Partiamo dalla dinamica audio

Per dinamica audio o Dynamic Range si intende l’intervallo tra la minima e la massima ampiezza di un suono riprodotto o registrato in un sistema audio, senza incorrere in distorsioni.

Normalmente l’orecchio umano riesce a percepire suoni con un range dinamico intorno ai 140 db tuttavia, la percezione riguarda il range che va dal silenzio assoluto tipico della stanza anecoica a -9 db al decollo di un razzo a 180 db.

In natura si raggiungono, in realtà, valori anche più alti, ad esempio nell’eruzione del vulcano Krakatoa sono stati raggiunti i 300 db.

Ciò significa che anche se nel mondo reale il range dinamico è moolto più ampio dei 140 db, l’orecchio umano è comunque in grado di adattarsi (entro certi limiti ovviamente).

Nel mondo delle registrazioni audio, chiaramente, non è possibile sfruttare l’intera gamma dinamica esistente in natura, sia per motivi legati ai limiti fisici dei diffusori (altoparlanti, cuffie e circuiti elettronici) che pratici (inutilità in primis).

Il range dinamico era molto limitato nelle vecchie registrazioni audio analogiche su nastro.

Per questa ragione è nata l’esigenza di comprimere l’audio prima che questo fosse inciso per poi essere riespanso in fase di riproduzione:

Ingresso > Compressore / Tape/ Expander > Uscita

Anche nel Broadcasting FM è necessario adottare speciali compressori.

Questi sono chiamati limiter e servono per rimanere entro certi “paletti” e non sconfinare nelle altre stazioni adiacenti.

Difatti nelle trasmissioni FM più è ampio il segnale audio, più è ampia la variazione della frequenza radio da cui, appunto, modulazione di frequenza (Frequency Modulation).

Il circuito compressore permette di adattare range dinamici molto ampi a sistemi di registrazione e trasmissione sonori.

In altri termini è il compromesso tramite il quale è possibile trattare tutti i suoni, dal più debole al più forte evitando, al contempo, la distorsione dovuta ai limiti dinamici propri del sistema audio.

Threshold, Ratio e Gain Reduction

Il compressore è un circuito elettronico o, nel caso dei plugin, un algoritmo software che tratta un segnale audio in ingresso per ridurlo di dinamica.

Più semplicemente è un meccanismo per il controllo automatico del volume.

Come funziona?

Immaginate di dover salire sulle montagne russe!

Siete all’ingresso e per accedere dovete superare il controllo altezza che però, funziona al contrario.

I più alti di statura (oltre una determinata soglia) non possono passare!

Il controllore allora vi propone la sua soluzione: per passare dovete piegarvi così da sembrare più bassi.

I più bassi invece passano liberamente e la loro “statura” non cambia.

Nel compressore la soglia prende il nome di Threshold.

Quindi se il segnale in ingresso non supera il valore di threshold, la sua dinamica resta inalterata e viceversa, se la supera viene “schiacciato” con un determinato rapporto di compressione.

Il rapporto di compressione prende il nome di Ratio, maggiore è la ratio più netto sarà lo schiacciamento del segnale che supera il punto di Threshold.

La ratio quindi, gestisce il rapporto tra ingresso e uscita solo per i segnali che superano Threshold.

Poniamo il caso che il compressore abbia la ratio settata 4:1 e che il segnale in ingresso superi di 4 db la soglia di Threshold, significa che in uscita avrete un segnale di 1 db.

Molti compressori hanno un V-meter (strumento di misura dei db analogico o digitale) con la dicitura Gain Reduction che sta ad indicare di quanti db viene diminuito il segnale in funzione dei parametri Threshold e Ratio.

Il V-meter è molto utile per impostare il compressore efficacemente e in modo mirato in quanto ci permette di sapere se e di quanto il compressore stia processando il segnale.

Ogni compressore introduce, pertanto, una diminuzione di ampiezza del segnale durante il funzionamento.

Inoltre i compressori (non tutti) hanno un controllo chiamato Make up che fa riguadagnare i db persi in fase di compressione, quindi il make up compensa il gain reduction.

Un altro modo per rilivellare il segnale è quello di agire sul controllo di Out put del compressore.

Rilivellare il segnale in uscita dal compressore è fondamentale perchè il compressore deve agire SOLO sul range dinamico del segnale e non sul volume. Spesso infatti un suono sembra più bello semplicemente aumentandolo di volume, è facile quindi farsi ingannare perchè percependo un incremento di volume si è indotti a credere che il compressore lo stia migliorando… In realtà appunto lo sta solo alzando di volume perchè livellato male!

Attacco e Rilascio del compressore

L’attacco è il tempo in millisecondi (ms) che il compressore “attende” prima di schiacciare il segnale che supera la soglia di Threshold.

Un attacco rapido consente di comprimere segnali con transienti veloci.

Niente paura, i transienti non sono altro che variazioni molto rapide di ampiezza del segnale, come ad esempio il primo istante dei suoni impulsivi ritmici come kick, snare, hat, rimeshot, quello dei suoni pizzicati o anche consonanti e vocali in un vocal.

L’attacco difficilmente si imposta a zero perchè così facendo distruggerebbe ogni transiente risultando poco musicale.

Durante la riproduzione del materiale audio quindi, occorre settare l’attacco aumentandolo progressivamente fin quando sentirete “passare” i transienti desiderati.

Il rilascio invece, è il tempo (ms) che il compressore impiega per tornare alla fase di riposo dopo che il segnale di ingresso è sceso sotto la soglia di Threshold.

Per regolare il rilascio si procede in maniera anaologa all’attacco, l’importante è fare in modo che il compressore torni alla posizione di riposo prima del transiente successivo.

Questa è la regola da seguire ☞ i millisecondi di attacco e rilascio sono inversamente proporzionali alla velocità dei transienti dei suoni.

Pertanto i suoni dai transienti veloci si settano rapidi (pochi ms), viceversa i suoni dai transienti più lenti e meno marcati, si settano più lunghi.

Ricordate di tenere il compressore sempre “pronto” a lavorare sui transienti successivi.

Una dritta sul settaggio di attacco e rilascio

L’orecchio umano, specialmente quello poco allenato, non riesce a percepire nettamente piccoli dettagli dinamici dei suoni.

Per regolare attacco e rilascio efficacemente occorre quindi riuscire a percepire l’intervento effettivo del compressore, ecco come fare:

• Dovete abbassare al massimo la soglia di Threshold e aumentare al massimo la Ratio, ora che il compressorre è settato in questa condizione “estrema” e ben percepibile, regolate attacco e rilascio di conseguenza.
• Successivamente potete procedere a riportare Threshold e Ratio sui valori normali.

OCCHIO: regolateli in modo da “seguire e inseguire” i transienti, dovete letteralmente incastrare i tempi di attacco e rilascio con quelli dei transienti, il tutto rigorosamente a orecchio!

Limiter

Il limiter differisce da un normale compressore per il rapporto di compressione.

Tipicamente infatti, si definisce limiter un compressore il cui rapporto di compressione è uguale o superiore a 10:1

Ogni transiente del segnale che supera la soglia verrà “segato”.

Questo processo prende il nome di Peak – Limiting (limitatore di picco) e ciò significa che il segnale in uscita dal limiter non supererà mai un certa ampiezza, indipendentemente dal segnale in ingresso.

Il limiter si utilizza principalmente per 3 applicazioni:

1. Broadcasting
2. Limiting di segnale in impianti audio
3. In fase di mastering

La conseguenza del limiting di un segnale è l’incremento del valore medio di ampiezza (RMS).

Solitamente, i picchi di segnale abbassano la media nel volume percepito ma, se li limitiamo, aumenteremo tutto quello che c’è tra un transiente e il successivo quindi, l’ampiezza del segnale in media sarà più “continua” nel tempo.

Il compressor limiter è di solito l’ultimo anello della catena di mastering di un brano proprio per aumentarne il loudness.

Compressione sidechain

La compressione sidechain è una tecnica che consente di ridurre (schiacciare) il segnale che passa dentro il compressore tramite un segnale esterno di controllo.

L’ingresso sidechain, ove presente (non tutti i compressori ne sono dotati), può essere utilizzato per automatizzare la dinamica in fase di mix tuttavia, l’impiego per eccellenza è quello creativo.

Nel disco One more time dei Daft Punk, ad esempio, 2 sidechain pilotati entrambi dalla cassa schiacciano ritmicamente 2 diversi gruppi, nel primo è contenuto l’arrangiamento del brano, nel secondo il vocal.

Anche in Call on me di Eric Prydz si percepisce l’intervento del sidechain, addirittura sin dallo string iniziale.

De – esser

Il de – esser è un compressore speciale poichè riduce la gamma dinamica solo entro un certo range di frequenze prestabilite.

Solitamente il de – esser agisce tra i 2 e i 10 KHz lasciando inalterato il resto dello spettro.

In questo range sono infatti contenute le consonanti sibilanti (s, z, c, sh ed f), particolarmente risonanti e fastidiose in una registrazione audio professionale e, tra l’altro, interferiscono con gli altri suoni della gamma medio alta come hat, crash, ride.

Nel de – esser oltre a Threshold, Ratio, Attacco e Rilascio, troviamo il controllo della frequenza di intervento e del Q Factor (campanatura della larghezza di banda del filtro).

Tecnicamente parlando il de – esser è composto da un filtro che seleziona la porzione di frequenze ove sono contenute le sibilanti e le invia all’ingresso Sidechain di un compressore, quest’ultimo provvederà a schiacciare il segnale ogni qual volta il filtro intercetta una sibilante.

Usare il compressore per livellare

Molto spesso durante l’esecuzione di uno strumento musicale reale, le note sono eseguite con diverse intensità, questo accade ad esempio in una batteria, i colpi quindi hanno diversi livelli di volume.

Questo non sarebbe un problema se dovessimo ascoltare lo strumento in solo ma, sarebbe un caso più unico che raro.

Cosa accadrebbe se la stessa traccia si trovasse dentro un mix non compressa?? Semplice, verrebbe percepita soltanto nei punti più forti di volume e si perderebbero, di conseguenza, le parti più deboli.

In questo caso il compressore limita la dinamica e agisce “portando su” i suoni più deboli e limitando, al contempo, i più forti.

Questo procedimento utilizzato per trattare le dinamiche dei suoni prende il nome di livellamento infatti, riducendo la dinamica tutti i suoni vengono percepiti con un volume simile.

Stesso discorso vale per i vocal, livellare diventa fondamentale per riuscire a riconoscere tutte le parole, comprese quelle con volume più basso o sussurrate.

Per ottenere il livellamento occorre settare il compressore in modo piuttosto marcato cioè avvicinandoci quasi alla ratio del limiter, tra 6:1 e oltre.

Il threshold invece, deve essere settato in base a quanto è ampia l’escursione dinamica da trattare, solitamente si inizia a raggiungere un discreto livellamento facendo “mangiare” al compressore 4 – 6 db di gain reduction.

Attacco e rilascio dal canto loro, vanno settati abbastanza rapidi ma mantenendo sempre il sincronismo con i transienti (vedi la regola sopra).

Come sempre è fondamentale recuperare questi db persi con il make up oppure agendo sul controllo Output in modo da riguadagnare esattamente gli stessi db.

TIP alcuni compressori non hanno controllo output nè make up! Per fortuna sono pochissimi, o meglio sono vintage.

La soluzione è semplice, dovrete aggiungere un gain dopo l’uscita e ricompensare.

Comprimere per modellare

Il compressore può essere utilizzato non soltanto per correggere la dinamica ma anche per manipolare un suono.

Un tipico esempio è l’impiego del compressore sul rullante per gonfiare la coda e renderlo “ciccione” come si usava fare negl’anni 80, quello della sigla finale di Beautiful per intenderci… Tristemente indimenticabile xD

Un buon settaggio di partenza per gonfiare le code dei suoni percussivi come tom, snare e kick prevede di settare rispettivamente:

• Attacco a circa 20 ms in modo da far passare il primo transiente.

• Rilascio a circa 10 ms (quindi piuttosto rapido) che invece permette di guadagnare db subito dopo il transiente in corrispondenza della coda.

• Ratio settata come limiter (10:1 o superiore)

• Threshold impostata per far comprimere dai 6 ai 10 db.

• Output settato per riportare l’uscita al valore di ampiezza di pre – compressione.

Ovviamente parliamo di un punto di partenza perchè non esistono preset magici, occorrerà quindi settare ogni parametro in base al proprio materiale audio.

Glue compressor

Il compressore può essere impiegato anche come collante, ad esempio sul master output dei banchi analogici SSL è presente il Series Bus Compressor.

Si tratta di un compressore stereo studiato appositamente per amalgare meglio il mix delle tracce.

Agisce difatti nelle micro dinamiche presenti tra i diversi suoni livellando in maniera morbida e rotonda, creando appunto l’effetto collante che aiuta a uniformare il mix.

È opportuno ricordare che è bene separare e scandire tutti i suoni durante la fase di mix ma, non bisogna mai allontanarsi troppo dal fulcro del mix stesso! Significa cioè miscelare e amalgamare i suoni nel modo più naturale possibile evitando di dare l’impressione che alcuni strumenti siano distaccati dal resto.

Settings for glue SSL compressor

Come già detto trovo onesto premettere che il settaggio universale NON ESISTE.

Qui potete comunque trovare un buon punto di partenza che vi farà apprezzare la magia di questo favoloso compressore.

I settaggi sono validi sia se siete fortunati e possedete un banco SSL vero, sia se utilizzate un’emulazione plug-in come quella della Waves o della Uad.

IN attivato

Fade Off

Attacco 3 ms (in base al genere e ai bpm trattati potete settarlo anche a 10 o 30 ms, l’importante è che rispettiate la regola dei transienti)

Make up da trimmare per riguadagnare i db persi, solitamente intorno a 3 – 4 db

Release su Auto

Ratio 4:1 per generi aggressivi come rock e dance, 2:1 per generi soft

Threshold in modo da far comprimere da 3 a massimo 4 db

Analog a vostro gusto (il tasto introduce unicamente un rumore bianco per emulare la caratteristica analogica del compressore).

L’SSL Comp così settato è utilizzato spesso in insert nella catena di mastering prima del limiter finale.

Tecnica della compressione parallela

Tipicamente il compressore è un effetto usato in insert quindi tutto il segnale in transito, dall’input all’output, viene processato.

Nella tecnica della compressione parallela invece, il compressore viene utilizzato in un bus esterno per poi essere risommato al master.

In altri termini al segnale non compresso viene sommata una copia compressa.

Questo modo di utilizzare il compressore comporta principalmente 2 vantaggi:

1. Il segnale non essendo interamente processato, può preservare una parte originale della sua dinamica infatti è possibile, per esempio, aumentare il valore medio del segnale mantenendo i transienti inalterati.
2. Disponendo di un bus esterno si possono inserire ulteriori effetti pre e post compressione tra cui un equalizzatore, utile per agire solo su determinate porzioni dello spettro.

Per ottenere i benefici offerti dalla compressione parallela è necessario settare il compressore in un bus esterno in modo piuttosto “spinto”, provate con una ratio superiore a 6:1 e dosate con il Fader del mixer la percentuale di compressione che volete sommare al suono da trattare.

Un esempio pratico del suo impiego potrebbe essere il trattamento di un vocal che ha forti variazioni di volume.

Ricorrendo infatti alla compressione parallela aggiungiamo una sorta di tappeto ricco di tutti i dettagli della voce (anche quelli di bassa ampiezza), senza però comprimere i transienti che servono a mantenere freschezza e naturalezza.

Anche in fase di mastering, ad esempio, è usuale comprimere parallelamente alcuni steams per aumentare il valore rms generale del brano mantenendo il “movimento”.

Dove NON usare il compressore

Abbiamo già detto e ribadito che non esistono regole assolute su dove usare o non usare il compressore.

Esistono però delle situazioni in cui comprimere la dinamica non è esattamente una buona idea!

Vediamo quali sono:

• Tracce gruppo dove vengono sommati suoni già compressi.

• Samples provenienti da librerie commerciali come Vengeance e affini che, nella stragrande maggioranza dei casi, sono già ipercompressi (per farli sembrare fighi).

O ancora…

• Suoni distorti e pieni come Synth Lead acidi e chitarre elettriche overdrive.

Questi ultimi vanno compressi poco e niente perchè la distorsione di per sè limita fortemente i picchi di segnale, agisce quindi come una sorta di compressione che, se ulteriormente compressa, trasforma tutto in una sottiletta priva di emozioni!!!

Ricordate infatti che la dinamica è un potentissimo mezzo con il quale trasmettere pathos, cosa che purtroppo negli anni si è sempre più distrutta per la loudness war.

Comprimere il master è sempre un’operazione delicata, in alcuni casi può essere la “svolta” nel look del brano, come in quello del glue compressor, in altri invece, la sua fine.

La regola, se proprio volessimo applicarne una, prevede:

☞ Suoni con forti escursioni dinamiche → Ok compressore, serve una “domata” per fermarli un po’.

☞ Suoni già “fermi” → Skippa il compressore.

Plug – in consigliati (i must have)

L’elenco che sto per fornirvi è indicativo perchè, potenzialmente, qualsiasi compressore è adatto.

Esistono tuttavia delle scorciatoie che preferisco utilizzare sia per la “pasta” sonora che per la semplicità dei parametri (anche in base alla tipologia di suono da trattare).

Per il livellamento della voce scelgo il plug-in Waves R – Vox

Pochi parametri ma tutti assolutamente efficaci tra cui:

1. un cursore chiamato Comp che funge da Threshold, non possiede nè attacco nè rilascio perchè ha i valori medi preimpostati (adatti per la maggior parte dei vocals)
2. un gain sull’uscita
3. un comodissimo cursore che varia la soglia di un Gate in ingresso, molto utile per “pulire” al volo i rumori e il white noise (fruscio di sottofondo).

NB più avanti vi spiegherò che il miglior gate è l’Editing manuale.

R – Vox è un semplice ma potente plug-in molto utile per compattare e livellare con pochi click vocals, ma non solo… funziona bene anche su chitarre acustiche e pianoforti.

Per il trattamento delle Drums utilizzo spesso Fab Filter Pro – C 2

Questo plug – in, a differenza del precedente, è ricco di numerosi parametri e funzioni tra cui un Sidechain interno con equalizzatore e filtro e molte opzioni di Routing.

Potete tranquillamente partire dai presets che troverete divisi per categorie.

Questi oltre ad essere ben fatti, costituiscono un punto di partenza ottimale per comprendere appieno le potenzialità del plug – in.

Con il Pro – C 2 si riescono ad ottenere drums molto compressi e aggressivi, specialmente utilizzando la sua compressione parallela integrata.

Vi ricordo nuovamente l’emulazione plug-in SSL Comp usato come Glue Compressor sul master Out del mix.

Proseguendo la lista dei plug – in…

Utilizzo il Compressor di Logic per fare il sidechain partendo dal preset 02 Keyboards / Aggressive Piano.

Questo preset molto aggressivo si presta per ottenere il tipico effetto del sidechain.

Basta andare in alto a destra nella sezione chiamata sidechain e selezionare l’ingresso corrispondente alla traccia che volete utilizzare come chiave, solitamente il kick.

Giocando su threshold, attacco e rilascio in base al suono da trattare, si ottiene facilmente il Pumping in chiave col kick.

Esistono inoltre, particolari processori di dinamica chiamati Transient Shaper con i quali scolpire letteralmente i suoni modificandone attacco e sostegno.

Il mio preferito è SPL Transient Designer con il quale riesco a rendere freschi e scanditi hi hats, clap, ride e snare nelle situazioni in cui il groove risulta moscio e “appannato”.

L’interfaccia del plug-in è semplice e intuitiva, ha infatti solo 3 pomelli sui quali agire: attacco, sostegno e gain in uscita per rilivellare.

Per il De – Essing invece, utilizzo Fab Filter Pro – DS

Il Pro – DS ha tutto ciò che serve per intervenire sulle sibilanti.

Questo plug-in ha un filtro passabanda sul quale è possibile impostare il range d’intervento (potete ascoltare il range cliccando sul simbolo della cuffia), un sidechain e infine un display per “vedere” graficamente l’intervento sulla gain reduction in corrispondenza delle sibilanti (evidenziate in verde).

Infine, vi segnalo Fab Filter Pro – L, a mio avviso il migliore tra i tanti plug-in limiter disponibili.

Il motivo? Lo scopriremo insieme nel tutorial sul mastering.

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ADSR cos’è e a cosa si riferisce

L’inviluppo adsr è utilizzato nella fase di programmazione di patches (presets) di sintetizzatori virtuali o reali, di campionatori, plug-in e moduli out-board.

L’uso dell’adsr può riferirsi a molteplici aspetti della modulazione di inviluppo, comunemente si applica a volume e cut-off anche se, già continuando la lettura dell’articolo, vedrete che le potenzialità del modulo sono sconfinate.

Gli aspetti protagonisti del nostro articolo sono quindi l’ampiezza detta volume e la frequenza di taglio del filtro detta Cut-off nell’unità di tempo.

Quanto all’acronimo ADSR, questo origina dalle iniziali dei 4 parametri che lo costituiscono:

1. Attack > Attacco
   
2. Decay > Decadimento
   
3. Sustain > Sostegno
   
4. Release > Rilascio
   

Attacco, decadimento, sostegno e rilascio sono utilizzati nei sintetizzatori per modulare la riproduzione di una nota e ottenere espressione con movimenti più articolati.

Vediamoli nel dettaglio⇩

Adsr di volume

A t t a c c o

L’attacco è il tempo che trascorre dalla pressione della nota al suo massimo livello di ampiezza.

Un suono di tipo plucked (pizzicato) è caratterizzato da attacco veloce, cioè il tempo che trascorre dal momento dell’esecuzione della nota al raggiungimento della massima ampiezza è pressochè immediato.

Al contrario, un suono ensanble (insieme di archi orchestrali) ha attacco lungo, ossia trascorre un tempo maggiore dall’esecuzione della nota al raggiungimento della massima ampiezza, a livello percettivo suonerà come un fade-in.

D e c a d i m e n t o

Il decadimento è il tempo che intercorre tra il volume massimo raggiunto dall’attacco e il volume di sustain.

Tale parametro agisce sulla parte centrale dell’inviluppo e contribuisce alla percezione dinamica dei successivi parametri.

S o s t e g n o

Il sostegno si estende dalla fine del decadimento all’inizio del tempo di rilascio.

Esso contribuisce alla lunghezza dell’inviluppo, ossia rende percettibile la lunghezza di una nota fin quando decidiamo di tenerla premuta.

Nella programmazione midi di un suono di pianoforte ad esempio, il sostegno può essere utilizzato per rendere una nota maggiormente percettibile.

OCCHIO: non confondete il sostegno con l’effetto del note velocity !! Ve ne parlerò più avanti.

R i l a s c i o

Il rilascio interviene alla fine della pressione di un tasto, è utilizzato quindi per continuare a far suonare la nota fino al raggiungimento del silenzio nell’unità di tempo.

A livello pratico permette di creare una coda nei suoni, l’effetto sarà simile a quello di un fade-out.

Adsr di cut-off

Premessa: trattandosi di inviluppo che agisce su un filtro, vi ricordo che quest’ultimo può essere di tipo passa – alto o passa – basso quindi il comportamento dell’adsr dipenderà da questa impostazione.

A t t a c c o

L’attacco, in questo caso, è il tempo che trascorre dalla pressione del tasto al suo massimo o minimo valore di cut-off.

Ad esempio in Flat Beat di Mr.Oizo è stato utilizzato un attacco abbastanza lungo nel passa-basso del synth portante (bassline).

D e c a d i m e n t o

È il tempo che il cut-off impiega dal valore raggiunto con l’attacco al successivo valore di sostegno.

Anche in questo caso il parametro contribuisce alla percezione della lunghezza della nota, agisce però facendo aprire e chiudere il filtro piuttosto che alzare e abbassare il volume.

S o s t e g n o

Il sostegno contribuisce alla lunghezza dell’inviluppo del filtro, dalla fine del valore di decadimento all’istante in cui inizia il valore di rilascio. (fin quando il tasto rimane premuto)

In modo specifico contribuisce all’apertura o chiusura generale del filtro, spesso è utilizzato per “centrare” il range d’intervento dell’inviluppo.

R i l a s c i o

Infine, il rilascio è il tempo che il filtro impiega a concludere l’inviluppo.

Tale parametro permette di concludere il ciclo dell’invilippo di filtro in modo netto o graduale.

Perchè usare l’adsr

Con i 4 parametri che vi ho descritto è possibile “modellare” i suoni dando loro la dinamica e il “movimento” desiderati, ma non solo…

Spesso è usuale agire sull’adsr di un suono anche per farlo convivere con gli altri in un mix molto affollato o, per scolpire delle parti e renderle più interessanti, enfatizzando ad esempio gli attacchi oppure allungando i rilasci per amalgamare e legare meglio con le note successive.

Come accennato molti dischi sono caratterizzati dall’uso creativo di tali parametri e, oltre a Flat Beat di Mr. Oizo citato prima, ricordiamo i bassi di Mauro Picotto o di Alex Castelli – Enjoy this Trip (la pasta).

Tra gli anni 90 e 2000 era infatti usuale ricorrere ad un attacco di filtro lungo per creare un effetto “gommoso” e pulsante del basso.

Un altro impiego dell’adsr è quello di umanizzare delle parti di piano o di altri strumenti che altrimenti risulterebbero fredde e meccaniche: automatizzando sostegno e rilascio si possono emulare (in parte) i pedali del pianoforte al fine di migliorarne l’espressione.

ADSR inviluppare praticamente tutto

Nei plugin più recenti come Serum della Xfer, le possibilità creative sono illimitate.

Nella fattispecie è possibile assegnare l’invilippo ADSR (ENV) a qualsiasi controllo del synth semplicemente usando un drag & drop dalla sezione ENV al potenziometro che si vuole modulare.

Quindi possiamo inviluppare:

1. Pitch,
2. Pan,
3. Resonance,
4. Detune,
5. Drive
6. etc etc …salute!!

“SPIPPOLARE PER CREDERE”

Inoltre potete vedere graficamente l’avanzamento dell’inviluppo ad ogni pressione della nota.

Sono disponibili 3 inviluppi ADSR tutti liberamente assegnabili a qualsiasi knob (potenziomentro) visibile nel sintetizzatore, e udite udite funzionano anche tutti e 3 insieme su più paramenti contemporanemente… La follia!!!

Tips and tricks

• Volete trasformare un lead in un pad?

SI può FA RE, scusate il gioco di note, ecco come:

Allungate di molto l’attacco e il rilascio di volume e chiudete un po’ il cut off generale del synth.

• Avete un bel suono ma è disturbato nella parte iniziale da un fastidioso TICK digitale?

È possibile rimuoverlo allungando leggermente l’attacco del vostro sample player (sampler di ableton, native instruments kontakt, ESX24 di Logic etc) simulando un micro fade-in.

• Volete aumentare il dettaglio di un rullante?

Caricatelo dentro il vostro sample player e dategli un po’ di botta nel transiente iniziale settando attacco e decay veloci, sustain e release medio lunghi.

Questa cosa si può fare anche con dei plugin dedicati detti transient shaper o transient processor o, più semplicemente, settando opportuanamente un compressore

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Il ritiro di Hardwell

Dopo il ritiro di Avicii nel 2016 e lo sconvolgente epilogo, anche altri Djs hanno deciso di mettere un grosso ALT alla loro carriera.

La notizia ufficiale arriva il 7 Settempre, Hardwell si ritira dal Djing e quindi non lo vedremo più on stage, almeno per il momento :'(

Tutti ricordiamo i migliori successi di Hardwell, da Zero76 (076 è il prefisso di Breda) a Spaceman, ad Apollo, rispettivamente disco d’oro e triplo platino negli USA.

I risultati sono incredibili, si posiziona infatti al 1° posto della Top 1oo Djs di Dj Mag per ben 2 volte, nel 2013 e nel 2014

Nel 2013 inoltre, viene girato il primo docu-film: I’ am Harwell – Living the Dream, la regia è di Robin Piree.

Una carriera costellata di successi, tour internazionali e riconoscimenti, è l’ ennesima corsa accelerata di un Dj Superstar.

Il bisogno di ritirarsi suona come un segno premonitore ed è innegabile che certe storie ti lascino il segno, dopo l’addio di Avicii tutto è cambiato e certi meccanismi sono stati probabilmente spezzati, primo fra tutti quello per il quale un artista non si poteva permettere di staccarsi dal management discografico

Hardwell annuncia il suo ritiro dalle scene con un post sui social, le parole che più colpiscono sono quelle relative alle motivazioni che lo costringono all’allontanamento dai live:

 I realized that there’s still so much I want to share with my family and friends, so many roads I’d like to explore, but being Hardwell 24/7 leaves too little energy, love, creativity and attention for my life as a normal person to do so 

Questo è il primo passaggio su cui è importante riflettere perchè esattamente come accadde ad Avicii, è tangibile la spersonalizzazione a cui gli Artisti di questo calibro sono soggetti, Hardwell non può essere una Superstar h24

Spenti i riflettori bisogna essere se stessi e vivere la quotidianità che solo una vita normale può farti apprezzare, quanti di noi se ne sono spesso dimenticati?? Qual è il prezzo da pagare?

 This is why I have decided to clear my schedule indefinitely to be completely liberated from targets, interviews, deadlines, release dates 

Ecco emergere la voglia di liberarsi della “macchina industriale discografica” e ciò che ne deriva, le interviste, le scadenze e le date di rilascio.

Ancora una volta il vissuto di Avicii torna prepotente, ricordate le scene del film in cui lui è stanco di fare interviste, rispettare scadenze e suonare ai live praticamente ogni giorno?

Hardwell vive esattamente lo stesso dramma, è chiaro che una routine del genere non è fisicamente sostenibile e che occorre separare produzione discografica, rilasci dei singoli, esibizioni, tour e riposo.

Hardwell si ritira per ritrovare Robbert

Nessuno di noi è un supereroe, nemmeno Hardwell può esserlo!

Questo significa semplicemente che siamo umani e come tali dobbiamo obbedire alla nostra natura.

 I always try to give myself 200% and in order to keep doing that, and feeding my creativity, I need some time off to be me, the person behind the artist and reflect on everything that happened the last few years 

Ognuno di noi vorrebbe dare sempre il massimo, oltre i limiti… a volte pensiamo di poter attingere a chissà quali forze, di poter tirare la corda ancora un pò e invece, siamo fallibili e dobbiamo accettarlo.

Questo è fondamentale nella musica perchè non possiamo avere idee brillanti senza ascoltare noi stessi, è necessario vivere il nostro tempo per dare alle idee una sostanza e un’emozione.

Zero tempo libero = zero creatività

Proprio uno dei suoi ultimi successi, Make the world ours, ci aveva colpito moltissimo perchè dava dimostrazione della versatilità dell’artista.

Vogliamo quindi difendere Hardwell dalle critiche ricevute per questo singolo pienamente Hardstyle e cogliere l’occasione per ribadire un concetto fondamentale:

si ai cambiamenti e alla sperimentazione, cambiare genere non significa perdere la propria identità sul mercato, ma l’esatto opposto!

 I’ll keep making music and I will never let go of it and will always aim to continue to connect with my fans through it. I want to come back stronger than ever, but for now, I’m just going to be me for a while 

Malgrado il ritiro, Hardwell ci rassicura, continuerà a fare musica e manterrà costante il rapporto con i fan, i social sono rimasti attivi quindi sarà possibile seguire tutte le news sulla sua carriera.

Di contro, dopo Avicii e Hardwell, i riflettori si spengono anche per Deadmau5

Il ritiro di Deadmau5 non è un troll

Il 10 Ottobre anche Deadmau5 molla la presa e si ritira, ancora una volta le ragioni sono simili.

L’abbiamo conosciuto come un personaggio dai toni accesi e irriverenti, non si può di certo dire che sia un diplomatico.

Ultimamente però le sue “opinioni” si sono spinte un po’ oltre rendendo manifesto tutto il disagio dell’ artista.

Da anni infatti Deadmau5 soffre di problemi di natura mentale e sarebbero proprio tali turbamenti a indurlo ad assumere comportamenti da “outsider”

Deadmau5 ammette con un tweet tutte le sue fragilità, si scusa per aver sbagliato e si dichiara pronto ad affrontare i suoi demoni, gli stessi che per anni lo hanno tormentato

Il ritiro è motivato anche da una resa personale dell’artista, un burn out dovuto al fallimento del suo progetto discografico: Deadmau5 aveva infatti fondato la Mau5Trap Records con l’intento di supportare le nuove generazioni

Deadmau5 teneva molto al futuro della discografia e per questo aveva creato anche la sua Masterclass

Si tratta di una serie di lezioni specifiche sui meccanismi di produzione dove non mancano però spunti di riflessione in merito alla situazione del mercato discografico odierno e alle falle nel sistema di selezione dei Demos.

Proprio una delle ultime lezioni riguarda la difficoltà che gl’emergenti riscontrano quando mandano un demo, le risposte che non arrivano e il ciclo che si ripete.

Il sogno di Deadmau5 è anche un po’ il nostro ed è evidente quanto lui tenga a questo lavoro e alla possibilità di far conoscere volti nuovi.

Deadmau5 decide di ritirarsi per aver mancato l’obiettivo e aver perso se stesso, questo significa anche mostrarsi più come uomo che come superstar.

Scorgiamo nelle sue ambizioni il desiderio di cambiare alcune dinamiche e dare più spazio agli artisti che non dispongono di risorse economiche rilevanti, manager e social media specialist.

La Monophobia di Deadmau5

Deadmau5 deve prima ritrovarsi e sconfiggere la sua Monophobia, si, il titolo del suo ultimo successo non è stato scelto a caso.

Quando un artista si ritira non sappiamo esattamente cosa provi, ma Deadmau5 lo descrive nei minimi particolari, eccone un estratto:

Inside my head, there’s a little place left for you, what do you know?

All I want is to find out what you’re going through

I wanna come over and see what you’ve found

See if you’re hurting after tearing me down

It’s the rain of denial

All the tears in your eyes

Feel like I’m in slow motion tonight

Maybe this silence is dangerous

I wanted to hide

Now, I just wanna find you and feel what’s inside you

Deadmau5 parla di lacrime, sofferenza e silenzio e si descrive come rallentato, le parole riflettono il senso di alienazione correlato alla depressione.

Quello che prova è ansia, paranoia e paura della solitudine oltre che di se stesso (da cui monophobia).

Le scene del video quindi non obbediscono al principio del NO SENSE, al contrario, servono a catapultarci nei suoi turbamenti e a chiarire le motivazioni del ritiro.

Mostri, esseri mitologici, persone distorte, animali da compagnia “anomali”, tutto concorre a creare confusione e disorientamento.

Il video inizia con l’affermazione « nella mia testa è rimasto un piccolo posto per te », probabilmente riferita alla sua coscienza, alla parte ancora “integra” di se stesso e prosegue con un vero e proprio attacco alla sua proprietà, costruirsi un mondo sicuro attorno è inutile, i “mostri” sono dentro di noi e minacciano la quotidianità seminando il caos.

La conclusione è la resa fisica dell’ artista, Deadmau5 si ritrae svenuto sulla sua postazione, una delle sue paure è infatti quella di svenire e perdere completamente l’autocontrollo però, termina il testo con la dichiarazione più importante « adesso voglio solo trovarti e sentire cosa c’è dentro di te »

Il ritiro serve quindi per riprendere in mano la propria identità e sconfiggere il male di vivere e, dopo sole 3 settimane pare che Deadmau5 stia già meglio.

A comunicarci le novità sulla sua salute e sugli shows precedetemente fissati è il suo staff che avrà in gestione gli account social dell’artista per il tempo necessario alla totale ripresa, Deadmau5 ha infatti deciso di tenersi lontano da Twitter per un periodo più lungo.

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Ascesa al successo

Tim Bergling nasce a Stoccolma l’ 8 settembre 1989

Mostra il suo enorme talento già da adolescente, a soli 18 anni infatti produce singoli e remix che pubblica a titolo gratuito prima su un blog di musica elettronica svedese, e poi sul suo profilo Myspace

Nel 2008 il produttore iraniano-svedese Ash Pournouri nota Tim e gli offre subito un contratto discografico con la sua agenzia, l’ At Night Management che diventerà un vero e proprio trampolino di lancio

Avicii è il nome d’ arte che Tim adotta, termine che in sanscrito significa “senza onde” e nel buddismo indica l’ ultimo livello dell’ inferno

Moltissimi Dj producer rimangono affascinati dalle sue produzioni e ne riconoscono lo stile

Nel 2010 infatti, si classifica al 39° posto della top 100 di Dj Mag con il singolo “Bromance” e Tiesto lo invita ad esibirsi al Priviledge di Ibiza, è il momento che segna la consacrazione ufficiale a Dj superstar

L’ anno successivo firma con i fratelli Shermanology il singolo “Blessed” con il quale si posiziona al 6° posto della top 100 di Dj Mag e il 28 Ottobre dello stesso anno rilascia “Levels”, il singolo campionato da Etta James raggiunge i primi posti su Beatport e il 66° della Billboard hot 100 

Levels viene inoltre scelto da Radio Deejay come colonna sonora per i 30 anni di attività

Il video ufficiale invece, realizzato dai sui fan con un contest lanciato poco prima da Tim stesso, viene pubblicato il 29 Novembre 2011 su Youtube

Tra il 2012 e il 2013 rilascia diversi singoli di successo internazionale tra cui “Wake me up”, “Addicted to you” e “Hey brother”, le forti influenze della country caratterizzano l’ album di debutto True che esce il 13 Settembre 2013

Avicii è ormai una star e nel 2014 lavora al nuovo album di Madonna – Rebel heart del quale produce i singoli “Devil pray”, “Wash all over me”, “Heartbreakcity” e “Messiah” ma non solo, contemporaneamente lavora al suo secondo album ed è in tour!

La vita frenetica inizia a dargli filo da torcere, a Settembre annuncia il suo stop dal tour che durerà fino a febbraio 2015

Avicii tra ansia e tour

Tutti sappiamo dei suoi problemi di ansia da prestazione, problemi che è solito placare con l’ alcol e che ovviamente gli costano cari

Nel pieno della carriera Tim è costretto al ricovero per una pancreatite acuta cui seguono asportazione di cistifellea e appendice, non smette però di fare musica… non smette mai

Avicii pubblica il remix di “feeling good” di Nina Simone l ‘8 maggio 2015 e il 22 rilascia il singolo “Waiting for love”, il secondo album è pronto già a fine agosto ma Stories esce ufficialmente il 2 ottobre

Malgrado gli album, le collaborazioni, i remix e i primi posti in classifica, Avicii non è più lo stesso, appare emaciato, non dorme abbastanza, il dolore persiste nel post intervento perchè il periodo di convalescenza non viene portato a termine (come previsto)

Alla dipendenza da alcol si aggiunge quella da farmaci, indotta a nostro dire, da medici poco attenti o probabilmente spinti da una certa fretta dello staff dell’ artista, è evidente che il male di vivere lo ha in ostaggio, è un artista che per obbedienza al lavoro si priva anche di se stesso, è risaputo che saltasse spessissimo i pasti

Avicii non sa dire di no, forse per ingenuità! È poco più di un ragazzino quando il successo lo travolge, ama fortemente la musica, si sente invincibile mentre mixa e anche se consapevole di aver superato i limiti, gli riesce difficile ammetterlo o magari, girano così tanti soldi intorno a lui che fa comodo tenerlo incatenato ancora un po’ all’ industria discografica

Il 29 marzo 2016 Avicii annuncia ufficialmente che quello in corso sarà il suo ultimo tour e che alla fine dell’ anno si ritirerà dai live, questa decisione innescherà una reazione a catena, il biennio a seguire infatti, avrà il ritiro come protagonista

Avicii, in realtà, non riuscirà a terminare il calendario delle date che, malgrado le sue evidenti condizioni, non vengono cancellate fin quando contro ogni volere, annuncia che la sua ultima apparizione sarà quella del 28 agosto

Il 22 dicembre 2016 si distacca da Ash Pournouri e dalla At night management

Malgrado l’ addio ai live, Avicii continua a produrre, inizia infatti a rilasciare degli EP, il primo AVĪCI (01) esce il 10 agosto 2017 e contiene i singoli Lonely Together con Rita Ora e Without You con Sandro Cavazza

Un mese dopo annuncia di voler pubblicare ancora 2 EP per poi uscire col nuovo album, il terzo della sua discografia, ad inizio 2018

True Stories: Il docu-film

Avicii è ingenuo ma non stupido e, nei 10 lunghi anni di carriera registra moltissimi filmati dei live, delle ore passate in studio, delle innumerevoli collaborazioni e dei rapporti con lo staff, in primis con Ash

L’ 11 settembre 2017 arriva l’ annuncio dell’ uscita del docufilm che, dal titolo dei suoi 2 album, chiama True Stories

È la storia di tutta la sua vita, l’ inizio della carriera da Dj superstar, la stima dei colleghi e le loro dichiarazioni, e poi… Lo stress, la pressione, l’ ansia, l’ alcol, le incomprensioni, i ritmi insostenibili e la depressione

Un cocktail che costringerebbe chiunque a ritirarsi dallo spettacolo, ma “the show must go on” è esattamente la politica adottata dall’ At night management!

Avicii è considerato nient’ altro che un prodotto, un brand, un’ icona con cui far soldi!

Avicii è un alter ego, dietro i riflettori però c’è Tim, il ragazzo puro e ingenuo, disponibile e con un talento sconfinato

Un musicista a 360 gradi che mette il suo sapere a disposizione degli altri, vi siete mai chiesti chi lo farebbe?

Invitiamo chi non avesse ancora visto il film a farlo, perchè True Stories non è una trama inventata a lieto fine, non è il viaggio dell’ eroe nè tantomeno un giovane attore da lanciare

True Stories è la vita di Tim, la verità a luci spente, è quello che la gente non vede… un giovane talento rapito dal successo e spremuto fino all’ ultimo dall’ industria discografica, è evidente in molte scene del film:

1. niente soste
2. niente riposo
3. una data dopo l’ altra
4. notti insonni
5. pasti saltati
6. interviste

Tim si ammala e quando regnano ansia e incomprensione, tutto intorno muta, non sai più cos’è importante

Ricchezza, carriera, dischi sempre in vetta alle classifiche ma inizia a mancare il tempo per se stessi

Tim e Avicii non sono più distinguibili l’ uno dall’ altro

Se ci fermassimo solo un attimo a pensare, Tim inizia a 18 anni la sua attività di Dj producer e per i 10 anni a seguire continua la sua corsa come un treno, zero rapporti con la famiglia, nè tempo per dormire o uscire semplicemente con gli amici

Solo lavoro, pressione, date sul calendario, una bella figura sui led walls

Ad un certo punto del film è chiaro che Avicii è il nemico di se stesso, ha perso tutti i suoi riferimenti e per sua sfortuna, chi gli è accanto non lo protegge: Ash e i suoi collaboratori lo trattano come un ragazzino viziato, ma il suo disagio e la sua sofferenza si leggono chiari sul suo viso

Tim vuole ritirarsi, lo chiede espressamente più e più volte, eppure lo costringono a continuare, un altro concerto, poi un’ intervista e si parte, tutto da capo inesorabilmente

Sebbene l’ incubo termini alla fine del 2016, è troppo tardi per tornare indietro e rifarsi degl’ anni perduti

Tim è ormai un’ ombra, è fragile, alterna benessere a malessere malgrado le cure e la lettura dei libri, malgrado la nuova casa e un cucciolo da amare, tutti i tentativi per ritrovare la pace interiore, falliscono

Il suo animo è fin troppo tormentato, succede quando si perde l’ equilibrio e probabilmente anche il senso di colpa per non aver detto prima quel “basta” ha il suo peso!

La cosa che più ci unisce a Tim è sapere che la musica gli è sempre stata amica, anche quando di amici non ce n’ era, del resto Avicii non sa smettere mai, è risaputo… così ha deciso che a smettere doveva essere lui

Avicii muore il 20 Aprile 2018, ma sappiamo che la sua vita era finita già prima di quel gesto disperato sulla spiaggia della villa in Oman, gesto che rispettiamo e non giudichiamo

Ognuno è padrone della sua vita e artefice del proprio destino e talvolta, per quanto difficile da credere, bisogna accettare che morire sia l’ unico rimedio alla sofferenza

In merito all’ uscita del 3 album, l’agente di Avicii Diana Baron, smentisce e sebbene fosse noto che stesse lavorando a nuove tracce, non è prevista alcuna pubblicazione, tuttavia è recente la voce di una possibile volontà della famiglia di onorare il figlio pubblicando l’ album

Sarà costruito a Stoccolma un museo a lui dedicato ove verrà collocato anche il pianoforte Steinway che era solito suonare in studio

I tributi dei colleghi e le accuse ai giornali

Sul palco di Swansea, prima di iniziare a cantare il singolo Lonely Together, Rita Ora fa apparire sugli schermi la scritta “Avicii 1989 – 2018” e visibilmente commossa, ringrazia i suoi fan per aiutarla a cantare in un momento così difficile per lei, queste le sue parole:

«Thank you for singing that with me. It’s always hard for me to sing that, so thank you so much for singing along»

Anche i Chainsmokers e Halsey hanno voluto rendere omaggio ad Avicii dedicandogli l’ award appena ricevuto alla cerimonia dei Billboard Music Awards 2018

Il 20 Luglio 2017 il leader dei Linkin Park Cester Benninghton ci ha lasciati, esattamente come farà poco dopo Avicii e si sa, il dolore è sempre di chi resta

A parlare è la vedova di Cester, Talinda Ann Bentley, che si scaglia contro il noto sito di gossip TMZ famoso per la spregiudicatezza con la quale documenta i decessi delle star

Nella fattispecie è il modo in cui riporta i dettagli sulla morte di Avicii e i termini che utilizza a destare le polemiche, nell’ articolo si legge infatti Avicii “commits suicide” piuttosto che “Avicii has passed away”

Talinda, per solidarietà a Tim che con Cester condivide il triste destino, chiede ai lettori di non cliccare sull’ articolo come forma di protesta contro la totale mancanza di delicatezza nel trattare i temi del suicidio e della depressione

Anche Anna Shinoda, moglie di Mike dei Linkin Park, si unisce alla protesta

Negli ultimi mesi in occasione di quello che sarebbe stato il 42 esimo compleanno di Chester, Talinda ha lanciato la campagna “Campaign To Change Direction” per combattere la depressione e sostenere chi ne è affetto affinchè la morte di Chester prima, e quella di Tim dopo, non si rivelino vane

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Breakbeat: sincope e controtempo

Il breakbeat è un tempo sincopato, un “tempo rotto” cioè imprevedibile e insolito rispetto altri tipi di percussione

La batteria infatti, affidata a loop campionati dal funk, dal jazz e dall’ r & b, suona durante una pausa “break” della stessa, vale a dire che le note del basso hanno subito un’ interruzione volontaria del loro ritmo

L’ interruzione è ottenuta ponendo degli accenti ritmici dove solitamente mancano, tecnicamente parlando consiste nello spostamento degli accenti dal tempo forte a quello debole

Sono tempi forti tutte le note con battuta accentata mentre saranno deboli quelle che ne sono prive!

Di regola la prima battuta è sempre accentata e l’ accento mantiene il ritmo regolare

La sincope sposta l’ accento dai tempi forti a quelli deboli facendo perdere al ritmo la sua regolarità, lo spostamento effettuato però, suona ed enfatizza le pause…

Il suono verrà percepito come se fosse interrotto, in realtà, anche le pause sono musica e, metricamente parlando, la fisiologia del groove non risulta alterata in alcun modo

Inoltre un derivato della sincope, il controtempo, (detto anche in levare) rafforza ulteriormente il flusso ritmico poichè cade esattamente in mezzo a 2 tempi forti cioè nella pausa

Sincope e controtempo possono essere applicati a qualsiasi elemento eccezione fatta per la 1 battuta che è sempre accentata (una battuta deve necessariamente iniziare con un tempo forte)

Il primo breakbeat “moderno” è il singolo “Amen brother” dei The Winstons che esce nel 1969 e del quale è ripreso l’ Amen break, successivamente utilizzato nel disco “King of the Beats” dei Mantronix del 1985

Altri breakbeats famosi risalgono al 1970 con James Brown – “Funky drummer” e al 1972 con Lyn Collins – “Think (About It)”

Diversi anni più tardi, a partire da metà anni 90, si inizia a parlare anche di big beat riferendosi ai breakbeats campionati da artisti come The Prodigy, Fatboy Slim e The Chemical Brothers in linea con l’ edm del periodo

La fusione tra breakbeat ed elementi progressive house e trance, porta alla definizione del progressive break, una pausa ricca di pad, leads e riverberi che caratterizza produzioni per lo più strumentali

La voce è prevista raramente, ridotta per lo più a brevi campioni modificati con effetti

Con la diffusione dell’ acid house e della Roland TB-303 si diffonde naturalmente l’ acid break mentre l’ unione delle pause Hip Hop, freestyle e Miami bass degli anni 80 alle influenze house e techno degli anni 90 dà vita al Florida break o Funky break

Drum & Bass

Il ritmo sincopato e rapido della drum & bass nasce in Inghilterra nei primi anni 90 e, come suggerito dal nome, è incentrato su batteria e basso

La linea di basso è pesante e a bassa frequenza, è risaputo infatti che le basse frequenze inducano vibrazioni, le stesse che i produttori intendono far percepire in chi ascolta, questa è inoltre “lavorata” con diversi effetti tra cui compressione, distorsione, filtro, flanger, phaser ed equalizzazione

La batteria, dal canto suo, serve a rafforzare il basso, per questo i kick sono corti ma pieni

Batteria e basso possono essere meglio apprezzati immediatamente sotto il muro del sound system

Le melodie sono previste anche se spesso ridotte al minimo, la voce invece può cantare o rappare

Il breakbeat riceve influenze dal jazz, dal raggae, dal funk, dal soul e chiaramente dall’ hip hop e viene inoltre arricchito dalla presenza di loop campionati dalla musica classica

Il genere tra 160 e 180 bpm, è molto variegato e alterna drop ritmati ad altrettante pause e presto inizia ad essere annesso alla jungle dalla quale però sarà costretto a separarsi in seguito alle polemiche sulla criminalità durante i rave

Diviene mainstream tra il 1995 e il 97 e comincia ad essere suonato nelle radio commerciali e non più su quelle pirata

La fase di successo subisce purtroppo un arresto nel biennio 97/98 quando la drum & bass si divide tra i sottogeneri Uk garage, Techstep e Liquid funk, mancando quindi il sound tipicamente jungle dell’ origine, molti iniziano a credere nel totale declino delle produzioni

Alcuni degli artisti più apprezzati sono Dj Fresh, Rudimental, Pendulum, Noisia e Wilkinson

Dubstep

Restiamo in Inghliterra, precisamente a Londra

Qui intorno al 2002 la Uk garage e il raggae vengono elaborati in chiave dubstep, genere che eredita la sincope dalla drum & bass unitamente ai “bassi drop”

Il basso è definito Wub da “wobble” (oscillare) cioè ogni singola nota viene manipolata ritmicamente mediante oscillatore a bassa frequenza e anche in questo caso drop e pause si alternano nel corso della stesura

Inoltre è possibile che l’ escursione cromatica del basso venga spostata di un’ ottava intera o più e che qualche traccia invece manchi totalmente del basso

Il genere ha un range molto ampio, da 70/80 bpm a 180 e presenta un clap o un rullante inserito ogni seconda battuta, tonalità anche in minore e note dissonanti

Il primo disco dubstep è “Flat Beat” di Mr. Oizo che dal 1999 in poi spinge molti altri a produrre e suonare tracce dubstep come Skream, Benga, Kode 9, Digital Mystikz e Mary Anne Hobbs, prima dj donna del genere

Molto presto i live dubstep che avevano sempre un Mc, si spostano a New York, Seattle e Houston, passano da Barcelona e arrivano persino in Giappone, segno che la scena dubstep è in pieno fervore (specie nel 2007) e riesce a catturare anche l’ attenzione dei dj producer techno che iniziano a suonarla

La stessa Hobbs afferma che essendo la dubstep meno aggressiva e più meditativa della drum & bass, il pubblico femminile risponde meglio e sta aumentando la sua presenza agli eventi

L’influenza della dubstep si fa evidente nelle produzioni di molti artisti, ne è un esempio il singolo “Freakshow” di Britney Spears

Snoop Dogg invece, collabora con produttori dubstep per 3 tracce dell’ album di Rihanna – Rated

Nel 2009 anche il genere sincopato dubstep è mainstream e su Youtube viene aperto il canale UKF Dubstep, solo un anno dopo arriva a spopolare nelle classifiche pop grazie alla contaminazione

Nello stesso periodo anche Skrillex inizia ad essere apprezzato per il suo sound, la rivista musicale Rumore lo descrive come:

«Un suono che associa alla dubstep rumore ed energia in quantità, senza trascurare bassi estremi e contaminazioni con certa electro contemporanea»

In merito al suo successo e all’ interpretazione personale del genere si è espresso anche Skream, che dice: “Molte persone diranno semplicemente Dubstep uguale Skrillex, ma sinceramente non mi infastidisce, mi piace la musica che produce”

Merita menzione anche la talentuosissima Lindsey Stirling, artista che ha conquistato il mondo intero col suo sound contaminato da musica classica, hip hop, dubstep e shuffle

Nel 2012 il singolo Crystallize ottiene ben 42 milioni di visualizzazioni piazzandosi all’ ottava posizione nella classifica dei video più visti di Youtube

Và chiarito comunque che il sound di questi anni è soprannominato post – dubstep, termine che ingloba la bass music a circa 130 bpm mentre lo stile statunitense è soprannominato “brostep” con un’ accezione negativa

Nel 2016 in linea con quanto preannunciano le classifiche, la dubstep registra il suo declino in favore di generi come trap e pop

Trap

Nasce negli USA come derivato dell’ hip hop tra gli anni 90 e 2000

Dall’ inglese trapping = spacciare, deriva il termine “trap house”, riferito appunto agli appartamenti abbandonati di Atlanta dove si spacciava

I temi della vita di strada fanno quindi da contorno ai testi delle tracce:

√ Criminalità

√ Abuso di sostanze

√ Povertà

√ Violenza e difficoltà che l’ artista deve affrontare quotidianamente per riuscire ad emergere

La batteria è data dalla drum machine Roland TR-808, i kick sono pesanti, il basso distorto in pieno stile dub, gli hi-hat veloci in sedicesimi e con variazioni in trentaduesimi in alcuni punti, i bpm oscillano tra gli 80 e i 140; Le melodie rispecchiano fedelmente i temi sono perciò accattivanti, aggressive e ipnotiche

Nomi come Outkast, T.I, Gucci Mane, Lil Jon e Young Jeezy si tengono ancorati alle radici hip hop, solo intorno al 2010 la trap inizia a separarsene come nei brani di Lil Wayne, T-pain, Rick Ross e Nicki Minaj

In realtà, la trap si è costruita un’ identità propria solo negli ultimi anni, in concomitanza delle trasformazioni apportate dall’ EDM

La fase nota come EDM Trap inizia nel 2013 con il singolo di Baauer – Harlem shake, prima traccia trap a scalare le classifiche fino a raggiungere la 1 posizione della Billboard hot 100 seguita nello stesso anno dalla collaborazione tra Dj Snake e Lil Jon – Turn down for what; Subito dopo i successi di Party Favor, OT. Genasis, Razihel, Diskord e Gastly consacrano il genere

In Italia invece, la trap esplode nel 2016 come derivato del rap più che dell’hip hop

È un dettaglio da non trascurare dato che rapper come Fibra e J-Ax hanno fatto posto ai nomi più recenti di Gue Pequeno, Sfera Ebbasta e Ghali, scoperti da Charlie Charles che è il loro produttore sin dal 2014 quando, non ancora conosciuti, frequentavano regolarmente casa sua a Settimo Milanese

L’ ultimissima generazione trap vede invece personaggi come Young signorino e Dark Polo Gang che, a nostro dire, sono ben lontani dalle “origini”

Potremmo fare un cenno sulla vaghezza dei contenuti, il no sense e il trash, basterebbe ricordare il caso mediatico che Andrea Diprè alimentò intervistando Bello Figo, ma non è questo il punto… Spesso però ci interroghiamo sul valore della musica nell’ era contemporanea e sui messaggi in essa contenuti: basterà l’ autotune a riempire il vuoto?

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EDM music intesa come House

L’ EDM comprende praticamente tutti i sound dance come house, techno, hardcore, trance e hardstyle, ciascuno con sottogeneri e caratteristiche proprie

Anche se differenti, questi generi rimangono ascrivibili all’ EDM perchè sin dagli anni 80 i dischi si realizzano con sintetizzatori

Alcuni filoni però si evolveranno parallelamente all’ EDM e non necessariamente come sua diretta conseguenza, come nel caso della dubstep di Skrillex

Esaminiamo il sound house e le sue trasformazioni nel tempo:

il termine viene da Warehouse, storico locale di Chicago dove suonava Frankie knuckles, considerato da molti il pioniere del genere…

In realtà, fù “On and One” di Jesse Saunders il primo disco house della storia (1984)

La metrica si mantiene in 4/4 mentre il groove si caratterizza per la presenza di:

• snare (il rullante)
• charleston (hi-hat)
• pad (tappeti armonici utilizzati per creare sottofondi)
• basso (acustico, elettrico o sintetico)

La parte melodica impiega pianoforte, flauto o strumenti a corda mentre il vocal può consistere in frasi o strofe

Quanto ai bpm, questi fanno letteralmente la differenza perchè, variando dai 105/110 ai 132 separano lo stile di Chicago da quello Deep

La deep house il cui termine è riferito alla profondità del basso, è più lenta, i suoi bpm infatti oscillano tra i 122 e i 127

Si caratterizza per la presenza di pad simili a quelli della chill out e della lounge da cui ne deriva uno stile più melodico, e grazie ad etichette come la Defected in the house e al contributo di paesi come la Romania, è stata ampiamente rilanciata nel corso degli anni 2000

Nel 2010 in particolare, le linee di basso cominciano a farsi più taglienti e le voci vengono abbassate di tono con un pitch shifter, effetto che provoca una variazione di frequenza su una nota, in eccesso o in difetto, mantenendone la durata.

L’ electro il cui termine viene utilizzato per la prima volta dai tedeschi per riferirsi all’ EDM distintamente dalle macrocategorie house e techno, negli anni 80 aveva già assorbito il funk e il boogie di New York

Da Detroit e Chicago il genere musicale approda a Ibiza: qui una vecchia fattoria viene trasformata nella discoteca più famosa d’ Europa, l’ Amnesia, e l’ electro si arricchisce di campionamenti rock, pop e reggae arrivando ad essere soprannominato balearic house grazie anche al contributo del resident Dj Alfredo Fiorito

Nello stesso periodo il dj Pierre (di Chicago) diffonde l’ acid house, genere che approda in Germania e nel Regno Unito (dove intanto Paul Oakenfold suonava l’ house) e identifica la cultura giovanile dei rave

L’ acid house infatti trasforma il sound system, l’ impianto formato da più casse che può essere spostato, nell’ after-party clandestino per eccellenza; Le feste illegali tenute nei capannoni o nelle industrie abbandonate durano fino all’alba mentre nel Regno Unito i club chiudevano intorno alle 2

Intorno al 1989 si diffonde anche l’ hip house, fusione tra house e hip hop, sempre a 4/4 ma con vocals rappati, il singolo “Pump Up The Jam” dei Technotronic ne è il più rappresentativo, solo un anno dopo uscirà “Vogue” di Madonna, il singolo che consacra definitivamente l’ house a mainstream

Seguono le inaugurazioni della Ministry Of Sound nel 91 e del Fabric nel 99 a Londra

In Italia intanto si sviluppa il filone noto come spaghetti house: il gruppo musicale 49ers rappresenta uno dei tanti successi internazionali italiano insieme ai Cappella (entrambi della Media Records)

Alcuni sottogeneri comprendono la latin house nata da house ed elementi latino americani e la più famosa french house di fine anni 90 rappresentata da artisti come Bob Sinclair e Daft Punk

EDM music intesa come Techno

Il termine è l ‘abbreviazione di technologic ed entra in uso in seguito alla pubblicazione della compilation Techno – The New Dance Sound of Detroit del 1988

Il genere techno nasce tra Berlino e Detroit a partire dallo stile dei Kraftwerk e dal rock ed è caratterizzato da basso sintetico, dato cioè da segnali e non da vibrazioni acustiche; Ritmo in 4/4, loop, bpm compresi tra 110 e 150 e infine pause, talvolta senza cassa

La detroit techno rappresenta la club music più aggressiva rispetto ai generi “morbidi” dell’ acid house, dell’ hardcore e della progressive che si erano affermati in Europa

I loop, elemento caratteristico della techno, si ripetono in 2 o più battute in base alla complessità del brano e sono fondamentali nell’ hardgroove anche se assumono stampo tribale e/o latino

I Prodigy e i Chemical Brothers sono i primi gruppi di riferimento techno dei tempi odierni ma i fondatori appartengono a fasi distinte del genere, la techno infatti si caratterizza come genere a 2 ondate: la prima risente delle influenze electro e synth-pop e ha come protagonisti Juan Atkins e Carl Craig, quest’ultimo con forti influnze jazz

La seconda invece, assorbe l’ industrial e l’ EDM e vede emergere i Front 242, gruppo che sviluppa un sound in linea con l’ euro hardcore europeo

Altro nome importante è quello di Robert Hood che intorno al 94′ sposta la detroit techno sul filone minimal

A Chicago intanto, la techno viene battezzata stomping techno per l’elevata velocità e la ritmica marcatamente dritta

L’ hard techno o “Schranz” ha origine tedesca ed è caratterizzata da suoni molto distorti con ritmi veloci dai 145 ai 170 bpm; È il sottogenere dal quale origina la tekno, a sua volta ancora più veloce (da 170 a 200 bpm) con suoni cupi e minimali.

Hardcore

L’ house e la techno dei rave sperimentano la loro evoluzione in hardcore, aumenta infatti il numero dei bpm da 150 fino a 200 e i campionamenti provengono anche da film e programmi televisivi, i bassi sono pesanti e i ritmi sincopati

La sperimentazione si fa più evidente quando l’hardcore si arricchisce di campioni della musica giamaicana e viene soprannominata jungle techno, poi solo jungle

L’apprezzamento è evidente e il genere diviene mainstream nel 1994, anno in cui compaiono gli elementi hip hop, il canto Mc cioè la tecnica vocale di stampo rap e gli elementi della dancehall (un sottogenere del reggae con ritmo in 4/4 a circa 110 bpm), eppure proprio in questa fase alcuni produttori hanno preferito abbandonare la jungle per avvicinarsi alla drum & bass

Altro sottogenere è l’ happy hardcore che, come si intuisce dal termine, è incentrato su melodie allegre, voci femminili distorte o accelerate, ritmo di stampo breakbeat prima, veloce in 4/4 dopo e bpm tra 160 e 180

Gli stili variano con la nazione in cui si sviluppano, la Uk hardcore non solo è la più apprezzata ma le serate tenute nei club prevedono anche l’ uso di un abbigliamento particolare che reagisce alla luce e si illumina, e poi impianti laser, macchine del fumo e un Mc che rappa e incita a ballare

Altri sottogeneri comprendono la variante Scottish e l’ old happy hardcore, quest’ ultima suonata in Olanda e considerata la vera happy hardcore di cui gli Scooter sono gli esponenti maggiori

Trance

Nasce in Germania nei primi anni 90 come derivato della techno cui sono aggiunti elementi della musica classica, ambient e pop

E’ ancora in corso la diatriba sull’ origine del termine: per alcuni si riferirisce allo stato di benessere ed estasi che pervade chi l’ ascolta, per altri all’ uscita dell’ album Trancefer di Schulze del 1981

Anche la paternità del genere pare sia discussa perchè tecnicamente, fù il Belgio il primo paese a produrre trance: il singolo “The age of love” viene rilasciato dal belga Roger Samijn nel 90, ma la versione più conosciuta e accreditata come trance è il remix di Jam & Spoon del 92, nel frattempo in Germania usciva “We came in peace”

Abbiamo consultato il calendario delle releases di quel periodo e sembra che The age of love sia uscita prima… basterà a risolvere la questione?

Ricordiamo che Paul Van Dyk fu uno dei primi deejay a proporre la trance indipendentemente dalla techno e dall’ acid house del periodo, seguito poi da Tiesto nei primi anni 2000, l’ epoca dei Dj Superstar

Strutturalmente il genere ha una batteria di stile techno, basso sincopato e tema

La melodia arricchita da arpeggi, archi e voci è articolata in crescendo, il chè consente al genere di raggiungere le radio e i music festival

Quanto ai bpm, il genere offre un’ escursione notevole di sottogeneri, dai 128 possiamo arrivare ai 150/160

La classic trance del periodo 90-95 con l’influenza techno marcata, si evolve rapidamente verso la dream trance, meglio nota come progressive rispetto alla quale possiamo vantare molte produzioni italiane

Gli anni dal 94 al 98 sono invece all’ insegna della goa trance: il genere, con un tempo tra i 135 e i 150 bpm, nasce nello Stato indiano di Goa e viene suonato nei rave, tenuti non più nelle fabbriche abbandonate, ma all’ aperto, a contatto con la natura come vuole la cultura goa, favorire uno stato di trascendenza collettivo è l’ obiettivo primario

Il genere in 4/4 è veloce, 130-150 bpm ma può capitare di incontrare bmp più bassi o alti a 160

Segue tra la fine degli anni 90 e i primi anni 2000 l’ epic trance e l’ epic trance techno, entrambe comprese nel filone uplifting

Questi sono alcuni dei nostri generi preferiti, non solo per i bpm alti ma anche per la presenza di arrangiamenti complessi e temi estesi, uso di tonalità maggiori e minori, pad e archi strategici e vocals che possono andare da sibili a vere e proprie strofe, un mix in grado di incarnare diversi stati d’ animo, ideale anche per i work out!

Nello stesso periodo collochiamo anche l’ hard trance, genere in cui si alternano pause estemamente melodiche a momenti asssolutamente ritmici quasi al confine con l’hardcore, molto versatile e pertanto suonato sia da dj trance che techno

Vi segnaliamo qualche ascolto per il periodo 2000 – 2009

Diverse le caratteristiche della vocal trance, la variante più commerciale del genere che in Italia raggiunge l’ apice intorno al 2011, e come si intuisce dal termine, lo spazio principale è riservato ai vocals, è possibile infatti distinguere strofe e ritornello affidati a voci soavi quasi sempre femminili mentre le tonalità sono sempre maggiori

Ricordiamo nomi come Hemma Hewitt, Cristina Novelli, Armin Van Buuren, Dash Berlin, Cosmic Gate e Giuseppe Ottaviani che ci proiettano inevitabilmente nell’ ultimo decennio dove sono innegabili le trasformazioni storiche apportate dalla tecnologia

Le trasformazioni più evidenti riguardano l’ uplifting perchè, mentre prima poteva essere in qualche modo affiancata alla progressive, oggi gode di un’ identità propria

L’ Uplifting è il sottogenere ritmato e veloce a quota 138 bpm, caratterizzato da voci in levare che vengono alzate di tono fino a identificarsi con il synth a cui si fondono completamente

Il tema è esteso e le tonalità sono spesso in minore, archi e pad concorrono a rafforzare le atmosfere oscure e sognanti

Hardstyle

La Germania e i Paesi Bassi sono i primi ad unire l’ influenza EDM techno, hardcore e trance in un nuovo sound sperimentale

L’ hardstyle, genere compreso tra 135 e 150 bpm, si diffonde all’alba dei 2000 nei paesi del nord Europa ma, proprio per le forti influenze techno e trance, trova forte consenso in Italia

Qui moltissimi tra dj e producer iniziano a produrla e a suonarla, il primo singolo esce infatti nel 2001 ed è I’m your deejay di Dj Zenith vs Avex

Subito dopo arrivano Technoboy, Tuneboy, Tatanka, Vortex, Mondello e Nino Pipitò a incrementare le produzioni discografiche e con esse la diffusione della Early-hardstyle

Meritano menzione anche i Brooklyn Bounce, artisti che si posizionano tra techno e hardstyle

Nel 2005/2006 la early lascia il posto alla Nu-style che si caratterizza per avere kick compressi e distorti, lead sia dance che trance e infine strofe e assoli

In Olanda, i fratelli olandesi Walt & Sjoerd Janssen ossia gli Showtek rilasciano nel 2007 il singolo dal titolo Fuck The System seguito da diverse collaborazioni con Technoboy Nel 2012 abbandoneranno la nu-style per aderire all’ EDM, periodo in cui l’ hardstyle viene ribattezzata come Euphoric

In questa fase si collocano artisti come Headhunterz, Blasterjaxx, Wildstylez, Brennan Heart e Noisecontrollers mentre Angerfirst e Nosferatu appartengono invece alla Rawstyle, ossia l’ ultima fase dell’ hardstyle in cui lo stile, più cupo e aggressivo, non privilegia la melodia ma anzi ruota intorno al kick

La velocità aumenta e i bpm raggiungono quota 160 e oltre, quindi hardstyle e hardcore si fondono e subiscono ciascuno l’ influenza dell’ altro!

Quanto agli eventi, se il Tomorrowland è uno dei festival EDM più importanti, il Qlimax e il Defqon.1 sono sicuramente i festival hardstyle per antonomasia, segue il Decibel

Chiudiamo con una riflessione: l’ EDM esiste sin dall’ ingresso dei sintetizzatori, quindi nessuno gridi allo scandalo! La dance doveva necessariamente garantirsi un avvenire e questo era possibile solo con la revisione dei suoi contenuti: la dance music oggi

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Demo pronto, che fare?

Il capitolo label è uno dei più ostici, spesso infatti ci si trova nella situazione di aver terminato il proprio demo e non sapere esattamente a chi inviarlo

Scegliere una label non è semplice e i tempi di attesa sono lunghi, potrebbero passare mesi prima che vi diano un feedback, concesso che lo facciano (capiterà anche di non ricevere risposta alcuna)

Vogliamo poi parlare della mole di materiale che le labels ricevono, materiale che per noi rappresenta l’ emblema della concorrenza?

Abbiamo quindi pensato che ottimizzare i tempi sia fondamentale e per questo abbiamo stilato un elenco delle major e minor labels con i relativi indirizzi per l’invio dei demo

In più, anche un accenno alle labels italiane

Alternativa alle labels

Poniamo il caso che abbiate provato e riprovato a farvi produrre da una label senza esito… che fare? Lasciar perdere tutto?

La soluzione è aprire la vostra label!

Sul sito feiyr.com (il migliore fra tanti) trovate le info che occorrono, ad aiutarvi un team di esperti che si occuperà di pubblicare e promuovere i vostri singoli su tutti i portali digitali, da Beatport a Shazam passando per Spotify

NB: si offriranno di realizzare anche le grafiche del vostro progetto, ma sarebbe opportuno le realizzaste voi non tanto per un discorso meramente economico, quanto di risultati nel medio e lungo termine:

“L’ immagine che darete di voi, sarà il vostro biglietto da visita”

Badate quindi all’ appropriatezza tra progetto discografico e grafiche ad esso correlate, in altri termini definitene l’ identità

L’ osservazione e lo studio dei competitors vi aiuterà a costruire lo “scheletro”, è importante però che sappiate creare qualcosa di funzionale, o ancora meglio, qualcosa di nuovo

Siamo ormai tristemente abituati alle critiche sulla “vaghezza” dei contenuti quindi poter disporre di un progetto concorrenziale è fondamentale alla riuscita dello stesso

Colmate ove serve le deficienze e lavorate, lavorate e ancora lavorate!

Non aspettatevi di fare il “botto” al primo disco, non succede (quasi) mai, del resto tutti passiamo dalla gavetta

Ci vorrà del tempo prima di raccogliere i frutti, le difficoltà non mancheranno e a volte sembrerà tutto perso… Il segreto è non mollare mai!

Potete scriverci per consigli, feedback o revisioni di mix e mastering, saremo lieti di potervi essere d’ aiuto

Vi lasciamo con una bellissima citazione di Nazim Hikmet:

“Non rinunciare ad un sogno solo perchè pensi che ti ci vorrà tempo per realizzarlo. Il tempo passerà comunque”

Buona fortuna!

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L’ ultimo decennio

Pensate alla dance music, cosa vi viene in mente?

Le risposte possibili sono molte e includono:

• Big room
• Melbourne bounce
• Future house
• Bass House
• Psy trance

Parliamone nel dettaglio!

Dance music di stampo house: Big room

Strofa e ritornello vengono indicati rispettivamente dai termini break e drop, è fondamentale distinguerli perchè nella big room il break rappresenta sempre la parte melodica e per questo è di tipo progressive house mentre il drop è affidato all’ electro house, ne rappresenta quindi la parte ballabile che deve essere ritmata e travolgente

Questa è la struttura base: intro – build up – break – drop – break – build up – drop – outro

Ovviamente la sequenza degli elementi può cambiare in base al tipo di stesura che il producer edita quindi tutte le combinazioni sono valide, ad esempio > intro – build up – drop – break – build up – drop – outro

↓ Struttura di Levels di Avicii ↓

Nelle tracce avrete sicuramente notato la presenza di lanci e pause che servono a staccare o legare le atmosfere che s’ intende suscitare, la dance music è infatti pensata per i festival quindi tutto è incentrato sui diversi momenti della pista, a proposito della quale non possiamo non citare gli Swedish House Mafia, trio formato da Steve Angello, Sebastian Ingrosso e Axwell, che per primi hanno suonato la big room concorrendo insieme a Basto e Laidback Luke alla sua diffusione

Il ritmo si mantiene in 4/4 e i bpm oscillano tra i 126 e i 132

I primi dischi sono abbastanza semplici, peculiarità della prima fase della big room, le melodie sono infatti ripetitive ma, molto presto gli artisti ne articolano le strutture

√ Nicky Romero

√ Afrojack

√ Hardwell

√ Nervo

√ Avicii

√ Bingo Players

√ Tommy Trash

√ Moti

Questi sono solo alcuni dei nomi che hanno dato un’ identità mainstream alla big room ma hanno anche contribuito, come sua diretta conseguenza, ad attirare personalità artistiche che venivano ad esempio dalla scena trance, vedi Sander van Doorn e Tiesto

Altra diretta conseguenza è l’ emergere di Dj producer giovanissimi, è il caso di Martin Garrix che a soli 17 anni rilascia Animals, il singolo schizza subito alla 1° posizione della Top 100 di beatport ma non piace proprio a tutti…

Sul main stage dell’ Ultra music festival di Miami del 2014, Deadmau5 suona un remix di Animals nella versione “vecchia fattoria”, un troll a tutti gli effetti che acuisce le tensioni sul set, proprio quel giorno infatti Deadmau5 sta sostituendo Avicii, sentitosi male poco prima

Il made in Australia

L’ Australia gioca un ruolo fondamentale nella diffusione della dance dell’ ultimo decennio, assistiamo infatti ad un processo che con epicentro a Melbourne, si diffonde nel brevissimo tempo in Nuova Zelanda, Malesia, Tailandia, arrivando a spopolare in Germania, Inghilterra e, se pur in ritardo, anche in Italia

Parliamo della Melbourne Shuffle ossia la street dance australiana che grazie a Youtube e quindi alla possibilità di postare e condividere video, consente ai ballerini, detti shufflers, di sfidarsi ai contest e contemporaneamente invitare chiunque voglia destreggiarsi con la danza a mettersi alla prova

Il fenomeno shuffle è virale e raggiunge il culmine nel 2011 quando viene pubblicato il video ufficiale del singolo Party Rock Anthem dei LMFAO: qui i protagonisti ballano lo shuffle ed è possibile riconoscere alcuni dei passi fondamentali come il running-man, il foot-dragging e il t-step

La Melbourne Shuffle viene consacrata a genere musicale e, coerentemente alla diffusione della big room, viene rielaborata: la nuova dance music è la Melbourne Bounce, conosciuta anche come Melbourne House perchè influenzata dall’ electro house olandese (Dutch house) ha di fatto esaltato i music festival, basti pensare ai dj set di artisti come Deorro, DVBBS, Will Sparks, Timmy Trumpet, Joel Fletcher, Vinai, SCNDL e TJR

Su Beatport viene collocata come categoria indipendete, sebbene fosse considerata da molti un sottogenere della big room, e in effetti non è passato molto tempo prima che venisse inglobata insieme ad altri sottogeneri “minori” al gruppo b.r

Le lamentele non sono mancate, molti artisti hanno infatti rimproverato che le loro produzioni fossero state improvvisamente catalogate in un unico grande calderone, perdendo in qualche modo l’ identità e l’ appartenenza ad un genere specifico; Per altri invece, la questione ha inasprito ancor di più i temi della bolla edm

In generale non bisogna prendere le cose troppo sul serio, e durante un’ intervista Uberjak’d dichiara:

“La musica non dovrebbe essere presa troppo sul serio, e se così fosse, allora stai facendo qualcosa di estremamente sbagliato”

Polemiche a parte, quello che occorre chiarire è la differenza tra big room e melbourne bounce, differenza tecnica e al contempo stilistica evidente nel kick drum: quello b.r è solido, lungo e si mantiene costante per tutto il tempo della stesura mentre, nella m.b è piccolo e corto e subito dopo è incalzato dal basso in levare, l’ accento dato dal levare è ciò che distingue i due generi

Future House

Come anticipato, l’ house torna prepotente sulle scene già dal 2010 quando viene rielaborata da Tchami, Oliver Heldens e Don Diablo, gli artisti pionieri del nuovo genere

Su Billboard.com il singolo Last all night (Koala) di O. Heldens è indicato come uno dei migliori 20 singoli di sempre mentre il disco successivo “Gecko (overdrive)” consacra la future house a genere mainstream concorrendo all’ entrata dei singoli nelle charts internazionali: “In principio era house, poi è arrivata la deep e innumerevoli altri sottogeneri discussi”

si legge ad inizio articolo e, sin dalle prime battute possiamo risolvere l’ ennesima diatriba, molti infatti non accettano che la future house venga dalla deep e preferiscono mantenere una certa distanza tra i due filoni

La future house è, in realtà, il trait d’union tra la funky house, la deep e gli elementi tipicamente big room come le linee di basso date da synth con waveform quadra e ADSR corto e le voci trattate con pitch shifter

Possiamo anche affermare che è solo Tchami ad aver ideato il genere, e che dopo di lui innumerevoli artisti si sono cimentati nel copiarne lo stile, quasi a volersene impossessare!

 Pertanto alla domanda cos’è la future house? Tchami risponde:

“Nella mia mente, la future house è tutti i tipi di musica che non sono ancora stati inventati quindi non la considero un genere; Penso che la gente chiami future house la mia musica perchè è molto specifica e funge da ponte tra l’house e l’EDM, che non è una brutta cosa”

In merito alla questione Laidback Luke sostiene che l’ avvenire della dance music sia la future house:

“dal mio punto di vista, è la deep house mixata con l’EDM, la future house è una tavolozza con cui sperimentare, andando dove nessuno è mai stato prima”

Le parole di questi artisti ci lasciano intendere che la future house arriva in un momento storico in cui l’ EDM è povera di innovazioni e che potendo disporre di un nuovo sound, è possibile colmare finalmente la separazione tra club e music festival

La dance music che unisce le radio ai festival è senza dubbio la future house, si tratta di un grosso passo in avanti perchè finora i singoli sono stati suonati ai concerti ma mai inseriti nelle tracklist radiofoniche e viceversa (escluse le promozioni pagate naturalmente)

Singoli:

Martin Solveig & GTA – Intoxicated

CID & Kaskade – Sweet memories

Benny Benassi – Aphrodisiak

Kristine Blond – Love shy (James Hype Rmx)

Bass House

Il biennio 2015 – 2016 vede un ritorno alla bass house, le sue origini però risalgono ai primi anni 2000!

In Inghilterra e in particolar modo a Birmingham e a Sheffield i generi consolidati della dubstep, della Uk garage, della grime e dell’ house si fondono in un unicum detto Uk bass o anche post – dubstep per l’ importanza della sincope alla base del genere

Essenzialmente la bass house è “figlia dell’ house e della dubstep”, ma anche “dubstep, trap, uk garage & rave”

Una sua descrizione risulta complessa perchè, in realtà, esiste un’ unica regola: niente regole, nessuna formula e totale libertà espressiva

Questo acccade per la necessità di creare singoli ad alta energia (Hi – NRG) e movimento che possano far scatenare la pista, prima ai rave e dopo ai music festival e, contemporaneamente garantire una continuità alla dance music specie quando, sopraggiunta la crisi dell’ EDM, tutto viene messo in discussione

La bass house rappresenta idealmente il tentativo di fermare quanto più a lungo possibile una ferita sanguinante

Gli elementi distinguibili consistono in break e build – up, linea di basso pesante e vocals variegati a riprova delle fortissime influenze dubstep, e conseguentemente anche trap e drum&bass… Una “struttura” del genere implica un range ampio che va dai 135 ai 142 bpm

I pioneri del genere sono Switch, Sinden e Jack Beats, quest’ ultimo più di tutti segna il futuro della bass house non solo perchè primo a suonarla e a produrla, ma anche per essere il riferimento da cui partire, proprio il suo stile infatti ispira AC Slater, Valentino Khan ed Ephwurd, poi arriveranno anche Jauz, Gastly, Hi-Lo (progetto di Oliver Heldens) e infine Mura Masa, da notare che sono tutti di nazionalità diversa come diverse sono le caratteristiche delle loro produzioni

La bass house non ha regole ma il fattore territoriale le fa da padrona, siamo passati infatti dalla uk bass originaria, (lo stile di Example per intenderci) a quella che noi definiamo future techno perchè, passando per l’ Europa Continentale, gli USA e la Cina, la bass house ha assorbito anche forti influenze techno oltre che big room

Ha inoltre destato un fortissimo interesse tra i bassisti di tutto il mondo e, malgrado le “crisi di corridorio”, le produzioni continuano ad essere rilasciate!

Vi segnaliamo:

1. Example – Midnight run
2. Ephwurd & Jauz – Rock the party
3. Gastly – Get on this
4. Hi-Lo – Renegade mastah
5. Mura Masa – Are you there

Psy trance

La psychedelic trance è un derivato della goa dalla quale però differisce per diffusione e velocità, dallo stato indiano di Goa raggiunge infatti Londra dove viene rielaborata e soprannominata Uk psy

E’ caratterizzata da atmosfere futuristiche, linee di basso portanti, range compreso tra 140 e 148 bpm e ritmo in 4/4

Viene suonata non solo nei rave e nei music festival ma anche in radio perchè, a partire dai primi anni 80 segue pari passo le tecnologie di produzione assorbendo le influenze di altri generi da un lato, e sviluppando innumerevoli sottogeneri dall’ altro, anche se non sempre nettamente distinguibili tra loro!

Delineare le caratteristiche di un genere estremamente variegato come questo risulta quindi macchinoso e tra l’ altro la dance music, specie nell’ ultimo decennio, è principalmente contaminazione… Ad ogni modo proveremo a tracciare un quadro completo suggerendo qualche ascolto

Uno dei sottogeneri più conosciuti è la progressive psy che emerge in Europa intorno al 2005, è più lenta e melodica rispetto alla Uk psy e si concentra sul progredire del groove e del ritmo; range compreso tra 134 e 138 bpm

Scendendo ulteriormente, a quota 130-135 bpm troviamo la minimal psy, detta anche deep psychedelic perchè meno incentrata sulla melodia e più attenta all’ uso degli effetti, principalmente riverbero e delay

E’ il turno della tribal psy o ethnic psy, la più colorata dei filoni con tracce ricche di tamburi etnici e campioni vocali di origine tribale, il range è compreso tra 136 e 140 bpm mentre il drop è “triplo” perchè ha una linea di basso costruita su 3 note corte molto vicine tra loro da cui si ottiene un basso in levare che suona come se fosse arpeggiato

Singoli di riferimento:

• Vini Vici – The tribe
• Armin Van Buuren Ft Vini Vici – Greet spirit
• W&W Ft Vini Vici – Chakra
• Vini Vici & Astrix – Adhana

La psytechno invece è il sottogenere che, non avendo limite, oscilla dai 128 ai 140 bpm quindi permette di esprimere l’ influenza deep, minimal o hard della psy trance

Sottogenere al quadrato per la psy tech – trance ossia l’ uplifting psy, dove troviamo basso tipicamente psy, lunghe pause uplifting e riff acidi, è il sottogenere a 138-140 bpm più apprezzato negli US

In Israele l’ uplifting coincide con la goa: nitzhonot che significa vittoria è infatti uplifting ma con ritmo alto (145 – 160 bpm) e casse pitchate in alto

La Finlandia dal canto suo, riprende la melodia goa e vi unisce il beat tribale, il sound acid trance, le chitarre funky e le reminiscenze anni 80 elaborando il sottogenere suomi (135-145 bpm)

L’ offbeat o Hamburg psy dal nome della città tedesca in cui origina, è caratterizzata da una linea di basso in cui una singola nota colpisce la cassa in 4/4, da cui il termine “offbeat”; Le tracce si muovono tra i 134 e i 140 bpm e comprendono spesso campioni vocali trattati con effetti come gate e sidechain

Norvegia e Svezia elaborano una psy trance in chiave forest, incentrata cioè sui rumori ambientali e le atmosfere presenti in natura, gli arrangiamenti sono essenziali e i bpm veloci, tra i 150 e i 160

Gli ultimi anni 2000 vedono emergere anche un nuovo sound, trattasi della psybreaks o psy tech – funk cioè un mix tra basso psy, snare electro e influenze industrial con un range compreso tra 130 e 138 bpm mentre tramontano la full-on e la night full-on, due sottogeneri veloci tra i 140 e i 150 bpm

Di nazionalità russa è, infine, la dark psy detta anche alien psy perchè caratterizzata dall’ uso massiccio di suoni artificiali simil laser ed effetti horror

La quantità ingente di sottogeneri trattati, ci porta inevitabilmente a considerare che la contaminazione sia l’ artificio di ogni meravigliosa trasformazione, essa prevede che generi e sottogeneri coesistano e si fondano, talvolta però attribuire alla dance music un’ etichetta a tutti i costi, non aggiunge valore ma al contrario, lo sottrae

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Storia e utenze

Spotify è il servizio musicale di streaming on-demand dei brani che appartengono a varie case discografiche, comprese quelle indipendenti

Lanciato sul mercato dalla startup svedese Spotify AB nell’ottobre 2008, solo 2 anni dopo guadagna, secondo Wired, più di qualunque altro rivenditore di musica in Svezia, sia online che offline

Dal 30 marzo 2015 lo troviamo come applicazione su PlayStation 4 con il servizio PlayStation Music e conta ad oggi ben 71 milioni di abbonati paganti

Spotify è disponibile nella maggior parte dei paesi dell’Europa, nella quasi totalità delle Americhe, in Australia, in Nuova Zelanda, in alcuni paesi dell’Asia e in Italia dal 2013

Fruibile attraverso Microsoft Windows, macOS, GNU/Linux e dispositivi mobili (iPod, iPhone, iPad, Android), si può utilizzare scegliendo tra 2 tipologie di utenza

• Free: è disponibile al momento della sottoscrizione del servizio accedendo con un account Facebook o Spotify, potete ascoltare una quantità illimitata di musica sebbene interrotta dalla pubblicità
• Premium: potete ascoltare musica senza interruzioni pubblicitarie, accedere ad ulteriori funzioni come lo streaming con maggiore bitrate (fino a 320 kb/s) e avere accesso offline alla musica e alle applicazioni mobili (abbonamenti disponibili con carte di credito/debito o con account PayPal)

Su Spotify la musica può essere visualizzata per artista, album, etichetta, genere, playlist o semplicemente per ricerca diretta, anche se alcuni artisti sono assenti in alcuni paesi per restrizioni sulle licenze imposte dalle case discografiche

Inoltre è possibile importare la musica da iTunes con l’opzione della sincronizzazione con un dispositivo mobile

Cosa offre Spotify?

Potete creare playlist, condividerle e modificarle con la collaborazione di altri utenti, i collegamenti alle playlist possono essere infatti trascinati nella mail o nella finestra di un programma di messaggistica istantanea e se il destinatario segue il collegamento, le playlist vengono scaricate direttamente nel suo programma Spotify

Le playlist scaricate si autoaggiornano se l’autore aggiunge o rimuove dei brani, inoltre come dei normali collegamenti, questi possono essere utilizzati ovunque, lo stesso principio vale per le singole tracce che possono essere trascinate nei vari programmi a proprio piacimento

Spotify però non crea playlist basandosi sulle preferenze degli utenti, per questo offre l’integrazione con last.fm, il servizio musicale online più grande al mondo, consente cioè di inviare le tracce ascoltate al proprio account su last.fm e questo le analizza permettendo così agli utenti di capire quali dischi o artisti ascoltino maggiormente

La funzionalità radio invece, genera playlist casuali basate su generi e periodi specificati dall’ utente che può saltare quante tracce vuole (vantaggio notevole su Pandora in cui vige limite di tracce) mentre la funzione Artist Radio crea anche playlist casuali di artisti affini all’ artista selezionato e i cui canali Artist Radio forniscono informazioni che comprendono la biografia e i singoli più famosi

Permette infine agli utenti di collegare i loro account a quelli di Facebook e Twitter, in particolare l’integrazione con Fb è obbligatoria ed è possibile accedere ai singoli e alle playlist preferite dei propri amici e condividere i singoli con i propri contatti tramite Messenger

Quotazione diretta in borsa

Da Aprile 2018 Spotify è entrata in borsa, e data la giovane età della società è sicuramente un risultato notevole

Spotify non solo è riuscita a garantirsi un primato rispetto ai competitors, fra tutti Apple music, ma addirittura l’ ha fatto senza intermediari bancari, quindi anzichè ricorrere a un’offerta pubblica iniziale (IPO), ha scelto la quotazione diretta

Pitchfork non ha però nascosto la sua titubanza:

«Ogni volta che una società decide di quotarsi, compie un passo che la costringe a inseguire obiettivi a breve termine»

e aggiunge:

«le sue perdite nette nel 2016 sono state di 600 milioni di dollari»

L’ assenza delle banche è in effetti un grosso pericolo e, considerando che Spotify paga gli artisti e tutte le parti coinvolte nella gestione dei diritti musicali ogni volta che una canzone viene ascoltata, circa 75 centesimi per ogni dollaro incassato, significa che non ha tratto risorse economiche malgrado il numero crescente di abbonati, diventa quindi fondamentale creare guadagni consistenti in tempi rapidi

Contro ogni previsione, all’ apertura della borsa di New York, Spotify ha debuttato a 165,90 dollari con una valutazione totale a 26,5 miliardi di dollari

La quotazione diretta in particolare, ha consentito agli investitori di comprare azioni agli stessi prezzi dei grandi fondi e di venderle fin dal primo giorno di quotazione mentre con un’ IPO sarebbero state bloccate per un certo periodo

Inoltre, oggi possiamo confrontare i numeri della società con quelli di Apple, è interessante notare che Spotify ha 71 milioni di utenti paganti e 90 di utenti free, mentre Apple Music ha 40 milioni di abbonati, tutti a pagamento!

La piattaforma deve comunque generare profitti attraverso nuove funzioni, strumenti e contenuti, come?

Le novità ufficiali

Spotify si evolve in etichetta discografica che si autoproduce i contenuti un po’ come Netflix che anzichè pagare le licenze, sceglie di realizzare serie e film autoprodotti

Garantisce la fidelizzazione degli artisti, questi cioè potranno decidere di limitare l’ ascolto delle nuove tracce ai soli abbonati per le prime 2 settimane dall’ uscita del singolo

Offre podcast di informazione e approfondimento politico, più avanti anche sportivo e di spettacolo, già 8 compagnie hanno accettato di produrre contenuti giornalistici, tra le più note BuzzFeed e Cheddar; Significa che sono i loro stessi giornalisti a produrre newscast con i quali Spotify spera di accaparrarsi una parte della pubblicità radiofonica che oggi vale circa 18 miliardi di dollari

Lancia Stations, una versione iper-semplificata di Spotify per ascoltare solo playlist preselezionate (con pubblicità) e Spotify Premium for Students, la promozione riservata agli studenti per acquistare un abbonamento premium a metà prezzo

Gli utenti free possono avere accesso a 15 playlist on-demand tra cui Daily Mix, Discover Weekly, Release Radar e Today’s Top Hits, un totale di 750 tracce che è possibile ascoltare senza limiti e senza la riproduzione casuale

Attiva la modalità low data per ridurre il consumo dei dati del 75% e crea un assistente vocale integrata all’ app mobile per impartire comandi vocali

In merito al futuro, si vocifera che il servizio streaming della piattaforma potrebbe iniziare a vendere dati sempre più dettagliati alle società che organizzano concerti per espandere notevolmente il business pubblicitario e aprirsi sia alle piccole che alle medie imprese mantenendo comunque il modello gratuito.

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Generi musicali – lista

• Dance anni 80
• Dance anni 90/2000
• EDM (electronic dance music)

Non amiamo le etichette tranne se si tratta di labels, ci ispiriamo quindi alla musica libera da schemi espressivi e da troppe regole di forma!

Premessa fatta, esploreremo i generi musicali club che hanno fatto la storia della dance e vedremo come si sono evoluti fino ai giorni nostri, ne elencheremo le caratteristiche fondamentali e cercheremo di guidare l’ascolto dei curiosi

Anticipiamo che ogni genere musicale può derivare dalla fusione di altri generi e ovviamente può avere dei sottogeneri, ecco perchè all’inizio abbiamo esordito con titubanza circa le etichette, c’è una tale contaminazione tra generi musicali e sottogeneri che una loro definizione può rivelarsi controversa

Dance anni 80

Il boom economico registrato in questi anni unitamente ai look colorati ed eccessivi della moda e allo sviluppo dell’ industria elettronica, crea un mix perfetto tra generi musicali e innovazione

Una ricca varietà resa possibile grazie alla diffusione delle prime batterie elettroniche tra cui le Roland TR-808 e 909, dei sintetizzatori come Moog, Arp Odissey e Korg Ms 10, dei microprocessori, degli home computer tra cui il Commodore 64 e infine, della tecnologia MIDI (Musical instrument digital interface)

Il MIDI è in realtà un protocollo che consente di collegare gli strumenti musicali elettronici a svariati dispositivi tra cui anche il computer

Tramite protocollo MIDI è possibile ad esempio:

• eseguire controlli sui parametri dello strumento elettronico tra cui nota, pressione, durata e sustain (ossia la proprietà di mantenere il suono nel tempo dopo che è stato suonato)
• modificare anche parametri non strettamente correlati alla scrittura musicale come cutoff (frequenza di taglio del filtro), resonance (larghezza della banda passante del filtro) e wave form (forma d’ onda dell’ oscillatore)

Il primo sintetizzatore (synth) dotato di interfaccia MIDI risale al 1983 con la tastiera Prophet 600, tuttavia la versione definitiva è implementata con la Yamaha dx7

Ma cosa s’ intende per sintetizzatore? Si tratta di uno strumento musicale elettronico in grado di generare autonomamente segnali audio cioè suoni di strumenti musicali reali e/o suoni artificiali

Può essere gestito dal musicista direttamente o da un sequencer, sia hardware che software

Ad oggi, il protocollo MIDI è normalmente integrato nella maggior parte dei software sequencer

Altra novità è rappresentata dal campionamento mediante sampler, ossia uno strumento musicale elettronico in grado di convertire un segnale audio analogico in un archivio digitale detto sample (campione)

Il processo avviene in 3 fasi:

• campionamento > misura dei livelli di tensione del segnale audio analogico,
• quantizzazione > il segnale analogico viene convertito in bit,
• memorizzazione > i dati trasformati in forma digitale vengono scritti in memoria

I campioni sono quindi registrazioni digitali che, se ripetuti in modo creativo diventano loop, ma sono utilizzati anche per introdurre effetti, ne parleremo in dettaglio quando esploreremo il mondo del Djing

Tornando ai generi musicali, gli anni 80 offrono un palinsesto ampio:

1. disco music,
2. synth – pop,
3. industrial,
4. new age

La disco music nasce dalla fusione di funk, soul, swing, elementi latini, afroamericani e psichedelici
Si caratterizza per un battito in 4/4 (four on the floor) cioè un tempo costante e accentato in cui la cassa (tamburo o kick drum) è colpita a ogni beat per la maggior parte del brano, regolarità degli hi-hat aperti su un battito non accentato e basso sincopato

Alcuni strumenti come archi, fiati, pianoforti e chitarre elettrici servono a creare un sottofondo “ricco”, altri invece sono impiegati per melodie soliste, come il flauto

Altri ancora sono introdotti per la prima volta come nel caso del sintetizzatore, innovazione fondamentale e necessaria alla diffusione del genere synth – pop (detto anche Techno pop) dato dalla combinazione tra sintetizzatori ed elementi pop che, grazie ai Kraftwerk come maggiori interpreti, diviene più ballabile e quindi popular

L’ industrial invece si caratterizza per lo più come un genere d’ avanguardia, nato infatti nelle fabbriche londinesi durante il periodo della pestilenza, diventa metafora della società industriale della quale riprende i ritmi, i rumori e le sonorità metalliche per farne muzak (musica d’ambiente) dallo stile ipnotico, dissonante e cacofonico

La new age infine, suonata esclusivamente con strumenti elettronici, rappresenta la variante più commerciale e melodica del genere musicale il cui stile è ispirato alla riflessione, al raggiungimento di livelli di coscienza superiori e di benessere fisico, le atmosfere sono pertanto meditative e accompagnate da suoni naturali in sottofondo

Alcuni dei nomi che hanno fatto la storia sono: Village People, Duran Duran, Enya, Giorgio Moroder, Moby, Depeche Mode, Eurythmics, Donna Summer

Verso i 90

Donna Summer ha un grande merito oltre che talento, quello cioè di essere stata la prima a fornire una definizione tecnica dell’ evoluzione e rielaborazione dei generi musicali anni 80 e 90 in Eurodance

Durante un’ intervista rilasciata in occasione dell’uscita del singolo I feel love, la Summer descrive il suo ultimo successo come vibrante e ad alta energia, coniando difatti il termine “high-energy”, poi abbreviato in Hi-NRG e utilizzato per descrivere la disco music con un tempo alto, ossia i singoli tra i 130-140 bpm, con ritmo in 4 battiti, voci riverberate e uso di sintetizzatori

Dance anni 90/2000

L’ unione dei generi musicali disco, techno, Hi-NRG e house degli anni 80 all’ uso continuo dei sintetizzatori, porta alla nascita dell’ EURODANCE

Il genere, conosciuto in tutta Europa come dancefloor, diviene popolare in tutto il mondo grazie al Summer Festival che si tiene a Ibiza nel 1994

Le caratteristiche sono l’ impiego di voci maschili o femminili, talvolta entrambe, che si alternano a strofe melodiche (solista) e altre rappate (duetto), ritornelli semplici e parti rap che possono essere più di una o mancare del tutto e che hanno influenza reggae o scat (canto improvvisato di estrazione jazz)

Indipendentemente dalla nazionalità degli artisti, si canta in inglese e alcuni nomi hanno protagonisti personaggi come Ice Mc, Alexia, Double You, Cappella, Scatman John, Ace of Base e Vengaboys

Il tempo in 4/4 viene mantenuto salvo qualche variazione, le percussioni sono realizzate con sintetizzatori e i bpm variano dai 110 ai 150

I temi dei testi sono improntati ai valori positivi come amore, erotismo, sessualità, amicizia, relax o anche ostacoli da superare, per cui verrebbe da pensare che per rispetto ai temi si scriva sempre in tonalità maggiori, in realtà, spesso si ricorre al minore

I sintetizzatori invece sono impiegati per creare arpeggi, ossia abbellimenti che si applicano agli accordi, le note infatti sono eseguite in successione rapida anziché simultanea

Emozione, riflessione e alternanza di tonalità maggiori/minori sono elementi fondamentali del filone progressive degli anni 90 e 2000

Progressive

La progressive degli anni 90/2000 ha 2 sottogeneri musicali che sono la dream e la mediterranean progressive

Strutturalmente i brani sono vere e proprie composizioni musicali, non solo per la durata che si assesta tra i 5 e gli 8 minuti, ma anche per la presenza di arrangiamenti armonici che solitamente mancano nelle altre produzioni discografiche

La stesura è divisa in 5 parti: intro, prima parte, climax, seconda parte e conclusione (ecco perchè si ha bisogno anche di 8 minuti) e poichè la conclusione e l’introduzione sono identiche nel groove (serie ritmica che si ripete ciclicamente), i singoli progressive hanno struttura ciclica e non lineare

Possiamo udire distintamente cassa, basso, piatti, synth, tastiere e vocals femminili che consistono in strofe e/o semplici frasi

La dream caratterizza il periodo 95-97 e ha come protagonista Robert Miles con il successo internazionale Children, seguito poi da Fable (entrambi contenuti nell’ album Dreamland)

La mediterranean è associata storicamente alla Dream, ma ciò che la contraddistingue è l’origine, il termine è infatti coniato da Bortolotti che lo utilizza per indicare i singoli progressive e gli artisti di cui lui è produttore alla Media Records, ad esempio Mauro Picotto, Franchino, Mario Più e lo stesso Gigi D’Ag

Bortolotti quindi è l’ideatore e precursore del sottogenere musicale italiano noto come Italo Dance che vanta molti artisti i cui singoli sono stati disco d’oro e/o di platino

Italo Dance

Le caratteristiche del genere musicale sono simili, le voci sono però modificate con il Vocoder, effetto che modula la voce mediante un suono portante esterno e/o con l’ impiego dell’ Autotune, un software di correzione dell’intonazione che forza la voce in una scala prestabilita

Questi strumenti identificano artisti come Cher ed Eiffel 65 e sono utilizzati tutt’oggi

I testi questa volta sono scritti anche in italiano e il basso ha un suono metallico e graffiante, è infatti soprannominato Tuba-Bass

Nel periodo 92-97 l’ Italo dance comincia a differenziarsi stilisticamente sia dall’ eurodance che dal genere progressive e, paesi come la Germania iniziano a produrre lo stile italiano

Ricordiamo successi come quelli dei Corona, Netzwerk e Da Blitz

Dal 99 l’ Italo Dance si consacra a genere mainstream e permette a moltissimi artisti di emergere e tenere alta l’eccellenza italiana all’estero, dopo i Da Blitz è il turno di Gigi D’Agostino, gli Eiffel, Prezioso e Marvin e l’ immancabile Media Records di Bortolotti come tramite fondamentale

La dance italiana raggiunge le vette delle classifiche internazionali con milioni di copie vendute e alcuni singoli come “Blue” degli Eiffel entrano alla posizione numero 6 della Billboard hot 100 americana, mentre l’ “Amour Toujours” di Gigi D’ag si trova alla 78′ posizione

Non possiamo non citare artisti come Magic Box, Gabry Ponte, Paolo Sandrini, Dj Ross ma soprattutto alcune voci meravigliose come quelle di Erika, Lady Violet, Anita Doth dei 2Unlimited, Jenny B (Giovanna Bersola) successivamente sostituita da Sandy Chambers e infine il timbro eccezionale di John Biancale, ossia colui che ha prestato la voce a Billy More 

Lento Violento

Il lento violento, sottogenere dell’ italo dance, viene fondato da Gigi D’Ag che nella scelta del nome riprende un’ idea musicale di Ottomix (il quale a sua volta s’ ispira ai produttori austriaci)

Le caratteristiche sono date da elementi afro degli anni 80 campionati in chiave house, ritmo a bassi bpm di stampo afro/tribal/techno (dai 70 ai 120) e infine pesanti bassi di derivazione techno hardcore

Nel 2005 Gigi D’Ag inizia il programma settimanale “il cammino di Gigi D’Agostino” in onda su m2o, l’ appuntamento radiofonico diventa giornaliero grazie al montaggio di Deltapiù e dura fino al 2009

Il 27 Aprile del 2007 Gigi rilascia l’ album “lento violento e altre storie”, una raccolta di 35 brani in doppio cd che raggiunge le 20 mila copie vendute e il disco d’ argento

A Luglio dello stesso anno esce “lento violento man – la musica che pesta”, album in doppio cd contenente 38 tracce tra cui “Taranza” di  Zeta Reticuli

Altra compilation degna di nota è Ieri & Oggi Mix Vol.1 uscita nel 2010 e contenente il successo di Zeta Reticuli “Benomale”

Anni 2000

Il sound eurodance inizia a tramontare con l’emergere di artisti che spostano la scena club verso house e techno, che difatti sono i principali generi musicali degli anni 2000

Il 2005 in particolare vede la nascita del colosso Youtube che favorisce la spettacolarizzazione dei contenuti multimediali mediante video musicali ufficiali, in questo periodo collochiamo infatti Benny Benassi col singolo Satisfaction, artista italiano che rielabora l’ acid house e la rave house degli anni 80 in chiave electro house, mentre gruppi come i Brooklyn Bounce e gli Scooter si collocano, già molto prima, su techno e hardcore

Ricordiamo che fuori dal contesto club, gli anni 2000 offrono una varietà di generi musicali tra pop, pop/punk, rap, r&b, metal e rock e nomi come quelli di Britney Spears, My Chemical Romance, Green Day, Eminem, 50 Cent, Ne-Yo, Chris Brown, Usher, Linkin Park, Red Hot Chili Peppers, Muse e Foo Fighters

Dance – pop 2010

Un’eccezione va fatta per Lady Gaga, Katy Perry e Rihanna perchè interpretano l’ eurodance ma, in chiave dance – pop

La dance – pop che ha Michael Jackson come maggior esponente, è originaria degli anni 80 e può essere considerata il risultato della disco music a cui nel tempo si sono aggiunti gli elementi synth pop, quelli house degli anni 90 e infine quelli deep del 2010 grazie al contributo continuo offerto dalla Romania come maggior produttrice deep house

I generi musicali della discordia: l’ EDM

L’ acronimo è riferito ai generi musicali che si diffondono a partire dal 2012, il termine però non è stato coniato ex-novo, era infatti già apparso negli anni 80 negli States e stava ad indicare i singoli nati dall’ uso di sintetizzatori, da cui appunto Electronic Dance Music

La scelta della parola EDM sarebbe quindi dovuta al tentativo commerciale dell’ industria discografica e dei suoi giornalisti di identificare una cultura musicale che, partendo dall’ acid house, dall’ electro e dalla techno e passando dai rave, genera un trasporto di pubblico tale da trasformare il concetto di party

Quando pensiamo all’ EDM infatti, ci vengono subito in mente i music festival

1. Tomorrowland
   
2. Lollapalooza
3. Sensation
4. Ultra
5. Balaton
6. Stereosonic
7. Sunburn
8. Creamfields
9. Coachella

La cultura musicale di questa generazione è incentrata sull’ idea di divertirsi ai concerti facendo festa sfrenata!

Le critiche non potevano mancare e, su Pitchfork.com, leggiamo che i dischi sono tutti uguali, i Djs sono pagati troppo e, come se non bastasse, i giovani muoiono per overdose, alcolismo o vengono accoltellati durante i concerti…

I retroscena dei festival e degli artisti descrivono la crisi tristemente nota della “bolla edm”, al riguardo della quale riteniamo sia doveroso esprimere il nostro parere!

L’ EDM identifica una preferenza, una storia, un’ emozione e non serve addossare le responsabilità unicamente ai festival o peggio, alla vita privata dei djs, abbiamo scritto un approfondimento sul caso Avicii proprio a dimostrazione del fatto che spesso, nulla è come sembra

Parliamo, piuttosto, di un modus vivendi che si è diffuso a partire dagli anni 60 quando, il consumo di droga ha iniziato ad essere associato alla musica psichedelica e che raggiunge il picco tra gli anni 80 e 90, tanto che acid house diventa un epiteto per riferirsi all’ MDMA, la droga “da festa”

Droga, alcool e criminalità sono quanto di più lontano ci sia dalla musica, ma il mondo non si cambia con le critiche e i divieti, chiudendo le discoteche e annullando gli eventi come più volte è accaduto, al contrario, si cambia con l’ informazione e l’ educazione

I generi musicali EDM definiscono una Belle Époque: il boom di releases, i grandi artisti, i mega concerti e le promozioni

L’ EDM frutta moltissimo alle case discografiche e ai djs mentre le risorse economiche non sono gestite nel modo migliore, questo è innegabile

Sfugge invece, la motivazione per la quale l’ industria discografica decide improvvisamente di far “tramontare” l’ edm in favore di generi come il pop – country e la tropical house, ok l’ascolto ma… quanto sono ballabili?

E’ possibile che la “bolla edm” sia stata sapientemente sfruttata per distogliere l’ attenzione dalle decisioni che si stavano prendendo sul futuro della musica e sul mercato ad essa correlato?

L’ ipotesi appare plausibile e, come sappiamo nulla si crea, nulla si distrugge: com’era l’ EDM music?

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