El faro del Escaramujo - Literatura y Periodismo Independiente

ESTILO DEEJAY CON ANTHONY B. Y COMPAÑÍA

2010-07-18T21:33:00.000-07:00

Por Fabio Ramos

para Jamming

Cuántos condimentos para una misma noche. Una larga noche de martes. En primer lugar, la posibilidad de disfrutar del primer gran festival de Soundsystem de la Argentina, el Buenos Aires Soundclash, una propuesta tan original como interesante. Por otro lado, la ansiedad por ver juntos en escena a varios de los máximos exponentes del Reggae local. Y como si todo esto fuera poco, la participación como deejay principal de la fiesta del jamaiquino Anthony B., en lo que fue su segunda visita al país luego de 3 años de aquel show en Niceto.

La ambientación, sencilla pero efectiva, no es para despreciar. De un lado y del otro del escenario estaban ubicadas las consolas. Atrás y en el medio, un sillón servía de descanso para los cantantes que esperaban su turno para pisar la pista. Todo esto acompañado por los cuadros de “Meet me Jamaica”, que otorgaban el toque final para que el escenario de Groove se convirtiera en el “salón” ideal para la velada.

Al comenzar a sonar los primeros riddims de la noche,Santiago Palazzo, que hizo las veces de MC (maestro de ceremonia), anunció al primer pelotón de la fiesta. Así se sucedieron uno a uno sobre el escenario el rapero Artifex, Gaspar OM (vocalista de Los Umbanda), DJ Nelson y DJ Israel (cantante de Zion Bless).

A lo largo de tres “rounds”, los deejays cantaron temas propios e improvisaron sobre pistas de clásicos de diferentes artistas del género como Bob Marley, Black Uhuru y Steel Pulse. Por supuesto, no faltó el esperado Freestyle ni la aclaración pertinente de Santiago Palazzo:“Esto que parece Reggaeton es Dancehall y está inspirado en un ritmo musical africano”.

Rápidamente, casi sin descanso, llegó el turno de Alika, quien realizó su set en solitario, sin coincidir en el escenario con otros cantantes. Acostumbrada a presentarse en formato Soundsystem, puso a bailar a toda la gente al ritmo del ragga con temas como “Galang”, “Oye mi amiga”, “Encendedores”, “No le des fuerza a Babilonia”, para finalizar con “El rugido del león”.

Podría decirse que a esta altura, uno ya podía volver a su casa más que conforme. Pero aún faltaba mucho más.

Pablo Molina fue el encargado de inaugurar el segundo grupo de deejays del festival en lo que fue una antesala deliciosa a la aparición deAnthony B.

Con temas de su carrera solista como “Estoy solo” y “No pretendas”, y algún clásico de Reggae en español de los que grabó en Abed Negro, como “Breaking up is hard” de Alton Ellis, Pablito encontró el hueco perfecto para mechar un poco de Roots y Lover en un festival en que hasta ese entonces predominaba el Raggamuffin y el Dancehall.

Guillermo Bonetto, aunque sin cantar ningún tema de Los Cafres, siguió el mismo camino y no se equivocó. Ambos artistas fueron de los más aplaudidos. En sus tres apariciones, Bonetto interpretó canciones en inglés y demostró nuevamente que posee una de las mejores voces del Reggae nacional y de Latinoamérica.

El tercer deejay del segundo pelotón fue Fidel Nadal, presentado como uno de los pioneros del género en nuestro país. Nadie puede ignorar que en los años ´80, cuando comenzaba a recorrer el under con Todos Tus Muertos, fue el primero en gritar “Selassie I” en medio de sus canciones, dejando desconcertado a más de uno.

La lista elegida por Fidel no sorprendió demasiado; un hit tras otro, como “International Love”, “Luz y compañía” y “My princess”.

Seguramente varios de los presentes se quedaron con ganas de ver juntos en el escenario a Fiel Nadal y Pablo Molina, pero seguro quedará para otra ocasión. Sin embargo, sí se cruzaron Guille Bonettoy Pablito, en uno de los puntos más sobresalientes de la noche.

El regreso esperado

A las 12 y 20, hora en que la mayoría de los recitales ya han finalizado o están por hacerlo, llegó el turno de Anthony B., en un final de festival que se extendió hasta pasadas las 2 de la madrugada.

Luego de ver tanto toasting y deejay local, había cierta necesidad en el aire de presenciar un show de uno de los exponentes más importantes del Soundsystem jamaiquino. En definitiva, conocer un poco más sobre el embrión de la cuestión, que ayudó a popularizar el Reggae en las calles de Jamaica allí por los años ’50 y que impulsó el nacimiento de diversos ritmos.

Más allá de sus canciones y su voz, que pareciera hecha a medida para cantar Ragga, Anthony B. sorprende por su movilidad arriba del escenario, que lo convierte en un excelente frontman y en uno de los referentes de la escena jamaiquina actual.

A lo largo de su show improvisó y ofreció canciones cargadas de alusiones a la cultura Rastafari y realidad social de su extensa carrera que ya cuenta con 10 discos.

Pero por sobre todas las cosas hizo cantar y bailar a un público que, a pesar de estar en una fiesta que duró más de 5 horas, continuaba firme ante la destreza sobre el escenario de este cantante jamaiquino que arengaba constantemente a moverse de un lado a otro, ya que “en Jamaica la gente hace mucho ejercicio y en Argentina también vamos a hacerlo”.

Luego del final, la sensación fue que el experimento salió bien y que hay espacio en Buenos Aires para que se repitan los festivales multitudinarios de Soundsystem, algo impensado hasta hace pocos años atrás.

2010-04-07T19:02:00.001-07:00

"Mucha gente pequeña, en muchos lugares pequeños, harán cosas pequeñas que transfomarán el mundo".

ISONDÚ, EL INSECTO QUE RECORRE EL MUNDO

2010-04-07T18:23:00.000-07:00

Por Fabio Ramos

para Newton Las Pelotas!

Efectos de malabar lumínico, festivales electrónicos, conciencia ecológica y una historia aborigen sobre la creación de los insectos, conviven en la propuesta de alto impacto visual que la compañía argentina ha llevado por varios escenarios y pistas internacionales durante los últimos cinco años.

Así como Gregorio Sasma, el protagonista de “La Metamorfosis” de Franz Kafka, despertó un día convertido en una especie de cucaracha gigante, el Isondú – según una leyenda guaraní- hizo lo propio al trasformarse en una luciérnaga tras su muerte a manos de miembros de su propia tribu. La causa, la envidia.

Isondú, la performance que combina body-art, malabar lumínico y video proyecciones, refleja la segunda parte de este mito, no tanto en su cronología, sino en el objetivo de dicha reencarnación: vislumbrar estética y lumínicamente a cuanta persona presencie el espectáculo.

Tal como los pobladores de la región que se extiende por el Río Paraná acuden a contemplar la exhibición que ofrecen inmensos grupos de isondúes, el espectáculo emula, mediante el uso de elementos como esferas de cristal y clavas con leds, la sensación de estar situado en la selva guaraní apreciando la luz que irradian estos insectos.

Los Mantrix, personajes que poseen ojos de mantis en la cabeza, y Fog Man, el villano de la película, que esparce humo con una máquina y lleva puesto una máscara de gas, completan la escena.

“La rutina de malabar y los efectos lumínicos son la base principal de la performance, pero buscamos, a través de ciertos detalles estéticos en las visuales y los vestuarios (respiradores, señalética antitóxica), sumergir a la acción y al público en ese universo de la industria agroquímica que es tan corrupta y que nos afecta casi sin darnos cuenta, para que no quede todo en un show de malabares y listo”, explica el co-director Miguel Masllorens.

Con una propuesta que combina las artes visuales y sonoras, así como la experimentación de nuevas tecnologías y una temática pro ambiental, Isondú se ha propuesto con éxito intervenir diversos festivales de música, fiestas electrónicas, raves y eventos ligados al arte y la ecología.

Las presentaciones más importantes de Isondú tuvieron lugar en 2008, año en el cual la compañía emprendió una gira por Europa, en donde fue de la partida de masivos encuentros de psy trance como el Vuuv Festival en Alemania y el Boom Festival en Portugal.

Para el futuro cercano, sus integrantes proyectan participar de festivales alternativos como Honu Eclipse (Isla de Pascua), Burning Man (USA) o Rainbow Serpent (Australia), así como de eventos que contengan causas ambientalistas que tengan como fin alertar e informar a la gente.

2010-02-04T23:24:00.001-08:00

"Mucha gente pequeña, en muchos lugares pequeños, harán cosas pequeñas que transfomarán el mundo".

2010-02-04T23:06:00.001-08:00

2010-02-04T23:02:00.001-08:00

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2010-02-04T22:44:00.000-08:00

2010-01-13T11:06:00.000-08:00

Los Medios Masivos Monopolizan y Manipulan La Información - Sólo Informan Lo Que Vende Y No Les Perjudica Contar - Para Los Medios Vale Más Una Pauta Publicitaria Y Quedar bien Con Ciertos Grupos Empresarios Que Contar La Verdad O Incluso Que Una Vida - Los Medios Desinforman, Ocultan, Mienten - Intentan Imponernos En Qué Temas Tenemos Que Pensar - El Lobby Político Roza La Histeria Y Se Convierte En Su Mayor Placer

El Cambio Es Posible...Depende De Vos

ENSAYO NO SER TAN IMBÉCIL

2010-01-13T11:05:00.001-08:00

No es la primera vez que escribo sobre sentimientos, que intento explicarme qué son y de dónde vienen.
He debatido el tema con varios entendidos en dicha cuestión y no han sido pocos quienes afirman, sin dudar, que, así como los instintos del hombre son innatos, los sentimientos son, deliberadamente, construcciones sociales; más sencillo, un invento más del ser humano.
Un amigo escribió sobre la educación de los sentimientos pero sin llegar a ninguna conclusión; en realidad no sé si intentó arribar a alguna, pero eso dijo.
¿Debemos sentirnos frustrados al no conseguir un objetivo que perseguimos? En este caso, ¿mi amigo tendría que estar mal, triste, por no haber llegado a la conclusión que buscó? Yo creía que así era, o lo sigo creyendo, por ello es que para mí él no buscaba conclusión alguna; no lo vi llorar, ni con el ceño fruncido.
“...Claro, sus sentimientos fueron educados de tal manera que...”, dirán algunos con seguridad.

Supongamos el siguiente ejemplo:

Dos hombres parados uno al lado del otro, en idéntica posición, observan el mar desde la orilla.
El clima es favorable, no se distinguen nubes ni cercanas ni a lo lejos. Miran detenidamente al horizonte. Pueden visualizar sin problema aquella línea recta que separa el agua del cielo, al menos para la vista humana.
Decíamos que miran al horizonte. Sus miradas que apuntan hacia la línea se cruzan y creen ver el mismo punto.
Describen exactamente la misma visión; la línea azul, la del horizonte.
Pero el punto de uno no es el mismo que el de su compañero.
El sujeto A tiene visión perfecta, nunca necesitó anteojos. El sujeto B tiene miopía; usa lentes usualmente pero no en esta ocasión. Justamente, sus anteojos son para ver desde lejos.

Conclusión:

A y B nunca pueden estar observando la misma línea ya que la vista de A le permite ver más lejos que B.
Ergo, su horizonte no es el mismo.
De aquí podríamos concluir que no siempre que creemos ver, sentir o pensar igual que otra persona, realmente es así, o viceversa; podemos pensar que sentimos diferente a otro cuando en realidad no lo es así.
Y es aquí cuando entiendo pertinente hacer otra salvedad. Una cosa es lo que pasa por nuestro cuerpo, lo que percibimos por dentro; otra muy diferente es lo que transmitimos gestual o verbalmente a los demás.
Continuando con el ejemplo anterior, A supone odiar a B, pero B no, solamente siente rechazo; eso se dicen.
Esta vez, a diferencia de sus visiones diferentes las cuales creían idénticas, sus sentimientos que creen distintos son iguales.
Ambos sienten lo mismo por dentro. Para A esa sensación se llama odio, pero B aún no siente odiar a A, dice sólo sentir rechazo.
El umbral de odio de ambos es bien diferente.
Al igual que ocurre con el dolor, -por ejemplo, al pincharse con una aguja A puede sentir dolor intenso mientras que B tal vez sólo experimente un dolor casi imperceptible- sucede con los sentimientos.
La sensación de felicidad -al igual que el motor que la impulsa- no debe ser necesariamente-y difícilmente lo será- igual en todas las personas.
El odio, la pasión, el fanatismo, el amor, el goce, el rencor se presentan de diferente manera en cada ser humano pero, erróneamente, le adjudicamos el mismo nombre en todas las personas.

Conclusiones:

Al igual que todo lo que es abstracto, los sentimientos no pueden medirse y, por ende, dependerá de cada ser humano su propio umbral de cada uno de ellos.
Si A tiene tos, tose, sabemos que tiene tos; B puede darse cuenta fácilmente ya que él también tose cuando tiene tos. Igual sucede con la gripe.
No así con los sentimientos. Podríamos ir más allá y decir que cada ser humano puede darle su propio significado a cada uno de los sentimientos, pero por el momento A y B se retiran a sus casas, tras una "grata" visita a la playa y una serie de arduos estudios que dejaron en evidencia sus similitudes y sus diferencias menos perceptibles.

Fuentes:

* Diccionario de sentimientos, Ed. Capeloz, España.
* "Sentimientos para Amador", Ed. Madriz, España.
* Las puertas de la desespercepción", Adolfo Husly.
* Winkipedia
* Enciclopedia En carta, a domicilio.

FGR / 2007

LA BOMBA DE TIEMPO : Estallando desde el corazón de Buenos Aires

2010-01-13T11:02:00.000-08:00

Por Fabio Ramos

para Newton Las Pelotas!

El grupo de percusión conformado por 17 músicos y que dirige Santiago Vázquez, convoca desde hace más de 3 años una multitud de jóvenes que llega todos los lunes al Konex, en el barrio porteño de Almagro, para conformar la otra parte de un ritual que se desarrolla al ritmo de los tambores en el aire, la improvisación musical sobre el escenario y el baile del público.

La trayectoria de Santiago Vázquez es amplia y variada; a fines de los ´90 empezó a trabajar con Puente Celeste, un quinteto de compositores y mutiinstrumentistas cuyo primer disco fue altamente reconocido por la crítica y premiado. Más tarde armó El Colectivo Estereofónico de Improvisación, una agrupación dedicada a la experimentación y a la música contemporánea. Sólo por citar algunos nombres, participó en proyectos de músicos consagrados como Luis Salinas, Pedro Aznar, Roberto Goyeneche, Lito Vitale, el Mono Fontana y Néstor Marconi.

Sin embargo, siempre sintió la necesidad de trabajar con un grupo más amplio en el cual poder aplicar la improvisación musical a través de un sistema de señas, y que se aboque en totalidad a su más grande amor: la percusión.

“Venía trabajando en improvisación con señas con un grupo anterior que era El Colectivo Estereofónico de Improvisación, que tenía exploración en lo armónico y en lo tímbrico. Tenía varias ideas y conceptos rítmicos que venia desarrollando y juntando, en un principio para un disco mío, y me pareció que podía combinarlos, ponerles señas para dirigir la improvisación, armar un grupo grande de percusión que era una idea que tenia hace mucho tiempo y que todo eso se llevara a cabo en un lugar abierto para bailar, que es salgo que estaba faltando en Buenos Aires. Lugares populares, para bailar, donde la gente pueda entrar en contacto con el tambor, sin pensar tanto en los estilos”.

Fue así que, en el año 2006, Santiago Vázquez decidió unificar todos estos conceptos que daban vueltas en su cabeza, bajo el nombre de La Bomba de Tiempo. “Hubo un clic en donde todo se junto naturalmente y empecé a proyectar lo que iba a ser el grupo; a armar las señas, a pensar en la instrumentación y en los músicos que quería que participen”, cuenta Santiago, quien explicó que “al principio los músicos no sabían cuáles eran las señas ni bien qué era lo que íbamos a hacer, pero se entusiasmaron al conocer quienes eran los demás músicos que iban a tocar. Solamente les conté que la idea era hacer algo para bailar y mediante la improvisación”.

La Bomba se activa

En mayo de 2006 se realiza la primera presentación del grupo en Ciudad Cultural Konex en la Ciudad de Buenos Aires. Hoy, tras tres años y medio de trayecto, la edición en 2007 de un disco en vivo y un sinfín de conciertos multitudinarios, Santiago hace un balance:
“Lo que fue pasando es increíble. Lo que sucede hoy podía estar en nuestra fantasía, pero una cosa es eso y otra cosa es que uno crea que realmente va a pasar. Y la verdad es que fue pasando todo lo que imaginábamos y más. La gente enseguida fue apoderándose del lugar y de la idea de poder venir a bailar e interactuar mientras bailan, y por otro lado, en lo musical, hubo un gran afianzamiento durante todo este tiempo, si bien La Bomba sigue siendo un grupo de improvisación. Eso tiene un riesgo, pero no queremos perder ese espacio de riesgo, porque sino nos convertiríamos en un grupo que toca temas compuestos, que por ahí sale muy bien, pero que no es lo que nos mueve”.

- ¿Cómo se fue generando el feedback entre músicos y público que hoy se observa en sus shows?

- Desde el principio la idea era hacer algo muy popular y para bailar, así como hay música de percusión para bailar muy popular en muchos países. El tambor es algo universal que llega, y yo creo que si lo que uno hace es genuino, auténtico, y tiene en cuenta a quienes vienen a ver, escuchar o bailar, es fácil generar un contacto con la gente. El ritmo propicia eso.

- ¿Qué papel juega el hecho de que toda la música que se ejecuta desde arriba del escenario es improvisada?

- El contacto con el público no puede darse imitando el Samba Reggae de Brasil, o el Candombe Uruguayo, que es algo que sirve como aprendizaje pero que es siempre un ejercicio, sino que tiene que surgir desde un lugar donde uno mismo no sabe bien hacia dónde esta yendo. La gente se siente participe de algo que se esta creando ahí. Realmente uno no sabe lo que va a pasar. En Argentina no tenemos una tradición de percusión que podamos considerar nuestra y actual, pero podemos sí improvisar con las influencias de cada uno, y eso es lo más sincero y genuino que nosotros podíamos hacer como grupo.
El sistema de señas que utiliza La Bomba de Tiempo fue creado por el mismo Santiago Vázquez, y fue tomado del músico de jazz norteamericano Butch Morris, quien ha desarrollado un concepto de trabajo musical en el cual ha dado nuevo significado a los roles de compositor, director e intérprete. Sin bien Santiago ya había armado un sistema de improvisación mediante señas con el cual trabajó en el Colectivo Estereofónico, fue con La Bomba de Tiempo que pudo poner en práctica todos los conceptos rítmicos que venía desarrollando.

“Lo único que tuve que hacer fue inventar señas lógicas para disparar estas ideas. Lo que hacemos es improvisar. Los músicos no saben de antemano lo que van a tocar ni hay ritmos ensayados, sino que hay un director, que al principio era yo, pero ahora vamos rotando en ese rol arriba del escenario. Lo que hace el director es, a través de un sistema compuesto por alrededor de 120 señas, pedirle a los músicos diferentes cosas como memorizar una parte, cambiar de compás, imitar o contraponerse a lo que está tocando otro músico, incluso podemos escribir algunas figuras rítmicas con los dedos. En resumen, transmitimos a los músicos conceptos o consignas para improvisar. El director también va decidiendo qué pedir en base a lo que el músico acaba de inventar. A veces, hasta una equivocación da lugar a algo nuevo”, detalla el fundador de La Bomba de Tiempo.

El Konex

La sede del ritual que toma por asalto las noches de los lunes desde hace más de 3 años, cumple un rol más que importante en la vida de La Bomba
ya que, con el tiempo, fue convirtiéndose en una suerte de templo tanto para músicos como para quienes presencian los conciertos del grupo.

Vázquez relaciona este fenómeno con el fútbol, con las Escolas de Samba y el Samba Reggae en Brasil, o con las murgas de Uruguay.
“Son instituciones, no sólo un grupo que hace shows. Son como clubes sociales del cual la gente es parte, y ese ritual comunitario necesita de un espacio estable también. Es como un templo, en ese sentido”, explica.

“Desde el principio me pareció que Konex ofrecía diferentes espacios para ir creciendo. Nosotros empezamos en una sala más chica pero ya pensando que en el verano podíamos pasar al patio y era un sueño total poder tocar al aire libre en medio de la ciudad. Konex se prestó muy bien para hacer de nuestra sede en todo este tiempo”.

CERBA

La interacción entre la música rítmica de La Bomba de Tiempo y el público en general, no sólo se lleva a cabo en los conciertos, sino que continúa en las clases que el grupo brinda a través de su escuela de percusión, que desde el año 2007 capacita tanto a estudiantes sin ningún tipo de conocimiento, como a músicos de alto nivel, incluso de otros países de Latinomérica.

El Centro de Estudios de Ritmo de Buenos Aires (CERBA), el cual Santiago Vázquez califica como “un polo de experimentación, de intercambio y de formación muy profunda de lo rítmico”, difunde el sistema de improvisación mediante señas, así como otras técnicas de improvisación grupal.

“El Cerba nació como un grupo de talleres en el cual queríamos divulgar el sistema de señas, porque había mucha gente que nos decía que le encantaría aprender las señas, formar parte de esto. Entonces empezamos a hacer talleres tanto para gente sin ninguna experiencia como para músicos profesionales de mucho nivel”.

- ¿Qué motivó a La Bomba de Tiempo a crear esta escuela de ritmo?

- Gradualmente nos dimos cuenta de que había todo un enfoque en todo lo que estábamos haciendo, que iba más allá de las señas y que tiene que ver con un tipo de formación rítmica, y también con una forma de tocar que implica la conciencia de lo grupal, que en la improvisación se manifiesta mucho, y que todo eso se puede estudiar, desarrollar, experimentar, explorar...
Además, tuvimos la sensación de que faltaba en Argentina una escuela de formación rítmica fuerte y consistente, incluso para músicos de otros instrumentos, no sólo de percusión. El Cerba fue un proyecto que surgió al ver esta necesidad en la ciudad y en el país, por un lado para divulgar el sistema de señas de La Bomba, pero más que nada utilizando eso como excusa para trabajar en lo rítmico muy a fondo. En el Cerba hay estudiantes de percusión y también de otros instrumentos, que están estudiando ritmo.
En la actualidad, el grupo está trabajando en la producción de su primer DVD, el cual fue filmado durante un recital en el Konex -como no podía ser de otra manera- hace aproximadamente un año, y que además contará con algunas tomas de tipo documental.

Por otro lado, Santiago estima que a principios del año que viene la agrupación comenzará a trabajar en el segundo disco, que va a ser grabado en estudio, con invitados, “para mostrar esa faceta del grupo que no se vio en el primero”.

Mientras tanto, La Bomba de Tiempo continúa brindando religiosamente sus shows de los días lunes en el Konex, por donde ha pasado una gran cantidad de músicos invitados, intercalando conciertos en lugares más grandes, y con una convocatoria que, a fuerza del boca en boca, crece semana a semana.

Día libre: Freestyle es estado puro

2010-01-13T10:55:00.000-08:00

Por Fabio Ramos
para Newton Las Pelotas!

Día Libre es un evento multidisciplinario en el que convergen el arte y el deporte urbano, y que tiene como premisa la participación activa del público.

Cuando Paulino Estela, artista residente del cheLa y uno de los organizadores de Día libre, se cruzó en las calles de Nueva York con gente bailando en rollers, haciendo patinaje artístico o andando en skate alrededor de una cabina de dj's, empezó a plasmar en su cabeza la idea de trasladar esa movida a Buenos Aires y poder musicalizarla. Así fue gestándose Día Libre, aunque aún faltaban algunos años para que pueda concretarse.
Fue ya siendo artista residente del cheLa, donde además vive, que empezó a concretarse la oportunidad de hacer algo por el estilo. “Una amiga me dijo que estaría buenísimo un día abrir todos los galpones para venir a andar en rollers, después pasaron algunos amigos skaters y me dijeron que estaría buenísimo andar adentro del cheLA. Fue cuando se me ocurrió que sería bueno hacer un encuentro de disciplinas donde halla de todo. Un día de abrir las puertas para que la gente venga a hacer lo que quiera, a usar el espacio, a intervenirlo, a transitarlo”, cuenta Paulino.

Para ello, Paulino Estela decidió contactarse con Diego Altabas, especialista en arte urbano, quien sin muchas vueltas se interesó en el proyecto y hoy co-organiza Día Libre. “Diego fue clave en darle una línea, en no abrirlo demasiado en cuanto a que se haga solo un festival mas de malabares y cercano al circo que si bien es su palo es por eso que lo conoce bien, y llevarlo a disciplinas nuevas que están dando vueltas como el slackline o los sky runners. Entonces definimos esto, hacer un lugar de participación, de venir a entrenar, de venir a practicar. De darle lugar al que esta practicando, de hacer un lugar libre, freestyle”, explica.

Además, Diego fue quien ingenió la tríada que conforma la columna vertebral del evento: “Pura acción, freestyle en bruto, nada de visitantes pasivos”. Así fue que terminó de delinearse lo que representaría un espacio abierto y propicio para el cruce y la interacción de disciplinas urbanas, una olimpiada sin competencia de deportes y arte de la ciudad, con el groove sonando todo el tiempo en los parlantes y la buena vibra dando vueltas.
O como lo define Diego Altabas: “Día Libre no es un festival, no hay horarios, ni demos, ni público formal, es un espacio donde se cruzan diversas disciplinas en armonía para practicar, jugar, entrenar con espíritu under sin bajada de línea corporativa, como la mayoría de los eventos que suele haber hoy en día en la ciudad”.
En la primera edición de Día Libre realizada en el mes de mayo, 300 almas inquietas fueran testigos y protagonistas de diversas disciplinas como el skate, rollers, parkour, slackline, light juggling y ultimate frisbee.
En el segundo Día Libre del 18 de octubre, además de las actividades que ya estuvieron presentes, será de la partida una gama variada de novedades. El grupo de skaters de Parque Patricios que suele practicar en los alrededores del Hospital Garrahan aportará sus conocimientos y experiencia en el armado del park, rampas y obstáculos para el parkour. Otra de las nuevas alternativas será la investigación lumínica con leds a cargo de K8 malabares, que participará con una troupe que investigará con el light juggling, y otra del grupo Lig Lab, que estará investigando en vivo con el light graff. También estará presente la gente de The Sky Runner con una troupe de zanquistas acrobáticos que estarán saltando por toda la fábrica.
Y, por supuesto, las puertas estarán abiertas para todos aquellos que quieran ir a participar sin aviso, y llevar adelante sus propuestas con plena libertad.

Por otro lado, la selección del el line-up que musicalizará la tarde de domingo fue seleccionada por Maria Ronchi, organizadora de Santera; Migma desembarcará en el cheLA para ofrecer su hip-hop old skool, Dj Campeón hará sonar sus mezclas de reggaetón y dancehall, luego será el turno del Sound System del Miss Bolivia, y Lo' Pibitos tocarán su hip-hop fusionado con funk, con una cadencia y métrica lírica muy argentinisada. El cierre estará a cargo de La Sista para inundar de groove negro todos los recovecos de la fábrica.

Hacia la noche, será el turno de las visuales con P++ y Dj Gone tirando a sonidos fidget, electro y rap.

El cheLA

Si bien las fábricas supieron ser un ícono de la alineación, la repetición sistemática de la producción encadenada y la sepultura del arte como puente para la creación, el cheLa, una ex fábrica que está ubicada en el bario porteño de Parque Patricios, une sensaciones y definiciones que representan todo lo contrario.
Se trata de un centro de experimentación en Arte, Tecnología y Comunidad del profesor de arte argentino Fabian Wagmister y gestionado por los mismos artistas que residen en él. Paulino, residente del cheLa, lo considera “uno de los pocos lugares que dan una bocanada de oxigeno a muchos grupos de artistas que buscan espacio para desarrollar sus proyectos y poco a poco con nuestra gestión su participación en la cultura de la ciudad va teniendo mayor ingerencia, sobretodo en bancar a gente que trata de hacer cosas enserio y no encuentra el espacio alternativo apropiado”.

En el también funciona el Circo del Sur, que provee a los organizadores de Día Libre con colchonetas para entrenar pruebas de parkour. Cuenta con un patio al aire libre de grandes proporciones que funciona a modo de mainfloor y que a la noche cuenta con una pared gigante que Día Libre utiliza como pantalla para las visuales, mientras que las disciplinas lumínicas son realizadas en un sótano oscuro. Ni siquiera la ubicación del predio está ligada al azar. “Se encuentra en los bordes de la ciudad, lo que implica acercarse a un lugar donde no se acostumbra circular, lo que le da también a los que visitan Día Libre una experiencia extra de aventura”, comenta Diego.
“Un lugar único en ciertas características para armar un evento de este tipo. cheLA es un lugar que está en una situación muy particular de legalidad-ilegalidad, de riesgo y seguridad, es una fabrica que no es okupa ni tampoco solo un centro cultural”, completa Paulino.

La ausencia de lugares públicos para realizar este tipo de propuestas y actividades es casi nulo en la ciudad de Buenos Aires, y la gran convocatoria que tuvo la primera edición de Día Libre da muestra de que la gente necesita de más alternativas para expresarse y desarrollarse.

“Actualmente los lugares privados son muy perseguidos, lo que hace que se desarrollen pocas actividades de este tipo. Incluso llevarlas al espacio público es muy complicado, y cada vez son menos las propuestas que intervienen la calle. Entonces se cae en movidas ligadas a marcas y sponsors que se terminan comiendo el evento”, lanza Diego.
Por su parte, Paulino coincide en que “Buenos Aires tiene una fuerte carencia de espacios para el deporte urbano que se termina apropiando de relieves públicos como escalinatas, plazas, barandas de edificaciones, pero los chicos piden rampas publicas a gritos, ni hablar de lugares de esparcimiento con propuestas que vayan mas allá de poner un cacho de verde a la buena merced de sus visitantes”.

Es por ello que hacer Día Libre es también un pedido de que la gente se apropie del espacio público, de buscar espacios de encuentro que no sean lugares de consumismo.
Con miras hacia lo que será el segundo Día Libre, Paulino no descarta la posibilidad de poder realizar en un futuro la actividad en lugares abiertos, amplios y de libre acceso, como parques, además de poder convertirlo en un evento itinerante que viaje por las ciudades del interior.

Por el momento, para el Día Libre del 18 de octubre se aguarda que concurra al cheLa un mayor número de gente a participar que a ser público pasivo, que puedan interactuar todas las disciplinas en un mismo espacio, que todos circulen con buena onda y con cuidado, que nadie se lastime y que todos entiendan que se trata de una movida realizada por todos y para todos.

GAC : Cuando el pensamiento se convierte en acción

2010-01-13T10:43:00.001-08:00

Por Fabio Ramos

para Newton Las Pelotas!

Tras 12 años de combinar lo artístico con militancia política el Grupo de Arte Callejero plasmó su experiencia en un libro llamado “Pensamientos, Prácticas, acciones” que recrea sus intervenciones más sobresalientes.

Hubo un tiempo en el que al arte, por concepto, sólo era posible atribuirle la facultad de preguntar, delegando en la política la responsabilidad de brindar respuestas. Sin embargo, a lo largo de la historia existieron –y aún los hay hoy en día- exponentes que cristalizan en sus productos artísticos –referido al fruto, al resultado obtenido de un mecanismo artístico más que a un artículo rentable- menos dudas que certezas.

Es el caso del pintor argentino Carlos Gorriarena, fallecido hace casi tres años, quien supo transferir a sus telas explicaciones de verdades sabidas, sí, pero logrando interpretarlas mejor que tantos otros que intentaron hacerlo con palabras. El cubano David Alfaro Siqueiros, aunque más lejano en el tiempo, transitó el mismo camino.

Es por ello que las seis integrantes del GAC comprenden que no inventaron nada nuevo, si bien no por eso su itinerario de militancia canalizada a través del arte no deja de ser de suma importancia, a la vez que atractivo y enriquecedor.

Su metodología de utilizar la calle como soporte, en vez de un lugar cerrado, no es menos importante que el contenido del mensaje; lo convierte y le otorga un nuevo significado. “Es como si fuesen dos mundos distintos que a veces se entrecruzan. Son dos paraísos o infiernos, según desde donde se lo mire. No tienen nada que ver; una cosa responde a unas preguntas y otros lugares tienen sus propios respuestas distintas a las de la calle”, cuenta Charo Golder, integrante del Grupo.

La modalidad de irrumpir en el campo político con las artes visuales nació junto con la formación del GAC, al igual que la decisión de hacerlo a través de la apropiación de espacios públicos.

NLP: ¿Cómo nació el Grupo de Arte Callejero y cuáles fueron sus primeros pasos?

Charo: El grupo nace en la escuela nacional de bellas artes, y si bien inmediatamente se suma gente sin formación específica, su origen inicial surge de cuestionamientos propios dentro de una institución educativa de arte. Era nuestro conocimiento y herramienta, era lo que de alguna forma sabíamos hacer. En el principio no estaba muy clara la idea de militancia, o por lo menos no en un sentido clásico. Sí la necesidad de trabajar en el espacio publico, de trabajar en grupo y de poder pensar y abordar ciertas temáticas desde la imagen.

El trabajo con imágenes y la comunicación, permiten abarcar espacios y discursos inabordables o impensables desde otros campos. La imagen, la construcción de signos, de producción simbólica, te permite expresar de una forma elegida lo que se quiere decir.

Desde su formación en 1997, el GAC realizó trabajos en conjunto con diversas agrupaciones como la Mesa de Escrache Popular, H.I.J.O.S., Madres de Plaza de Mayo línea fundadora, Serpaj, diferentes colectivos de arte y organismos de derechos humanos, CORREPI, familiares de los asesinados el 20 de diciembre, varios MTD, delegados de Metrovias, Argentina arde, Cine Ambulante, entre muchos más.

Entre sus incursiones más importantes figuran Docentes Ayunando, en 1997, que constituyó su primer trabajo impulsado por al ayuno docente y la instalación de la Carpa blanca en la Plaza de los dos Congresos tras la sanción de Ley Federal de Educación; Galería Calleja, entre 1997 y 1998, que convocó a estudiantes de colegios secundarios y de arte, artistas profesionales, diseñadores y gente en general, a realizar trabajos en un formato de 1,20 x 0,90 metros; Denuncia Plan Cóndor, en 2000, en Río de Janeiro, del cual el GAC participó mediante la colocación de 36 carteles viales en denuncia al Plan Cóndor, en colaboración con estudiantes, organizaciones de derechos humanos y organismos sociales como Tortura Nunca Mais, Movimiento Sin Techo (MST) y Centro de Estudiantes de la Universidad de Río de Janeiro; Homenaje a los Estudiantes Desaparecidos de la Facultad de Derecho, en 2002, una semana antes de cumplirse 26 años del último golpe de Estado ocurrido en Argentina el 24 de marzo de 1976, que constó en realizar, junto a la agrupación NBI de la Facultad de Derecho, un homenaje a los estudiantes desaparecidos de esa Facultad durante la dictadura. Para ello, fueron pegados 6000 adhesivos en todos los respaldos de los bancos con el nombre, edad y fecha de desaparición de cada uno de los 130 estudiantes de los que se tenía conocimiento hasta la fecha.

Sin duda, los escarches, los carteles viales y las pintadas han sido la columna vertebral del trabajo del GAC, como Aquí Viven Genocidas, Poema Visual Para Escaleras, Blancos Móviles o Comisión Anti-Monumento a Julio Argentino Roca (aquella que considera que “es mejor un Mayo Francés que un Julio Argentino”...).

Con relación a los escarches a escala grupal de los que el GAC fue partícipe, Charo explica que sirvieron de “puerta a todo el proceso que hasta el día de hoy continúa del trabajo de construcción de memoria. A nivel metodológico nos abre hacia la experimentación de múltiples herramientas graficas, visuales y audiovisuales.

“Fue el darse cuenta la potencia que se tenía junto a otros y la potencia de la generación de los hijos biológicos o no de la generación de los desaparecidos. Era una responsabilidad enorme hacerse cargo de ese legado y a la vez te abría los sentidos para abordar o construir el camino que se quisiera, sin rótulos y sin costumbres clásicas. Había un legado pero también una necesidad muy fuerte de romper con las superestructuras de una política clásica”, cuenta.

Otra característica que distingue y acompañó al Grupo de Arte Calljero a lo largo de su travesía es su naturaleza de anonimato, por ello tal vez en un principio puede resultar extraño la publicación de un libro, con la consecuente pérdida de dicha condición.

“Pensamientos, Prácticas, acciones”, editado por Tinta Limón Ediciones y que contó con la colaboración, entre otros, del Colectivo Situaciones y la Mesa de Escrache Popular, fue el resultado de “un momento con deseos grupales de reflexionar en todo lo construido apostando a un futuro de construcción y una razón para seguir adelante”, según cuenta Charo.

Luego se despide, no sin antes evacuar mi inquietud acerca de la pérdida del anonimato. “El anonimato es un recorrido construido y no una mera decisión ideológica. Su sentido mas especifico tiene que ver con la intervención en el espacio publico y la militancia de la reapropiación de imágenes. Un libro tiene que ver con otras cosas, es otro tipo de ejercicio, quizás el pensamiento tiene que llevar una firma como un hacerse cargo en el sentido de la responsabilidad y no por mera autoría. O autobombo".

Del diario de un amigo

2008-07-01T21:38:00.000-07:00

Espero que usted sepa entender, lector, cuando asevere que, a no ser por el dilema moral que se me ha planteado entre publicar o no estos escritos que encontré hace ya un tiempo, no lo habría hecho.
El tiempo es valioso y, al menos yo, intento ocuparlo con cosas que me ayuden a algo... más no sea a distenderme...
Sin embargo, a pedido de Él, es que hoy me encuentro copiando celosamente palabra por palabra, obesión por obsesión, las plegarias y "victorias del inconsciente" - así las nombró- de mi amigo El Escaramujo.
...El faro quedó desierto, las estrellas no brilaron más... cayeron al vacío; sin embargo, aún nadie ha reclamado por ellas...

Abandono

En un cuarto pequeño se gestaba algo grande. Nadie conocía el significado de las cosas pero lo hacían todo con cierta autoridad y seguridad. El elemento perfecto para que esa magia diera como resultado tal magnitud, fue el disparador de un instante de felicidad.
Por otro lado se guardaban secretos de algún tiempo no muy lejano y fantasías que, recién hoy, eran visibles a sus ojos.
Pero no hubo tiempo para festejos; ni mucho menos para lamentos. Y fue entonces cuando una vuelta más decidió por todos. Y fue ahí cuando el agua tapó los pensamientos y el cerebro quedó completamente seco. Ni una idea. Ni una frase de contención; nada.
Algunas manos se entrecruzaron casi por compromiso y la luz se apagó. Alguien cantaba pero nadie quería oírlo. Era una voz que anunciaba la despedida y nadie apretó los dientes.
El sacrificio de años iba a otorgar su fruto; pero, extrañamente, nadie quiso comerlo.
Será que su madurez era aún menor a la de los comensales. El vino ni se tocó, la carne menos.
Y el cuarto se vació cuando la gente sufrió ese raro sentimiento de contradicción y culpa que aparece, en algunas personas, luego de un banquete.
La puerta se cerró y nunca nadie quiso volver a abrirla. Aunque hay quienes aseguran que con el tiempo se oyeron llantos y golpes en su interior, nadie quiso volver a abrirla.

Un poco de historia

2008-07-01T17:59:00.000-07:00

Entre las pocas cosas que habitaban aquel faro había un cuadro. Uno solo. Será que el Escaramujo, ya cansado de sólo observar las olas ir y venir, una y otra vez, comenzó a mirar cada detalle, cada rincón del interior de su hogar, nada más por cambiar de horizonte.
Aquí, el cuadro en cuestión y "Algo más", tal como tituló el autor a las siguientes palabras.

Simplemente me gustó esa pintura; es increible, que se yo, por muchos motivos. Es tal vez como el cuadro de Dorian Gray de Oscar Wilde (que no vivía en Wilde precisamnete pero terminó arruinado por el alcohol y la sociedad que lo encarceló por ser homosexual). Como ustedes muy bien saben aquel cuadro envejecía mientras que el retratado estaba siempre igual. Quizás por la energía, el sentimiento y la pasión que puso el dibujante que, sin darse cuenta, se enamoró de su obra de arte, no sin antes hacer lo mismo con el muchacho. Pienso que uno no es lo que es, es decir, lo que los demás ven de nosotros es un reflejo de nosotros mismos, un modelo que construímos con ripios de nuetras verdadera personalidad; y ahí reside el problema. Realmente raras veces solemos poner en dicha imagen esas ganas y energía que deberíamos, ese esmero que nunca llega ya que antes deberíamos saber si realmente nos apreciamos o llegamos a entendernos tal como somos. Difícil entonces que los demás puedan hacerlo con nosotros. Ese cuadro muestra, indefectiblemente, algo parecido a la imagen que ustedes podrán observar en mí si me ven hoy día. Pero nada más, sólo es una imagen que se irá modificando.
PD: Que interesante es comenzar a pulirse desde abajo, sabiendo nuestras limitaciones y venciendo nuestros temores y fantasmas, no sólo del pasado, sino de nuestro presente, este tiempo, el actual, el que nos degrada mientras intentamos invertir el hechizo que quíen sabe ha hecho con nosotros.
(El viejo de la foto, 40 años atrás de ser retratado)