L'Entracte

Le Sixième Sens, ou la véritable confirmation de Michael Mann

2018-08-26T08:33:00.000+02:00

Titre original : Manhunter

Date de sortie française : 22 avril 1987

Réalisateur : Michael Mann

Scénario : Michael Mann, d'après le roman "Dragon Rouge" de Thomas Harris

Photographie : Dante Spinotti

Montage : Dov Hoenig

Musique : The Reds et Michel Rubini

Durée : 2h

Avec : William Petersen, Kim Greist, Joan Allen, Brian Cox, Dennis Farina, Tom Noonan, Stephen Lang

Synopsis : Aux États-Unis, l'agent fédéral William Graham vit retiré de ses obligations professionnelles depuis qu'il a été gravement blessé par le dangereux psychopathe cannibale Hannibal Lecktor incarcéré par la suite. Jack Crawford, un ancien collègue du FBI, le contacte pour qu'il l'aide à arrêter un tueur en série, Dragon rouge, qui assassine des familles lors des nuits de pleine lune. Pour réussir sa mission, Graham va se mettre à penser comme le meurtrier et va notamment consulter, dans ce sens, le détenu Hannibal Lecktor, éminent psychiatre s'il en est malgré sa démence. (Source : Wikipédia)

Analyse et avis

S’il est un réalisateur qui aura su s’imposer dès ses débuts au cinéma comme un des plus grands de son époque, c’est bien Michael Mann. Alors qu’il est contemporain de beaucoup de réalisateurs appartenant à la deuxième génération du Nouvel Hollywood, Mann a fait ses armes dans le documentaire et la publicité, en parallèle de l’école de cinéma qu’il fréquentait à Londres. Lors de son retour aux Etats-Unis, il participe à plusieurs séries télévisées mais n’est pas encore « mûr » pour tourner des films. Son premier long-métrage, The Jericho Mile (Comme un Homme Libre en VF, titre intéressant car il contient déjà un élément central à sa filmographie : la liberté inaccessible) est diffusé à la télévision en 1979 mais son succès critique l’amènera (tel Duel de Steven Spielberg) à bénéficier d’une sortie cinéma en Europe.

Ce premier jalon posé, qui présente d’ailleurs déjà toute la rigueur du travail du cinéaste, Mann transforme l’essai avec son premier film de cinéma, Thief (Le Solitaire en VF), avec James Caan dans le rôle-titre, qui sort sur grand écran en 1981. Le train du Nouvel Hollywood est évidemment déjà passé pour lui mais cette spécificité lui conférera directement une position très particulière dans le cinéma américain, jusqu’à aujourd’hui encore : il sera toujours à la frontière entre le classicisme et la modernité, sans pour autant être défini comme ce que les critiques cinéma aiment bien appeler un cinéaste post-moderne. Si Thief contient déjà énormément de thématiques chères au cinéaste, le côté visuel, pourtant déjà remarquable, est encore en rodage et l’aspect assez publicitaire de sa mise en scène, pourtant très encré dans son époque, tout comme un certain Ridley Scott qui a fréquenté la même école londonienne que lui, peut interloquer aujourd’hui.

Après The Keep (La Forteresse Noire), film totalement charcuté par la production mais qui demeure intéressant pour ce qu’il demeure la seule incursion du réalisateur dans le genre fantastique, Michael Mann tourne ce qu’on peut considérer aujourd’hui comme l’essence absolue de tout son cinéma, autant formellement que thématiquement : Manhunter (renommé Le Sixième Sens chez nous), première adaptation du Dragon Rouge de Thomas Harris, dont il est question ici.

Manhunter commence directement (après une introduction en vue subjective) sur un motif qui deviendra récurrent chez Michael Mann : l’homme face à un ailleurs, à une liberté illusoire (ici l’océan). C’est dans ce cadre que débute une histoire qui elle aussi deviendra un motif répétitif chez Mann : l’histoire d’un homme qui va travailler. Cet homme c’est Will Graham (William Petersen), expert en profilage criminel pour le compte du FBI qui jouissait d’une retraite anticipée après s’être fait attaquer par le tueur en série Hannibal Lecktor (Brian Cox) qu’il a par la suite capturé. Il est mis sur la piste d’un nouveau psychopathe qui sévit chaque mois à la pleine lune et va utiliser ses talents pour le retrouver.

Comme mentionné, presque tout le cinéma de Michael Mann est déjà concentré dans les 5 premières minutes du film, un héros, professionnel et perfectionniste (comme Mann lui-même), va se mettre à traquer un individu qui peut être considéré comme son double. Graham va le sonder, essayer de penser comme lui pour le retrouver.

La figure du double, qu’on retrouvait déjà notamment chez De Palma et, par extension, chez Hitchcock, a pris une dimension nouvelle chez Mann tant elle est présente, que ce soit dans Manhunter, Heat ou Collatéral pour ne citer que les plus évident. Ces personnages sont toujours deux faces d’une même pièce, ne vivent souvent qu’à travers l’autre et l’un doit traquer l’autre pour accéder à lui-même.

Ces doubles ne sont souvent séparés que par une seule chose essentielle : la barrière de la justice. Graham incarne la justice tandis que Francis Dolarhyde (Tom Noonan) est censé l'affronter C’est d’ailleurs de manière très symbolique que Graham, à la fin du film, passe à travers une vitre pour arrêter Dolarhyde : il brise cette barrière qui les sépare pour finalement devenir lui-même tueur, tel est le prix à payer pour apaiser sa conscience. Tom Noonan avait d’ailleurs demandé personnellement à Michael Mann d’être isolé de William Petersen durant tout le film afin que la confrontation entre leurs personnages corresponde également à la première confrontation entre les deux acteurs. Mann a évidemment trouvé l’idée géniale et l’impact de cette séquence de lutte n’en est que plus grand.

Le film se conclut avec un plan similaire au plan d’ouverture sur la plage où Graham et sa famille semblent heureux mais est-ce vraiment le cas ? Un problème a été réglé mais d’autres tueurs suivront. Comme souvent, derrière son aspect happy ending, la réalité est souvent bien plus ambiguë chez Michael Mann, ce n’est qu’une partie d’un cycle qui nous est montré ici.

La famille, d’ailleurs, est également un thème récurrent de la filmographie de Michael Mann. Plus précisément, c’est l’incapacité à allier vie privée et vie personnelle qui déchire tous les personnages manniens dont Graham en est un des plus beaux représentants. En se remettant au travail, il sait qu’il risque d’exposer sa femme et son fils et de les mettre en danger. C’est cependant un risque qu’il accepte de prendre car il ne peut être en paix avec lui-même s’il ne le fait pas.

Les séquences familiales sont d’ailleurs toujours importantes et Mann réussit à les détourner pour en faire quelque chose de beau qui s’éloigne des clichés habituels du genre, en témoigne la séquence entre Graham et son film dans les rayons d’un supermarché, petit clin d’œil de Mann à sa propre adolescence où il travaillait dans une supérette.

Mann continue donc de développer les grands axes de sa filmographie et les points communs avec Le Solitaire et Comme un Homme Libre sont déjà extrêmement nombreux. Au-delà de ça, c’est surtout d’un point de vue formel que Mann montre tout son talent. Outre sa mise en scène toujours autant atmosphérique, son ambiance urbaine et nocturne, Manhunter est un délice visuel de tous les instants. Le film marque la première collaboration entre Michael Mann et Dante Spinotti, qui éclairera par la suite Le Dernier desMohicans, Heat, Révélations et Public Enemies. Le bleu, couleur fétiche de Michael Mann, symbole du héros et du foyer, n’a jamais été autant présent et beau que dans Manhunter.

Le blanc, généralement couleur de la pureté, englobe entièrement la pièce dans laquelle Lecktor est enfermé et est donc radicalement détourné par Michael Mann qui représente souvent les institutions (telles les prisons ou les tribunaux) de cette couleur.

Le vert et le rouge, couleurs du danger chez le réalisateur, sont omniprésent dans la maison de Dolarhyde où il emmène le personnage de Reba (Joan Allen). Michael Mann et Dante Spinotti donnent au film une cohérence visuelle folle tout en permettant au cinéaste d’atteindre de nouveaux horizons formels.

Pour la première fois, Michael Mann ne collabore pas avec Tangerine Dream pour la musique de Manhunter, alors que le groupe allemand participait grandement à l’ambiance musicale de Thief et The Keep. A la place, Mann décide d’utiliser des musiques existantes, toujours à base de nappes synthé, notamment Shriekback, pour un résultat assez incroyable du fait de la mélancolie qu’elle dégage. Le cinéma de Mann a toujours été mélancolique (et romantique !) et la musique joue un rôle très important dans l’ensemble. Repensons notamment à cette magnifique séquence où Dolarhyde emmène Reba chez un vétérinaire pour lui faire caresser un tigre endormi. Mann filme ça comme personne tandis que l’on voit Dolarhyde en second plan à la limite de la jouissance devant ce spectacle. C’est une de ces séquences hors du temps, sans dialogues, uniquement de la musique, comme il y a en dans tous les films du cinéaste.

Manhunter c’est véritablement le film de la confirmation pour Michael Mann, celui qui le mènera, 6 ans plus tard, à son plus grand succès : Le Dernier des Mohicans.

Plus qu’une simple adaptation, Manhunter est une proposition de cinéma, un condensé de ce que sont les années 80 pour un cinéaste singulier. On ne le savait pas encore en 1986, mais ce film ouvrira la voie à toute une saga sur le personnage de Hannibal Lecter, dont une nouvelle adaptation de Dragon Rouge par Brett Ratner en 2002, médiocre au possible.

Bien que n’étant pas le film le plus connu de son auteur, Manhunter demeure un de ses meilleurs films et un de ceux qui regroupe le plus ses multiples obsessions. Une œuvre immense d’un cinéaste qui l’est tout autant.

Dunkerque (2017)

2017-07-23T15:40:00.000+02:00

Titre original : Dunkirk

Date de sortie française : 19 juillet 2017

Réalisateur : Christopher Nolan (également scénariste)

Photographie : Hoyte Van Hoytema

Montage : Lee Smith

Musique : Hans Zimmer

Durée : 1h46

Avec : Fionn Whitehead, Mark Rylance, Jack Lowden, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Harry Styles, Cillian Murphy, James D'Arcy

Synopsis : Au début de la Seconde Guerre mondiale, en mai 1940, environ 400 000 soldats britanniques, canadiens, français et belges se retrouvent encerclés par les troupes allemandes dans la poche de Dunkerque. L'Opération Dynamo est mise en place pour évacuer le Corps expéditionnaire britannique (CEB) vers l'Angleterre.

L'histoire s'intéresse aux destins croisés des soldats, pilotes, marins et civils anglais durant l'Opération Dynamo. Alors que le CEB est évacué par le port et les plages de Dunkerque, trois soldats britanniques, avec un peu d'ingéniosité et de chance, arrivent à embarquer sous les bombardements. Un périple bien plus grand les attend : la traversée du détroit du Pas de Calais. (Source : Wikipédia)

Mon avis

La sortie d'un film de Christopher Nolan est toujours un événement important dans le petit monde du cinéma. Vénéré comme un dieu par certains, conchié par d'autres, le réalisateur britannique s'est construit, depuis sa trilogie Dark Knight, une réputation d'auteur de blockbusters dits "intelligents", qui surnagent par rapport à la concurrence (mais vu celle-ci, on serait tenté de dire que l'exploit est plutôt mince).

Le cinéma de Nolan a toujours occupé une place assez importante chez moi : c'est véritablement après Inception que j'ai commencé à développer ma cinéphilie et c'est à l'occasion de la sortie de Interstellar (dont vous pouvez retrouver la critique ici) que j'ai lancé ce blog. Ces deux films (ainsi que The Dark Knight) occupent d'ailleurs toujours une haute place dans mon estime. Il faut aussi dire que le style du cinéaste m'a toujours particulièrement parlé et ce, malgré les défauts qu'il traîne avec lui depuis ses débuts et qui ont tendance à s'accentuer avec le temps mais j'y reviendrai.

On dit souvent qu'aborder le cinéma de guerre est un passage quasi obligatoire pour tout grand cinéaste qui se respecte : des auteurs hautement reconnus tels que Stanley Kubrick (Les Sentiers de la Gloire / Full Metal Jacket), Sam Peckinpah (Croix de Fer), Francis Ford Coppola (Apocalypse Now) Steven Spielberg (Il faut Sauver le Soldat Ryan), Ridley Scott (La Chute du Faucon Noir) ou encore Clint Eastwood (Mémoires de nos pères / Lettres d'Iwo Jima) pour ne citer qu'eux, s'y sont tous attaqués avec succès. Autant dire que le poids sur les épaules de Christopher Nolan n'était pas négligeable et qu'il se devait de ne pas se rater. Comment allait-il traiter le sujet ? Serait-ce enfin ce qu'on pourrait appeler le film de la maturité ?

Dunkerque revient sur l'Opération Dynamo, événement important de la Seconde Guerre Mondiale, qui a permis à près de 340'000 soldats alliés, entourés par les forces allemandes, d'être évacués des plages de Dunkerque. Christopher Nolan se concentre exclusivement sur trois personnages : Tommy (Fionn Whitehead), soldat du corps expéditionnaire britannique, M. Dawson (Mark Rylance), capitaine d'un petit bateau réquisitionné pour récupérer les soldats à Dunkerque et Farrier (Tom Hardy), pilote d'un Spitfire. Trois hommes, trois destins mais également trois temporalités...

Nolan a toujours aimé jouer avec le temps en le manipulant (Inception, Interstellar) ou en l'inversant (Memento). Il reproduit ici donc l'expérience en présentant ses séquences étalées sur 1 semaine (partie dite du môle), 1 jour (le bateau de M. Dawson) et 1 heure (Farrier). Idée intéressante mais qui devient assez rapidement difficile à suivre, sans parler des incohérences que ça introduit.

Nolan a vite présenté ses intentions de faire de Dunkerque une expérience sensorielle avant tout. Cela signifie donc une immersion totale et très peu de dialogues, le récit se concentrant vraiment sur ce que vivent les protagonistes et c'est malheureusement à double tranchant car autant Nolan (et son chef opérateur Hoyte Van Hoytema) est un très bon artisan de l'image, le scénario et l'écriture des personnages ont beaucoup de peine à suivre.

Pourtant le film commence sur des chapeaux de roues avec une séquence présentant Tommy et d'autres soldats anglais en train de fuir les rues de Dunkerque en direction de la plage. Cette séquence est probablement une des meilleures du film et montre que Nolan a un sens certain de la mise en scène en décidant de ne pas montrer d'où vient la menace, comme si celle-ci était invisible.

Une entrée en matière enthousiasmante donc mais qui va rapidement laisser place à un des défauts majeurs du film : son manque d'émotions ! Avant d'être un film de guerre, Dunkerque est d'abord un film de survie et pour entrer dedans, il faut craindre pour les personnages, ressentir de l'empathie pour eux. Or aucun de ceux-ci n'est véritablement développé et ils sont tous assez mal écrits. Comment voulez-vous obtenir un film de survie convainquant quand les personnages eux-mêmes ne vivent pas à l'écran, qu'ils sont uniquement des coquilles vides ? Iñarritu y arrivait bien dans The Revenant car son cinéma sait être viscéral quand il le faut, ce qui n'est pas le cas de celui de Nolan qui est beaucoup trop froid pour ça. Au final, on se retrouve donc avec un film que l'on regarde plus qu'on ne vit et c'est vraiment dommageable quand l'objectif avoué du film est justement de faire vivre une expérience au spectateur.

J'avais déjà relevé un problème de mixage sonore dans Interstellar mais ça ne dérangeait pas outre mesure car la BO de Hans Zimmer était de qualité. Sur Dunkerque, le compositeur allemand collabore une nouvelle fois avec Christopher Nolan et on retrouve à nouveau le même problème mais bien plus dérangeant car la musique de Zimmer dessert totalement le film et la possibilité d'immersion dans celui-ci. Pour donner une idée, toutes ses compositions sont basées sur des tic tacs en crescendo très grossiers sensés appuyer le suspense. Le problème c'est que si Nolan avait plus confiance en ses propres images, il n'utiliserait pas autant la musique : on sait qu'il y a du suspense, de la tension, pas besoin de venir le souligner pendant 1h40 avec la musique. Et c'est là où le bât blesse véritablement, au lieu d'être pris dans le film on en est tenu à l'écart par la lourdeur des "bruits" de Hans Zimmer.
Pourtant le film ne manque pas de passages vraiment tendus et anxiogènes mais il manque la simplicité, la sobriété que devrait donner Nolan à ses images. Certaines des plus belles séquences du métrage, comme celle où un Spitfire en panne sèche perd de l'altitude et est filmé en travelling latéral (avec d'ailleurs une vue sur des bâtiments totalement anachroniques en arrière-plan mais passons), perdent beaucoup en émotion à cause des compositions de Zimmer qui arrive avec ses gros souliers.

C'est très frustrant d'en arriver là car Nolan n'a pas lésiné sur les moyens pour reconstituer la bataille de Dunkerque : milliers de figurants, utilisation des trucages numériques à son minimum, utilisation de vrais Destroyers...L'arrivée de Hoyte Van Hoytema en tant que chef opérateur depuis Interstellar en remplacement de Wally Pfister n'a été que du bonus pour Nolan, Dunkerque étant probablement son plus beau film (les séquences aériennes n'ont pas à rougir face à un film comme La Bataille d'Angleterre par exemple). La question est : peut-on vraiment se contenter d'un beau film lorsque le film échoue dans sa véritable entreprise ? Quand on connaît le potentiel de Christopher Nolan, la réponse est sans appel : non !

Le constat est donc mitigé : nul doute que Dunkerque est un film agréable, qui offre probablement la meilleure reconstitution possible de l'Opération Dynamo et qui a le mérite de ne pas être trop long (1h46, rappelons que Interstellar durait 1 heure de plus). Il est cependant regrettable que Nolan recherche en permanence la sidération, quitte à user d'effets qui desservent sa mise en scène. Sa collaboration avec Hans Zimmer atteint clairement ses limites et peut-être qu'il serait temps pour le cinéaste de chercher de nouveaux horizons au risque de s'enliser dans un style dont il commence déjà à être prisonnier.

Nul doute que certains spectateurs réussiront à entrer dans le film pour le vivre véritablement de la façon pensée par le réalisateur, mais peut-on réellement s'en contenter ? Là où beaucoup de grands réalisateurs ont signé de très grands films de guerre (voir la liste non exhaustive plus haut), Christopher Nolan signe malheureusement un de ses films les plus oubliables, incapable de vraiment décoller et nous laissant finalement comme simples spectateurs qui suivent passivement un groupe de personnages sans vie.

Le métrage va évidemment fonctionner en salles, la question qui se pose aujourd'hui est plutôt : que va faire le cinéaste maintenant ? Va-t-il enfin prendre conscience qu'il est un très bon artisan d'image et nous proposer enfin ce fameux film de la "maturité" ou va-t-il revenir à ce qu'il faisait avec Inception et Interstellar où ses défauts étaient plus facilement noyés dans le grandiose permanent ? C'est à lui-même qu'il appartient de répondre à cette question.

Baby Driver (2017)

2017-07-12T13:55:00.002+02:00

Titre : Baby Driver

Date de sortie française : 19 juillet 2017

Réalisateur : Edgar Wright (également scénariste)

Photographie : Bill Pope

Montage : Jonathan Amos et Paul Machliss

Musique : Steven Price

Durée : 1h55

Avec : Ansel Elgort, Jon Bernthal, Jon Hamm, Eiza González, Lily James, Kevin Spacey, Jamie Foxx, Micah Howard

Synopsis : Chauffeur pour des braqueurs de banque, Baby a un truc pour être le meilleur dans sa partie : il roule au rythme de sa propre playlist. Lorsqu’il rencontre la fille de ses rêves, Baby cherche à mettre fin à ses activités criminelles pour revenir dans le droit chemin. Mais il est forcé de travailler pour un grand patron du crime et le braquage tourne mal… Désormais, sa liberté, son avenir avec la fille qu’il aime et sa vie sont en jeu. (Source : Allociné)

Mon avis

On l'aura attendu ! Après avoir claqué la porte au projet Ant-Man, qu'il préparait depuis de nombreuses années, car il refusait de se soumettre au formatage Marvel (sans parler du fait que le scénario avait été réécrit dans son dos), le génial Edgar Wright s'était fait assez discret sur son nouveau film. On savait qu'il s'agirait d'un film de braquage avec Ansel Elgort (Divergente, Nos Étoiles Contraires) accompagné d'un casting haut standing mais sans une pléthore d'informations non plus.

Il faut dire qu'avec son nouveau bébé, Wright était attendu au tournant. Le réalisateur britannique s'est déjà affirmé, en l'espace de 4 films dont sa fameuse trilogie Cornetto avec Simon Pegg et Nick Frost, comme un petit génie de la comédie portée par une mise en scène et un montage virtuoses. Ses trouvailles visuelles lui ont très vite conféré un statut d'auteur assez unique dans le paysage cinématographique actuel.

Après avoir revisité le film de Zombie (Shaun of The Dead), le film policier (Hot Fuzz), la science-fiction (Le Dernier Pub avant la Fin du Monde) et s'être essayé brillamment à l'adaptation de comics (Scott Pilgrim), Edgar Wright change donc une nouvelle fois de registre avec Baby Driver mais est-ce que le film répond aux attentes ?

Baby (Ansel Elgort) est un jeune homme, as de la conduite, qui travaille comme chauffeur dans le cadre de braquages afin de rembourser une dette qu'il doit à un big boss du crime (Kevin Spacey). Passionné de musique, ses écouteurs vissés dans ses oreilles, Baby vit au rythme de ses playlists qui l'aident en plus à diminuer les effets désagréables de ses acouphènes dont il souffre à la suite d'un accident de voiture quand il était enfant. Cependant, il va un jour rencontrer Debora (Lily James), la fille de ses rêves et va décider de tout abandonner pour elle.

Le film se présente donc selon le schéma traditionnel du genre, à base de dernier coup et de rédemption. Ce serait cependant sous-estimer l'imagination de Wright dont l'écriture va progressivement dévier vers une histoire plus surprenante et audacieuse.

Le film s'ouvre au beau milieu d'une opération pour Baby et sa "bande". La musique vibre, les pneus crissent. On est tout de suite projeté dans le monde de Edgar Wright : c'est très dynamique, sans temps mort, il y a quelques gags visuels bien sentis (dont un déjà visible dans la bande-annonce malheureusement) et la musique est parfaitement utilisée.

La musique, parlons-en justement. Si celle-ci a toujours eu une grande importance dans les films de Edgar Wright (on se rappelle tous de cette formidable séquence de tabassage de zombie dans Shaun of the Dead ou de l'affrontement musical dans Scott Pilgrim), elle fait office ici de véritable colonne vertébrale du métrage.

Là où Scott Pilgrim était un bel hommage au jeu-vidéo, Baby Driver fait pareil envers la musique qui, en plus de rythmer tout le film, est également à 100% intradiégétique. Ceci fait que l'on vit les aventures de Baby non seulement selon son regard, mais également par le son qui sort de ses écouteurs et qu'il est souvent le seul à entendre.

Edgar Wright utilise absolument tous les outils dans son escarcelle pour utiliser la musique à bon escient. Entre le choix des titres savamment choisis et les chorégraphies millimétrées pour coller au tempo, en passant par un montage sonore aux petits oignons, le cinéaste régale nos yeux et nos oreilles. Il n'en oublie pas pour autant de faire de la comédie avec notamment un gimmick récurrent très bien trouvé où Baby se retrouve obligé de rembobiner un morceau en raison d'un contre-temps qui le met hors-rythme. Ce n'est pas grand-chose mais il fallait y penser et en plus c'est drôle !

A l'heure où beaucoup de grosses productions américaines veulent se donner un air cool en mettant une playlist en mode jukebox aléatoire dans leurs films (sans aucune utilisation logique des musiques qui la compose), un film comme Baby Driver fait plaisir de par son utilisation de tous les moyens mis à la disposition de Edgar Wright pour nous faire vivre véritablement la musique.

Tout n'est cependant pas parfait. Le film a en effet tendance à décevoir sur plusieurs points qui faisaient justement la force des précédents films de Wright. Passé la séquence d'ouverture et jusqu'à la dernière demi-heure, le film est beaucoup moins "foufou", beaucoup moins virtuose dans sa mise en scène et son montage que ce à quoi nous a habitué le réalisateur britannique. Le film est beaucoup moins riche en gags visuels et est beaucoup plus premier degré que les précédents films de Wright. Cela n'empêche pas le métrage d'être drôle par moments mais il demeure beaucoup moins jouissif que les standards du cinéaste. Or, Edgar Wright n'est jamais aussi bon que quand il détourne les codes via l'humour et c'est ce qu'il manque à Baby Driver. D'un côté on pourrait voir ça comme un signe de maturité mais l'absence de beaucoup de "tics" de mise en scène, qui font de Wright l'auteur qu'il est, est assez dommageable (pour comprendre de quels gimmicks je veux parler, je vous renvoie à la très intéressante vidéo de Tony Zhou sur le sujet).

Comme déjà dit, ce passage à "vide" ne dure heureusement pas sur la totalité du film. Il y a clairement un ventre mou vers le milieu du métrage, depuis le moment où Baby rencontre Debora jusqu'à l'organisation du coup final en gros. Ce n'est jamais mauvais certes, loin de là, mais en face d'un film de Edgar Wright nous sommes en droit d'avoir des exigences et des attentes plus hautes que pour n'importe quel tâcheron yes-man de service.

Heureusement, tout se remet gentiment en place pour la dernière partie du film, tout autant brillante que la première et ceci pour deux raisons particulières. Tout d'abord, les personnages vivent des destins assez inattendus et le scénario prend vite une tournure assez intéressante. L'écriture de Wright est bien entendu à saluer mais un gros crédit est également à accorder aux acteurs, notamment Jon Hamm, excellent en tous points, débordant de charisme et qui réussit à changer totalement son jeu entre le début et la fin du film. Tout le casting est d'ailleurs au niveau : Ansel Elgort est enfin bien dirigé, Lily James est mignonne comme tout, Jamie Foxx est de retour dans un bon film (même si on regrettera que son personnage soit probablement le moins développé de tous) et Kevin Spacey est comme souvent excellent.

Edgar Wright prouve également, même si n'est pas Paul Greengrass qui veut, qu'il est doué pour filmer l'action et les courses poursuites qui sont en plus, et c'est à saluer, effectuées en très grande partie sans effets spéciaux, Ansel Elgort ayant pris des cours particuliers de conduite. Le professionnalisme de Wright, qui s'est notamment attaché les services d'un ancien braqueur pour mettre au point les scènes de braquage, donne une authenticité certaine à son film.

Baby Driver n'est donc pas parfait, son manque de virtuosité est plutôt étonnant venant d'un réalisateur comme Edgar Wright et on ne peut s'empêcher d'en ressortir en ayant la sensation assez frustrante de ne pas avoir vu tout ce dont il était capable. Il ne se hisse donc pas aux hauteurs de Shaun of The Dead, Hot Fuzz ou Scott Pilgrim et devra se contenter d'être un Wright assez "mineur" en attendant la suite de sa carrière. Il n'en demeure pas moins que c'est évidemment un film à voir et probablement une des meilleures productions américaines qui sortira cet été.
Maintenant, alors qu'une suite est envisagée par Wright, on peut se demander quelle voie va emprunter la suite de sa filmographie : un aspect plus 1er degré et posé à la Baby Driver ou un retour à la comédie folle et jouissive de ses débuts ? Dans tous les cas on demande à voir !

Alien : Covenant (2017)

2017-06-08T19:09:00.000+02:00

Titre : Alien: Covenant

Date de sortie française : 10 mai 2017

Réalisateur : Ridley Scott

Scénario : Michael Green, Jack Paglen, John Logan et Dante Harper d'après les personnages créés par Dan O'Bannon et Ronald Shusett

Photographie : Dariusz Wolski

Montage : Pietro Scalia

Musique : Jed Kurzel

Durée : 2h02

Avec : Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Callie Hernandez

Synopsis : Les membres d’équipage du vaisseau Covenant, à destination d’une planète située au fin fond de notre galaxie, découvrent ce qu’ils pensent être un paradis encore intouché. Il s’agit en fait d’un monde sombre et dangereux, cachant une menace terrible. Ils vont tout tenter pour s’échapper. (Source : Allociné)

Mon avis

S'il y a bien quelque chose qu'on ne peut enlever à Ridley Scott, c'est son activité dans le milieu. Sur plein de projets à la fois (les différentes préquels + éventuelles suites de Alien, Blade Runner 2049), le réalisateur britannique a rarement été autant actif malgré l'aube de ses 80 ans qui se profile devant lui.

Pourtant, pour beaucoup, Ridley Scott a perdu le mojo, le public prenant un malin plaisir à conchier sur tout ce qui sort de l'esprit du cinéaste (parfois à raison mais souvent à tort d'ailleurs). Prometheus n'avait d'ailleurs pas échappé à ce bashing. Le film, qui était annoncé comme un préquel à Alien: Le 8ème passager, avait énormément déçu les fans qui ont reproché au film de trahir l'esprit du film qui a rendu Ridley Scott célèbre. Or, c'était exactement ce qui était réussi dans Prometheus : cette manière d'aborder un univers d'une autre manière, beaucoup plus mythologique et créationniste, tout en ouvrant des possibilités nouvelles (rappelons que Prometheus était le premier film de Scott en numérique et en 3D native !).

Avec Alien: Covenant - qui aura d'ailleurs changé plusieurs fois de nom en cours de production, passant de Paradise à Paradise Lost (tiens tiens !) puis à Covenant - Ridley Scott continue son exploration de l'univers des xénomorphes en proposant à la fois une suite à Prometheus et un rattachement à Alien: Le 8ème passager pour un résultat plutôt satisfaisant dans l'ensemble, bien que le film souffre de grosses faiblesses.

Dans toute la première partie, ce qu'il se passe devant nos yeux est pourtant excellent, à l'image de cette séquence d'introduction austère, très scottienne dans l'esprit et enjolivée par le (à nouveau) très beau travail photographique de Dariusz Wolski. Cette première séquence porte sur la création, le rapport entre celui qui crée et celui qui est créé. Le film rejoint ici directement Prometheus dans ses thématiques et ses personnages.

Puis, sans crier gare, nous sommes projeté dans l'espace, la caméra de Scott glisse le long de l'USCSS Covenant tandis que Walter (le double de David, également interprété par le toujours autant envoûtant Michael Fassbender) déploie un immense écran à l'avant du vaisseau lors d'une séquence où Ridley Scott démontre tout de suite la maîtrise formelle de son sujet.

Car oui, tout comme l'était Prometheus, Alien: Covenant est beau. Ridley Scott a toujours accordé beaucoup d'importance au visuel de ses films (il sort d'ailleurs de la même école qu'un certain...Michael Mann !) et cette dernière cuvée ne déroge pas à la règle.
Comme déjà mentionné, toute la première heure est excellente à tous les niveaux : mise en contexte, présentation des nouveaux personnages (sur lesquels nous reviendrons) et très rapidement les premiers problèmes. Scott démontre ici qu'il n'a pas perdu son talent pour créer de la tension, notamment lors d'une séquence assez folle (et très sanglante) qui voit l'apparition à l'écran du premier Neomorph.

La relation particulière entre Walter et David est particulièrement réussie, la séquence de la flûte est notamment un exemple de mise en scène simple et qui fait passer énormément de choses sans trop en dire. On pourra regretter qu'aucun autre personnage n'attire vraiment d'empathie mais il s'agit surtout d'un choix de Ridley Scott (qui n'a jamais véritablement aimé ses personnages dans ses films) afin qui le spectateur ressente la même amertume envers ces personnages que David a envers les hommes.

Cependant, si toute cette fameuse première partie brille par son intelligence et sa mise en scène, le soufflé retombe clairement dans une seconde moitié beaucoup moins inspirée où Ridley Scott tombe à plusieurs moments dans les travers du fan-service sans réelle saveur. Si on peut lui pardonner le fait qu'il ne fait pas reposer la peur sur le fait de ne pas voir le xénomorphe (nous ne sommes plus dans le premier film, tout le monde connaît l'Alien et remonter un suspens là-dessus aurait été ridicule) et le fait que ce même xénomorphe ne soit pas le vrai antagoniste du film, difficile de laisser passer certaines fautes de goût, que ce soit sur le design de la créature elle-même ou quelques ratés dans les effets spéciaux que l'on attribuera au budget (très inférieur à celui de Prometheus).

Mais surtout, le film peine à vraiment passionner une fois passée l'heure de métrage, la faut à un récit en roue libre. Rajoutons à ça quelques choix de montage vraiment douteux (dont un flashback au milieu du film qui n'a rien à faire là et quelques ellipses pas très inspirées) et une dernière demi-heure qui tombe, pour le coup, dans le too much visuel typique d'un film de studio qui veut en mettre plein les yeux, et l'équilibre qu'avait instauré Scott jusque -là s'en retrouve fortement ébranlé.

C'est là le grand drame de Alien: Covenant, un film maîtrisé sur beaucoup d'aspects mais plombé par un récit qui peine à véritablement se trouver et un certain mauvais goût visuel qui fait tâche chez un puriste de l'image tel que Ridley Scott. Il est certain que le film aura beaucoup de peine à réconcilier les détracteurs de Prometheus avec cette série de préquels. Une question demeure pourtant : qu'a encore à raconter Scott dans cet univers ? La fin de Covenant, grossière, montre déjà les limites de l'exploration des xénomorphes et on ne peut s'empêcher de penser qu'il faudrait peut-être mieux en rester là.

Logan (2017)

2017-03-12T17:50:00.001+01:00

Titre : Logan

Date de sortie française : 1er mars 2017

Réalisateur : James Mangold

Scénario : Scott Frank, James Mangold et Michael Green d'après le comic-book Old Man Logan

Photographie : John Mathieson

Montage : Michael McCusker et Dirk Westervelt

Musique : Marco Beltrami

Durée : 2h15

Avec : Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Boyd Holbrook, Stephen Merchant, Elizabeth Rodriguez, Richard E. Grant, Eriq La Salle, Elise Neal

Synopsis : Dans un futur proche, un certain Logan, épuisé de fatigue, s’occupe d’un Professeur X souffrant, dans un lieu gardé secret à la frontière Mexicaine. Mais les tentatives de Logan pour se retrancher du monde et rompre avec son passé vont s’épuiser lorsqu’une jeune mutante traquée par de sombres individus va se retrouver soudainement face à lui. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

Si les films super-héroïques occupent aujourd'hui une place majeure dans le paysage cinématographique hollywoodien, cela n'a pas toujours été le cas. Richard Donner et Tim Burton avaient réalisé d'excellentes choses avec Superman et Batman respectivement mais il a fallu attendre l'an 2000 et le X-Men de Bryan Singer pour que le genre se développe véritablement et entre dans une nouvelle ère.

Dix-sept ans plus tard, il est triste de constater que la qualité s'est drastiquement détériorée : Disney/Marvel préférant la quantité à la qualité et Warner/DC leur emboîtant le pas, à croire que c'est un concours de qui fera le plus mauvais film.

Il ne faut cependant pas oublier qu'il y a encore des survivants du X-Men de Singer et le plus emblématique est certainement Wolverine, interprété depuis 17 ans par Hugh Jackman qui a connu la gloire grâce à ce rôle.

Ce filon a très vite été exploité par la Fox, studio à l'origine de tous les films de la franchise, qui sort en 2009 X-Men Origins : Wolverine, un film raté dans les grandes largeurs et dont le flop annulera pendant un long moments d'autres projets d'origin stories autour des mutants.

L'arrivée de James Mangold pour Wolverine : Le Combat de l'immortel, en 2013, s'était soldé par un film très imparfait, typique d'un studio qui ne laisse pas carte blanche à son réalisateur, qui plus est plutôt talentueux.

Logan était donc la dernière chance d'offrir une sortie digne de ce nom à Hugh Jackman pour sa dernière apparition dans le rôle. Le film ayant reçu l'accord de la Fox pour être classé Rated R aux Etats-Unis (le succès de Deadpool ayant beaucoup aidé en ce sens) et James Mangold ayant bénéficié d'une liberté bien plus importante que pour Le Combat de l'immortel, le film s'annonçait très prometteur et il s'agit en effet d'une très belle réussite !

Le film nous plonge en 2029 (donc après n'importe quel film X-Men) où l'on retrouve un Logan vieilli, dont les pouvoirs s'amenuisent, à une époque où les mutants sont proches de l'extinction. Logan passe ses journées en tant que chauffeur et se procure en douce des médicaments pour soigner un professeur Charles Xavier (Patrick Stewart) proche de la sénilité et en proie à des crises pendant lesquelles il perd le contrôle de ses dons de télépathie, ce qui a des effets dévastateurs. Considéré comme le cerveau le plus dangereux du monde, le Professeur X est donc gardé par Logan à l'écart de la société, dans une zone désert proche de la frontière Mexicaine. L'irruption d'une petite fille ayant des pouvoirs similaires à Logan et poursuivie par le gouvernement va pousser ce dernier à entreprendre un road trip très dangereux pour l'emmener en sécurité.

S'il semble utile de rappeler les enjeux, c'est essentiellement parce que nous somme cette fois-ci vraiment en présence d'un film de James Mangold avant tout, le réalisateur de Walk the Line nous emmenant au cœur d'un neo-western crépusculaire où les héros de jadis ne sont plus que l'ombre d'eux-mêmes, vieillis et courbés, à la manière d'une véritable fresque peckinpahesque !
L'ambition de Mangold est manifeste, faire autre chose, aborder le genre super-héroïque d'une manière bien plus violente et désenchantée. Car oui, Logan est violent, il y a du démembrement, ça parle crûment mais ce n'est jamais gratuit car c'est avant tout la société qui est violente.

Les thématiques brassées par le film sont multiples : le rapport à la vieillesse, à la maladie, à la famille, le combat contre soi-même. Ce dernier aspect est d'ailleurs un des éléments importants de l'intrigue qui se transforme pour le coup en Combat du mortel, contrairement à son prédécesseur. L'adamantium greffé au squelette de Logan, commence à l'empoisonner tel un cancer (parallèle intéressant à faire quand on sait que Hugh Jackman doit lui-même faire face à cette maladie). Il doit donc se battre contre ceux qui les pourchassent mais avant tout contre lui-même, jusqu'au point d'en arriver à affronter son propre double, métaphore assez peu subtile mais qui fait sens.

James Mangold brasse avec un certain talent plusieurs genres, que ce soit le western évidemment, avec d'ailleurs une référence explicite à L'homme des Vallées perdues auquel il emprunte certaines thématiques, le post-apocalyptique (Mad Max n'est jamais loin), le road-trip ou le drame. Tout ceci se mélange pour donner un film vraiment singulier qui ne parle pas tant de super-héros mais plus de mythes déchus qui ne sont plus à leur place dans la société et qui effectuent un dernier baroud d'honneur (la comparaison précédente avec Sam Peckinpah n'est donc pas tirée par les cheveux, c'est un schéma que l'on retrouve souvent chez lui, ne serait-ce que dans La Horde Sauvage).

Ces figures vieillissantes, ce sont Logan et Charles, les derniers représentants du X-Men de Bryan Singer qui vivent toujours la même relation professeur-élève qui jongle entre le profond respect et la chamaillerie. Le symbole d'espoir est, de manière assez paradoxale quand on connaît son histoire, la jeune Laura (Dafne Keen dans son premier rôle au cinéma) qui représente, elle, le futur, le prolongement de Wolverine et des mutants dans leur ensemble.
Les relations tissées entre ces trois personnages sont particulièrement réussies et trouvent leur point d'orgue lors d'une scène de repas, probablement la plus belle du film, durant laquelle il y a une sorte de tentative de reconstruction de la cellule familiale. C'est simple, beau et c'est certainement le moment le plus posé du film. Toute la symbolique du dernier repas prend d'ailleurs un sens très premier degré suite au destin funèbre de certains des personnages...

L'intrigue se concentrant quasi-totalement sur ce trio, le revers de la médaille est que les personnages secondaires sont trop effacés pour être réellement intéressants à l'image de Donald (Boyd Holbrook), antagoniste de fonction, trop anecdotique pour être véritablement menaçant. Mais est-ce réellement un défaut quand, un acteur comme Hugh Jackman irradie l'écran en face ? On vous laissera juges...

Logan, c'est également l'occasion pour James Mangold de se réaffirmer comme étant un réalisateur vraiment intéressant et de nous conforter dans notre idée que Le Combat de l'immortel n'était qu'une erreur de parcours due aux volontés de la Fox. L'ancien protégé de Milos Forman sait composer ses cadres et instaurer une véritable ambiance dans son long-métrage, aidé, il est vrai, par l'excellent travail photographique de John Mathieson, collaborateur occasionnel de Ridley Scott au demeurant.
La lisibilité de sa mise en scène, notamment lors des séquences de combat, est également à signaler, surtout que la violence arrive par pics et qu'elle n'est jamais gratuite, le véritable combat se déroulant dans le corps même de Logan.

On retrouve en plus enfin un Marco Beltrami inspiré, même si ses compositions se retrouvent souvent en retrait. Un grand pas en avant pour un compositeur talentueux mais bien trop souvent embarqué dans des blockbusters insipides (pour ne pas utiliser d'autre terme).
Pourtant, et de manière finalement assez logique, c'est sur du Johnny Cash que se termine Logan, tel un clin-d'oeil de Mangold à cet artiste qu'il apprécie particulièrement et qui aura si bien chanté la douleur.

Finalement, Logan ce n'est ni plus ni moins que le meilleur film de super-héros depuis Days of Future Past et l'exemple parfait de ce que peut faire un réalisateur compétent lorsqu'on le laisse faire son film selon sa vision.
Encore plus même qu'un simple film de super-héros, Logan est avant tout un film de James Mangold avec son visuel et ses thématiques, qui offre enfin à Wolverine et Hugh Jackman le film qu'il aurait toujours dû avoir et surtout la fin qu'il mérite.
Le film est certes imparfait, il met passablement de temps à véritablement démarrer, les personnages secondaires ne sont pas assez approfondis et certaines lourdeurs viennent entacher le récit. Il n'en demeure pas moins que c'est le genre de blockbusters que je veux voir, encore plus dans ce genre super-héroïque si formaté et voué à la médiocrité.

(Re)visionnages récents - 6

2017-03-03T12:22:00.000+01:00

La Porte du paradis (1980) - Michael Cimino

Mulan (1998) - Tony Bancroft et Barry Cook

Mulan a toujours été mon Disney préféré, c'est celui que j'ai le plus vu étant petit, je me passais toutes les chansons du films en boucle, il y a donc un aspect très personnel là-dedans mais le film en soit contient énormément de qualités. Déjà je suis très friand de la culture orientale, je trouve ça vraiment passionnant et voir Disney (très américain) s'attaquer pour la première fois à une légende chinoise c'est vraiment du genre à m'émoustiller. Parce que Mulan est un super film, certes très épuré dans sa direction artistique mais collant parfaitement avec le style oriental. Les personnages sont attachants : Mulan est pour moi la meilleure héroïne Disney (parce que pour le coup elle effectue véritablement des actes héroïques !), j'adore Muchu (que beaucoup trouvent insupportables) et Shan-Yu est monstrueusement classe !

Niveau animation, c'est parfois la folie pure, comme l'incroyable séquence dans la montagne avec l'armée des Huns et l'avalanche. Même au niveau musical on passe à un niveau supérieur avec l'arrivée du légendaire Jerry Goldsmith qui signe quelques uns des thèmes que j'aime le plus dans la longue filmographie de Disney (notamment ce thème) et qui marque véritablement le passage de Mulan de la fille fragile à la femme).

J'ai entendu beaucoup de critiques sur Mulan disant que le film serait misogyne, macho et j'en passe des meilleures. Certes certains passages donnent l'impression d'aller clairement dans ce sens (la chanson "Comme un homme" en est un bel exemple) mais il faut voir comment sont caractérisés les soldats au début du film : ce sont soit des porcs, soit des gros beaufs, la toile dressée n'est pas vraiment joyeuse à ce niveau-là non plus !

Et puis surtout Mulan c'est l'histoire d'une fille qui se déguise en homme pour enfin devenir une vraie femme courageuse et intelligente, ce n'est pas un beau message ça ?

En plus, lors de la dernière séquence au palais de l'empereur, ce sont les hommes qui se griment en concubines pour tromper la vigilance des soldats de Shan-Yu et c'est Mulan seule qui donne le coup fatal ! Alors, un film macho ? Vraiment ?

On pourra toujours reprocher au film quelques incohérences et ficelles scénaristiques, comme le fait que l'armure du père à Mulan lui aille parfaitement alors que celui-ci est bien plus grand qu'elle ou le fait que personne n'ait remarqué plus tôt que Mulan était une femme (à ce point faut être bigleux, je ne vois pas d'autre explication) mais tout ceci participe au charme du film et j'aurais vraiment du mal à lui en tenir rigueur car tous les Disney en contiennent.

Un film toujours aussi sublime et le dernier grand Disney !

Assassin's Creed (2016) - Justin Kurzel

On connaît la relation qu'entretient Hollywood avec les adaptations de jeux-vidéos, à chaque fois on nous fait miroiter un miracle et à chaque fois ça donne la même soupe imbuvable. Après l'ignoble Warcraft sorti cet été, c'est au tour d'Ubisoft d'adapter sa franchise phare et, ô surprise, c'est à nouveau mauvais !

C'est la mode de nos jours, prendre un réalisateur prometteur, le mettre à la barre d'un blockbuster en roue libre et le saboter complètement sur l'autel de la bêtise. C'est ce qu'est Assassin's Creed, un film d'une bêtise sans nom qui semble avoir été lâché par la Fox avant même sa sortie à en voir la campagne de promotion quasiment inexistante. A sa tête, Justin Kurzel qui reprend son casting de Macbeth et qui en fait n'importe quoi tout simplement parce qu'il semble n'en avoir rien à foutre.

Non mais franchement, qui a cru à un moment donné que ce serait une bonne idée de faire ça ? Alors que tout l'intérêt du jeu réside justement à incarner un Assassin dans le passé, ici les séquences se déroulant en Espagne occupent à tout casser 20 minutes, le reste ce n'est que des tunnels de dialogues interminables tentant sans jamais y parvenir de développer une intrigue qu'un enfant de 12 ans aurait pu imaginer sans trop se creuser le cerveau. Et le pire c'est que tout ceci se prend incroyablement au sérieux ! Si c'était fun à la limite je pourrais lui pardonner certaines tares (encore que...) mais là c'est vraiment pas possible, tout semble forcé et prétexte à des scènes d'action illisibles et montées à la truelle, entrecoupées de séquences dans le présent avec Fassbender qui ne se bat contre rien du tout, qui a pensé ne serait-ce qu'une seconde que ce serait cool de faire ça ? Car non ça ne l'est pas, ça casse juste encore plus le rythme des affrontements qui sont déjà complètement loupés à ce niveau-là.

Et que dire du visuel ? Ça oscille entre le mauvais goût, les effets numériques dégueulasses et la suresthétisation ridicule, ça devrait être interdit par la loi de sortir des trucs pareils.

Finalement on arrive péniblement au bout des deux heures, rien ne s'est passé, aucune dramaturgie n'a été mise en place, on aura beau eu nous expliquer 4 fois l'importance de la Pomme (merci Jeremy Irons) on en est toujours autant avancé qu'au début.

Assassin's Creed c'est l'exemple typique du navet made in Hollywood, sans âme, sans volonté de proposer quoi que ce soit ou de développer une once de thématique intéressante...le néant absolu !

La Chair et le Sang (1985) - Paul Verhoeven

Après être devenu indésirable dans son pays natal, Paul Verhoeven s'exile aux Etats-Unis où il y tournera 7 films et où son cinéma prendra une nouvelle envergure.

La Chair et le Sang est le premier film de la carrière américaine de Verhoeven et préfigure déjà tout ce qu'il fera outre-atlantique, tout en gardant sa patte et son regard si particulier sur l'être humain.

Dès le début, on est plongé dans la violence traditionnelle du cinéaste qui décide ici de la transposer au 16ème siècle. Comme à son habitude, le hollandais violent est très crû dans ce qu'il montre, en témoigne cette scène de viol collectif sur le personnage de la jeune et sublime Jennifer Jason Leigh dans son premier grand rôle.

Verhoeven laisse volontairement de côté le réalisme de la reconstitution historique pour se concentrer sur ses personnages, emmenés par le toujours autant charismatique Rutger Hauer, leur foi et leurs pulsions. Il prend toujours un malin plaisir à jouer sur les tonalités et évite soigneusement tout manichéisme. L'identification aux personnages est volontairement empêchée tant ceux-ci sont pour la plupart des salopards.

La Chair et le Sang c'est aussi l'histoire d'une femme qui ne se laisse pas faire, qui manipule le personnage de Martin (Hauer justement) comme en témoigne par exemple la scène du viol où elle resserre ses jambes sur lui en lui disant "maintenant c'est moi qui te baise".

Un thème cher à Verhoeven revient aussi dans le film : celui de l'émancipation ou plutôt de la tentative d'émancipation. Martin est censé être à la tête d'une petite communauté soudée (il aurait d'ailleurs été choisi par Saint Martin lui-même) mais son individualisme prend vite le dessus lorsqu'il refuse de partager le corps de Agnès. C'est ce qui rend les personnages du cinéaste si intéressants, leur ambiguïté due à cette incapacité de vivre en communauté.

Bien évidemment, Verhoeven arrive toujours à accompagner son fond d'une formidable mise en scène, toujours extrêmement précise et avec à nouveau une très belle photographie de Jan de Bont, toujours dans des tons chauds, qui a suivi son ami Verhoeven jusqu'aux Etats-Unis...

Un super film qui annonce déjà un avenir radieux pour le hollandais violent et qui pose les bases, bien qu'assez éloigné, d'un certain Robocop !

The Social Network (2010) - David Fincher

Je suis toujours impressionné par la capacité qu'a David Fincher de ressortir le meilleur de tout ce qui tombe entre ses main, même avec un projet casse-gueule comme The Social Network.

Déjà lors de mon premier visionnage j'avais été fasciné par la manière avec laquelle Fincher met en scène le génie (bien aidé certes par l'écriture de Aaron Sorkin). Ici Zuckerberg domine vraiment le spectateur intellectuellement parlant, on sent qu'il est vraiment surdoué, dans sa manière de parler, de travailler, d'être tout simplement (je le précise ici car j'ai visionné le "Snowden" de Oliver Stone la veille et Fincher réussit justement ce qu'a de la peine à faire Stone, c'est-à-dire mettre en scène un génie de l'informatique).

Et ça se remarque dès la formidable séquence d'ouverture entre Mark Zuckerberg et celle qui est encore pendant quelques minutes sa petite-amie. Le rythme imposé par les dialogues est décoiffant, Zuckerberg parle véritablement comme il code et il semble un peu déconnecté de la réalité...et Fincher filme ça à la perfection (on parle d'une centaine de prises pour obtenir le résultat, signe encore une fois de l'obsession de la perfection qu'a le cinéaste). Le tout est en plus accompagné des compositions enivrantes de Reznor et Ross, qui vont d'ailleurs continuer de collaborer avec Fincher pour ses films suivants...

Jesse Eisenberg ne joue pas Mark Zuckerberg, il EST Mark Zuckerberg, tout le reste du casting est d'ailleurs génial, que ce soit les premiers rôles ou les seconds couteaux.

The Social Network est le biopic quasi-parfait, doté d'une intelligence d'écriture rare et mis en scène par un cinéaste qui est tout autant doué dans son domaine que le personnage qu'il filme.

Paterson (2016) - Jim Jarmusch

Les films présentant un personnage ordinaire, pas forcément intéressant au premier abord, sont nombreux. Seulement, là où beaucoup de ces personnages essaient à un moment ou à un autre de se révolter, de faire quelque chose d'extraordinaire dans leur vie, Jim Jarmusch en fait l'opposé en faisant l'éloge du quotidien, celui de Paterson, un chauffeur de bus, poète à ses heures perdues, dans la ville du même nom (ça ne s'invente pas quand on nous parle dès le début d'un rêve concernant des jumeaux, beaucoup de choses vont de paire dans ce film).

Paterson présente donc une semaine entière de la vie de cet homme (magnifique Adam Driver) qui se lève tous les jours à la même heure sans avoir besoin de réveil, qui va faire sa tournée en bus et qui rentre chez lui le soir retrouver sa petite-amie, créatrice dans l'âme avant de finir sa soirée en buvant une bière au bar du coin.

Ce train-train quotidien pourrait sembler barbant à première vue mais ce serait oublier le talent de Jim Jarmusch pour mettre en scène et raconter son histoire. On s'attache extrêmement vite à Paterson et chaque rencontre qu'il fera (dont notamment Method Man qui fait une apparition, j'ai été très surpris !), chaque conversation qu'il écoutera du coin de l'oreille au volant de son bus seront finalement de micro-événements qui font de lui l'homme qu'il est et l'homme qu'il sera.

Et c'est juste beau ! C'est beau de voir se couple s'aimer infiniment, comme si rien ne pouvait leur arriver, c'est beau de voir Paterson aborder une petite fille, qui écrit elle-même ses poèmes, et d'être sous le charme de l'un de ses textes, c'est beau de le voir arriver au bar, discuter avec le tenancier pendant qu'un homme vit un immense chagrin à cause d'un amour impossible.

Le film entier est un poème à la vie, Jim Jarmusch filme simplement de très beaux personnages (tous formidablement interprétés) qui font de belles rencontres et vivent de beaux moments malgré la banalité.

Vivre (1952) - Akira Kurosawa

Premier film de Akira Kurosawa se déroulant à notre époque que j'ai la chance de visionner et tout de suite ce qui saute aux yeux c'est la (désormais) traditionnelle maîtrise du cadre, ces mouvements de caméras réglés au millimètre et ces compositions qui, même si elles ne m'ont pas impressionnées comme dans Les 7 Samouraïs ou La Forteresse cachée, relève régulièrement du grand art !

Kurosawa reste dans l'exploration de la société humaine, le monde des fonctionnaires en l'occurrence et place là au milieu un homme qui n'a jamais manqué un seul jour de travail en 30 ans et qui va apprendre qu'il est atteint d'un cancer à l'estomac ne lui laissant plus que quelques mois à vivre.

Kurosawa nous pose donc une question simple mais terrible : que ferions-nous s'il nous restait 6 mois à vivre ? Kanji Watanabe (fantastique Takashi Shimura) fait tout d'abord ce que beaucoup d'entre nous feraient : rattraper le temps perdu. Le temps d'une nuit il boit, il joue, il chante (magnifique scène d'ailleurs). Puis il se met dans l'esprit de construire un parc où les enfants pourraient s'amuser.

Puis soudain : cut !

On est directement projeté 5 mois plus tard aux funérailles de Watanabe auxquels assistent ses collègues et sa famille à qui il avait caché sa maladie. Passé ce moment, le récit prend une tournure rappelant un peu celle de Rashomon, différents personnages vont raconter une étape du projet de Watanabe concernant le parc et les difficultés qui se sont dressées sur le chemin de cet homme déjà mort qui erre tel un fantôme.

Kurosawa jette un regard assez satirique sur son histoire, en témoigne par exemple la séquence où les médecins n'osent avouer à Watanabe son cancer, préférant parler "d'ulcère bénin". Il n'en oublie cependant pas ses très beaux personnages, capables d'émouvoir profondément par un simple regard.

Pourtant, malgré toutes ces qualités, cette maîtrise que personne ne pourra nier, c'est certainement le Kurosawa que j'ai le moins apprécié pour l'instant (comprenez : que je n'ai pas adoré comme les autres), peut-être est-ce le fait qu'il m'a fallu un moment pour m'habituer à cet environnement moderne alors que j'ai eu l'habitude, pour l'instant, de voir le maître filmer des samouraïs et autres guerriers du Japon médiéval.

Ce petit bémol personnel ne remettra de toute manière pas en cause l'immense film qu'est Vivre.

La Horde Sauvage (1969) - Sam Peckinpah

Je continue ma découverte du cinéma de Peckinpah avec un de ses films les plus connus : La Horde Sauvage, western sorti en 1969.

Le Nouvel Hollywood est en train de se mettre en route et ça se ressent. Sam Peckinpah est réputé pour la violence de son cinéma, La Horde Sauvage ne fait pas exception puisqu'il s'agit tout simplement d'un des westerns les plus violents jamais réalisés.

Deux grosses scènes d'une grande violence ouvrent et concluent le film mais, contrairement à ce qui a pu être dit, la violence n'est pas gratuite, c'est plus un témoignage tragique sur la nature humaine, sur une Amérique brisée dont les héros ne sont plus que l'ombre d'eux-mêmes.

Fini le temps des westerns aux grand héros quasi mythologiques et intouchables, ici ce sont des brigands, des salopards que l'on va suivre pendant près de 2h30 en train de préparer un ultime coup.

Peckinpah se refuse donc ici tout manichéisme, c'est sale, peu accueillant et personne n'est tout blanc...

Et il y a la mise en scène - osons le dire - incroyable du cinéaste, ces ralentis de corps qui tombent comme seul lui sait les faire, ces zooms et mouvements de caméra très amples, le films (surtout dans sa dernière heure) est un régal pour les yeux et ses scènes de massacres sont, malgré leur cruauté, purement jouissives !

On pourra regretter une première heure qui souffre d'un léger manque de rythme, la véritable histoire et les véritables enjeux n'étant mis en place qu'une fois passé ce palier, mais la maestria qui suit est telle que le film se place sans trop de soucis dans le Panthéon du Nouvel Hollywood !

La Grande Muraille (2017) - Zhang Yimou

Premier projet le plus improbable de l'année, La Grande Muraille avait de quoi faire peur à la vue des premières images. Cependant, cette commande d'Universal, production américaine "blockbusteresque" n'est pas le ratage attendu et la raison a un nom : Zhang Yimou.

Car oui, il s'agit certes d'un film destiné au public occidental (le cast de Matt Damon va clairement dans ce sens) mais la liberté qui a été laissée à Yimou en fait un film que se démarque du blockbuster habituel.

Alors non ce n'est pas un grand film, il y a plein de problèmes, de grosses ficelles scénaristiques, des deus ex machina à toutes les sauces, des effets spéciaux parfois totalement raté, le design des "bêtes" qui l'est tout autant, une soupe auditive bien américaine et j'en passe...

Il n'en demeure pas moins que le film est assez jouasse, plutôt beau visuellement par moments et contient nombre d'idées qu'on ne verrait pas dans un blockbuster américain lambda, par exemple les femmes qui tapent les tambours de guerre avec des nunchaku, les différentes couleurs des combattant qui font très Power Rangers a priori mais qui ajoutent une lisibilité bienvenue dans les combats. Ces derniers, d'ailleurs, se renouvellent beaucoup, il y a à chaque fois de nouvelles armes qui sont utilisées et la mise en scène prend régulièrement de l'envergure avec son lot de plans bien sympas !

La Grande Muraille est donc loin d'être la catastrophe annoncée mais on est aussi loin d'avoir un grand film. Sans aucun doute un petit plaisir coupable, le film a au moins le mérite de mettre un petit coup de pied dans la fourmilière des grosses productions américaines en apportant un regard asiatique sur tout ça.

Et ma foi, je ne vais pas m'en plaindre.

Live by Night (2017) - Ben Affleck

4 ans après son triomphe aux Oscars avec Argo, Ben Affleck repasse derrière la caméra pour une nouvelle adaptation d'un roman de Dennis Lehane après Gone Baby Gone.

Le talentueux réalisateur s'attaque donc cette fois-ci au film de gangster situé durant la Prohibition et il incarne à nouveau lui-même le personnage principal : un "petit" gangster de Boston qui va se retrouver à la tête du plus gros trafic de rhum de Floride.

Il faut laisser à Ben Affleck une chose : il sait s'entourer. Il en résulte un film très réussi d'un point de vue formel avec la belle photographie de Robert Richardson et une reconstitution des années 20 vraiment réussie et une réalisation plutôt sobre, presque académique mais sans que ce soit criard.

Malheureusement, le reste ne suit pas toujours. Le scénario est très (trop ?) classique, le film a beau brasser pas mal de thématiques comme la religion, le racisme, la drogue, celles-ci ne sont jamais assez développées pour obtenir une véritable réflexion dessus. L'intrigue met aussi passablement de temps à véritablement démarrer et Ben Affleck manque sa fin en ajoutant 5 minutes totalement dispensables étant donné leur inutilité dans le développement de la psychologie des personnages.

Affleck acteur est lui-même un problème car il n'a absolument pas les épaules pour le rôle. Le voir serrer constamment la mâchoire dans des costumes qui semblent toujours trop grands pour lui ça prête clairement à sourire, on peut vraiment regretter qu'il n'ait pas eu l'humilité de confier le rôle principal à quelqu'un de plus crédible car il est difficile de toujours croire à ce qu'il se passe à l'écran quand le protagoniste, celui à qui le spectateur est censé s'identifier, affiche la plupart du temps un air assez béat et naïf.

Loin de livrer un mauvais film, Ben Affleck nous en livre un vraiment oubliable qui ne révolutionne en tout cas pas le genre et qui est desservi par ce même Ben Affleck de l'autre côté de la caméra.

Reste que le film est formellement agréable pour la rétine et que certains gunfights sont vraiment réussis, le minimum est donc clairement atteint mais peut-on vraiment s'en contenter ?

La Colline des Potences (1959) - Delmer Daves

La Colline des Potences, sorti en 1959, marque à la fois le dernier western de son réalisateur Delmer Daves mais également de son acteur principal, le monstre sacré Gary Cooper.

En premier je voulais juste passer un coup de gueule à la version DVD que j'ai visionnée qui a été recadrée en 4/3, ne rendant absolument pas hommage au film, initialement tourné en 1.85.

Une fois la pilule avalée, on ne peut qu'admirer le spectacle ! Le film présente tous les éléments d'un grand western : des personnages forts, un cadre sublime et des musiques qui le sont tout autant, on est très vite embarqué !

Une nouvelle fois, le charisme rutilant de Gary Cooper inonde l'écran, son personnage est d'ailleurs très réussi car ambigu, énigmatique, on ne comprend pas toujours ses actes et on ressent une part d'ombre chez lui.

D'ailleurs tous les personnages sont intéressants de par leur ambiguïté : Rune est un voleur au début de l'histoire, Frenchy entretien une relation très étrange avec la jeune femme qui est elle même à l'opposé de la femme telle que normalement représentée dans les westerns américains.

Le film raconte également de grandes choses sur l'Amérique, sur la Conquête de l'Ouest et le destin des chercheurs d'or qui repose en grande partie sur la chance (qui est évoquée plusieurs fois dans le film).

Et puis il y a la réalisation de Delmer Daves, d'une maîtrise formidable, sans jamais trop en faire. Les cadres sont précis, les décors magnifiquement utilisés (le film est tourné en grande majorité en extérieur).

Un western sublime mais malheureusement trop peu connu et qui fait office de chant du cygne remarquable pour cet acteur légendaire qu'est Gary Cooper.

Les Parapluies de Cherbourg (1964) - Jacques Demy

Avec le triomphe de La La Land, le genre du musical refait beaucoup parler de lui. C'était donc l'occasion de se tourner un peu vers Jacques Demy (une des influences principales de Damien Chazelle) en revoyant un de ses films les plus connus : Les Parapluies de Cherbourg.

Le film se déroule donc à Cherbourg, sur une période s'étalant du début des années 50 au milieu des années 60 et raconte l'histoire d'un couple obligé de se séparer car Guy (Nino Castelnuovo) est appelé pour aller servir en Algérie. Leur amour va donc être mis à rude épreuve.

Si je livre ce petit synopsis, c'est parce que le film aborde un sujet plutôt tabou pour l'époque : la Guerre d'Algérie et les répercussion qu'elle peut avoir non seulement pour ceux qui s'y trouvent mais également pour tous les autres qui se retrouvent séparés de leurs proches.

Jacques Demy assume ici un parti-pris drastique et totalement irréaliste d'un film entièrement chanté : si cela peut paraître très étrange au début, après quelques minutes tout cela semble presque naturel (même si la synchro labiale n'est pas toujours parfaite).

Mais ce qui touche vraiment dans les Parapluies de Cherbourg, c'est son histoire, ces deux jeunes gens qui s'aiment profondément et qui se retrouvent séparés malgré eux et dont le couple n'y survivra pas. C'est très universel car nous sommes tous un jour confrontés à ça : un ami, un amant, quelqu'un que nous aimons qui sort de notre vie.

Catherine Deneuve est merveilleuse, on sent toute la tristesse en elle quand elle est obligée de laisser partir Guy, son jeu de regard n'est d'ailleurs pas sans rappeler une certaine Emma Stone, tant celui-ci transmet d'émotions.

Le film n'en fait pas trop niveau réalisation, il n'y a pas de chorégraphies très élaborées, peu de montage, le film est vraiment centré sur les relations humaines avant tout. J'ai profité de ce visionnage pour regarder la version restaurée et le film est très beau et coloré (beaucoup de bleu et de rose sans que ce soit criard).

Les Parapluies de Cherbourg est une très belle fable sur l'amour et la séparation ainsi que sur l'oubli, en témoigne cette dernière séquence qu'on pourrait penser de trop a priori mais qui montre avec une grande tristesse que Guy et Geneviève sont passés à autre chose, qu'ils ont recommencé leur vie mais, qu'au fond, ils ne se sont jamais vraiment oubliés...

Total Recall (1990) - Paul Verhoeven

Après Robocop et son entreprise toute puissante, Paul Verhoven continue son exploration de la société américaine, de l'état totalitaire plus précisément, en adaptant cette fois ci le grand Philip K. Dick.

Total Recall est certainement mon Verhoeven préféré, tout y est : le spectacle bien sûr mais également tout ce qui fait la force du cinéma du hollandais comme la critique par l'ironie, un personnage principal qui ne se sent pas à sa place dans le moule de la société et le rapport au corps et à la chair, encore une fois particulièrement charcutés.
Ce personnage, c'est Quaid, campé par un Schwarzenegger parfait en musclor à l'air naïf, reflet total du cinéma de son auteur.

Ici, Verhoeven ne s'embarrasse pas d'un suspens inutile, la fin du film est déjà racontée dans les 15 premières minutes car ce qui compte dans Total Recall n'est pas de savoir comment cela se finit mais plutôt comment est-ce qu'on y parvient.
L'intrigue se parcoure donc telles les méandres de l'esprit de Quaid qui va vivre un "ego trip" sous la forme d'un agent secret envoyé sur mars. Cependant, il apprendra par la suite qu'il travaille en fait depuis le début pour le gouvernement, que son nom est Hauser et qu'il a pris la couverture de Quaid (en subissant un lavage de cerveau).

L'évolution de Quaid est donc très intéressante, il devra d'abord de libérer du moule dans lequel il se trouve (plan très symbolique où il brise la barrière à rayons X qui le fait donc passer de simple squelette à individu à part entière) puis accomplir sa mission sur Mars. Cependant, et c'est là le génie de Verhoeven, le doute sur le fait que ce soit un rêve ou non est maintenu jusqu'à la fin du film et la mise en abîme du spectateur (qui ne sait pas lui même si ce qu'il regarde est vrai) est complète. La fin est d'ailleurs très ambiguë, à la manière du "Je suis Murphy" à la fin de Robocop, et ne constitue pas le happy end qu'elle semble être.

Total Recall est le sommet de ce que veut raconter Verhoeven avec son cinéma et peut-être également le sommet de sa carrière hollywoodienne, à voir et revoir sans modération !

La nuit nous appartient (2007) - James Gray

Plus je découvre la filmographie de James Gray, plus je me demande comment j'ai pu faire pour passer à côté de son cinéma durant tout ce temps !
Troisième Gray, deuxième baffe ni plus ni moins !

Après un Little Odessa qui mettait déjà en place les thématiques et le sens du visuel propre au réalisateur, celui-ci enchaînait en 2000 avec le formidable The Yards dont le gros raté au box-office fit perdre la confiance des studios envers James Gray (qui n'a jamais fonctionné dans son propre pays d'ailleurs).
Il lui faut 7 ans pour sortir son prochain film : La Nuit nous Appartient (We Own The Night) qui assoit pour de bon James Gray en tant que très grand auteur.

Le film ressemble en bien des points à The Yards (et même Little Odessa) : cette attirance pour les ambiances nocturnes, ces personnages dont la famille est à la fois destructrice et reconstructrice et de sublimes personnages.
Le film s'ouvre d'ailleurs sur une scène formidable et très sensuelle entre Joaquin Phoenix et Eva Mendes sur un son de Blondie, le ton est tout de suite posé !

Comme déjà dit, la famille est une composante essentielle du cinéma de James Gray et la particularité de celle-ci c'est qu'elle est dysfonctionnelle et l'écriture très dramaturgique.
Tout ceci est bien sûr tenu ensemble par la performance extraordinaire de tous les acteurs, que ce soient les désormais habitués Mark Wahlberg ou Phoenix mais également les seconds couteaux comme Robert Duvall qui est d'ailleurs le second acteur issu de la trilogie du Parrain après James Caan (dans The Yards) à rejoindre la distribution d'un film de Gray.

La Nuit nous Appartient est le polar noir par excellence, extrêmement juste dans ce qu'il raconte, parfaitement rythmé et mis en scène avec une élégance rare. James Gray atteint déjà sa maturité après 3 films et on ne peut qu'être enthousiastes pour son futur Lost City of Z. A voir absolument !

La Porte du paradis (1980) - Michael Cimino

La Porte du Paradis est un film légendaire. Pourquoi ça ? Le western épique à 40 millions de budget de Michael Cimino avait fait un tel flop au box-office lors de sa sortie qu'il avait plongé United Artists dans la faillite tout en précipitant la fin du Nouvel Hollywood. La Porte du Paradis marque la fin de la liberté des auteurs et la reprise petit à petit du contrôle par les studios.

Michael Cimino lui-même ne se remettra jamais de cet échec.

Pourtant, le film a fait l'objet d'une restauration en 2012 dans une version remontée "director's cut" de 216 minutes et a depuis été totalement réhabilité et considéré comme un chef-d'oeuvre du 7ème art.

Il faut dire que La Porte du Paradis c'est du cinéma total : beau à en tomber avec certainement une des plus belles photographies du cinéma américain, sans lourdeur, sans exagération. Les compositions de plan de Cimino sont toutes plus folles les unes que les autres et il a un talent assez incroyable pour filmer les foules car il y en a beaucoup, que ce soit pour de simples danses ou pour des combats sanglants (comme en témoigne la dernière grande séquence de bataille du film, on n'est pas loin d'un Sam Peckinpah).

Surtout, c'est plus qu'un simple western. L'influence de Peckinpah se fait à nouveau ressentir dans la manière qu'a Cimino de détourner les grands mythes américains. Car non, La Porte du Paradis n'est pas tendre avec les Etats-Unis, elle en dresse un portrait violent et ceci n'est peut-être pas étranger à l'échec du film quand on sait à quel point les américains n'aiment pas qu'on égratigne leur beau pays.

Le personnage du, désormais, regretté John Hurt est assez parlant à ce niveau. Au début du film on nous le présente comme un grand déconneur, porte-parole de sa promotion à Harvard et enjoué.

Des années plus tard on le retrouve alcoolique, désabusé face à la cruauté de l'espère humaine. C'est beau et terrible !

Les personnage sont d'ailleurs tous très beaux : il y a bien sûr Kris Kristofferson et son immense charisme ainsi que la splendide Isabelle Huppert mais tout le reste du casting est parfaitement utilisé : que ce soit Jeff Bridges, Christopher Walken ou même Mickey Rourke !

Aucun ne fait du remplissage alors qu'on sait à quel point c'est difficile de diriger un aussi grand casting.

Malgré le fait que j'ai quand même ressenti quelques longueurs (surtout vers la moitié), le film se laisse regarder très facilement, rien n'est de trop dans ces 216 minutes.

Un film légendaire que tout le monde se doit de voir au moins une fois pour ce qu'il raconte, comment il le raconte mais également pour ce qui a forgé sa légende.

Split (2017) - M. Night Shyamalan

M. Night Shyamalan est un cas assez étrange à Hollywood. Après deux premiers longs-métrages (Sixième Sens et Incassable) qui avaient connu un grand succès critique, le cinéaste d'origine indienne est ensuite tombé de plus en plus dans la médiocrité jusqu'à toucher le fond avec des films comme Le dernier Maître de l'Air ou After Earth. Ayant désormais totalement perdu le mojo, on parle depuis quelques temps d'une rédemption pour Shyamalan, c'était déjà le cas avec The Visit (que je n'ai pas vu) et désormais donc avec Split qui parle d'un personnage atteint de trouble de la personnalité et qui promettait de se rapprocher de ce que faisait le réalisateur à ses débuts.

Si on peut accorder à M. Night Shyamalan une certaine audace, la rédemption attendra encore car Split est raté dans les grandes largeurs et n'est au final qu'une fausse bonne idée de plus dans le paysage hollywoodien actuel.

Le film se passe en quasi huis-clos, Kevin (James McAvoy) kidnappe 3 jeunes filles qu'il va retenir prisonnières chez lui et celles-ci vont être confrontées aux multiples personnalités (24 en tout mais on en voit surtout 4) du personnage.

Le huis-clos est un genre qui peut s'avérer très anxiogène s'il est bien maîtrisé et bien écrit. Or, d'entrée, le film pêche à ce niveau car les 3 filles sont censées être enfermée mais durant les 20 premières minutes du film elles auraient eu largement les moyens de s'évader au moins 3 ou 4 fois mais ne le font pas (pour prolonger l'histoire bien évidemment, sinon le film serait bien vite achevé). C'est typiquement le genre de truc qui m'exaspère quand des personnages ne font pas quelque chose qui semble évident pour tout le monde, surtout qu'il n'y a pas de raison particulière à ce qu'elles agissent comme ça (il y a une tentative d'explication qui peine franchement à convaincre).

L'histoire tourne bien évidemment autour de James McAvoy qui doit parfois jouer plusieurs personnages au cours d'une même scène en changeant donc à la fois d'apparence mais également de manière de jouer. Sauf que ça ne prend pas car son jeu n'est pas assez bon pour y croire, moi je vois juste McAvoy qui joue le psychopathe (à la limite même du cabotinage parfois), il N'EST PAS un psychopathe et c'est extrêmement gênant car c'est censé être le centre même du film.

Shyamalan essaye quand même de le filmer afin de mettre en avant sa folie : il est notamment souvent filmé en gros plan avec une focale courte (procédé dont raffole un certain Terry Gilliam pour mettre en avant la folie chez ses personnages) qui donne un aspect assez déformé à son visage. Je dis pourquoi pas mais alors pourquoi le faire également pour les autres personnages ? Cette idée de mise en scène perd du coup tout son intérêt car on a des plans du type sur plusieurs personnages durant tout le film sans que ce soit justifié.

Ce n'est d'ailleurs pas la seule bizarrerie, certaines idées de mise en scène sont carrément douteuses comme notamment le passage à une vue subjective par moments ou l'utilisation de flashbacks qui n'ont pas vraiment de sens si ce n'est pour expliquer certains retournement qui auront lieu plus tard (paies ta subtilité, on est dans la définition littérale du fusil de Tchekhov !).

On a vraiment l'impression que Shyamalan voulait faire quelque chose de son film, lui apporter une certaine ampleur mais qu'il n'a pas su comment (ou n'a plus le talent pour) y arriver.

En plus, le film est interminable et c'est d'un ennui rare. Les personnages secondaires (mis à part Casey) ne sont pas assez développés pour qu'on se soucie de leur sort et du coup on voit toute cette histoire se passer sous nos yeux avec James McAvoy qui essaie de faire son numéro mais il n'y a rien qui se dégage de tout ça, c'est le néant. Pour tout dire j'ai largement préféré le personnage de Casey à celui de Kevin pour tout vous dire...

La dernière personnalité de Kevin n'a en plus aucun sens, rien n'explique qu'il réagisse de cette manière, c'est juste du gros n'importe quoi !

Seule la fin réussit à relever un peu le niveau car la musique est très belle et ça a le mérite de ne pas trop expliquer. Il y a en plus une grosse surprise (ce n'est pas un twist mais une apparition) qui m'a fait sourire car je ne m'y attendais pas du tout.

Un film inintéressant au possible qui ne constituera en tout cas pas une renaissance pour M.Night Shyamalan (en tout cas pas dans mon coeur). Le film semble cependant fonctionner au box-office américain et les critiques spécialisées sont encourageantes, peut-être que ça redonnera un second souffle au cinéaste mais pour moi c'est directement poubelle !

Manchester by the Sea (2016) - Kenneth Lonergan

Manchester by the Sea fait parler de lui depuis un petit moment déjà. Il était temps pour moi de découvrir le film de Kenneth Lonergan, un mélodrame se situant dans le nord est des Etats-Unis où Lee Chandler (Casey Affleck) est confronté au décès de son frère et doit retourner à Manchester-by-the-Sea, où il a vécu auparavant, pour s'occuper de son neveu.

Le genre du mélo est assez casse-gueule, il est facile de vite tomber dans le pathos mais difficile de raconter quelque chose de vraiment touchant sans utiliser d'artifices lourdingues. Pourtant, Kenneth Lonergan y arrive à la perfection et la principale raison à ça est qu'il garde toujours une certaine distance avec ses personnages. Ici, pas de gros plans sur des personnages qui pleurent (d'ailleurs il ne doit pas y avoir un seul gros plan dans le film de mémoire), tout est toujours présenté en plans assez larges et qui durent souvent longtemps.
Casey Affleck est fantastique, son personnage est confronté à la mort de son frère mais on apprendra en cours de film, via un des nombreux flashbacks habilement intégrés au récit, qu'il avait déjà vécu un drame dans sa vie. Ce moment est déchirant car on nous laisse déjà entendre via certains personnages (qui parlent de lui comme LE Lee Chandler, comme s'il était célèbre pour une quelconque raison) qu'il a dû vivre un événement traumatisant mais le revivre avec lui est assez bouleversant.

On ne peut donc qu'être assez admiratif devant le courage de cet homme qui fait ce qu'il peut pour garder la tête froide. Je me suis très rapidement attaché à lui (ayant moi-même vécu un deuil) et la performance de Casey Affleck y est pour beaucoup, il intériorise beaucoup jusqu'à arriver à un point de rupture qui le rend d'autant plus touchant.
Les seconds rôles ne sont pas en reste non plus, la très belle Michelle Williams illumine l'écran et le jeune Lucas Hedges (qu'on avait déjà vu chez Wes Anderson) affiche une très belle complicité avec Affleck.

La photographie est à l'image du film, belle mais sans fioritures, elle sublime à merveille les paysages enneigés du Massachusetts. J'aurai un peu plus de réserves sur la musique, à base de chœurs principalement, trop présente à certains moments où le silence aurait été préférable.
Un film dont on ressort assez déprimé mais qui rappelle que la vie ce n'est pas toujours la joie.

Basic Instinct (1992) - Paul Verhoeven

Un miroir, un couple qui fait l'amour, un meurtre extrêmement sanglant. La première séquence de Basic Instinct à elle seule donne déjà le ton de tout ce que sera le film mais également de toute la carrière de Paul Verhoeven : un jeu sur les faux semblants, la violence et la sexualité.

Le hollandais violent et jusqu'à présent connu aux Etats-Unis pour Robocop et Total Recall, deux films à gros budget. Avec Basic Instinct, il revient à un cinéma plus intimiste, aux racines qui s'étendaient sur toute sa période hollandaise où le sexe et les femmes fortes constituaient une composante fondamentale de son cinéma.

Basic Instinct est plus qu'un simple thriller érotique destiné à exciter l'homme moyen (choses que l'on a pu lire à gauche à droite), c'est surtout un film que seul Verhoeven aurait été capable de faire, plein de sous-entendus et de messages sur la société américaine.
Le personnage de Catherine Tramell (bouillante Sharon Stone) rappelle fortement celui incarné par Renée Soutendijk dans Le Quatrième Homme : intelligente, manipulatrice, terriblement séduisante qui va attirer à elle l'inspecteur Nick Curran (Michael Douglas) qui enquête sur l'homicide présenté dans la première scène du film.
Le personnage de Nick a ça d'intéressant qu'il est dans un premier temps éloigné du personnage verhoevenien traditionnel dans le sens où il ne tente pas de s'extraire du moule de la société, il essaye au contraire de s'y intégrer en voulant être l'américain modèle qui a arrêté l'alcool, la cigarette et la drogue. C'est Catherine qui va être le déclencheur et faire retomber Nick dans tous ses travers.

Paul Verhoeven joue habilement sur le jeu de séduction entre Nick et Catherine et l'ambiguïté de leur relation, chacun pensant avoir l'avantage sur l'autre pour au final ne faire qu'un sous les draps. Nick et Catherine représentent d'ailleurs une figure majeur dans le cinéma du hollandais violent, celle du double. Tel Murphy/Robocop, tel Douglas/Hauser, on peut voir Nick/Catherine comme le miroir l'un de l'autre, celui-ci allant même jusqu'à piquer les répliques de Catherine lorsqu'il est interrogé dans la même salle que celle-ci (la fameuse scène du décroisé de jambes).

Toute l'intrigue autour de l'enquête a ça d'intéressant qu'elle ne donne pas, à la manière des faux happy-end de Robocop et Total Recall, de réponse définitive. Si le premier plan nous présentait la mort, celui final nous laisse dans l'expectative, si bien que les certitudes que semble avancer le film au début, s'écroulent petit à petit l'une après l'autre.

Film résolument hitchcockien dans l'âme (notamment de par son voyeurisme) et rythmé par les partitions lancinantes de Jerry Goldsmith, Basic Instinct a marqué les esprit lors de sa sortie. On pourra lui reprocher quelques longueurs dans sa deuxième moitié mais il n'en demeure pas moins un film majeur dans la carrière de son auteur.

Les salauds dorment en paix (1960) - Akira Kurosawa

Premier film de Akira Kurosawa produit par ses soins (toujours coproduit par la Toho), Les Salauds dorment en paix (très beau titre français au passage), adaptation très libre du Hamlet de Shakespeare, continue l'exploration de la société japonaise moderne. Après avoir parlé de la peur de la mort et d'une nouvelle catastrophe nucléaire (à peine 10 ans après le double bombardement de 1945), le maître japonais s'attaque cette fois-ci à la corruption au sein d'une grande entreprise avec toujours la justesse et le génie de mise en scène qui le caractérise depuis ses débuts.

Le film débute par une formidable séquence d'ouverture de 20 minutes nous montrant le mariage de la fille du vice-directeur de l'entreprise avec Nishi (un Toshiro Mifune qui irradie à nouveau l'écran de son charisme), secrétaire de celui-ci.

La scène brille par la clarté avec laquelle elle met déjà en place tous les enjeux et toute la mythologie du film et démontre une nouvelle fois le talent qu'a Kurosawa pour mettre en scène les foules : c'est fluide, dynamique, cadré au millimètre, tout y est !

Le Japon que décrit Kurosawa dans Les Salauds dorment en paix est nihiliste au possible et la noirceur de l'être humain est ici poussée à son paroxysme, chacun étant prêt à tout pour arriver à ses fins (comme pousser ses employés au suicide).

Le film ne tombe pourtant pas dans le manichéisme bas de gamme, chaque personnage défendant de près ou de loin ses propres intérêts avec une ambiguïté parfaitement dosée.

Le personnage incarné par Mifune est un bel exemple : il se marie avec la fille du vice-directeur uniquement pour atteindre plus facilement ce dernier qu'il considère comme responsable du suicide de son père et qu'il veut venger. Cependant, il se rendra compte au fur et à mesure qu'il aime réellement la fille et ce sentiment le déchire intérieurement...

Avec Les Salauds dorment en paix, Akira Kurosawa nous livre une nouvelle fois un film magistral, jouant sur la noirceur et l'amoralité, à l'image de sa fin, pessimiste au possible et nous faisant comprendre que rien n'est vraiment réglé.

Le film a beau être assez peu connu (surtout si on compare à ses chanbara les plus célèbres), il n'en demeure pas moins un film majeur dans la carrière du cinéaste et est à voir absolument !

Loving (2017) - Jeff Nichols

Jeff Nichols carbure fort ces derniers temps !

Après avoir exploré le drame sous toutes ses formes avec Shotgun Stories, Take Shelter et Mud, puis la science-fiction l'an passé avec le très beau Midnight Special, le réalisateur arkansasais change à nouveau de registre pour s'attaquer au biopic en adaptant à l'écran l'affaire Loving v. Virginia qui avait fait grand bruit dans l'Amérique ségrégationniste des années 50.

L'arrêt rendu par la Cour suprême américaine avait alors déclaré comme anticonstitutionnelle la loi en vigueur dans l'Etat de Virginie (notamment) qui interdisait le mariage interracial.

Jeff Nichols étale son histoire sur à peu près une décennie, entre le moment où Mildred (Ruth Negga) et Richard Loving (Joel Edgerton) se marient, jusqu'au moment où le verdict est rendu en 1967.

On connaît le penchant du cinéaste pour la cellule familial, son cinéma ayant toujours été basé sur celle-ci et les drames qui peuvent venir la bousculer (il est d'ailleurs souvent rapproché de Spielberg à ce niveau-là).

Loving ne fait pas exception, Nichols fait un choix plutôt radical de se concentrer presque intégralement à ce couple, à l'amour très fort qui les unis (rejoignant donc le titre) et que rien ne semble pouvoir atteindre.

Nichols met ici le classicisme de sa mise en scène au service de cette histoire sans jamais juger, prenant même passablement de recul par rapport aux événements et en n'accentuant jamais les quelques rares violences que subit le couple Loving.

Le choix volontaire de Jeff Nichols d'éclipser en très grande partie le jugement devant la Cour suprême peut surprendre voir frustrer, ça a d'ailleurs été mon cas, moi qui adore les films de procès (que je trouve très cinématographiques) en sortant de la salle. Cependant, avec le recul, je me suis dit que c'était finalement une continuité dans le cinéma du réalisateur et que traiter tout l'aspect juridique différemment n'aurait finalement pas rendu hommage aux valeurs que défend Nichols.

On pourra reprocher aux films quelques lourdeurs telles que la symbolique de la construction du mur, beaucoup trop appuyé, quelques séquences sans réel intérêt et certains personnages sous-écrits. Il n'en demeure pas moins que Jeff Nichols nous livre à nouveau un très bon film, parvenant à faire ressortir la beauté de ses personnages (impeccablement interprétés d'ailleurs) et sachant instaurer de la tension à certains moment (en jouant notamment sur la paranoïa des protagonistes qui ont peur de se faire dénoncer).

Loving est certes moins marquant qu'un Take Shelter, moins beau qu'un Mud ou moins ambitieux qu'un Midnight Special mais il reste un film de Jeff Nichols, pas son meilleur mais intéressant par ce qu'il raconte et la manière dont c'est fait. S'il y a une chose qu'il faut laisser à Nichols, c'est qu'il n'a encore jamais trahi son cinéma .

J'attends maintenant au tournant le prochain film du cinéaste qui a déjà annoncé vouloir retourner à la science-fiction !

T2 Trainspotting (2017) - Danny Boyle

Autant le dire tout de suite, je n'ai pas d'attachement particulier envers Trainspotting premier du nom, que j'avais d'ailleurs regardé la veille et aimé sans l'adorer.

Cette suite m'intéressait tout de même, ne serait-ce que par curiosité de retrouver tous ces personnages (car le casting est inchangé, ce qui est assez fort de nos jours) 20 ans plus tard, de voir ce qu'ils ont fait de leur vie et si leur rancœur est encore vive...

Et c'est exactement ce que nous propose le film avec un Mark Renton (Ewan McGregor) qui, après 20 ans passé à Amsterdam par culpabilité (même si ce n'est jamais vraiment expliqué dans le film), revient à Édimbourg afin de reprendre contact avec les amis qu'il a trahi et qui ne sont pas tous enchantés de son retour.

La jeunesse, la folie et la camaraderie de Trainspotting laissent donc place aux déceptions la vie adulte, aux regrets et à la haine. C'est ce qui est vraiment intéressant dans le film : voir ces jeunes que l'on a vu planer au 7ème ciel à coup d'injections d'héroïne se retrouver avec des rides et le poids des années en plus, poids qui est très difficile à porter.

Cependant, T2 reste une suite et fait très régulièrement le lien avec le premier, que ce soit via des flashbacks ou via des éléments de mise en scène et des cadres directement repris du premier film. On pourra ici reprocher le peu de subtilité dont fait parfois preuve Danny Boyle (qui lui aussi a 20 ans de plus rappelons-le) avec ses effets qui passaient convenablement quand il s'agissait de retranscrire les trips de jeunes héroïnomanes mais qui font très tape-à-l’œil - en plus d'être assez moches et vains - quand ils sont appliqués aux mêmes personnages qui essaient justement de passer à autre chose.

Danny Boyle brille pourtant lors de certaines séquences comme celle où Mark et Simon doivent improviser une chanson sur la Bataille de la Boyne dans un club protestant où on retrouve justement la folie et l'audace du premier film sans faire dans le simple clin d’œil.

Ce sont précisément ces moments là que j'ai le plus apprécié, ceux qui apportent véritablement quelque chose sans s'appuyer trop fortement sur le premier film.

Les fans seront certainement enchantés de retrouver ces personnages qui ont marqué toute une génération, ainsi que leur fort accent écossais. Il faut dire que le casting est vraiment convaincant, que ce soit McGregor, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner ou Robert Carlyle. Même Anjela Nedyalkova, la nouvelle venue, réussi à tirer son épingle du jeu alors qu'on aurait pu craindre un simple rôle de figuration (ce qui est le cas du personnage de Diane par exemple).

T2 Trainspotting m'a donc convaincu à défaut de m'avoir charmé, je lui reprocherai principalement une mise en scène pas toujours inspirée dans les effets qu'elle utilise (ces arrêts sur image je ne comprendrai jamais le délire) et qui ne colle pas à son sujet ainsi que des références parfois trop appuyées au premier film.

Cependant, le capital sympathie de ses personnages est toujours intact et permet de ne jamais s'ennuyer durant ces 2h et d'en ressortir avec une envie de parler comme Sean Connery...et ça c'est cool !

John Wick 2 (2017) - Chad Stahelski

Disons le tout de suite, le premier John Wick avait été une excellente surprise lors de sa sortie en 2014. Alors que l'on pouvait craindre un énième film d'action testostéroné mais décérébré à la Taken, le film faisait le pari de l'hommage aux séries B des années 80 en misant sur le charisme et l'icônisation (en 15 minutes chrono !) de son acteur principal : un Keanu Reeves au sommet de sa forme.

Il en résultait un film absolument jouasse, qui ne tergiversait pas et allait directement à l'essentiel, de la bastonnade savamment mise en scène et un rythme parfaitement géré.

Trois ans plus tard, John Wick est de retour avec toujours Reeves dans le rôle titre, Chad Stahelski à la réalisation (seul cette fois-ci, David Leitch étant allé réaliser ses propres projets) mais un budget doublé.

Et si cette suite reprend en grande partie le fun procuré par le premier chapitre, il souffre aussi de certaines tares inhérentes à la suite plus (trop ?) ambitieuse.

Car là où le premier jouait beaucoup sur sa spontanéité et sur des enjeux clairs et simples, sa suite tente de développer une intrigue plus poussée autour de la fameuse "confrérie" d'assassins qu'on voyait déjà dans le premier. C'est précisément là que l'on trouve le principal défaut que l'on peut reprocher au film, son rythme s'en retrouve bancal car Stahelski n'est pas aussi douer pour filmer les dialogues qu'il ne l'est pour mettre en scène l'action, il est résulte certains passages explicatifs (Wick lui-même parle beaucoup alors qu'il était très peu bavard dans le premier) pas forcément intéressants.

Le film a d'ailleurs joué à me faire peur avec une première séquence plutôt ratée car totalement dispensable dans laquelle John Wick retourne récupérer sa voiture chez le frère de Viggo (l'antagoniste principal du premier film). Cependant, une fois passé cette introduction laborieuse, le film retombe dans ce qu'il fait de mieux : de l'action rythmée, impactante et parfaitement lisible. Il est toujours autant appréciable de voir Stahelski (qui est un ancien cascadeur rappelons-le) nous proposer ce type de baston à l'heure où les cuts toutes les secondes semblent être devenus le mètre-étalon du genre.

Et c'est vraiment dans ces moments là que le film est fun, quand il fait ce qu'il sait faire, parce que franchement, voir un Keanu Reeves aussi classe trucider 20 mecs à la minutes, c'est quand même foutrement jouissif !

Il en résulte donc un épisode un peu inférieur au premier, la faute à un rythme pas toujours maîtrisé et plombé par une intrigue qui se veut trop poussée et qui dessert le film. Néanmoins, le film de Chad Stahelski est à nouveau un très bon moment d'action, le sang gicle toujours autant et le capital charisme de Keanu Reeves est intact.

La fin laissant imaginer un troisième chapitre, il faut cependant se demander désormais si John Wick aura encore du neuf à proposer afin d'éviter une certaine lassitude. En attendant, il serait dommage de se priver de ce John Wick 2 qui rempli parfaitement son rôle de divertissement en plus de présenter des choses plutôt belles à l'écran.

Rétrospective Disney - Bilan

2017-02-19T18:03:00.002+01:00

Je n'en ai pas parlé sur le blog mais ceux qui me suivent sur Facebook sont certainement au courant : en octobre dernier j'ai décidé de me lancer dans une grande rétrospective avec pour but but le visionnage de tous les Classiques Disney (c'est-à-dire ceux appartenant à cette liste).

L'objectif de cette rétrospective était principalement de pouvoir juger les films avec le regard qui est le mien aujourd'hui et qui est donc bien différent de celui que j'avais enfant, tout en redécouvrant certains grands classiques que je n'avais plus revu depuis plus de 15 ans (et en découvrant totalement ceux que je n'avais jamais vu, essentiellement de la période post-2000). C'était donc l'occasion de (re)découvrir certains films qui ont marqué plusieurs générations de cinéphiles de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) au tout récent Vaiana (2016).

Cela a donc fait en tout 54 films (je n'ai pas revu Les Nouveaux Héros et Zootopie car je l'ai avais tous deux visionné en 2016) visionnés en 3 mois et demi et maintenant que je suis arrivé à la fin, il est temps de dresser le bilan de ce voyage au pays de la firme aux grandes oreilles !

Âge noir, âge d'or, quid de mon ressenti ?

On le sait, Disney a connu des hauts et des bas. Après des débuts tonitruants dans les longs-métrages à la fin des années 30 / début des années 40, la firme s'en enfoncée dans une période creuse de quasiment une décennie en nous ressortant la même recette à chaque fois : compilations de courts-métrages regroupés pour en faire un long (dont la durée varie entre 45 minutes et 1h15). Si j'ai plutôt apprécié certains de ceux-ci (comme Saludos Amigos par exemple), force est de constater que j'ai eu beaucoup de peine à m'enthousiasmer pour ceux-ci. Le sortir de la Seconde Guerre Mondiale n'a donc pas été du tout source d'inspiration pour Disney.

Il faut attendre 1950 et la sortie de Cendrillon pour voir Disney revenir véritablement aux affaires en reprenant la recette qui avait fait de Blanche-Neige un succès : une princesse, des chansons, bref des contes de fées !

Il s'en suivra donc une période très faste pour le studio avec certains de leurs meilleurs films sortis durant cette époque (Alice au pays des merveilles, Peter Pan, La Belle au bois dormant). Celle-ci durera jusqu'au décès de Walt Disney en 1966, après quoi le studio retombera à nouveau dans une période de léthargie, recyclant sans cesse la même recette, jusqu'à voir des films étant quasiment des copié-collés les uns des autres. Si j'ai beaucoup aimé certains films de cette période, il m'a fallu attendre l'arrivée de La Petite Sirène (qui correspond justement au début d'un nouvel Âge d'Or) pour me voir adorer à nouveau un Disney. Toute la période s'étendant jusqu'à la sortie de Fantasia 2000 (en 1999) est celle qui contient mes Disney préférés et probablement ceux que j'ai le plus vus étant petit.

La suite ? Une dégringolade complète avec certains des pires films sortis par le studio (on est encore pire que dans les années 40). Il faudra attendre le rachat de Pixar et l'arrivée de John Lasseter en tant que producteur délégué pour revoir des films dignes d'intérêt mais malheureusement rien qui n'égalera leurs plus grands films des années 50 et 90.

L'évolution de mon ressenti lors de cette rétrospective collait donc de manière générale aux périodes fastes et creuses des studios Disney. J'ai même réévalué fortement à la hausse certains films dont j'avais de très mauvais souvenirs (l'exemple le plus marquant est Bambi) tandis que d'autres ont moins bien supporté le revisionnage (Pocahontas, Hercule).

Force est de constater, néanmoins, que Disney n'a plus le talent des grandes années, malgré quelques très bons films sortis ces dernières années. Les résultats au box-office sont certes très bons mais il est difficile de ne pas ressentir un formatage qui empêche désormais le studio de prendre de véritables risques tels que Pinocchio ou Taram et le Chaudron Magique par exemple.

Après ces quelques éclaircissements, il est donc temps de vous livrer mon Top 10 et mon Flop 10 (car il m'a été demandé aussi) des Classiques Disney, basé fortement sur mon ressenti et avec une très grande part de nostalgie qui rentre en compte, j'ai cependant essayé de rester le plus objectif possible tant que faire se pouvait.

Top 10 des Classiques Disney

1. Mulan (1998) - Mon préféré depuis très longtemps et je ne pense pas que ça bougera. J'en avais d'ailleurs écrit une critique détaillée sur la page Facebook.

2. Le Roi lion (1994) - Celui qui a mis à peu près tout le monde d'accord. Premier Disney à mettre en scène uniquement des animaux sans mention aucune de l'homme, Le Roi lion est une réussite à tous les niveaux : de ses chansons qui sont restées dans la tête de tout le monde à l'animation ébouriffante des animaux en passant par une direction artistique soignée et une retranscription impressionnante de la savane africaine.

3. Aladdin (1992) - Encore un film de cette fameuse période 89-99 qui adapte assez librement différents contes des Mille et Une Nuits pour une franche réussite avec un Génie ayant marqué les esprits (certainement un des personnages Disney les plus réussis) et le meilleur méchant qu'ait créé la firme en la personne de Jafar.

4. Peter Pan (1953) - On remonte dans le temps cette fois-ci avec un film dont j'avais de bons souvenirs mais qui m'a réellement marqué durant cette rétrospective. Un des Disney qui me fait le plus rêver mais également le plus rire (le duo Capitaine Crochet et M. Mouche est exquis).

5. La Petite Sirène (1989) - Le film n'est certes pas exempte de défauts mais il me paraissait impensable de ne pas le mettre dans ce Top tant je suis un fan de Sébastien (version Henri Salvador) et des musiques du film.

6. Rox et Rouky (1981) - Cas un peu particulier puisqu'il provient justement d'une période un peu creuse pour Disney mais il m'a tellement touché que je voulais le faire figurer dans ce Top.

7. La Belle au bois dormant (1959) - La raison principale a un nom : Maléfique, probablement l'antagoniste de plus impressionnant et le plus marquant de la filmographie Disney. L'ambiance très glauque du film m'avait déjà beaucoup marquée à l'époque et c'est toujours le cas aujourd'hui.

8. Alice au pays des merveilles (1951) - Le Disney le plus étrange mais un de ceux que j'aime le plus. Le travail sur l'univers est tellement poussé et le résultat tellement convainquant qu'il mérite sa place dans ce classement.

9. La Belle et la Bête (1991) - Premier Disney à être sorti après ma naissance, le film est un des plus impressionnant techniquement grâce à l'apport de l'animation de synthèse. La musique de Alan Menken est également une des plus grandes réussites du film.

10. Robin des Bois (1973) - Aussi loin que je m'en souvienne, j'ai toujours beaucoup aimé celui-ci. L'histoire me touche beaucoup et, malgré un méchant un peu raté, j'ai à nouveau pris énormément de plaisir devant Robin des Bois.

Flop 10 des Classiques Disney

1. Dinosaure (2000) - Une très mauvaise découverte pour le coup. Je me demande franchement à quoi pensaient les studios Disney quand ils se sont dit que ce serait une bonne idée de faire ça. Tout est moche (ça a vieilli certes mais n'oublions pas qu'un certain Jurassic Park était sorti sept ans auparavant), c'est chiant comme la pluie, poubelle !

2. La ferme se rebelle (2004) - Considéré de manière assez unanime comme l'un des pires Disney, le film n'a pas volé sa réputation. Avec sa direction artistique douteuse et son animation aux fraises, le film échoue à peu près dans tout ce qu'il entreprend. J'avoue (honteusement) avoir rigolé à un moment du film mais je mettrai ça sur le coup de la fatigue ou d'un excès de faiblesse de ma part.

Un triste adieux de Disney à l'animation traditionnelle (heureusement, ils reviendront sur leur décision avec La princesse et la grenouille)

3. Winnie l'ourson (2011) - Ici c'est un ressenti vraiment personnel car je reconnais au film bien des qualités telles que l'animation traditionnelle du plus bel effet ou le capital sympathie de Winnie. Par contre je me suis vraiment ennuyé tout le long (et pourtant c'est court), l'exemple typique du film d'animation dont je ne suis pas du tout la cible.

4. Le Crapaud et le Maître d'école (1949) - Enfin un film de cette fameuse période qui a suivi la guerre et probablement le pire de celle-ci. Le film est divisé en deux histoires distinctes : la première parlant d'un crapaud passionné d'automobile et la seconde étant une adaptation totalement édulcorée de La Légende de Sleepy Hollow qui est une atteinte au bon goût de tous les instants en plus d'être une amère déception pour moi qui adore l'histoire du Cavalier sans tête.

5. Les Trois Caballeros (1944) - Le film reprend la recette de Saludos Amigos (que j'ai aimé) avec une compilation de différents court-métrages mais fait tout en moins bien, moins drôle, mois beau, moins...tout !

6. Chicken Little (2005) - Premier Disney entièrement en animation de synthèse 3D, le film est une piètre entrée du studio dans ce nouveau type d'animation maîtrisé à la perfection par Pixar. Chicken Little est un amoncellement de clichés tous plus insupportables les uns que les autres et a terriblement mal vieilli.

7. La Boîte à musique (1946) - Même recette, mêmes défauts que Les Trois Caballeros ou Le Crapaud et le Maître d'école et film symptomatique de la période dans laquelle il est sorti.

8. La Planète au trésor (2002) - Celui-ci est à l'image de ce que faisait Disney au début des années 2000 : un film sans idées, à la direction artistique paresseuse et l'impression d'avoir vu beaucoup mieux ailleurs.

9. Mélodie Cocktail (1948) - Le quadruplé pour cette période ! Je ne développerai pas plus car ce qui a été dit pour les autres est valable pour celui-ci également.

10. Les Aventures de Winnie l'ourson (1977) - Pour les mêmes raisons que celui de 2011. L'ayant quand même mieux apprécié, j'ai tout de même un problème avec l'univers de Winnie l'ourson qui ne me parle absolument pas et ça ne date pas d'aujourd'hui. J'ai beaucoup hésité entre plusieurs films pour clôturer ce classement mais c'est finalement celui-ci qui s'est imposé, même si ce n'est objectivement pas le plus mauvais de ceux-ci.

Conclusion

Cette rétrospective m'aura permis de redécouvrir certains des films que j'adorais regarder sur VHS quand j'étais gosse (pour le meilleur et pour le pire). Ce top/flop a finalement beaucoup plus une valeur indicative que réellement objective car j'ai beaucoup de mal à laisser totalement de côté l'aspect nostalgique...

Il était très intéressant de constater l'évolution des studios Disney depuis leurs débuts dans les long-métrages d'animation et de mettre en perspective leurs hauts et leurs bas par rapport au contexte de l'époque. Gardons tout de même à l'esprit que, si Disney aujourd'hui est devenu une grosse machine privilégiant les succès au box-office plutôt que la créativité, il n'en a pas toujours été ainsi et il ne faut pas oublier ce que la firme a apporté au cinéma d'animation (mais pas que).

En espérant que ce bilan vous plaira, il est maintenant temps pour moi de voguer vers d'autres horizons cinématographiques !

Silence (2017)

2017-02-11T13:23:00.000+01:00

Titre : Silence

Date de sortie française : 8 février 2017

Réalisateur : Martin Scorsese

Scénario : Jay Cocks et Martin Scorsese, d'après le livre de Shûsaku Endô

Photographie : Rodrigo Prieto

Montage : Thelma Schoonmaker

Musique : Kathryn Kluge et Kim Allen Kluge

Durée : 2h41

Avec : Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Tadanobu Asano, Ciarán Hinds, Issei Ogata, Shin'ya Tsukamoto, Yoshi Oida, Yôsuke Kubozuka

Synopsis : XVIIème siècle, deux prêtres jésuites (Andrew Garfield et Adam Driver) se rendent au Japon pour retrouver leur mentor, le père Ferreira (Liam Neeson), disparu alors qu’il tentait de répandre les enseignements du catholicisme.Au terme d’un dangereux voyage, ils découvrent un pays où le christianisme est décrété illégal et ses fidèles persécutés. Ils devront mener dans la clandestinité cette quête périlleuse qui confrontera leur foi aux pires épreuves. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

La sortie d'un nouveau film de Martin Scorsese est toujours un événement, le réalisateur new-yorkais est en effet très apprécié auprès des cinéphiles et après son sublime Le Loup de Wall Street, il était attendu au tournant pour l'aboutissement d'un projet qu'il cogitait depuis près de 30 ans.

Le papa de Taxi Driver et des Affranchis est principalement connu auprès du grand public grâce à ses histoires de gangsters et de personnages en marge de la société qui finissent par connaître la déchéance. Cependant, même s'il n'a abordé le thème de la religion de manière directe que dans deux films jusque-là (La dernière tentation du Christ et Kundun), celle-ci se retrouve dans à peu près tous les films qu'a tourné Scorsese avec des chemins de croix, et autres réminiscences de Judas.

Avec Silence (qui avait d'ailleurs déjà été adapté en 1971 par Masahiro Shinoda), Scorsese conclut donc sa trilogie sur la foi et on pouvait placer de grands espoirs sur ce film très personnel vu sa longue genèse. Au final, on peut donc être un peu déçu de se retrouver devant un film si bancal qui présente de nombreuses belles choses mais se perd parfois dans des lourdeurs et des fautes de goût qui font que l'on ressort de ces 2h40 avec un arrière-goût d'inachevé dans la bouche.

Ce n'est un secret pour personne, Martin Scorsese est un grand fan du cinéma asiatique, le voir retranscrire le Japon du XVIIème siècle à l'écran est d'ailleurs ce qui fait la plus grande réussite du film : c'est formellement impeccable ! Dès la première scène du film on se retrouve avec des compositions de plans sur plusieurs couches qu'un certain Akira Kurosawa n'aurait pas renié : c'est beau, c'est brumeux, la première impression est vraiment bonne.

Et puis il y a tout le travail de reconstitution qui est vraiment réussi, le film a beau avoir été tourné à Taïwan, l'architecture et les décors renvoient totalement à la culture nippone. Le tout est souligné par la très belle photographie de Rodrigo Prieto (qui opérait déjà sur Le Loup de Wall Street) mettant à l'honneur ces paysages parfois très vastes.

Le souci principal du film est donc à chercher ailleurs : celui-ci est profondément ennuyant durant toute sa première heure. On se retrouve donc balancé avec les pères Rodrigues (Andrew Garfield) et Garupe (Adam Driver) au cœur de ce Japon hostile au christianisme qui recherche activement ses fidèles pour les pousser à l'apostasie sans quoi ceux-ci sont torturés et exécutés (le fait de tuer au nom de dieu renvoie d'ailleurs de manière assez évidente à ce qu'il se passe de nos jours dans le monde avec l'extrémisme religieux). Le problème c'est que je n'avais pas d'attache particulière avec le personnage de Rodrigues et que Andrew Garfield a de la peine à porter le film à lui seul. Adam Driver n'a finalement qu'un rôle assez secondaire alors que je trouve son personnage bien plus intéressant de par le rapport qu'il a envers sa foi (Liam Neeson apparaît encore moins). Nous sommes donc confrontés aux doutes de Rodrigues face au silence de dieu, ce qui aurait pu être profondément passionnant s'il n'y avait pas certaines lourdeurs pour venir ternir le tableau.

Une première faute de goût qu'on pourrait reprocher au film est cette voix-off qui intervient à plusieurs moments du film (jusqu'à être carrément remplacée vers la fin) et qui brise du coup ce silence que Scorsese s'est donné la peine de respecter en limitant au maximum la musique extradiégétique. Cette lourdeur dispensable m'a sortie du film à plusieurs moments, heureusement qu'elle se fait plus discrète dans la seconde partie. Un tournant majeur a lieu lorsque Rodrigues contemple son reflet dans l'eau et voit venir s'y superposer le visage de Jésus (séquence d'un goût une nouvelle fois assez douteux, un certain Paul Verhoeven représentait la figure sacrée de Rutger Hauer de manière bien plus subtile dans La Chair et le Sang). Dès ce moment, le film devient plus intéressant mais tombe dans d'autres travers tels ces interminables tunnels de dialogues qui se répètent souvent pour dire la même chose. Le spectateur l'a compris depuis un moment : on est face à un dialogue de sourd entre les bouddhistes et les chrétiens qui ne veulent pas entendre la position de l'un et l'autre.

Il faut reconnaître à Scorsese un effort pour ne pas tomber dans le manichéisme et le discours trop orienté (le personnage de Tadanobu Asano est d'ailleurs intéressant à ce niveau). Cependant, la dernière partie du film me pose un problème à ce niveau-là quand Rodrigues se retrouve malgré lui obligé d'apostasier après avoir enfin retrouvé le père Ferreira (Liam Neeson) qui lui force lui-même la main afin d'épargner la vie de quelques fidèles. On pourrait croire à ce moment-là que Scorsese prend finalement le parti des Japonais afin d'équilibrer la balance mais la mise en scène autour du personnage de Liam Neeson jette le doute sur la sincérité de ses propos, tout comme le plan final annule en quelque sorte tout ce que le film a voulu démontrer dans son dernier acte, rapportant à nouveau la foi à quelque chose de matériel et non plus spirituel.

Plus qu'un film sur la foi, Silence parle plutôt du rapport à la foi et c'est un des aspects les plus intéressants du métrage car tout le monde n'est pas égal face à sa foi, rien que les deux pères l'appréhendent d'une manière différente. Cependant, au final, c'est une certaine forme d'incompréhension qui nous gagne car il est difficile de toujours bien voir où veut en venir Martin Scorsese avec son histoire. Ajoutons encore certains personnages très bizarrement représentés (Issei Ogata est assez ridicule par exemple) et nous obtenons un film qui peine à convaincre totalement sur la durée.

C'est donc un sentiment mitigé qui prédomine avec un déséquilibre entre la forme - splendide - et le fond. L'ampleur du projet amenait certainement à des espoirs trop grands mais il faudra sans doute que je visionne le film de 1971 pour pouvoir situer véritablement le film de Scorsese. Dans tous les cas, c'est un film que je conseille quand même car il faut soutenir ce type de productions (le film a déjà fait un four aux Etats-Unis). Attention toutefois, il faut savoir ce que l'on va regarder car ceux qui ont vu Le Loup de Wall Street seront peut-être pris à contre-pied par le côté bien plus austère de Silence...
A réévaluer, peut-être, d'ici quelques temps.

La La Land (2017)

2017-01-08T14:15:00.000+01:00

Titre : La La Land

Date de sortie française : 25 janvier 2017

Réalisateur : Damien Chazelle (également scénariste)

Photographie : Linus Sandgren

Montage : Tom Cross

Musique : Justin Hurwitz

Durée : 2h08

Avec : Ryan Gosling, Emma Stone, J.K. Simmons, John Legend, Amiée Conn, Terry Walters, Rosemarie DeWitt

Synopsis : Au cœur de Los Angeles, une actrice en devenir prénommée Mia sert des cafés entre deux auditions. De son côté, Sebastian, passionné de jazz, joue du piano dans des clubs miteux pour assurer sa subsistance.

Tous deux sont bien loin de la vie rêvée à laquelle ils aspirent…

Le destin va réunir ces doux rêveurs, mais leur coup de foudre résistera-t-il aux tentations, aux déceptions, et à la vie trépidante d’Hollywood ? (Source : Allociné)

Mon avis

Fin 2014, Damien Chazelle faisait une entrée fracassante à Hollywood avec son premier long-métrage, Whiplash (sur lequel j'avais déjà écrit un article) qui racontait la lutte d'un jeune joueur de batterie face à un professeur de musique particulièrement tyrannique. Le film avait été un gros succès critique et avait permis à J.K. Simmons de décrocher le Graal lors de la cérémonie des Oscars.

Deux ans plus tard, Chazelle reste dans le monde de la musique (et du jazz plus particulièrement) et revient avec un projet très ambitieux, un musical avec Emma Stone et Ryan Gosling dans les rôles principaux (qui se retrouvent donc pour la troisième fois après Crazy, Stupid, Love et Gangster Squad) qui est vendu comme un hommage à l'âge d'or des films musicaux des années 1960. Le genre étant tombé en désuétude, il est désormais rare de voir un réalisateur se risquer à l'exercice et les bons résultats sont encore plus rares. On se rappelle d'un certain Les Misérables, vraiment médiocre ou plus récemment du Jersey Boys de Clint Eastwood que je n'ai pas vu mais qui avait reçu d'assez mauvais retours.

Tout ça pour dire que le jeune réalisateur était attendu au tournant et après l'accueil dithyrambique qu'a reçu le film à la Mostra de Venise j'avais placé de grands espoirs en La La Land et autant mettre fin au suspense tout de suite : j'ai adoré !

Le film s'ouvre à la manière de Whiplash, sur un plan-séquence : une scène musicale sur une autoroute impressionnante de maîtrise et qui risque fortement de rester dans les mémoires. Le ton est tout de suite donné, nous avons un grand film sous les yeux !

Damien Chazelle nous démontre une fois de plus son sens du visuel, c'est toujours très beau, souvent magnifique et on peut déjà apercevoir chez le réalisateur certains "tics" de mise en scène comme les panoramiques très rapides qu'il utilisait déjà dans la scène finale de Whiplash et qu'il magnifie ici ou les gros plans sur les musiciens et leurs instruments (le piano bien sûr mais également la batterie, le saxophone) filmés avec amour en grand passionné de musique qu'est Chazelle.

Le cinéaste démontrait déjà un grand talent de mise en scène dans Whiplash et le montage était extrêmement maîtrisé, tant que ça en devenait un film de sport (on pourrait faire le rapprochement avec un film de boxe) plus qu'un film de musique. Cependant, là où Whiplash avait un rythme effréné, La La Land fait durer ses plans, notamment les chansons qui sont très souvent en plans-séquence et qui se renouvellent continuellement.

Les musiques, parlons-en d'ailleurs. Un bon film musical se doit d'avoir des compositions solides mais il faut également que celles-ci soient bien interprétées (ce qui faisait grandement défaut dans Les Misérables). Le choix de Emma Stone et Ryan Gosling porte ici ses fruits, la première ayant déjà démontré ses talents de chanteuse tandis que Gosling est membre d'un groupe de rock.

Les différentes chansons sont sublimement interprétées par l'un comme par l'autre (épaulés en plus par John Legend), mention spéciale à une scène d'audition avec Emma Stone qui a provoqué chez moi une réaction rarissime, j'ai pleuré pour la première fois depuis bien longtemps !
Et là je me permets un petit encart personnel en déclarant une nouvelle fois ma flamme à Emma Stone qui n'a été dirigée de la sorte que chez Woody Allen. Son regard et son jeu sont d'un magnétisme rare.

Comme dit plus haut, La La Land est un hommage aux grandes comédies musicales des années 50-60. On pense bien évidemment à Jacques Demy (notamment avec ce couple qui rappelle sous certains aspects celui des Parapluies de Cherbourg) mais également à Coup de Coeur de Coppola, film très peu connu du cinéaste et dont La La Land pourrait presque être vu comme un remake. Il faut de ce fait accorder à Damien Chazelle une certaine audace car ce sont des références qui se font rares de nos jours sur grand écran.

Outre l'hommage musical, le film est également un hommage au point de vue de la réalisation, Chazelle voulait en faire un vrai film musical de l'âge d'or : ceci nécessitait donc de tourner les séquences musicales en plan-séquence, exercice difficile de surcroît et pour les acteurs également.
Ryan Gosling a notamment dû apprendre à jouer au piano sans aucune fausse note pendant la durée d'une séquence entière et le résultat est vraiment très crédible, impressionnant même !
On pourra aussi noter une utilisation très bien sentie du Cinémascope dans son format original original (2.55), signe que Damien Chazelle n'a décidément rien laissé au hasard.

Difficile donc de trouver des défauts au nouveau bijou du jeune cinéaste mais en creusant un peu, on remarquera que le film présente finalement le même défaut que Whiplash, c'est-à-dire que les scènes qui ne sont pas chantées, censées donner un fil conducteur à l'histoire en plus de développer les personnages, ne sont pas vraiment intéressantes et elles souffrent clairement de la comparaison par rapport à la maestria de tout le reste. C'est ce qu'il manque encore à Damien Chazelle pour obtenir le chef-d'oeuvre absolu, une plus grande homogénéité dans son écriture. Vu son jeune âge et l'avenir radieux qui lui est promis, nul doute qu'il arrivera à corriger ça, cela n'empêche en tout cas en rien La La Land d'être un grand film.

L'essai est donc transformé pour Damien Chazelle qui nous livre un film ambitieux dans un genre qui se fait rare sur grand écran. Porté par deux acteurs dont l'alchimie à l'écran fait des merveilles et touchants comme rarement, La La Land est un vrai plaisir de cinéma, un régal pour les yeux et les oreilles. Surtout, le film est un grand bol d'air frais à l'heure des remakes et suites formatées à toutes les sauces que nous sert Hollywood.

Déjà cité parmi les favoris des prochains Oscars (Emma Stone également) et acclamé par la critique, le film a de grandes chances de profiter d'un gros buzz positif et espérons que le succès au box-office soit présent, ça encouragera peut-être d'autres réalisateurs à tenter l'expérience d'un genre qui mérite de perdurer car Damien Chazelle a prouvé qu'on pouvait encore en faire de très belles choses.

Tops/Flops 2016

2017-01-05T12:57:00.002+01:00

2016 est mort, vive 2016 ! Une année de cinéma assez riche quoi qu'on en dise et il est temps, comme d'accoutumée de revenir sur le meilleur et le pire de ce qu'il s'est fait l'an passé dans les salles sombres.

Cette liste se base sur 72 films que j'ai pu voir en 2016 (au cinéma ou non), gardez bien à l'esprit que je n'ai pas pu tout voir, je suis peut-être passé à côté de perles qui auraient mérité leur place dans le top (ou le flop ne sait-on jamais !) mais il y a bien un moment où il faut finaliser le classement.

Top 10

1. La Tortue rouge (Michael Dudok de Wit)

Il aura été très difficile de départager les deux premières places mais j'ai finalement opté pour le premier long-métrage de Michael Dudok de Wit, un film d'une beauté incommensurable qui m'aura ému comme rarement.

Mon avis détaillé figure par ici (il faut scroller un peu).

2. Elle (Paul Verhoeven)

Le grand retour du hollandais violent, en France qui plus est, est marqué par ce thriller malsain au possible. Débutant comme un rape and revenge, le film prend très vite un tournant inattendu où Paul Verhoeven s'amuse, comme à son habitude, à jouer avec les genres, à les esquisser pour mieux les détourner. Au final il nous délivre un film nous faisant passer par tous les états d'âme, violent et dont il est difficile de ressortir indemne.

Mon avis détaillé se trouve ici.

3. The Neon Demon (Nicolas Winding Refn)

Quelle claque celui-ci ! Encore plus après un Only God Forgives qui m'avait complètement laissé sur le carreau. The Neon Demon est un trip visuel et auditif absolu, sorte de film méta sur la propre carrière de son auteur et de sa relation avec les fans et la critique depuis le succès monstre de Drive. Une expérience inoubliable au cinéma.

Mon avis détaillé se trouve ici.

4. The Revenant (Alejandro González Inárritu)

Un des premiers coups de cœur de l'année 2016, le film de Alejandro Inárritu est un western-survival viscéral, froid, magistralement mis en scène et doté d'une photo à tomber par terre !

Mon avis détaillé se trouve ici.

5. Ma Vie de Courgette (Claude Barras)

Petite fierté du classement, le film du valaisan Claude Barras a énormément fait parler de lui en Suisse mais également dans les nombreux festivals où il a été projeté. Film très court (1h05) mais extrêmement touchant de par sa manière dont il aborde l'enfance difficile, Ma Vie de Courgette prouve que c'était décidément une très bonne année pour le cinéma d'animation !

Mon avis détaillé se trouve ici.

6. Jodorowsky's Dune (Frank Pavich)

Un formidable documentaire qui retrace comment nous sommes potentiellement passés à côté du plus grand film de science-fiction de tous les temps. Jodorowsky's Dune est non seulement extrêmement intéressant mais formidablement réalisé avec plein d'anecdotes sur la genèse de l'adaptation de Dune par Alejandro Jodorowsky qui sera finalement annulée en raison de l'ambition jugée démesurée de celui-ci. Une vraie pépite !

7. La Loi de la jungle (Antonin Peretjatko)

Véritable merveille de comédie absurde, La loi de la jungle est un extraordinaire vent frais qui souffle sur le genre de la comédie française bien trop souvent réduit aux productions sans idées de Dany Boon et consorts.

Envoyé en Guyane afin d'approuver la construction d'une piste de ski couverte (ça ne s'invente pas !), un stagiaire (Vincent Macaigne, superbe) va se perdre dans la jungle en compagnie d'une jeune femme (une magnifique Vimala Pons qui s'affirme de plus en plus comme l'une des actrices les plus douées de sa génération). Le film est très drôle mais également touchant, le couple fonctionne à la perfection et il y a quelques grand moments. A regarder de toute urgence pour ceux qui seraient passés à côté !

8. Premier Contact (Denis Villeneuve)

Que dire sur Premier Contact qui ne l'a pas déjà été ? Denis Villeneuve, un an après le superbe Sicario, nous livre à nouveau un film d'une maîtrise folle. Fresque intimiste de science-fiction d'une grande beauté, le film est un appel à la découverte et la compréhension de l'autre et s'ouvre à plusieurs interprétations. Vivement Blade Runner 2049 !

Mon avis détaillé se trouve sur la page Facebook.

9. Les Huit Salopards (Quentin Tarantino)

Le pari de Quentin Tarantino était risqué : tourner un western en huis-clos en 70 mm et dans un format si large pouvait s'avérer vraiment casse gueule mais c'était sans compter sur la maîtrise et l'amour du réalisateur pour son art. Les Huit Salopards est une véritable oeuvre, peut-être la plus impressionnante cinématographiquement parlant que nous ayons pu voir cette année. Tarantino s'en donne à coeur joie d'enfermer tous ces personnages sans aucune confiance l'un envers l'autre dans cette mercerie, pour un final évidemment très tarantinesque. Peut-être pas le Tarantino le plus intéressant et le plus fin dans son écriture mais clairement un des plus solides visuellement.

Mon avis détaillé se trouve ici.

10. Toni Erdmann (Maren Ade)

Sensation du dernier Festival de Cannes, Toni Erdmann est lui aussi un objet filmique intriguant. Tournant autour de la relation tendue entre un père et sa fille, le film de la réalisatrice allemande Maren Ade est, à l'instar de La loi de la Jungle, une bouffée d'air frais dans un paysage cinématographique de plus en plus formaté. A la fois drôle triste, le film contient certainement un de mes plus grands moments de cinéma en 2016 avec la séquence d'anniversaire, avis aux curieux !

Mon avis détaillé se trouve ici.

Je me permets aussi quelques mentions spéciales qui ont loupé ce top de très peu : Saint-Amour (Benoît Delépine et Gustave Kervern), Sully (Clint Eastwood), 13 Hours (Michael Bay), Green Room (Jeremy Saulnier) et The Assassin (Hou Hsiao-Hsien), la claque esthétique de l'année.

Flop 10

1. Warcraft : Le Commencement (Duncan Jones)

L'étron en or de 2016 ! En plus d'être une énième adaptation ratée de jeu-vidéo, Warcraft échoue dans tout ce qu'il entreprend. Moche à en vomir, intrigue à dormir debout, personnages chiants comme la pluie et terriblement mal joué. Rien n'est réussi, on ne croit pas une seule seconde ce qu'il se passe à l'écran parce que faut pas déconner mais voir des orques numériques qui se battent dans des décors en numérique c'est loin, très loin de me faire bander !

Mon avis détaillé se trouve par ici (à nouveau il faut scroller un peu).

2. Captain America : Civil War (Joe et Anthony Russo)

Captain America : Le Soldat de l'Hiver était déjà un des pires films de 2014, sa suite ne relève pas le niveau, loin de là. Sorte de Avengers 2.5, le film nous raconte la "guerre civile" (comprenez 12 péquenauds qui se tapent dessus en s'excusant de se faire mal) entre les Avengers juste car ils n'ont pas trouvé d'autre moyen de régler leur différend.

Entre idéologie douteuse (Captain America ne veut pas qu'on stoppe ses élans interventionnistes, typiquement américain), combats illisibles (mais bon paraît que c'est trop cool), photographie inexistante et j'en passe, Captain America : Civil War est l'exemple même du film sans aucune idée de cinéma, à l'image des frères Russo, piètres yes-men que Kevin Feige et sa clique peuvent dresser à leur guise.

Mon avis détaillé se trouve ici.

3. Suicide Squad (David Ayer)

Certainement le plus gros gâchis de l'année. Alors qu'il venait de réaliser le très bon Fury, David Ayer prenait les rênes de Suicide Squad qui avait du coup le mérite d'attiser une certaine curiosité. Vendu tout d'abord comme un film sombre, dans la lignée de Batman V Superman, la Warner a très vite rétropédalé en voyant les critiques négatives à l'égard de ce dernier et la promotion de Suicide Squad s'est transformée en quelque chose se voulant fun (style Gardiens de la Galaxie) avec des couleurs flashy partout. Des reshoots ont eu lieu, le montage a été effectué par l'équipe en charge des bandes-annonces (!) pour un résultat calamiteux sous tous ses aspects. Personnages introduits n'importe comment, montage complètement à la ramasse, musique en mode "playlist spotify" (sans aucun rapport avec ce qu'il se passe à l'écran donc), casting mal dirigé, un Jared Leto ridicule en Joker, une esthétique souvent douteuse...Bref un fiasco total !

4. La 5ème Vague (Jonathan Blakeson)

Nouvelle adaptation insupportable de "littérature" jeunesse, La 5ème Vague est un amoncellement de tous les clichés du genre : personnages qui prennent systématiquement les mauvaises décisions, triangle amoureux, intrigue écrite par un gosse de 11 ans. Laissez le cinéma en paix s'il-vous plaît !

Mon avis détaillé se trouve par ici.

5. Assassin's Creed (Justin Kurzel)

Oh tiens, une adaptation de jeu-vidéo ! Assassin's Creed était une adaptation dans les petits papiers d'Ubisoft depuis quelques temps maintenant mais ils auraient pu très largement s'en passer. Le film est inintéressant au possible, j'ai cru véritablement mourir d'ennui à plusieurs moments dans le film. Les séquences dans le présent sont d'une banalité totale (et elles représentent au moins le 70% du film !) et celles dans le passé sont presque uniquement consacrées à de l'action filmée n'importe comment par ce pauvre Justin Kurzel qui démontre une nouvelle fois à quel point un réalisateur intéressant peut se faire détruire par la machine hollywoodienne.

Mon avis détaillé se trouve sur la page Facebook.

6. Hardcore Henry (Ilya Naishuller)

Fausse bonne idée par excellence, Harcore Henry est complètement raté. Le film donne rapidement mal à la tête, le scénario est complètement anecdotique et on se retrouve une nouvelle fois avec des musiques en mode jukebox (décidément c'est la tendance). Pourquoi avoir fait ça sérieusement ? Entre les adaptations de jeu-vidéo foireuses et les films qui se prennent pour des jeux-vidéo on est vraiment pas sortis de l'auberge.

7. S.O.S. Fantômes (Paul Feig)

Pourquoi ?

Pourquoi faire ça ? L'idée de faire un troisième S.O.S. Fantômes existait depuis longtemps mais pourquoi diable rebooter entièrement la franchise avec un casting féminin ? Je n'ai rien contre l'idée en soi mais quand on voit le résultat ça ressemble plus à une vengeance vicieuse tant les personnages masculins sont méprisés dans celui-ci (ils sont soit débiles soit de gros connards alors que le premier film avait le mérite d'avoir une femme forte en la personne de Sigourney Weaver).

Et en plus on doit se taper un humour hyper lourdingue pendant 2h, qu'a-t-on fait pour mériter ça ?

8. Insaisissables 2 (Jon M. Chu)

Insaisissables 2 c'est le premier mais en pire ! Tours de magie made in CGI, ficelles scénaristiques en veux-tu en voilà, explications des tours complètement foireuses (t'as pas compris ? Ta gueule c'est magique !), un casting en roue libre total. A un moment il faudrait peut-être arrêter de prendre les spectateurs pour des cons non ?

Mon avis détaillé se trouve par ici.

9. Danish Girl (Tom Hooper)

La belle daube à Oscars pour faire pleurer dans les chaumières est là ! Infâme biopic rempli de pathos, réalisé par un filmeur de tapisseries et avec un Eddie Redmayne plus insupportable que jamais avec ses mimiques ("Donnez-moi l'Oscar siouplé !"), Danish Girl c'est le film typique que je ne supporte pas, fait uniquement pour plaire à l'Académie, j'appelle ça de la prostitution moi !

Heureusement que Alicia Vikander est là pour sauver le film du naufrage total.

Mon avis détaillé se trouve par ici.

10. Tarzan (David Yates)

C'est quand même fou que l'énième adaptation d'une histoire telle que Tarzan qui se passe dans la jungle se fasse battre à pleines coutures par un certain La loi de la jungle, pourtant c'est le cas !

Ce Tarzan de David Yates est une horreur visuellement, les animaux sont en numérique, la jungle est en numérique (Jon Favreau le réussissait beaucoup mieux dans Le Livre de la Jungle). En plus ça se prend hyper au sérieux cette connerie, on a Alexander Skarsgard qui joue un des pires Tarzan possible (qui lance des regards très méchants car il est très énervé), Christoph Waltz qui fait du Christoph Waltz, c'est chiant au possible et totalement inintéressant.

Voilà donc pour ces tops/flops de l'année 2016. Si vous voulez mon classement intégral de tous les films que j'ai pu visionner l'année dernière, je vous invite à vous rendre sur ma liste Senscritique (en plus les films sont notés, c'est pas beau ça ?).

Maintenant cap sur 2017 avec je l'espère de grandes émotions dans les salles !

Rogue One : A Star Wars Story (2016)

2016-12-25T14:21:00.000+01:00

Titre : Rogue One: A Star Wars Story

Date de sortie française : 14 décembre 2016

Réalisateur : Gareth Edwards

Scénario : Chris Weitz et Tony Gilroy, d'après une histoire de John Knoll et Gary Whitta. Basé sur les personnages créés par George Lucas

Photographie : Greig Fraser

Montage : John Gilroy, Colin Goudie et Jabez Olssen

Musique: Michael Giacchino

Durée : 2h14

Avec : Felicity Jones, Diego Luna, Alan Tudyk, Donnie Yen, Wen Jiang, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, Mads Mikkelsen, Jimmy Smits

Synopsis : Dans une période de guerre civile, les populations doivent faire face à la nouvelle arme de l'Empire galactique, l'Étoile de la mort. Cette nouvelle arme fait également office de base militaire, elle est capable d'anéantir des planètes entières. Un groupe de résistants s'unit pour en voler les plans. Agissant pour le compte de l'Alliance rebelle, une jeune femme solitaire (Jyn Erso) est chargée de cette mission-suicide, aidée par son coéquipier (le capitaine Cassian Andor) et par une équipe de mercenaires ainsi que par un ancien droïde impérial. Leur périple les conduira sur différentes planètes comme Jedha, une planète ayant abrité les premiers adeptes de la Force ou encore la planète tropicale Scarif, contrôlée par l'Empire et disposant d'une installation militaire importante. En chemin, ils seront confrontés aux forces impériales, équipées d'immenses véhicules terrestres (AT-ACT) et de vaisseaux spatiaux. Sous les ordres directs du cruel directeur Orson Krennic qui contrôle la mise en place de l'Étoile de la mort, les stormtroopers impériaux, les Shoretroopers et les Death troopers doivent à tout prix repousser les rebelles. Le terrible Dark Vador supervise en effet de près les opérations. (Source : Wikipédia)

Mon avis

ATTENTION : Cet article contient de légers spoilers !

Avec le rachat de Lucasfilm par Disney, la folie Star Wars est repartie de plus belle grâce à (à cause de ?) la marvelisation subie par la franchise qui aura désormais droit à un nouvel épisode principal tous les deux ans, entrecoupé de spin-off qui sortiront entre deux films de la nouvelle trilogie.

"Au cours de la bataille, les Rebelles ont réussi à dérober les plans secrets de l'arme absolue de l'Empire: l'ETOILE NOIRE, une station spatiale dotée d'un armement assez puissant pour annihiler une planète tout entière". C'est sur cette simple phrase contenue dans le célébrissime texte déroulant du premier Star Wars qu'est basé toute l'histoire de ce premier A Star Wars Story, à savoir les péripéties de Jyn Erso (Felicity Jones) et plusieurs autres membres de la Rébellion pour voler les fameux plans de l'étoile Noire qui était au centre de Un Nouvel Espoir.

Un an après le médiocre Episode VII tellement enfermé dans son fan-service qu'il en oubliait de faire quelque chose de véritablement original et intéressant, l'arrivée de Gareth Edwards sur le projet était à la fois enthousiasmant et inquiétant. Enthousiasmant car Edwards est l'auteur de l'excellent Monsters, film de science-fiction a très petit budget qui avait charmé par sa beauté et son traitement des personnages. Inquiétant parce que ce même Edwards s'est fait totalement saboter sur son Godzilla qui avait été une très grosse déception et que de le voir à nouveau à la tête d'un projet où il n'avait que peu de chances de pouvoir imposer totalement son style n'était pas forcément rassurant.

On le sait, la genèse de Rogue One : A Star Wars Story a été très chaotique, le film ayant dû subir de nombreux reshoots (on parle de 40% !) après une première version n'ayant apparemment pas du tout plu à Disney. C'est le médiocre Tony Gilroy qui s'est occupé de ces reshoots (tandis que son frère John s'est occupé du montage) alors qu'il avait déjà effectué le même travail sur Godzilla. Le problème, c'est que tous ces soucis ne pouvaient pas aboutir à un bon film et se ressentent tout au long de celui-ci tant il est schizophrène. Ainsi, la première partie (une interminable exposition) doit fait partie de ce qui se fait de pire au niveau de la gestion du rythme. Une si longue exposition pour finalement n'avoir aucun véritable approfondissement des personnages relève clairement d'un gros problème d'écriture car oui, les personnages de Rogue One sont tous plus insipides les uns que les autres, un comble pour une franchise qui a toujours eu son lot de personnages emblématiques et charismatiques.
Le problème des protagonistes de Rogue One, c'est qu'il sont uniquement fonctionnels, il n'y pas de réel développement ce qui limite toute empathie à leur égard. Ceci fait que la disparition de ceux-ci (car le film est très meurtrier à ce niveau-là) ne provoque aucune émotion particulière.

Une fois passé cette première partie extrêmement pénible (difficile de garder l’œil ouvert), le film commence enfin et prend déjà un peu plus d'ampleur. Ce n'est véritablement que lors de la grande bataille finale que Gareth Edwards peut enfin montrer l'étendue de sa mise en scène. Alors ce n'est pas non plus quelque chose d'exceptionnel mais l'idée de filmer cette fameuse bataille sur plusieurs plans (en orbite, sur les plages et dans la tour où sont situés les plans de l'Étoile noire) est plutôt bonne car elle donne une véritable sensation de vertige par moments. Cette seconde partie du film est également plus intéressante car ça devient alors une vraie "guerre des étoiles" mais dans le style de Edwards, caméra à l'épaule et le plus souvent proche des personnages mais en gardant tout de même une certaine pudeur à leur égard.

Ce dernier acte est aussi l'occasion pour Gareth Edwards d'aborder certaines des thématiques dont il est accoutumé comme la peur d'une catastrophe nucléaire. Les séquences où l'Étoile Noire envoie son rayon sont assez parlantes à ce niveau-là, il y a d'ailleurs un très beau plan vers la fin du film où l'onde de choc se rapproche de Jyl et Cassian au loin. Malheureusement, cette séquence n'a quasiment aucun impact émotionnel à cause, une nouvelle fois, du manque total d'empathie envers les personnages.

C'est d'autant plus pénalisant que les enjeux du film sont déjà connus par quiconque ayant vu Un Nouvel Espoir au moins une fois dans sa vie. C'est-à-dire que le ce spin-off aurait tout gagné à déplacer ses enjeux du côté de ses personnages en les approfondissant bien plus que ce n'est le cas. Il y a des tentatives intéressantes comme le personnage incarné par Donnie Yen qui apporte sa maîtrise des arts martiaux à la franchise mais qui n'est pas assez exploité pour être vraiment marquant (en plus d'être assez insupportable à répéter tout le temps la même chose). L'idée d'avoir un véritable commando suicide est aussi bonne mais sans personnages attachants ça perd un peu de son intérêt.
Le personnage le plus réussi est finalement Dark Vador malgré son temps de présence à l'écran très limité mais son aura est telle qu'il vole sans trop de problème la vedette aux autres protagonistes. C'est notamment le Seigneur Sith qui aura droit à la meilleure séquence du film, très tournée vers le fan-service certes, mais vraiment réussie.

On pourra regretter aussi que Michael Giacchino (qui a remplacé au pied levé Alexandre Desplat parti en cours de production) n'ait eu qu'un peu plus de 4 semaines pour composer les musiques du film, tant celles-ci manquent d'envergures et restent trop prisonnière de l'aura de John Williams, sans jamais réussir à les transcender. A nouveau, la production chaotique se ressent sur la qualité du travail car on ne peut pas décemment demander des merveilles à un compositeur en si peu de temps.

C'est là toute la tragédie de Rogue One: A Star Wars Story : un film avec énormément de potentiel qui aurait pu s'imposer comme l'un des meilleurs épisodes de son illustre franchise mais qui pèche par de trop nombreux problèmes : une exposition interminable, des personnages transparents, des choix douteux (le nouveau robot-droïde censé être le comic relief de l'histoire)...
Pourtant, il serait difficile d'en vouloir à Gareth Edwards qui a été dépossédé de son film et dont la seule faute serait, en étant un poil cynique, d'avoir accepté le projet. Les moments où sa réalisation parvient enfin à s'exprimer contiennent de très bonnes choses et permettent tout de même au film de se placer dans la moyenne plutôt haute des blockbusters de cette année (assez abominable pour le genre) et également au-dessus de l'Episode VII et son fan-service incessant.

Maintenant, ce serait bien que Kathleen Kennedy et les exécutifs de chez Disney accorde plus de confiance à leurs réalisateurs car en prendre des prometteurs pour ensuite les brider totalement n'est pas une démarche vraiment plus glorieuse que de prendre un yes-man qui vous obéira au doigt et à l’œil...

(Re)visionnages récents - 5

2016-12-15T15:46:00.000+01:00

X-Men: Days of Future Past, the Rogue Cut (2015) - Bryan Singer

Alors que j'avais déjà adoré Days of Future Past lors de sa sortie au cinéma en 2014, je n'avais pas encore eu l'occasion de regarder la Rogue Cut, montage alternatif avec une durée augmentée de 17 minutes qui présente le film tel que Bryan Singer l'avait pensé à l'origine.

Comme son nom le laisse présager, cette version alternative met le personnage de Malicia (Anna Paquin) bien plus en avant que la version cinéma dans laquelle elle n'apparaissait qu'en tant que caméo à la toute fin.

La principale différence avec le montage d'origine est l'inclusion de deux séquences inédites : l'une présente un dialogue pas forcément intéressant entre Mystique (Jennifer Lawrence) et le Fauve (Nicholas Hoult). Par contre, toute la séquence inédite du sauvetage de Malicia permet à Singer de se faire vraiment plaisir en proposant un montage alterné entre Magnéto vieux (Ian McKellen) qui s'infiltre dans le manoir avant d'échapper aux Sentinelles et son homologue jeune (Michael Fassbender) qui s'en va récupérer son casque.
La séquence avec Fassbender était déjà présente dans la version cinéma mais le nouveau montage fait gagner toute la scène en rythme, en plus de la réalisation toujours maîtrisée de Bryan Singer.
Je dois dire que cette version Rogue Cut me conforte dans mon idée que Days of Future Past est sans aucun doute le meilleur film de super-héros depuis Watchmen. La vision d'auteur que Singer injecte dans ses films fait vraiment du bien au milieu de la masse informe de blockbusters super-héroïques qu'on nous balance à la figure actuellement. Des séquences comme celle des portails ou de Quicksilver j'en redemande, et je veux que ce soit un type comme Bryan Singer, qui sait filmer l'action sans jamais tomber dans l'exagération, qui me l'apporte.

Pusher (1996) - Nicolas Winding Refn

Depuis le triomphe de Drive, chaque film de Nicolas Winding Refn est attendu au moins autant qu'il divise à sa sortie. Son esthétisme à outrance charme les uns et à tendance à en agacer d'autres. Pourtant, à ses débuts, le cinéma de Refn n'était pas encore exactement celui que l'on connaît aujourd'hui, même si on pouvait déjà y déceler certains signes précurseurs.

Ayant de grosses lacunes dans la filmographie du cinéaste, je me suis lancé plein d'enthousiasme dans son premier film, Pusher, premier volet d'une trilogie extrêmement appréciée des cinéphiles.

Et il faut dire que c'est une petite claque ! Filmé intégralement en caméra à l'épaule, Refn nous emmène au cœur du quotidien d'un trafiquant de stupéfiants à Copenhague. Étalé sur une durée de une semaine, le film est magnifiquement bien rythmé et embelli par la réalisation de Refn et ses très longs plans, on a peut-être là le meilleur long-métrage jamais tourné en caméra-épaule, rien que ça ! Comme je l'ai dit, on y voit déjà apparaître certains éléments visuels qui deviendront si chers au cinéaste par la suite, particulièrement cette attirance pour les néons et les lumières très vives (beaucoup de scènes se passent dans des bars ou des boites de nuit illuminées de toutes parts) qui contrastent avec la grisaille extérieure de la capitale danoise.
Il y a aussi ce casting de "gueules" : Mads Mikkelsen bien entendu mais surtout Kim Bodnia qu'on ne lâchera pratiquement pas d'une semelle durant ses péripéties. Un gros tour de force pour un premier film !

Pusher 2 : Du sang sur les mains (2004) - Nicolas Winding Refn

Essai transformé pour Nicolas Winding Refn ! Après l'échec cuisant enregistré par Inside Job, sa première réalisation en langue anglaise avec John Turturro, le réalisateur danois revient dans son pays natal pour faire une suite à son premier film. Pusher 2 se concentre cette fois-ci sur le personnage de Tonny (Mads Mikkelsen), l'ami du protagoniste principal du premier Pusher, qui vient de sortir de prison et qui retourne chercher du boulot auprès de son père, un gangster sans scrupules.

Si je parle d'essai transformé, c'est que le film réussi la prouesse d'être au niveau du premier alors que NWR lui-même avait peur de ternir le succès de son premier film. L'histoire est à nouveau racontée du point de vue du personnage principal avec cette incroyable caméra à l'épaule hyper dynamique qui permet, comme dans Pusher premier du nom, de maintenir un rythme effréné tout du long. C'est simple, jamais on ne s'ennuie, il se passe toujours quelque chose alors que l'on suit Tonny dans cette Copenhague froide, toujours représentée de manière très peu accueillante par Refn.

Si Inside Job prenait à contre-pied ce qu'il avait fait jusque là avec un rythme très lent des des plans très fixes (à se demander parfois s'il s'agissait bien du même réalisateur que Pusher et Bleeder), Refn revient ici à ses premiers amours avec toujours cette attirance pour les ambiances nocturnes et les lumières rouges (ça doit d'ailleurs être son film qui en contenait le plus jusque là), il imprime de ce fait sa patte si particulière sur le métrage et augure déjà un peu le tournant ultra esthétique que prendra sa carrière quelques années plus tard. Un grand film !

Pusher 3 : L'ange de la mort (2006) - Nicolas Winding Refn

Pour conclure sa trilogie, Nicolas Winding Refn décide cette fois-ci de suivre un des personnages secondaire des deux premiers volets, Milo (Zlatko Buric), un baron de la drogue serbe qui doit s'occuper d'organiser l'anniversaire de sa fille qui fête ses 25 ans.

Comme les deux premiers Pusher, l'histoire tourne autour du trafic de stupéfiants à Copenhague avec une réalisation toujours aussi maîtrisé caméra-épaule de Refn (ce sera d'ailleurs son dernier film à être tourné de façon aussi nerveuse).

Le film est clairement le moins bon des 3, principalement parce que le personnage principal souffre un peu de la comparaison avec Kim Bodnia et, surtout, Mads Mikkelsen. Alors certes il a de la présence en raison de sa carrure, mais il en imposait clairement plus quand il était un personnage secondaire, surtout dans le premier. Après ça reste très bon, Refn a le mérite d'avoir fait 3 films très semblables formellement parlant mais avec à chaque fois un autre personnage au centre de son histoire (là où, de nos jours, les trilogies suivent généralement le parcours d'un unique protagoniste principal).

Si l'attirance de Refn pour les personnages déviants n'est pas sans rappeler un certain Martin Scorsese, la froideur avec laquelle celui-ci filme Copenhague lorgne plutôt du côté de chez Kubrick (qui sera d'ailleurs son influence principale pour Bronson). Avec sa trilogie, le cinéaste danois s'est pourtant forgé son propre style, qu'il tournera de plus en plus vers l'ultra-esthétisme par la suite.

Midnight Special (2016) - Jeff Nichols

Alors que je l'attendais avec une grande impatience, Midnight Special n'a jamais daigné montrer le bout de son nez dans les salles romandes. Ayant enfin eu l'occasion de le voir, je peux enfin donner mon avis sur la première plongée de Jeff Nichols dans la science-fiction.

Si j'ai moins apprécié dans l'ensemble que Take Shelter qui est pour l'instant mon Nichols préféré, le réalisateur nous livre ici un très bon film de science-fiction, très spielbergien et avec toujours ce petit soupçon de Malick que le réalisateur arkansasais aime tant. Comme souvent chez Nichols, le film nous plonge directement dans le feu de l'action : on ne sait pas vraiment où on est, qui est ce jeune garçon, on sait juste que lui et son père biologique sont poursuivis par la police pour enlèvement.

Là où bon nombre de gros films de science-fiction actuels tentent par tous les moyens de nous en mettre plein la vue, Midnight Special a le mérite de ne pas trop en montrer jusqu'à la toute fin. On ne sait pas vraiment d'où proviennent les pouvoirs du gamin et quelle est véritablement sa missions.

Mais surtout, c'est beau, c'est très beau même, comme on en a pris l'habitude avec Jeff Nichols. Certains plans aériens notamment m'ont vraiment soufflé, tout comme la partie finale, très impressionnante mais que j'ai également trouvé très poétique.

Je retiens aussi une excellente bande-son qui accompagne très bien la tension (car il y en a, encore une chose que le réalisateur maîtrise bien).

Je reprocherais au film au défaut en particulier, c'est un problème de rythme vers le début du film, les premières scènes avec Adam Driver notamment (alors qu'il est très bon, là n'est pas le souci) qui ne font pas vraiment avancer l'histoire.

Midnight Special est de nouveau une réussite pour Jeff Nichols qui nous livre un film de science-fiction se recentrant sur l'essentiel : la cellule familiale et l'amour d'un père pour son enfant...De quoi attendre avec une certaine impatience Loving, le prochain film du réalisateur qui a d'ailleurs déjà été présenté à Cannes cette année.

Zootopie (2016) - Byron Howard, Rich Moore & Jared Bush

Gros carton de ce début d'année, Zootopie était intéressant sur le papier car il marquait le retour de Disney à un genre qui a donné naissance à de très grands films : l'anthropomorphisme.
La seule bande-annonce (qui était plutôt un extrait) que j'avais vu, avec le paresseux m'avait bien fait sourire et j'étais donc curieux de voir le résultat final.
Finalement, le film est un peu à l'image de ce que fait Disney depuis quelques années : c'est beau, c'est plutôt sympa mais ça reste très classique !
On suit en effet le parcours le Judy, premier lapin à intégrer le service de police de la ville de Zootopie où ne vivent que des animaux. Elle va devoir prouver sa valeur et va vite se retrouver confronter à une histoire d'enlèvement et d'animaux qui deviennent enragés (les prédateurs), elle va donc s'attacher les services de Nick, un renard spécialisé dans les arnaques (et dont le design m'a beaucoup fait penser à Fantastic Mr. Fox) pour résoudre cette affaire.
Et le problème, c'est justement que le métrage suive un schéma totalement classique d'enquête policière où au final, des personnages présentés comme gentils vont finalement s'avérer être de grands méchants.
Surtout que, arrivé à la fin du film, pas grand chose n'a changé, tout le monde se retrouve pour danser sur du Shakira mais il n'y a pas de réelle remise en question (principalement concernant le travail de la police ou de cette "utopie" qui n'en est pas vraiment une).
A la fin je me suis donc retrouvé à me dire "meh", c'est certes très solide techniquement et la direction artistique a un charme certain, mais je n'ai pas eu l'impression d'avoir vraiment quelque chose de neuf devant les yeux et c'est vraiment dommage.

Une histoire vraie (1999) - David Lynch

Finissant petit à petit la filmographie de David Lynch, il me restait un film que je n'avais pas encore vu de lui, celui relatant l'histoire vraie (comme le titre pouvait potentiellement mettre la puce à l'oreille) d'un vieillard de 73 ans qui va parcourir plus de 550km au volant d'une tondeuse à gazon pour aller rendre visite à son frère qui a été victime d'un infarctus.
Je n'en attendais pas grand chose pour tout dire, je savais que c'était un film passablement éloigné du style très torturé du cinéaste et beaucoup plus accessible qu'un Lost Highway ou un Mulholland Drive pour ne citer qu'eux.
Eh bien quel coup de coeur ça a été ! Lynch nous livre ici un magnifique road-trip, assez extravagant vu le moyen de locomotion utilisé par Alvin Straight mais d'une beauté sans pareil.
Je ne m'étais jamais attaché autant rapidement à un personnage, il faut dire que Richard Farnsworth livre une prestation incroyable de justesse en faisant passer énormément d'émotion par son regard. Plusieurs fois j'ai eu la larme à l'oeil en voyant Alvin croiser sur sa route différentes personnes à qui il raconte sa vie, ses bonheurs mais également ses malheurs, sans que jamais il ne soit jugé de telle ou telle manière. Le tout est agrémenté de la magnifique musique de Angelo Badalamenti qui souligne à merveille l'ambiance très mélancolique qui se dégage de cette virée parmi ces paysages si sublimement mis en avant par David Lynch.
Une histoire vraie est un film très simple dans sa forme mais avec un gros travail de fond derrière. Si jusqu'alors, Blue Velvet avait ma préférence dans la filmographie de Lynch, celui-ci vient de se faire chiper sa place par ce pur morceau de cinéma, ce pur morceau de beauté. Un chef-d'oeuvre !

Holy Motors (2012) - Leos Carax

Difficile de parler d'un tel film, tant son étrangeté risque d'en laisser pas mal sur le carreau. Ne connaissant pas Leos Carax, mais étant familier avec la très bonne réputation du film, je me suis donc lancé avec curiosité et j'ai vraiment aimé, sans être une claque non plus.

Pendant tout le film, nous suivons une journée de M. Oscar (Denis Lavant), un homme dont le métier est de changer constamment d'apparence, de se mettre dans la peau de différents personnages afin d'aller à plusieurs rendez-vous. Tout le film, ou presque, se construit donc sur le schéma M. Oscar monte dans la limousine - il est informé de son prochain rendez-vous - il se prépare, se déguise - va au rendez-vous - remonte dans la limousine - etc. Ce qui est très fort, c'est la performance de Denis Lavant qui arrive à nous faire croire à tous les personnages qu'il incarne, que ce soit un père de famille, un tuer professionnel, Merde (un personnage tiré du court-métrage du même nom de Carax), même un vieux sur son lit de mort qui est saisissant de réalisme alors qu'on sait qui est la personne se cachant sous le maquillage. Lavant effectue en fait le travail que fait un acteur traditionnel sur plusieurs films mais le concentre en un seul métrage mais garde quand même une certaine distance avec ses personnages (si ceux-ci meurent, M. Oscar reste en vie, la séquence du tueur est d'ailleurs assez représentative de cet aspect).

Alors certes, toutes les saynètes ne se valent pas - j'ai adoré la séquence des égouts et l'entracte aux accordéons (juste génialissime !) mais j'ai par contre moins aimé la séquence avec Kylie Minogue ou celle du vieil homme que je trouve vraiment trop longues pour ce qu'elles racontent.

Une chose est sûre, c'est que Leos Carax sait mettre en scène son histoire (la scène du studio d'animation est assez folle visuellement) que je ne me risquerai pas à essayer d'interpréter, si tant est qu'il existe une interprétation. Un film que je conseille pour son concept et le formidable Denis Lavant.

Warcraft : Le Commencement (2016) - Duncan Jones

Incroyable...j'en reste sans voix. Il y a de ces films dont vous n'attendez absolument rien, éventuellement qu'ils soient un poil divertissant et dont vous ressortez quand même déçu. Disons-le tout de suite, Warcraft : Le Commencement en fait partie, tant nous tenons là une des pires merdes de l'année.

C'est effarant. On te balance dans l'histoire sans aucun développement des personnages, on ne sait pas où on est, qui sont ces gens, moi qui n'ai jamais joué à Warcraft je n'ai absolument rien pigé à quels étaient les enjeux de ce gros bordel. Là on est face à un film sans doute prévu pour faire plaisir aux fans mais j'ai horreur de ça ! Un film, même tiré d'un autre média, devrait pouvoir réussir à contenter tout le monde, pas cracher à la gueule de ceux qui débarquent.

Pis mon dieu qu'est-ce que c'est moche, entre les orcs tous plus ignobles les uns que les autres, des CGI parfois à la ramasse, rien n'est vrai, ce ne sont que des personnages vides qui s'excitent devant des fonds verts dégueulasses.

Pis ce n'est pas l'immense profondeur des personnages (et du casting surtout) qui va sauver ça quand on voit la gueule du roi et de la reine qui n'ont l'air d'avoir aucune idée de ce qu'ils foutent là, la femme mi-orc, mi-humaine (appelons-là humorc, j'ai oublié son nom de toute manière) qui après quelques heures s'attache au personnage principal et réciproquement.

Et le gros méchant orc alors, qu'est-ce qu'il branle pendant la grosse bataille finale (qui d'ailleurs se fait complètement sodomiser par n'importe quel affrontement du Seigneur des Anneaux) ? Tout le monde se tape dessus mais lui on ne le voit jamais sauf quand il faut venir gueuler sur ses soldats, il est quand même censé être surpuissant le mec...On a même droit au roi qui prend le temps, alors que toute son armée se fait égorger autour de lui, de débiter les banalités habituelles à l'humorc sur comment elle doit prendre le relai, qu'il se sacrifie, blablabla...

Mes yeux et mon corps entier n'étaient pas prêts pour ça, je n'ai pas de mots...et le pire c'est qu'il y aura sûrement une suite vu le sous-titre français du film. Duncan Jones aurait vraiment dû rester éloigné de ces conneries.

Croix de fer (1977) - Sam Peckinpah

Je ne suis pas un fin connaisseur du cinéma de Sam Peckinpah, le seul souvenir que j'ai d'un de ses films concerne Les Chiens de paille mais c'est vraiment lointain.

Je me suis donc attaqué à un de ses derniers films, considéré comme le plus abouti de sa riche carrière : Croix de fer.

Premier fait original à constater, le film se positionne du côté Allemand, peu après la Bataille de Stalingrad, sur le front russe. On y suit l'unité du Sergent Rolf Steiner (campé par le formidable James Coburn), chef désabusé, cynique, opposé à l'idéologie nazie et qui estime n'avoir de comptes à rendre à personne si ce ne sont ses hommes qu'il apprécie comme sa propre famille.

Ce qui est génial, c'est qu'on s'attache vite à Steiner et à ses hommes, on veut qu'ils survivent alors que les soldats de l'armée allemande sont plutôt dépeints comme les méchants de l'histoire dans bon nombre de films traitant de la Seconde Guerre mondiale. Peckinpah n'en fait pas pour autant un film manichéen, des salauds il y en a des deux côtés (dont notamment l'officier allemand qui convoite la croix de fer plus que tout)

Le film met toutefois une baffe visuelle assez folle, tant le réalisateur californien est un patron de la mise en scène. Croix de Fer est certainement le film de guerre le plus réaliste qu'il soit, que ce soit dans sa façon de reconstituer l'armement (Peckinpah a notamment réussi à utiliser les vrais tank soviétiques utilisés durant la guerre) ou dans sa manière de filmer les combats. Son utilisation des ralentis est toujours autant pertinente afin d'appuyer encore plus la violence des affrontements (car le film est très violent), il n'hésite pas non plus à suivre les soldats caméra à l'épaule dans un style quasi-documentaire pour nous emmener au coeur de l'action.

Croix de Fer est un film de guerre majeur et demeure, même 40 ans après, d'une modernité assez incroyable. Le film n'a pas pris une ride et continue d'influencer certains réalisateurs qui s'essaient au genre (comme le récent Fury de David Ayer). Un chef-d'oeuvre que je ne peux que vous conseiller !

Swiss Army Man (2016) - Daniel Scheinert et Daniel Kwan

Au menu des étrangetés qui avaient attiré ma curiosité, Swiss Army Man figurait en tête de liste. Premier long métrage des Daniels (primés pour leur mise en scène au Festival Sundance) comme ils s'appellent eux-mêmes, le film relate l'histoire d'un homme, Hank (Paul Dano), échoué sur une minuscule île déserte et qui tente de se suicider. Il fait alors la connaissance d'un cadavre pétomane pas vraiment mort nommé Manny (Daniel Radcliffe) avec qui il va se lier d'amitié. Le macchabée va également révéler avoir certains pouvoirs qui vont aider Hank à survivre et retrouver la civilisation (d'où le titre du film qui fait références aux célèbres Swiss Army Knives ou couteaux suisses dans la langue de Molière).

Au vu de ce synopsis complètement hallucinant et de la bande-annonce, je m'attendais à un truc absurde à souhait, il s'avère que c'est au final une espèce de patchwork des différentes idées que l'on retrouve dans les courts-métrages réalisés par les Daniels.

Le film est certes drôle mais il est raconté d'un ton plutôt sérieux, comme si les cinéastes avaient tenté de livre une sorte de poésie absurde et décalée. Le problème c'est que ça ne marche pas tout le temps, surtout quand c'est accompagné de certaines réflexions pas franchement subtiles. Il n'empêche que les deux réalisateurs montrent un certain talent de mise en scène et que l'alchimie entre Dano et Radcliffe fonctionne vraiment bien. Il en résulte certains passages très drôles, certaines belles séquences mais également d'autres plus déconcertantes.

Si le concept est vraiment respecté du début à la fin, je ne peux m'empêcher de ressentir une certaine déception, je pense que j'aurais préféré un film sans queue ni tête où il n'y a aucun question à se poser sur ce que l'on voit à l'écran (comme le fait bien Quentin Dupieux par exemple). Le film reste quand même une expérience vraiment agréable que je conseille ne serait-ce que pour son concept assez génial.

Ma Loute (2016) - Bruno Dumont

Dans le paysage cinématographique français, Bruno Dumont est un cas particulier, une exception, une des pattes les plus reconnaissables qu'il soit. Son cinéma, très orienté vers le vrai dans son sens le plus pur, ne m'a pas toujours séduit mais j'ai toujours reconnu chez lui une maîtrise formelle. Parfois ça me transporte complètement (Hadewijch, son meilleur film à mes yeux), d'autres fois beaucoup moins (Hors Satan ou Twentynine Palms).

Il est intéressant de constater à quel point le cinéma de Dumont ne cesse d'évoluer : après avoir dirigé pour la première fois un acteur professionnel (en l'occurrence Juliette Binoche dans Camille Claudel 1915) et s'être tourné vers la comédie (lui plutôt habitué aux drames sociaux) avec le très bon téléfilm P'tit Quinquin, le cinéaste nordiste reste dans le même registre avec Ma Loute, sa première comédie dédiée au cinéma.

Il faut très peu de temps pour voir à qui on a à faire : ces paysages du Nord si magnifiquement filmés, ces personnages en décalage avec leur monde mais toujours magnifiés par le cinéaste. Nous avons ici un beau film, peut-être la plus belle comédie de l'année d'un point de vue purement formel.

Le film peut décontenancer car ce n'est pas une comédie comme les autres et son absurde pourra laisser sur le carreau. N'en déplaise aux détracteurs du cinéaste qui lui reprochent souvent d'avoir du mépris pour les habitants du Nord, ce sont eux qui sont le mieux dépeints ici, sans qu'ils ne soient blancs comme neige évidemment (ce serait mal connaître Bruno Dumont). Les dindons de la farce, ce sont clairement les nobles, incarnés entre autres par un Fabrice Luchini et une Juliette Binoche en contre-emploi total, qui exagèrent toutes leurs paroles et leurs gestes de manière complètement hilarante. Dans Ma Loute, c'est clairement la bourgeoisie qui est tournée en dérision.

Le choix de Dumont de choisir des acteurs professionnels pour jouer la noblesse et des amateurs pour jouer le "petit peuple" fait sens ici, il n'aurait en effet pas été facile pour n'importe qui de jouer les bouffonneries auxquelles on assiste (la séquence du repas de famille est un festival de n'importe quoi, dans le bon sens).

Ma Loute fait du bien, c'est une bouffée d'air dans la comédie française trop souvent réduite aux grosses productions avec Kev Adams, Franck Dubosc ou Dany Boon en tête d'affiche. S'il ne devait y avoir un seul reproche à lui adresser, ce serait sa durée (2h c'est un poil trop long) mais ce n'est clairement pas rédhibitoire. Je pense toutefois qu'il est quand même nécessaire de connaître un minimum le cinéma de Dumont pour pouvoir comprendre ses intention et ainsi entrer totalement dans le film. Il ne faut non plus pas être totalement allergique à son style bien évidemment...

Insaisissables 2 (2016) - Jon M. Chu

Insaisissables avait été une grosse déception à sa sortie. Ne connaissant presque rien du film, j'étais allé le regarder pour voir des tours de magie (moi qui aime ça) et m'étais au final retrouvé devant un déluge de tours en CGI tous plus capillotractés les uns que les autres.

Le film avait cependant bien fonctionné au box-office, et comme tout film qui rencontre un gros succès ces temps, une suite a vite été annoncée. Autant dire que cette fois-ci je n'en attendais rien, j'espérais éventuellement qu'il soit mieux que le premier mais il n'en est rien, pire, il réussit à être encore pire, la faute à une surenchère permanente.

Insaisissables 2, ce sont tous les défauts du premier qui resurgissent : des "tours" totalement impossibles, des explications sans queue ni tête, des ficelles de scénario grosses comme le bras et cette sensation permanente qu'on me prend vraiment pour un débile. Non parce qu'il faut voir la gueule des "twists" du film, principalement celui de fin (alors déjà faudra m'expliquer comment les Cavaliers ont pu revenir à Londres depuis la Chine alors qu'ils sont recherchés par le FBI) où, par un concours de circonstances tout ce qu'il y a de plus improbable, nos 4 compères réussissent à la perfection leur final car les méchants sont assez intelligents pour aller exactement là où les magiciens voulaient qu'ils aillent. D'ailleurs parlons-en des "méchants" (parce qu'on ne sait jamais trop, parfois ils sont méchants, ensuite amis) : Daniel Radcliffe débarque dans ce gros bordel et constitue l'antagoniste principal alors qu'il n'est pas crédible pour un sou, sans parler de ce pauvre Michael Caine qui n'en finit plus d'enchaîner les rôles à des années-lumières de son véritable talent (tout comme Freeman d'ailleurs). Au final, encore un film où je suis arrivé à la fin énervé de voir qu'on se fout de ma gueule à ce point là (je ne parlerai pas de la fille et de l'histoire d'amour qui sort d'on ne sait où, c'est au-dessus de mes forces).

Insaisissables 2 est finalement à l'image de la majorité des blockbusters de cet été (et de l'année de manière plus générale) : fade et sans idées, se retrouvant obligé d'user d'artifices débiles pour nous faire croire que ça marche, mais personne n'est dupe (en tout cas pas moi). A éviter donc, le vrai tour de magie ce serait que le film se soit planté au box-office et qu'une suite ne voit jamais le jour...

Les Sept Samouraïs (1954) - Akira Kurosawa

En pleine découverte de la filmographie de Kurosawa, il fallait bien que je commence par quelque part et mon choix s'est tourné vers ce qui est considéré comme son plus grand film, celui qui l'a fait connaître en occident, je veux bien sûr parler de Les Sept Samouraïs !

Sa durée (à peine moins de 3h30) pourrait en rebuter quelqu'un mais ce serait mal connaître le génie de Akira Kurosawa pour raconter des histoires, en l'occurrence celle de 7 samouraïs qui ont pour mission de protéger un village de paysans d'une attaque imminente de bandits.

Jamais je n'ai senti le temps passer durant le film, il y a une exposition qui nous présente simplement les tenants et aboutissants mais, surtout, cette galerie de personnages tous plus attachants les uns que les autres (dont un Toshiro Mifune en clown de service juste savoureux !), même ceux qui sont plus secondaires. Digne héritier des chanbara traditionnels japonais (revisité à la sauce Kurosawa), Les Sept Samouraïs est un chef-d'oeuvre total et un monument de mise en scène ! Jamais je n'avais vu quelqu'un maîtriser à ce point le 1.37, la composition de cadre est constamment retravaillée au point de nous donner des plans juste hallucinants de beauté sans jamais surcharger l'image.

Puis il y a ce dynamisme, il se passe toujours quelque chose à l'écran et le choix de Kurosawa de filmer l'action en longue focale n'est pas anodin, tout comme l'utilisation de ralentis qui étaient déjà précurseur - allez savoir - du cinéma d'un certain Sam Peckinpah.

L'humanisme qui se dégage de la fresque du maître Kurosawa (présentant à la fois les samouraïs et les paysans avec leurs bons côtés et leurs défauts) couplé à cette perfection formelle font de Les Sept Samouraïs un film total, un chef-d'oeuvre ultime pour l'éternité.

Il était une fois dans l'Ouest (1968) - Sergio Leone

Après avoir connu la gloire internationale avec sa Trilogie du Dollar (principalement grâce au carton énorme de Le Bon, la Brute et le Truand), Sergio Leone n'a pas mis longtemps à se pencher sur son nouveau projet, Il était une fois dans l'Ouest, première pierre de se qui constituera au final une nouvelle trilogie centrée cette fois-ci sur plusieurs périodes clés de l'histoire américaine.

Cette fois-ci, exit Clint Eastwood et autres Lee Van Cleef qui sont remplacés (dans des rôles assez similaires) par Charles Bronson et Henry Fonda.

Je ne pouvais passer à côté de l'occasion de redécouvrir ce qui est considéré comme la quintessence du western spaghetti sur grand écran, je me suis donc rendu à la Cinémathèque excité comme une puce et en suis ressorti émerveillé.

Dès la superbe séquence d'introduction, Sergio Leone nous rappelle à quel point il est un réalisateur hors-paire. Tout le reste du film sera du même acabit, tout est réglé au millimètre : les travellings, le cadrage (notamment ces fameux très gros plans centrés sur les yeux et si chers à Leone), cette photographie dorée à en tomber d'émerveillement.

Le réalisateur italien a également un don pour iconiser instantanément ses personnages. A l'instar de l'homme sans nom dans la Trilogie du dollar, l'homme à l'harmonica est présenté en un seul long plan et il nous sera expliqué que tout à la fin qui il est vraiment à l'aide - à nouveau - d'une unique séquence et d'une seule ligne de dialogue. C'est clair, concis mais diablement efficace, beaucoup de scénaristes actuels pourraient d'ailleurs s'en inspirer au lieu de se perdre dans des développements interminables.

Puis il y a ce duel final entre ces deux gueules légendaires du cinéma hollywoodien classique (des gueules telles qu'on en voit plus d'ailleurs) que sont Fonda et Bronson, rythmé par ce qui est certainement une des meilleures compositions de l'éternel Ennio Morricone...Un de mes plus grands moments de cinéma assurément ! Que l'on aime ou non, il serait impensable de ne pas considérer Il était une fois dans l'Ouest comme un des westerns majeurs de l'histoire, qui se démarque (comme le faisait déjà la Trilogie du dollar) par son ambiance très baroque, profondément dramatique mais avec ces quelques pointes d'humour que Leone sait si bien doser.

Café Society (2016) - Woody Allen

Woody Allen me plaît ces derniers temps ! Après son magnifique Magic in the Moonlight (véritable coup de cœur il y a deux ans) et son très bon - bien que moins marquant - L'homme Irrationnel, le réalisateur new-yorkais continue son rythme de 1 film/an et nous emmène cette fois-ci dans les Etats-Unis des années 1930 où un jeune homme, Bobby (Jesse Eisenberg) quitte New-York pour essayer d'aller percer à Hollywood.

Comme à son habitude, Woody Allen injecte de sa propre personne dans ses personnages, dont Bobby, jeune homme juif originaire de New-York. Je dois dire que même si le talent de Allen pour filmer ses actrices est intact (je ne trouve pas Kristen Stewart particulièrement jolie en temps normal mais il parvient à la rendre mignonne), Emma Stone manque un peu car il s'agit à mes yeux de la plus belle muse qu'ait jamais filmé Woody Allen et il est donc difficile de passer après.

Mis à part ce détail complètement subjectif, autant dire que le charme opère : le Hollywood des années '30 est magnifiquement reconstruit et, comme c'est souvent le cas chez le metteur en scène, la photographie est chatoyante et de toute beauté. L'alchimie entre Eisenberg et Stewart fonctionne vraiment bien et leur romance est vraiment crédible bien qu'assez classique. C'est d'ailleurs le seul petit défaut que je pourrais vraiment lui trouver c'est que le film est un peu en-dessous au niveau de l'écriture, c'est assez classique et je ne me sens pas forcément très concerné. La fin est par contre très belle, Allen arrive à éviter certains pièges dans lesquels il aurait pu tomber (en ce qui concerne la relation amoureuse sans en dire plus).

C'est donc à nouveau une bonne cuvée Allen qui, mine de rien, de bonifie vraiment avec le temps. Alors c'est certes inférieur à Magic in The Moonlight mais ça tient la distance par rapport à L'homme Irrationnel (je cite ces deux-là parce que c'est ceux dont je me rappelle le mieux). Un bon moment à passer, en plus ça ne dure qu'1h40 !

La Tortue rouge (2016) - Michael Dudok de Wit

Wow...parfois, les mots ne suffisent pas pour décrire ce que vous ressentez après le visionnage d'un film, La Tortue Rouge en fait partie mais je vais tout de même essayer d'écrire quelques mots.

Je suis un grand fan des courts-métrages de Michael Dudok de Wit, notamment son formidable Le Moine et le Poisson que je considère à titre personnel comme un petit chef-d'oeuvre d'animation.

Pourtant, le néerlandais ne s'était encore jamais essayé au format long, il a donc passé près d'une décennie, avec l'aide des studios Ghibli, à préparer La Tortue Rouge qui est sorti dans nos salles cet été et que j'ai eu le malheur de rater au cinéma.

Oh oui, quel malheur quand je vois le résultat, peut-être un des plus beaux films d'animation qu'il m'ait été donné de voir. L'histoire est simple et elle commence in media res avec cet homme échoué sur une île déserte sans vraiment d'autre explication. Alors qu'il essaye de nombreuses fois, sans succès, de quitter l'île, tel une Sisyphe transportant inlassablement sa pierre, ce homme va se résigner et se voir contraint à passer le reste de sa vie sur cette île.

Sans dialogues et d'une beauté à en tomber (avec un chara-design qui rappelle beaucoup les dessins de Hergé), le film est une ode à la poésie (on ressent la touche Ghibli), un récit universel sur la naissance, l'amour et la mort tandis qu'on passe de la tristesse à la colère en passant par une angoisse profonde (la séquence dans l'espère de grotte) et un bonheur éphémère.

Les dessins sont épurés, beaucoup d'émotion passe par la mise en scène et la magnifique musique parfaitement utilisée sans qu'elle ne soit trop envahissante. L'absence de dialogue (les rares fois où les personnages s'expriment c'est avec des cris) est formidable car il n'y en a pas besoin, tout passe par l'image, ce qui en fait une magnifique oeuvre visuelle, un pur film de cinéma.

La Tortue Rouge, ce n'est pas un film de survie mais plutôt un film sur l'homme face à la nature avec cet aspect fantastique lié à la fameuse tortue, justement, et à ce qu'elle advient (ce que je ne révélerai pas ici). Les très nombreux plans larges donnent une idée de l'échelle et nous rappelle à quel point nous sommes petits, à l'image des grains de sable de la plage sur laquelle va s'échouer tant de fois ce pauvre homme.

Au moment où j'écris ces lignes, quelques heures après le visionnage, j'en ai encore la gorge serrée, bouleversé par ce que je viens de voir, signe que le cinéma d'animation, quand il est entre les mains de tels artistes, a encore de magnifiques jours devant lui.

Sully (2016)

2016-12-07T18:07:00.000+01:00

Titre : Sully

Date de sortie française : 30 novembre 2016

Réalisateur : Clint Eastwood

Scénario : Todd Komarnicki d'après le roman "Highest Duty" écrit par Chesley Sullenberger et Jeffrey Zaslow

Directeur de la photographie : Tom Stern

Montage : Blu Murray

Musique : Christian Jacob et Tierney Sutton Band

Durée : 1h36

Avec : Tom Hanks, Aaron Eckhart, Valerie Mahaffey, Mike O'Malley, Jamey Sheridan, Anna Gunn, Laura Linney

Synopsis : Le 15 janvier 2009, le monde a assisté au "miracle sur l'Hudson" accompli par le commandant "Sully" Sullenberger: en effet, celui-ci a réussi à poser son appareil sur les eaux glacées du fleuve Hudson, sauvant ainsi la vie des 155 passagers à bord. Cependant, alors que Sully était salué par l'opinion publique et les médias pour son exploit inédit dans l'histoire de l'aviation, une enquête a été ouverte, menaçant de détruire sa réputation et sa carrière. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

La longévité de Clint Eastwood impose le respect. A 86 ans, le réalisateur californien tourne à un rythme d'un film par année, se rendant certainement compte que chacun de ceux-ci pourrait être son dernier (bien qu'on lui souhaite de continuer le plus longtemps possible bien entendu). Un an après le carton de American Sniper, son plus gros succès au box-office, Eastwood continue son exploration de la figure du héros américain qui l'a toujours passionné.

Sully revient sur un événement survenu le 15 janvier 2016 quand, après avoir perdu ses deux réacteurs, le commandant Chesley Sullenberger (incarné ici par un impeccable Tom Hanks) décide de faire atterrir son Airbus A320 sur l'Hudson, permettant ainsi de sauver la vie des 155 passagers à bord de l'avion.

Le film est bon, très bon même en tant que tel mais il le devient encore plus si on le compare avec la réalisation précédente de Eastwood où il racontait l'histoire d'un autre type de héros américain, Chris Kyle, complètement à l'opposé du capitaine Sully par beaucoup d'aspects.

L'un a sauvé 150 vies, l'autre en a ôté tout autant, le premier est proche de la retraite après plus de 40 années de services, le second est dans son "prime", bien qu'il sait que sa carrière sera plus éphémère.

L'un comme l'autre sont des citoyens américains mais tandis que l'un tue à l'étranger les menaces contre sa patrie, Sully sauve la vie de nombreux de ses propres compatriotes.

Il est intéressant de voir la manière dont Eastwood traite ces différents types de héros et la société (américaine en l'occurrence) qui les entoure. Car cette dernière joue un rôle important, Sully a beau avoir sauvé de nombreuses vies, une enquête est ouverte contre lui car des simulations par ordinateur ont démontré qu'il aurait eu le temps de faire demi-tour pour se poser à un des aéroports proches. Il se retrouve donc face à des bureaucrates qui ne réfléchissent qu'en chiffres et simulations, en oubliant totalement le côté humain (ce que Sully leur rappellera sur la fin après avoir visionné les simulations effectuées par des pilotes).

Le personnage de Sully en lui-même a un excellent capital sympathie, c'est un homme humble et très calme qui répond aux remerciements des personnes qu'il a sauvé par un simple "je n'ai fait que mon travail". Parce que c'est aussi ça le héros américain chez Clint Eastwood, c'est quelqu'un qui excelle dans son travail (autant Chris Kyle que Chesley Sullenberger), quel qu'il soit et autant amoral qu'il puisse paraître.

Le calme de Sully est particulièrement extraordinaire lors de la séquence de l'amerrissage justement. Là où de nombreuses personnes auraient perdu leurs moyens, le commandant prend les décisions qui vont leur sauver la vie en l'espace des quelques 200 secondes seulement. Toute la fameuse séquence (qui est d'ailleurs étalée pendant tout le film par bribes) est un grand moment de mise en scène, alors même que Eastwood fait dans l'anti-spectaculaire en privilégiant les plans éloignés et en les faisant durer.

Comme mentionné plus haut, le film ne tombe pas dans la facilité de nous présenter d'entrée la séquence de l'accident (comme le faisait Zemeckis avec Flight par exemple, que j'ai d'ailleurs apprécié), celle-ci sera présentée plusieurs fois en y ajoutant toujours un élément en plus tout au long des 1h30. D'ailleurs, le seul défaut qui pourrait vraiment être reproché au film c'est de s'étirer en longueur sur la fin avec les multiples simulations qui se ressemblent toutes. Il faut dire que le matériau à disposition n'était pas si conséquent car c'est une affaire qui s'est au final vite réglée mais le film n'aurait pas été bien différent avec 5 minutes de moins.

Mis à part cet aspect dû en grande partie à la nature de l'histoire d'origine, la dernière partie du film avec l'audience est très réussie. Sully est certain que ses choix étaient les bons et va le prouver en gardant le calme qui l'habite en permanence. La confrontation est vraiment intéressante, particulièrement quand le commandant rappelle aux bureaucrates qui lui font face que le facteur humain n'a jamais été pris en compte lors des simulations (même avec des pilotes expérimentés). Car au final, un héros est avant tout un être humain qui n'est de loin pas infaillible mais qui est sûr de ses convictions.

Sully est un bon très bon cru de Clint Eastwood. Le cinéaste continue son exploration du héros américain tout en présentant une autre facette de celui-ci, plus médiatique et spectaculaire qu'un Chris Kyle mais également plus "éthique", héros du peuple avant d'être un héros de la nation.
Je ne peux que vous encourager à aller le voir car il est peu probable que Eastwood nous sorte encore des films pendant 10 ans.

Ma vie de Courgette (2016)

2016-10-30T14:00:00.002+01:00

Titre : Ma vie de Courgette

Date de sortie française : 19 octobre 2016

Réalisateur : Claude Barras

Scénario : Céline Sciamma, Germano Zullo, Claude Barras, Morgan Navarro, d'après l'oeuvre de Gilles Paris (Autobiographie d'une Courgette)

Directeur de la photographie : David Toutevoix

Montage : Valentin Rotelli

Musique : Sophie Hunger

Durée : 1h06

Avec : Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud, Michel Vuillermoz, Raul Ribera, Estelle Hennard

Synopsis : Ma vie de Courgette raconte l'histoire de plusieurs orphelins qui, pour surmonter leurs peines, vont s'aider les uns les autres. (Source : Wikipédia).

Mon avis

Rares se font les productions helvétiques qui suscitent réellement l'intérêt de nos jours. Pourtant, Ma Vie de Courgette a réussi à faire parler de lui et à instaurer une réelle aura autour de lui dès sa présentation à la Quinzaine des Réalisateurs du dernier Festival de Cannes où il avait su charmer le jury (sans être toutefois primé). Plus récemment, le film a triomphé au Festival international du film d'animation à Annecy et j'étais vraiment curieux de voir le résultat du travail de Claude Barras qui a bossé pendant plus de 2 ans sur ce film avec son équipe. Le tournage s'étant déroulé sur huit mois à raison de 3 secondes par jour et par animateur afin d'arriver au résultat final d'une durée de 66 minutes (ce qui est peu conventionnel de nos jours). C'est dire le travail d'orfèvre derrière ce métrage qui relate l'histoire de Icare (qui préfère qu'on l'appelle Courgette) qui est envoyé dans un foyer suite à la mort accidentelle de sa mère. Il y fera la rencontre d'autres enfants abandonnés par leurs parents pour différentes raisons et va devoir s'intégrer et trouver sa place afin de recommencer une nouvelle vie.

L'animation en stop-motion est à la mode ces derniers temps, après Kubo et l'Armure Magique sorti il y a peu et qui m'avait impressionné par sa technique, Ma Vie de Courgette reprend le procédé pour donner vie à ses marionnettes. Le choix est intéressant d'un point de vue artistique car quoi de plus logique que d'utiliser une technique qui donne des images plus saccadées, moins parfaites, que l'animation traditionnelle pour représenter ces petits personnages eux-mêmes imparfaits, vacillants et parfois dépassés par leur condition ? La direction artistique, principalement le design des personnages, est faite pour qu'on s'attache à eux très rapidement, ils sont tous créées à partir d'un même concept mais ils ont tous leurs propres particularités, leur propre look qui fait qu'on les reconnait très facilement.
Hergé affirmait que plus le style graphique d'un visage était simplifié, plus le spectateur pouvait y projeter ses émotions et, donc, s'identifier à lui. C'est un principe que Claude Barras a suivi à la lettre lors de l'élaboration de ses personnages tant ceux-ci sont plus attachants les uns que les autres.

Le film réussi à parler d'un sujet très grave mais en nous le présentant du point de vue de jeunes garçons et filles, en ce sens il parlera à la fois aux plus jeunes qui rejoindront cette espèce de naïveté assez touchante et aux adultes qui appréhenderont le métrage de manière plus terre à terre.
Il n'en demeure pas moins que le réalisateur valaisan porte un regard plein de tendresse et de bienveillance sur ces personnages confectionnés de toutes pièces. N'allez pas pour autant croire que le film verse bêtement dans le larmoyant primaire, il n'en est rien. Le film est même plutôt drôle dans l'ensemble et il est touchant de voir les pérégrinations de ces gosses qui vont parfois se chamailler, parfois s'entraider mais toujours en restant ensemble, comme au sein d'une famille qu'ils n'ont jamais vraiment eu.
Puis il y a ce personnage du policier qui amène Courgette au foyer et qui est peut-être le plus touchant de tous car c'est réellement lui qui fait le pont entre le monde extérieur, adulte, qui a tant blessé les enfants et le foyer, véritable havre de paix où il rend des visites régulières à Courgette.

Je voulais aussi revenir sur la très bonne BO composée par la bernoise Sophie Hunger qui est à l'image du film : légère mais sobre, ça n'en fait jamais trop, ça ne cherche pas à tout prix à tirer des larmes au spectateur et ça se conclut surtout par une superbe reprise de Le Vent nous Portera de Noir Désir. Je dois avouer que même moi avec mon cœur de pierre je n'étais pas loin de verser ma petite larme devant tant de beauté.

Ma Vie de Courgette est un véritable coup de cœur en cette fin d'année et une fierté de voir une production aussi maîtrisée et touchante sortie de l'esprit de compatriotes. Ma Vie de Courgette est un film que je conseille à tous, allez-y seul ou en famille il y en a pour tout le monde. Finalement si je ne devais lui reprocher qu'une seule chose ce serait d'être trop court, les 1h06 sont passées à une vitesse folle et à la fin j'en voulais encore même si, paradoxalement, le film ne pouvait pas s'achever à un meilleur moment.
J'espère profondément que le film fonctionnera et qu'il permettra à la Suisse de décrocher une nomination aux Oscars (que ce soit en tant que meilleur film étranger ou meilleur film d'animation puisqu'il est candidat dans les deux catégories) afin de démontrer que le talent et la créativité existent encore et qu'il suffit juste de s'éloigner un peu des chemins balisés pour s'en rendre compte.

Toni Erdmann (2016)

2016-09-06T17:52:00.000+02:00

Titre : Toni Erdmann

Date de sortie française : 17 août 2016

Réalisatrice : Maren Ade (également scénariste)

Directeur de la photographie : Patrick Orth

Montage : Heike Parplies

Durée : 2h42

Avec : Peter Simonischek, Sandra Hüller, Michael Wittenborn, Thomas Loibl, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Lucy Russell

Synopsis : Winfried Conradi, un enseignant allemand d'une soixantaine d'années, fantasque et habitué à se grimer, va rendre une visite surprise à sa fille Ines, consultante de haut niveau en poste à Bucarest. Alors qu'elle essaye de négocier un contrat d'externalisation très important pour sa carrière, il s'immisce dans sa vie professionnelle et personnelle afin de la faire réfléchir sur elle-même, dans une série de situations inattendues qui la déstabilisent. Voyant le risque qu'il fait prendre à sa fille, il décide de rentrer en Allemagne. Ines se consacre à fond à sa mission, mais a la surprise, un soir dans un grand hôtel, de retrouver son père, grimé et se présentant sous le nom de Toni Erdmann. (Source : Wikipédia)

Mon avis

Grosse sensation du dernier Festival de Cannes où il avait reçu une ovation lors de sa présentation en compétition officielle, Toni Erdmann était vite devenu le favori des bookmakers pour remporter la Palme d'Or qui lui a finalement échappé au profit de Moi, Daniel Blake de Ken Loach. Ayant dû finalement se contenter du prix de la critique internationale, il n'en demeure pas moins que le 3ème film de la réalisatrice allemande Maren Ade avait éveillé ma curiosité : qu'avait donc ce film de si particulier pour provoquer une telle réaction chez le public cannois ?

Alors que le film est déjà en salles depuis deux semaines, j'ai enfin pris le temps (car le film dure quand même 2h45 !) de me plonger dedans la tête la première, étant vierge de toute connaissance préalable avec le film si ce n'étaient les critiques dithyrambiques qui lui ont été adressées.

Il s'avère que c'était très bien, vraiment bien, excellent je dirais même ! L'histoire se concentre sur les relations assez tendues entre un père qui se sent seul et sa fille qui croit réussir sa vie avec un poste haut-placé à Bucarest. Le film joue beaucoup sur les apparences ; il y a le père bien sûr qui arrive en Roumanie en tant Winfried et qui fait mine de repartir avant de réapparaître sous les traits de Toni Erdmann afin de confronter sa fille à sa réalité et lui permettre une remise en question. Le métrage en soit change régulièrement de visage, on passe de la comédie potache au burlesque puis à de très beaux instants de pure émotion, toujours avec ces mêmes acteurs formidables qui, dirigés d'une main de maître, apportent vraiment l'émotion au spectateur.

La mise en scène très soignée de Maren Ade souligne encore plus l'aspect burlesque de l'ensemble, principalement lors des gros moments de gêne provoqués par le père où la réalisatrice fait durer les plans afin que l'on ressente nous aussi le malaise de Ines. Elle n'en oublie pas pour autant le réel dans son histoire en filmant volontairement, et assez longuement plusieurs séquences de dialogues plus techniques qui permettent de mieux comprendre le monde dans lequel vit la fille de Winfried.

Et ça c'est génial car du coup j'y crois à ces personnages ! J'ai devant les yeux un vrai film de cinéma qui parle de vrais personnages dans un vrai monde, avec ses avantages et ses nombreux défauts.

Le film parvient également à nous faire passer en très peu de temps des rires à l'émotion, sans que ce soit forcé, sans que ce soit pathos (la performance de Sandra Hüller est encore à souligner de ce point de vue). Les personnages sont de plus suffisamment bien écrits pour que l'on s'attache à eux, Winfried/Toni et Ines ont beau avoir des personnalités très différentes, je me suis pris d'affection pour l'un comme pour l'autre, toujours très naturellement.

Le film est d'ailleurs très bien rythmé, si bien que les 2h40 ne se sentent absolument pas passer. J'avais d'ailleurs la chance d'être dans une salle avec des personnes (âgées pour la plupart) très réceptives à l'humour, même lors de certaines séquences qui vont très loin dans leur délire. Je pense bien évidemment à la fête d'anniversaire de Ines (dont je ne dévoilerai rien car c'est quelque chose à voir par soi-même absolument), totalement géniale et imprévisible, mais également à d'autres passages comme la première apparition de Toni Erdmann au restaurant (séquence qui brille également par sa mise en scène et sa manière de préparer la venue du personnage).

Toni Erdmann ne déçoit pas, bien au contraire ! Le film arrive comme un vent de fraîcheur au milieu de cet été très morose cinématographiquement parlant. Réussissant tout ce qu'il entreprend, le film est très drôle et présente une brochette de personnages tous très bien écrits, même les rôles très secondaires. Grâce à ses personnages attachants, le métrage fait s'écouler les 2h40 comme si de rien n'était (alors que c'était principalement le point qui me rebutait le plus). Présentant de grands moments de rire, le film nous laissera toutefois sur une touche plus triste, invitant peut-être même le spectateur à remettre lui-même en question ses acquis par le biais d'un dernier plan au caractère plutôt ambigu.
Assurément un des meilleurs films de l'été que je vous conseille chaudement !

Jason Bourne (2016)

2016-08-18T19:15:00.000+02:00

Titre : Jason Bourne

Date de sortie française : 10 août 2016

Réalisateur : Paul Greengrass

Scénario : Paul Greengrass et Christopher Rouse d'après les personnages créés par Robert Ludlum

Directeur de la photographie : Barry Ackroyd

Montage : Christopher Rouse

Musique : David Buckley et John Powell

Durée : 2h03

Avec : Matt Damon, Tommy Lee Jones, Alicia Vikander, Vincent Cassel, Julia Stiles, Riz Ahmed, Ato Essandoh

Synopsis : La traque de Jason Bourne par les services secrets américains se poursuit. Des îles Canaries à Londres en passant par Las Vegas... (Source : Allociné)

Mon avis

Si vous vous intéressez un minimum au cinéma, l'évocation du nom de Jason Bourne doit forcément allumer une petite ampoule au-dessus de votre tête. Après avoir redéfini les codes du cinéma d'action-espionnage des années 2000, la saga portée par Matt Damon revient 9 ans après la fin de la trilogie (The Bourne Identity, Supremacy et Ultimatum) avec à nouveau Paul Greengrass aux commandes alors qu'il avait déjà réalisé les deux derniers (et les meilleurs !) Bourne de la trilogie (vous remarquerez que je laisse volontairement le spin-off de côté, pas uniquement parce qu'il est plutôt médiocre mais parce qu'il n'est pas du tout pris en compte pour ce nouvel opus).

Alors que le retour du duo Damon-Greengrass pouvait laisser rêveur, une question méritait tout de même d'être posée : il y'avait-il un réel intérêt à dépoussiérer la franchise et est-ce que Greengrass allait réussir à renouveler celle-ci alors que la société et les problèmes en découlant ne sont plus les mêmes qu'au début des années 2000 ?
Parce qu'il faut dire que les trois premiers volets, en plus d'être de brillants films d'action, ont toujours intégré leur intrigue au milieu d'une société minée par la paranoïa post-11 septembre. De ceci découlaient ces fameuses agences gouvernementales qui, dotées d'une liberté d'action sans limites (ou presque), se retrouvaient mêlées à pas mal d'affaires pas toujours très nettes.

Aujourd'hui, les Etats-Unis (et le monde par extension) vivent dans la crainte d'autres types de menaces. On a bien sûr le terrorisme, qui s'étend de plus en plus, mais également toutes les atteintes à la vie privée avec à nouveau certaines agences dont les méthodes ont été mises sous le feu des projecteurs grâce à Edward Snowden principalement.
C'est justement là que se positionne Greengrass avec ce nouveau Jason Bourne (qui cite d'ailleurs explicitement Snowden) où il est question principalement de surveillance de masse.

Il s'avère au final que le film ne remplit que partiellement son contrat, il est moins percutant et bien moins intéressant dans son intrigue que les trois premiers Bourne. J'en arrive ici d'ailleurs directement au principal problème du film, c'est sa ressemblance avec la trilogie. Alors certes il faut qu'on ait l'impression de regarder un Jason Bourne (je reviendrai sur l'aspect visuel pur plus loin) mais on sent tout de même que la prise de risque a été moindre. Ce n'est pas tant un problème d'écriture mais plutôt le fait que le schéma narratif qui faisait la force des Bourne a été vu et revu un nombre incalculable de fois depuis. Pour vous donner une idée, on retrouve tous les éléments que l'on trouvait déjà dans les premiers films : phases d'espionnage, de cache-cache, de combat au corps à corps, de course-poursuite, etc.
Tout ceci amène à une première moitié de film pas toujours très passionnante si l'on excepte le passage à Athènes assez incroyable. Le film se décante véritablement dans sa seconde partie et devient alors véritablement intéressant et jouissif.

Si le fond laisse donc parfois à désirer, il serait difficile d'en dire autant sur la forme tant Paul Greengrass nous démontre une nouvelle fois à quel point il maîtrise son sujet.
J'aime beaucoup l'épisode de Doug Liman mais, à mes yeux, l'identité visuelle de la franchise s'est véritablement forgée à partir du moment où Greengrass a débarqué. Ce style très documentaire, l'utilisation maîtrisée de la shaky cam et un montage très nerveux, le tout couplé à cette tension toujours très présente, on ne peut pas s'y tromper, le réalisateur britannique n'a rien perdu de sa superbe.
Le travail de Greengrass est en plus parfaitement magnifié par la très belle photographie de Barry Ackroyd, particulièrement durant les scènes de nuit (la séquence à Las Vegas est particulièrement parlante à ce niveau, c'est vraiment sublime !).

Le casting est imposant à première vue mais tous ne se valent finalement pas. Matt Damon est toujours excellent en David Webb / Jason Bourne alors même que c'est certainement l'épisode où il a le moins de dialogue (alors qu'il n'est déjà pas bien bavard de base). Alicia Vikander fait le job, tout comme Vincent Cassel même si j'ai trouvé que le personnage de ce dernier n'était pas forcément bien écrit, principalement en ce qui concerne ses motivations.
Celui qui s'en sort le moins bien est finalement Tommy Lee Jones, non pas que sa performance soit mauvaise (il est très bon pour tirer la gueule et le rôle lui va à merveille dans ce sens) mais plutôt car il fait plutôt pâle figure à côté des anciens "chefs" que Bourne a eu à affronter par le passé.

Tout ceci se conclut, comme d'habitude, sur une version réarrangée de Extreme Ways plutôt agréable et qui nous rappelle une dernière fois, pour ceux qui auraient dormi jusque-là, que nous sommes en territoire connu. Finalement ceci est un peu à l'image du film : tout, absolument tout transpire le Jason Bourne que nous avons tant apprécié dans les années 2000, à tel point que le renouvellement peine à montrer le bout de son nez.
Souffrant de la comparaison avec ses prédécesseurs en ce qui concerne le fond, ce 5ème opus (le 4ème avec Damon) brille toujours autant par sa forme avec cette nervosité, ces moment de tension et ces bastonnades dans des espaces restreints.
Maintenant, est-ce que j'aurais envie d'une éventuelle suite ? Difficile à dire, la franchise risque de s’essouffler très rapidement à ce rythme et je préfère garder en tête la mini-révolution qu'avait été la trilogie plutôt que de penser à un éventuel déclin dont ce Jason Bourne porte déjà quelques stigmates.
Il n'en demeure pas moins que nous tenons là le meilleur blockbuster de l'été (un peu par défaut, tant la concurrence est à la ramasse).

The Neon Demon (2016)

2016-06-21T22:17:00.001+02:00

Titre : The Neon Demon

Date de sortie française : 8 juin 2016

Réalisateur : Nicolas Winding Refn

Scénario : Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham

Directeur de la photographie : Natasha Braier

Montage : Matthew Newman

Musique : Cliff Martinez

Durée : 1h57

Avec : Elle Fanning, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Desmond Harrington

Synopsis : Une jeune fille débarque à Los Angeles. Son rêve est de devenir mannequin. Son ascension fulgurante et sa pureté suscitent jalousies et convoitises. Certaines filles s’inclinent devant elle, d'autres sont prêtes à tout pour lui voler sa beauté. (Source: Premiere.fr)

Mon avis

Nicolas Winding Refn est un cinéaste très intéressant à analyser au vu de sa carrière mais également par rapport à son évolution, principalement depuis l'immense succès de Drive en 2011.

Le cinéaste danois a commencé sa carrière en filmant le milieu de la drogue à Copenhague dans Pusher et a tout de suite mis une claque par sa maîtrise de la caméra-épaule et sa retranscription très froide de la capitale danoise.

Bleeder avait certains défauts d'un premier film que n'avait pas Pusher justement mais il restait dans la continuité de celui-ci.

C'est avec Inside Job qu'il se tourne pour la première fois vers un aspect beaucoup plus esthétique, laissant de côté des influences scorsesiennes pour aller piocher de manière évident chez Kubrick et Lynch entre autres. Le premier film de Refn en langue anglaise et un immense échec et il décide alors de faire de Pusher une trilogie afin de retrouver le mojo. Bien lui en a pris puisque le deuxième Pusher est aujourd'hui un des meilleurs (si ce n'est LE meilleur) film de sa filmographie et que ça lui a permis de connaître une certaine renommée qui lui permettra par la suite de tourner Bronson, réminiscence évidente de Orange Mécanique, puis Valhalla Rising. C'est d'ailleurs à partir de ce dernier que débute vraiment le tournant ultra-esthétique de la carrière de Refn qui décrochera d'ailleurs le prix de la mise en scène du Festival de Cannes pour Drive deux ans plus tard.

Ce succès propulse Refn parmi les meilleurs auteurs contemporain mais lui monte également à la tête. Suivant un peu les pas d'un Lars von Trier, le cinéaste danois adopte dès lors un ton assez provocateur et sort par la suite Only God Forgives, qui a énormément divisé à Cannes (pour le plus grand plaisir de son auteur) et que je n'ai pas vraiment aimé, tant j'ai trouvé que l'esthétisme prenait vraiment le pas sur le fond alors que jusque-là Refn avait toujours réussi à mettre son visuel au service de son art et non pas l'inverse.

J'ai cependant toujours séparé l'homme de l'artiste et même si Refn a chopé le melon, si les films sont de qualité c'est vraiment l'essentiel. C'est la raison pour laquelle j'attendais quand même The Neon Demon, vendu par son auteur comme une sorte de film d'horreur dans l'univers de la mode. Ne voulant pas manquer l'occasion de voir mon premier NWR au cinéma, j'y suis allé très enthousiaste et en suis ressorti complètement soufflé !

The Neon Demon c'est peut-être le délire formel ultime de son auteur qui en est arrivé à un point où il n'en a plus rien à battre : il sait que son film divisera et il adore ça. Le ton est assez vite donné, le film débute, on a le générique d'introduction avec un NWR stylisé YSL, symbole précoce de l’égocentrisme de son auteur qui fait de son nom une marque à part entière.
Car oui, The Neon Demon est prétentieux, certainement un des films des plus prétentieux qu'il m'ait été donnée de voir d'ailleurs mais pourtant...
La beauté du film égale sa prétention et éclipse presque tout le reste. Cependant, si ça m'avait gêné dans Only God Forgives, je suis ici complètement rentré dans le délire.

Le film en soi est déjà une grande évolution dans le cinéma du réalisateur danois. Pour la première fois, il met une femme au centre de son récit, lui normalement habitué aux hommes déviants et violents. Ici, la pureté de Elle Fanning contraste totalement avec ce que nous propose Nicolas Winding Refn habituellement. Il y a d'ailleurs beaucoup de femmes dans le film, tous les personnages principaux en sont (pas étonnant me direz-vous pour un film qui parle de la mode).

C'est d'ailleurs presque une suite naturelle des choses que Refn parle de la beauté dans ce film, son Only God Forgives avait été critiqué en grande partie parce qu'il ne proposait rien de plus que sa beauté formelle. Le cinéma du réalisateur a toujours été beau, voir contemplatif dans Valhalla Rising, et il y a une phrase que prononce un des personnages de The Neon Demon qui résume bien le tournant qu'a pris la carrière de Refn : "Beauty is not everything, it's the only thing"...
Ce n'est d'ailleurs pas le seul parallèle qui peut être fait avec la carrière du cinéaste ; le personnage de Jesse, d'abord toute sage et pure, va petit à petit faire sortir son ego quand elle va se rendre compte à quel point sa beauté fait des jalouses, ça ne vous rappelle pas quelqu'un ?

Il n'en demeure pas moins que la formule a totalement marché sur moi. Plus que jamais, NWR fait ce qu'il veut, il nous emmène au cœur de séquences toutes plus folles visuellement les unes que les autres (mention particulière à la scène du défilé et au shooting photo de Jesse), remplies de néons et de lumières stroboscopiques, je me suis vraiment cru dans un rêve à certains moments.
Le tout est en plus saupoudré des nappes électro de Cliff Martinez qui signe certainement une des meilleures BO de l'année (avec celle des 8 Salopards), ça devient d'ailleurs une habitude quand il collabore avec Refn.

J'ai été plusieurs fois à deux doigts d'être totalement hypnotisé et ça aurait peut-être été le cas si le choix de casting avait été un peu plus judicieux. Elle Fanning est certes une très jolie actrice mais NWR n'arrive pas à la magnifier comme l'avait si bien fait Woody Allen avec Emma Stone par exemple. En fait, je trouve carrément Jena Malone plus canon que Elle Fanning et ça casse un peu le truc car Jesse est censée être la femme qui subjugue, qui attire tous les regards, moi j'avais plutôt les yeux posés sur Malone quand elle apparaissait.

Il y a également un symbolisme poussé parfois à la limite de l’auto-parodie par Refn, comme le coup des miroirs (censés refléter la beauté extérieure des protagonistes) qui apparaissent dans énormément de scènes sans avoir toujours un réel intérêt. Il y a tout de même une séquence qui exploite très bien les miroirs, celle de la rencontre entre Jesse et Ruby avec ce champ/contre-champ du reflet des deux protagonistes et la pauvre Jesse écrasée dans le coin du cadre. C'est assez sobre mais la scène instaure déjà clairement les rapports de force.

Certes le film ne vas pas se faire que des amis, certes il va certainement se faire cracher dessus par ceux totalement hermétiques au style du cinéaste qui ne vont pas se réconcilier avec lui avec ce Neon Demon. Je ne pourrais vraiment leur en tenir rigueur parce que, sur le papier, le film avait vraiment tout pour me déplaire. Sauf que, contrairement à Only God Forgives, je suis entré dedans dès les premières secondes et j'ai accepté ce que Nicolas Winding Refn me balançait à la figure simplement parce que c'est d'une beauté à tomber par terre, tout en ne laissant pas pour autant de côté la violence chère au réalisateur (il y a cette scène de nécrophilie complètement folle, puis ce final clairement too much mais avec sa part de dérision, ce qui manquait à la scène de torture de OGF par exemple).

The Neon Demon c'est un tout, un mariage entre le son et l'image qu'il faut expérimenter devant un grand écran pour capter toute l'ampleur de la mise en scène de NWR. Le danois radicalise encore plus son cinéma, comme s'il voulait tester jusqu'où il pourra aller dans son délire avant de se brûler les ailes...
Est-ce mon Refn préféré ? Il est encore trop tôt pour le dire, il n'en demeure pas moins qu'il se hisse sans problème dans le haut du panier aux côtés de Drive et des deux premiers Pusher.
Le terme de "film d'horreur" était certes exagéré (le seul moment où j'ai eu un peu peur c'est durant la scène du puma), il n'empêche que c'est un film qui continue de me hanter aujourd'hui encore et qui va continuer de mûrir encore un petit moment dans ma petite tête qui s'est prise deux claques en l'espace de quelques jours avec Elle puis ce Neon Demon...Si Refn continue à faire des films comme ça, il peut le garder sans problème son melon !

Elle (2016)

2016-06-09T23:15:00.002+02:00

Titre : Elle

Date de sortie française : 25 mai 2016

Réalisateur : Paul Verhoeven

Scénario : David Birke d'après le roman "Oh..." de Philippe Djian adapté par Harold Manning

Directeur de la photographie : Stéphane Fontaine

Montage : Job ter Burg

Musique : Anne Dudley

Durée : 2h10

Avec : Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira, Judith Magre, Christian Berkel, Jonas Bloquet, Alice Isaaz

Synopsis : Michèle Leblanc est agressée et violée dans sa grande maison de banlieue parisienne où elle vit seule. Elle ne porte pas plainte par la suite et reprend sa vie entre sa société de jeux vidéo qu'elle dirige avec son amie Anna, sa liaison avec Robert le compagnon de celle-ci, son fils Vincent, son ex-mari Richard, ses voisins Patrick et Rebecca. (Source : Wikipédia)

Mon avis

On l'aura attendu le retour de Paul Verhoeven ! 10 ans se sont en effet écoulés depuis son dernier long-métrage, Black Book, et depuis un silence radio brisé qu'à l'occasion du téléfilm Tricked filmé par Verhoeven en 2012.
C'est donc en France que le Hollandais violent effectue son grand retour avec une adaptation du roman Oh... de Philippe Djian (que je n'ai pas lu). D'abord prévu pour être tourné aux Etats-Unis, Verhoeven ne trouve aucune actrice acceptant de jouer un rôle aussi amoral et aucune boite de production pour financer un tel projet. Il décide donc de retourner en France, pays d'origine du livre et lieu où se passe l'intrigue et choisi Isabelle Huppert pour tenir le rôle-titre, accompagnée d'un gros casting de rôles secondaires.

Pourtant, la bande-annonce ne laissait clairement pas rêveur, le montage étrange faisant penser à un vulgaire téléfilm tourné par un réalisateur de qualité. On pouvait alors croire que le réalisateur hollandais avait perdu le mojo mais les bons retours de Cannes où le film était présenté en compétition officielle et l'excellent accueil qu'il a eu à sa sortie redonnait espoir à tous ceux (dont je faisais partie) qui s'étaient fait berner par la bande-annonce. Et mon dieu, jamais je n'ai été autant heureux d'avoir douté tant le film est une claque !

On voit tout de suite ce qui a pu intéresser à ce point Paul Verhoeven dans le roman de Djian : cette femme qui se fait violer et qui, au fur et à mesure, va développer une relation très malsaine avec son agresseur. Le ton est tout de suite donné, on est replongé dans la violence physique et psychologique dont raffole le réalisateur de RoboCop mais le malsain atteint cette fois-ci un pic. Là où Verhoeven fait fort, c'est que le film est également très drôle par moments et qu'il jongle constamment entre des moments d'une glauquitude absolue et des passages complètement hilarants, allant même jusqu'à mélanger les deux pour en arrive à un point où on ne sait plus vraiment si on rigole parce que c'est malsain ou si c'est malsain justement parce qu'on rigole (souvent jaune) de ce que l'on voit.

Isabelle Huppert est pour beaucoup dans cette balance incessante entre malaise et rire. Il faut dire qu'elle est née pour jouer ce genre de rôle, j'ai du mal à imaginer n'importe quelle autre actrice à sa place, tant celle-ci est devenue un genre à elle tout seule...ce n'est d'ailleurs pas par hasard que Michael Haneke en a fait son actrice fétiche, tant elle colle bien à ce genre d'univers. Elle joue parfaitement la bourgeoise un peu hautaine et rend son personnage jouissif à regarder alors qu'il aurait pu être insupportable incarné par n'importe qui d'autre.

Le reste du casting, dirigé de main de maître par Verhoeven (même Virginie Efira), est tout aussi excellent. Chaque personnage est ambigu, un peu timbré on ne sait jamais vraiment si c'est du lard ou du cochon et aucun n'est cliché, d'autant plus que Verhoeven ne porte jamais de jugement sur ceux-ci, ils existent simplement avec toutes leurs qualités et leurs défauts. Mention spéciale à Jonas Bloquet qui joue le fils de Michèle et qui est d'une telle stupidité qu'il en devient attachant. Le seul personnage vraiment blanc est celui interprété par Virginie Efira, croyante jusqu'au bout des orteils et dont les dernières paroles, à la fin du film, n'auraient pas pu être plus lourdes de sens.

Comme à son habitude, le Hollandais violent joue avec les codes, les détourne à sa guise. J'en veux pour preuve cette scène incroyable du souper de Noël qui aurait pu être tout ce qu'il y a de plus banal mais vu que ce n'est pas n'importe qui derrière la caméra, la séquence devient d'anthologie ! Déjà, il y a cette hypocrisie entre certains personnages qui ne peuvent pas se piffrer mais font bonne figure l'un en face de l'autre (il y a par exemple Michèle qui dit en cuisine qu'elle va faire exprès de laisser un cure-dent dans les amuse-gueule pour que la copine à son ex-mari se fasse mal avec). Puis il y a toujours cette ambiguïté, ce jeu entre ce côté dérangeant et une certaine légèreté, comme quand Huppert raconte à Lafitte les atrocités commises par son père d'un air complètement candide alors qu'on entend la messe de minuit en fond, c'est juste génial ce décalage qui rend la scène vraiment hilarante !

Au final, le film va tellement loin qu'on finit presque par oublier qu'il y a une histoire de viol derrière, la révélation ne constitue d'ailleurs de loin pas le climax du film (surtout que j'avais déjà deviné depuis un moment qui était l'agresseur) mais lance au contraire un jeu très chaud entre Michèle et l'homme qui l'a violée, le film grimpe alors encore en intensité jusqu'à la fin où elle se décide enfin d'agir concrètement à son encontre...

Toute cette maestria est accompagnée d'une musique certes discrète mais terriblement efficace, assez cristalline et m'ayant fait un peu penser à ce qu'on trouvait dans Basic Instinct. En plus, fait assez rare qui mérite d'être signalé, elle est composée par une femme, ce qui fait d'autant plus plaisir quand on sait que le cinéma de Verhoeven est quand même ouvertement féministe (ce qui n'empêche pas certains groupes de féminazis de s'en prendre au film qui ferait, selon elles, l'apologie du viol...on aura tout entendu).

Une chose est sûre, c'est qu'il est difficile de ressortir intact de Elle, il m'a bien fallu une bonne nuit pour me remettre complètement de ce que j'avais vu. C'est un film qui prend aux tripes, qui rend profondément mal à l'aise tout en nous décrochant régulièrement des rires. Paul Verhoeven ne se refuse rien et on ne peut que le remercier de nous offrir un tel niveau de maestria. C'est finalement le cinéma français qui ressort gagnant de tout ça en acceptant de produire ce que les américains voient d'un mauvais œil, mais bon c'est sûrement trop leur demander de chercher de l'originalité.
Elle est mon film de l'année jusqu'à présent et je ne peux que chaudement vous le recommander, un chef-d'oeuvre (et c'est rare que j'utilise de tels superlatifs) !

X-Men: Apocalypse (2016)

2016-06-02T19:47:00.001+02:00

Titre : X-Men: Apocalypse

Date de sortie française : 18 mai 2016

Réalisateur : Bryan Singer

Scénario : Simon Kinberg, Bryan Singer, Michael Dougherty et Dan Harris, basé sur les personnages créés par Stan Lee et Jack Kirby

Directeur de la photographie : Newton Thomas Sigel

Montage : Michael Louis Hill et John Ottman

Musique : John Ottman

Durée : 2h24

Avec : James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Oscar Isaac, Rose Byrne, Evan Peters, Sophie Turner, Tye Sheridan, Olivia Munn, Josh Helman

Synopsis : Depuis l'aube de la civilisation, il a été vénéré comme un Dieu. Apocalypse, le premier et le plus puissant des mutants de l'univers X-Men, a collecté les pouvoirs de nombreux autres mutants, devenant immortel et invincible. Se réveillant après des centaines d'années, il est désabusé par ce nouveau monde et recrute une équipe de puissants mutants, dont un Magnéto découragé, pour purifier la race humain et mettre en place un nouvel ordre mondial, sur lequel il compte régner. Alors que le sort de la Terre est en jeu, Mystique, avec l'aide du Professeur Xavier doit diriger une équipe de jeunes X-Men pour tenter d'arrêter leur plus grand ennemi et sauver l'humanité de la destruction totale. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

En 2014, Bryan Singer reprenait les rênes de la saga X-Men qu'il avait initié en 2000 et qui avait renouvelé le genre du film de super-héros à l'époque avec ses thématiques très actuelles de l'acceptation de soi et de la peur de l'étranger. Alors que Matthew Vaughn avait "rebooté" la franchise avec X-Men: Le commencement qui présentait la jeunesse de nos mutants favoris (le film était plutôt bon malgré de nombreuses fautes de goût), Singer sortait par la suite X-Men: Days of Future Past qui demeure jusqu'à présent le meilleur film de super-héros des années 2010.

Un visionnage récent de la version Rogue Cut du film m'avait d'ailleurs conforté dans cette position, tant l'intelligence et la sobriété du film ne pouvait laisser qu'admiratif, surtout quand on voyait le bordel chronologique auquel était confronté le réalisateur de Usual Suspects.

Voir Bryan Singer rempiler pour le troisième volet de cette nouvelle trilogie était déjà une bonne nouvelle en soi, encore fallait-il réussir à apporter quelque chose de neuf, à se renouveler pour proposer autre chose que ce que proposent tous les films estampillés Disney/Marvel ou Warner/DC sortis ces dernières années.

Autant le dire de suite, je suis un peu déçu, principalement parce que le film tombe dans les travers qu'avait parfaitement esquivé Days of Future Past il y a 2 ans.

Comme son nom l'indique, l'intrigue du film se concentre sur Apocalypse, le premier de tous les mutants qui a acquis de nombreux pouvoirs au fil des millénaires en transférant son esprit dans le corps d'un autre mutant afin d'acquérir sa capacité.

Lors d'un de ces transferts, il est trahi et des gardes tentent de l'assassiner, il est sauvé par une de ses fidèles mais restera endormi au cœur de sa pyramide détruite jusqu'en 1983 où il sera enfin réveillé.

Enragé par sa trahison, il recrute 4 cavaliers de l'Apocalypse afin de forger un monde sur lequel il régnerait en maître. Parmi ces 4 cavaliers, on retrouve Tornade, Psylocke, Archangel et, surtout, Magnéto qui vivait des jours heureux avec sa femme et sa fille en Pologne avant que ces deux ne soit tuées.

La partie avec Magnéto en Pologne est intéressante dans un sens car ça nous permet de voir comment un mutant vit sa vie de prolétaire mais c'est surtout un prétexte pour amener un drame dans la vie de Erik Lehnsherr (Michael Fassbender) et ainsi le faire passer du côté d'Apocalypse. Si je parle de prétexte, c'est que Magnéto a un côté obscur en lui en que ça a toujours été la cause de ses actes sans qu'il n'y ait besoin d'un événement traumatisant à chaque fois.

De manière générale, l'écriture est vraiment un cran en-dessous de ce que fait Singer habituellement. C'est particulièrement choquant pour les cavaliers qui, à part Magnéto, n'ont pas vraiment de motivations particulières pour rejoindre Apocalypse si ce n'est que celui-ci peut améliorer leurs pouvoirs. Et même avec ça, je les trouve au final très limités, ils n'ont jamais vraiment d'impact sur la bataille et se contentent de faire ce qu'Apocalypse leur ordonne.

En plus de l'écriture, le film tombe également dans les travers qu'avait réussi à magnifiquement éviter Bryan Singer avec Days of Future Past, à savoir une orgie de CGI, particulièrement sur la fin qui sombre un peu dans le n'importe quoi (malgré de bonnes idées qui émergent comme le combat dans l'esprit de Charles Xavier). La scène qu'on pourrait désormais qualifier de "signature" de Quicksilver est assez symptomatique de ce problème : ça en fait trop. Ça reste bien évidemment très impressionnant et bien réalisé mais, en plus de l'effet de surprise qui n'est plus présent, c'est poussé vraiment trop loin alors que la scène de la cuisine dans DOFP brillait par sa sobriété (tout comme le film dans son ensemble).

Après, c'est certes too much et trop "blockbusterisé", il n'en demeure pas moins que le film contient infiniment plus d'idées de cinéma que n'importe que super-film sorti ces derniers temps et ça fait quand même du bien de voir ça après s'être tapé Civil War il y a 1 mois !
Niveau réalisation, ça reste quand même du solide, Singer filme toujours très bien l'action et on a à nouveau une photographie léchée, très colorée qui fait plaisir à voir dans un film du genre.
Il y a aussi le charisme toujours intact de Michael Fassbender et James McAvoy, même si ce premier tient une place beaucoup moins importante que dans Days of Future Past.

Apocalypse en soi n'en impose pas vraiment (pourtant j'adore Oscar Isaac), la faute à un design totalement quelconque. Il se fait en plus avoir un peu comme un bleu (si vous me passez l'expression) sur la fin grâce au fameux "pouvoir de l'amitié" alias "si on se met tous ensemble on est meilleurs", un cliché assez lourdeau dont aurait pu aisément se passer le film.

Alors certes le film est une déception, surtout si on le compare à Days of Future Past qui était une grande réussite, mais paradoxalement c'est exactement le genre de film de super-héros que j'ai envie de voir, avec un véritable auteur à la barre qui est capable d'apporter des idées de mise en scène, même si le reste est un peu bancal.
D'un autre côté, je pense aussi qu'il serait temps que Singer passe gentiment à autre chose car on voit déjà apparaître dans ce X-Men : Apocalypse certains des syndromes du film de trop. Malgré ses défauts, ce troisième volet de la nouvelle trilogie X-Men initiée avec First Class s'impose sans trop de problèmes comme le meilleur super-film de l'année, en attendant éventuellement une bonne surprise de la part de Suicide Squad cet été.

(Re)visionnages récents - 4

2016-05-07T20:50:00.000+02:00

Legend (2015) - Brian Helgeland

Intrigué, je l'étais après visionnage du trailer de Legend, le nouveau long-métrage de Brian Helgeland, surtout connu pour ses talents de scénariste.

Le film relate l'histoire des jumeaux Ronnie et Reggie Kray (tous deux incarnés par Tom Hardy), deux gangster qui ont régné sur Londres dans les années 1960.

Alors évidemment, l'attraction principale du film est de voir la double interprétation de Tom Hardy qui change complètement son jeu lorsqu'il doit passer de Reggie à Ronnie, alors que ce dernier souffre de schizophrénie (malheureusement il cabotine un peu trop dans le deuxième cas). L'intégration des deux incarnations de Hardy sur un même plan est d'ailleurs assez saisissante.

Le film joue beaucoup sur le concept de dualité, il est en effet rare de ne voir qu'un seul personnage à l'écran. Outre les jumeaux, il y a une relation entre Reggie et sa femme (la douce Emily Browning), entre Ronnie, homosexuel, et son ami (Taron Egerton), entre les jumeaux et leur mère, etc. Brian Helgeland (dont c'est le premier film que je visionne) démontre en plus un certain talent de mise en scène avec beaucoup de longs plans et de travellings.

Legend était une très bonne expérience, assez impressionnante visuellement parlant et avec cette inspiration scorsesienne dans sa construction qui m'a beaucoup plût.
Après, ce n'est en tout cas pas ce film qui renouvellera le genre du film de gangsters, tant sa construction est classique, mais ça reste un bon moment à passer.

Cookie's Fortune (1999) - Robert Altman

Film vu à la Cinémathèque sur un petit coup de tête. Je connaissais Robert Altman de nom, je savais que c'était un très grand nom du cinéma et une figure du Nouvel Hollywood...et pourtant je n'avais jamais vu un seul de ses films !

C'est donc par un de ses derniers films que j'ai eu l'honneur de commencer : Cookie's Fortune, verdict ? J'ai adoré !

Le film se passe au Mississippi où une vieille dame, "Cookie", se donne la mort et est retrouvée dans sa chambre pas ses deux nièces, très catholiques.

L'une d'elle, qui voit le suicide comme un signe de lâcheté de de déshonneur, décide de déguiser le suicide en assassinat. S'entame alors une enquête afin de faire la lumière sur cette histoire.

Il y a une assez longue exposition au début qui permet de bien présenter les personnages, tous plus intéressants et bien écrits les uns que les autres (mention à la tante insupportable jouée par la géniale Glenn Close).

Le film est génialement écrit avec des touches d'humour qui font mouche à chaque fois. Le naturalisme de Altman se ressent dans le jeu des acteurs, très organique comme le répète d'ailleurs quelques fois la tante, à l'image des personnages de la pièce de théâtre mise en scène par celle-ci.

Après, ne connaissant pas l'oeuvre de Altman, il m'est difficile d'y déceler des thèmes récurrents mais une chose est sûre, c'est que je vais me plonger dans son imposante filmographie car j'ai vraiment pris mon pied !

Steve Jobs (2016) - Danny Boyle

Considéré en quelque sorte comme la suite spirituelle de The Social Network, le nouveau film de Danny Boyle le mettait face à un défi de taille : faire au moins aussi bien que David Fincher (même si on ne lui en aurait pas voulu de ne pas y arriver, faut pas déconner hein !).

Egalement écrit de la main de Aaron Sorkin, scénariste de génie, Steve Jobs se démarque du biopic conventionnel par sa structure en 3 actes, trois séquences distinctes qui sont les moments précédant la présentation du premier Macintosh, du NeXT Computer et de l'iMac.

C'est dans ce découpage particulier qu'est le vrai tour de force, ça nous permet de constater, par le biais de 3 moments particuliers de sa vie, à quel point Steve Jobs ne s'est jamais écarté de ses convictions professionnelles, lui qui a toujours voulu des systèmes fermés.

Mais l'enjeu principal du film tourne plutôt autour de l'homme et de ses problèmes familiaux, de sa fille dont il ne voulair pas reconnaître la paternité à ses problèmes avec celle-ci mais également avec ses collaborateurs comme Steve Wozniak (magnifiquement interprété par Seth Rogen) qu'il a toujours refusé de mentionner ou de congratuler lors de ses présentations ultérieures.

Le film avait donc toutes les cartes pour me plaire mais il s'avère que j'en suis ressorti un peu déçu car il ne raconte finalement pas grand chose et ce qu'il raconte n'est pas très intéressant (en plus je n'aime pas Steve Jobs de base).

J'aurais vraiment voulu entrer dedans, les acteurs sont bons (Michael Fassbender est très crédible, Kate Winslet excellente) mais quand on a vu The Social Network avant, il faut quand même dire que Steve Jobs souffre de la comparaison. Un bon film mais oubliable en ce qui me concerne.

The Danish Girl (2016) - Tom Hooper

Dans la catégorie "film consensuel à faire pleurer les ménagères", The Danish Girl mérite de figurer en bonne place. J'avais aimé Le Discours d'un Roi et quelques aspects des Misérables de Tom Hooper.

Cependant, avec sa dernière réalisation, le cinéaste revient avec un film calibré comme jamais pour plaire aux membres de l'Académie des Oscars ; on prend un sujet tabou, l'acteur ayant raflé la statuette l'an passé, le compositeur ayant fait de même, on enrobe le tout dans une réalisation on ne peut plus plate et on obtient The Danish Girl.

Ce film, c'est un peu tout ce qui m'exaspère, on savait que Tom Hooper n'est pas forcément réputé pour sa subtilité, mais un nouveau pallier est franchi ici, on a vraiment l'impression que le film veut toujours forcer l'émotion chez le spectateur à coup de scènes "fortes" et de musique triste, sauf que non, l'émotion ne passe pas comme ça. J'avais apprécié Carol qui traitait également d'un sujet assez sensible sans pour autant tomber dans le pathos, ici il n'y a que ça ! Et le pire c'est qu'il faut se coltiner un Eddie Redmayne insupportable pendant deux longues heures avec ses mimiques et ses regards de pute à Oscar ! Heureusement que Alicia Vikander est là pour sauver ce qu'il y a à sauver, c'est elle qui m'a fait tenir le film entier.

On concédera comme d'habitude à Tom Hooper une bonne retranscription des années 1930 avec des décors réussi (c'est toujours l'aspect le plus réussi de ses films) mais il va vraiment falloir qu'il passe à autre chose au lieu de chercher à chaque fois à truster les cérémonies. D'ailleurs, c'est même raté à ce niveau puisqu'il n'y a aucune nomination à l'Oscar du meilleur film à la clé...une belle crotte !

Room (2016) - Lenny Abrahamson

Vaguement inspiré de l'affaire Josef Fritzl, Room raconte l'histoire d'une jeune femme retenue prisonnière dans une cabane de jardin pendant 7 ans, dont 5 avec son fils qu'elle a eu avec son ravisseur.

Le film s'annonçait comme un huis clos, et c'est ce qu'il est durant toute sa première moitié où l'on nous présente le quotidien de Joy (Brie Larson) et Jack (Jacob Tremblay) à l'intérieur de la Room comme ils l'appellent eux-mêmes, jusqu'à finalement mettre au point un plan pour s'évader.

Dès lors, le film entre dans une deuxième phase, plus dramatique, où le jeune Jack va découvrir un monde qu'il n'a jamais vu si ce n'est à la télévision et Joy qui va devoir se réadapter alors qu'elle est mise sous le feu des projecteurs de par ce que'elle a vécu.

Autant j'ai trouvé que la première partie traînait un peu en longueur, autant la seconde redonne un souffle au film qui en a besoin.

L'histoire de cette mère et de son fils est touchante et montre que même après avoir été enfermé pendant si longtemps dans une pièce close, il peut être difficile de retrouver sa liberté.

Mais la grande réussite du film réside surtout dans les performances respectives des acteurs. Brie Larson est bien sûr excellente, mais c'est surtout la formidable performance du jeune Jacob Tremblay, saisissante de justesse qui vaut le coup d’œil...une belle découverte.

Avé, César ! (2016) - Joel et Ethan Coen

La filmographie des frères Coen a ceci de particulier qu'elle peut être divisée en deux parties bien différentes : les comédies très légères d'un côté et les films beaucoup plus noirs et sérieux de l'autre.

Avé, César ! fait clairement partie de la seconde catégorie mais restera malheureusement un Coen plutôt mineur (alors que leur dernier, Inside Llewyn Davis, m'avait enchanté).

Le film est découpé en différents sketchs sans réel rapport les uns avec les autres si ce n'est que c'est à chaque fois le personnage central, Eddie Mannix (incarné par le superbe Josh Brolin) qui en réglera les différents problèmes. Le personnage de Mannix est clairement le gros point fort du film, toutes les galères du monde lui tombent sur les épaules et il garde (presque) toujours la tête froide, de manière parfois assez comique. C'est un personnage auquel on s'attache très vite et l'unique véritable fil rouge de l'histoire.

Le problème c'est que tous les sketchs ne se valent pas : la partie avec Alden Ehrenreich est absolument hilarante tandis que l'intrigue autour du personnage de Scarlett Johansson n'est pas vraiment intéressante et ne mène finalement nulle part...

Au fond c'est un peu le problème du film, il y a beaucoup de personnages, beaucoup de sketchs à gauche à droite mais il n'y a pas vraiment de réunion entre ceux-ci. Les véritables enjeux de l'histoire sont ceux entourant le sort du personnage de George Clooney qui se fait kidnapper mais même là je trouve que les Coen sont un peu passés à côté de leur sujet.

Reste que le film reste un bel hommage aux studios hollywoodien des années 1950 et leurs grosses productions (principalement le péplum en l’occurrence), toujours éclairé par le talent de Roger Deakins (même si on l'a connu plus transcendant à ce niveau). Cependant, quand on a vu The Big Lebowski et la trilogie des idiots on est en droit d'attendre mieux des frères Coen dans leur versant comédie.

Th Assassin (2016) - Hou Hsiao-hsien

Une de mes grosses attentes de ce début d'année, le dernier prix de la mise en scène du Festival de Cannes a connu une production assez chaotique avant de pouvoir finalement sortir dans nos contrées. On me chantait les louanges du film depuis des semaines et je comprends pourquoi : chaque plan est une oeuvre d'art à lui tout seul, un tableau devant lequel on pourrait rester de longues minutes durant, à simplement s'émerveiller.

On tient sans problème ici l'un des plus beau film de la décennie, il y a un travail incroyable sur les couleurs : les complémentaires (principalement le rouge et le vert), le chaud/froid (les scènes d'intérieur sont sublimes à ce niveau) et le noir/blanc (d'ailleurs les 15 premières minutes d'exposition sont tournées entièrement en noir et blanc avec également une photographie à tomber par terre).

J'avoue ne pas avoir vraiment bien suivi l'histoire car il m'arrivait "d'oublier" de lire les sous-titres, de peur de perdre ne serait-ce qu'une miette de ce que j'avais devant les yeux !

Je dois également faire l'éloge de Shu Qi, quel charisme ! Alors que son temps de présence est finalement assez limité, elle crève l'écran à chacun de ses apparitions (en parlant de ça, j'ai toujours trouvé que les acteurs chinois avaient un gros charisme naturel, chose que l'on ne retrouve pas forcément chez les occidentaux).

Hou Hsiao-hsien limite au maximum le nombre de plans, il les prolonge le plus possible quand il le peut (notamment pour les longs moments de silence entre les personnages, c'est génial parce que ça incorpore une certaine tension aux scènes).

Les combats sont finalement assez peu nombreux mais superbement filmés, sans musique, uniquement avec le son des lames qui s'entrechoquent (le combat dans la forêt de bouleaux est à tomber).

The Assassin est une vraie expérience, un film qui se vit et qui s'admire, d'une beauté et d'une direction artistique difficilement égalables (il n'a clairement pas volé son prix de la mise en scène).

Il faut savoir se que l'on va voir par contre et ne pas s'attendre à un gros film d'arts martiaux (je regrette d'ailleurs d'y être allé en fin de journée alors que j'était vraiment fatigué, je n'ai pas pu apprécier l'histoire à sa juste valeur).

Hunger Games : La Révolte, partie 2 (2015) - Francis Lawrence

Tout ça pour ça ! Alors que j'avais apprécié le premier, que le deuxième n'était qu'une redite en plus d'être une bande-annonce du 3ème et que celui-ci n'était qu'une bande-annonce pour ce dernier, j'espérais au moins une conclusion un minimum intéressante, c'est raté !

Ce qui me gave, c'est que je me me suis plus emmerdé que dans la première partie qui était censée être une exposition de 2h, présenter les enjeux finaux, etc. Cette dernière partie consiste en fait à 80% de Katniss et ses copains qui marchent vers le Capitole en évitant les pièges qui se dressent sur leur chemin (idée intéressante mais très mal exploitée, sur l'hologramme on a l'impression qu'il y a un piège tous les 10 mètres et ils tombent sur 3 ou 4 de tout le film), 10% de blabla et de Peeta qui dit une fois qu'il est dangereux, qu'il faut le buter et l'instant d'après qui s'apitoie sur son sort et 10% d'action...ou plutôt d'un semblant d'action.

Parce que l'action il faut bien la chercher hein, y'en a un peu dans la dernière demi-heure, y'a la séquence avec le pétrole et l'attaque des mutants dans les égouts (d'ailleurs quelle idée de passer par les égouts...), c'est tout !

En plus Katniss n'arrête pas de chouiner, moins que dans la première partie certes (déjà heureux !), mais c'est quand même pénible...surtout que Jennifer Lawrence commence sérieusement à me sortir par les trous de nez ! Son personnage est en plus censé être le héros central de l'histoire mais elle prend une seule décision importante de tout le film, tout à la fin (un choix important vous me direz) et ça se voit tellement venir à des kilomètres que ce n'est même plus jouissif.

J'appréciais la présence de Woody Harrelson et de Donald Sutherland dans la série car, même mal dirigés, il apportaient quelque chose à leurs personnages respectifs, dans cette dernière partie je n'ai même pas pu m'appuyer là-dessus car leur temps de présence à l''écran est très limité pour l'un comme pour l'autre (je ne parlerai même pas de Julianne Moore qui vient à nouveau cachetonner).

Bref c'est décevant, c'est vraiment dommage car ça fourmillait de bonnes idées, le premier film était prometteur mais ça se casse la figure par la suite...au moins le deuxième Divergente m'avait fait rire par sa stupidité !

Shotgun Stories (2008) - Jeff Nichols

Alors que je ronge fébrilement mon frein en attendant la sortie de Midnight Special en Suisse romande, j'ai décidé de me lancer dans la (courte) filmographie de Jeff Nichols dont j'entends le plus grand bien depuis pas mal de temps sans jamais avoir vu une seule de ses réalisations.

Production à très petit budget, Shotgun Stories est le premier essai du grand réalisateur en devenir qu'est Nichols et présente un des thèmes qu'il affectionne particulièrement : le rapport à la famille et un certain goût pour la contemplation que ne renierait pas le Malick de ses premières années (un petit air de La Balade Sauvage se ressent d'ailleurs dans le film).

Le pitch est assez simple : 3 hommes (Son, Kid et Boy) apprennent la mort de leur père qui les a abandonné depuis longtemps. A son enterrement, Son (Michael Shannon) vient dire ses 4 vérités et tout le mal qu'il pensait de son père à la fratrie issu du mariage de leur père avec une nouvelle épouse. Il débute alors un conflit très violent entre les deux fratries ennemies.

J'ai beau reconnaître une beauté formelle certaine du film, des paysages de l'Arkansas rural sublimés par la réalisation de Nichols, j'ai eu de la peine à entrer dans le film, probablement en raison d'un problème de rythme (le film met passablement de temps à se mettre véritablement en route).

C'est un film véritablement violent mais Nichols fait passer cette violence au second plan (aucune mort n'est montrée explicitement), préférant se concentrer sur les personnages ayant chacun une personnalité propre. Il filme ce qu'ils sont, mais surtout ce qu'ils ne sont pas et auraient pu (ou auraient dû) être : Son aurait pu faire de grande études car on apprend qu'il est très intelligent et doués avec les chiffres, Boy aurait pu être un grand entraîneur de Basket mais il se contente d'élaborer des stratégies pour les jeunes du quartier et Kid aurait pu vivre une vie heureuse avec sa petite amie si les circonstances avaient été différentes...

On pourra éventuellement déceler dans le film un discours sur les armes à feu, c'est en effet à partir du moment où des fusils entrent en jeu qu'il n'y a plus aucun victime et que les deux clans décident de faire la paix, j'ai trouvé cet aspect intéressant mais il arrive vraiment tard.

Bref une petite déception vu les attentes que j'avais mais je ne perds en tout cas pas espoir pour le suite car Nichols a déjà montré, dès son premier film, qu'il savait faire quelque chose avec une caméra.

Take Shelter (2012) - Jeff Nichols

Ce n'est véritablement qu'avec Take Shelter que Jeff Nichols se fait connaître. Vainqueur du Grand Prix de la Semaine de la Critique à Cannes, son deuxième long métrage reprend la thématique de la famille pour la transposer dans un drame teinté de fantastique.

Le film relate la vie d'un couple et de leur fille, atteinte de surdité, qui va basculer quand le père (Michael Shannon) va se mettre à faire des rêves inquiétants incluant des tornades et des personnes le mettant en danger lui et sa famille.

Atteint de paranoïa, il se met alors dans l'esprit qu'une tempête va arriver et décide d'agrandir l'abri anti-tornade situé dans le jardin, quitte à y laisser toutes ses économies.

L'exercice du deuxième film n'est jamais simple et pourtant, Jeff Nichols s'en sort avec une maestria à couper le souffle.

Cela passe bien entendu par sa réalisation, encore sublimée par rapport à son premier film, toujours très horizontale et utilisant à merveille le format 2.35. Il y a toujours cette propension du réalisateur à filmer les paysages, renforcée ici par ces visions apocalyptiques des gigantesques tornades à l'horizon (la dernière séquence du film est d'une beauté folle !).

Michael Shannon nous livre certainement ici un de ses meilleurs rôles, bouleversant dans la peau de ce père qui se voit prendre le même chemin que sa mère (elle-même ayant été internée pour troubles mentaux quand elle avait son âge) sans pouvoir lutter. Jessica Chastain n'est pas en reste alors que c'est à elle de gérer les crises de son mari, son personnage est touchant et très bien écrit.

Take Shelter est un grand film et la confirmation du génie de Jeff Nichols, décidément promis à une grande carrière. Sachant user de ses références (ici Spielberg n'est jamais loin) tout en s'en émancipant, le réalisateur arkansasais se forge son propre style, ses propres thématiques et s'affirme comme un véritable auteur du cinéma américain.

Mud : Sur les rives du Mississippi (2013) - Jeff Nichols

Après un petit détour par l'Ohio, Jeff Nichols revient dans son Arkansas natale et fait de deux jeunes garçons (Tye Sheridan et Jacob Lofland) les personnages principaux de Mud : Sur les rives du Mississippi, parfaitement épaulés par un grand Matthew McConaughey qui vit alors une véritable renaissance avec ses rôles remarqués dans La Défense Lincoln et Killer Joe.

Comme son nom le laisse supposer, l'histoire se passe dans un petit village de pêcheurs sur les rives du Mississippi. Deux enfants vont tomber sur Mud, un homme réfugié sur une île au beau milieu du fleuve.

Celui-ci demande l'aide des deux garçons afin de pouvoir se construire un bateau et quitter l'île avec Juniper (Reese Witherspoon), la femme de sa vie. Les deux garçons apprendront par la suite que Mud a tué un homme qui faisait des avances à Juniper et que la famille de la victime est à sa recherche afin de se venger.

Mud est peut-être le film le plus contemplatif de Nichols, peut-être le plus beau, celui qui se rapproche le plus de La Balade Sauvage de son idole de toujours. A mi-chemin entre le drame et la romance, Mud est une vraie aventure humaine, une sorte de Robinson Crusoé moderne.

A nouveau, Nichols fait preuve d'un véritable talent pour sublimer ses plans, il rend vraiment hommage à la beauté sauvage du Mississippi qui est véritablement un personnage à part entière du récit.

Mud est également l'occasion pour le réalisateur de s'essayer à d'autres registres comme celui de la fusillade finale, maîtrisée mais peut-être too much vu le ton du film.

S'il n'est pas autant mémorable que Take Shelter, Mud reste à coup sûr dans la continuité du travail de son auteur...un véritable émerveillement de chaque instant.

J'attends désormais avec impatience son Midnight Special, première incursion de Jeff Nichols dans la science-fiction et qui a été chaleureusement accueilli par la critique lors de sa sortie française.

Le Voyage d'Arlo (2015) - Peter Sohn

Même pas 6 mois après Vice-versa, Pixar nous sort à nouveau un long-métrage d'animation original qui nous raconte ce qu'il se serait passé si la comète qui a provoqué l'extinction des dinosaures il y a 65 millions d'années avait manqué la Terre.

L'histoire se concentre sur Arlo, un apatosaure plus petit que la moyenne et très peureux qui du jour au lendemain va perdre son père et se faire emporter lui-même par un torrent bien loin de chez lui.

Il va alors rencontrer Spot, un petit garçon des cavernes orphelin qui venait souvent voler du maïs et qui va l'aider à retrouver son chemin.

Tout cela vous semble familier ? Et bien le problème est exactement là : alors que le concept était plutôt prometteur sur le papier, le film n'est finalement qu'un récit initiatique comme on en a déjà vu par camions entiers auparavant.

Pourtant, j'ai bien aimé l'idée d'inverser les rôles : les dinosaures sont les humains, les humains sont les chiens, les méchants sont plutôt gentils, etc. Mais l'idée aurait pu être poussée encore plus loin car le reste du film est plat et pas vraiment intéressant.

Alors certes le film est une claque technique, on atteint un niveau de photo-réalisme que je n'avais encore jamais vu, mais la direction artistique et le character design ne suivent pas (voir ces dinosaures très typés cartoon dans des décors si réalistes ça fait vraiment très bizarre, Spot est mieux réussi à ce niveau).

Avec Vice-versa qui avait été un gros coup de cœur, je pensais que Pixar allait repartir pour un nouvel "âge d'or". Il s'avère que Le Voyage d'Arlo ne tient pas vraiment ses promesses et que je l'aurai certainement oublié d'ici quelques jours. C'est d'ailleurs triste en y pensant car il s'agissait du dernier film original du studio avant un long moment (j'attends quand même beaucoup la suite des Indestructibles mais ce sera en 2019)...

Monsters (2010) - Gareth Edwards

Godzilla m'avait déçu, énormément déçu lors de sa sortie il y a 2 ans, le film n'étant clairement pas à la hauteur de ce qu'annonçaient les différents trailers. Maintenant que Gareth Edwards s'est malheureusement complètement laissé engloutir par la machine hollywoodienne (il réalisera le premier spin-off de Star Wars), je me suis décidé à regarder son premier long-métrage, le seul sur lequel il ait eut une liberté artistique totale.

Et je dois bien avouer que c'est une petite claque ! Le pitch est assez simple mais c'est ce qui fera toute sa force : un homme et chargé de ramener une femme du Mexique aux Etats-Unis alors qu'une grande partie du pays est mis en quarantaine à cause d'une invasion extra-terrestre. Réunis un peu malgré eux, ils vont rapidement se prendre d'affection l'un pour l'autre.

Et ça là toute la beauté du film, voir ces deux personnages hyper attachants, très simples mais sans être clichés, rigoler ensemble, pleurer ensemble. Le film lorgne bien entendu vers la science-fiction avec ces fameuses créatures (ces "Monsters") qui rôdent un peu partout mais ce n'est finalement qu'un prétexte pour réunir les deux personnages et ce n'est pas plus mal. On ne voit finalement que très peu les envahisseurs mais qu'importe, leur présence est ressentie tout du long et ça nous permet un final dans une station-service de toute beauté.

Le film est très humain, très beau, on ne lâche que rarement les protagonistes et tout est présenté de leur point de vue (avec cette manière de filmer les créatures à hauteur d'homme, point qui était d'ailleurs un des seuls points forts de Godzilla).

Un très beau moment avec des très beaux personnages de cinéma, malheureusement on risque de ne plus jamais avoir un film de ce calibre de la part de Edwards désormais.

La 5ème Vague (2016) - Jonathan Blakeson

Je ne sais pas ce qu'il m'a prit...mais j'ai été faible mes frères et sœurs, faible de m'être résolu à visionner ce film dont je savais que tout allait être pourri du début à la fin mais également faible d'avoir osé croire pendant les 5 premières minutes que peut-être ça n'allait pas être si affreux.

Parce que oui, durant ces 5 premières minutes je me suis dit "tiens, un survival avec Chloë Moretz, why not ?", puis est venue la suite.

Oui car tout le reste c'est un enchaînement de tout ce qui est insupportable dans ces films tirés de la littérature pour jeunesse : on prend un héroïne forte qui a perdu des proches, on fout un triangle amoureux, on fait prendre aux personnages toutes les décisions les plus connes possibles (la scène du bus quand elle va chercher l'ours en peluche à son petit frère m'a fait halluciner), à croire que ça ne gêne pas les spectateurs de laisser leur intelligence se faire insulter de la sorte...

J'ai eu le même genre de fou-rire que j'avais eu dans Divergente 2, comme par exemple quand je me suis dit dès que le "beau gosse" de l'histoire est apparu "s'il nous foutent une scène où il s'exhibe torse nu devant l'héroïne je deviens violent" et que la scène en question est arrivée quelques minutes plus tard.

Sérieusement, comment peut-on s'attacher à ces personnages ? Ils sont tous faux, tous cons et ne survivent uniquement car le scénario le veut (scénario d'ailleurs écrit par Akiva Goldsman qui avait commis Un Amour d'Hiver, un des plus gros navets atomiques de ces dernières années).

Même les effets-spéciaux sont à la ramasse : cette vague numérique qui détruit cette ville numérique, je n'en avais pas vu d'aussi moche depuis Meurs un Autre Jour, et c'était en 2002 !

A la limite on pourra accorder au film une réalisation correcte et assez lisible (en attendant il ne se passe pas souvent grand-chose donc bon...) et un minimum de travail sur la photographie mais sérieusement faudrait vraiment arrêter avec ces adaptations de livres dont tout le monde se fout...déjà qu'on doit supporter tous les films de super-héros !

Agents très spéciaux : Code U.N.C.L.E (2015) - Guy Ritchie

Autant le dire tout de suite : je ne suis pas un grand fan de Guy Ritchie, je le trouve extrêmement sur-estimé et ses "classiques" Snatch et Arnaques, crimes et botanique que l'on m'avait très bien venu m'ont les deux laissés de marbre. J'avais néanmoins bien apprécié son premier Sherlock Holmes (un peu moins le second) et je me demandais si le réalisateur anglais allait réussir à me surprendre avec sa dernière réalisation, un film d'espionnage en pleine guerre froide.

Ça c'est le pitch de départ, un espion américain et un espion russe qui vont devoir s'allier contre un ennemi commun qui est en train de construire une bombe atomique en cachette. Rien de bien original vous en conviendrez, pourtant, dans l'ensemble, j'ai plutôt apprécié le résultat.

Alors attention, ce n'est clairement pas le film du siècle, tout est trop bancal et les personnages sont tous bien clichés comme il le faut (mention à la grande méchante du film qui, de surcroît, surjoue au possible), sans parler de la réalisation toujours assez insipide de Guy Ritchie (dont certains combats au corps-à-corps illisibles). Le fait est que je ne me suis pas vraiment ennuyé. J'ai trouvé l'humour assez bien amené, sans être trop lourd, une histoire d'amour se profile entre deux personnages mais elle est à chaque fois désamorcée et on évite de tomber dans le niais.

Comme souvent avec Ritchie ça reste du sous-Tarantino, très convenu, prévisible et ça ne décolle jamais vraiment assez pour marquer. Il n'en reste pas moins que Agents très spéciaux : Code U.N.C.L.E remplit assez bien son rôle de divertissement. Dans le même genre, je lui ai quand même préféré Kingsman de Matthew Vaughn sorti un peu plus tôt dans l'année.

10 Cloverfield Lane (2016) - Dan Trachtenberg

Sortie un peu de nulle part, la suite (plutôt une suite spirituelle) du Cloverfield de Matt Reeves (qui n'était pas extraordinaire) a été annoncé peu de temps avant sa sortie et a tout de suite joué la carte du mystère, on se savait pas vraiment de quoi il en retournait. Vendu comme "film produit par J.J. Abrams" (dont le nom doit faire mouiller bien du monde depuis Star Wars VII), 10 Cloverfield Lane est en fait la première grosse réalisation de Dan Trachtenberg qui avait fait parler de lui en 2011 avec son court métrage sur Portal.

Le film est un huis-clos, on a une brève exposition pas forcément nécessaire puis le personnage joué par Mary Elizabeth Winstead se réveille dans une sorte de cave après un accident de voiture. Son "sauveur" (John Goodman) lui annonce qu'il y a eu une attaque et que l'air dehors est devenu irrespirable, ils sont donc condamnés à rester dans leur abri jusqu'à nouvel ordre...

J'ai plutôt bien aimé toute la partie huis-clos, on ne sait pas trop où on est, on découvre tout ce qu'il se passe en même temps que Mary Elizabeth Winsted, on se demande si on peut faire confiance au personnage de John Goodman ou non...

A défaut d'être vraiment anxiogène, toute cette partie dans l'abri est plutôt réussi, le rythme est maîtrisé et les personnages sont intéressants (même si celui de John Goodman n'est pas très bien écrit, il est assez caricatural malgré des efforts pour le rendre ambigu).

Le film aurait été vraiment bon s'il s'était contenté de ce huis clos, malheureusement, le dernier quart d'heure part un peu dans le n'importe quoi avec une invasion extra-terrestre qui jure complètement avec le ton du film jusque-là. J'imagine bien que ça a été mis là pour faire le lien avec Cloverfield premier du nom mais le film y aurait vraiment gagné à ne rien montrer, à nous laisser nous demander jusqu'à la fin quel est le danger, s'il est réel (un peu à la manière d'un Projet Blair Witch). Ici, on a une sorte de réminiscence de la Guerre des Mondes mais sans le génie de Spielberg derrière.

Pour un film dont je n'attendais absolument rien c'est plutôt pas mal et, surtout, c'est mieux que le premier Cloverfield. Maintenant, j'ai quand même peur qu'il y ait une suite (ce que la fin laisse envisager) car ça risque de basculer dans de l'action débile et de revenir vers le premier film et ça c'est nul !

Captain America : Civil War (2016)

2016-05-02T22:19:00.001+02:00

Titre : Captain America: Civil War

Date de sortie française : 27 avril 2016

Réalisateurs : Anthony et Joe Russo

Scénario : Christopher Markus et Stephen McFeely d'après les comics de Mark Millar et les personnages créés par Joe Simon et Jack Kirby

Directeur de la photographie : Trent Opaloch

Montage : Jeffrey Ford et Matthew Schmidt

Musique : Henry Jackman

Durée : 2h27

Avec : Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany, Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Tom Holland, Daniel Brühl

Synopsis : Captain America : Civil War reprend là où Avengers : l'ère d'Ultron se terminait. Steve Rogers a pris désormais la tête des Avengers, bien décidé à redoubler d’efforts pour protéger le monde. Toutefois, après leur implication dans un nouvel incident aux dommages collatéraux considérables, la pression politique monte pour mettre en place un système délimitant leurs champs d’action et une instance dirigeante à même de pouvoir déterminer quand vraiment faire appel aux Avengers. Cette nouvelle dynamique que l’on exige d’eux créé des tensions au sein de l’équipe, alors même qu’elle s’efforce de contrer une menace aussi impitoyable qu’inédite…(Source : Premiere.fr)

Mon avis

Oyez, oyez braves gens ! Le Marvel nouveau est arrivé et comme à leur habitude ils nous avaient promis monts et merveilles concernant cette "guerre civile" qui serait apparemment un événement très important dans les comics (que je ne lis pas). Mais avant de revenir sur cette cuvée 2016 du Capitaine au costume le plus ridicule des Etats-Unis, je souhaitais revenir un poil sur mon ressenti envers les deux précédents opus dédiés à Steve Rogers.

Captain America: First Avenger était sorti durant la phase 1 du MCU, à une époque où les têtes pensantes de chez Disney/Marvel confiaient encore leurs films à des réalisateurs qui, sans être non plus les plus grands auteurs du siècle, avaient une certaine vision de cinéma qui arrivait à ressortir malgré le lourd cahier des charges imposé par les studios. Jon Favreau avait réussi un très bon premier Iron Man, Kenneth Branagh avait fait de toute la partie asgardienne de Thor une tragédie shakespearienne très intéressante et finalement, Joe Johnston était arrivé avec son Captain America premier du nom que j'avais vraiment aimé.

Cependant, par la suite, la machine s'est enrayée et Captain America: Le Soldat de l'Hiver était à l'image de la quasi-totalité de la Phase 2 (qui ne compte qu'un seul bon film : Les Gardiens de la Galaxie et un Ant-Man correct grâce au travail de Edgar Wright) : un film con, chiant, moche réalisé par des Yes-Men qui respectent sans broncher le cahier des charges de plus en plus lourd de Kevin Feige et consorts.

Le travail des frères Russo avait plu, pour des raisons qui m'échappent totalement, au grand public et aux critiques et ils ont donc été reconduit pour réaliser ce fameux Captain America : Civil War qui nous intéresse aujourd'hui.

Le film se passe dans la continuité du très mauvais Avengers 2 (dont je parle ici), Steve Rogers (Chris Evans) est à la tête des Avengers et, suite à un nouveau flop au Nigeria qui cause la mort de plusieurs innocents, l'ONU décide de ratifier un traité qui limite la liberté d'action des Avengers qui seront donc maintenant chapeautés par le gouvernement.

Tony Stark (Robert Downey Jr.) accepte de signer mais pas Rogers qui ne peut accepter de voir des gens mourir sans réagir. Ces divergences d'opinion vont mener à la création de deux "clans", l'un suivant Iron Man et l'autre se ralliant à Captain America.

Enfin, tout ça c'est sur le papier...car ce qui se présentait comme une lutte idéologique entre les protagonistes principaux n'est finalement qu'une querelle qui aurait pu être facilement évitée si les personnages avaient discuté un peu entre eux.

L'idéologie en soi est d'ailleurs très douteuse, Captain America refuse en quelque sorte que l'on modère ses élans interventionnistes et jamais le film ne remet ça en question car il tourne autour de lui et que celui-ci est prétendument "bien intentionné".

Voici donc le point de départ d'un film qui s'apparentera à une longue purge dénuée de tous enjeux et réalisée avec les pieds, s'inscrivant totalement dans ce que Marvel fait depuis le début de la Phase 2.

Les Russo, réalisateurs de sitcom rappelons-le, sont de retour à la barre et ça se ressent : le film n'est qu'un enchaînement de phases de dialogues platement filmées en champ-contrechamp et de scènes d'action complètement illisibles et montées n'importe comment. C'est d'autant plus dommageable quand on sait que, parmi la seconde équipe responsable des séquences d'action, on trouve Chad Stahelski et David Leitch qui avaient montré qu'ils n'étaient pas des manches avec le jouissif John Wick mais dont le travail a probablement été détruit par le montage complètement à la ramasse.

Toute la séquence au Nigéria est symptomatique, c'est du gros n'importe quoi avec du shakycam dégueulasse et du sur-découpage. Quand on veut faire du Paul Greengrass mais qu'on n'a pas le talent nécessaire, on s'abstient !

Comme je l'ai mentionné, cette "guerre idéologique" n'en est finalement pas une puisque ce qui va réellement séparer les deux camps c'est le personnage de Bucky (Sebastian Stan), toujours inintéressant au demeurant, que le clan à Tony Stark cherche à arrêter et que celui à Rogers tente de protéger. Du coup, difficile de construire des enjeux passionnants lorsque le personnage qui est au centre du "problème" n'est lui-même pas intéressant.

Finalement, toutes ces chamailleries vont mener à ce qui est vendu comme le climax du film, je veux bien entendu parler de la "fameuse" scène de l'aéroport.
Alors je veux bien que ce soit la scène la moins mal filmée du métrage mais, soyons sérieux un instant, comment est-ce possible de bander devant ce truc ? On parle quand même de 12 péquenauds qui se tapent dessus dans un aéroport entièrement vide ! Quand vous êtes devant film qui s'appelle Civil War, vous admettrez que c'est quand même un peu ridicule, surtout qu'on en est presque au point où les personnages s'excusent à chaque fois qu'ils se donnent un coup un peu trop fort.
Et puis forcément, ne vous attendez pas à voir ne serait-ce qu'un mort durant cette "guerre", jamais Marvel ne prendrait ce risque, il faudra se contenter de Rhodes qui survit à une chute de 500m avec une paralysie qui sera sûrement guérie d'ici Infinity War...

En plus de ça, vu qu'il n'y a pas d'enjeux dignes de ce nom, ce combat de l'aéroport tombe un peu comme un cheveu sur la soupe et ne va finalement pas régler grand-chose. Les enjeux sont d'ailleurs tellement insignifiants que des personnages comme Ant-Man (Paul Rudd) ou Spider-Man (Tom Holland) n'ont aucune raison de se battre si ce n'est parce qu'on leur a gentiment demandé (Spider-Man est présent parce que Tony Stark est venu le chercher chez lui et Ant-Man pareil dans le camp adverse). Hawkeye (Jeremy Renner) lui-même n'a aucune utilité si ce n'est équilibrer les deux camps.

Les personnages, parlons-en justement ; en particulier les deux petits nouveaux : Black Panther (Chadwick Boseman) et Spider-Man donc.
Si je n'ai pas grand-chose à dire sur le premier mis à part qu'il est encore un peu lisse, j'ai trouvé le tisseur assez pénible en plus d'être introduit parmi les Avengers un peu n'importe comment. Alors certes on n'atteint pas encore le niveau insupportable du Spider-Man d'Andrew Gardield, mais on est à des années-lumière de celui de Tobey Maguire, que ce soit au niveau de l'humour (qui devient vite assez lourd, surtout que les personnages sont censés se foutre sur la gueule) ou au niveau de son costume dégueulasse en CGI...Le costume des films de Sam Raimi avait bien plus de gueule et c'était il y a presque 15 ans !
Le personnage ne sert en plus pas à grand-chose, comme je l'ai dit plus haut il n'est là que parce que Tony vient le chercher et il se barre dès que la baston de l'aéroport est finie. On sent clairement qu'il a juste été foutu là-dedans par Marvel pour faire plaisir aux fans et pouvoir dire "Hey, le tisseur est de retour chez Papa !".

Le reste du casting ne vole pas bien haut non plus, Captain America est vraiment pénible à faire toujours le type "droit dans ses bottes" et à pleurnicher car il ne veut pas qu'on l'empêche de faire le bien à gauche à droite. Comme le dit Tony en début de film, j'ai souvent eu envie de lui casser les dents. Stark est d'ailleurs, étonnamment, le personnage qui est le plus raisonnable avec Vision car c'est le premier à devenir conscient que l'interventionnisme des Avengers ne peut plus continuer de la sorte.
Du côté des antagonistes, le personnage incarné par Daniel Brühl (que j'aime normalement beaucoup au demeurant) et comme tout le reste : fade. Il ne semble jamais vraiment être une réelle menace et les enjeux qui tournent autour de lui sont trop vite éclipsés pour que l'on s'y intéresse quelque peu.

Et au final alors on a quoi ? Eh bien rien, comme d'habitude chez Marvel rien n'est résolu à la fin des 2h30, de nouvelles questions se posent, on nous fait miroiter l'espoir d'une réponse dans le prochain Infinity War (avec de nouveau les Russo derrière la caméra, youpi !) qui n'arrivera certainement jamais.
Puis la fin est complètement débile de toute manière : Iron Man se bat contre Captain America et Bucky lorsqu'il découvre que c'est ce dernier qui est responsable de la mort de ses parents et que Cap' était au courant (on ne sait trop comment d'ailleurs, encore des ficelles scénaristiques made in Marvel), paies ton originalité !
On se retrouve au final au même point, ou presque, qu'au début, Rogers envoie une lettre à Stark en lui disant qu'il est toujours le bienvenu parmi les Avengers (il n'y a pas de réponse mais on sait très bien qu'il vont tous se remettre ensemble pour combattre Thanos), on a deux scènes post-générique parmi les plus bidon que le studio ait eu à nous proposer puis...rideau !

C'est désespérant, j'espérais que les Russo allaient au moins un peu s'améliorer après la catastrophe du Soldat de l'Hiver mais force est de constater que ce n'est pas le cas. Je ne vois à nouveau qu'un produit sorti du moule tout prêt de Marvel. Il n'y a aucun cinéma là-dedans, aucune mise en scène, aucun travail sur la photographie (le chef opérateur, Trent Opaloch, avait déjà "œuvré" sur Le Soldat de l'Hiver et a aussi éclairé tous les films de Neill Blomkamp qui n'ont jamais brillé par leur photo).
Et n'allez pas me sortir que tout ceci est pardonnable car c'est un "divertissement" ou bien parce que "c'est fun". Faire du divertissement n'a jamais empêché de faire de bons films, quant au côté fun on repassera, ce ne sont pas les blagues de Spider-Man et la dédramatisation made in Marvel qui vont rendre le film fun, c'est juste débile, c'est tout !

Captain America : Civil War débute donc la Phase 3 sur le même diapason que la phase précédente. Si je peux accorder au film d'être légèrement moins mauvais que l'Ère d'Ultron, on frôle toujours le néant absolu et ce n'est pas prêt de changer. Tout ça n'augure vraiment rien de bon dans l'horizon Marvel d'ici la fin de la décennie, il faudra s'armer de courage et rassembler tout notre courage pour sortir de cette tempête et abattre enfin l'ennemi ultime !

13 Hours (2016)

2016-04-06T21:09:00.001+02:00

Titre original : 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi

Date de sortie française : 30 mars 2016

Réalisateur : Michael Bay

Scénario : Chuck Hogan d'après le livre 13 Hours de Mitchell Zuckoff

Directeur de la photographie : Dion Beebe

Montage : Pietro Scalia et Calvin Wimmer

Musique : Lorne Balfe

Durée : 2h24

Avec : John Krasinski, James Badge Dale, Pablo Schreiber, David Denman, Dominic Fumusa, Max Martini, Alexia Barlier, David Costabile

Synopsis : Benghazi (Libye), 11 septembre 2012. Face à des assaillants sur-armés et bien supérieurs en nombre, six hommes ont eu le courage de tenter l’impossible. Leur combat a duré 13 heures. Ceci est une histoire vraie. (Source : Allociné)

Mon avis

Dans le paysage hollywoodien actuel, il est un réalisateur qui déchaîne les passions, qui est souvent critiqué pour ses films catégorisés comme "débiles", "beauf", "ultra patriotiques", "avec des explosions partout", j'en passe et des meilleures...je veux bien évidemment parler de Michael Bay !

Souvent traîné dans la boue mais tout aussi souvent incompris, le réalisateur californien présente pourtant un style unique, souvent imité, jamais égalé, mettant souvent l'accent sur le spectaculaire dans sa définition la plus pure. Tout chez Michael Bay est pensé pour avoir le plus d'impact visuel car contrairement à ce qu'on pourrait penser, Bay maîtrise les outils qu'il a à disposition et il sait composer un plan, souvent à base de jeu sur les échelles pour rendre ce qui est grand encore plus gigantesque.

Michael Bay, c'est surtout quelqu'un qui a parfaitement compris ce que recherchent les amateurs de gros films d'action testostéronés et ses films n'ont jamais failli à ce niveau-là. Les mauvaises langues pesteront qu'au final on se retrouve toujours avec le même film, je leur rétorquerai que c'est à ça que l'on reconnaît les auteurs hollywoodiens.

Son No Pain No Gain, histoire complètement rocambolesque inspirée de faits réels, avait déjà fait taire pas mal des détracteurs. On y retrouvait certes la folie visuelle du cinéaste mais dans un cadre complètement différent de ses Transformers ou autre Armageddon.

Cette fois-ci, Bay remet le couvert avec une autre histoire vraie, beaucoup plus sérieuse, qui s'est déroulée à Benghazi dans la nuit du 11 au 12 septembre où 6 agents d'une équipe de sécurité ont dû lutter pendant 13 heures aux assauts incessants de terroristes après que ceux-ci aient incendié une enceinte diplomatique américaine dans laquelle l'ambassadeur John Christopher Stevens a trouvé la mort.

Connaissant l'amour que porte Michael Bay à l'armée, on pouvait craindre un film faisait l'apologie du bellicisme américain, sorte de Pearl Harbor moderne. Il s'avère que les propos sont beaucoup plus nuancés que ça.

13 Hours, c'est avant tout un film de défense ; tel La Chute du Faucon Noir auquel on pense tout de suite (et qui est d'ailleurs mentionné explicitement dans le scénario), les soldats américains ne sont pas là pour tuer mais pour se maintenir en vie suffisamment de temps pour que les hautes instances du gouvernement américain daignent leur envoyer des renforts.

Cette aide d'ailleurs, il faudra attendre de longues heures avant qu'elle ne se manifeste. Le film met bien l'accent sur les failles du système hiérarchique américain, frileux à l'idée d'envoyer des gunships afin d'aider les soldats sur le terrain.

Une des grandes forces du film est son ambiance très anxiogène, Bay arrive à créer de la tension, particulièrement durant toute la seconde partie où les soldats doivent tenir leur position. Dès ce moment, le spectateur est avec les 6 agents et le stress est bien présent.
Cette proximité avec les personnages passe également par la réalisation ; filmé en grande partie caméra à l'épaule, Michael Bay restreint son cadre quand il le peut, chose assez inhabituelle chez le bonhomme plutôt habitué aux plans épiques.

Les personnages d'ailleurs, parlons-en ! Bay a fait le choix de réunir un casting d'acteurs pas forcément très connus dans le milieu du cinéma. Ce choix mérite d'être salué, surtout quand on voit qu'ils ont tous une vraie gueule ! Barbus pour la plupart, ils peuvent sembler rustres à première vue mais ils souffrent tous de l'absence de leur famille (d'ailleurs le film insiste un peu trop lourdement là-dessus, ça crée de l'empathie assez maladroitement, en témoigne ce flashback au début du film qui n'a rien à faire là).
L'habit ne fait pas le moine ! C'est un peu ce à quoi j'ai pensé durant tout le film car la question de l'apparence, de qui sont les alliés et les ennemis revient très souvent (jamais les agents ne tirent en premier, ils attendent toujours la confirmation qu'il s'agisse bien d'ennemis).
Ici également, Michael Bay apporte de la nuance dans ses propos : tout le monde se ressemble, mais tout le monde n'est pas mauvais pour autant en Lybie...

Michael Bay a toujours été un cinéaste très visuel, à l'opposé des blockbusters de super-héros récents tous grisâtres sans réel travail sur la photographie, ses films sont souvent hauts en couleurs.
13 Hours transcende encore la patte visuelle du réalisateur californien qui a choisi de travailler avec Dion Beebe, chef opérateur dont le travail incroyable sur Collateral reste encore dans toutes les mémoires
Cette collaboration accouche d'un métrage très solide d'un point de vue formel, difficile de ne pas sentir planer le spectre de Michael Mann dans la manière de filmer la ville de Benghazi comme s'il s'agissait d'un personnage à part entière.

Si le film est plutôt calme pour du Bay (à la fois au niveau du montage et des effets pyrotechniques), il est dommage que celui-ci n'ait pas tenu ça jusqu'au bout puisque la dernière partie du film, beaucoup plus bourrine, retombe dans les "travers" habituels du cinéaste (celui-ci ne peut d'ailleurs toujours pas s'empêcher de recycler des plans provenant de ses autres films, en témoigne la séquence de l'obus de mortier que l'on suit jusqu'à son impact et tirée de Pearl Harbor).

Alors que le genre du film de guerre est en claire perte de vitesse depuis quelques années, 13 Hours s'avère être une véritable surprise, une réminiscence de Black Hawk Down doté d'une puissance visuelle formidable et d'une tension parfaitement gérée par le cinéaste.
Si on peut lui reprocher des lourdeurs et une fin un peu too much, la dernière réalisation de "Mike" est une grande réussite et probablement même le meilleur film du bonhomme !

Alors que ses détracteurs prennent un malin plaisir à dénoncer son patriotisme beauf, Bay parvient à nuancer ses propos, peut-être un peu maladroitement par moment certes, mais avec une manière dont n'aurait pas été capable le dernier abruti venu.
J'en veux pour preuve un détail peut-être insignifiant mais très fort quand on connaît le style du cinéaste : là où Michael Bay prend souvent un malin plaisir à filmer glorieusement un drapeau américain flottant au vent, ici nous avons, dans l'un des derniers plans du film, un drapeau américain flottant au milieu de débris...tout un symbole !

Batman v Superman : L'Aube de la Justice

2016-03-29T20:03:00.000+02:00

Titre original : Batman v Superman: Dawn of Justice

Date de sortie française : 23 mars 2016

Réalisateur : Zack Snyder

Scénario : Chris Terrio et David S. Goyer d'après les personnages DC Comics créés par Bob Kane, Bill Finger, Jerry Siegel et Joe Shuster

Directeur de la photographie : Larry Fong

Montage : David Brenner

Musique : Junkie XL et Hans Zimmer

Durée : 2h31

Avec : Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Gal Gadot

Synopsis : Ayant peur que les actions d'un super-héros semblable à un dieu ne soient pas contrôlées, le redoutable justicier de Gotham City se confronte au Messie des temps modernes de Metropolis, alors que le monde se demande de quel sorte de héros il a vraiment besoin. Et alors que Batman et Superman sont en guerre l'un contre l'autre, une nouvelle menace surgit, mettant l'humanité face à un danger d'une ampleur sans pareil. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

ATTENTION, CET ARTICLE CONTIENT DES SPOILERS !

Deux ans et demi après son Man of Steel qui avait fort divisé (moi-même avait trouvé la première partie du film très réussie et la seconde ratée), Zack Snyder revient avec l'affrontement que tous les fans de comics attendaient, celui opposant les deux super-héros les plus populaire existant, Batman contre Superman, le justicier de Gotham contre le demi-dieu de Métropolis.

Alors que je doute de plus en plus de revoir un jour un bon film de super-héros du côté de chez Marvel (je parle par-là du MCU), j'avais l'espoir de voir avec ce Batman v Superman quelque chose de différent, loin des productions édulcorées et sans aucune prise de risque du concurrent.

Alors que les bandes-annonces en dévoilaient déjà beaucoup, je me suis un peu désintéressé du film pour ne pas risquer de connaître tous les tenants et aboutissants de ce combat épique, puis les première critiques sont tombées, descendant pratiquement en chœur le film que certains décrivent même comme la plus grande déception depuis la Menace Fantôme ! De quoi en retourne-t-il donc ?

Le film commence directement par quelque chose qui m'a gêné, le fait de remontrer l'assassinat des parents du jeune Bruce Wayne, le traumatisme qui a suivi, etc. Pourquoi ? Tout le monde connaît ça, était-il vraiment nécessaire de le remontrer une nouvelle fois ? Surtout que la scène est montrée avec ce fameux ralenti assez moche dont Snyder à l'habitude et qui rend le truc assez lourd.

Bref, passons cette première scène finalement assez insignifiante, le vrai début du film est dans la continuité directe de Man of Steel avec Bruce Wayne qui assiste, impuissant, au combat destructeur entre Superman et Zod. Cette séquence est assez intéressante dans le sens où elle permet de revoir en quelque sorte la fin de Man of Steel sous un angle beaucoup plus humain, ça permet aussi au passage à Zack Snyder de répondre aux critiques dont avait fait l'objet la fin du film précédent.

Toute cette séquence fait très 11 septembre, particulièrement ce plan où Bruce s'enfonce dans un nuage de poussières émanant d'un building effondré qui m'a froidement rappelé les images que je voyais à la télé le jour des attentats.

D'ailleurs, de manière générale, la première partie du film est plutôt convaincante. Il y a une très longue exposition, on présente les enjeux, les raisons de la tension entre Batman et Superman. C'est un Batman inédit au cinéma qu'on nous présente ici, Bruce le dit lui-même, il est "plus vieux que son père ne l'a jamais été". Il combat le crime depuis 20 ans à Gotham mais pourtant il a l'impression que rien n'a changé, les criminels courent toujours les rues.
L'annonce de Ben Affleck dans le costume du chevalier noir avait fait hurler (je faisais partie du camp des optimistes), il s'avère qu'il campe au final un excellent Batman, très imposant, très sombre. J'émettrais par contre plus de réserves quant à son interprétation de Bruce Wayne, un peu trop unilatéral à mon goût.
J'ai un peu plus de mal avec l’interprétation trop lisse de Henry Cavill, Superman ayant parfois l'air d'un gros bébé qui boude plus que d'un super-héros.

Quitte à parler des personnages, parlons de l'antagoniste principal, Lex Luthor, qui aurait vraiment pu être réussi si Jesse Eisenberg ne cabotinait pas autant. On est ici à la limite du supportable, un mélange peu raffiné de Mark Zukerberg et d'un psychopathe (n'est pas le Joker qui veut). Il y a un vrai problème de direction d'acteur à ce niveau car on sent qu'Eisenberg essaie de "voler" toutes les scènes dans lesquelles il apparaît mais ça ne réussit jamais.

Wonder Woman fait sa grande apparition au cinéma sous les traits de Gal Gadot mais son rôle ne se limite au final qu'à l'intégrer à la Justice League (et encore, on pourrait se demander pourquoi l'avoir mise en avant elle et pas les Flash ou autre Aquaman), le personnage ne sert pas à grand-chose si ce n'est servir de deus ex machina une unique fois à la fin du film.

Son arrivée est en plus accompagnée d'un thème que j'ai trouvé accrocheur sur le coup mais complètement en décalage avec le film après l'avoir ré-écouté.
La musique, d'ailleurs, est composée par Hans Zimmer (habitué du genre à force) et son "protégé" Junkie XL qui varie entre le très bon (Mad Max : Fury Road) et le très mauvais (Night Run) pour un résultat finalement assez générique et oubliable pour ma part (tout en restant bien au-dessus de ce que peut faire un Brian Tyler par exemple).

Je voudrais également revenir sur la rivalité entre Batman et Superman : je trouve que celle-ci est déjà assez mal amenée, autant je comprends que Bruce Wayne en veuille à Superman, autant la réciproque me paraît un peu tirée par les cheveux. Le pire, cependant, c'est tout de même l'événement qui va amener la réconciliation entre les deux héros, complètement foireuse...je n'expliciterai pas exactement de quoi il en retourne mais dites-vous que Batman et Superman passent de pires ennemis à meilleurs amis du monde en l'espace d'à peu près 15 secondes.

Tout ça pour mener à un combat final qui avait été salement spoilé par la bande-annonce et qui s'avère totalement foiré.
D'une part, je trouve le design de Doomsday foiré et d'autre part, Zack Snyder se lâche sur tous ses effets horribles : le filtre sépia dégueulasse, les ralentis, le découpage foireux. Il y a surtout, comme dans beaucoup des scènes d'action du film, un problème de lisibilité qui n'est en plus pas aidé par les "tics" du metteur en scène.

Au final, si le film n'est clairement pas la bouse décrite par les critiques, il manque quand même quelque chose pour en faire un très bon film de super-héros. Pourtant le film ne manque pas d'idées et Snyder a toujours ses quelques fulgurances au niveau de la réalisation mais le film est quand même plombé par un combat final qui ne tient pas ses promesses et par les lourdeurs habituelles du réalisateur.
Je retiens principalement le Batman de Ben Affleck, vraiment convaincant et les scènes de baston du Chevalier Noir, très bien chorégraphiées (même si pas toujours très lisibles, comme dit plus haut).
Je n'ai pas parlé de Jeremy Irons qui campe le nouveau Alfred car il apparaît peu mais je l'ai plutôt bien aimé : il n'est certes pas aussi badass que Alfred de Gotham (la série) mais il apparaît davantage comme un coéquipier de Bruce qui l'aide sur le terrain (depuis la Batcave) que comme un majordome.

Il n'en demeure pas moins que je préfère 1000 fois le chemin qu'emprunte l'Univers cinématographique DC à ce que fait Marvel depuis Iron Man 3 car j'y vois quand même de l'espoir : Suicide Squad m'intéresse vraiment et l'arrivée de Justice League également. Il n'est pas non plus exclu de revoir Snyder nous refaire le coup de l'excellent Watchmen à l'avenir.
Donc oui, je vous encourage tout de même à aller le voir car un flop (qui semble quand même peu probable vu l'excellent démarrage du film) donnerait finalement raison à la politique Marvel de la quantité au détriment de la qualité, la dédramatisation de chaque instant au détriment d'un univers plus sombre.
Et ça, je vous le dit, ça me ferait vraiment chier...

Deadpool (2016)

2016-02-15T17:51:00.000+01:00

Titre : Deadpool

Date de sortie française : 10 février 2016

Réalisateur : Tim Miller

Scénario : Rhett Reese et Paul Wernick d'après les personnages de Rob Liefeld et Fabian Nicieza

Directeur de la photographie : Ken Seng

Montage : Julian Clarke

Musique : Junkie XL

Durée : 1h48

Avec : Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein, T.J. Miller, Gina Carano, Brianna Hildebrand, Stefan Kapicic, Karan Soni

Synopsis : Deadpool est l’antihéros le plus atypique de l’univers Marvel. De son vrai nom Wade Wilson, cet ancien militaire des Forces Spéciales devenu mercenaire a subi une expérience hors norme qui a accéléré ses pouvoirs de guérison. Armé de nouvelles capacités et d’un humour noir survolté, celui qui est désormais Deadpool va traquer l’homme qui a bien failli anéantir sa vie. (Source : Premiere.fr)

Mon avis

En voilà un projet qui aura mis longtemps à se concrétiser ! Le plus atypique des personnages Marvel devait à l'origine être un des tout premier à avoir droit à son film, finalement il apparaîtra pour la première fois à l'écran dans le très décrié X-Men Origins: Wolverine où son traitement choqua considérablement les fans. Suite à ça, le projet est resté longtemps en stand-by, la Fox préférant se concentrer sur la franchise X-Men et ses spin-off.

Ce n'est finalement qu'en 2014, après la sortie de Days of Future Past, que la Fox confirme que le tournage va débuter, avec toujours Ryan Reynolds dans le rôle principal et Tim Miller, plutôt spécialisé dans les effets spéciaux, à la réalisation.

Difficile d'avoir échappé au phénomène Deadpool ces derniers mois. La campagne marketing très agressive, savamment orchestrée et s'axant principalement sur les réseaux sociaux, n'y est certes pas étrangère. Le film promettait un héros au plus proche des comics, à mille lieux du Deadpool muet de X-Men Origins: Wolverine. Sa classification en Rated R (interdits aux mineurs non accompagnée d'un adulte aux Etats-Unis) promettait déjà un film violent et irrévérencieux...mais est-il finalement si subversif que ça ?

Pour commencer, autant le dire tout de suite : le film est drôle ! J'ai rigolé de bon coeur à plusieurs reprises. Certes les blagues se situent souvent sous la ceinture, c'est très irrévérencieux, timbré mais je n'ai jamais trouvé ça lourd pour autant.

Les blagues qui fonctionnent le mieux sont pourtant celles qui tiennent un discours meta sur le cinéma en général, sur Marvel, sur les X-Men, sur Ryan Reynolds lui-même ou la culture geek. Dès le générique d'intro (franchement bien trouvé) on est plongé là-dedans et ça continuera pendant tout le film, les plus assidus pourront d'ailleurs s'amuser à chercher toutes les références car il y en a énormément.

Dans les comics, Deadpool a ça de particulier qu'il sait qu'il est dans une BD et ne se gêne jamais de casser le 4ème mur pour interpeller directement le lecteur. On s'attendait donc à ce que le procédé soit repris et ça n'a pas manqué.

A plusieurs reprises, le personnage se sépare de l'action pour s'adresser au public, c'est d'ailleurs lui qui raconte sa propre histoire à coups de flashbacks au milieu d'une scène d'action (qui va d'ailleurs occuper une grande partie du film). Sur cet aspect, le personnage est très bien respecté, les fans seront ravis.

Le problème, c'est que j'aime bien être surpris par un bris du quatrième mur, qu'il arrive de manière totalement inattendue, ce n'est clairement pas le cas ici puisqu'on attend justement le film pour ça. Du coup je trouve que l'effet tombe un peu à l'eau, j'aurais aimé que le personnage aille encore plus loin dans le délire pour vraiment me surprendre (pourquoi pas carrément prendre la place du réalisateur à un moment donné, ça aurait pu être génial !).

Cependant, on a beau rire, le film peine quand même à cacher un scénario on ne peut plus classique et calibré. On nous ressort donc l'inévitable "origin story" via un montage alterné raconté par le principal intéressé en plein milieu d'une scène d'action. Ils auraient vraiment pu s'en passer car quand je vais voir un film Deadpool, je veux voir Deadpool, pas l'histoire du comment le mec sous le masque est devenu Deadpool, d'autant plus que le film ne dure "que" 1h50 pour, au final, pas grand chose.
Le reste du scénario est tout autant convenu que n'importe quelle production Marvel récente avec un méchant qui tire des têtes de méchant et un combat final inintéressant. L'enjeu même du film est du réchauffé avec l'enlèvement de la copine du héros qu'il devra sauver des mains du méchant, c'est du vu et revu, même les blagues peinent à cacher le manque d'idées.

Tim Miller ne s'en sort pas trop mal niveau réalisation, il y a quelques bonnes idées lors de la scène sur l'autoroute et l'action est plutôt lisible (à ce niveau on est bien au-dessus du niveau abyssal des frères Russo par exemple). Par contre, il est fâcheux de constater à nouveau une absence totale de photographie, tout est complètement fade et rien ne démarque le film de n'importe quelle production Disney-Marvel récente (chez la Fox ils ont pourtant la chance d'avoir Bryan Singer qui fait vraiment de l'excellent travail sur la franchise X-Men).
Quand on a un personnage aussi taré que Deadpool, on serait en droit d'avoir un film qui tente des choses folles visuellement mais ce n'est clairement pas le cas. Le même constat se fait d'ailleurs pour le scénario, le caractère du personnage donnait une occasion presque unique de faire un truc complètement subversif, qui casserait les codes du genre mais bien évidemment, ça attirerait moins les gens et ça ne serait du tout du goût de la Fox...

Finalement, je pense que la meilleure manière de résumer Deadpool serait un film complètement classique et formaté avec un personnage timbré et des vannes à gauche à droite qui, même si elles font souvent mouche, peinent tout de même à cacher un vide certain. Non, Deadpool n'est pas le film subversif que l'on aurait pu attendre mais pourtant il ne manque pas de qualités, je le comparerais à cet égard un peu à Ant-Man qui bénéficiait grandement des idées de Edgar Wright mais qui restait un film ô combien classique dans sa forme et dans son fond.

Cela ne m'empêche cependant pas d'attendre la suite (déjà confirmée) qui sera débarrassée de cette origin story inintéressante et qui pourrait enfin proposer quelque chose de frais, à condition de trouver un réalisateur adéquat et que la Fox accepte de prendre certains risques.

The Revenant (2016)

2016-01-31T15:41:00.003+01:00

Titre : The Revenant

Date de sortie française : 24 février 2016 (27 janvier en Suisse romande)

Réalisateur : Alejandro Gonzáles Iñárritu

Scénario : Mark L. Smith et Alejandro Gonzáles Iñárritu (basé en partie sur le roman de Michael Punke)

Directeur de la photographie : Emmanuel Lubezki

Montage : Stephen Mirrione

Musique : Alva Noto et Ryuichi Sakamoto

Durée : 2h36

Avec : Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge

Synopsis : Dans une Amérique profondément sauvage, Hugh Glass, un trappeur, est attaqué par un ours et grièvement blessé. Abandonné par ses équipiers, il est laissé pour mort. Mais Glass refuse de mourir. Seul, armé de sa volonté et porté par l’amour qu’il voue à sa femme et à leur fils, Glass entreprend un voyage de plus de 300 km dans un environnement hostile, sur la piste de l’homme qui l’a trahi. Sa soif de vengeance va se transformer en une lutte héroïque pour braver tous les obstacles, revenir chez lui et trouver la rédemption. (Source : Allociné)

Mon avis

Dire que j'attendais The Revenant serait se targuer d'un bel euphémisme, tant j'attendais le retour de Alejandro G. Iñárritu même pas un an après son Birdman qui m'avait déjà soufflé par sa maîtrise (j'en parlais d'ailleurs ici lors de sa sortie).

Il était donc clair que voir le réalisateur s'attaquer au western survival avec Leonardo DiCaprio et Tom Hardy au casting réveillait en moi une attente qui a enfin été comblée avec la sortie en salle du nouveau long-métrage de l'auteur mexicain.

Il faut tout d'abord rappeler que le tournage s'est étendu sur plus de 9 mois en raison de l'abnégation de Iñarritu et de son chef opérateur Emmanuel Lubezki de filmer uniquement en lumière naturelle, limitant le temps de tournage à un maximum de 1h30 par jour. Il a en plus fallu ajouter à ça les caprices de la météo et du climat en général quand ils ont été contraint de délocaliser le tournage en Amérique du Sud en raison du manque de neige au Canada malgré la saison pourtant propice.

C'est ainsi que le tournage a pris fin en août 2015 alors que le projet était déjà dans les petits papiers d'Iñarritu bien avant l'oscarisé Birdman.

Maintenant, en tant que spectateur, je vais bien entendu donner mon avis sur le produit final, ma principale crainte était surtout de voir un film beau mais vide, se rapprochant plus de l'exercice de style sans avoir grand-chose pour meubler. Verdict ?

Déception il n'y a en tout cas pas ! Je savais que le film serait beau mais là on atteint un point où chaque plan m'a donné envie de prendre une télécommande et de faire un arrêt sur image. Le mérite revient bien évidemment au réalisateur, qui tenait absolument à tourner dans ces contrées sauvages, mais également (et surtout), à la photographie à tomber par terre de Emmanuel Lubezki qui arrive toujours à capter la beauté la plus pure de chaque paysage qu'il a devant les yeux.

Le chef opérateur est décidément fait pour travailler avec des auteurs comme Alejandro G. Iñárritu ou Alfonso Cuarón, tant sa photographie se lie parfaitement au cinéma des deux réalisateurs mexicains.

Dans The Revenant, la réalisation atteint une maestria encore plus poussée que dans Birdman qui se déroulait dans un espace restreint, essentiellement constitué de couloirs et de grandes pièces. Ici, chaque long plan, chaque plan-séquence est une leçon de construction avec cette caméra qui suit les personnages et dont chaque mouvement amène un nouvel élément à l'action.

Une des premières scènes du film, où les trappeurs se font attaquer par les indiens, en est un parfait exemple : la caméra va nous emmener d'un personnage à l'autre et chercher avec nous la provenance du danger avant de s'emballer et de zigzaguer entre les arbres pendant qu'une grande partie de l'équipe est décimée par les flèches des assaillants.

Au vu des premières minutes du film, on pourrait s'attendre à un film sans aucun temps-mort, comme c'était le cas dans Birdman, il s'avère que Iñarritu prend cette fois-ci le temps de se poser et c'est ça qui fait la grande force du métrage. Les plus beaux moments sont clairement ceux où la caméra se pose, devient plus flottante et se désintéresse parfois même complètement du personnage de DiCaprio. Ces moments où on entre dans les rêves de Hugh Glass, bien que cassant un peu le rythme, sont d'excellents exemples de ce que j'entends par là. On pense ici à ce que fait Terrence Malick (principalement dans Le Nouveau Monde) où on se détache du récit pour atteindre un niveau plus mystique.
Tout ce rapport de l'homme à la nature est d'ailleurs un thème cher à Malick et est très présent dans The Revenant. La présence de Lubezki (chef opérateur de Malick depuis Le Nouveau Monde justement) à la photographie n'est certainement pas étrangère à cet élan très malickien qui ressort de certaines séquences.

Le film s'annonçait comme assez viscéral, il ne l'est finalement pas tant que ça. Il y a certes des scènes d'une violence très graphique, l'attaque de l'ours est très impressionnante et dure le temps d'un plan-séquence de plusieurs minutes, mais de manière générale on est plutôt spectateur de la survie et de la quête de vengeance de Hugh Glass dès le moment où il est laissé pour mort et que son fils est tué par un des trappeurs de son équipe, John Fitzgerald (Tom Hardy).

Survie et vengeance, c'est un peu de la sorte que l'on pourrait séparer les deux parties principales du film, avec la composante survival occupant bien le trois-quart du métrage. La partie où Glass se lance véritablement à la poursuite directe de Fitzgerald n'occupe grosso modo que la dernière demi-heure du film et je n'ai pas trouvé que c'était la plus réussie. Je pense même que le film aurait gagné à éclipser totalement cette dernière partie plus manichéenne, moins intéressante et moins belle que le reste.

Si le fait de voir Glass lutter pour avancer pendant la grande majorité du fait pourrait sembler barbant, dans les faits il s'avère que même si le film avait duré 3h, je ne me serais jamais lassé, tant la réalisation arrive à sublimer chaque séquence. De plus, l'enjeu du film n'est pas tant de savoir si Hugh Glass va arriver vivant à sa destination, ça semble évident, mais plutôt de comment il va y arriver et quels dangers il va devoir affronter.
Et tout ça fonctionne car on s'attache au personnage, on vit ses péripéties. Leonardo DiCaprio est, comme souvent, excellent et sa quantité restreinte de dialogue l'oblige à axer son jeu principalement sur le regard et son corps de manière générale.

Le reste du casting n'est pas en reste, le personnage de Tom Hardy est un connard fini mais on a de la peine à totalement le détester car ses motivations (l'argent principalement) ne sont pas dénuées de sens et font en quelque sorte écho au capitalisme moderne où les paysages tels que ceux vu dans The Revenant se font de plus en plus rare en raison de l'exploitation des ressources naturelles.

Le montage son vient apporter sa pierre à l'édifice avec une musique très présente mais sans être envahissante (bien qu'assez répétitive malheureusement). Je trouve qu'Iñarritu a parfaitement su choisir les scènes dans lesquelles la musique était importante ou non. La scène de l'ours se passe sans aucune musique par exemple, toute la séquence étant rythmée par les grognements et les hurlements, c'est viscéral...et c'est génial !
Sans rester dans les annales, la musique me sera au moins restée dans la tête de longues heures après le visionnage, principalement les quelques notes de violon qui parsèment le film d'un ton assez mélancolique.

The Revenant est une vraie expérience de cinéma, très sensorielle et belle à en tomber. C'est ce pourquoi j'attendais le film et c'est ce que j'ai reçu. Celui-ci à mes yeux encore plus abouti que Birdman et d'une maîtrise folle pratiquement du début jusqu'à la fin (encore une fois, j'émets quelques réserves sur la dernière partie).
Le film est un exemple de plus qui montre que le perfectionnisme de son auteur n'est pas une tare si le résultat est admirable de la sorte. C'est pour ça que je ne comprendrai jamais les critiques qui qualifient Alejandro G. Iñarritu de prétentieux, j'ai rarement entendu l'adjectif être utilisé pour David Fincher par exemple...

L'histoire de Hugh Glass en soi est assez extraordinaire (bien que romancée pour les besoins du cinéma, mais il n'y a que peu de documents qui relatent précisément ce qu'il a traversé) et je pense qu'il s'agit d'une de celles qu'il fallait raconter car elle raconte en plus de belles choses sur la conquête de l'ouest et sur cette nature qui perd année après année en ampleur.
Iñarritu ne s'y trompe d'ailleurs pas, en témoigne ce regard caméra final de DiCaprio qui prend le spectateur comme témoin de son aventure afin que celle-ci perdure...