Eric Waits Space

Vinyl Rules: Cocker Happy (1971)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 24 May 2013 18:38:00 +0000

La mayoria de la gente de mi generacion descubrio a Joe Cocker gracias a esa obra maestra llamada Nueve Semanas Y Media (no lo digo en coña, que conste).

El atractivo que esconde la voz de este hombre es tal, que desde entonces ha conseguido mantener una carrera que seria a todas luces mediocre, en un tono relativamente aceptable. Buena seleccion de versiones - aunque no siempre - algun hit de vez en cuando y esa maldita voz que todo lo puede.

Cocker Happy es su primer recopilatorio de alla por el año en que yo naci ... y es simplemente atomico. Sacado despues de esa obra maestra que se llama Mad Dogs and Englishmen, Cocker Happy es un must have en toda regla de un cantante por aquellos años tocado por la gracia del altisimo y que ademas, se hacia acompañar por una serie de elementos - Chris Stainton, Leon Russell ... - que igualmente se encontraban en su mejor momento.

La seleccion de temas es acojonante de principio a fin. Me hace pensar que es Joe Cocker quien deberia ir al Azkena y no Smashing Pumpkins ... je!. Solo con The Letter - el mejor tema de su carrera para mi -, la preciosa Marjorine y con la versionaza de She came in through the bathroom window ya habria para llenar diez libros. Que forma de cantar, que pasion, que fuerza, que banda mas alucinante. Todo es perfecto. Entiendo la pasion por otros grupos de la epoca, pero no puedo entender la falta de atencion hacia este hombre por parte de los que "entienden" de musica. Esto, señores, es un cañonazo. Y lo siguio siendo al menos hasta el 75. Asi que, señores, no se dejen engañar por el actual viejecito de aspecto amable. Acerquense al autentico tigre de Sheffield. Puro Steel. Creanselo.

Vinyl Rules: Blues Breakers with Eric Clapton (1966)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 18 May 2013 20:58:00 +0000

Bueno, como ya he comentado en otras ocasiones, Clapton fue mi pasion durante muchos años, y, la verdad es que atendiendo a la dignidad de grabaciones como esta no me siento en absoluto arrepentido. Si hablamos de otras épocas ya la cosa cambia.

Sin duda una de las cosas mas interesantes a la hora de seguir su carrera consiste en acercarse a su momento de mayor creatividad a traves de las multiples colaboraciones que fue emprendiendo en los últimos años 60. Entre ellas, su etapa Blues Breaker, aunque corta, no tiene desperdicio.

John Mayall, parecía destinado a descubrir guitarristas. Afanoso recuperador de clasicos del blues - que en 1966 seguramente no eran tan clasicos - siempre trato de hacerse acompañar de guitarristas de relumbron que fueran capaces de darle la brillantez merecida a las composiciones que el elegía o fabricaba. Este es seguramente su disco mas famoso y desde luego la época con la que más me identifico. Me he acercado a discos modernos y la verdad es que no consigo conectar a niveles de emocion similares a los que este disco me produjo en su dia.

Compre el disco a traves de Discoplay - sinceramente no se como me acuerdo, pero me acuerdo de la llegada mensual de mi BID - aprovechando una de esas avalanchas de ofertas que hacia la tienda a traves de esa revista que mandaban a todos sus asociados. Aunque habia una peculiaridad. El disco es de DECCA y todo eso, pero la portada es de color naranja en lugar de la mas tradicional en la que se ve a Mayall, Clapton, Mc Vie y Flint sentados y leyendo un tebeo. No me quejo, aunque la verdad es que la original mola más :-).

Musicalmente es el disco perfecto para introducirse en el UK blues rock de la epoca y en esa fase previa de la que luego saldrían bandas realmente descomunales como Led Zep o Cream. Hay momentos esplendidos como la inicial All Your Loving de Otis Rush, la ardiente Double Crossing Time que no entiendo como Clapton no recupera mas a menudo o el What I'd say de Ray Charles combinando unos bonitos teclados y un sonido plenamente psico-60s del que Clapton se alejaría paulatinamente. Esencial. Sin duda.

Vinyl Rules: The Joshua Tree (1987)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 17 May 2013 23:42:00 +0000

Me recuerdo en una terraza cercana a la calle Urgel en Barcelona. Era verano y preparábamos la fiesta de San Juan en casa de unas nuevas amigas y allí habíamos quedado para discutir bebidas y compras y quien llevaba la musica .... . Una de ellas, no recuerdo el nombre, me acerco un cassette grabado. Por fin iba a escuchar el disco del momento.

También me recuerdo en casa de otra amiga. Ibamos alli al acabar el Instituto. Marta, Jose, Sandra y yo. Eran las tardes de la MTV. Las tardes de Bon Jovi, de Gary Moore, de Rick Astley o Bananarama. También las tardes de la mejor canción nunca escrita. With or Without You. Mucha controversia. Muchas Xibecas. Muchas y buenas tardes. Escapadas a Plaza Cataluña a ver a De Kalle en los sótanos del Metro. Grandes años.

Es dificil hablar de un disco como este. Ligado a tu vida y a tus recuerdos. Aunque U2 nunca haya sido tu banda favorita. Nunca lo será. Y que más da. Cuando suena Running to Stanstill te acuerdas de aquel concierto de Madrid. Aquel en el que realmente conociste a la que hoy es tu mujer. La que marcara tu vida para siempre

También recuerdo contárselo a Arturo. Intercambiar cintas años mas tarde. Dame a Marillion. Toma a U2. Escucha Exit te va a gustar. Y si, si que te gustó.

Poco importa si U2 hoy no significa nada en lo musical. Poco importa si a lo mejor Joshua Tree no era tan bueno. Joshua Tree es un disco que forma parte de tu ADN. Esa forma nasal de cantar de Bono. Esa guitarra reverberada. Esas armonicas. Descubrimiento de America por cuatro irlandeses. Videos en Las Vegas. Todo dentro de tu cabeza. Jugando con tus neuronas. Llenando tus ojos de agua.

Recuerdos que se agolpan de manera única en tu cabeza. Como solo la música consigue hacer. Memorias que te llenan otra vez de instantes que jamas volveran pero que han configurado lo que eres hoy. Sus olores, sus sabores. Y si, hoy al hablar de Kathleen, de Arturo, de Sandra o de Marta te das cuenta una vez mas de lo importantes que han sido unos pocos determinados y pequeños momentos. De lo presente que ha estado un disco como Joshua Tree en esos momentos y de la intangible verdad que representan los sonidos para siempre ligados a todos esos instantes.

Los discos son lo que son cuando se asocian a un lugar. A un tiempo. Así significan y crecen y trascienden y agitan y emiten y señalan. Puede que no siempre sea verdad, pero puede que otras muchas veces si lo sea. Cuando lo es, es cuando la musica es lo que quiere ser. Cuando te afecta y te atrapa y esta contigo. Da igual si es Verdi o es Bono.

Escuche Joshua Tree con 16 años. No hace demasiado me hice con el LP y con él sustitui a la cinta grabada antes mencionada. Creo que nunca dejare de escucharlo. We run like the river runs to the sea ....

Vinyl Rules: Wowee Zowee (1995)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sun, 12 May 2013 19:00:00 +0000

Bueno, pues sigo alternativo y en 1995. Pavement. El grupo de Stephen Malkmus. Paradigma de todo aquello que es contrario a los clichés del rock tal y como estaba establecido. Paradigma por tanto de lo odiable para cualquier rockero straight mind vieja escuela.

Grandes cartas en los espacios dedicados a los lectores en aquelloa época. Yo mismo puedo recordarme poniendo a parir a este o aquel grupo ... antes siquiera de haberlos escuchado. Ay, la juventud.

Llegué a Pavement desde Range Life, como muchos. Su tal vez mayor exito y que RDL decidio incluir en uno de sus antes magnificos CDs recopilatorios. Correr desde ahi al indie de la clase y de ahi al mundo Pavement fue todo un suspiro.

Debo decir que Pavement me parece un disco inferior a los mucho mas enriquecedores Slanted and Enchanted, Crooked Rain Crooked Rain o incluso al posterior Brighten the Corners. Sin embargo, Zowee es el que tengo en elepé asi que .... vamos a ello. Escucharlo hoy, casi como hace 20 años (dios!) ha sido una experiencia bastante refrescante. Sigue sonandome interesante en los tiempos de My Morning Jacket y The Black Keys. Un grupo que apostaba por hacer algo diferente y que por decir algo, tendria mas que ver con los Wilco de Yankee Hotel que con cualquier propuesta actual casi - folk de los que imagino son supuestos seguidores de lo que hacía Pavement en su día.

Dejando de lado las rarezas del disco (y hay algunas), me quedo con los inicios muy Pavement en Rattled by the Rush, con momentos muy cercanos a las Donelly en Kennel District u otros mas Nirvaneros como Flux=Rad donde las influencias son mucho mas que evidentes ... aunque lo cierto es que solo habian pasado tres o cuatro años del mega-boom de Kurt y cia.

Insisto; recomendable, variado (quiza los otros discos mencionados son mas Pavement que este), experimental a ratos y, ante todo, interesante. Incluso en 2013.

Vinyl Rules: University (1995)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 10 May 2013 17:41:00 +0000

Bueno pues cambio totalmente de tercio y me meto de lleno en la era alternativa de mano de una de sus diosas mas reconocibles. Kristin Hersh y sus Throwing Muses.

Es 1995 y un servidor, que ya alternaba peligrosamente el factory y el rockdelux con el popular uno, empezó a desviarse del camino correcto de manera demasiado evidente ... :-). Una de mis adquisiciones de esa época puramente herética, fue este redondisimo disco de los Muses. University. Mejor que Limbo, por ejemplo, aunque para mi inferior a los discos que facturó Hersh sola en esa época. En especial Hips and Makers.

However, debo reconocer que para mi todo esto forma una unidad. Pixies, Muses, Breeders, Amps, Belly ... en fin todos hijos de la misma madre y, dicho sea de paso, bendita la madre y bendita herejía que te hace dejar a Texas Terri para caer en brazos de todos estos. ¿Solo yo disfruté a las Breeders hace tres o cuatro Azkenas?.

En fin, University es Kristin Hersh en estado puro - modo electrico. Temas complejos en muchos casos junto a otros de factura más folk. Un single - creo que uno de los temas mas famosos de su carerra - y alehop, a vivir bien en la epoca del Reality Bites y Wynona Ryder.

Entiendo a los que dicen que esto del indie fue un bluff. Yo, sinceramente no pienso así. Estos grupos o, mejor dicho, muchos de estos grupos dieron un punto de motivación y creatividad que sinceramente las bandas de un rock mas straight no podian aportar. Y si, claro, hubo flequillos al viento que no pasaban del rasca rasca la guitarra a ver si nos convertimos en Nirvana .... pero este no es el caso de grupos como Throwing Muses ni muchisimo menos.

De hecho, la carrera de Hersh continua con cierto interes e incluso en estos años en los que ya no se venden discos su propuesta mantiene cierta vigencia. De hecho, tal vez más vigencia que otras divas que repiten y repiten la propuesta viviendo de pasadas fiestas. No quiero decir nombres ... pero me refiero a una que empieza por T y cuyo apellido lo hace por A en particular. Mucho rollo de disco conceptual y mandangas de alto nivel, pero incapaz de dar un giro decente a su propuesta desde hace ya bastante tiempo.

Con menos ruido, Kristin esta ahi. Con sus problemas de coco. A vueltas con su madurez. Y con tipos como yo, que de vez en cuando recuerdan sus viejos discos.

Vinyl Rules: 10 from 6 (1985)

noreply@blogger.com (eric waits) — Wed, 08 May 2013 18:48:00 +0000

La primera vez que oí hablar de este disco fue en voz de Jose Antonio Abellan. Hace muchos años y antes de dedicarse al periodismo deportivo, Abellan fue locutor de los 40 principales a la vez que era presentador musical en television. Una maquina mediática vamos. Lo que hoy vendria a ser un Carlos Sobera o algo asi.

En aquellas mañanas de sabado de los 40 (aquello de 3,2 o 1 acompañando a Joaquin Luqui .... aaaaah). Jose Antonio, ademas de dedicarse a repasar aquellas listas ochenteras en las que Modern Talking convivia con Simple Minds o Whitesnake, dedicaba un rato a recomendar un disco que no debia faltar en ninguna discografia que se preciase. Entre mucho Fleetwood Mac, 10 from 6 fue uno de aquellos discos. Y, bueno, si no tienes acceso a la discografia de la banda de Paul Rodgers, cumple perfectamente su funcion. De esos discos en los que un hit sucede al siguiente y de los que a las tres escuchas todo funciona es cantable, recordable y huele a clasico para siempre.

Por supuesto es Bad Company (el disco) el que manda en la recopilacion. Can't get enough, Movin' On o Ready for Love son perfectos temas de rock americano hecho por banda inglesa. Esas guitarras de Mick Ralphs, esa omnipotente voz, ese legado de Free que se mezcla con Led Zeppelin ... en fin. Todo imprescindible. Aqui os dejo con un tema de Straight Shooter tambien incluido en el disco y que sin duda, pondrá las pilas a mas de uno. Jose Antonio Abellan, a veces, tambien tenia razon.

Vinyl Rules: Sandinista (1980)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sun, 05 May 2013 08:09:00 +0000

36 temas y un triple disco. Bonita manera de celebrar al muy famoso Daniel Ortega y su por entonces omnipresente Frente Sandinista de Liberacion Nacional. Los que sepais lo que era ver Informe Semanal los sabados antes de Sabado Cine sabreis de lo que hablo.

De los 36 yo solo puedo escuchar 32. Sandinista tiene el honor de ser el unico vinilo (uno de ellos) que un buen dia se suicido desde mi estanteria. El golpe no se cargo todo el disco, pero si arranco una pieza del tamaño de un quesito del Caserio que jamas pude reparar. No se si se puede reparar una cosa asi de hecho.

En lo musical, Sandinista nunca ha sido mi disco favorito ... por decirlo suavemente. Cuando lo adquiri mi unica referencia era London Calling y esto, no se parece demasiado. Buscaba himnos combativos y sonidos cercanos al punk y, aunque puede que aqui tambien los haya (siempre los hay con ellos), todo queda bajo ritmos bailables, reggae, sonidos caribeños, piezas a las que dificilmente se puede atribuir el sustantivo "cancion" y otras influencias puramente Clash que a mi personalmente siempre me han costado mucho. Incluso en los discos de Strummer en solitario.

Siempre hubo una cara favorita. Esa que usaba para las cintas recopilatorias para los amigos y tal. La numero 4 con Police on My Back y The Call Up. El resto del disco reconozco haberlo escuchado mucho menos y hoy, al darle otra vuelta, lamento reafirmarme en lo dicho. Sandinista esta muy lejos de otras grabaciones de los Clash en mi modesta opinion que dicho sea de paso, no es la mas informada acerca de la banda. Aun asi leo por ahi que hay quien comparo este disco con el White Album de los Beatles .... definitivamente me pierdo algo.

Vinyl Rules: After Hours (1992)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 27 Apr 2013 17:05:00 +0000

Una pena la desaparicion de Gary Moore. Tengo la sensacion de que en los ultimos años había perdido un poco el respeto de la profesión, pero este guitarrista para todo, adorador de lo más clásico y granado del blues-rock ha sido un musico como la copa de un pino al que algunos siempre tendremos presente. Reconozco que en su día, el salto sin red que fue pasar de verlo con casaca de guerrillero del XIX soltando guitarrazos irlandeses aqui y alla a verle codearse con Peter Green, Eric Clapton, Albert Collins y demás deidades del blues rock me descolocó un poco. Además, el descomunal éxito que cosechó con Still got the Blues hizo que se hiciese un poco demasiado omnipresente con la consecuente carga mediática.

Para cuando salió este After Hours el ruido se habia calmado un poco pero Gary insistió en exprimir la burra seguramente con buen criterio. El tono del disco es parecido al de Still gor the Blues quizá con más vientos y Memphis Horns. Blues rock de guitarras presentisimas, baladas que hubiesen entrado en sus discos "heavies" y mucho mucho mucho homenaje a sus, al parecer, auténticos ídolos.

El caso es que pese a los giros estilisticos en busca de un exito que solo consiguio a ratos, creo sinceramente que Moore no patinó casi nunca. Sus discos son todos dignos y eso es mucho decir con tanto vaivén. Da igual si se reencarnaba en Clapton en ese proyecto llamado BBM o si homenajeaba a Peter Green en aquel Blues for Greenie. Siempre lo hizo bien y seguramente aun le quedaba por hacer. Tal vez un disco de folk con solos de guitarra ... :-).

En fin, After Hours no cambiara tu vida, pero si te gusta Clapton, Lizzy, Alvin Lee o BB King seguro que le puedes dedicar un rato y disfrutar de esos solos interminables y ascendentes marca de la casa. Ademas, dos bonitas colaboraciones del propio BB y de Albert Collins adornan el LP en seguramente los dos mejores cortes del album. Enjoy!.

Vinyl Rules: Bring the Family (1987)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 26 Apr 2013 16:38:00 +0000

Siempre es un placer hablar de un disco como este. Debo ser el único bloguero que no le ha dedicado ya su rato, asi que ha llegado el momento de saldar cuentas.

Bring the Family es mi disco favorito de Hiatt en dura lucha con Walk On o la bendita rareza que es Crossing Muddy Waters. Mi llegada al disco como en otra infinidad de casos vino propiciada por su majestad Cesar Martin y su pasion por el disco. Eran otras epocas en el Popu y se hablaba de un tal John Hiatt que al lado de un tal John Mellencamp otro tal Tom Petty y un ultimo tal Bryan Adams (este salio rana) que formaban una serie de ya curtidos personajes que tras el monumental exito de Springsteen estaban cambiando el rock americano. Aquello formo una especie de dios + apostoles que algunos seguimos siguiendo como una religion. Puedo recordar un articulo en particular que debia ser del 88 o 89 acerca de eso que creo que me marco de por vida. Leerte aquello y buscar Bring the Family era todo uno. Jim Keltner, Nick Lowe, Ry Cooder y John Hiatt - casi casi La Liga de los Hombres Extraordinarios -, ahi es nada. El disco no estaba hecho para oidos de 15 o 16 años, pero algunos salimos añejos desde que nacemos. Inolvidable. Recuerdo una epoca en la que incluso llevaba un ferreo control acerca de los discos que mas escuchaba (freaky que era uno) y Bring the Family se disputaba los primeros puestos con Appetite for Destruction o Reckless. No era una mala terna. ¡Ay, tiempos aquellos!.

Tambien debo reconocer que siempre tuve debilidad por los temas lentos del disco. Nunca ha hecho canciones tan inspiradas - bueno en Same Old Man se acerco mucho - como el grupo que componen Lipstick Sunset, Have a Little Faith in Me, Tip of my Tongue, Stood Up o Learning How to Love You. La guitarra de Cooder, como luego hara en Little Village, suena como los angeles y es sin duda gran parte del exito de este disco.

Recuerdos muchos. Me vienen a la cabeza los desaparecidos Multicines de Granada, Benny y Joon, Have a Little Faith in Me. También el concierto de Barcelona de hace unos años. Honesto, sincero, sin hostias. Como esperas de un tio asi. En fin, un tipo de fiar. Y es verdad que su estado de forma sigue siendo magnifico. Que cojas Master of Disaster, Mystic Pinball, The Open Road ... da igual. El nivel esta ahi y es altisimo. Sin embargo, no creo que haya hecho otra cosa asi. Bring the family es un disco especial con canciones que son especiales y eso, no lo tienen todos los discos. Tal vez por eso este, esté tan cerca de ser una autentica obra maestra. No creo exagerar.

Vinyl Rules: From the Beginning (1967)

noreply@blogger.com (eric waits) — Mon, 22 Apr 2013 17:21:00 +0000

Sigo sin tiempo. Cosas de la vida. El caso es que saco hoy un poco de tiempo entre teleconferencias, llamadas y mierdas varias para darle un repaso al disco de las orejas. Si, de las orejas, porque aparte de la voz de Marriot, el rollo mod y las influencias beatle, lo que mas llama la atencion de este disco es el tamaño de los soplillos de sus integrantes. Steve, Ian o Ronnie, da igual. Siempre jugaron con ventaja en el mundo de la musica con semejantes apendices.

Bromas aparte estamos ante un disco esencial para cualquier mod que reconocera riffs wellerianos, con un disco que recuerda a los Stones de Brian Jones, un poco menos a los Beatles y de manera increible a casi cualquier grupo español de los 60 a los que empece a mirar con mucho mas respeto desde que me hice con esta pequeña joya. Composiciones inspiradas en temas propios y ajenos y una voz que previa a su transformacion en bestia salvaje del rock, suena espectacular y llena de soul a-la Sam Cooke.

Recomendabilisimo de principio a fin incluso para los que, como un servidor, eso de los mods nos toca un poco de refilon. Otro de esos discos capaces de alegrarme el dia. Desde su caratula hasta el Wat'cha gonna do about it. Un momento, Plum Nellie. Dificil ser mas 60s que eso.

Vinyl Rules: Second Coming (1994)

noreply@blogger.com (eric waits) — Thu, 11 Apr 2013 20:48:00 +0000

Estoy ultimamente hasta arriba. Bien ocupado, bien demasiado cansado como para tratar esto como se merece. En fin, cosas de la edad que diria Modestia Aparte ... gran banda. Hoy recien llegadito de Estambul, he decidido dedicarle un rato a la estanteria. Y, tatachan, los Stone Roses. Alguien se acuerda de ellos?. Uno mas en la lista de grupos britanicos a los que mas les habria valido hacer un disco un poco peor. Se vuelven locos, les hacen creer que son los proximos David Bowie y sin remedio desaparecen, se dan a los peores vicios o simplemente la cagan miserablemente con el segundo disco.

No es el caso de Stone Roses. Magnifico primer disco, igualmente magnifico segundo. El probema estuvo en el lapso de tiempo entre uno y otro. Inimaginable hoy en la era de la inmediatez. Pero antes, estos drogotillas manchesterianos tuvieron en ascuas a medio mundo durante cinco largos años hasta sacar este Second Coming.

Tarde en convencerme de lo buenos que eran. Tal vez no tan buenos. Mi amigo Alberto hizo lo posible para curarme de tanto grunge, Neil Young e indy rock ... y lo consiguio a ratos. Para cuando salio esto yo ya era fan mas o menos rendido de Song for my Sugar Spoon Sister y otras odas de clase obrera a punto de reventar a base de rave parties.

En el segundo, John Squire descubrio que podia tocar su guitarra mucho mas fuerte sobre la susurrante voz de Ian Brown. Jugada muy comun en los grupos de las islas creo. No le recuerda a nadie a lo que hicieron hace tres o cuatro años los Artctic Monkeys????. La jugada salio bien en lo musical. No tanto en lo de vender. 1994 y la gente parecia estar para otras cosas. Mala suerte para ellos. Mala suerte para nosotros tambien. Perder a un grupo con talento siempre es malo y estos lo tenian. Mucho mas que los payasos de Happy Mondays, los Inspiral Carpets, Mansun, Charlatans, Soup Dragons y tantos grupos surgidos a su sombra en la dura Madchester. Nada es eterno.

Vinyl Rules: Body Wishes (1983)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 23 Mar 2013 13:59:00 +0000

En aquellos primeros años 80 Rod salia tan a menudo en revistas de musica como lo hacia en el 10 Minutos. ¡Que capacidad la de este hombre!. Supongo que ese amarillismo unido a las tipicas producciones ochenteras, lastro su musica al punto que el descenso a los infiernos ha tenido muy pocas excepciones desde entonces.

Y es que si, es verdad que Rod tiene indudablemente una voz perfecta para cantarle a la Navidad, el ro-po-pom-pom o hacer discos de estandares versionados una y otra vez, pero tambien es cierto que el regusto final que deja en su fan "epoca buena" es el de desperdicio de un talento natural que ahora asoma con cuenta gotas.

El Rod del 83 ya apuntaba en esa direccion y, pese a la produccion de Tom Dowd, Body Wishes se apunta al carro de un par de hits, un par de temas de aire rock, baladas marca de la casa y un poco de morralla. Nada demasiado diferente a lo que se puede encontrar en discos como Camouflage o Out of Order. Vendian como rosquillas si, pero poco quedaba ya de la explosiva mezcla de rock y soul que nos habia ofrecido años atrás. Con esa voz, Rod podria haber hecho lo que hubiese querido. Desafortunadamente (no para el) decidio que era el momento de hacerse muy millonario y follar como un condenado. ¡Que tonto!.

Por cierto, ¿seria este disco en el que se fijo Jack White al crear la imageneria White Stripes?. Todo es posible, aunque el amigo Jack no reconoceria eso viniendo de un disco como Body Wishes creo. Bueno, aqui os dejo con en tema que es de lo mejor del disco - Move Me. Puro 80s FM rock. Enjoy!

Vinyl Rules: Layla and other assorted love songs (1970)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sun, 17 Mar 2013 08:30:00 +0000

Mi teoria es que Eric Clapton vivia en esa epoca en constante busqueda de reconocimiento. Una especie de ego-trip constante que le hacia saltar de banda a banda, de proyecto a proyecto tratando de demostrarle al mundo de lo que el era capaz de hacer. El objetivo era simple, visibilidad, enfrentarse a los mejores de manera constante, entrar en el club de sus propios idolos de la guitarra ...

Poco o nada queda de aquel ambicioso Clapton hoy dia. Aquel que salto de Cream a Delaney and Bonnie, de Blind Faith a Derek and the Dominos, aquel que ponia su guitarra al servicio de las grandes causas ... musicales se entiende. Hoy habria que verlo mas como una especie de funcionario de los escenarios para el que la emocion es algo totalmente ajeno.

Layla es sin duda el momento mas dulce de su carrera aunque tambien marca el inicio de una decadencia personal de la que no saldra hasta el famoso concierto del 73 en el que amigos y no tan amigos le rescatan del abuso de sustancias y su querencia al famoso speedball. Rescate fructífero al menos en lo que a las sustancias mas peligrosas se refiere, el liquido elemento le seguiria aun por bastantes años.

Layla siempre me parecio un disco redondo y equilibrado. Rodeado de ex-colegas de Delaney and Bonnie, con la presencia de Duane Allman y la produccion de Tom Dowd, poco podia fallar. temas en perfecto equilibrio. Versiones de blues, temas propios, alguna concesion a la languidez puramente Clapton que aun estaba lejana a la mojigateria que vendria despues y en definitiva uno de los grandes discos de la historia.

Algunos de mis solos favoritos de la historia estan aqui y eso ya es mucho. No solo es el riff de Layla (Duane/Eric .... hum, ¿lo sabremos algun dia?), es el impresionante solo de Have you ever loved a woman?, la version de Little Wing o el ejercicio de estilo de Key to the Highway. Realmente al alcance de muy pocos. Con todo y a pesar de ese espectaculo guitarril, el disco es compensado y con las escuchas, pequeñas joyas como Bell Bottom Blues, Tell the Truth o Keep on Growing se abren paso hasta situarse casi al mismo nivel de las anteriores. Cosas de los grandes discos. Grandes canciones, pequeñas canciones, leyendas amorosas tras los temas, productores de relumbron, portadas de impresion y hasta miembros de la banda en la carcel victimas de la esquizofrenia. Todo eso esta aqui y por eso estos discos son lo que son. Por cierto, 500 entradas para EWS. Let's celebrate!.

Vinyl Rules: Neither Fish Nor Flesh (1989)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 15 Mar 2013 17:08:00 +0000

Tras un pelotazo tran impresionante como Introducing the hardline according to .... (obra maestra absoluta y mayuscula de nuestro tiempo) era dificil afrontar un segundo disco. Terence Trent D'Arby - TTD para los amigos - salió por la tangente y decidió no repetir ni un ápice de lo hecho anteriormente. "Neither fish nor flesh (A Soundtrack of Love, Faith, Hope & Destruction)" que asi se llama el angelito, no era fácil, ni era excesivamente comercial y seguro que le costó algún disgusto con CBS. Algo que muy probablemente le obligó a moderar un poco el discurso en el siguiente y también soberbio Symphony or Damn.

TTD es (o no se si fue) un artista especial. Superdotado capaz de cantar, tocar, bailar y componer de manera excepcional. Un tipo raro que dejo su discografia en un puñado de discos que solo se pueden catalogar de buenos o muy buenos. Ni carne ni pescao es de los segundos. Un disco que necesita escuchas y que no entra a la primera. De esos en lo que de tanto estilo y matiz, parece que les falte algo de unifirmidad, pero de los que, justamente por eso, nunca te cansas de escuchar. Es una maravilla comprobar hoy otra vez (tras unas semanas de locos de aqui para alla) que el disco ha soportado perfectamente el paso del tiempo y que a pesar de los años el legado TTD sigue vivo.

Arreglos orquestales aparte, momento pseudo-Hendrix y otras rarezas flipantes, mis momentos favoritos son los que mas le acercan al soul mas clasico. Jugando a ser James Brown o Smokey Robinson. Casi a partes iguales. Como solo los mas grandes pueden hacer. Recomiendo ese sesentero I'll Be Alright, el frenético ritmo de Roly Poly o la joya de Attracted to You. Sin embargo, insisto, hay que escarbar. Es de esos discos en los que incluso esas canciones que crees que no te gustan te acabaran gustando. Es TTD. No tuvo la prensa de Prince, pero estaba casi tan grillao como él ... cambios de nombre incluidos.

El video es de mi tema favorito de Terencio, de una época muy especial para un servidor. No es de este disco, no es suya, pero me apetecia ponerla. Enjoy!. No hay mucha gente que cante asi ahi fuera.

Vinyl Rules: Led Zeppelin II (1969)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sun, 03 Mar 2013 08:45:00 +0000

Algo debia haber en el ambiente en aquellos años. El ADN codifica las caracteristicas de lo que se expresa a nivel biologico, pero es el ambiente lo que finalmente determina el fenotipo final. No creo que el ADN de los habitantes de Inglaterra fuera especialmente rico a finales de los 60. Por tanto, tuvo que ser el ambiente. El agua, el aire, la comida .... algo que hizo que esa expresión se moldeara de manera que al final los seres humanos tuvieran una predisposicion especial a la excelencia. Excelencia rockera en este caso. No puedo entender de otra manera que en tan escaso periodo de tiempo se diese tal acumulación de vocalistas, guitarristas, bajistas, bateristas, productores, organizadores de conciertos, diseñadores de portadas ... en definitiva, crear todo eso de lo que llevamos hablando, viviendo y respirando desde los últimos 40 años.

Led Zeppelin puede ser considerada la mejor banda de rock de todos los tiempos. Rock sin mas etiquetas. Desde el punto de vista que tiene a una de los mejores guitarristas de la historia - si no el mejor, a uno de los mejores vocalistas - si no el mejor, a uno de los mejores baterías - si no el mejor y a uno de los mejores bajistas - si no el mejor, estamos ante un engendro único imitado hasta la saciedad a lo largo de la historia por infinidad de grupos en muchos casos igualmente magnificos. En otros no tanto.

Me hice que Led Zeppelin II por alla por 1986/87. Creo haberlo contado en otras ocasiones. Una dependienta de discos de Galerias Preciados de Calvo Sotelo (hoy Francesc Macia) en Barcelona me regalo el disco junto a The Song Remains the Same porque su marido decia que eran demasiado ruidosos. ¿Alguien se lo puede creer?. Me cayeron del cielo dos de los mejores discos de la historia solo porque alguien penso que eran muy ruidosos. Tambien imagino porque la mujer estaba hasta las narices de ver mi careto hurgando entre las estanterias del lugar. Pero como se suele decir, el que la sigue la consigue ... aunque a veces sea cosa de suerte. Debo reconocer que el tiempo que dedique en aquellos años a II fui muy inferior al que dedique a The Song ... El atractivo de los directos y Starway to Heaven, supongo. Hoy escucho II bastante más a menudo, aunque tampoco demasiado. Siempre que lo hago me viene a la cabeza Ian Astbury. Seguro que el cabrón copió de este disco el baby baby baby con el que nos ha ido obsequiando a lo largo de los años. Disco infinito, unico, irrepetible y maravilloso. Disco en el que conviven algunos de los mejores temas del grupo, algunas de las metáforas sexuales menos sofisticadas de la historia de la música y en el que ya se ve una cierta evolución hacia lo acústico que culminara en III. Hoy el disco de la banda que mas me apetece escuchar.

Es dificil evaluar puntuar comentar un disco asi. Aqui esta Whole Lotta Love, Heartbreaker, Ramble On, Moby Dick y su solaco ... en fin, que voy a decir yo, pobre mortal. Historia pura y uno de los vinilos que mas me enorgullecen en mi mierdosa coleccion. Solo una recomendacion. Cogedlo otra vez y disfrutadlo una vez más. Es como encontrarte con un viejo amigo. De esos que son capaces de decirte las cosas a la cara. De esos que ya no haces a los 40 desafortunadamente. Enjoy.

Vinyl Rules: Mighty Like a Rose (1991)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 01 Mar 2013 18:56:00 +0000

Sigo en 1991. Años de éxito popular para The Beloved Entertainer. Tras el magnífico e irrepetible Spike se marcó este excelente aunque algo irregular Mighty Like a Rose. El disco incuye el hit The Other Side of Summer y digo hit porque esto en 1991 salía en todas las teles y programas de vídeos de la época. Un Costello muy molón, adornado con barba y muy playero para los que nos tiene acostumbrados en los ultimos años.

El disco era la combinación de temas marca de la casa, otros algo raritos, un poco de Paul McCartney - que colabora en algunos temas - y unos baladones irresitibles. Esta será la norma en éste y en los siguientes Brutal Youth y All these useless beauty.

Entre lo Paul McCartney sin duda se encuentra Harpies Bizarre ... puro Beatles. Entre los baladones la grandísima So Like Candy y la tradicional After the Fall que deberia recuperar mas a menudo. Entre lo puramente Costello la algo histérica How to be Dumb con esa forma tan peculiar de cantar de EC entre el grito y la queja. Con todo, el disco es una buena muestra de lo que Costello ofrecía en esa época. Siempre acompañado por músicos de relumbron como Marc Ribot, Benmont Tench, algún Attraction que se dejaba caer por ahi, Jim Keltner o Larry Knechtel (hay algun piano por ahi que recuerda al mismisimo Roy Bittan). Una época especialmente prolífica e inspirada para nuestro hombre.

Supongo que nunca se consideraran estos albumes a la altura de los del principio de su carrera. Este es seguramente otro Costello muy distinto al de Armed Forces, no por eso inferior y aún con capacidad intacta para crear temas que aguantarían sin problemas un combate con Pump it up o Alison. Mighty like a rose tiene varios de esos.

Vinyl Rules: Pocket Full of Kryptonite (1991)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 23 Feb 2013 10:38:00 +0000

Como una rareza en plena era alternativa. Spin Doctors parecian tener mas en comun los grupos mezcla-todo de algunos años antes que con sus coetaneos. Reescuchando es disco uno no puede sino reafirmarse en eso. Esto es mas parecido a Living Colour que a Alice in Chains. Con ellos y su rápido éxito, la aburrida teoria de la tristeza y el angst generacional se hunde una vez mas. Duraron poco pero hicieron mucho ruido, y además, eran buenísimos. Al menos lo fueron en este disco. Un poco menos en el siguiente para luego perderse por todo tipo de motivos. Aqui el grupo suena brillante y extremadamente rico en matices. No se trataba solo de pasarselo bien. Aquí hay temas muy complejos que estan asombrosamente bien desarrollados y nexos que en ocasiones recuerdan a unos Jane's Addiction con menos parafernalia y aura teologico. Pocket Full of Kryptonite es una mini obra maestra de un grupo que hoy casi nadie parece recordar.

Yo, pobre seguidor irredento de su majestad Paco Perez Brian en aquellos años no hice sino caer en sus brazos. Otras filias de Don Paco de aquellos años como Ben Folds Five me costaron más, pero aquí el flechazo fue instantáneo. Elepé que venía de nuevo y directamente de la sección de discos de Galerías Preciados (últimos años), Spin Doctors te permitia desahogarte de tanto grunge, pixieadictos, gunsn'rosicos populeros o sonicyouth-heads tan abundantes en aquellos años. Eran distintos, entretenidos, tendentes al alpiste y además, unos músicos cojonudos. Quien no haya escuchado el disco, se pierde algo bueno.

Vinyl Rules: Blue Valentine (1978)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 16 Feb 2013 19:36:00 +0000

¿Que podian tener en comun los Dead Boys, Chuck E Weiss, Blondie, Jim Morrison, Sam Shepard, Rickie Lee Jones, Janis Joplin o Tom Waits?. El mítico Tropicana Motel de LA. Hoy reemplazado por un Ramada Plaza aquello debio ser un templo a la oración y el recogimiento durante buena parte de los 70.

Blue Valentine se grabó durante los años que Tom Waits pasó allí y que más o menos abarcaron desde Small Change hasta Heartattack and Vine. Es decir, todo lo que podemos relacionar con el Tom del humo, las putas, el alcohol y los cuentos de la dura calle. Seguramente el Tom más atractivo para muchos. Sin duda el más magnético y alrededor del cual el mito se cimentó.

Blue Valentine tiene el privilegio de marcar un primer cambio de dirección serio en la carrera de Tom. Tras algunos años de aprendizaje callejero y base jazzistica, parece empezar a buscar algo diferente. Si en Closing Time fue el inicio casi folk, en The Heart of Saturday Night el cantautor nocturno, en Small Change el jazzer alcoholizado y en Nighthawks at the Diner crooner humeante ... Foreign Affairs pareció marcar cierto cansancio musical. Blue Valentine parece querer cambiar eso y con ello devolver la brillantez (si es que realmente se habia perdido) a base de inicios de musicales, retazos blues, percusiones nada estándar y el importante uso de guitarras. Si, había de nuevo historias de la noche y sonidos de ese loser adicto que para nada le era ajeno. Imagino que no se atrevió a romper de un modo tan radical con el pasado. Eso lo dejó para el 83.

El disco es una absoluta gozada. Doble carpeta con letras en el interior y foto interior archi-famosa con Tom abrazando a Rickie Lee Jones en actitud entre etilica y cariñosa con Chuck E al fondo. Dificil saber a ciencia cierta si pasaba mas tiempo con Rickie o poniendose fino de canela en compañía de Chuck E Weiss en aquellos años.

En lo musical se hace acompañar por una banda de reputados musicos de proveniencia ajena al rock y empezó el camino al cambio con descompuestas versiones de West Side Story, temas de percusion repetitiva como Red Shoes - que podrian encajar en cualquier disco posterior - y, una vez más, baladas de perdedores como nadie más sabe hacer. Es en este capítulo donde encontramos el mayor acierto. Christmas Card from a Hooker in Minneapolis. Una de las mejores canciones de toda su carrera en una historia desgarrada y conmovedora que invito a leer y escuchar una vez más a todos los que no lo hayan hecho. Seguramente hay más literatura y más realidad ahí que en cien libros en las estanterias del FNAC. Literatura puramente 70s que emparenta con Taxi Driver, con Candy's Room y con todo lo que debían ser las calles en aquella ya muy lejana America de los 70.

Romeo is bleeding parece sacada de una película de Francis Ford Coppola. El pachuco sangrante que sabe que va a morir pero que mantiene el tipo a pesar de todo. Elegancia hasta el final. Veo a Christopher Walken. Una trompeta y un contrabajo acompañan la historia. Es simplemente inmejorable.

Hay también más historia de la calle - como el simpatico vecindario descrito en la fantastica Kentucky Avenue -, entradas en el blues de manera abierta y guitarra en ristre como jamás antes lo había hecho - esos 29 dollars (and an alligator purse) -. Temas que en general debería recuperar más a menudo en directo seguramente.

De todos modos, si tuviese que elegir, el siguiente gran momento lo situaría al final. Esa asombrosa Blue Valentine. Historia fantastica de un amor pasado al que no se puede corresponder ... si es que se quiere sobrevivir. Nuevamente una pelicula en 5 minutos. Un cantado - recitado apasionante. Un solo de guitarra de Ray Crawford que parece arrancado al mejor George Benson. Un final abrumador para un disco mayúsculo que hoy parece estar de moda olvidar en las listas de lo mejor de ... Yo, sinceramente creo que es el lugar perfecto para empezar con Tom Waits. El equilibrio entre las dos grandes épocas. Un disco obligatorio de verdad. Bones, Howe did we do it?.

Vinyl Rules: Ooh Las Vegas (1990)

noreply@blogger.com (eric waits) — Fri, 15 Feb 2013 20:45:00 +0000

Ya te tiene que gustar una banda para ponerte el nombre de una de sus canciones. Eso les paso a Deacon Blue con la cancion de Steely Dan.

Los escoceses liderados por Ricky Ross proporcionaron un poco de clase a aquel pop ochentas con una discografia muy apetecible aderezada a base de Steely Dan, Van Morrison, Burt Bacharach etc...

Su obra cumbre es sin duda su disco Dignity. Una autentica maravilla de la que ya hemos hablado en el Space hace algun tiempo. Deacon Blue alcanzaron tras dos recomendables discos de estudio un nivel de produccion suficiente como para sacar un doble elepé de caras B como este, que ademas, estaba repleto de buen gusto y buenas canciones.

Es cierto que no fueron demasiadas, pero algunas bandas de aquellas dotaron de nivel aquellos poperos años ochenta a base de canciones de radio que a la vez eran lo bastante grandes como para superar el paso del tiempo. Hablaremos de algunas de ellas sin duda a lo largo de la serie.

Este Ooh Las Vegas es un disco que regale a Sister Waits hace muchos años y que al final ha quedado en mi colección. No es que sea pasable, es que es fantástico. La perfecta combinacion de voces de Ricky Ross y Lorraine McIntosh con esa elegante mezcla de influencias ponia a Deacon Blue lejos del alcance de muchas de las bandas de la epoca y seguramenta al mismo nivel de unos Blow Monkeys, Simply Red (los primeros), Curiosity killed the Cat y tantos otros buenos grupos de pop que bebían del soul o los clasicos antes mencionados. Aquí mezclando baladas, medios tiempos vanmorrisonicos, retazos de blues suavizado y, en conjunto, un compensado grupo de temas que mirado con perspectiva hubiese dado para al menos otros dos discos de gran nivel. Dadles una oportunidad, without prejudice.

Vinyl Rules: Future Games (1971)

noreply@blogger.com (eric waits) — Tue, 12 Feb 2013 19:37:00 +0000

Seguir las multiples formaciones de Fleetwood Mac es simplemente de locos. Han dado mil vueltas al "team" y no siempre por razones de tipo musical. De los inicios puramente centrados en la explosion de grupos británicos de finales de los 60 - John Mayall, Yardbirds, Cream ... - a lo que han hecho en sus ultimos años va un abismo. Habra a quien la parecera evolucion, pero lo cierto es como si hablaramos de 3 ó 4 grupos en uno. Yo siempre he preferido la formacion más clásica y exitosa formada por Mick Fleetwood, Christine McVie, Joh McVie, Stevie Nicks y Lindsay Buckingham y, aunque se que suena a herejía, nunca hice demasiado caso a discos como Mr Wonderful, Then Play On etc... Para mi Fleetwood Mac son los tios de Tusk, Rumours y esas cosas.

Me encontré con Future Games en una tienda de Boston hace unos años cuando fui a visitar a un amigo. Diez elepés unos 25 dolares y este fue uno de ellos. Musicalmente es un disco un poco raro. Ni suficientemente facil para los fans de Rhiannon, ni lo bastante cercano al blues para los que adoraran los inicios del grupo. Disco de transicion supongo.

Cuenta por primara vez con Christine McVie como miembro fijo - y se nota mucho - y con Danny Kirwan y Bob Welch a las guitarras lo que disminuye el nivel de solismo de antecesores y futuros miembros de la banda. Con todo el disco se mueve entre lo ambiental de la propia Future Games casi cercana al progresivo, temas que si recuerdan al futuro de la banda como Sands of Time, algun momento mas agresivo como Lay it All Down y temas puramente McVie como Morning Rain o la final Show me a Smile. Demasiada mezcla tal vez.

Imagino que poca gente tiene Future Games entre sus discos favoritos del grupo, yo creo que merece la pena acercarse. Siempre es curioso ver los bandazos que muchas de las macro-bandas de los 70 fueron dando a lo largo de su carrera y, en eso de los bandazos, Fleetwood Mac tiene pocos rivales. Casi tanto como en el numero de escandalos, love-affairs, cuernos y relaciones entre miembros del grupo o hermanos mas o menos putativos que se dieron a lo largo del tiempo. Aunque para poder contar eso bien, hay que estudiar.

Vinyl Rules: Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds (1992)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 09 Feb 2013 21:32:00 +0000

1991, se harta de girar, de gastar su tiempo en videos de delfines, de los temas de 10 minutos con Slash subido en la tapa de un piano, de frikadas de divo megalomaníaco .... y se las pira. Al poco, hace esto.

Todo lo que Izzy ha hecho desde entonces ya estaba en este disco. Da igual que hablemos de Miami, de 117 o del que sea. Rock basicamente stoniano, toques de garage, algo de reggae y esa sensacion de hago lo que me sale. Sin presion y sin infulas de volver a ningun estrellato en el que todo apunta a que jamas se sintió agusto.

Antes de abandonar, deja para sus ex algunos de los temas más interesantes de los Illusions y con ello ya deja a entrever hacia donde iríamos de ahora en adelante. Para sustituir a tan endiosada compañia se rodea de otros ex. Ex-Georgia Satellites, Ex-Small Faces, Ex-Faces .... las ideas estaban bastante claras. Y el resultado final también. Un disco fantástico que no puede pasar jamas de moda y que imagino que mas de uno tiene en un pedestal. Sin duda lo merece.

Parece ser que nunca quiso que el disco tuviese demasiada repercusion, aun asi recuerdo bien ver en la TV el video de Shuffle it All a menudo en aquellos años. ¿Como no rendirse ante un tema así?. Debe ser uno de esos que escucha Chris Robinson cuando piensa en que hacer al margen de los Crowes y consegir que suene autentico, interesante, añejo .... y hace bien. No hay muchos temas o discos que resulten mas inspiradores que este si de buscar clase rockera se trata. Ah y si, es un disco del año 1992. Y no, no hay aqui nada que ni remotamente suene a angustia social, ni a abatimiento generalizado, a historias de junkies arrepentidos que se quieren meter en una caja o a ninguna otra mandanga de ese tipo. Generalizar siempre fue malo con las añadas rockeras. Drogas si debió haber alguna, aunque no tengo datos de que nadie se arrepintiese de ello.

Vinyl Rules: Hindu Love Gods (1990)

noreply@blogger.com (eric waits) — Wed, 06 Feb 2013 21:40:00 +0000

REM fue un grupo de multiples intereses. Tal multiples que algunas de sus derivas no (nos) convencieron a todos. En especial la actividad de Peter Buck resultaba (y resulta aun) especialmente frenetica. No solo era parte indispensable de su grupo origen; tambien lo era de Tuatara, Minus 5, The Baseball Project o más tarde Tired Pony. Dificil seguirle la pista con tantos amigos y tantas ganas de pasarlo bien.

Hindu Love Gods no son sino otro proyecto de este estilo. REM + Warren Zevon tocando estandares de blues mas alguna version como el Rapsberry Beret de Prince Roger Nelson. Disco de esos que dan la sensacion de haberse grabado en diez minutos y donde solo el talento de los interpretes es capaz de sacarlo adelante. Esto no es un disco de blues de Eric Clapton o una de las pulidas versiones de Gary Moore. Esto es directo, inmediato y en vena. Por eso perfecto. Escuchad esa Mannish Boy y decidme si no patea el culo a la versión de los mismisimos Stones en Love you Live.

Era la época en que todos estos hacian discos como Document, Green o Sentymental Hygiene. Nada del otro mundo si eres un puto superdotado como ellos. Inalcanzable para ti si eres un miembro de un grupito de barrio. Olvídalo, esto son las ligas mayores.

Compre el elepé en discos Gong en Barcelona hace la torta de años. No se si la tienda sigue existiendo, pero en aquella época era de lo más agradable de la ciudad para ver discos, lejos del agobio de la calle Tallers y además en mitad de mi por entonces adorado Eixample. Tiempos!.

Vinyl Rules: Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band (1967)

noreply@blogger.com (eric waits) — Mon, 04 Feb 2013 20:10:00 +0000

No me enfrento a menudo a discos de este calibre. No se si es que los suelo eludir o que simplemente me da repelus (entiéndase como vergüenza ajena) escribir sin tener los datos que se presuponen minimamente necesarios al hablar de discos que se situan entre los mejores de la historia de la musica.

Entre la coleccion de vinilos hay algunos de esos, asi que sera dificil eludir la responsabilidad constantemente.

Sgt. Peppers llego a mi primero en grabacion de cassette, luego en CD grabado y finalmente como disco no hara más de 7 u 8 años. De esas veces que mini-Kathleen tiene grandes ideas y dice, te regalare un elepé de los Beatles hasta que los tengas todos ... no pasamos del tercero, pero no me quejo.

Peppers fue el primero de la lista aunque en teoria no era mi favorito del grupo. Siempre he sido bastante vulgar señalando el White Album como mi favorito seguramente seguido de Abbey Road. Hoy creo que paso de rankear tan magna obra. Es dificil de entender para todos aquellos que no tienen esta pasión musical formando parte de sus vidas, pero cosas asi son como El Quijote, como el discóbolo o como la Capilla Sixtina. Obras de arte indiscutibles que te gustan mas o menos pero que determinaron todo lo que vino después. No vale decir no me gusta. Ni siquiera no me convence.

Musicalmente está en mi opinión entre lo mas rico y variado que el grupo ofreció nunca. No creo que haya mucha conexion entre algunos de los temas, pero lo cierto es que todos son irresistibles. Es también un disco que me reafirma en mi adoracion McCartiana. Tal vez porque la belleza para mi no está en lo que brilla, sino en los pasajes que unen las partes. Y es ahí donde las composiciones de Macca - menores en principio - Getting Better, Fixing a Hole, Lovely Rita - cobran la importancia que merecen. Una forma de conjuntar discos que se puede seguir en su carrera hasta sus ultimos discos.

Es por supuesto brillante en los hits - Sgt Peppers o With a Little Help (¡que es de Ringo!) - pero es el conjunto lo irresistible. Desde la portada que al abrir te deja sin aliento al poner esa precioso trabajo ante ti. Desde los arreglos orquestales a los coros que, omnipresentes en gran parte del disco, demuestran la finura de la apuesta del grupo seguramente más influyente de la historia.

Lo he dicho otras veces, ni flores de tecnicas de grabacion y cosas asi, entiendo que en eso tambien fue esto revolucionario, pero no hace falta comprenderlo. Yo veo aqui a Elvis Costello, a Paul Weller, a Tom Waits, a los Stones, a Jeff Buckley, a Redd Kross o a Aerosmith. Ver todo eso es mucho ver viniendo de cuatro tipos de Liverpool.

Un comentario para el final. A day in the life. Un tema que de repente todo el mundo empezo a reivindicar de forma desesperada. Creo que solo detras de Helter Skelter en la lista de canciones "cool" de los Beatles. Tremendamente moderna e inspirada y una gran historia detras. Es innegable. Desgraciadamente, no soy capaz de apreciar cosas relativas a la composicion o a la importancia de los arreglos de George Martin, pero a pesar de todo, si Neil Young y Sting me la han tocado en directo, será por algo. Un tema fantastico para acabar un disco como este.

Vinyl Rules: Scarecrow (1985)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sat, 02 Feb 2013 09:03:00 +0000

No hay nada mas triste o glorioso que el cambio de papeles entre generaciones. Esa es la frase que te recibe desde la carpetilla interior de Scarecrow junto a esa dedicatoria al fallecido Speck Mellencamp. Todo es bastante reflexivo empezando desde la fabulosa portada del disco. Un John Cougar en blanco y negro que mira al suelo apoyado en una valla de espino puramente ranchera. Tractor y espantapajaros difuminados al fondo.

La creacion del personaje tiene mucho que ver con este disco. No tan masivo como The Lonesome Jubilee, pero revelador en la defensa de los valores del granjero, en su definicion como chico sencillo de campo - como sus padres y abuelos - y en la defensa de una America idealizada y muy lejana de la realidad de los politicos de la epoca. De cualquir epoca deberia decir.

Casi todos los temas son reveladores de esa forma de pensar. Solo parece relajarse al final con ROCK in the USA, pero hasta ahi pasamos por Rain on the Scarecrow, Smalltown, Justice and Independence 85 o You've got to stand for something todas clarisimas en sus referencias. A todas hay que añadir la tristeza de Between a laugh and a tear. Cancion de desesperanza y de no se que pinto aqui perdida en la discografia Mellencamp y que siempre me ha encantado. Mas de Gran Daddy que de este disco, pero magnifica encualquir caso.

Scarecrow es un precioso disco de un tipo que sigue manteniendo el nivel en 2013. Creo que jamas se ha entendido la dimension de un tipo asi en Europa. Mas alla de lo puramente musical, durante años parecio un mini-Bruce sin que nadie se diera cuenta de lo que habia detras. Supongo que es normal. Indiana pilla lejos y la macro fiesta de Bruce en aquellos momentos era demasiado golosa para dejarla escapar como reclamo. Hoy parece que cada uno esta en su sitio.

Vinyl Rules: "1965" (1998)

noreply@blogger.com (eric waits) — Sun, 27 Jan 2013 18:20:00 +0000

Afghan Whigs siempre fueron una banda diferente. Nacida en época alternativa y con algunas innegables conexiones con los grupos de la época, sus raíces estaban en el soul y en el cine, más que en las guitarras distorsionadas y los pensamientos oscuros del grunge. Sin duda una de las bandas más personales de toda aquella época y una de las que menos concesiones estuvieron dispuestos a hacer. Desde sus inicios hasta este final - al menos de momento - 1965, Dulli y sus chicos demostraron coherencia e ideas claras. Ideas tal vez demasiado sofisticadas para un seguidor de Hole, pero las suyas sin duda.

1965 es un perfecto epitafio. Dulli ya andaba presentando a los Twilight Singers y tras la decepcion comercial de Black Love no se preveía nada bueno. Caminos paralelos a Screaming Trees y Dust. Los Whigs sin embargo lanzaron un ultimo intento con una nueva discografica y ahi lo dejaron. 1965 reinicide en mucho de lo que ya ofrecía Black Love. Soul con guitarras no demasiado evidentes, coros y vientos por todos lados y un sonido tan suyo, que a la primera ya sabias ante lo que te encontrabas. Mi momento favorito seguramente es John the Baptist donde Dulli evoca a Marvin Gaye en preparación de eso que a todos nos gusta tanto. Un sonido limpio y elegante y definitivamente distante de casi todo lo que se ofrecia en aquel momento ... 1998, época de chandal.metal o como lo querais denominar.

Mi disco favorito de los Whigs siempre sera Gentlemen - más sucio y desgarrado que este - pero sin duda 1965 es una gran despedida. Ahora se han reunido y hasta hay canciones por ahi. Veremos lo que depara el futuro. Afghan Whigs al Azkena :-).