Para este anticipado sucesor, el grupo se mudó desde Rajasthan al estudio de Jonny en Oxford, y mantuvieron la familia creativa original bastante intacta. Ranjha toma el marco creado por Junun y lo refina, creando algo más íntimo y texturado, sin perder la enorme y ondulante energía.
Si bien entre ambos álbumes hay una década, Jonny le dice a Indulge que la predisposición para tocar juntos nunca se fue. «La inspiración siempre estuvo ahí, pero faltaron oportunidades. Es complicado hacer que la parte práctica funcione, pero siempre hay canciones para probar». Como muchos otros proyectos a largo plazo, Ranjha también fue afectado por la pandemia: «si, eso hizo que tuviéramos que esperar dos años. Pero lo terminamos»

Si Junun captura la emoción de músicos de occidente sumergiéndose en Rajasthan, Ranjha da vuelta la mesa completamente. Esta vez, los músicos indios viajaron a Oxford, y trajeron la misma sensación de descubrimiento, solo que desde el otro lado. «De cierta forma, es una imagen inversa. El primer álbum fue una chance para los músicos occidentales para visitar Oriente y sentirse fuera de lugar. Esta vez fue el turno de los indios – vinieron a Oxford y tuvieron la chance de inspirarse en un nuevo contexto».
La mudanza desde el fuerte a un estudio también abrió un nuevo mundo sonoro. «Hay más instrumentos y más tecnología. Eso significó que Zakir pudo tocar un sintetizador Moog y un órgano de iglesia además de su armonio, y Amir tenía más instrumentos de metal para probar». El resultado es un álbum que se siente expansivo sin perder el espíritu hipnótico que hizo a Junun tan cautivante en aquel momento.
En el centro de Ranjha yace la misma curiosidad musical que atrajo a los músicos por primera vez. En «Shemesh», Jonny se adentra en el raga Todi, luego de que Ben Tzur se lo enseñó. «Shye me enseñó el raga Todi, y yo intenté escribir una melodía de guitarra que pueda usarse como fondo para la canción. Es mi raga favorito por lejos: hay algo hermoso en esos dos semi-tonos de seguido».

Para Jonny, sin embargo, mezclar las tradiciones musicales de occidente y de la India es algo que requiere cuidado y mesura. Cuando le preguntamos cómo encara la inclusión de elementos occidentales en la música, me dice «cuidadosamente. A veces, cuando agregas elementos occidentales a la música india, tienden a simplificar el detalle de ambos estilos musicales: el lado ‘rock’ es brutal y simple, y el lado indio pierde la sutileza y complejidad. Además, si hay muchos cambios de acordes o armonías superpuestos, destruyen el raga. Por eso, se debe hacer con respeto».

Los videos para «Shemesh» y «Ranjha» se gestaron tan orgánicamente como la música, gracias al realizador Ian Patrick. «Ian Patrick, un talentoso realizador audiovisual de Londres, grabó mucho material y lo editó en un todo», dice Jonny.
Si bien Jonny cree que «un buen disco se debería sentir parecido a la música en vivo», todavía siente que la música en vivo es algo maravillosamente efímero y mágico. «Los shows en vivo son mágicos por su impermanencia: la música se ejecuta en un cuarto y desaparece», dice.

Sobre el futuro, Jonny espera que esta colaboración rinda más frutos. «Eso espero: estamos esperando a ver la reacción a esta última colección de canciones». Más que nada, sin embargo, espera que el álbum lleve a la gente a escuchar más música de la India. «Espero que los motive a escuchar más de esto – ya sea el folk Rajastaní o Carnático – o mejor aún, que la gente aproveche la chance de ver músicos indios tocar en vivo. No se compara con nada» agrega.

Publicado por Indulge, del Indian Express, el 16 de Mayo de 2026.
Texto original por P Sangeetha

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Pues, soy un fan de los instrumentos, más que de la guitarra. Soy consciente de que tocar la guitarra es un poco anticuado, siendo que hay 70 u 80 años de música de guitarra.. es considerada un instrumento tradicional hoy en día, junto al violín, acordeón y todo eso. No hay rebelión en ellos – lo que está bien, pero, por ejemplo, hay ejecutivos que compran guitarras y las cuelgan en sus paredes. Mientras más rápido pierda la imagen, mejor.

¿Por qué?

Porque trato de pensar los instrumentos en términos del color de su sonido más que las connotaciones que trae. Si alguien escucha una guitarra de acero, inmediatamente piensa en música country, y eso me frustra porque quiero pensar en términos del sonido que genera y qué emociones provoca. Cuando veo una guitarra, veo algo icónico que ha sido tocado por décadas, pero más importante es que simplemente son cables atados que atraviesan pastillas y un pedazo físico de madera. Eso es todo. Y pensar los instrumentos de esa forma me ayuda para ver que siempre hay cosas nuevas para hacer con instrumentos antiguos.

Eres bueno encontrando eso. Pienso, por ejemplo, en la versión en vivo de «Burn the Witch» de Radiohead, donde tocas la guitarra con un arco de cello.

Es una especie de fertilización cruzada ¿no? Apenas puedo mantener la afinación en un cello, por lo que hay un poco de identificar tus limitaciones también. También toqué el cello como banjo para la banda sonora de The Power of The Dog, pero si me escuchas tocar el cello con un arco, sería horrible. No está dentro de mis capacidades, pero siempre robo técnicas de una cosa para usarlas en otra todo el tiempo. Uso una púa para tocar violas y violines, copiando el rasgueo y el silenciamiento de cuerdas con tu mano derecha, como en la guitarra… cosas como esas me atraen. Siempre digo que toda tecnología, ya sea un bombo o la última computadora, son solo ideas que alguien tuvo para hacer sonidos, y me emocionan todas ellas.

Aparentemente también tuviste que encarar la instrumentación de manera muy diferente cuando grabaste Junun en 2015

Si, la tarea era tratar de encontrar un balance entre agregar cambios de acordes y cambios de armonía sin arruinar la canción, sin arruinar lo que es genial de la música india. Es una mentalidad muy diferente, porque cosas obvias como acordes mayores o menores, triadas, todas esas cosas a las que estamos acostumbrados, no significan nada en la música india. Se trató de aceptar esas nuevas formas de pensar.

Un proceso de desaprendizaje pero ¿uno agradable?

Si, por supuesto, e inclusive en el nuevo álbum que hicimos, Ranjha, hay momentos que me volvieron loco porque, tu sabes, sentía que había lugar para armonías, pero no. Hay una canción que se llama «Shemesh», escrita en una escala llamada todi, y cuando estaba tratando de componer la parte de guitarra, me senté con Shye y ocasionalmente me decía «no, no podés usar esa nota, no, no está permitida». Es desafiante pero te fuerza a tomar decisiones que no son obvias.

Parece que encaras la creatividad con una mente abierta.

Por supuesto, tienes que tener una mente abierta, pero no demasiado como para que se te caiga el cerebro.

¿Estás más interesado en desafiarte que en tocar perfectamente desde lo técnico?

No lo sé. Me cautiva ver gente que ha desarrollado maestría en su instrumento. Hice una gira con músicos clásicos y todos los días se sentaban juntos por cuatro o cinco horas para ensayar en su cuarto de hotel. Han puesto esa misma dedicación desde la adolescencia. Cuando visité India, por ejemplo, me quedaba mirando a estos músicos pensando en cuan asombroso es que hayan dedicado su vida a estos instrumentos, y ¡qué sonido producían! La dedicación es enorme, en comparación con algunos vagos, como yo, tocando algunos acordes en la guitarra. Es mucho menos impresionante.

¿No te parece que eres bueno en lo que haces?

O sea, a través de repetición. Me siento cómodo tocando la guitarra; siento que lo puedo hacer bastante fluidamente, y es lindo sentirse así, pero prefiero sentirme desafiado tocando algo diferente. Es bueno sentir que algo te cuesta. Me gusta como suena cuando la gente trata de aprender algo a tocando, sintiendo. Es como lo que dijo Tom Waits; le gusta sentarse y tocar algo todos los días, pero tiene que ser algo nuevo. Esto sin embargo es un poco contradictorio, porque odio la idea de que de alguna forma la música es más honesta si se hace desde la ignorancia e ingenuidad. Este escritor americano, Ted Joy, escribió sobre cómo los primeros músicos de jazz recibían halagos por tocar desde el corazón, pero la verdad es que todos podían leer música y comprendían teoría musical profundamente, y si no era así no podrían simplemente entrar a la sala y tocar en sesiones. Miles Davis fue [a la escuela de música] Juilliard; esta gente comprendía todos los aspectos de la teoría musical, pero muchos críticos de ese entonces querían creer que no sabían nada y que simplemente tocaban desde el corazón.

¿Como afecta eso al hecho de que vos tenés formación clásica?

¡Estoy feliz de tener esa formación! me alegra saber sobre armonías asicas y cosas así; lo uso todo el tiempo. Pero a veces, cuando estoy tocando, cuando mis dedos están alto en el mástil, no sé qué notas estoy tocando; no soy tan bueno, por lo que hay algo de ignorancia también. Si tomas «Paranoid Android», en la parte del medio está compuesta como un coral de Bach, algo que aprendí en la escuela; al final está el solo, pero no sé que notas estoy tocando. Toco la guitarra ahí como una especie de instrumento de percusión, como si golpeara la guitarra en realidad. Por eso, siento que ambos lados de mi educación son necesarios.

¿De qué otras maneras estás tratando de expandir tu educación musical? Aparentemente investigas bastante cuando compones para películas, por ejemplo.

Si, o sea, me gusta comenzar una película con una serie de restricciones; por ejemplo, cuando hice Norwegian Wood, quería usar tecnología de la época. Pensé en usar tecnología de los 60s y tratar de encontrar la guitarra adecuada y el grabador de cinta adecuado, e imitar lo que los personajes del libro hubieran hecho. Eso llevó bastante investigación y también impuso muchas restricciones; pero creo que las limitaciones son una buena forma de ser creativo.

El hecho de que la composición para películas sea un trabajo solitario ¿es otro tipo de limitación?

Si, pero también tengo un director genial – y el director, la película, los personajes son todos parte de la «banda» por así decir. Por ejemplo, trabajar con Paul Thomas Anderson ha sido siempre divertido. Le gusta tener la música en un volumen alto en las películas y no corta las canciones … no es común. Soy consciente de que tengo mucha suerte al poder trabajar con él porque creo que componer para películas es difícil para la mayoría de los compositores. Puede ser una pesadilla. Pero para mí, ha sido increíble; definitivamente es diferente a estar en una banda, pero me gusta. Me gusta la tensión de la fecha límite, y el anhelo de que funcione bien.

Publicado por The Talks, en Mayo de 2026. Texto original por Emma Robertson

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El corto se exhibió en los eventos de escucha del álbum la semana previa al lanzamiento en diversas disquerías independientes alrededor del mundo.

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El guitarrista de Radiohead alguna vez dio una serenata con canciones de The Smiths y opina que George Michael era un genio. Pero ¿cuál es su canción futbolera favorita?

El primer single que compró
«Ally’s Tartan Army», la canción de Escocia para el mundial de fútbol de 1978, porque Inglaterra no había clasificado. Amaba el equipo de Escocia – Alan Rough, Martin Buchan, Gordon McQueen, Kenny Dalglish; mi yo de 10 años estaba consumido por la fiebre de la Copa Mundial

La primera canción de la que me enamoré
Cuando tenía 17, me enamoré de una chica llamada Mary, que era gran fan de The Smiths. Compré Hatful of Hollow para poder darle serenatas con «William, It Was Really Nothing». No creo que le gusté tanto como The Smiths.

La canción que elijo para karaoke
Celebré mis 29 años en Japón, haciendo promoción para OK Computer. El gerente de Toshiba EMI, el señor Inagawa nos llevó a un bar de karaoke. Para la 1 de la madrugada, teníamos puestas máscaras de animales y el señor Inagawa lloraba mientras Thom cantaba «My Way». Me encanta el karaoke cuando la gente está ebria; es como que piensan «te amo, cantemos ‘Copacabana’ por tercera vez.

La canción de la que por algún motivo se toda la letra
«Fastlove» de George Michael, a quien aprecio enormemente como genio del pop. Y por Dios, esa voz; esto puede sonar raro viniendo de un miembro de Radiohead.

La mejor canción para poner en una fiesta
Estaba en esta fiesta de Halloween en Los Ángeles, un poco frío y tímido, cuando el DJ puso «Daft Punk is Playing at My House» de LCD Soundsystem, y pensé ‘vamos todavía’.

La mejor canción para tener sexo
Para mí, es uno u el otro. Prefiero los sonidos de la naturaleza; ríos, viento, los amantes.

La canción que ya no puedo escuchar
No escucho más música indie; he tenido suficiente. De cierta forma me alejé de la música de guitarra. Estoy muy feliz de no tener que escuchar ‘How Do You?’ de Radiohead.

La canción que secretamente amo, pero digo que la odio
A veces cuando estoy con amigos y escucho una canción, me pierdo en mi mismo analizándola. Recientemente escuché ‘The Captain of her Heart’ de Double, canción que quizá en algún momento descarté por dudosa, pero ahora pienso que es un tema genial.

La canción que cambió mi vida
‘Walking on the Moon’ de The Police me hizo querer tocar la guitarra. El sonido de la guitarra de Andy Summers parece haber sido grabado en la luna.

La canción que me pone de buen humor en la mañana
Misa en Si menor de Bach.

La canción que me hace llorar
Mi nueva canción «Blue Morpho». Cuando mis hijos eran más chicos, vivimos en Brasil en una granja a la vera de la selva. Es sorprendente como la música captura emociones. Siempre que pienso en su infancia, comienzo a llorar.

La canción que quisiera pongan en mi funeral
Canté Requiem de Gabriel Fauré en un coro cuando era pequeño. El movimiento final, In Paradisum, es una de las piezas musicales más hermosas y relativamente simple. Elijo esa.

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Ed O’Brien habló con NME sobre como la recuperación de un período de depresión y su «noche oscura del alma» ayudaron su nuevo álbum Blue Morpho, sobre la gira de regreso de Radiohead y el futuro de la banda.

El guitarrista lanzó su álbum debut Earth bajo el seudónimo de EOB en 2020. Con batallas propias y el regreso a Radiohead de por medio, describe los seis años desde ese momento «con altibajos pero mucho mejor recientemente». «He disfrutado al hacer este álbum, vivir un poco la vida, ser padre, atravesar un período difícil», le dice a NME. «Todo el mundo tiene esos momentos en la vida, pero logré salir del pozo y estoy agradecido por la experiencia. Siento que es parte del viaje que es la vida. Poder afrontarlo directamente con mi buena suerte; poder atravesarlo y sentirme completo es bueno».

Ese «período difícil» llegó junto con el segundo aislamiento debido a la pandemia de Covid, ya que Ed tuvo que detenerse por completo y esto lo obligó a reflexionar y conversar con traumas pasados. «No tuve opción», admite. «Creo que tienes que encontrar las raíces de la depresión. Leí When the Body says No de Gabor Maté. Básicamente, argumenta que la depresión, las enfermedades autoinmunes, el cáncer – todos ellos tienen raíces en la niñez. Reprimimos muchas cosas porque no las procesamos. Ese segundo aislamiento, cuando no podíamos ir a ningún lugar, me forzó a entrar a ese lugar oscuro, sentarme, sentirlo, no tenerle miedo, y confrontar mis miedos. Obviamente fue difícil. Se sintió muy desafiante, pero me he apoyado en la práctica espiritual por un tiempo, quizá 20 años. La meditación es la piedra fundamental. La primera pregunta que le hago a cualquier amigo mío que está en un mal momento es si medita. Es lo más poderoso que tenemos a nuestra disposición. Creo que deberían enseñar meditación en las escuelas».
Además de ayudarse con «la forma más sencilla y profunda de meditación – sentarse y enfocarte en tu respiración por 20 minutos cada mañana – Ed encontró el respiro necesario para trabajar en su álbum en el poder sanador de la naturaleza, en su casa en Gales. «Eso involucra meterte en agua fría, caminar y despertar», compartió. «Siempre he sido un chico de campo que ama los espacios abiertos, pero siento que la madre naturaleza no solo es extraordinaria sino también sanadora.
Uno de los problemas que tenemos como sociedad moderna es que nos despegamos de la madre naturaleza. Todas nuestras decisiones están hechas por gente en ciudades. He vivido en ambas, pero hay algo en el campo y en el poder de las estaciones».
Agrega que «hemos perdido la visión. Este planeta que hemos recibido como regalo me sorprende; escuchar el canto de las aves, encontrar quietud en la madre naturaleza, es en eso en lo que me apoyé».

Vivir sin un «jefe o un trabajo de 9 a 5» le permite a O’Brien el privilegio del tiempo y el espacio, y eso es algo que asegura lo ayudó a enfrentar su depresión de frente. «No tuve que medicarme por lo que pude sentir el dolor; sentí la oscuridad, caminé por el fuego. Eso lleva tiempo; no hay atajos. Vivimos en una sociedad que busca la gratificación instantánea».

O’Brien, con 58 años, comparte que los 30 años de mantenerse ocupado escribiendo y tocando en vivo los 9 álbumes de Radiohead y su rol de marido y padre lo ayudaron a «soslayar» y «mantener los fantasmas en la distancia». «Cuando llegó el segundo aislamiento, los fantasmas me tocaron la espalda y me dijeron que era momento de procesar esto, de reconocer todo esto», dice. «Cuando lo sientes, puedes procesarlo. Es el Infierno de Dante. En la mitad de la vida, me perdí en los bosques».

Al haber encontrado el camino para llegar al otro lado, O’Brien dice que se siente maduro y más completo en comparación con la última entrevista en 2020. «Si no hubiera tenido esa experiencia, estarías hablando con una persona muy diferente. Ese tipo no sabía qué tan perdido estaba; no estaba siendo honesto consigo mismo».

Si este período de quietud obligada hubiera llegado antes – supongamos que Radiohead se hubiera tomado una pausa tan larga en las dos primeras décadas del siglo – ¿hubiera atravesado un proceso similar?
«Es una buena pregunta», responde. «Nos tomamos de hecho un año sabático en 2012, y fue ahí cuando mi familia y yo nos fuimos a vivir a Brasil. No sucedió en ese momento. Tenía 44, y mis hijos de cinco y siete años ocupaban toda mi atención. Fue intenso y estábamos inmersos en tratar de ser una familia. No había espacio para que esto surja.
Mientras más envejezco, menos creo en el azar y en los accidentes felices. He tenido crisis de salud a lo largo de los años y siempre he intentado recuperarme. Durante años he sufrido con mi salud mental y depresión. Creí que lo controlaba con mi meditación, pero tu cuerpo a veces simplemente dice ‘OK, has hecho bastante, pero te vamos a dar con todo ahora’. Puedes manejarlo. Creo mucho en que el tiempo es todo. Reprimes cosas de tu niñez. Mi cuerpo y mi alma simplemente me dijeron que no era sostenible. Si quieres estar bien, si quieres estar entero, necesitas afrontar esto y procesarlo».

Al hacer eso, O’Brien se encontró cuestionando la forma en la que la sociedad maneja la «salud mental masculina», y encontró que la palabra y las platitudes que conlleva son insuficientes dados los «niveles de dolor que la gente siente».
«Esa frase, salud mental masculina, es muy inadecuada», asegura. «Es tan meh, tan insulsa. [Experimentas] algo muy intenso y esas palabras no le hacen justicia. Es una menospreciación de la salud mental».
Junto con medicina y terapia, O’Brien dice que la sociedad necesita considerar la totalidad de herramientas disponibles para la recuperación, especialmente la espiritualidad. «Somos seres espirituales viviendo en un cuerpo físico», asegura. «Mucha gente sufre y no se lo encuadra adecuadamente. He hablado abiertamente sobre mi depresión en el pasado y muchos jóvenes se me acercaron para hablar al respecto. Les dije que si miramos el mundo actual, la respuesta más legitima es una forma de pesar y depresión, porque es una mierda. Tenemos la forma más cruda de capitalismo, que desata guerras; hemos llegado a este punto ridículo en la historia.
Sabemos que no le sirve al planeta, a este hermoso hogar. Sabemos que no le sirve a la gente, y todos están tan enojados, fragmentados, torturados que no queremos usar ‘salud mental’. Nuestros líderes siguen como si nada. Y se preguntan por qué la gente se despega tanto de la política. Es porque todo el maldito sistema no tiene como objetivo gente feliz o un planeta feliz.
La gente se suicida para escapar ese dolor. La sociedad no quiere investigar cuáles son las causas. La causa es el maldito sistema que pone muchísima presión en la gente, deuda, tensión. La humanidad va a mirar atrás en 500 o 600 años y dirá que fuimos muy unidimensionales. Toda sociedad cree que es la más avanzada, pero en nuestro caso somos patéticos. Somos capaces de cosas extraordinarias, pero el sistema nos mantiene atados a un camino insostenible».

La idea de seguir el camino de lo extraordinario en la humanidad y naturaleza es central en Blue Morpho, lanzado esta semana. El álbum comparte el nombre con una mariposa nativa de Brasil que está asociada con nuevos comienzos y emergió de la «noche oscura del alma» del músico, con la motivación de este nuevo sentido de propósito.
«Parte de mi se preguntaba qué carajos estaba haciendo; había lanzado Earth y me sentía insatisfecho con partes de él. Me preguntaba si podia hacer esto. Además, no esperaba volver a ser parte de Radiohead, y eso me hacía preguntarme quién era y qué era mi vida.
Mi único propósito, además de ser padre y eso, era tratar de crear algo bello para el mundo, celebrar la belleza. Ya sea la belleza de la naturaleza o de las cosas que los seres humanos son capaces de hacer. Hay suficiente oscuridad en el mundo; traigamos algo de belleza y luz».

Además de enamorarse del proceso de escritura de letras «de una forma que nunca había apreciado», O’Brien también encontró una nueva «familia musical» en Paul Epworth y Riley MacIntyre (productores), y las colaboraciones de Shabaka Hutchings en flautas, Dave Okumu en guitarras y ESKA en voces. «Este álbum y su proceso me mostraron que voy a hacer esto hasta el día que me muera, independientemente de si la gente quiere escuchar o no», dice O’Brien. «Amo hacer música, y amo lo que produce. El proceso a veces fue muy incómodo, y eso es lo que me gusta. No solía apreciar la naturaleza de eso; era simplemente algo que debía atravesar. Ahora veo como sirve un propósito.
Quiero hacer otro álbum y tengo más que suficientes ideas para el próximo».
Compartió que «probablemente» no pasen otros seis años antes de que lance el tercer álbum – ya que el intenso período de padre ayudando a sus hijos a atravesar Covid y exámenes finales ha finalizado, ya que tienen 20 y 22 – pero su foco ahora está en Blue Morpho y en dejar que las canciones cobren vida en el escenario.
«Una de las mejores cosas que tiene el espíritu de Radiohead es que no nos da miedo fracasar», admitió. «Hay siempre peligro; siempre hay momentos musicales malos pero no importa porque estás buscando esos momentos de trascendencia que involucran elementos moviéndose en diferentes maneras».

Dadas las revelaciones de los últimos seis años como hombre, padre y artista, la idea de volver a Radiohead para su gira de regreso en 2025 ¿fue intimidante o estaba listo para el desafío?
«Fue sorprendente», dice. «Fue intimidante por cierto porque todos querían hacer que salga lo mejor posible y la última que hicimos [en 2018] no fue genial. Tenemos mucha suerte de que la gente quiera ver lo que hacemos, pero en el centro de todo solo hay cinco personas.
Tengo sentimientos fuertes al respecto y dije que si el amor entre los cinco está presente, todo va a salir bien y no tendremos que preocuparnos. Las canciones se tocan solas de cierta forma, pero si están el amor y los sentimientos entre nosotros – y estuvieron, y fue glorioso. Tocar en el escenario circular hizo que todo esté en el centro y que fluya desde ahí. Todos pudieron sentirlo».

Tanto que O’Brien disfrutó y apreció su lugar en Radiohead mucho más. «Si soy honesto, siempre me sentí inseguro con mi voz comparada con la de Thom al ser el único que armoniza con su voz sorprendente», confesó.»En nuestros comienzos tuvimos una serie de ingenieros de monitores y no podía escucharme cantar, y eso generó muchas inseguridades. Pero lo mejor de ser la voz principal y tener que trabajar en eso en el estudio es que para cuando vuelves a hacer coros en Radiohead, todo parece más sencillo.
Me encantó. Amé la confianza de pensar ‘puedo hacer esto’; poder cantar, poder estar al margen, fue sorprendente. Sentí que podia alcanzar a Thom en las voces por primera vez. Pudimos hacer cosas que quizá hubiera descartado hacer hace 10 años».

En este punto, le preguntamos si esta confianza quizá decantaría en Radiohead escribiendo un nuevo álbum, sucesor de A Moon Shaped Pool de 2016.
«¿De dónde sacaste que hay un nuevo álbum de Radiohead?», contestó con risas. «Sé que es de buena intención. La gente quiere escuchar un nuevo álbum de Radiohead. No puedo imaginarme porque no hemos hablado de eso. Creo que es porque el último álbum fue muy difícil de hacer. La historia de ese álbum es tan oscura; proyecta una sombra enorme. Preguntame de nuevo en seis años».

Por ahora, O’Brien finaliza diciendo que simplemente se sintió «afortunado como músico y como creador», y de poder estar en este lugar de paz. «Ya sea depresión, crisis de salud, salud mental, nervios, todo esto tiene un antes y un después», concluye. «Resueno más con el después; el después se siente bien».

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Dentro del mundo de las bandas famosas mundialmente, Jonny Greenwood es difícil de encasillar. Si, por cuarenta años ha sido miembro de Radiohead, ocasionalmente sacudiendo la cabeza y creando sin descanso; pero también se ha aventurado fuera de las limitaciones del rock. Nos reunimos para discutir Ranjha, su segundo álbum junto a un grupo de músicos tradicionales indios, Rajasthan Express, liderados por el compositor israelí Shye Ben Tzur.

Esta no es la primera excursión de Greenwood en otros mundos musicales. En febrero, el músico estaba en carrera por tercera vez en la categoría de Mejor Música Original de los premios Oscar por One Battle After Another, para su frecuente colaborador Paul Thomas Anderson. En Septiembre, se presentará junto a London Sinfonietta en el concierto Steve Reich a los 90, en el Royal Festival Hall.
Mientras hablamos, ya casi termina un segundo álbum colaborativo junto al músico israelí Dudu Tassa, sucesor de Jarak Qaribak (2023), del que participan cantantes de Palestina, Marruecos, Egipto, Dubai e Iraq.

En medio de todo esto, lo que el guitarrista llama su “nave nodriza”, Radiohead, no estaba muy alejada. Entre noviembre y diciembre pasados, Radiohead salió de gira por primera vez en siete años. Un tema casi fijo en esos veinte shows fue “Let Down”, de OK Computer (1997) – tema que se ha viralizado entre la generación TikTok. Adoptado por hordas de nuevos y jóvenes fans, la canción se convirtió en la cuarta más escuchada de la banda en Spotify (después de “Creep”, “No Surprises” y “Karma Police”). Sin embargo, casi no fue incluída en el álbum. “[el éxito tardío] me resulta particularmente extraño”, dijo Yorke antes de la gira. “Porque luché con dientes y uñas para que no esté en el álbum”.
“Si”, asiente Greenwood, con una sonrisa detrás del flequillo que lo acompaña desde los comienzos de su carrera. “Pues, Thom es así, no? Tiene un largo historial de ser …” y deja la frase sin concluir. “Si, es cierto. Pero también es el que más entusiasmo muestra por todo. Y el más energético, el que más alienta cuando escucha algo y le parece genial – más que cualquier otro de nosotros. Ciertamente no desmotiva. Es lo opuesto cuando estamos grabando. La gente no ve ese nivel de energía y entusiasmo”.

Bueno, lo ven cuando está sobre el escenario – Yorke y su particular y caprichoso baile fueron una presencia cautivante durante esos shows. Greenwood acuerda. “Estaba parado en el escenario, escuchando y mirando a Thom cantar y al resto de la banda tocar y pensé ‘esto es genial’. Pongámoslo de esta manera: estuve enfermo durante dos shows, y me puse tan mal por estar enfermo, por no poder disfrutar cada segundo del show, como el resto de la gira. No puedo creer que tenemos una nueva oportunidad de hacer esto, realmente”.

También debe haber sentido un poco de alivio; luego de verse involucrados en el intenso debate sobre Israel y sus acciones militares en Gaza, ¿se preparó Radiohead para protestas en los conciertos de parte de activistas pro-Palestina?
“¿Preparados? si, o sea, no, nos enfocamos en ensayar y después del primer show nos dimos cuenta de que no había problema”.

En 2017, Radiohead se presentó en Tel Aviv, algo que enfureció al movimiento BDS. Greenwood, cuya esposa es israelí y ha criado a sus hijos como judíos, también se presentó junto a Tassa en 2024 en la ciudad. Durante un show solista en Melbourne ese mismo año, Yorke fue interrumpido por su “silencio” sobre la guerra en Gaza; el cantante replicó las críticas furioso y luego se bajó del escenario. En mayo pasado, los conciertos que Tassa y Greenwood tenían planeados para Bristol y Londres fueron cancelados por amenazas al staff de los recintos. En respuesta, Greenwood y Tassa compartieron un comunicado diciendo que “la intimidación para cancelar nuestros shows no va a ayudar a alcanzar la paz y justicia que todos en el Medio Oriente merecen”.

Previo a la reunión de Radiohead ese mismo año, BDS pidió más boycotts. “Radiohead continúa su silencio cómplice, y un miembro repetidamente ignora nuestra protesta”, dijo un organizador de la campaña.
Estuve en el primer show, en Madrid, y no hubo protestas afuera o dentro del Movistar Arena. De forma similar, al menos hasta donde yo sé, tampoco hubo protestas en Londres. Sin embargo, el problema nunca se sintió superado, alrededor o dentro de la banda. Greenwood le comentó a The Times antes de la gira que “lo único que me averguenza es haber arrastrado a Thom y a los demás a este problema. Pero no me averguenza trabajar con músicos árabes y judíos. No puedo disculparme por eso”. Yorke, por su parte, dijo en la misma entrevista que nunca volvería a presentarse en Israel, y que “no quiere estar a 5000 millas de distancia del régimen de Netanyahu, pero Jonny tiene raíces allí así que lo comprendo”.

En la entrevista hoy, Jonny me comentar que “todos admiran los proyectos que encaro” – proyectos que finalizo a pesar de la censura y cancelación. “Estoy seguro de que desearían que sea más sencillo, pero todos muestran su apoyo. A eso me refiero con esta situación problemática. Podría ser más divertida y fácil de sobrellevar.

Es interesante; hice una entrevista con Haaretz, que es como la versión israelí de The Guardian. Y el periodista quería saber por qué sigo haciendo música con gente que no es del mainstream, en referencia a Shye Ben Tzur y Dudu Tassa. Y le pregunté qué hacía que Tassa no sea del mainstream, a lo que respondió que era porque canta en árabe. Y le dije que eso solamente sorprende si eres askenazi, porque la tradición sefardí respeta eso. Fue una revelación interesante, que me pregunte eso; muestra lo complicado de la situación, en parte”.

La música, para mí, no tiene barreras; la gente no debería tener barreras. Es un ideal simplista y reduccionista ¿no?
“Si, exacto. Es simplista, por completo. Pero: buen álbum, buenas canciones, músicos sorprendentes, cantantes asombrosos”.

Greenwood, un orador amistoso pero directo, hace una pausa, y cuando reanuda describe algunos detalles de su más reciente album con Tassa. “Esta es la primera vez que trabajamos con estos músicos iraníes. Es una locura – grababan mientras los misiles caían. No recuerdo si viajaban a o desde Irán; pero durante los días más complicados grababan y nos enviaban material y nosotros hacíamos lo mismo. Se sentía como algo un poco mejor para intercambiar”.
Eso, remarca, “no es necesariamente” algo que deba ser remarcado. “No es el punto del álbum en absoluto; fue solo una coincidencia … pero es interesante; una persona en Londres que iba a ser parte del proyecto, tangencialmente, aceptó participar solo si no publicamos su nombre. Le recordamos que todos los músicos iban a dejar su nombre, y son de Egipto, Marruecos y lugares donde podrían ser amenazados. ¿Por qué querrias ocultar tu nombre? nos pareció una mala actitud”.
Esta persona, Greenwood aclara, pensó que colaborar con Greenwood y Tassa en este proyecto musical étnicamente agnóstico y multicultural se vería como si “tácitamente estuviera apoyando a Netanyahu; ese era su miedo. Es horrible”.

El álbum fue finalizado a pesar de todo, y Greenwood ahora está mezclando los temas; todavía no está claro cómo será lanzado – si algún sello discográfico intentara lanzarlo “creo que tendría a BDS en la calle, protestando”.
Pero ahora mismo Greenwood está metido en Ranjha, parte de una colaboración contínua con Ben Tzur que ha sido una revelación para ambas partes. Greenwood admira el tratamiento en el álbum de “Dios y lo divino … no hay muchas bandas occidentales cantando sobre Dios sinceramente”. Por su parte, Tzur – con quien hablé por teléfono desde Jaffa, cerca de Tel Aviv, me dice que aprendió “tantas cosas sobre música de Jonny y sobre ser abierto”, a pesar de que solamente conocía “Creep” de Radiohead cuando Jonny se puso en contacto hace 10 años.

Ranjha es el sucesor de Junun, de 2015, grabado en el fuerte Mehrangarh del siglo XV en Jodhpur y producido por Nigel Goodrich. Poco después, Greenwood convenció a sus compañeros de banda de tener a Rajasthan Express como invitados en tramos de la gira 2016-2018 de A Moon Shaped Pool. Fui a dos conciertos de esa gira, pero lamentablemente me perdí el artista invitado. ¿Cómo recibieron los fans la experiencia?
“Tenemos un público con la mente muy abierta, como ya sabes. Fue diferente a tener un DJ simplemente moviendo la cabeza y apretando botones de su iPad, o algo así”.

Greenwood también ha tenido problemas con las fronteras y los regímenes en otros frentes. En la granja que su esposa y él tienen en Marche, Italia, cultivan aceitunas y fabrican aceite. Shufra di Shufra se vende por Internet, pero recientemente consiguieron los permisos necesarios para exportar a Estados Unidos. “¡Finalmente!, exclama con una sonrisa. “¡Problema enorme! similar al Brexit; una capa de nuevos problemas legales. Es un producto de exportación italiano, y Trump no es fan de los productos europeos. O sea, es lo más clase media que podría estar haciendo”, dice con una sonrisa y me promete que enviará una botella.

Ya sea hablando de su ingrediente artesanal, o de su música artesanal que no ve fronteras, la gente que quiere consumir sus productos – ya sea aceite de oliva o música – siempre hay debe saltar obstáculos para conseguir lo que produce. Pero para Jonny, esto vale la pena.

“Si”, asiente arreglándose el pelo. “Es la curiosidad por la próxima cosecha, o la próxima canción, o álbum. Todo eso es similar para mí. Me pregunto cuál será la calidad de la cosecha este año, el lanzamiento, y qué saboreará la gente. Espero te guste el aceite. Te mandaré uno de los condimentados”.

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Esta semana, Thom Yorke fue distinguido como parte de la Academia en la edición 71 de los Premios Ivor Novello, que celebra la habilidad, impacto cultural e importancia sostenida de composiciones musicales y visuales. Luego de la introducción por parte de Harry Styles, Yorke dio un discurso de aceptación apasionado [ver más abajo] en el que pidió mejor trata a los artistas por parte de la industria, antes de sentarse para ser entrevistado por Matt Everitt, de BBC 6Music.

Al ser consultado por las fechas en vivo de Radiohead en 2025, el líder de la banda describió la experiencia como «avasalladora». «Estoy muy muy feliz de haberlo hecho, pero si me hubieras preguntado antes de salir, no te hubiera podido responder. [Pensaba que] tenemos que ponernos en forma, amigo … esto me está matando, ¡es mucho trabajo!
Hay momentos que quedarán en mi memoria. Nos sentimos parte de todo tanto como el público. Honestamente. La primera noche en Madrid, caminar entre medio de la audiencia fue extraordinario. La primera noche en Berlin; las noches de lunes son kamikazes para cualquier persona, pero ahí tenías a 20.000 hipsters de Berlin volviéndose locos, diciendo que jamás olvidarían esto. Fue genial».

Cuando le preguntamos si volvería a salir de gira con la banda, respondió tímidamente «si, quizás», pero dio más detalles de su inminente nuevo álbum, a estrenarse a fines de este año. En la ceremonia, estrenó el tema «Space Walk». «Estoy tratando de finalizar algunas cosas. Es algo solista; estoy tratando de descifrar qué es; estoy mezclándolo. Lo hice con Sam Petts-Davies. Ha sido un proceso divertido y bastante diferente para mi.
Pronto sabré bien… por momentos pienso que es genial y que me gusta; eso es suficiente. ¿Qué más te puedo decir? Hay una canción llamada «lamebotas» [Arse-kissers].

Siguiendo la línea de los Ivors, Yorke describió la composición musical como «una forma de comunicarse cuando no hay otras maneras» y «como un gusano en mi cerebro haciendo túneles que tengo que sacarlo de ahí sino el bastardo vivirá ahí por siempre».

Sobre su discurso, Yorke explicó como el estado actual de la industria musical «es bastante similar a otros paisajes en los que la era del capo de la tecnología está llegando a su fin». «Han hecho mucho dinero y ahora creen que la tecnología puede de alguna forma sustituir la interacción humana; como si hubiera algo mejor allí afuera cuando claramente no hay», le comentó a Everitt. «Creo que es muy interesante que la misma gente que hizo todo eso ahora esté especulando con el valor de objetos – como pinturas de Picasso – encerradas en una bóveda, sin darse cuenta de que el modelo económico entero va a expirar a menos que pongan en práctica la redistribución. Por muy poco dinero, puedes apoyar a un artista que realmente te interesa y ayudarlo en sus comienzos».

Volviéndo sobre los primeros días de Radiohead, a comienzos de los 90, Yorke recordó cuando firmaron contrato con EMI Records. «Una de las cosas extrañas que recuerdo es conocer al tipo que era la cabeza de EMI en ese momento. Me miró después de que firmamos el contrato, me dio la mano y me dijo que llegaría lejos; que no tenía dudas al respecto; que si necesitaba algo que le avise, y esas cosas. Yo le agradecí y le dije que necesitaba una camioneta, un poco de dinero para instrumentos y que nos dejaran en paz por un par de años hasta que encontráramos nuestro camino. Me dijo que estaba bien. Eso hicimos y al final del segundo año, lanzamos ‘Creep’ y estábamos en los charts.
Después de eso nos pedían otro ‘Creep’ y nosotros nos negábamos. Después nos pedían otro The Bends, y después otro OK Computer y ahí fue que les dijimos chau. Nos dieron mucho espacio, si, mayormente porque nuestro management peleó por nuestros intereses».

Habló sobre su hijo Noah y su banda, Hex Girlfriend, y cómo le sorprende «la falta de visión» de los responsables de la industria. «No hace falta muchísimo apoyo para permitirle a la gente crecer y encontrar su camino. Para ser honesto, los Ivors estaban llenos de gente muy interesante – Jacob Alon especialmente. Me encantaría estar equivocado, pero sé que la forma en la que la industria está organizada actualmente es bastante miope. No tiene sentido. La verdad es que solo aprendes de tus errores. Hoy por hoy, cometes un error y estás afuera.
Ese es mi punto; esto es algo que aprendes. Es como lo que dijo Elton John: todavía lo emocionan las cosas nuevas. A mi también. Creo que lo dije un poco más extrañamente pero estoy de acuerdo. No quiero que la generación de mi hijo copie lo que hicimos. No necesitan hacer eso; pueden hacer algo mejor».

El cantante y solista dijo que esta «orgulloso» de lo que Radiohead alcanzó, pero que el mundo de la música debería pensar más en el presente y el futuro más que obsesionarse con el pasado. «En el mundo real, la gente necesita sentir que un artista aparece cada tantos años y sorprende a la gente. Recuerdo cuando escuché Nevermind por primera vez y pensé ‘OK, vamos’. Cada tanto sientes eso. De eso estoy hablando».
Agregó que «los Ivors son un testamento interesante de la importancia que la gente le da a la música. Para mi, es sorprendente en dos niveles: uno, que la gente quiera darme un premio; dos, que la gente se sienta así. Eso es genial.
Para mí, creo que cada generación necesita encontrar su idioma propio. La gente que acumula todo el dinero debería tener el sentido común de apoyar, si es que realmente les importa la música. Nada de cumplidos; simplemente mantener las cosas en claro. Páguenle a los artistas; déjense de joder con idioteces».

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¿Puedes describir tu primera experiencia en Rajasthan, en la grabación de Junun en 2015?

Conocí a Shye Ben Tzur hace 15 años y hablamos sobre cómo hacer un álbum con su música sin que sea demasiado reverencial pero respete a lo que le estaba cantando. ¿Cómo grabamos esta música con el mismo espíritu que un álbum de Radiohead? Nigel Godrich aceptó venir a la India y el Maharaja de Jodhpur nos permitió grabar en este sorprendente fuerte. No podia haber pedido algo más perfecto que esto. Paul Thomas Anderson vino y filmó todo para un documental genial. Así se sintió estar ahí exactamente.

¿Cuál es tu rol en los álbumes?

Guitarra, bajo y algo de programación de ritmos. Y hacer que canciones sin acordes tengan acordes y estructuras. La mayoría de las canciones están escritas siguiendo el método clásico indio. No hay acordes – hay un zumbido y hay una melodía. No hay lugar para las armonías occidentales en la música india. Debes desaprender todo.

¿Qué se siente entrar en una sala de ensayos llena de músicos con los que nunca tocaste antes?

Tu reputación te precede y eso usualmente no es algo bueno. Yo simplemente entro con el mismo entusiasmo que siente un niño, espero al menos. Haber tocado en varios recintos para muchísima gente no se siente parte de mí tanto como escuchar y tocar junto a otros músicos. Es lo único que quiero hacer.

¿Cómo difiere Ranjha?

Shye decía que debería sonar como un santuario en el espacio. Lo hicimos en dos o tres semanas en Oxford – tocando todos los días, todo el día. Nos instalamos donde grabé los discos con The Smile y teníamos esa tecnología a mano. Fue realmente interesante verlos tocar instrumentos occidentales con un abordaje muy diferente. Es mucho más interesante que yo tocando la sítara – algo que puede ser terrible (hace una mueca) … me da escalofríos solo pensarlo.

Esta música tiene un enfoque devocional, y has estado escribiendo música para órganos de iglesia antiguos. ¿Estás desarrollando un interés por la música religiosa?

A los británicos nos averguenza discutir seriamente de creencias religiosas. La cultura occidental hoy en día solo habla de Dios en relación a ellos mismos – como cuando agradecen a Dios en ceremonias de premios – pero Shye simplemente canta sobre su amor por lo divino, nunca sobre sí mismo. Personalmente, creo que soy más religioso que espiritual. Cuando era joven, tocaba la viola muy mal y hacíamos música de Bach en iglesias de Abingdon. Eso me educó. Cuando escucho esa música, siento que trata de comunicar algo que es más grande, verdadero y abrumador.

Tus padres ¿estaban interesados en la música?

No era una familia muy musical. Ahora hay chicos en bandas tocando canciones que sus padres conocen y aprueban, lo que es extraño para mí. Mi mamá era de una generación en la que la música con guitarras era terriblemente vista. Cuando venía a ver a Radiohead, me preguntaba si íbamos a sentarlos en mesas. Pero nos apoyó completamente llevándonos a diferentes salas de ensayos en Oxford. Mis padres pusieron una flauta dulce Hohner crema bajo mi almohada como sorpresa cuando tenía seis años, como una sorpresa. Y eso fue todo. No podía creer que podías hacer música con algo.

Seguiste tocando hasta que dejaste la escuela. La flauta dulce ¿está subvalorada?

No te gustaría que arranque con ese tema. En este cuarto en el que estoy, hay quizá cuatro de ellas. Es fácil tocarla, pero difícil de hacerlo bien. Hay una flauta dulce en el estribillo de «The Bends».

¿Cuál era la banda sonora de tu casa?

Supongo que Colin y sus álbumes de New Order a la mañana antes de ir a la escuela. Recuerdo a mi hermana, 10 años mayor, viniendo a casa con el álbum Germfree Adolescents de X-Ray Specs. Colin y yo lo habremos escuchado diez veces al día, por varias semanas, al punto que la hacíamos enojar. Éramos como vampiros – no escuchábamos mucho, pero lo que si escuchábamos, lo dejábamos seco. Cosas copadas como The Fall, the Pixies y Sonic Youth, pero además Kid Creole and the Coconuts, Simon y Garfunkel, Grease. Escuchábamos todo eso con la misma reverencia y emoción. El objetivo siempre fue grabar un álbum. ¿Cómo componían música? ¿Cómo la grababan? esa era la atracción.

¿Cuándo te diste cuenta de que tenías talento para este negocio que es la música?

En gran parte logro aparentar algo que no soy. Creo que si me ves tocar la batería por cinco minutos, piensas que puedo tocar. Pero si me prestas atención por 10 minutos, te darás cuenta que no. Y eso lo hago con muchos instrumentos. Soy bastante limitado pero logro encontrar un espacio en esas limitaciones. En el séptimo año de escuela, hice un examen de viola y reprobé, y eso te dice mucho. Me pasé a la guitarra y pensé que era suficiente, porque soy un poco vago.

Vago parece una palabra muy extraña para alguien tan prolífico. ¿Quizá eres más bien inquieto?

Lo que viene me emociona más. Mi fantasía es pasar por una tienda de instrumentos y poder comprar cualquier instrumento; supongo que me he convertido en el adulto malcriado que tanto soñé.

¿Puedes encontrar algo interesante en cualquier instrumento?

Es una discusión amistosa y permanente que mantengo con Thom. Trato de verlos solo como el sonido que producen pero lamentablemente hay connotaciones al usar un acordeón o una guitarra de cuerdas de nylon, o un órgano Hammond. Y es una pena. Las veo como tecnologías; solo que algunas son más nuevas que otras. La gente sigue escribiendo música nueva e interesante para órganos antiguos y hay cosas terriblemente cliché compuestas con Ableton en laptops.

Conociste a Thom cuando tenías 13 años y él 16. Describe ese primer encuentro.

Había una máquina de ritmos en un pequeño y oloroso cuarto y estábamos desesperados por usarla. Recuerdo estar ahí tocando la batería, o tratando, y Thom vino con un contrabajo y me dijo «toquemos juntos». Creo que trataba de echarme de la banda para poder tocar la batería él mismo. Dijo «toca el contrabajo; es fácil. Simplemente inténtalo». Y de cierta forma tenía razón. Siempre fue la banda de los amigos de Colin. Eran mayores, más grandes e intimidantes. Aun cuando tenemos 50, todavía tenemos esa relación en la que soy el hermano menor molesto. Nunca lo superamos.

Radiohead – u On A Friday en aquellos días – evolucionó inusualmente despacio y en privado. Entre 1988 y 1990, no tocaron en vivo, simplemente ensayaron. ¿Por qué?

Simplemente no intentábamos mesurar lo que hacíamos contra la respuesta de otros. Grabamos canciones en cassettes que luego escuchábamos obsesivamente en casa. Era bastante narcisista en realidad. Puedes decir que viene de la modestia o de la timidez, pero hay algo de una obsesión por ti mismo. No recuerdo desear compartirlo.

Es como el cliché de la música indie, «hacemos música para nosotros, y si alguien más gusta de ella, es un bonus».

(risas) Exacto. Recuerdo pensar que Thom escribía canciones tan buenas como las de Elvis Costello, pero probablemente había alguien así en casa escuela del país. No te das cuenta de que es inusual. Pero en retrospectiva, él era – y sigue siendo – inusual.

Comenzaste en los teclados antes de cambiar por la guitarra, pero nunca pareciste enamorado del mito del héroe de la guitarra.

Las interminables giras de Radiohead me forzaron a tocar la guitarra todo el tiempo, al punto que se siente natural ahora. A veces se siente tonto – bueno, no tonto pero es algo muy tradicional. Spinal Tap siempre está mirando todo lo que haces en una banda, y eso es particularmente cierto con la guitarra.

¿Cómo escribes los solos? ¿Te dejas llevar o los estructuras?

Es una mezcla. Algunas cosas son simplemente tocar la guitarra sin pensar, tratándola como cables en una caja atados al mástil. El aspecto físico es realmente emocionante. Pero al mismo tiempo, me enorgullece comprender teoría musical. Mi mamá me inscribió en clases de teoría musical cuando tenía 10 u 11, completamente pagadas por el gobierno; estaría perdido sin eso.

John McGeoch de Magazine es el guitarrista que más citabas en ese momento ¿por qué él?

Todo el tiempo tenía que esforzarme en recordar su nombre – no por falta de respeto, sino más bien por respeto a Magazine. Cómo está al servicio de las canciones es lo más sorprendente de él. No hay grandilocuencia. No se trata de su identidad fuera de la banda.

Hablas de estar al servicio de la canción pero tu presentación al mundo fue esa interrupción abrupta en «Creep», donde trataste de arruinar una canción hermosa y frágil. ¿Qué te impulsó a eso?

Por mucho tiempo, la llamábamos «la canción de Scott Walker». Supongo que el adolescente nauseabundo en mí la encontraba un poco llorona y quería transformarla. ¡Nada de baladas! Un pedal de distorsión y una guitarra bien alta es algo muy emocionante. Recuerdo a Sean Slade diciendo «es una pena que nadie vaya a escuchar esto, porque es muy bueno».

¿Qué quería decir?

Porque era el primer álbum de una banda sin proyecciones. Pero gracias a una gran cantidad de suerte, la descubrieron. Y aun cuando pasó, todos estábamos ansiosos de decir «si, pero no es lo que quise decir». The Bends es un mucho mejor álbum porque se sintió como si hubiéramos vuelto cinco años en el tiempo, cuando éramos una banda de escuela.

¿Qué pasó después de Pablo Honey?

Supongo que fue como la primera temporada de Blackladder. Te lanzas con una idea a medias que no funciona muy bien, pero después encuentras el rumbo. Puede ser intimidante. Consigues un contrato con un sello y de repente estás en un estudio de grabación con productores de verdad. Es difícil juntar el coraje para decir «queremos hacer las cosas así». Y después volvimos a ser nosotros mismos.

¿Qué haces cuando Thom viene con la idea básica de una nueva canción?

Creo que si Thom fuera Leonard Cohen, querrías que grabe la versión correcta de «Hallelujah». Su versión está bien, pero la canción puede ser muchísimo mejor. Esa es la motivación siempre. Thom acaba de sentarse en el piano y tocó «Pyramid Song»… ¿cómo le haces justicia? ¿cómo la arreglas? ¿cómo no la arruinas?

¿Podrías comentarme sobre alguna canción que hayas originado?

«Idioteque». Le llevé a Thom zapadas de media hora de carácter crudamente exploratorio y él tuvo la paciencia de escucharlos y decirme que había una secuencia de acordes en el medio que pensaba estaban buenos. Tiene muchas reservas de energía y entusiasmo. Él es el que puede venir corriendo a la sala cuando Ed está tocando algo y decir «¡eso suena genial!».

Una canción en proceso, ¿suena siempre terrible?

A veces tienes esa idea y comienzas desde cero nuevamente y seis meses después vuelves a la idea original y te das cuenta de que es mejor. Eso es cierto para la mitad de OK Computer. Regrabamos cosas como «No Surprises» pensando que eran malas. La música comienza a corroer si la escuchas todos los días. Es como leer una oración una y otra vez – comienzas a creer que no tiene sentido.

La gira de OK Computer fue notoriamente difícil para Thom, pero ¿cómo fue para vos?

Me divirtió mucho. Solía estar en mi cama 10 minutos después de bajarnos del escenario, e intentar dormir escuchando audiobooks. Me levantaba temprano a la mañana y pensaba «mierda, estamos en Berlin; esto es genial» Muy poco rockanrolero pero muy sorprendente y emocionante. ¡Que privilegio!

Las sesiones de Kid A también fueron famosamente tensas. ¿Eras uno de los combativos o de los pacificadores?

Mi broma usual era que si yo estaba a cargo, habría dos álbumes más de Radiohead pero la calidad sería 80 o 90%. Siempre votaba por seguir adelante y continuamemnte sacar cosas. Estaba impaciente. Mi rol era decir «vamos, esto está bien ¿Que sigue?». Estoy seguro que mis quejas constantes fue lo que hizo que lancemos OK Computer.

¿Es por esto que necesitaron encarar otros proyectos? ¿el metabolismo de Radiohead no era suficiente para vos?

La música no lanzada me estresa. Hay algo que provoca stress en la idea de algo que no esta terminado. Estoy escribiendo cosas en este momento que pueden terminar siendo canciones de The Smile u otra cosa, y la ansiedad de que eso no suceda no me deja dormir.

En 1991, abandonaste una carrera universitaria en música en Oxford Brookes University cuando Radiohead firmó un contrato con EMI. ¿Ves tu carrera musical como la carrera universitaria que no finalizaste?

Si, creo que es así. La he tomado muy seriamente. En las tres semanas que pasé en la universidad, tenían un Portakabin con algunos Moogs y sintetizadores análogicos. Y uno de los profesores nos hizo escuchar Threnody to the Victims of Hiroshima [de Penderecki]. Siento que agarré esas dos cosa y salí corriendo.

Los compositores que amas – Penderecki, Messiaen, Steve Reich – todavía estaban vivos y seguían trabajando. ¿Fue esa contemporaneidad lo emocionante?

Si, por supuesto. En esos días pensaba que todos eran lo mismo: tenías un disco de Pixies y uno de Messiaen y los dos seguían haciendo música. No quería darle más valor a uno que al otro.

Trabajaste con Penderecki en un álbum y un concierto en 2012 en Polonia. ¿Cómo fue esa experiencia?

Amigable, accesible y muy cercana. Un muy buen tipo. Fuimos a un bar en Cracovia y hablamos de música electrónica mientras tomamos vodka. Le mostré este software que manipula los sonidos, como él manipula las orquestas. Podía leer lo que pensaba – «si, pero las orquestas son mejores». Y tiene razón. Es extraño escuchar a una orquesta haciendo estos sonidos.

No mucho después de Smear, una pieza de orquesta para London Sinfonietta, la BBC Concert Orchestra te nombró compositor residente en 2004. ¿Sentiste síndrome del impostor?

Si, y lo siento seguido, pero se que es una pérdida de mi tiempo y del de los demás. No eres autocrítico, sino más bien te preocupa lo que los demás puedan pensar de ti. Eso no le interesa a la gente que está esperando que la música llegue a las bateas. Clive James dijo una vez que sus primeras composiciones fueron éxitos a medias que lo tentaron a seguir intentando. A veces me siento así. Pienso que algunas cosas son geniales y otras no. Son suficientemente buenas como para hacerte intentar de nuevo.

Paul Thomas Anderson se acercó para There Will Be Blood después de escuchar Popcorn Superhet Receiver con la BBC y la música para Bodysong de 2003. ¿Es cierto que no habías visto ninguna de sus películas?

No había visto Boogie Nights u otras. No soy muy cinéfilo, me averguenza decir. Tengo conversaciones con Paul en las que se refiere a películas y yo simplemente respondo «siiiiiiii, nunca la ví». Simplemente comencé a escribir música sobre los personajes.

¿Sientes que Anderson es un compañero de banda?

Totalmente. Es muy divertido. Soy muy amigo de él. Tiene un sentido del humor muy británico. Se burla de todo. Yo trataba de encontrar la manera de poner una flauta de jazz en The Master y él no paraba de mandarme fotos de Ron Burgundy [de la película the Anchorman]

¡Eso es muy gracioso!

¡No lo es! Es cruel. Casi abusivo diría, como todos sus comentarios. Es una combinación de entusiasmo y tomada de pelo que amo.

Eliges una instrumentación particular para cada score que haces. ¿Es esencial encarar los proyectos con parámetros estrictos?

Todo el tiempo. Suelo escribir la música con un solo método o me limito a ciertos instrumentos o tecnología. The Master está hecho usando uno de los métodos de trasposición de Messiaen, que solo te permite usar ciertas triadas o ciertos acordes.

¿En qué momento los demás proyectos comenzaron a filtrarse en Radiohead?

Comencé a perder el miedo de llamar a otra gente, como por ejemplo la London Contemporary Orchestra, y a escribir arreglos para ellos. Cuando hicimos «Burn the Witch», finalmente tuve el coraje de decir «no grabemos nada de música, solo la batería y la voz, y pongamos las cuerdas primero», en lugar de superponerlas a lo grabado, sin dejar espacio para hacer nada interesante.

The Smile fue una sorpresa en 2022 porque eran Thom y tu en una banda de rock que no era Radiohead. ¿Qué los motivó?

La misma frustración con las ideas sin terminar. Con The Smile tratamos de tocar canciones en una sala pequeña con un baterista. Y trabajar rápido. Radiohead es una banda genial pero las cosas suelen tomar tiempo. Es un poco como filmar una epopeya con muchos actores y escenas. Esto se sintió mucho más liviano. Durante la gira de The Smile no podía parar de pensar que no muchos tienen una segunda oportunidad como esta … Es increíble escribir un montón de ideas nuevas y comenzar desde cero.

Ha pasado una década desde A Moon Shaped Pool ¿Extrañas hacer música con Radiohead?

Si. Es increíble que estemos tocando en vivo nuevamente y que nos sintamos tan bien, y que todos disfrutemos de la compañía de los demás de nuevo. Siempre escuchas otras bandas que se reúnen y tienen todos diferentes managers y diferente gente de sonido. Tenemos una bendición.

¿Hay canciones de Radiohead que no te gustan?

Hay canciones que siento podríamos haber arreglado mejor, pero todos los demás parecen estar conformes. Estaba convencido de que «House of Cards» debía sonar como una canción de Iggy Pop; pero puedo aceptar que eso hubiera arruinado algo hermoso y tierno.

Jarak Qaribak con Dudu Tassa fue un dolor de cabeza político. ¿Cuales eran tus intenciones al encarar el proyecto?

Simplemente grabar estas hermosas canciones de amor árabes. Nosotros tenemos a Ella Fitzgerald y ellos a Umm Kulthum y ambas son igualmente magníficas; era irresistible.

¿Creíste inocentemente que la música podía trascender la política?

(pausa) No quiero implicar valentía en haberlo hecho. Muchos de los músicos árabes fueron muy valientes, y es una tontería que deban serlo. Cuando estábamos grabando y ensayando, nos sentábamos a hablar de música y eso era todo. Pero como todos me siguen diciendo, todo es político.

Tu esposa Sharona y su familia son israelíes. Desde el 7 de Octubre parece que la música, política, familia y amigos han convergido inseparablemente. ¿Fue doloroso?

(suspiro) Supongo que si me detengo a pensar, si. Pero no me detengo a pensar. Lo correcto es tratar de encontrar una nueva canción árabe no muy conocida y encontrar un arreglo para hacerla. Hay otro álbum casi finalizado. Es la primera vez que tenemos un cantante de Irán. Todo lo demás es ruido.

Aparte de esto, nunca tuviste muchos sobresaltos, sin obstáculos mayores.

Por supuesto. Ocasionalmente ha sido un poco solitario. Alguien me dijo en las primeras épocas que una buena vida tiene un triángulo: tu familia, tus amigos y tu carrera, pero no puedes tener los tres. Creo que en mi caso es la familia y la carrera. He comenzado a reconectarme con viejos amigos de la escuela y no ha sido enteramente bueno. No los he visto en 20 años y están comenzando a hablar de pensiones. Sus hijos han crecido y nunca pude conocerlos. Me siento un poco mal por haber ignorado esta parte importante de mi vida en pos de acordes y guitarras. Pero sin embargo, no puedo resistirme.

¿Eres bueno recibiendo halagos?

Tengo presente la letra de Thom para «A Wolf at the Door»: «tómalo por el lado amable / no te creas todo lo dicho». Es la expresión de entusiasmo de la gente y eso es hermoso, pero tomarlo en serio se siente tonto.

¿Qué te preocupa?

Solamente quedarme sin ideas. Supongo que es por eso que no me interesa el pasado y me convenzo de que todavía tengo 20. [más tarde, en un email, Greenwood hace una enmienda]. Pensándolo bien, no me asusta quedarme sin ideas, pero tengo pavor de quedarme sin tiempo para completarlas.

Constantemente te refieres a tu yo más joven. ¿Qué tanto piensas que has cambiado?

siento que he escalado una pequeña montaña y puedo ver un poco más en perspectiva pero todavía hay muchas cosas que no puedo ver y nunca entenderé. Y eso me da ansiedad.

¿Qué tanto puedes pasar sin hacer música?

No puedo. Enloquece a mi esposa. Siempre me amenaza con tirar mis guitarras por la ventana porque las dejo en cualquier lugar. Las vacaciones siempre son arruinadas por escaparme a diferentes cuartos con instrumentos. Pero hay adicciones mucho peores. Así que está bien.

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La descripción del evento promete que «la banda sonora proviene directamente de las cintas multipista de Kid A y Amnesiac en sonido envolvente de seis puntos», con galerías adyacentes que muestran piezas de arte creadas por Stanley Donwood y Thom Yorke durante las sesiones de grabación de ambos álbumes.

Las primeras cuatro paradas del eventos son Brooklyn, Chicago, San Francisco y la Ciudad de México – única parada en hispanoamérica por el momento – entre Mayo 2026 y Febrero 2027. Para hacerse con entradas, es necesario registrarse e ingresar en una lotería en este sitio.

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El setlist repasa la carrera de Yorke con reversiones de canciones de Radiohead, Atoms for Peace, sus álbumes solistas y su álbum colaborativo junto a Mark Pritchard, Tall Tales.

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