquecentesco ‘Oratorio dei Pellegrini’ che conserva al suo interno parte di un affresco del Borremans. A questo si affianca nel 2007 un nuovo spazio – caratterizzato da elementi d’arredo art-déco -  in via Fastuca, esattamente sul retro del Palazzo Patricolo.

Qual è, in breve, la vostra storia? Quali sono state, ad oggi, gli eventi più importanti e più caratterizzanti, quelli che maggiormente denotano la vostra struttura?

Rischio volentieri di apparire retorico, ma più che far riferimento a singoli eventi, preferisco pensare all’attività di Zelle come un unico flusso di informazioni in grado di generare una porzione di memoria storica. Credo che un elemento caratterizzante sia esattamente la volontà di scrivere un grande racconto corale.

In che ambiente nascete? Intendo a livello urbano e di atmosfere artistiche – se insomma, la città in cui operate è viva e attiva a prescindere dal vostro intervento o se invece siete un avamposto e laboratorio creativo?

E qual è la risposta della città e delle istituzioni cittadine alla vostra presenza? È uno scambio proficuo e le amministrazioni si sono rivelate interessate alla vostra attività? Si è creato un giro – di persone, di artisti, di energie – intorno a voi?

Troppo spesso il panorama artistico palermitano sembra fermarsi alle ‘buone intenzioni’ dimenticandosi che quello che conta è dar vita a contenuti qualitativamente alti, in grado di competere con l’oblio della memoria. Le istituzioni, senza puntualizzare sul clima politico di turno, non fanno altro che alimentare l’oblio.

Qual è la vita di uno spazio come il vostro? Che tipo di attività vi si svolgono all’interno?

Lo spazio ospita mostre personali e collettive di artisti contemporanei per lo più italiani, con particolare attenzione ad un nucleo di artisti siciliani che hanno caratterizzato la linea di ricerca della galleria. L’editoria indipendente, il video d’animazione, la ricerca musicale, sono ambiti indagati in maniera collaterale nel corso degli anni.

In questi mesi è stato inaugurato un piccolissimo bookshop in via d’espansione in cui è possibile frugare tra volumi d’epoca, rari e fuori catalogo.

Come avviene la scelta delle attività e delle mostre? Chi decide cosa proporre al pubblico e come viene attuata questa decisione?

Non vi sono dei criteri ferrei. Si cerca più semplicemente di raccontare un piccolo pezzetto di storia attraverso le indagini portate avanti da artisti, spesso anche molto distanti per ambizioni ed attitudine, con i quali condivido un approccio metodologico o teoretico.

Quali sono le modalità di finanziamento? Esistono modalità di sostegno da parte di chi frequenta il vostro spazio, o aiuti da parte delle amministrazioni più o meno locali? Quali sono le difficoltà maggiori che trovate nel proseguire la vostra attività in un momento difficile come questo?

Non vi è alcun supporto da parte delle amministrazioni. Qualche settimana fa, grazie alla collaborazione con un nucleo di artisti, è nato l’evento ‘Zelle Sunday Sale’ un tentativo di risvegliare il mercato palermitano offrendo la possibilità, per una domenica, di arricchire o iniziare la propria collezione acquistando opere a prezzi ridotti, dai 40,00 ai 500,00 €.

L’evento ci ha sicuramente sorpreso per il coinvolgimento attivo di un’ampia fascia di pubblico.

Quali sono le vostre modalità di promozione? Siti, social network, altro?

E quali sono le reti tra i vari spazi espositivi italiani? Conoscete, siete in contatto con esperienze simili alla vostra disseminate sul territorio?

Avete mai portato avanti progetti comuni? Credete possa essere un’idea interessante, un modo per mettere insieme menti e progetti simili?

Gli inviti – che realizziamo dal 2007 – in cartone grigio ruvido e stampati in b/n con angoli arrotondati, sono diventati negli anni un marchio di fabbrica dalla forte riconoscibilità, collezionati da appassionati, amici, ed addetti ai lavori. Ma è indubbio che i social network siano ormai un’inevitabile mezzo di promozione diretta, anche grazie a dei piccoli video promo che realizziamo ormai con regolarità, funzionali alla diffusione virale di un evento.

Creare sistema con le realtà palermitane è sempre più arduo, ma da alcuni anni Zelle è in contatto con alcune realtà catanesi con cui si è creata una fitta rete di collaborazioni. In particolare parlo dei ragazzi di ‘Balloon’, una piattaforma di ricerca che si avvale di un portale online, ma anche di un’ormai rodata attività editoriale votata all’edizione di fanzine e libri d’artista – Lo spazio ‘Ritmo’ inaugurato dai fondatori di Balloon con Livio Lo Po’ e gli artisti Andrea e Marco Mangione – Lo spazio Kina di cui ospiteremo in galleria il progetto ‘Cagnara Maxima’ dell’illustratore e musicista Nicola Vinciguerra – ed infine l’Accademia ‘Abadir’ che ospita ormai da tre anni il workshop ‘Handmade Editions’ e che quest’anno vede tra i protagonisti Tothi Folisi e Clio Nicastro, autori del progetto editoriale ‘La Forma’.

Quali sono gli altri progetti in calendario per quest’anno?

In programma, la mostra personale di Marco Cassarà, un giovane artista siciliano che affonda le radici della sua ricerca in quell’immaginario adolescenziale dei ’90 guidato dall’ispirazione musicale degli Slowdive – Un progetto di Daniele Franzella, un grande paesaggio umano in terracotta policroma ispirato alle atmosfere circensi degli anni ’30 – Infine la mostra di Francesco Tagliavia, un artista di cui vi consiglio il fulminante blog ‘Bad Drawings’.

Tutto il resto potete scoprirlo andando sul loro sito: www.zelle.it

Scelti da MAC & Milk, da W Hotels e da Ecco Domani Fashion Foundation per le loro collezioni intuitive, passando dalla New York Fashion Week ad Harvey Nichols, il successo è stato immediato. WWD, The New York Times e Interview Magazine hanno dedicato al duo newyorkese uno spot di rilievo, sulle loro pagine, collezione dopo collezione.

Joshua e Laurence, entrambi con un background familiare nell’industria serigrafica, hanno coltivato l’interesse per la moda sin da piccoli e con Rochambeau (termine francese per indicare la “morra cinese”, il gioco “sasso – carta – forbici”) hanno realizzato il sogno di interpretare la moda maschile a proprio modo.

È l’acqua gelida della costa sud-orientale dell’Islanda, con le sue spiagge vulcaniche color pece, a ispirare la collezione SS2013. Essa evoca la mitologia dell’acqua come limbo tra vita e morte. Le diafane onde dell’oceano atlantico incontrano l’oscurità delle ceneri dei vulcani islandesi e trasformano il profondo significato dell’estate, fatta di energia, luce e colori vividi. Così, si fondono storia e modernità, mitologia e moda in un gioco di ombre e luci.

I toni neutrali del nero, del grigio, del blu e del crema, interrotti da stampe di mappature specchiate, si sovrappongono al corallo e al rosa tenue. Lino, cotone, piquet, twill, jersey e nylon convergono in dissimili lunghezze, in dettagli asimmetrici e in eleganti morbidezze.

La semplicità visiva di t-shirt, giacche e pantaloni rappresenta la modernità della sartoria confortevole. Le influenze orientali si fondono con la contemporanea eleganza maschile e il minimalismo stilistico è arricchito dai forti contrasti folk che sublimano, ancora una volta, la simbologia dell’acqua, l’essenza dell’estate e il misticismo concettuale che si schiude nella sintesi di questa collezione. Rochambeau dona al guardaroba maschile un’inedita identità. Crea una nuova silhoutte e lo fa con forme ricercate, connessioni concettuali e sintetizzando la moda in forme e colori naturali. Il duo creativo si adegua alle esigenze dell’uomo cosmopolita in cerca di libertà, di una nuova dimensione eco e alla necessità, sempre più presente, della società odierna che desidera riscoprire il proprio contatto con la natura anche in ciò che indossa. Sul sito www.rochambeau.us.com è possibile visionare l’intera collezione SS2013, nonché dare un’occhiata alle precedenti; per acquistare invece i capi di Rochambeau dovrete accontentarvi dello shop online, a meno che non vi troviate negli USA, in Canada, ad Hong Kong, nel Regno Unito o in Arabia Saudita, dove è concentrata ad oggi la distribuzione del marchio.

Una selezione di ben centosessanta fotografie, dedicata ad un giovane Kubrick inedito è la mostra visitabile in questi giorni, presso il Palazzo Ducale di Genova fino al prossimo 25 agosto. Diverse sono le sezioni tematiche, dalla photo-story ispirata a Mickey, un giovane lustrascarpe di Brooklyn per poi passare agli scatti rubati nel cuore di un emozionante New York diurna e notturna accopagnata da momenti di vita quotidiana, con ritratti di gente comune per strada, all’interno della metro, i primi volti delle star, l’esaltazione del mondo del pugilato e del mondo circense – nel 1949 sempre Look Magazine manda Kubrick a Chicago per realizzare il reportage Chicago, la città dei contrasti.

Fotografie studiate nei minimi particolari e senza alcun dubbio in b/n, come se fosse un vero e proprio racconto, per documentare al meglio la posizione dell’America nell’immediato dopoguerra.

La mostra curata da Michel Draguet è stata già esposta a Bruxelles presso Musées Royaux des Beaux-Arts e, come hanno già affermato molti critici, l’intero senso estetico dei suoi film lo troviamo espresso chiaramente all’interno di quasi tutte le sue fotografie in questi anni. Lo scatto che ritrae due gemelle con le trecce in una strada di Lisbona rimanda senza dubbio alle due gemelle del film Shining; ritroviamo il Dottor Stranamore in uno scatto che ritrae un professore mentre lavora con una sostanza luminosa presso la Columbia University di New York; il giovane boxeur che troviamo all’interno di una serie di foto è la stessa figura del pugile protagonista del primo cortometraggio di Kubrick The day of a fight; nella serie dedicata alla vita quotodiana newyorkese c’è uno scatto di un giornalaio accanto a una locandina che annunciava la morte di Roosvelt – foto acquistata da Look per venticinque dollari, la stessa identica figura la ricordiamo nel film Eyes Wide Shut nella scena in cui Tom Cruise, mentre veniva pedinato, si ferma per comprare un giornale a un’edicola. Questi sono solamente alcuni dei collegamenti che si possono fare visitando questa meravigliosa mostra, ben centosessanta inquadrature perfette che hanno saputo catturare l’istante di un’emozione e renderla viva ancora oggi sia su pellicola che sul grande schermo.

Maggiori informazioni www.palazzoducale.genova.it

Hi Graeme, how are you?

I am good, it’s sunny in London finally!

Reading the i-D article, you surprised us because you gave us impression that you’ve so much and uncontrollable energy; you’re always on the move: for example, you decided to run the Athens Classic Marathon and you said that you’d like to learn how to ride a motorbike! So we ask you: does your mind run as quick as your body? How do you like to define yourself? Just a designer or a fashion PR? An adventurer or simply an enthusiastic about the life? Where does your fashion attitude come from?

I wouldn’t call myself a designer at all. A creative yes, as this is a broad term and I work across a few different visual platforms. I actually studied sonic art and music production in London which I guess has some bearing on my work. For TDT I take much more from art in general. The label’s original handwriting was inspired by vintage newspapers and images sourced from old books stores all over Europe. But this idea has now developed beyond this and we use our own images and photography lot more now. Graphic Design has been something I have obsessed over since I was a teenager, stemming from skating (board graphics and tees) and album sleeves. Peter Saville‘s work with New Order in particular is always in a constant source inspiration when we start collections.

If you are always on the move, when do you find the time to your double work and your many projects? Maybe, under the shower, or do your creations born while you’re sleeping, like Karl Lagerfeld? Talking of big names, is there someone that you particularly like, that you consider like a “mentor of the fashion”? Do you follow trends of the moment when you wear yourself?

I guess what I’m wearing or into at a certain point does have a small influence on TDT collections. But it’s always more of the statement or story that has more of a bearing on the collections prints. For SS14 I’m looking at those first holidays without the parents, youth without the normal boundaries. And within this the way these holiday patterns can change destinations… not always for the better. Not that I feel particularly negative about it but our collections do have a darker theme or humour to them. Our ideas come from many places, I feel it’s more about being able to remember the ideas you have and file them in your brain so you do get to act on them… this normally happens whilst I’m riding my bike or running.

You started to design t-shirts for your band. What’s changed now? Do you feel improved and which things would you like to improve in? Where would you like to imagine yourself in 2023?

I would like to think we have improved in quite a few areas. Design, finish, quality… I certainly hope so. It’s weird though as sometimes the pieces you love yourself are not the best sellers so you always have that at the back of your mind. I would like to improve our outerwear offer which is still in its infancy… but it’s getting there now. I guess by 2023 I can only hope to still be happy and healthy, but from a TDT perspective to be still relevant…

Talking of your SS2013, what is its title or its main theme? It includes not just t-shirts, but also unisex sweatshirts, tracksuits, shirts and shoes. Your design seems very basic, but we’re sure that behind these simple lines there is much more: why did you decide to use just neutral colours? What is your rapport with prints, shapes and materials? When you’re creating your clothing, what is your starting point?

The SS13 collection was called Destinations, I hadn’t managed to have a holiday and was really needing one… We were also looking through loads of vintage tourism posters which were a big influence in terms of statements and colours. We usually stick to a monochromatic theme to base each collection and look to accent it with one or two tones. The styles we create are based around classic sweats, tees and pants, but we may change sticking and seam details, add darts or over proportion certain parts of the garment to give it a subtle point of difference. Prints have always (and still are) the focus to each collection. This is our narrative and a way to express ourselves further with what is I guess quite basic garments.

On your website – www.tournedetransmission.com - you say that you want to combine imagines and words to create a message. What is the result message for this collection?

SS13 was the state of mind when you are near to burn out and need to take a break… you become vacant within your own mind. It’s almost counterproductive to stay and work when you are really needing to take a little time out… So it’s more about that zombie period, where you just follow a daily format without any real clarity… if that makes sense.

And you? Have you received the message? Enquire has and even we would reply to it. To do that, we can go to Venice in Bugie Des Fumei store or on the global shop-online Hypebeast (hypebeast.com/tags/tourne-de-transmission): buon tours!

Ciao Grame, come te la passi?

Ciao Enquire! Tutto bene, finalmente è arrivato il sole anche a Londra!

Abbiamo letto della tua indole iperattiva e multitasking: oltre a svolgere quotidianamente il tuo lavoro di fashion PR, hai difatti partecipato alla Classic Marathon di Atene e stai addirittura prendendo lezioni di guida motociclistica. Il tuo corpo sembra davvero seguire il passo della tua mente. Senza dubbio, ti riteniamo un entusiasta della vita; probabilmente fermarsi significherebbe per te non sfruttare appieno tutte le ispirazioni che essa può offrire. È proprio così? Come sei solito definirti? Sappiamo che il tuo percorso di studi non è propriamente inerente al mondo “taglia&cuci”, bensì più vicino all’arte musicale.

Non posso di certo definirmi un designer, o almeno, non del tutto. Di certo sono un creativo, ma nel senso generale del termine, in quanto lavoro continuamente su differenti livelli e piattaforme visuali. Ho studiato Sonic Art and Music Production nella mia città, Londra: ciò ha avuto – e continua indubbiamente ad avere – una ripercussione evidente sulla mie attuali attività. Quando mi occupo di TDT, faccio riferimento soprattutto all’enorme serbatoio dell’Arte. Ad esempio, l’originario handwriting del brand è stato ispirato da giornali vintage e da immagini ritrovate in alcuni storici bookshop in giro per l’Europa. Oggi, abbiamo tuttavia sviluppato e superato questa idea iniziale, utilizzando dei nostri disegni e fotografie personali.

A proposito di messaggi e rappresentazioni visive, dalle creazioni di TDT si denota facilmente il tuo debole per le grafiche digitali e ricercate…

Il Graphic Design è sempre stata una mia ossessione, fin da quando ero un teenager. Mi considero un vero e proprio fanatico: stemmi da skateboard, stampe per magliette, custodie di album musicali. In particolare, i capolavori di Peter Saville sono tutt’oggi un costante stimolo per ogni collezione.

Parlando di grandi nomi e avvicinandoci al mondo della moda, c’è qualche altro mentore che orienta i tuoi lavori? O che ricade sui tuoi outfit personali, nonché su ciò che crei?

Quel che amo indossare ha di certo una piccola influenza su ciò che realizzo per TDT, anche se dietro vi sono inevitabilmente una storia e un percorso molto più elaborati. Infatti, per la SS2014 siamo già attivi nella ricerca di materiale: vogliamo fare richiamo a quelle prime vacanze trascorse senza genitori, a quella giovinezza vissuta senza dover rispettare le imposizioni adulte. Ma, sarà capitato anche a voi – il divertirsi al di là di ogni vincolo può spesso evolversi in peggio.

Dalle tue parole traspare un senso di negatività e, d’altra parte, una sorta di monito verso i giovani. È così?

I giovani rimangono il nostro target di riferimento: cerchiamo ogni volta di comunicare anche attraverso i loro linguaggi. Può sembrare che io possieda una predisposizione perenne alla negatività, al vederci nero, al considerare solo il lato sfavorevole delle situazioni, proprio perché i temi toccati dalle nostre collezioni sono ogni volta legati a un umore dark; ma le nostre visioni provengano in realtà da più e diversi luoghi. Mi capita molte volte di riscoprire all’improvviso una vecchia idea – archiviata nei meandri del cervello – e di volerla immediatamente metterla in pratica. Reminescenze che emergono nei momenti più inaspettati, come quando corro o vado in bicicletta.

E proprio da giovanissimo, nel 2010, hai iniziato il tuo cammino nella moda con la produzione di una semplice linea di t-shirt. Cos’è cambiato da allora? Ti senti creativamente cresciuto e sotto quali aspetti ti piacerebbe ancora migliorare? Se ti chiediamo di immaginarti tra una decina d’anni, come e dove ti vedi?

Sono cresciuto abbastanza – o almeno lo spero – dal punto di vista del design, soprattutto per quanto riguarda la qualità e le rifiniture dei nostri prodotti. Fa sempre un certo effetto quando i pezzi che tu ami di più all’interno della collezione non coincidono con i più venduti. Ma ciò ti permette di ritornare sui tuoi passi per capire gli errori e trasformarli successivamente in qualcosa di buono. Mi piacerebbe migliorare nell’outwear, che oggi si trova ancora ad uno stadio primordiale. Nel 2023 mi auguro di essere felice e – of course – in salute; se penso invece a TDT sogno di avere una ancor maggiore rilevanza sul mercato.

Tornando all’oggi, qual è il tema dominante della collezione SS2013? Non più solo t-shirt, come agli esordi, ma anche felpe unisex, tute, camicie e scarpe. Ci colpisce la tua scelta di impiegare unicamente toni neutri, declinati nei non-colori del nero e del bianco, mentre il tuo design ci appare basico e minimale; tuttavia, siamo sicuri che dietro alla semplicità delle linee si nasconda qualcosa di più intimo: qual è il tuo rapporto con forme e materiali?

Questa collezione è stata chiamata Destinations, dal momento che non sono riuscito a prendermi una vacanza, seppur ne avessi davvero bisogno. Siamo andati così alla ricerca di poster turistici vintage, che hanno avuto una grande risonanza in termini di statement e gradazioni. Di solito, per ogni collezione, rimaniamo fermi su una precisa tematica, che ci permette poi di porre l’accento su una o due tonalità. Lo stile che creiamo si basa su pezzi classici – sweaters, magliette e pantaloni – di cui possiamo cambiare vestibilità e dettagli, aggiungere cuciture o accrescere le proporzioni per conferire a capi elementari delle sottili differenze, per reinterpretarli, per “tourne de transmission”, ruotare la loro funzionalità al fine di diffonderne una nuova lettura. Le stampe rimangono però il focus delle creazioni di TDT: sono il nostro primo mezzo d’espressione.

A osservare il look-book, le capriole grafiche sono infatti l’elemento che colpisce maggiormente: accanto agli slogan urlati dalle classiche tee, su pantaloni e felpe si diramano esplosioni a tutta natùre, in un sovrapporsi di chiome e nuvole allo stato brado. O forse grigio. Del resto, combinare immagini e parole per dar vita a nuovi messaggi è – come affermate sul sito web ufficiale www.tournedetransmission.com – il vostro intento primario. Pertanto, qual è il messaggio conclusivo della collezione di questa stagione?

Destinations è uno stato mentale: come quando ti ritrovi esausto e hai realmente la necessità di staccare la spina per riuscire a sentirti libero, anche solamente libero di pensare, di fantasticare, di viaggiare con lo spirito. È realmente controproducente rimanere al lavoro quando si ha l’esigenza evidente di un break, poiché si rischia di perdere lucidità e chiarezza, finendo a vivere la propria quotidianità appiattendosi

Destinazione paradiso, vorremmo aggiungere noi di Enquire, che il messaggio lo abbiamo ricevuto chiaro e tondo. Avremmo voglia persino di rispondergli. Per farlo, potete recarvi a Venezia da Bugie Des Fumei o sull’online shop globale Hypebeast (store.hypebeast.com/brands/tourne-de-transmission): buon tours!

Grazie a Graeme Gaughan e a IPR London.

Heineken Open Design Explorations

THE MAGAZZINI ha dato la possibilità a giovani designer emergenti di poter valorizzare il proprio talento attraverso dei workshop – dalla creazione, all’esposizione, alla vendita dei pezzi – tutto all’interno di un luogo dinamico e innovativo.

Diesel Social Café Club ha rappresentato un angolo social per tutta la caotica settimana del design milanese, accogliendo numerosi visitatori in zona Ventura-Lambrate.

Una cucina, nata dalla collaborazione tra Scavolini e Diesel per la collezione Successful Living from Diesel, è diventata uno spazio dove vivere una piacevole esperienza di condivisione e svago per una pausa all’insegna del relax.

Philippe Malouin con la collezione Simple parla di concept, attraverso i prodotti presentati alla Project B Gallery durante la prima mostra personale del designer canadese in Italia.

L’architetto Zaha Hadid e Lab23 si uniscono invece per dar vita alla loro collezione Serac.

L’idea è quella di realizzare un arredo urbano completamente integrato con il contesto.

Installazione dinamica in due parti di MINI KAPOOOW!

Il team diretto da Anders Warming si è ispirato al classico graphic novel per celebrare lo spirito pop della MINI Paceman.

Cielo di rose rosse e seduta poetica presso Circolo Marras by Antonio Marras durante la presentazione di “Passavamo sulla terra leggeri”.

Siamo stati accolti da creatività, artigianato e street art presso le Officine Ansaldo – OCA

Era presente anche Marvellini – Fine Art insieme alle sue fotografie.

Durante il cocktail da Vivienne Westwood ‘New British’ with 100% Design incontriamo Diane Pernet con la sua eccentrica cover per iphone 5 di Jean Paul Lespagnard.

Insieme abbiamo apprezzato il design brasiliano presentato a Palazzo Giureconsulti.

La nostra settimana si conclude al Salone di Rho nel padiglione Satellite, dove abbiamo potuto apprezzare il lavoro svolto da Belgium is Design

Isola d’arredo essenziale e multiuso di Two Designers.

Laure Kasiers e i suoi spazi componibili.

Maria Volokhova presenta Still Life Stories, una serie di contenitori per alimenti multiuso. Forme che riecheggiano quelle dei dipinti Vanitas classici.

Questo articolo fa parte del progetto fotoblog di Fotosociality promosso da Samsung Italia, in cui i più influenti blog e webzine d’Italia racconteranno il loro mondo attraverso articoli ed immagini scattate con la nuova Galaxy Camera.

Questa volta introduciamo la loro nuova collezione SS 2013 “Vibrant Spirit”, che raccoglie le tendenze più forti di questi ultimi anni: sport, minimalismo e anni’90.

I look SS 2013 di The Four sembrano guardare e reinterpretare con classe alcuni riferimenti di stile degli anni ’90,difficile non pensare al mondo della notte e ai “ravers”: zainetti, micro gonne e pantaloncini dai tessuti tecnici, bomberini smilzi in velluto con piccole ananas stampate, abiti stretti,dritti e lunghi sempre in velluto,visiere riflettenti, cuffiette “pelose”, micro top che lasciano la pancia rigorosamente scoperta, pantaloni della tuta con il fondo stretto e arricciato.

Il tutto è alleggerito e ingentilito da una scelta cromatica soft, da tagli puliti e da un occhio attento e mai scontato alla contemporaneità. Il mix and match dei tessuti è in contrasto con la rifinitezza dei dettagli e degli inserti patchwork, elemento tra l’altro identificativo del trio. La scelta dei materiali spazia :velluto grigio e rame, broccati, neoprene e rete sono accostati a tessuti leggeri e trasparenti in tinte luminose : verde e rosa pallido, giallo limone, malva.

Ad aggiungere un tocco di stravaganza ai capi la scelta di inserire dettagli come il velcro, zip semi-trasparenti e rifiniture lucenti. Le stampe riproducono un’immagine “distorta” del Venice Skate Park di Los Angeles, luogo che,tra l’altro, ispira tutta la parte sporty della collezione: shorts, completi da jogging, giacche e pantaloni.

Non manca però una parte più “morbida”: le silhouettes ad “A” delle gonne e degli abiti, le minigonne e i vestiti con ampia scollatura posteriore aggiungono un appeal femminile e soft.

Vibrant Spirit è una collezione divertente e ironica,dove emerge con forza la voglia di raccontarsi ed esprimersi dei 3 giovani designer.

Uno dei modi per unire questi due territori, spesso in contrasto tra loro ma che in realtà si specchiano l’uno nell’altro, potrebbe consistere nel congiungere le due filosofie e farle confluire in un’unica grande visione multiforme, necessaria per affrontare l’opera di creazione da entrambe le angolazioni. 
Suüwu Park, giovane designer proveniente dalla Korea e sin da subito attentamente studiato dagli esperti del settore, riesce in questa impresa appoggiandosi soprattutto alle precedenti esperienze vissute prima di entrare nel mondo del fashion design. La sua formazione professionale, infatti, parte da una base scolpita nel design industriale per poi evolversi in uno sbocco stilistico di degna rilevanza.

Dopo la sua prima sfilata a Seul nell’Aprile del 2010, le sue creazioni hanno cominciato a rimbalzare nelle più grandi settimane della moda in giro per il mondo, approdando persino sotto i riflettori delle passerelle parigine. Il suo stile, dal look minimale e attento al dettaglio, si riconosce immediatamente da quella consapevolezza ritualistica della linearità, che da sempre contraddistingue l’allure delle creazioni asiatiche. La sua è una collezione che vive e respira geometria pura, spaziando dall’abito sino ad arrivare all’accessorio, compendio di tutta la visione del designer: è innegabile, infatti, la tangibilità fluente che caratterizza gli abiti del designer, derivante dagli approfonditi studi legati all’industrial design. L’intera serie di outfit proposti si basa su un’estrapolazione di forme che si costruiscono fra di loro in un geometrico gioco stilizzante.

E sono proprio le forme le protagoniste indiscusse nella visione del designer koreano. In una società in cui l’assidua sovraesposizione è diventata quasi una prassi, le riscoperte di una nuova filosofia minimale sorprendono, positivamente, il panorama del fashion. La donna che indossa i capi di Suüwu avvolge il proprio corpo tra diversi strati di tessuto che si intrecciano sapientemente tra di loro, formando abiti che sembrano plasmarsi direttamente sulle forme femminili, accompagnandole in un viaggio alla scoperta di un nuovo aspetto seduttivo.

L’approccio alle dinamiche cromatiche, invece, sembra passare ad un secondo livello solamente se ci soffermiamo ad un’analisi poco attenta: il nero, il bianco e il blu, da sempre colori sinonimi di eleganza, sono un coadiuvante importante nell’esaltazione formulistica dell’obiettivo di Suüwu, attento nel focalizzare l’attenzione nel suo complesso costruttivo, e non di puro e mero abbigliamento.

Il designer non dimentica, però, di quanto sia importante la costruzione architettonica perfetta per eccellenza, ovvero il corpo umano, ed è per questo che numerose sue creazioni spingono le forme umane a manifestarsi velatamente grazie ad un gioco di sovrapposizioni e trasparenze che lasciano ancora alla fantasia, tuttavia, molto da immaginare.

La filosofia di Suüwu, in definitiva, vede la moda esattamente come un universo legato indissolubilmente al concetto di capo d’arredamento, fondamentale per abitare – che, ricordiamo, ha la stessa radice di “abito” – la vita che abbiamo.

Nel 2010 lancia la sua prima collezione, fatta di un mix di influssi culturali; ciò che indossi identifica la tua appartenenza a un gruppo e la massima espressione di se stessi è quella che passa attraverso i vestiti. Le scarpe che scegli, il modo di portare un paio di pantaloni dicono chi sei.

Nel suo lavoro non si riscontra mai un riferimento diretto alle origini cinesi, ma la sua identità è sempre presente, le radici, così come l’aspetto fisico, non si possono cancellare. I richiami e le allusioni sono appena accennati e rappresentano un legame inossidabile di sangue.

In una fase in cui gli stilisti asiatici spopolano negli Stati Uniti e portano con sé una ventata di innovazione, in Europa, Li sfrutta il fatto di essere una novità per andare contro corrente e proporre qualcosa di diverso, che abbia l’energia e la forza di un giovane stilista. Sceglie di puntare sulla qualità e sul design.

E così, le silhouettes minimaliste tipiche degli anni Novanta prendono vita attraverso costruzioni double-face (una tecnica complessa che intreccia due tessuti differenti e li tiene legati con un filo finissimo piuttosto che con una cucitura), tessuti tecnici di ispirazione sporty e forme allungate. Come se non fosse abbastanza, Li sovverte le convenzioni mischiando dettagli realizzati sia a macchina che a mano e cucendoli sullo stesso indumento.

Li veste una donna moderna, forte e indipendente, che non ha bisogno di essere presa per mano e condotta nel mondo. I suoi capi sono funzionali e adatti a questo intento, raramente vedrete fronzoli, ornamenti superflui o accessori inutili, tutto è ideato per uno scopo ben preciso. Ciò che spicca è una predilezione per la monocromia e una propensione per i non-colori e i colori primari.

Le linee sono pulite e disegnano una femminilità appena accennata; una schiena scoperta, una cintura che stringe il punto vita, un top che lascia intravedere la pelle nuda. È la donna il centro del suo interesse e l’essenza del suo lavoro ma sembra essere sempre in bilico tra due nature: quella femminile e quella più androgina, fatta di giacche tuxedo, ampie camicie e bermuda al polpaccio.

Per la collezione SS2013, la doppietta creativa – George Bunker e Justin Mansfield, uniti insieme dall’ottobre del 2011 – traccia sì silhouette lineari, dai contorni netti e puliti, ma le ravviva sporcandole di colore. Colore che su felpe e varsity jacket sembra proprio apparire sotto forma di nastro adesivo: incolla tasche, unisce i pezzi, dinamizza i profili.

È come se i cerotti tecnici degli atleti olimpionici per un attimo diventassero moda. Un casualwear, pertanto, tutt’altro che casuale: pantaloni morbidi tagliati alla caviglia e giacche ben scolpite, a dimostrare che l’intento dei due designer, sempre alla ricerca di una compenetrazione tra le diverse dimensioni artistiche, si spinge oltre al grigiore di soluzioni tradizionali.

L’azzurro ciano, non a caso, fa da padrone, vivacizzando i toni. A seguire, la scelta di un pattern insolito, composto da teste e profili umani che sottolineano la volontà di risaltare l’individuo come tale. Un’intenzione che si delinea anche osservando la campagna fotografica, dove ritroviamo l’eco della scorsa collezione autunnale, ispirata all’era meccanica del XX secolo.Qui non ci sono certo macchinari futuristici, ma muraglie di ferro e palazzi di vetro eretti per scrutarci e proteggerci dall’alto. L’uomo è posto al centro di un ambiente animato da solide volumetrie, le cui ombre si riflettono sui materiali impiegati: cotone e technical fabric trasmettono un senso indiscusso di flessibilità e libertà motoria.

Stiamo camminando in punta di piedi sulle cime di strutture architettoniche tutt’altro che barocche, ma non abbiamo più paura perché vestiamo capi aerodinamici firmati Beau Homme, brand che non solo rende l’uomo bello, ma che con impegno fa del proprio sito web – www.beau-homme.com – un manifesto di pensiero: da condividere.

Pensata dai giovani architetti dello studio milanese Pilot-A e prodotta dall’azienda Tagliabue A&A di Cantù, Fillet si presenta con una linea sinuosa e moderna in cui tuttavia non manca un sapore tradizionale (sensazione forse suscitata dai materiali semplici, facilmente reperibili e a basso costo). Obiettivo: regalare ai cittadini un microspazio pubblico fruibile, comodo e funzionale.

Alluminio e legno (entrambi riciclati) convivono in un disegno semplice ma versatile. I profili metallici e gli inserti in legno sono sagomati per rispondere a diverse esigenze, dalla classica seduta al parcheggio per biciclette, fino a comporre nientemeno che un comodo sgabello con tavolino, per poter godere della sosta (a piedi o in bici), leggere, connettersi (grazie all’hotspot wifi), chiacchierare, lavorare o riposare, vivendo la propria città con piacevole calma (e un po’ di produttività).

Un progetto perfettamente in linea con la filosofia degli architetti Pilot, tutti giovanissimi: il loro lavoro si propone di sperimentare e innovare senza rinunciare alla qualità. E, non a caso, il nome “Pilot-A(rchitetti)” richiamerebbe proprio il volare alto, ma sempre con l’intenzione di rimanere ritti in piedi (esattamente come illustra il logo).

Date un’occhiata al loro sito www.pilotarchitetti.com

Se il primo è stato reso famoso da frasi come “What do I wear in bed? Why, Chanel no.5, of course” (Marilyn Monroe, n.d.r.) e la seconda rappresenta oggi uno status symbol quasi al pari della Birkin di Hermès (sarà l’inconfondibile lavorazione matelasse o il nome – 2.55, dal mese e l’anno in cui venne creata), del terzo pochi sanno che a renderlo davvero iconico è stata la giacca, prima e unica nel suo genere per costruzione, manifattura e vestibilità.

A Milano, per quasi tutto il mese di Aprile, una mostra fotografica ha celebrato questo incredibile capo d’abbigliamento: THE LITTLE BLACK JACKET è il racconto di Karl Lagerfeld e Carine Roitfeld della giacca più famosa e copiata del XX secolo, fatto attraverso i ritratti e le interpretazioni di celebrities internazionali – da Sarah Jessica Parker a Yoko Ono, da Riccardo Tisci a Roberto Bolle.

La giacca Chanel viene creata da Mademoiselle Coco nel 1954: conclusosi da poco il decennio ’40, con i suoi bustini e le sue vite strizzate, la stilista sente forte il bisogno di regalare alla donna quanta più libertà di movimento possibile. È così che nasce questo giacchino: strutturato ma senza fodera né spalline, dal sapore maschile – si ispira alle giacche da uomo austriache, con i suoi taschini sul davanti, studiati per metterci tranquillamente le mani dentro, in un gesto di assoluta non chalance e self-confidence.

Il tessuto – tweed, amatissimo da Mademoiselle Coco, i bottoni – gioiello, raffiguranti un leone, una camelia o semplicemente le due “C” del marchio, le rifiniture sul davanti e le tasche – bordini ton sur ton o in contrasto, la catenella interna – che conferisce peso alla giacca e garantisce una perfetta vestibilità: tutto ha contribuito a rendere questo capo uno dei protagonisti indiscussi della storia della moda.

Karl Lagerfeld le rende omaggio ad ogni collezione, stagione dopo stagione, dal 1983: colorandola, abbinandola ora alla gonna, ora al denim, più corta, più lunga – non importa. La mostra itinerante THE LITTLE BLACK JACKET è l’ennesimo “ringraziamento” a Mademoiselle Coco e alla sua creatività. Oltre ai ritratti esposti già a Tokyo, New York, Taipei, Hong Kong, Londra, Mosca, Sidney, Parigi, Berlino e Seoul (la mostra è “in viaggio” da un anno), a Milano sono state protagoniste anche delle stampe cotte su vetro, presentate in una sezione dedicata – Karl Lagerfeld Fire Engraving. Prossima tappa: Dubai, il 27 aprile 2013.

Se non siete riusciti ad andare alla mostra ma siete ugualmente curiosi di vederla, recuperate con un tour virtuale sul sito www.thelittleblackjacket.chanel.com

Questo articolo fa parte del progetto fotoblog di Fotosociality promosso da Samsung Italia, in cui i più influenti blog e webzine d’Italia racconteranno il loro mondo attraverso articoli ed immagini scattate con la nuova Galaxy Camera.

Quando e come nasce il vostro spazio? Si tratta di una fondazione ex-novo oppure le strutture (fisiche, ma anche associative/gerarchiche ove presenti) sono preesistenti? Qual è, in breve, la vostra storia? 
Elastico è un’associazione culturale che nasce a Bologna nel marzo del 2011.
La sua storia, però, affonda le radici in una precedente esperienza, durata due anni, con la quale esiste un rapporto di fortissima continuità sotto diversi punti di vista: la natura e l’ambito delle inziative culturali proposte, lo spazio che ospita l’associazione stessa e, in parte, le persone coinvolte nel progetto. Proprio un parziale cambiamento dei soci fondatori ha infatti determinato il cambio del nome dell’associazione. L’esperienza di Elastico nasce quindi indirettamente nel 2008, con la fondazione dell’associazione Fragilecontinuo, che è rimasta attiva fino alla fine del 2010.
Il gruppo iniziale comprendeva il duo di artiste TO/LET – ancora oggi presenti nella formazione di Elastico – che già da qualche tempo portava avanti un progetto di intervento e interazione su e con il tessuto urbano. L’associazione nacque, in un’atmosfera di grande semplicità, come l’espressione naturale di un bisogno, sentito dall’interno della produzione artistica, che percepivamo di condividere con molte altre persone, amici ma non solo: la mancanza, a Bologna, di spazi aperti, lontano dalle logiche della galleria, che potessero accogliere in totale libertà e indipendenza la produzione dei giovani artisti emergenti.
Con Fragilecontinuo abbiamo provato a dare la nostra personale risposta a questo bisogno condiviso, nel modo che ci venne più naturale possibile: creare un luogo che potesse ospitare ed essere continuamente trasformato dagli artisti che stimavamo. Abbiamo così iniziato il nostro percorso, mettendo a disposizione un minuscolo spazio appena fuori dal centro di Bologna, in via Paolo Giovanni Martini.
Non sapevamo esattamente quanto tempo saremmo riuscite a far vivere questa esperienza, che sentivamo come un piccolo atto di resistenza fragile, ma allo stesso tempo anche solido, perché profondamente voluto e sentito; da qui il nome, Fragilecontinuo. Ci siamo invece scoperte circondate da una sincera partecipazione fin dalla prima mostra che abbiamo ospitato. A partire da quel momento, proprio la vicinanza e il sostegno di molti artisti e di altrettanti amanti dell’arte ha fatto da carburante al nostro entusiasmo e alla nostra motivazione.
Dopo qualche mese, ci siamo trasferite nella attuale sede di vicolo de’ Facchini, nel cuore del centro storico e della zona universitaria. Ben presto, alle mostre si sono affiancate molte altre attività: concerti, proiezioni, reading, presentazioni di progetti di realtà affini, che hanno reso l’associazione uno spazio fluido e aperto a diversi linguaggi espressivi.
La nascita di Elastico ha segnato l’inizio di una nuova, seconda fase, più matura e consapevole: la nostra programmazione è diventata via via più ricca e varia e con sempre maggiore convinzione e forza abbiamo cercato lo scambio e la collaborazione con altre realtà indipendenti, italiane ma non solo.
A partire da gennaio 2013, infine, abbiamo inaugurato una nuova, seconda sede, Elastico Studio, in via Porta Nova 12, che va ad affiancarsi a quella ormai “storica” di vicolo de’ Facchini.

Quali sono state, ad oggi, gli eventi più importanti e più caratterizzanti, quelli che maggiormente denotano la vostra struttura?
Tutto ciò che abbiamo ospitato ci rappresenta profondamente, a prescindere dalla maggiore o minore popolarità o esperienza degli autori: è proprio nella scelta attiva di ogni singolo evento e di ogni singolo artista che costruiamo, esprimiamo e comunichiamo la nostra identità. Questo continua a rimanere possibile proprio perché Elastico è un’associazione culturale: non abbiamo quindi l’obbligo di fare scelte condizionate dal bisogno di rispondere a logiche commerciali che, comprensibilmente, hanno un certo peso in altri tipi di realtà. Ciò su cui basiamo i nostri criteri di selezione degli artisti sono infatti, esclusivamente, un’affine sensibilità, la stima reciproca e la condivisione di un progetto.
Spostando invece l’attenzione sulle tipologie di eventi che ospitiamo, via via cresciute nel tempo, sicuramente continua a caratterizzarci prima di tutto l’attività espositiva e, quindi, un forte legame con le arti visive.
A prescindere dal linguaggio espressivo, ci interessa comunque promuovere lo sviluppo e la diffusione di pratiche culturali e artistiche contemporanee, con particolare attenzione alla contaminazione tra linguaggi e ai progetti di giovani artisti emergenti.

In che ambiente nascete? Intendo a livello urbano e di atmosfere artistiche – se insomma, la città in cui operate è viva e attiva a prescindere dal vostro intervento o se invece siete un avamposto e laboratorio creativo?
E qual è la risposta della città e delle istituzioni cittadine alla vostra presenza? È uno scambio proficuo e le amministrazioni si sono rivelate interessate alla vostra attività? Si è creato un giro – di persone, di artisti, di energie – intorno a voi?
Elastico nasce su un terreno fertile: rispetto ad altre realtà di provincia, Bologna è una città che continua a rimanere abbastanza vivace, sia dal punto di vista delle proposte culturali, che da quello della sensibilità del pubblico. Crediamo quindi ci sia una buona predisposizione “genetica” all’accoglienza di un’esperienza come la nostra, cosa che abbiamo avuto modo di sentire, come già dicevamo, fin dall’inizio della nostra piccola storia. Nel tempo, poi, si è sicuramente creato un forte legame – di stima reciproca, ma anche di amicizia – non solo con persone singole, ma anche con altri gruppi o collettivi, non necessariamente di Bologna, che si è trasformato in alcuni casi in collaborazione diretta su singoli progetti.
Per ciò che riguarda invece le istituzioni, abbiamo cominciato da poco a sperimentare questo tipo di relazione, lavorando ad un progetto di festival – Cheap – che si terrà a Bologna dal 9 all’11 maggio 2013. In questo caso, la risposta delle istituzioni locali ci è sembrata sicuramente positiva e molto collaborativa.

Qual è la vita di uno spazio come il vostro? Che tipo di attività vi si svolgono all’interno?
Entrambe le sedi di Elastico sono aperte tutti i giorni, dal mercoledì al sabato, e le attività che vi si svolgono sono piuttosto varie. Sicuramente l’attività espositiva rimane preminente. Organizziamo però anche workshop, proiezioni, concerti, reading.

Come avviene la scelta delle attività e delle mostre? Chi decide cosa proporre al pubblico e come viene attuata questa decisione?
Sebbene abbiamo stabilito al nostro interno una suddivisione dei compiti piuttosto precisa per ciò che riguarda le attività operative, per scelta preferiamo comunque, al contempo, mantenere i confini tra i ruoli piuttosto fluidi. Forse qualche esempio può aiutare a spiegare meglio questa apparente “contraddizione”.
Per questioni di efficienza logistica, oltre che per valorizzare al meglio le personali competenze di ciascuna di noi, c’è sicuramente chi si occupa abitualmente degli allestimenti, piuttosto che della comunicazione o, ancora, degli aspetti più meramente tecnici nel caso dei concerti o delle proiezioni.
Esiste però un’area di attività – per noi sicuramente la più interessante e stimolante – che viene affrontata da sempre ed esclusivamente in modo collettivo: la ricerca e la scelta degli artisti e dei progetti che di volta in volta ospitiamo. Frequentemente ci incontriamo così al di fuori degli orari di apertura dello spazio per analizzare insieme le proposte che ci arrivano o per condividere collettivamente le idee che ciascuna di noi ha, valutandone insieme la reale fattibilità.

Quali sono le modalità di finanziamento? Esistono modalità di sostegno da parte di chi frequenta il vostro spazio, o aiuti da parte delle amministrazioni più o meno locali? Quali sono le difficoltà maggiori che trovate nel proseguire la vostra attività in un momento difficile come questo?
Per decidere di mantenere uno spazio in un momento sicuramente molto complesso dal punto di vista economico com’è questo, crediamo siano necessarie principalmente due qualità: una forte motivazione e una vivace inventiva. Per coprire le spese, ci siamo sempre mosse attraverso iniziative di autofinanziamento permesse dalla forma associativa, visto che la sola vendita delle opere non sarebbe sufficiente a sostenerci. Abbiamo poi al nostro interno un art shop dedicato esclusivamente ai multipli d’artista e alle autoproduzioni.

Quali sono le vostre modalità di promozione? Siti, social network, altro?
Fin dalla nostra prima mostra abbiamo portato avanti un’azione di ufficio stampa diretta principalmente ai media locali e ai magazine on line che si occupino di tematiche artistiche e culturali. In parallelo, comunichiamo direttamente le nostre iniziative al nostro pubblico attraverso  sito, newsletter e pagina Facebook, che aggiorniamo costantemente. Il web è quindi certamente importantissimo nel nostro caso, non solo perché ci permette di comunicare con realtà distanti geograficamente, ma anche perché ci consente di ridurre i costi di stampa, ad esempio dei flyer, per ciò che riguarda il pubblico locale.

E quali sono le reti tra i vari spazi espositivi italiani? Conoscete, siete in contatto con esperienze simili alla vostra disseminate sul territorio?
Avete mai portato avanti progetti comuni? Credete possa essere un’idea interessante, un modo per mettere insieme menti e progetti simili?
Ricercare attivamente il contatto con realtà affini è indispensabile, per noi, non solo perché è stimolante, ma anche perché crediamo fortemente nel fatto che stia diventando sempre più importante e decisivo fare rete. Conosciamo quindi certamente molti altri gruppi che portano avanti progetti che apprezziamo, stimiamo e sosteniamo, cercando ad esempio anche solo di diffonderli attivamente presso chi ci segue, quando non siamo coinvolte direttamente.
Non ci riferiamo solo ad altre associazioni culturali o gallerie, ma anche a festival e a progetti più temporanei, che nascono da aggregati meno “strutturati”, più fluidi, i cui componenti non necessariamente lavorano insieme continuativamente. In alcuni casi, infatti, proprio i festival sono stati un’occasione importante per conoscere nuovi artisti che abbiamo poi invitato ad esporre ad Elastico; è questo il caso, ad esempio, di Crack, che, interamente dedicato all’arte stampata e disegnata, viene organizzato a Roma a cadenza annuale.
Sempre i festival, insieme ad altre manifestazioni culturali non necessariamente incentrate sulle arti visive, ci hanno poi permesso di stringere rapporti più stretti e personali con spazi e associazioni, che in precedenza conoscevamo più indirettamente. A questo proposito, molti sono gli esempi anche in città (BilBOlBul, Arte Fiera, roBOt, Fiera del libro per ragazzi, Future Film Festival, Gender Bender e molti altri).
Su questo terreno fertile è naturale che possano svilupparsi collaborazioni dirette, in cui le diverse storie e competenze, spesso complementari, confluiscono in un progetto comune. Proprio in questo modo è nato il nostro rapporto con il TPO, che si è sviluppato nell’organizzazione di un festival – il già citato Cheap – che ha voluto fortemente a sua volta coinvolgere altre realtà del territorio.
Cheap è infatti un progetto che si sviluppa su tre piani. Da un lato abbiamo lanciato una Open Call attraverso cui invitiamo gli artisti ad inviarci i loro lavori di poster art, che andremo poi ad affiggere, nei giorni del festival, in spazi pubblici che abbiamo individuato insieme alle Amministrazioni locali in quattro diversi quartieri cittadini (San Vitale, San Donato, Porto e Navile). Dall’altro, nelle stesse date (9-10-11 maggio 2013), quattro artisti invitati dall’organizzazione del festival realizzeranno ciascuno un progetto site specific di poster art, che tenga conto dell’identità e della storia dei singoli quartieri. Infine, una rete di spazi espositivi che abbiamo scelto all’interno della città e di cui stimiamo il lavoro ospiteranno una serie di mostre dedicate ai poster d’arte e, in alcuni casi, anche workshop.

Quali sono gli altri progetti in calendario per quest’anno?
Il nostro calendario è già programmato per molti mesi a venire, segno del fatto che sicuramente continua a rimanere molto viva la richiesta, da parte dei giovani artisti, di spazi espositivi che possano ospitare i loro progetti. Per tutti i dettagli, seguiteci sul nostro sito o sulla nostra pagina facebook.

La sua carriera prende il via quando s’iscrive al London College of Fashion. A fine corso, svolge uno stage presso Charles Anastase dove ha modo di affinare una manualità appresa da autodidatta grazie ai tutorials di You Tube. L’artigianalità è parte fondamentale e integrante del suo concetto di stile: LO forgia e utilizza qualsiasi materiale, si serve massicciamente del tricot che lavora ai ferri egli stesso accostandolo ai più disparati tessuti – preferibilmente, al tulle – aggiungendovi fiocchi e orpelli in gran quantità.

Nasce così il suo massimalismo, ispirato da eroine cine-televisive iconiche nella loro dicotomia tra la malvissuta singletudine e una brillante carriera come Bridget Jones, Ally McBeal, Miranda Hobbes. Questi personaggi perennemente alla ricerca costante e fiduciosa dell’amore lo affascinano. Questo mood viene espresso nella sua collezione Primavera/Estate 2013 tramite abiti che evocano una femminilità enfatica e densa di analogie stilistiche con i prom dress americani anni ‘60. Un look frou-frou che si giostra tra fantasie floreali, stampe glitterate, broccati, materiali iridescenti e tulle declinati in ogni nuance del rosa: la tonalità ad hoc per le sognatrici del XXI secolo, una sorta di “terapia d’urto” che funge da sovversivo antidoto al minimalismo e diviene parte integrante del progetto stilistico del designer.

Estro e originalità sono le doti che hanno favorito l’inclusione di Ryan LO tra i designer emergenti promossi dal progetto non-profit Fashion East, che si propone di offrire ai giovani talenti più promettenti la possibilità di avviare una carriera nel mondo della moda e di presentare le proprie collezioni alla London Fashion Week. Il Fashion East ha dato modo Lo di lanciare la sua collezione affiancato da Claire Barrow e Maarten Van Der Horst.

In Ryan LO l’estrema ricercatezza sartoriale e l’artigianalità di alto livello si fondono trovando nel gusto per l’ornamento e in uno scenografico mix di forme, volumi e tessuti i loro connotati più peculiari. Balenciaga meets bubble-gum, così LOVE Magazine ha definito la sua sperimentazione avant-garde che sottolinea, anche nei contrasti tra materiali, un’inventiva senza limiti. I temi base dell’universo stilistico di Ryan LO prendono forma da una fantasia imbevuta di romantiche suggestioni che si riallacciano ai trend della moderna pop culture e ad una femminilità a cui il designer guarda quasi con gli occhi di un bambino. Motivi che, armonizzati a dovere, si concretizzano in abiti il cui must si riassume in un unico, prioritario requisito: quello della spettacolarità.

Ma chi c’è dietro alla Live Arts Week? Xing, network nazionale che che con sguardo interdisciplinare progetta eventi e produzioni intorno ai temi della cultura contemporanea, con una
particolare attenzione alle tendenze generazionali legate ai nuovi linguaggi.
Palcoscenico preferenziale dei vari eventi sarà il Mambo – Museo d’arte moderna di Bologna, ma non solo – Cinema Lumière, Garage Pincio e Cassero ospiteranno eventi collaterali dell’interessante programma della Live Arts Week. Un’intera città coinvolta e invitata ad assistere alle produzioni di Tony Conrad, Lucio Capece, Daniela Cattivelli, Dracula Lewis/Out4Pizza, Goodiepal, Helm, Rose Kallal/Joe DeNardo, Junko, Sun Araw, Pierre Huyghe, Riccardo Benassi, Marcel Türkowsky/Elise Florenty, Alix Eynaudi, Anne Juren/Marianne Baillot/Alix Eynaudi/Agata Maszkiewicz, Sara Manente, Muna Mussie, Nature Theater of Oklahoma, Eszter Salamon/Christine De Smedt, Mårten Spångberg, Dmitry Paranyushkin.

Molte anche le produzioni in prima, italiana e anche assoluta, tra cui contiamo l’installazione di apertura di Marcel Türkowsky/Elise Florenty, We, the frozen storm (visibile al Garage Pincio da martedì 16), la sound performance di Daniela Cattivelli – una produzione Xing/Live Arts Week, come pure Techno Casa – Allegato 1,12 Kb di Riccardo Benassi (entrambe mercoledì 17 presso il Mambo) o Lucio Capece Conditional Music – MAMbo ben temperato.
Molte le altre produzioni inserite in questa ricca settimana. Ma sabato sera, se siete a Bologna, non potete perdervi l’evento che la Live Arts Week ha organizzato al Cassero: dalle 24.00 vi aspettano Alex Smoke/Hum+Haw, Soma, Vakant e Miss Kittin, preceduti al Mambo dal concerto di Helm (Luke Younger), sound artist e musicista sperimentale londinese, acclamato come una delle recenti sorprese dello sperimentalismo elettronico, e fondatore della Alter, etichetta con la quale ha prodotto artisti come Hieroglyphic Being e Richard Youngs.

Il programma è visibile sul sito www.liveartsweek.it a cui vi rimandiamo per tutte le altre informazioni. Qua, andando alla sezione Video Channel, potrete anche guardare alcune delle produzioni e seguire il festival anche da lontano.

Ma per chi volesse un ricordo materiale della settimana, Live Arts Week pubblica un quaderno con interventi di artisti, critici, osservatori e teorici: «Non una guida, né un catalogo strettamente inteso. Sono materiali eterogenei, frutto di un lavoro di assemblaggio, produzione e prelievo dal flusso complessivo del mondo culturale dell’inizio del XXI secolo».

L’immagine coordinata di Live Arts Week II è a cura di Invernomuto; il set disegn degli spazi di MAMbo con sculture funzionali di legno riciclato, intitolato Hurly Burly Dr. Team, è a cura di Canedicoda con la collaborazione di Mirko Rizzi; la sonorizzazione degli ambienti è a cura di Musica Moderna.

Perché è questo in definitiva Ruvain (“rumoreggiare” nella loro amata lingua), un’ opera musicale che non ti aspetti da un esordio nel belpaese: 14 tracce che trasudano psych folk ammiccante al pop, armonie vocali degne del miglior Brian Wilson, testi scritti in inglese, spagnolo, italiano (L’attesa di Maicol), cimbro. Tutto ciò unito ad un forte senso identitario, come una quercia secolare radicata nella loro Vaggimal. Ed è proprio da questa perfetta alchimia, che assorbe l’alterità per poi riconsegnarla come qualcosa di proprio, che sta la grandezza di Ruvain. Parafrasando le parole dei nostri, “è la documentazione cruda e sincera di jam session notturne, a base di armonie vocali. Jam session spesso finite all’alba, quando il paese di Vaggimal si sveglia per iniziare una nuova giornata”.

E il senso del risveglio, del sorgere dal torpore per scoprire un’esplosione di colori e felicità avvolge tutte le tracce, trovando il suo tripudio in passaggi come Pamukkale in E (registrata in presa diretta in analogico) o Uno Tempo, ed evocativa è l’impressione (nell’accezione pittorica del termine) dello spaccato prealpino che si va a esplorare con lo scorrere delle tracce: viaggi fisici e mentali, paesaggi di collina, ruscelli, giorni della settimana da dimenticare (Ten Dark Wednesday), marinai spagnoli (Josè) e panettieri notturni che, loro malgrado, sono catalizzatori per la traccia fondamentale dell’album, Testi’s Baker/Jung Neil: 10 minuti e 3 secondi di sperimentazione sonora e fantasie lisergiche, figli legittimi di un’improvvisazione elettrica che può nascere solo in seno all’esperienza della registrazione in presa diretta, vero punto di forza di Ruvain, e emozionalmente e musicalmente tutto Singar in un solo pezzo.

Un disco vero, opulento ma mai barocco, corale, magico ed evanescente; la conferma che là, nel nord-est del paese che sembra una scarpa, di cantastorie raminghi capaci di far sognare rendendo magica la realtà che li circonda ce n’è come pochi.

Ed ecco che il Tumblr svolge la funzione di zoo virtuale (senza gabbie, ovviamente!) in cui le simpatiche creazioni del fotografo ed illustratore spagnolo possono essere condivise sul web o acquistate in diverse misure e prezzi.

D’altronde, chi di noi non vorrebbe decorare il proprio salotto con dei simpatici quadri che raffigurano un panda rosso in gilet e camicia o un macaco in divisa da segretario?

www.zooportraits.com

www.yagopartal.com