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Black Line N°4 Limited Edition

2026-10-11T21:04:07.000+02:00

DARK INTERPRETATION — Wenn ein Glas schon beim ersten Blick Haltung zeigt, dann ist es die neue Black Line Limited Edition 2026 der Josephinenhütte. Die berühmte Josephine N° 4 für Champagner erscheint in einem rauchigen, tiefen Schwarz, das Licht schluckt und zugleich spielen lässt. Design, Handwerk und Genuss treffen hier auf eine Optik, die so selbstbewusst wie elegant ist, ein Glas, das man nicht versteckt, sondern auf den Tisch stellt wie ein kleines Statement.

I — Die Edition

Rauchiges Schwarz,
3.000 Unikate.

Die Black Line Limited Edition 2026 ist auf genau 3.000 Stück limitiert und ausschließlich im Onlineshop der Josephinenhütte erhältlich. Die letzte Black Line ging nie in den regulären Verkauf, umso gespannter blicken Sammler und Champagnerfreunde auf diese Neuauflage. Wer sie haben möchte, sollte schnell sein, denn Editionen dieser Art sind erfahrungsgemäß rasch vergriffen.

Der Fahrplan ist klar: Beim Prelaunch am 15. Oktober erhalten Abonnenten des Newsletters den ersten Zugang, der offizielle Verkaufsstart folgt am 19. Oktober. Dazu gibt es ein kleines Extra: Unter allen Newsletter-Abonnenten verlost die Josephinenhütte jeden Monat ein Set aus zwei Gläsern an fünf Gewinner. Die Anmeldung läuft über die Newsletter-Seite.

Und das Glas selbst? Die Josephine N° 4 bleibt der Klassiker mit der markanten Silhouette, in Schwarz bekommt sie eine zweite Haut. Die Form ist vertraut, der Auftritt ein ganz anderer: dunkel, ruhig, ein wenig geheimnisvoll. Ein Statement-Piece, das am Tisch genauso gut funktioniert wie im Vitrinenregal.

II — Das Handwerk & Die Geschichte

Eine Hütte,
neu erweckt.

Die Geschichte der Josephinenhütte beginnt 1842 im schlesischen Riesengebirge. Graf Schaffgotsch gründete dort die Glashütte, benannt nach seiner Frau Josephine, und holte den Glasmacher Franz Pohl als Meister an den Ofen. Binnen weniger Jahrzehnte zählten ihre Kristallgläser zu den feinsten Europas und standen auf den Tafeln des Hochadels.

2019 haben drei Freunde die Marke wiederbelebt. Für die Gläser holten sie Kurt Josef Zalto an Bord, Glasmacher in sechster Generation. Mehrere hundert Prototypen entstanden, bis Form, Gewicht und Haptik stimmten: hauchdünn, leicht und doch elastisch, mit einem charakteristischen Knick im Glaskörper und einer sogenannten Wellenbrecher-Kante, die den Wein beim Schwenken elegant führt.

Jedes Glas wird von Hand in Europa gefertigt. Genau diese Handarbeit macht den Reiz aus: Kein Stück gleicht dem anderen bis ins letzte Detail, und gerade bei der Black Line wird aus einem Gebrauchsgegenstand ein kleines Objekt, das man gern in der Hand hält.

Josephinenhütte · Black Line Limited Edition 2026 · josephinen.com

Josephine N° 4 Black Line — Details

Produkt Josephine N° 4 Champagner · Black Line Limited Edition 2026 · rauchiges Schwarz

Limitierung 3.000 Unikate · ausschließlich im Onlineshop

Termine Prelaunch für Newsletter-Abonnenten 15. Oktober · Verkaufsstart 19. Oktober 2026

Design Kurt Josef Zalto, Glasmacher in 6. Generation

Handwerk Handgemacht in Europa · hauchdünn, leicht & elastisch · mehrere hundert Prototypen

Marke Historische Josephinenhütte 1842 gegründet (Riesengebirge) · 2019 neu gegründet

Preis Preis zum Verkaufsstart im Onlineshop · die reguläre Josephine N° 4 kostet 68 €

Versand Kostenloser Versand ab 140 €

Webseite josephinen.com

Redaktioneller Hinweis

Dieser Text wurde mithilfe von KI erstellt und von der Redaktion angepasst und geprüft.

Frevo Restaurant New York

2026-10-07T10:42:44.320+02:00

HIDDEN BEHIND THE ART — Wer in Greenwich Village die West 8th Street entlangspaziert, hält das Haus mit der Nummer 48 zunächst für eine kleine Kunstgalerie. Genau das ist die Idee, denn hinter den Gemälden verbirgt sich mit Frevo eines der spannendsten und zugleich diskretesten Restaurantkonzepte Manhattans. Das MICHELIN-Sterne-Restaurant vereint zeitgenössische Kunst und moderne französische Küche mit portugiesischen Einflüssen, und wir waren mehr als gespannt, diesen versteckten Ort bei unserem New-York-Trip selbst zu entdecken.

Video

Frevo
in Bewegung.

Manche Orte lassen sich in Bildern nur ahnen. Wie sich Galerie, Chef's Counter und Küche zu einem Erlebnis verbinden, zeigen wir euch deshalb auch im Video. Nehmt euch einen Moment Zeit, denn so bekommt ihr den besten Eindruck von der besonderen Stimmung im Frevo.

Frevo New York im Video

I — Einleitung & Das Design

Eine Galerie
mit Geheimnis.

Der Name Frevo stammt aus Brasilien und bezeichnet einen energiegeladenen Musik- und Tanzstil aus Recife im Nordosten des Landes. Passend dazu steht hinter dem Restaurant ein brasilianisch-portugiesisches Duo: Küchenchef und Mitinhaber Franco Sampogna, geboren in Brasilien, sowie der portugiesische Restaurateur Bernardo Silva. Beide kamen mit Mitte zwanzig in die USA, um das Restaurant Jema in Huntington auf Long Island zu führen, bevor sie im Jahr 2019 in Manhattan ihr eigenes Konzept eröffneten.

Das Besondere an Frevo ist die Verbindung aus Restaurant und Kunstgalerie. Schon der Eingang ist ein kleines Highlight: Eines der Gemälde an der Wand verbirgt die Tür zum Chef's Counter, an dem die kulinarische Reise beginnt. Die Galerie zeigt im Rhythmus von etwa drei Monaten jeweils eine neue Ausstellung, darunter Arbeiten des französischen Künstlers TOMA-L sowie der in Brooklyn geborenen Street-Art-Künstlerin Flore. Für die Gestaltung des Gastraums holten sich Franco Sampogna und Bernardo Silva die Unterstützung der Designagentur Rockwell Group, die das Interieur behutsam erneuerte und dabei die Elemente bewahrte, die Gäste an Frevo lieben.

Im Mittelpunkt des intimen Restaurants steht die offene Küche, um die herum sich der Raum organisiert. Kunst, warme Materialien und eine ruhige Farbigkeit sorgen für eine Atmosphäre, die weit entfernt vom klassischen, steifen Fine-Dining-Ambiente ist und doch höchsten Ansprüchen genügt.

II — Die Atmosphäre & Das Menü

Produktgetrieben,
leicht und elegant.

Die Atmosphäre im Frevo ist persönlich, ruhig und angenehm zurückhaltend. Mit dem Chef's Counter direkt an der offenen Küche sitzt man mittendrin im Geschehen und kann dem Küchenteam bei der Arbeit zusehen, während der Service aufmerksam, präzise und dabei sehr herzlich auftritt. Genau diese Kombination aus Intimität und Perfektion macht den Reiz des Hauses aus.

Kulinarisch bewegt sich Frevo zwischen moderner französischer Küche und portugiesischen Einflüssen. Die Speisekarte folgt den Jahreszeiten und entwickelt sich laufend weiter, ganz nach dem Motto von Franco Sampogna, dass das Menü immer vom Produkt inspiriert ist. Gerade in den wärmeren Monaten stehen leichte, grüne und feine Gerichte mit Gemüse und Nüssen im Vordergrund. Ergänzt wird das Degustationsmenü durch eine sorgfältig kuratierte Weinbegleitung von Beverage Director Quentin Vauleon, der 2017 als bester junger Sommelier Frankreichs ausgezeichnet wurde und seither auch eine alkoholfreie Begleitung entwickelt.

Die Erfolgsgeschichte des Restaurants spricht für sich: Nur drei Monate nach der Eröffnung vergab die New York Times zwei Sterne, im Oktober 2021 folgte der erste MICHELIN Stern. Hinzu kommen vier von vier Sternen auf der Forbes-All-Star-Eateries-Liste und die Nominierung von Franco Sampogna als Finalist für den James Beard Award als bester Koch im Bundesstaat New York. Wir waren von der Mischung aus Kunst, Handwerk und Gastfreundschaft restlos begeistert und können einen Besuch bei einem nächsten Trip nach New York nur wärmstens ans Herz legen.

Frevo · Greenwich Village, New York, USA · frevonyc.com

Frevo New York — Details

Eröffnung 2019 · Inhaber Franco Sampogna & Bernardo Silva

Küchenchef Franco Sampogna (Brasilien) · Beverage Director Quentin Vauleon

Auszeichnung 1 MICHELIN Stern (seit 2021) · 2 Sterne der New York Times · Forbes All-Star Eateries · James Beard Finalist 2023

Konzept Moderne französische Küche mit portugiesischen Einflüssen · saisonales Degustationsmenü mit Weinbegleitung

Besonderheit Restaurant hinter einer Kunstgalerie, Eingang zum Chef's Counter hinter einem Gemälde · neue Ausstellung alle drei Monate

Design Interior-Erneuerung durch Rockwell Group

Lage Greenwich Village, Manhattan

Adresse 48 W 8th Street · New York, NY 10011, USA

Redaktioneller Hinweis

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Pied à Terre Restaurant London

2026-09-25T11:18:20.211+02:00

A LONDON INSTITUTION — Mitten in Fitzrovia, dort wo sich Michelin-Sterne-Adressen ganz selbstverständlich mit kleinen Kaffeeröstereien und unabhängigen Boutiquen abwechseln, liegt eine der ganz besonderen Adressen der Londoner Gastronomieszene: Pied à Terre. Das Restaurant an der Charlotte Street gehört zu den am längsten bestehenden, unabhängig geführten Sterne-Restaurants der ganzen Stadt, und genau dieses Stück lebendiger Gastronomiegeschichte wollten wir bei unserem letzten London-Trip unbedingt selbst erleben.

I — Einleitung & Atmosphäre

Diskret,
smart, gewachsen.

Schon von außen wirkt Pied à Terre eher unscheinbar: ein schmales Townhouse mitten auf der Charlotte Street, ohne große Leuchtreklame oder auffällige Fassade. Genau das gehört zum Charme des Hauses, denn wer eintritt, betritt eine Welt, die ganz bewusst auf Diskretion statt auf lautes Understatement setzt. Über mehrere Etagen verteilen sich das eigentliche Restaurant im Erdgeschoss, die kleine Petit Chambre Bar im ersten Stock sowie ein privater Speiseraum im zweiten Stock, in dem sich Gesellschaften für besondere Anlässe zurückziehen können.

Der Gastraum selbst ist bewusst klein gehalten, mit gerade einmal rund 40 Sitzplätzen, was der gesamten Atmosphäre eine fast schon private, persönliche Note verleiht. Die Einrichtung ist elegant und erwachsen, mit einem Hauch Kreativität, wie man ihn von einem Haus erwartet, das seit über drei Jahrzehnten immer wieder neu gedacht wird, ohne dabei seine Identität zu verlieren. Zeitgenössische Kunst an den Wänden sorgt für einen unaufdringlichen, aber spürbaren modernen Kontrapunkt zur klassischen Grundhaltung des Hauses.

Der Service ist zuvorkommend, aufmerksam und dabei angenehm unaufgeregt, genau die Art von Gastfreundschaft, die man an einem Ort erwartet, der schon Generationen von Gästen begleitet hat. Man merkt sofort, dass hier niemand etwas beweisen muss. Stattdessen wird man mit der Selbstverständlichkeit eines Hauses empfangen, das genau weiß, wofür es steht.

II — Das Menü & Die Geschichte

Seit 1991
ununterbrochen Stern.

Pied à Terre wurde im Dezember 1991 vom irischen Gastronomen David Moore eröffnet, der zuvor bei Raymond Blanc im legendären Le Manoir aux Quat'Saisons gelernt hatte. Gemeinsam mit seinem ersten Küchenchef Richard Neat erhielt das Restaurant bereits dreizehn Monate nach der Eröffnung seinen ersten MICHELIN Stern, ein zweiter folgte 1996. Seither hält Pied à Terre seinen Stern ohne Unterbrechung und ist damit das am längsten bestehende, unabhängig geführte Sterne-Restaurant der ganzen Stadt.

Die Geschichte des Hauses liest sich dabei fast wie ein Who-is-Who der britischen Gourmetszene: Nach Richard Neat übernahm der junge Tom Aikens die Küche, der als bis dahin jüngster Koch Großbritanniens zwei MICHELIN Sterne erhielt, bevor unter anderem Shane Osborn, Marcus Eaves und Andy McFadden das Zepter weiterreichten. Diese besondere Tradition setzt sich bis heute fort, denn Küchenchef Asimakis Chaniotis hat mit Aggelos Kassais einen ehemaligen Sous-Chef von sich selbst zurück ins Haus geholt, der zwischenzeitlich unter anderem beim zwei-Sterne-Restaurant Bibendum gearbeitet hat.

Kulinarisch steht Pied à Terre für klassische französische Techniken, die mit einer feinen, frischen und zugleich mediterranen Note versehen werden. Die Menüs sind sowohl als Fleisch- und Fischvariante als auch als vollwertige vegane Degustationsmenüs erhältlich, ein Angebot, das nicht viele Sterne-Restaurants in dieser Konsequenz bieten. Ergänzt wird die Küche durch eine der besten Weinkarten Londons, die bereits mehrfach international ausgezeichnet wurde. Wir waren mehr als beeindruckt davon, wie stimmig sich Tradition und Innovation in diesem Haus vereinen, und können einen Besuch bei einer nächsten Reise nach London nur wärmstens empfehlen.

Pied à Terre · Fitzrovia, London, England · pied-a-terre.co.uk

Pied à Terre — Details

Eröffnung Dezember 1991 · Gründer & Eigentümer David Moore, erster Küchenchef Richard Neat

Küchenchef Asimakis Chaniotis · Aggelos Kassais als Head Chef

Auszeichnung 1 MICHELIN Stern ohne Unterbrechung seit 1993 · London's längstes unabhängiges Sterne-Restaurant

Konzept Klassische französische Küche mit mediterraner Note · Fleisch-, Fisch- & veganes Degustationsmenü

Kapazität Rund 40 Sitzplätze · Petit Chambre Bar & privater Speiseraum

Lage Fitzrovia · nahe U-Bahnstation Goodge Street

Adresse 34 Charlotte Street · London W1T 2NH, England

Redaktioneller Hinweis

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Sir Devonshire Square Hotel

2026-09-22T11:37:06.011+02:00

EAST LONDON SPIRIT — London hat uns auch dieses Mal wieder gezeigt, wie schnelllebig und kreativ sich die Hotellandschaft der Stadt entwickelt. Am östlichen Rand von Shoreditch, dort wo die pulsierenden Märkte auf die glitzernde Skyline der City treffen, haben wir das neueste Konzept der Sircle Collection kennengelernt: Sir Devonshire Square. Das Hotel ist ein echter Frischluft-Moment im Herzen von London, und wir waren mehr als gespannt, das neueste Kapitel der Sir-Hotels-Familie selbst zu erleben.

I — Die Atmosphäre

Zwischen
Markt und Skyline.

Bereits beim Betreten des Hotels haben wir die besondere Stimmung gespürt, die Sir Devonshire Square von anderen Häusern in London unterscheidet. Die Lobby empfängt einen mit warmen, erdigen Farbtönen und einer entspannten, fast schon wohnzimmerartigen Atmosphäre, die weit entfernt vom klassischen, steifen Hotel-Ambiente ist. Es ist genau diese Mischung aus urbaner Energie und ruhiger Gelassenheit, die uns von der ersten Minute an begeistert hat.

Besonders spannend fanden wir die kuratierte Kunst, die sich durch das gesamte Hotel zieht. Werke des Londoner Künstlers Femi Dawkins, Fotografien von DEEPAK sowie Illustrationen und Gemälde von Glen Gashi verleihen den Räumen eine kreative, lokal verwurzelte Handschrift. Man spürt sofort, dass hier bewusst auf die künstlerische Szene von East London gesetzt wurde, anstatt auf generische Deko zurückzugreifen. Genau diese Details machen den Unterschied und sorgen dafür, dass sich das Hotel wie ein Teil der Nachbarschaft anfühlt, statt wie ein Fremdkörper.

II — Die Lage & Das Design

Einmal durchs
ganze Haus.

Wer sich das Zusammenspiel aus Backsteinfassade, Bogenfenstern und der erdigen Farbpalette lieber bewegt statt in Bildern ansehen möchte: Wir haben unseren Rundgang durch das Hotel festgehalten und nehmen euch mit von der Lobby-Bar über die Gemeinschaftsbereiche bis in eines der Zimmer.

Video-Rundgang durch das Sir Devonshire Square

Die Lage & Das Design

Rosa Töne
am Backsteinbau.

Die Lage des Hotels ist wirklich ideal für alle, die London zu Fuß entdecken möchten. Nur wenige Gehminuten trennen einen vom Liverpool Street Bahnhof, und auch der Old Spitalfields Market sowie die berühmte Brick Lane liegen fußläufig entfernt. Gleichzeitig ist man von hier aus in kürzester Zeit am Tower of London oder an der Themse. Diese zentrale Position zwischen dem quirligen Shoreditch und der glänzenden City of London macht das Hotel zu einem idealen Ausgangspunkt, egal ob man geschäftlich oder privat in der Stadt unterwegs ist.

Architektonisch besticht das Hotel durch seinen charakteristischen Backsteinbau, ein liebevoll restauriertes Lagerhaus aus dem 17. Jahrhundert, das einst der East India Tea Company gehörte und sich harmonisch in den historischen Innenhof von Devonshire Square einfügt. Für das Interior-Design verantwortlich zeichnet das britische Studio Maison 191, das subtilen britischen Charme mit Bauhaus-inspirierter Geometrie und Mid-Century-Einflüssen verbindet. Offene Raumkonzepte, geschwungene Bogenfenster, skulpturale Treppen, Terrakotta-Fliesen und Steinoberflächen treffen auf weiche Polsterungen und gewebte Stoffe. In den insgesamt 81 Zimmern und Suiten dominiert eine erdige Farbpalette aus tiefen Blau-, Rot-, Grün- und Brauntönen, kombiniert mit natürlichem Holz, metallischen Details und maßgefertigten Möbelstücken.

Über die Etagen des Hotels verteilen sich neben den Zimmern auch mehrere gemütliche Aufenthaltsbereiche, die zum Verweilen einladen. Besonders spannend ist zudem, dass das Konzept schrittweise weiterentwickelt wird: In den kommenden Phasen sollen unter anderem The Cover, der private Members Club der Sircle Collection, sowie das eigentliche Hauptrestaurant folgen. Bis dahin steht den Gästen bereits die lebendige Lobby-Bar zur Verfügung, die im Tagesverlauf von Espresso und Frühstücksbowls über leichte Mittagsgerichte bis hin zu kuratierten Cocktails am Abend alles abdeckt, dazu ein Gym sowie ein Yoga-Studio für sportliche Aktivitäten.

III — Das Frühstück & Das Zimmer

Egyptische Baumwolle,
englischer Tee.

Der Morgen beginnt im Sir Devonshire Square denkbar entspannt. Das Frühstück wird im gemütlichen Café-Bereich des Hotels serviert, wo man neben klassischen englischen Frühstücksklassikern auch frisch gebrühten Kaffee und eine gute Auswahl an Tee genießen kann. Das Ambiente ist auch hier bewusst zurückhaltend gehalten, mit viel Tageslicht und einer ruhigen Atmosphäre, die den perfekten Start in den Tag ermöglicht, bevor man sich auf Entdeckungstour durch Shoreditch begibt.

Für unseren Aufenthalt haben wir eines der Zimmer bezogen, die ebenfalls die charakteristische Designhandschrift des Hotels tragen. Egyptische Baumwollbettwäsche, hochwertige Bettwaren und eine dezente, warme Farbpalette schaffen ein Gefühl von unaufgeregtem Luxus. Die Badezimmer sind mit Regendusche und ausgewählten Pflegeprodukten ausgestattet, während kleine Details wie der Schreibtisch und die Minibar dafür sorgen, dass sich das Zimmer sowohl für einen Städtetrip als auch für längere Business-Aufenthalte eignet.

Was uns besonders gut gefallen hat, ist, dass trotz der zentralen Lage inmitten des Trubels von Shoreditch eine spürbare Ruhe im Zimmer herrscht. Die Fenster sind schalldicht, sodass man sich, sobald man die Tür hinter sich schließt, sofort in einer kleinen Oase wiederfindet. Für uns ist genau das die Definition von modernem Boutique-Hotel: die pulsierende Stadt direkt vor der Tür, aber innen drin die Ruhe, die man nach einem Tag voller Eindrücke braucht.

Sir Devonshire Square · Shoreditch, London, England · sirhotels.com

Sir Devonshire Square — Details

Eröffnung 2025 · Teil der Sircle Collection (Sir Hotels)

Gebäude Restauriertes Lagerhaus der East India Tea Company, 17. Jahrhundert

Design Maison 191 (London) · Bauhaus-Geometrie & Mid-Century-Einflüsse

Kunst Femi Dawkins, DEEPAK & Glen Gashi · kuratiert aus der East-London-Szene

Zimmer 81 Zimmer, davon 14 Suiten, u. a. Sir Suite (32 m²), Grand Suite (38 m²)

Ausstattung Lobby-Bar (Kaffee von AllPress) · Gym & Yoga-Studio · The Cover (Members Club) & Hauptrestaurant in Planung

Lage Shoreditch, nahe Liverpool Street, Brick Lane & Old Spitalfields Market

Adresse 5 Devonshire Square · London EC2M 4YD, England

Redaktioneller Hinweis

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Sollip Restaurant London

2026-09-17T18:30:13.443+02:00

SEOUL MEETS LONDON — Nur einen Steinwurf von der Shard entfernt, versteckt in einer kleinen Seitenstraße unweit der London Bridge, liegt eines der spannendsten Restaurantkonzepte der Stadt: Sollip. Der Name bedeutet auf Koreanisch „Kiefernnadel" und bezieht sich auf die traditionelle koreanische Küche, in der Kiefernnadeln zum Räuchern und Aromatisieren verwendet werden. Genau diese Verbindung zwischen koreanischer Herkunft und europäischer Kochkunst macht das Restaurant zu etwas ganz Besonderem, und wir waren mehr als gespannt, dieses Konzept selbst zu erleben.

I — Einleitung & Atmosphäre

Eine Liebesgeschichte
aus der Küche.

Hinter Sollip steht die Geschichte eines koreanischen Ehepaares: Küchenchef Woongchul Park und Pâtissière Bomee Ki lernten sich während ihrer Ausbildung am Le Cordon Bleu in London kennen. Während Park anschließend im renommierten The Ledbury sein Handwerk verfeinerte, sammelte Ki wertvolle Erfahrungen im Arts Club. Aus dieser gemeinsamen Leidenschaft für die Kochkunst entstand die Idee, ein eigenes Restaurant zu eröffnen, das ihre koreanischen Wurzeln mit den klassischen europäischen Techniken verbindet, die sie beide erlernt hatten. Im August 2020, mitten in der Pandemie, öffnete Sollip schließlich seine Türen, zunächst mit einem koreanischen Feinkostladen, bevor das eigentliche Restaurantkonzept an den Start ging. Bereits 2022 wurde das junge Restaurant mit einem MICHELIN Stern ausgezeichnet, eine beeindruckende Leistung für ein so junges Konzept.

Die Atmosphäre im Sollip ist von Ruhe und Zurückhaltung geprägt. Sobald man den Raum betritt, spürt man sofort eine gewisse Gelassenheit, die den Trubel der Stadt draußen vor der Tür vergessen lässt. Die Wände sind in sanften Pastelltönen gehalten, unterstrichen durch dezente Grünpflanzen, die im ganzen Raum verteilt sind. Das Restaurant bietet Platz für gerade einmal 28 Gäste, und jedem Tisch wird großzügig Raum zugestanden, ein bewusster Kontrast zu vielen anderen Fine-Dining-Adressen in der Stadt, in denen die Tische oft viel enger zusammenstehen. Diese Großzügigkeit im Raum spiegelt sich auch in der gesamten Philosophie des Hauses wider: Es geht nicht um Inszenierung, sondern um Konzentration auf das Wesentliche.

II — Das Menü & Das Design

Kimchi trifft
Tarte Tatin.

Das Herzstück von Sollip ist zweifellos das Degustationsmenü mit rund neun Gängen am Abend, ergänzt durch eine kürzere, fünfgängige Variante zum Mittagessen. Küchenchef Woongchul Park verwebt koreanische Aromen mit klassischen französischen Techniken und lokal bezogenen, britischen Zutaten zu einem ganz eigenen Stil. Viele Zutaten stammen dabei direkt vom nahegelegenen Borough Market, was dem Konzept eine zusätzliche Frische und Regionalität verleiht. Zu den bekannten Gerichten gehören beispielsweise eine daikon-basierte Neuinterpretation der klassischen Tarte Tatin, eine mit Krabbe und Dubu gefüllte Zucchiniblüte oder auch zartes Schweinefleisch mit Bärlauch. Zum Abschluss sorgt ein Ssuk Pain Perdu, eine koreanisch inspirierte Version des klassischen French Toast, für einen unvergesslichen süßen Schlusspunkt.

Auch das Design des Restaurants ist ganz bewusst minimalistisch gehalten und lässt den Gerichten den Raum, den sie verdienen. Besonders schön ist, dass das Ehepaar viele Elemente der Einrichtung ganz gezielt bei koreanischen Kunsthandwerkern in Auftrag gegeben hat: die fein gearbeiteten Porzellanlampenschirme von Wonjae Jo, das handgeformte Geschirr von Torim Porcelain sowie die stilvollen Uniformen von Working Class Hero. So entsteht ein stimmiges Gesamtbild, das die Persönlichkeit des Gründerpaares auf jeder Ebene widerspiegelt, von der Speisekarte bis hin zum letzten Detail der Einrichtung. Auch die Weinkarte wurde sorgfältig kuratiert, sie liegt in den Händen von Keeling Andrew & Co. und bietet eine spannende Auswahl, die die Aromen der Küche perfekt ergänzt.

Alles in allem ist Sollip ein Restaurant, das ohne große Effekthascherei auskommt und stattdessen mit Klarheit, Präzision und einer sehr persönlichen Handschrift überzeugt. Ein Besuch lohnt sich für alle, die auf der Suche nach einer außergewöhnlichen kulinarischen Reise zwischen Seoul und London sind.

Sollip · Southwark, London, England · sollip.co.uk

Sollip London — Details

Eröffnung August 2020 · von Woongchul Park & Bomee Ki

Küchenchefs Woongchul Park (Küchenchef, zuvor The Ledbury) & Bomee Ki (Pâtisserie, zuvor The Arts Club)

Auszeichnung 1 MICHELIN Stern seit 2022

Konzept Koreanisch-europäische Küche · Degustationsmenü, ca. 9 Gänge (Dinner), 5 Gänge (Lunch)

Kapazität 28 Sitzplätze

Design Kuratierte koreanische Handwerkskunst: Porzellan von Wonjae Jo & Torim Porcelain

Lage Southwark, nahe London Bridge & The Shard, direkt am Borough Market

Adresse Unit 1, 8 Melior Street · London SE1 3QP, England

Redaktioneller Hinweis

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The Clove Club London

2026-09-17T14:49:07.604+02:00

SHOREDITCH LEGEND — Es gibt Restaurants, die man einfach kennen muss, wenn man sich mit der Londoner Gastronomie beschäftigt, und The Clove Club gehört ganz klar in diese Kategorie. Mitten in Shoreditch, einem der spannendsten und kreativsten Stadtteile Londons, hat sich das Restaurant in den letzten Jahren zu einer festen Institution der britischen Gourmetszene entwickelt. Was einst als kleines Supperclub-Projekt in einer Privatwohnung begann, ist heute eines der gefragtesten Restaurants Großbritanniens, ausgezeichnet mit zwei MICHELIN Sternen und regelmäßig auf der Liste der World's 50 Best Restaurants vertreten. Wir haben uns auf den Weg gemacht, um dieses besondere Konzept näher kennenzulernen.

I — Einleitung & Design

Vom Supperclub
zur Institution.

Die Geschichte von The Clove Club beginnt nicht in einem klassischen Restaurant, sondern in einer privaten Wohnung in Dalston. Dort veranstalteten die Gastgeber Daniel Willis und Johnny Smith zusammen mit Köchen wie Isaac McHale, Ben Greeno und James Lowe unter dem Namen „Young Turks" eine Reihe von experimentellen Pop-up-Dinners und Supperclubs, die schnell für Aufsehen in der Londoner Foodszene sorgten. Aus dieser kreativen Energie heraus entstand schließlich die Idee, ein eigenes, festes Restaurant zu eröffnen. Über die Crowdfunding-Plattform Crowdcube sammelten Isaac McHale, Daniel Willis und Johnny Smith die nötigen Mittel, um im März 2013 The Clove Club in den historischen Räumen des Shoreditch Town Hall zu eröffnen.

Das Gebäude selbst ist ein wahres Schmuckstück: Das denkmalgeschützte Shoreditch Town Hall ist über 150 Jahre alt und versprüht mit seiner imposanten Steintreppe am Eingang, den holzgetäfelten Wänden und den hohen Decken einen ganz eigenen historischen Charme. Man betritt das Gebäude und fühlt sich fast in eine Zeit zurückversetzt, in der hier noch Beamte durch die Flure eilten. Im Inneren des Restaurants dominiert dunkles Holz, kombiniert mit der markanten blau gefliesten offenen Küche, die das Herzstück des Raumes bildet. Von den Tischen aus kann man dem Küchenteam bei der Arbeit zusehen, was dem gesamten Erlebnis eine besondere Lebendigkeit verleiht.

Am Herd steht Chef-Patron Isaac McHale, der auf Orkney geboren wurde und in Glasgow aufwuchs. Seine kulinarische Laufbahn führte ihn unter anderem durch Restaurantküchen in Glasgow, Sydney und London, bevor er sechs Jahre lang im The Ledbury arbeitete, wo er als Entwicklungskoch maßgeblich zu den ersten beiden Michelin-Sternen des Hauses beitrug. Mit diesem Erfahrungsschatz im Gepäck brachte er schließlich seine eigene Vision in The Clove Club ein: eine moderne britische Küche, die auf Technik basiert, aber bewusst auf das Wesentliche reduziert bleibt.

II — Das Menü und Atmosphäre

Orkney-Jakobsmuscheln
und Cornish Lobster.

Im Herzen von The Clove Club steht das saisonale Degustationsmenü, das jedes Mal aufs Neue die besten Zutaten der Britischen Inseln in den Mittelpunkt stellt. Ob Orkney-Jakobsmuscheln, Cornish Lobster oder trocken gereiftes Middlewhite-Schweinefleisch, jedes Gericht erzählt eine kleine Geschichte über Isaac McHales kulinarische Erinnerungen und seine zahlreichen Reisen. Die Speisekarte ändert sich mit den Jahreszeiten und bleibt dabei stets modern und elegant, ohne dabei die technische Präzision zu verlieren, für die das Restaurant bekannt geworden ist.

Das Restaurant selbst gliedert sich in zwei Bereiche: das eigentliche Dining Room mit dem vollständigen Degustationsmenü sowie eine separate Bar, in der man auch nur auf einen Drink oder eine kleine, verkürzte Version des Menüs vorbeischauen kann. Diese Flexibilität macht The Clove Club zu einem Ort, der sowohl für einen ausgiebigen Feinschmeckerabend als auch für einen spontanen Absacker geeignet ist. Zum Menü gehört zudem eine umfangreiche Weinkarte, die sowohl aufregende zeitgenössische Winzer als auch klassische Weine aus der Alten Welt vereint und die Gerichte auf ganz unterschiedliche Weise ergänzt.

Ein Jahr nach der Eröffnung wurde The Clove Club bereits mit dem ersten MICHELIN Stern ausgezeichnet, im Jahr 2022 kam der zweite Stern hinzu. Zudem zählte das Restaurant 2016 zum höchsten Neueinstieg eines britischen Restaurants in der Liste der World's 50 Best Restaurants und belegte dort Platz 26. Auch in den Jahren danach blieb The Clove Club fester Bestandteil dieser prestigeträchtigen Liste. Die Atmosphäre im Restaurant ist dabei angenehm entspannt, trotz der hohen kulinarischen Ansprüche wirkt nichts steif oder überinszeniert. Man sitzt an den Tischen mit direktem Blick auf die offene Küche und spürt förmlich die Energie und Präzision, mit der das Küchenteam jeden einzelnen Gang zusammenstellt.

Wir können einen Besuch bei The Clove Club nur wärmstens empfehlen, ganz gleich, ob man sich für das vollständige Degustationsmenü entscheidet oder lieber in der Bar eine kleinere Auswahl an Speisen und Drinks genießt. Die Kombination aus historischem Ambiente, kulinarischer Präzision und der lockeren, einladenden Atmosphäre macht diesen Ort zu einem echten Highlight der Londoner Restaurantszene.

The Clove Club · Shoreditch, London, England · thecloveclub.com

The Clove Club — Details

Eröffnung März 2013 · von Isaac McHale, Daniel Willis & Johnny Smith, finanziert über Crowdcube

Küchenchef Isaac McHale, Chef-Patron · zuvor 6 Jahre bei The Ledbury

Auszeichnung 2 MICHELIN Sterne (seit 2014 / 2022) · mehrfach in der World's 50 Best Restaurants Liste

Gebäude Denkmalgeschütztes Shoreditch Town Hall, über 150 Jahre alt

Konzept Saisonales Degustationsmenü · separate Bar mit verkürztem Menü

Küche Modern britisch mit Zutaten der Britischen Inseln (Orkney, Cornwall)

Adresse Shoreditch Town Hall, 380 Old Street · London EC1V 9LT, England

Redaktioneller Hinweis

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Deep Roots Restaurant Vilnius

2026-09-07T13:22:33.544+02:00

ROOTS, RECONNECTED — In der Altstadt von Vilnius, in einem Gebäude, dessen Wurzeln bis ins 17. Jahrhundert zurückreichen, hat Küchenchef Andrius Kubilius mit Deep Roots einen Ort geschaffen, der weit mehr ist als nur ein weiteres Fine-Dining-Restaurant. Der Name ist Programm: Es geht um Zuhause, um Verbindung, um die eigenen Wurzeln, um die Frage, woher man kommt und wohin man geht. Nach seiner Zeit als Küchenchef im Nineteen18 hat Kubilius mit Deep Roots einen eigenen Raum gefunden, in dem er seine ganz persönliche Vision endlich vollständig ausleben kann. Schon nach wenigen Monaten wurde das Restaurant mit einem MICHELIN Stern ausgezeichnet, eine Anerkennung, die selbst den Küchenchef überrascht hat.

Schon beim Betreten werden die Gäste mit einem Schnaps litauischen Mondscheins begrüßt, ein kleines, aber symbolisches Willkommensritual, das die Gastfreundschaft und Bodenständigkeit des Hauses sofort spürbar macht. Zu jedem Gang gibt es ausführliche Erklärungen des Küchenteams, die die Geschichte hinter den Zutaten und Gerichten erzählen. Viele der verwendeten Produkte stammen direkt vom eigenen Hof der Familie in Radiškis, und die Nose-to-Tail-Philosophie der Küche ist inspiriert von Kubilius' Kindheitserinnerungen, insbesondere den Rezepten seiner Urgroßmutter.

I — Atmosphäre und Design

Ein Haus,
das erzählt.

Das Gebäude, in dem Deep Roots sein Zuhause gefunden hat, liegt mitten in der Altstadt von Vilnius und trägt eine Geschichte in sich, die bis ins 17. Jahrhundert zurückreicht. Diese Verwurzelung in der Vergangenheit war für die Namensgebung des Restaurants ebenso entscheidend wie die persönliche Geschichte des Küchenchefs. Beim Betreten des Raumes spürt man sofort, dass hier nicht auf glatte Perfektion, sondern auf Wärme und Erdung gesetzt wurde. Die historischen Gewölbe und massiven Wände des alten Hauses bilden den Rahmen für ein Interieur, das bewusst reduziert und dennoch einladend gestaltet ist.

Natürliche Materialien wie Holz und Stein dominieren den Raum und schaffen eine ruhige, geerdete Atmosphäre, die perfekt zur Philosophie der Küche passt. Es geht hier nicht um laute Effekte, sondern um eine leise Eleganz, die den Fokus ganz bewusst auf das Wesentliche lenkt: das Essen, die Geschichten dahinter und die Menschen, die sie erzählen. Kleine, persönliche Details im Raum erinnern an die ländliche Herkunft vieler Zutaten und an den familiären Charakter, den das Restaurant von Beginn an ausstrahlen wollte.

Besonders schön ist, wie das Design die Verbindung zwischen dem historischen Gebäude und dem modernen, kulinarischen Konzept sichtbar macht. Nichts wirkt hier aufgesetzt oder inszeniert, sondern alles fügt sich organisch zu einem stimmigen Gesamtbild zusammen, das den Gast von der ersten Minute an einlädt, anzukommen und sich fallen zu lassen.

II — Das Menü

Vom Hof
auf den Teller.

Das Herzstück von Deep Roots ist zweifellos das Degustationsmenü, das Küchenchef Andrius Kubilius Gang für Gang selbst am Tisch begleitet und erklärt. Jedes Gericht erzählt eine kleine Geschichte, sei es über die Herkunft eines Gemüses vom hauseigenen Hof in Radiškis oder über eine Erinnerung aus der Kindheit des Küchenchefs. Diese persönliche Note macht das Essen bei Deep Roots zu einem echten Erlebnis, das weit über den reinen Geschmack hinausgeht und die Gäste tief in die Erzählung des Hauses eintauchen lässt.

Die Küche folgt konsequent einem Nose-to-Tail-Ansatz und einer tiefen Verbundenheit zur Region. Viele der Zutaten stammen direkt vom eigenen landwirtschaftlichen Betrieb der Familie, was nicht nur für außergewöhnliche Frische sorgt, sondern auch die gesamte Philosophie des Hauses widerspiegelt: eine bewusste Rückbesinnung auf das, was die litauische Küche und die eigene Familiengeschichte ausmacht. Die Gerichte sind zeitgenössisch interpretiert, bleiben dabei aber immer erdig und ehrlich in ihrem Kern.

Die Weinbegleitung setzt bewusst auf kleine litauische Erzeuger und ergänzt die Aromen der Gerichte auf feinfühlige Weise. Wer sich für einen Abend bei Deep Roots entscheidet, sollte sich Zeit nehmen und eine Reservierung frühzeitig einplanen, denn das Restaurant zählt bereits kurz nach der Eröffnung zu den gefragtesten Adressen der litauischen Hauptstadt.

Deep Roots Vilnius — Details

Küchenchef Andrius Kubilius · zuvor Küchenchef im Nineteen18

Auszeichnung 1 MICHELIN Stern · nur wenige Monate nach Eröffnung

Konzept Farm-to-table · Nose-to-Tail · Zutaten vom eigenen Hof in Radiškis

Gebäude Historisches Haus in der Altstadt, Wurzeln im 17. Jahrhundert

Menü Degustationsmenü · Weinbegleitung von litauischen Kleinproduzenten

Öffnungszeiten Mittwoch bis Samstag, 18:00–23:00 Uhr

Adresse Trakų g. 14 · 01132 Vilnius, Litauen

Redaktioneller Hinweis

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Hotel Adlon — Berlins erste Adresse

2026-08-29T16:54:56.096+02:00

FIRST ADDRESS — Es gibt Hotels, in die man einfach hineingeht. Und es gibt Hotels, in die man eintritt, fast andächtig, als würde man einen Raum betreten, der größer ist als man selbst. Das Hotel Adlon Kempinski Berlin gehört unzweifelhaft in die zweite Kategorie. Schon von der Straße aus, vom Pariser Platz kommend, mit dem Brandenburger Tor direkt vor Augen, spürt man diese eigentümliche Schwere der Geschichte, die sich mit dem federleichten Gefühl von Luxus vermischt. Ich habe viele Fünf-Sterne-Häuser gesehen. Aber selten eines, das so unmittelbar klarmacht: Hier wird nicht einfach übernachtet. Hier wird man Teil einer Erzählung, die seit über einem Jahrhundert weitergeschrieben wird.

1907 von Lorenz Adlon gegründet, 1945 durch ein Feuer fast vollständig zerstört, und 1997, nach der Wiedervereinigung, an fast derselben Stelle neu erstanden, ist das Adlon so etwas wie das kollektive Gedächtnis Berlins in Stein und Samt. Wer hier übernachtet, teilt sich das Haus mit einer langen Reihe von Staatsgästen, Künstlern und Unternehmern, die vor einem dieselbe Schwelle überschritten haben. Und trotzdem, das ist vielleicht das Erstaunlichste, fühlt sich nichts hier museal an. Es lebt.

I — Das Design

Klassisch,
nie museal.

Wenn man die Lobby betritt, braucht man einen Moment, um überhaupt zu erfassen, wo der Blick zuerst hinwandern soll. Marmorböden, die das Licht der großen Fenster reflektieren. Vergoldete Verzierungen, die nie kitschig wirken, weil sie mit einer solchen Selbstverständlichkeit gesetzt sind. Kristalllüster, die von hohen Decken hängen und den ganzen Raum in ein warmes, fast goldenes Licht tauchen. Ich habe eine Weile einfach nur dagestanden und geschaut, bevor ich überhaupt an die Rezeption gedacht habe. Das Adlon zitiert das große europäische Grandhotel des frühen 20. Jahrhunderts, aber es kopiert es nicht museal, sondern übersetzt es in etwas, das man tatsächlich bewohnen kann und will.

Was mich besonders beeindruckt hat: Die Balance zwischen Opulenz und Funktionalität. Nichts ist hier Design um des Designs willen. Jedes Detail, von den handgeknüpften Teppichen bis zu den Türgriffen aus Messing, wirkt, als hätte jemand lange überlegt, wie sich ein Raum anfühlen soll, nicht nur wie er aussieht. Dunkle Hölzer treffen auf helle Stoffe, klassische Ornamentik auf klare Linienführung. Es ist diese Art von Luxus, die nicht laut ist, sondern selbstbewusst leise, ein Understatement, das sich nur diejenigen leisten können, die wirklich etwas zu zeigen haben.

II — Die Atmosphäre

Berlin,
unter einem Dach.

Was mich am meisten überrascht hat, war nicht die Opulenz, die hatte ich erwartet, sondern wie lebendig sich das Adlon anfühlt. In der Lobby Lounge, direkt neben dem berühmten Elefantenbrunnen, mischen sich Geschäftsleute mit Kaffee zwischen zwei Terminen, Touristen, die kurz innehalten, um das Ambiente zu fotografieren, und Berliner, die einfach nur zum Nachmittagstee vorbeikommen. Es ist, als würde die ganze Stadt hier für einen Moment zusammenkommen, unter einem einzigen, sehr hohen Dach. Genau dieses Nebeneinander aus Weltläufigkeit und Alltäglichkeit macht die Atmosphäre so besonders. Man sitzt neben Menschen, die gerade aus einer Kabinettssitzung kommen, und neben einem Paar, das seinen Hochzeitstag feiert, und beide fühlen sich hier gleich willkommen.

Der Service trägt entscheidend zu diesem Gefühl bei. Man wird hier nicht bedient wie eine Nummer, sondern wie ein Gast, den man tatsächlich kennenlernen möchte. Namen werden sich gemerkt, kleine Vorlieben registriert, ohne dass es aufdringlich wirkt. Diese Mischung aus höchster Professionalität und einer fast familiären Wärme ist es, die das Adlon von vielen anderen internationalen Luxushotels unterscheidet, die zwar makellos, aber oft seelenlos funktionieren. Hier spürt man, dass Menschen arbeiten, die stolz auf ihr Haus sind, und dieser Stolz überträgt sich.

III — Die Suiten

Dreizehn Welten,
ein Zuhause auf Zeit.

Mit 78 Suiten in 13 verschiedenen Kategorien besitzt das Adlon die größte Auswahl an Suiten in ganz Deutschland, von der Junior Suite unter den Linden bis zur Präsidentensuite. Ich hatte das Privileg, eine der klassischen Deluxe Suiten zu bewohnen, und was mich sofort gefangen genommen hat, war der Raum selbst, nicht nur seine Größe, sondern das Gefühl, wirklich anzukommen. Ein separater Wohnbereich, in dem man sich zurückziehen kann, ohne gleich im Bett zu landen. Ein Schlafzimmer, dessen Bett so weich und die Bettwäsche so fein war, dass ich am ersten Morgen tatsächlich überlegt habe, den Check-out zu verschieben.

Die raumhohen Fenster verdienen einen eigenen Absatz. Sie lassen nicht nur Licht herein, sie holen Berlin ins Zimmer, je nach Suite mit Blick auf das Brandenburger Tor, den Pariser Platz oder die Straße Unter den Linden. Ich habe morgens oft einfach nur dagesessen, Kaffee in der Hand, und zugesehen, wie die Stadt langsam aufwacht. Das Marmorbad mit freistehender Wanne war ein eigenes kleines Ritual für sich, hier nimmt man sich Zeit, nicht weil man muss, sondern weil der Raum selbst einen dazu einlädt. Jedes Detail, von den Amenities bis zu den Materialien der Möbel, folgt derselben Idee: Nichts soll auffallen müssen, weil alles bereits stimmt.

IV — Die Lage & der Ausblick

Berlins
erste Adresse.

Es gibt wenige Orte auf der Welt, an denen ein Hotel so vollständig mit dem Wahrzeichen seiner Stadt verschmilzt wie das Adlon mit dem Brandenburger Tor. Ich trete aus der Drehtür, und da steht es, keine hundert Meter entfernt, in seiner ganzen historischen Wucht. Man muss sich nicht auf den Weg machen, um Berlin zu erleben, Berlin ist bereits vor der Tür. Der Pariser Platz mit seinen Botschaften, das Regierungsviertel nur einen kurzen Spaziergang entfernt, die Prachtstraße Unter den Linden, die sich in die eine Richtung zieht, während sich in die andere die eleganten Boutiquen der Friedrichstraße auftun.

Diese Zentralität ist kein bloßer Standortvorteil, sie prägt das ganze Erlebnis. Man ist mitten im Herzschlag der Hauptstadt, und doch, sobald man durch die Türen tritt, verschwindet der Lärm der Stadt vollständig. Diese Fähigkeit, gleichzeitig völlig präsent und völlig abgeschirmt zu sein, ist eine architektonische und atmosphärische Meisterleistung, die man erst zu schätzen weiß, wenn man sie selbst erlebt hat. Abends, wenn das Brandenburger Tor beleuchtet wird und sich sein Licht in den Fenstern des Hotels spiegelt, versteht man endgültig, warum dieses Haus seit über hundert Jahren Berlins erste Adresse genannt wird.

V — Der Spa

Ein Rückzugsort,
unter Berlin.

Auf über 800 Quadratmetern erstreckt sich der Spa-Bereich des Adlon, mit einem Innenpool, der eher an eine private Oase erinnert als an ein Hotelschwimmbad, und einem eigens eingerichteten Day Spa mit 14 Behandlungsräumen. Ich bin an einem grauen Berliner Nachmittag hinuntergegangen, eigentlich nur, um kurz zu schauen, und am Ende fast drei Stunden geblieben. Das Licht ist gedämpft, die Geräusche der Stadt existieren hier unten schlicht nicht mehr. Man taucht ein, im wahrsten Sinne des Wortes, in eine Welt, die komplett anders funktioniert als die geschäftige Metropole draußen vor der Tür.

Was den Spa besonders macht, ist diese Konsequenz in der Ruhe. Kein Detail wirkt hier zufällig, von der Temperatur des Wassers bis zur Auswahl der Öle bei der Massage. Die Behandlungen selbst folgen internationalen Spitzenstandards, aber es ist vor allem die Atmosphäre, die bleibt, dieses Gefühl, komplett aus der Zeit gefallen zu sein, mitten im Zentrum einer der lebendigsten Städte Europas. Für mich war genau das der Moment, in dem ich verstanden habe, was das Adlon als Gesamterlebnis ausmacht: die Fähigkeit, Extreme miteinander zu versöhnen, urbane Energie und vollkommene Stille, historisches Gewicht und zeitgenössischen Komfort.

VI — Die Atmosphäre bei Nacht

Wenn Berlin
golden wird.

Wenn die Sonne untergeht, verwandelt sich das Adlon noch einmal. Die Lichter der Lobby werden wärmer, die Gespräche leiser, das gesamte Haus scheint einen Gang zurückzuschalten, ohne dabei an Energie zu verlieren. Ich habe einen meiner liebsten Abende an der Lobby Bar verbracht, ein Glas Champagner in der Hand, mit direktem Blick auf den beleuchteten Elefantenbrunnen und, durch die großen Fenster, auf das nächtlich angestrahlte Brandenburger Tor. In diesem Moment verstand ich, warum das Adlon seit Generationen als Treffpunkt für Staatsoberhäupter, Künstler und Berliner Gesellschaft gilt. Es gibt kaum einen zweiten Ort in der Stadt, an dem Geschichte, Gegenwart und ein Hauch von Glamour so mühelos zusammenfinden.

Draußen pulsiert Berlin weiter, Touristen, die letzte Fotos vom Tor schießen, Limousinen, die vor dem Eingang vorfahren, Fahrräder, die vorbeiziehen. Drinnen aber herrscht diese besondere, fast zeitlose Ruhe, die einem das Gefühl gibt, für einen Abend Teil von etwas Größerem zu sein. Als ich am nächsten Morgen abreiste, mit einem letzten Blick zurück auf die imposante Fassade, wusste ich, dass dies keine gewöhnliche Übernachtung gewesen war. Das Adlon hinterlässt etwas, das über den Aufenthalt selbst hinausreicht, eine Erinnerung an einen Ort, an dem Luxus nicht zur Schau gestellt, sondern gelebt wird.

Hotel Adlon Kempinski Berlin — Details

Kategorie 5-Sterne-Luxushotel · Leading Hotels of the World

Geschichte Gegründet 1907 · Neueröffnung 1997

Zimmer 385 Zimmer & Suiten · 78 Suiten in 13 Kategorien

Gastronomie Lorenz Adlon Esszimmer (2 Michelin-Sterne) · Brasserie Quarré

Wellness Rund 800 m² Spa · Innenpool · 14 Behandlungsräume

Lage Direkt am Brandenburger Tor, Pariser Platz

Adresse Pariser Platz 3 · 10117 Berlin

Redaktioneller Hinweis

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100/200 Kitchen Hamburg

2026-08-24T12:11:40.253+02:00

HIDDEN KITCHEN — Ein Industriegebiet am Billhafen, dunkle Lagerhallen, Möwen über dem Wasser. Kein Ort, an dem man ein Zwei-Sterne-Restaurant vermuten würde. Erst an der unscheinbaren Tür, direkt neben der Klingel, steht der Name: 100/200 Kitchen. Man klingelt, die Tür summt, der Aufzug bringt einen in den dritten Stock, und dort öffnet sich ein loftartiger Raum mit unverbautem Blick auf die Hamburger Elbbrücken. Der Name selbst ist Programm: 100 und 200 Grad, die beiden Temperaturen des Molteni-Herds, an dem hier gearbeitet wird.

I — Das Design

Industrial Chic,
Küche im Zentrum.

Das Design folgt konsequent dem Charakter des Gebäudes: ein ehemaliges Lager- und Bürohaus an der Elbe, dessen industrielle Substanz bewusst erhalten bleibt. Hoher Raum, offene Struktur, warme, gedimmte Beleuchtung. Im Zentrum steht der Molteni-Herd, um den sich alles andere anordnet, Tische aus Holz, klare Linien, keine überflüssige Dekoration. Der Raum wirkt urban und elegant zugleich, gastfreundlich, ohne sich anzubiedern.

II — Die Atmosphäre

Theater,
ohne Distanz.

Die Atmosphäre lebt von Nähe. Die offene Küche ist keine Kulisse im Hintergrund, sondern Mittelpunkt des Raumes, umgeben von den Tischen der Gäste. Man sieht, wie Fleisch am Herd tranchiert und selbst an den Tisch gebracht wird, wie Fermentation und Räucherung Teil des sichtbaren Handwerks werden. Gedämpftes Licht, ein Spot über jedem Tisch, der das Essen in Szene setzt, während der Raum selbst zurücktritt. Es entsteht eine fast theatralische Spannung, die trotzdem persönlich bleibt, kein Fine Dining auf Distanz, sondern eines, das mitten im Geschehen stattfindet.

III — Das Menü

Carte Blanche,
nach den Jahreszeiten.

Unter der Leitung von Thomas Imbusch und Sommelière Sophie Lehmann verzichtet das Haus auf klassische Menüformate zugunsten eines Carte-Blanche-Konzepts: Vier saisonale Menüzyklen wechseln sich im Jahresverlauf ab, jeder mit eigenem Titel und eigener kulinarischer Welt, geprägt von Licht, Temperatur und dem, was Land, Fluss und Markt gerade zu bieten haben. Fermentation, Räucherung und Reduktion prägen die Handschrift, Zutaten kommen von kleinen Produzenten, die man persönlich kennt, verantwortungsvolle Gastronomie ist hier kein Lippenbekenntnis, sondern gelebte Praxis.

Der Abend beginnt oft rustikal, mit warmem Sauerteigbrot und Quarkbutter, verziert mit Kräuterölen, bevor sich das Menü in Richtung Fisch und Fleisch entwickelt, präzise gegart bei den titelgebenden 100 oder 200 Grad. Desserts spielen bewusst mit Kontrasten, Süße trifft auf Umami, Vertrautes auf Überraschendes. Seit 2022 trägt das Restaurant zwei Michelin-Sterne, seit 2020 den Grünen Stern für Nachhaltigkeit, auf der Empore darüber liegt GLORIE, das à-la-carte-Schwesterrestaurant mit eigenem Michelin-Stern, ein Miteinander, das in dieser Konstellation einzigartig in Europa ist.

100/200 Kitchen — Details

Küche Kreativ · Saisonal · Carte Blanche

Team Thomas Imbusch · Sophie Lehmann

Auszeichnung 2 Michelin-Sterne seit 2022 · Grüner Stern seit 2020

Eröffnung 2018 · 3. Stock, ehemaliges Lagergebäude

Schwesterhaus GLORIE · À la carte, 1 Michelin-Stern

Adresse Brandshofer Deich 68 · 20539 Hamburg

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The Companion Hotel Vienna

2026-08-20T13:54:07.523+02:00

Ich komme am Westbahnhof an, nicht am Stephansplatz und genau das fühlt sich richtig an. Am westlichen Ende der Mariahilfer Straße, dort wo die Stadt in Neubau und Rudolfsheim-Fünfhaus auseinanderdriftet, öffnet The Companion Vienna seine Türen. Kein Hotel für Postkarten-Wien, sondern eine Hommage an Freundschaft, dort wo Werkstätten statt Fiaker und Cafés statt Kutschen den Takt vorgeben. Ich checke nicht ein, ich komme an.

Hinter dem Haus stehen vier Freunde, Kai Hollmann, Florian Kollenz, Christian Lainer und Michael Todt, bekannt aus der Wiener Hospitality-Szene durch die Superbude Wien und NENI am Prater. Ihr Anspruch war kein weiteres anonymes Stadthotel, sondern das Gegenteil davon, ein Ort, der sich anfühlt wie ein Zuhause bei Freunden. Man merkt das schon an der Rezeption, niemand hier wirkt, als würde er auf die Uhr schauen.

Draußen pulsiert ein Wien, das wenig mit Kutschenfahrten zu tun hat. Werkstätten, kleine Cafés, echtes Nachtleben. Genau in diesem Spannungsfeld zwischen rauem Grätzl-Charme und kuratiertem Design liegt das Haus, unaufgeregt, aber mit klarer Haltung.

I — Das Design

Choreografie
der Gegensätze.

Entworfen hat das Haus das Berliner Innenarchitekturbüro weStudio unter der Leitung von Piotr Wiśniewski. Ich sehe die alte Stiege noch, freigelegte Bauteile, Stuckdecken, die auf Marmorflächen und Holzarbeiten treffen. Nichts davon wurde versteckt. Regale aus glänzendem Bubinga-Furnier rahmen den Kamin in der Lobby, Terrazzo-Böden knüpfen an die Wiener Materialgeschichte an, eine durchgängige schwarze Wandleiste führt mich, fast unbemerkt, durch das gesamte Gebäude.

Die Macher selbst sprechen von einer „Choreografie der Gegensätze". Tradition trifft auf Moderne, historischer Stuck auf klare, zeitgenössische Linien, die alte Wiener Werkstätte auf ein zeitloses, reduziertes Vokabular. Nichts wirkt aufgesetzt. Nichts wie eine Kopie vergangener Epochen. Es ist eher ein Dialog zwischen dem, was das Haus schon immer war, und dem, was es jetzt sein will. Lobby und Bar sind als eine Art Nachbarschaftssalon konzipiert, orangefarbene Lederbänke, Wiener-Geflecht-Stühle, Reihen von Kugellampen.

Wiśniewski selbst beschreibt seinen Ansatz als Versuch, die Eleganz eines klassischen Wiener Gebäudes zu bewahren und sie zugleich neu für die Gegenwart zu übersetzen. Ich glaube ihm das sofort, wenn ich sehe, wie Marmor, Terrazzo und Holz nebeneinanderstehen, ohne sich gegenseitig zu übertönen.

II — Die Bar Calypso

Mythologie,
nach Wien übersetzt.

Über einen separaten Eingang am Gürtel gelangt man in die Bar Calypso, eine Welt aus rotem Marmor, Samt und mythologischen Bezügen. Ionische Säulen treffen auf Rückgriffe auf die Wiener Werkstätte. Die Cocktailkarte greift die Mythologie der Figur Calypso auf und übersetzt sie in kreative Signature Drinks, dazu eine kleine Karte mit Fokus auf klassische Rezepturen. Bis 22 Uhr steht der Innenhof als urbane Oase offen, mein Rückzugsort abseits des Trubels am Gürtel.

Der eigene Eingang ist kein Zufall, sondern Programm. Die Calypso soll ausdrücklich nicht nur Hotelgästen vorbehalten sein, sondern auch dem Wiener Nachtleben offenstehen. Mitbegründer Florian Kollenz beschreibt genau diesen Kontrast als gewollt, wer vom Trubel des Gürtels kommt, soll den Übergang in die Bar wie einen kleinen Szenenwechsel erleben. Laut draußen, warm und gedämpft drinnen. Ich spüre den Unterschied, sobald sich die Tür schließt.

Von Sonntag bis Donnerstag öffnet die Bar bis Mitternacht, freitags und samstags bis zwei Uhr morgens, mit DJ-Sets und einem Publikum, das zwischen Hotelgästen und Nachbarschaft kaum zu unterscheiden ist. Genau das war die Idee dahinter, ein Ort, an dem sich beide Welten wie selbstverständlich begegnen.

III — Das Zimmer

Kleines Maß,
großes Gefühl.

138 Zimmer verteilen sich auf Kategorien wie Solo, Poet, Muse, The Balcony, Nest und Roomies, manche schmal, andere großzügiger, einige mit unregelmäßigen Grundrissen, die sich an der bestehenden Gebäudestruktur orientieren. Naturstein im Bad, Vollholzparkett, übergroße Handtücher, weiche Bettwäsche. Ich merke schnell, Komfort hat hier nichts mit Quadratmetern zu tun. Sichtbare bauliche Spuren bleiben bewusst erhalten und unterstreichen den authentischen Charakter des Hauses.

Die Namensgebung der Kategorien folgt keinem Zufall. Jede erzählt eine kleine Geschichte: Das Solo für Alleinreisende, kompakt und klug durchdacht. Das Nest als besonders geborgener Rückzugsort. Roomies für Freundesgruppen, die sich einen verbundenen Flur teilen. Wer mit der Familie reist, kann Poet und Muse über einen privaten Zugang miteinander verbinden, ein Detail, das im Alltag mehr zählt als die reine Quadratmeterzahl.

IV — Das Restaurant Boca

Der Süden,
nach Wien geholt.

Küchenchefin Lauryn Therin, gebürtige Neuseeländerin mit Stationen unter anderem bei Ottolenghi in London, bringt mediterrane Marktküche in den 15. Bezirk. Sharing-Gerichte mit frischen Kräutern, intensiven Gewürzen und saisonalen Zutaten verbinden Inspirationen aus Paris, Barcelona, London und San Sebastián. Jeder Teller bringt mediterrane Essenz an einen großen Tisch. Namensgebend ist das spanische Wort für Mund, ein bewusst gewähltes Bild für eine Küche, die auf Teilen und Genuss setzt statt auf strikte Menüfolgen, mehrere kleine Teller, die man gemeinsam entdeckt, Gespräche, die zwischen den Gängen genauso wichtig sind wie das Essen selbst. Vom entspannten Frühstücksbuffet über Lunch und Dinner bis zu Drinks und langen Sommerabenden im Innenhof, das Boca ist für mich schnell zum Treffpunkt über den gesamten Tag geworden.

Architektonisch setzt sich hier fort, was schon in Lobby und Zimmern spürbar ist: orangefarbene Lederbänke, geflochtene Wiener Stühle, Reihen von Kugellampen. Ein Raum, der gleichzeitig gastronomisch anspruchsvoll und alltagstauglich bleibt. Ich komme zum schnellen Kaffee genauso wie zum langen Abendessen, das Boca stellt sich beiden Anlässen mit derselben Selbstverständlichkeit.

The Companion Vienna — Details

Kategorie Boutique-Hotel · eröffnet März 2026

Gründer Kai Hollmann, Florian Kollenz, Christian Lainer, Michael Todt

Zimmer 138 Zimmer · 269 Betten

Design Piotr Wiśniewski, weStudio Berlin

Gastronomie Restaurant Boca · Bar Calypso

Adresse Mariahilfer Straße 127a · 1150 Wien

Redaktioneller Hinweis

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GRAU Room Transformation

2026-08-13T10:16:26.194+02:00

Es gibt Räume, die sich mit Möbeln verändern. Und es gibt Räume, die sich allein durch Licht verändern. Die GRAU Room Transformation ist ein Experiment genau dazu: derselbe Raum, dieselben Möbel, dieselbe Architektur, nur das Licht verschiebt sich, und mit ihm die gesamte Stimmung. Kein neuer Sessel, kein neuer Teppich, keine neue Wandfarbe, nur eine Leuchte, die den Tag in einen Abend verwandelt und dabei mehr über Raumgestaltung erzählt als jedes Möbelstück es könnte.

Hinter GRAU steht eine Hamburger Designgeschichte, die 1987 unter dem Namen Tobias Grau begann und heute von seinen Söhnen Timon und Melchior Grau mit derselben Konsequenz weitergeführt wird, entworfen, entwickelt und gefertigt am eigenen Campus vor den Toren der Stadt. Was folgt, ist ein Blick auf die Atmosphäre, die dieser eine Raum annimmt, und auf die Leuchten, die sie erzeugen, Kapitel für Kapitel, Lichtstimmung für Lichtstimmung.

I — Room Transformation, die Atmosphäre

Derselbe Raum,
ein anderes Gefühl.

Nichts an diesem Raum hat sich bewegt, kein Möbelstück, keine Wand, keine Farbe, kein einziges Detail der Einrichtung. Und doch wirkt er am Abend wie ein völlig anderer Ort als am Nachmittag, wie zwei verschiedene Kapitel derselben Geschichte. Das ist die eigentliche Idee der Room Transformation: zu zeigen, wie viel Licht allein trägt, wenn Architektur und Einrichtung vollkommen stillstehen. Tagsüber klar, funktional, hell, fast nüchtern, am Abend gedämpft, warm, fast intim, derselbe Grundriss, dieselben Proportionen, aber ein komplett anderes Gefühl im Raum.

Möglich macht das die Sunset-Dimming-Technologie von GRAU, die die Farbtemperatur des Lichts automatisch verschiebt, je weiter man dimmt, desto wärmer der Ton, fast wie ein echter Sonnenuntergang, der sich langsam über den Raum legt. Kein hartes Umschalten zwischen Szenen, sondern ein fließender, fast unmerklicher Übergang, den man kaum bewusst wahrnimmt, bis der ganze Raum plötzlich anders klingt, anders riecht, anders wirkt, obwohl objektiv betrachtet nichts als das Licht sich verändert hat.

II — Die Leuchten von GRAU

Licht,
das man fühlt.

1987 gründete Tobias Grau sein erstes Unternehmen in Hamburg, aus innenarchitektonischen Arbeiten für Büros und Modegeschäfte entstand nach und nach eine eigene Leuchtenkollektion, die schon damals mehr sein wollte als reine Beleuchtung. Seit dem Generationswechsel führen seine Söhne Timon und Melchior Grau die Marke fort, entwickelt und gefertigt wird weiterhin am GRAU Campus in Hamburg, minimalistisch im Design, technisch konsequent zu Ende gedacht, ohne dabei laut oder aufdringlich zu werden.

Jede Leuchte trägt dieselbe Grundidee in sich: Licht soll nicht nur einen Raum ausleuchten, sondern etwas mit den Menschen darin machen, ihre Stimmung mitgestalten, ohne dass sie es aktiv bemerken. Sunset Dimming, warmDIM und individuell einstellbare Lichtfarben sind keine Spielereien, sondern präzise Werkzeuge, mit denen sich eine Atmosphäre so genau steuern lässt wie die Lautstärke eines Reglers, leise am Morgen, klar und wach am Tag, warm und zurückgenommen am Abend. Genau diese Werkzeuge sind es, die aus einem einzigen, vollkommen unveränderten Raum so viele verschiedene Räume machen können, je nachdem, welche Uhrzeit, welche Stimmung, welcher Moment gerade zählt.

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JOLA — Veganes Fine Dining

2026-08-10T18:59:49.230+02:00

Es gibt vegane Küche, die sich entschuldigt. Und es gibt JOLA. Im Salzgries, mitten in der Wiener Innenstadt, kochen Jonathan Wittenbrink und Larissa Andres seit gut zwei Jahren rein pflanzlich, konsequent, ohne sich dafür zu rechtfertigen. Kein erhobener Zeigefinger, keine Ersatzküche, die sich an etwas anderem misst, sondern ein eigenständiger Ansatz mit Michelin-Stern und 16,5 von 20 Punkten im Gault&Millau. Umami kommt hier nicht aus Knochen, sondern aus gegrillten Pilzen, fermentiertem Gemüse, Texturen, die mit spürbarer Ruhe gegeneinander gesetzt werden.

Der Name trägt die beiden Gründer in sich, ein Paar, das Küche und Service gemeinsam führt, mit acht Tischen und einem Team, das selbst mit serviert, ohne Distanz zwischen Herd und Gast. Was folgt: ein Blick auf das Menü, das Design und die Atmosphäre eines der eigenständigsten Restaurants der Stadt.

I — Das Menü

Kein Zettel,
nur Vertrauen.

Eine Karte zum Auswählen gibt es bei JOLA nicht, nur ein Überraschungsmenü, das Küche und Saison bestimmen, nicht der Gast. Saisonale, meist regionale Zutaten treffen auf ungewohnte Texturen und Aromenkombinationen, jeder Gang wird sorgfältig inszeniert, das Menü erzählt eine durchgehende Geschichte statt einer Aneinanderreihung einzelner Teller. Ein Raviolo mit Auberginen-Ragout, Zucchini, leicht gerösteten Pinienkernen und einer intensiven Tomatenessenz zählt zu den Gerichten, die Gäste im Gedächtnis behalten, lange nach dem letzten Bissen.

Begleitet wird das Menü von einer Weinkarte mit rund 220 Positionen, Schwerpunkt Naturweine, wahlweise als klassische Weinbegleitung oder alkoholfrei, ebenso durchdacht wie die feste Version. Ein kleines Detail zum Mitnehmen: Die Menükarte ist auf einbaufähigem Samenpapier gedruckt, wer will, pflanzt sie zuhause ein und schaut, was daraus wächst, eine leise, aber konsequente Fortsetzung dessen, wofür JOLA steht.

II — Das Design

Klein,
aber ganz bei sich.

Acht Tische, eine offene Küche, mehr Raum braucht JOLA nicht, um seine Idee klar zu machen. Statt lauter Gesten setzt der Raum auf Understatement, warme Materialien, gedämpftes Licht, klare Linien, nichts, was vom Teller ablenkt oder von der Arbeit, die ihn füllt. Die offene Küche rückt das Team ins Zentrum, man sieht, wie fermentiert, gegrillt und angerichtet wird, ohne dass sich das kompakte Lokal je gedrängt oder eng anfühlt.

Es ist ein Design, das seine Größe nicht kaschiert, sondern bewusst nutzt: Nähe statt Distanz, Blickkontakt statt Bühne. Wer hier sitzt, sitzt nah an der Arbeit, nah an den Menschen, die sie machen, das ist Teil des Konzepts, nicht Zufall der Quadratmeter, eine Entscheidung, die sich durch den ganzen Abend zieht.

III — Die Atmosphäre

Lässig,
nicht steif.

Fine Dining muss nicht förmlich sein, das beweist JOLA an jedem Öffnungsabend aufs Neue. Larissa Andres empfängt die Gäste persönlich, das junge Team wirkt engagiert, unkompliziert, spürbar mit Herz bei der Sache, nie aufgesetzt freundlich, sondern einfach präsent. Man sitzt eng an der Küche, hört das Klappern der Pfannen, riecht, was als Nächstes kommt, und merkt schnell, hier wird nicht performt, hier wird gearbeitet, mit sichtbarer Freude an der Sache.

Der Abend hat sein eigenes Tempo, kein Hetzen zwischen den Gängen, kein Blick auf die Uhr. Wer will, wechselt vom Innenraum in den kleinen Gastgarten, sobald das Wetter es zulässt, ein paar Plätze im Freien, mitten im Salzgries, nur einen Steinwurf von der Donau entfernt. Es ist diese Mischung aus Präzision in der Küche und Wärme im Service, die JOLA von reiner Sterneküche unterscheidet, und die man erst versteht, wenn man selbst am Tisch sitzt.

JOLA Wien — Details

Küche Vegan · Fine Dining · Überraschungsmenü

Team Jonathan Wittenbrink · Larissa Andres

Auszeichnung Michelin-Stern · 16,5/20 Gault&Millau

Weinkarte Rund 220 Positionen · Fokus Naturweine

Sitzplätze 8 Tische · Gastgarten bei Schönwetter

Adresse Salzgries 15 · 1010 Wien

Öffnungszeiten Mi–Sa · 18–23 Uhr

REDAKTIONELLER HINWEIS

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Josephinenhütte Josephine N° 4

2026-08-10T16:10:02.209+02:00

Es gibt Champagnergläser, die einfach nur ein Gefäß sind. Und es gibt die Josephine N° 4 von Josephinenhütte. Mundgeblasen, bleifrei, mit einer gewölbten Silhouette, die auf den ersten Blick polarisiert und beim ersten Schluck sofort einleuchtet: Form follows function, konsequent zu Ende gedacht. Kein Glas von der Stange, sondern eines, das man erkennt, bevor man es überhaupt in der Hand hält, an der Kontur, am Licht, das sich in der Wölbung bricht. Ein Glas, das nicht nur hält, sondern hörbar mitspricht, wenn es um das geht, was darin funkelt.

Der Name reicht zurück bis 1842, benannt nach Reichsgräfin Josephine von Schaffgotsch, deren schlesische Glashütte einst zu den feinsten Europas zählte. Seit 2019 lebt dieses Erbe in einer neu gegründeten Manufaktur weiter, die mit einer eigenen Kollektion an die alte Tradition anknüpft, entworfen von Glasdesigner Kurt Josef Zalto, gefertigt in traditioneller Handarbeit, ganz ohne Bleioxide. Kein Design, das sich neu erfindet, sondern eines, das eine jahrhundertealte Handwerkskunst in eine zeitgemäße Form bringt, reduziert auf das Wesentliche, ohne dabei an Charakter zu verlieren. Was folgt, ist ein Blick auf ein Glas, das längst in Sternerestaurants und bei Sommeliers rund um den Globus zu Hause ist.

I — Die Marke & das Handwerk

Mundgeblasen.
Mit einem Namen, der auf 1842 zurückgeht.

Der Name Josephinenhütte reicht zurück bis 1842, benannt zu Ehren Reichsgräfin Josephines, deren schlesische Glashütte einst zu den feinsten Europas zählte und über Generationen auf den Tafeln von Aristokraten, Kaufleuten und Industriellen stand. 2019 wurde die Marke neu gegründet und knüpft seither bewusst an dieses Erbe an, heute mit Gläsern, die bei Sommeliers, Winzern und Sterneköchen zu Hause sind. Was sich dabei nicht verändert hat, ist der Anspruch an das Handwerk: Jedes Glas wird von Hand geblasen, jedes ist ein Unikat, keines gleicht dem anderen bis aufs Detail.

Kein Serienprodukt, keine Charge, die identisch ausfällt. Jeder Glasmacher bringt seine eigene Hand mit in den Prozess, jede leichte Unregelmäßigkeit ist kein Fehler, sondern Beweis dafür, dass hier noch jemand steht, der bläst, formt, prüft. Man merkt es, sobald man das Glas dreht: minimale Unterschiede, die maschinelle Fertigung nie zulassen würde, und genau die machen den Unterschied zwischen einem Trinkgefäß und einem Objekt, das man behält.

II — Die Form & der Schluck

Bauchig,
nach oben schmal.

Die gewölbte Silhouette der Josephine N° 4 mag auf den ersten Blick polarisieren, etwas Apartes, ganz Eigenständiges bekommt man damit auf jeden Fall. Die bauchige, nach oben schmal zulaufende Form kanalisiert und verstärkt die Aromen des Champagners, deutlich mehr Nuancen werden wahrnehmbar, die Aromatik tritt spürbar hervor. Der leicht eingezogene Rand fokussiert das Bouquet zusätzlich, ideal für gereifte Champagner ebenso wie für die zarte Perlage jüngerer Cuvées.

Man probiert es aus, und der Unterschied ist sofort da, nicht subtil, sondern klar hörbar im Ton, spürbar im Duft, sichtbar an der Perlage, die sich in der schmalen Öffnung feiner staffelt als in jedem geraden Glas. Bei aller Handarbeit bleibt es alltagstauglich: dünnwandig, aber stabil, spülmaschinenfest, gemacht, um benutzt zu werden, nicht nur, um im Schrank zu stehen.

Josephinenhütte Josephine N° 4 — Details

Design Kurt Josef Zalto

Material Mundgeblasenes Glas · bleifrei

Maße Höhe 24 cm · Durchmesser 8,5 cm · 300 ml

Form Bauchige Sanduhr-Silhouette · schmal zulaufender Rand

Pflege Spülmaschinenfest · Handwäsche mit Leinentuch empfohlen

Herkunft Name geht zurück auf 1842 · Marke neu gegründet 2019 · Schlesien

Marke Josephinenhütte

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Anantara Palais Hansen Vienna

2026-08-06T15:28:33.017+02:00

SLOW STAY — Manche Hotels bucht man wegen der Lage. Andere wählt man, weil sie eine Geschichte erzählen, die größer ist als das Zimmer selbst. Das Anantara Palais Hansen Vienna gehört unmissverständlich in die zweite Kategorie: ein Neorenaissance-Palast, den Baron Theophil Edvard von Hansen 1873 für die Weltausstellung an der Wiener Ringstraße errichtete, heute so still selbstbewusst wie damals. Kein lauter Neustart, sondern die stilsichere Übersetzung imperialer Architektur in zeitgenössischen Luxus: haushohe Stuckdecken, originale Marmorböden, massive ionische Säulen, dazu die Ruhe eines Hauses, das seine eigene Geschichte nicht ausstellen muss, weil sie ohnehin überall sichtbar ist.

Mitten an der Ringstraße gelegen, liegen Stephansdom, Hofburg und Staatsoper in Gehweite, und doch fühlt sich das Haus an, als läge es einen Herzschlag abseits vom Trubel. Was folgt, ist ein Streifzug durch die wichtigsten Räume, Zimmer für Zimmer, Stimmung für Stimmung.

Bevor der Streifzug in Text und Bildern weitergeht, ein Zwischenstopp in Bewegtbild: Das folgende Video begleitet einen Tag im Haus, vom ersten Licht in der Lobby bis zum letzten Gang im EDVARD, näher dran an dem Gefühl, das dieses Haus ausmacht, als es Worte je könnten.

Anantara Diary

Ein Tag,
festgehalten.

Das Anantara Diary ist unser fortlaufendes Bewegtbild-Format: kein produzierter Imagefilm, sondern ein Mitschnitt echter Tagesabläufe im Haus, morgens die stille Lobby vor dem ersten Gast, mittags das Licht im Spa, abends der Moment, in dem sich Theo's Lounge langsam füllt, bis der Tag im EDVARD ausklingt. Jede Folge hält fest, wie sich ein einzelner Tag im Anantara Palais Hansen anfühlt, nicht inszeniert, sondern beobachtet.

I — Die Premium Suite

Wohnen,
nicht nur übernachten.

Die Suiten folgen einer klaren Idee: der behutsamen Verbindung von historischer Bausubstanz mit zurückhaltendem, modernem Luxus. Statt musealer Strenge warme Farbtöne, edle Stoffe, hohe Fenster, durch die Tageslicht ungehindert einfällt, ein leiser Kontrast zur Wucht der Fassade draußen.

Die Premium Suite im Anantara Vienna verbindet großzügigen Wohnkomfort mit zeitloser Eleganz. Mit separatem Wohn- und Schlafzimmer sowie einem zweiten Zimmer bietet sie viel Raum für längere Aufenthalte oder Reisen mit Familie und Freunden. Hohe Decken, edle Materialien und bodentiefe Fenster unterstreichen den historischen Charakter des Hauses, während das helle Marmorbad und sorgfältig ausgewählte Details für eine ruhige, luxuriöse Atmosphäre sorgen. Eine Suite, die weniger wie ein klassisches Hotelzimmer wirkt, sondern wie ein stilvolles Wiener Apartment mit dem Komfort eines Fünf-Sterne-Hotels.

II — Der Spa

Stille,
die man spürt.

Auf rund 800 Quadratmetern erstreckt sich der Anantara Spa, der erste seiner Art in einem urbanen Luxushotel der Stadt: sechs Behandlungsräume, finnische Sauna, Dampfbad, Sanarium, dazu ein eigener Hydrotherapie-Pool und eine separate Damensauna für alle, die noch mehr Rückzug suchen.

Das Licht ist gedämpft, die Ringstraße bleibt komplett ausgesperrt. Man taucht ein, verliert das Zeitgefühl, und merkt erst beim Verlassen, wie sehr sich das eigene Tempo verlangsamt hat.

III — Die Tea Time & Atmosphäre

Der intimste Ort
im Haus.

Im Art-déco-Ambiente von Theo's Lounge & Bar trifft Wiener Kaffeehaustradition auf die Bar-Kultur eines internationalen Grandhotels. Tiefe Sessel, dunkles Holz, gedämpftes Licht, dazu eine Teekarte, die ihresgleichen sucht, und eine ebenso ausgesuchte Auswahl an Cocktails und Spirituosen.

Hier geht der Nachmittag unmerklich in den Abend über. Man setzt sich für eine Tasse Tee, bleibt für ein Glas Champagner, und irgendwann brennen draußen längst die Straßenlaternen der Ringstraße, ohne dass man es kommen sah.

IV — Die Kulinarik

Genuss,
der Haltung zeigt.

Kulinarisch gehört das Anantara Palais Hansen zu den ambitioniertesten Häusern der Stadt: von klassischer Wiener Patisserie bis zu internationalen Frühstücksklassikern, immer mit dem Anspruch, regionale Produkte und saisonale Zutaten ins Zentrum zu stellen, nicht als Konzept, sondern als gelebte Selbstverständlichkeit.

Wer möchte, lernt in einer privaten Kochklasse direkt vom hauseigenen Patissier-Team, wie ein klassischer Wiener Apfelstrudel entsteht, ein kleines, aber sehr persönliches Erlebnis, das die kulinarische Philosophie des Hauses greifbar macht. Diese Liebe zum Detail zieht sich durch alle gastronomischen Angebote und mündet, konsequent zu Ende gedacht, im kulinarischen Flaggschiff des Hauses im Erdgeschoss.

V — Das EDVARD Restaurant

Fine Dining,
neu gedacht.

Benannt nach dem Architekten des Hauses, interpretiert das Michelin-Stern-Restaurant EDVARD unter Chef Paul Gamauf die klassische Wiener Küche völlig neu. Im Zentrum: eine progressive, ressourcenschonende Low-Waste-Philosophie, Zutaten werden konsequent vollständig verarbeitet, Reste finden ihren Weg zurück auf die Karte. Verschwendung gilt hier schlicht als Stilbruch.

Was dabei entsteht, ist eine Küche, die sich nicht hinter Opulenz versteckt, sondern über Präzision und Klarheit überzeugt, ein Fine-Dining-Erlebnis, das genauso viel über Nachhaltigkeit erzählt wie über Genuss. Der Raum selbst bleibt zurückhaltend elegant und lässt bewusst der Küche den Vortritt, ein letzter, konsequenter Ausdruck der Haltung, die dieses Haus von der Fassade bis zum Teller trägt.

Redaktioneller Hinweis

Dieser Text wurde mithilfe von KI erstellt und von der Redaktion angepasst und geprüft.

GRAU Salt Summer Edition

2026-07-26T13:05:01.716+02:00

Die Salt Summer Edition fängt die ruhige Seite des Sommers ein. Inspiriert von langen Abenden, weichem Licht und langsamen Momenten wird Salt zum Begleiter durch den Tag: beim ersten Kaffee am Morgen, ruhigen Nachmittagen im Schatten oder warmen Sommerabenden auf Balkon oder im Garten. Die limitierte Farbe Soft Green bringt eine sanfte, reduzierte Stimmung in jeden Raum und schafft überall ein Gefühl von Ruhe und Wohlbefinden.

Es geht nicht darum, einen Raum zu erhellen. Es geht darum, ihm eine Stimmung zu geben. Salt kann das weil sie kabellos ist, weil sie mitgeht, weil sie sich nicht erklärt. Man stellt sie hin, sie leuchtet, und der Raum verändert sich.

„Salt is mobile wellbeing, wherever you are.“
— Timon & Melchior Grau

I — Die Leuchte & Der neue Farbweg

Kabellos.
150 Stunden Licht.

Die Salt verbirgt ihre Technologie in einer klassischen Sanduhrform. Kompakt, durchdacht, ohne sichtbare Technik. Was man sieht: eine Leuchte, die einfach schön ist. Was dahinter steckt: bis zu 150 Stunden durchschnittliche Leuchtdauer, Aufladung via USB-C, eine Sunset Dimming-Funktion, die das Licht im Verlauf der Zeit wärmer und ruhiger werden lässt — so wie die Sonne, wenn sie untergeht. Und eine Schlaflichtfunktion mit 30-Minuten-Timer, die den Übergang vom Abend in die Nacht begleitet.

Soft Green ist der neue Farbweg dieser Saison. Keine kräftige Sommerfarbe, kein Statement. Sondern viel mehr eine Farbe, die mit dem Licht kommuniziert. Das Gehäuse in sattem Grün reflektiert das warme Leuchtmittel und schafft eine Stimmung, die man nicht erzwingen kann. Sie entsteht einfach. Beim Frühstück, beim Lesen, beim Nichtstun auf der Terrasse.

„Soft Green ist keine Sommerfarbe. Sie ist eine Sommerstämmung.“

GRAU Salt Summer Edition — Details

Farbe Soft Green · Limitierte Edition

Akku Ø 150 Stunden · USB-C Laden

Funktion Sunset Dimming · Schlaflicht 30-Min-Timer

Form Sanduhr · Kompakt · Kabellos

Einsatz Indoor & Outdoor · Ganzjährig

Marke GRAU · Timon & Melchior Grau

GRAU Salt Summer Edition Soft Green Portable Leuchte Sunset Dimming Slow Living Kabellos Limitiert

GRAU Salt Summer Edition · Soft Green · Limitierte Edition · grau.art

Unser String Outdoor System

2026-07-24T22:15:55.692+02:00

TIMELESS DESIGN — Manches Design ist so gut, dass man jahrzehntelang gar nichts daran ändern muss. Das String System ist so ein Fall. Seit 1949 hängt es an Wänden, trägt Bücher, Pflanzen, Geschirr, Erinnerungen. Und seit 2019 geht es nach draußen. String System Outdoor überträgt die Logik des Klassikers in den Außenbereich: galvanisierter Stahl statt kunststoffummanteltem Draht, wetterfeste Regalböden, dieselbe modulare Freiheit für Terrasse, Balkon, Garten oder Loggia.

Was man bekommt, ist kein Gartenmöbel im klassischen Sinne. Es ist Ordnung im Freien mit Haltung. Das Regal ist zu klein für große Dinge und groß genug für alles Wichtige: Kerzen, Kräuter, Bücher, das Grillzubehör, eine Vase. Und weil es sich in jede Richtung erweitern lässt, wächst es einfach mit.

„Kein Gartenmöbel im klassischen Sinn — sondern Ordnung im Freien. Mit Haltung.“

STRING SYSTEM OUTDOOR · GALVANISIERTER STAHL · STANDREGAL

I — Das Design

Dieselbe Leiter.
Galvanisiert.

Das Designprinzip des String Systems ist so einfach, dass man kaum glaubt, dass es noch niemand vor 1949 gedacht hatte: zwei leiterartige Seitenpaneele, darin eingehängte Regalböden in jeder beliebigen Höhe, in jeder beliebigen Anzahl. Keine Schrauben in die Böden, kein Werkzeug nach der Montage. Für das String System Outdoor wurde die Leiter aus kunststoffummanteltem Draht durch galvanisierten Stahl ersetzt und ist daher korrosionsbeständig, UV-beständig und für den Dauereinsatz im Freien konzipiert.

Die charakteristische Silhouette bleibt unangetastet: die filigranen Querstreben, die dem Regal seinen unverwechselbaren, leichten Auftritt geben. Nichts wirkt schwer, nichts wirkt provisorisch. Das Outdoor-Regal ist als Wandversion oder als freistehendes Standregal mit Bodenleiter erhältlich letzteres ideal für alle, die nicht bohren wollen oder können.

„Dieselbe leiterartige Silhouette. Dasselbe Einhängeprinzip. Nur jetzt wetterfest.“

REGALBÖDEN · WETTERFEST & UV-BESTÄNDIG · STRING OUTDOOR

II — Das Regalsystem & Die Marke

Seit 1949.
Endlos erweiterbar.

1949 schrieb der schwedische Verlag Bonnier einen Designwettbewerb aus: gesucht wurde ein Bücherregal, das erschwinglich, leicht zu verschicken und einfach zu montieren sein sollte. Der Architekt Nils “Nisse” Strinning und seine Frau Kajsa Strinning gewannen mit einem Entwurf, der so konsequent war, dass er seitdem kaum verändert wurde: zwei Drahtleitern, darin eingehängte Regalböden, in jeder Höhe, in jeder Kombination. Eine Idee, die sich selbst erklärt.

Das String System Outdoor ist sowohl als freistehendes Standregal mit Bodenleitern als auch als Wandregal erhältlich. Iideal für Balkon und Terrasse, da es kein Bohren in tragende Wände erfordert. Die Regalböden lassen sich in unterschiedlichen Breiten und Tiefen wählen, die Leitern in galvanisiertem Stahl für den dauerhaften Außeneinsatz. Das System lässt sich jederzeit erweitern: nach oben, nach unten, seitlich. Was heute ein schmales Balkonregal ist, kann morgen eine ganze Außenwand füllen.

„Was heute ein schmales Balkonregal ist, kann morgen eine ganze Außenwand füllen.“

VIELSEITIG · GARTEN & BALKON · STRING OUTDOOR

String Furniture String System Outdoor Standregal Nisse Strinning Outdoor Galvanisierter Stahl Schwedisches Design Balkon & Terrasse Modular

String System Outdoor · String Furniture · stringfurniture.com

Midsummer mit Grythyttan Stålmöbler

2026-07-15T16:57:48.577+02:00

MIDSUMMER — Es gibt Möbel, die man kauft, weil sie gut aussehen. Und es gibt Möbel, die man kauft, weil sie in dreißig Jahren noch genauso gut aussehen und noch genauso funktionieren. Die High Tech-Serie von Grythyttan Stålmöbler gehört eindeutig zur zweiten Kategorie. Heißverzinkter Stahl, stapelbar, wetterfest, das ganze Jahr draußen einsetzbar. Kein Abdecken, kein Einlagern, kein Nachdenken.

Was man sieht: zwei Stühle und ein Tisch, die zusammen eine Einheit bilden, als hätten sie nie etwas anderes getan. Das ist kein Zufall, der High Tech Chair und der High Tech Table 60 in Charcoal stammen aus derselben Designsprache, teilen dieselbe Materiallogik und dieselbe Haltung: puristisch, langlebig, ohne Kompromisse beim Komfort.

„Kein Abdecken, kein Einlagern, kein Nachdenken. Einfach stehen lassen. Das ganze Jahr.“

Stapelbar · Langlebig · High Tech Chair

I — Das Design

Nisse Strinning,
1984.

Der High Tech Chair wurde 1984 von Nisse Strinning entworfen. Dem schwedischen Architekten und Designer, der ein Jahr zuvor bereits das ikonische String-Regal erfunden hatte. Die Designsprache ist dieselbe: reduziert, funktional, mit einer Eleganz, die sich nicht aufdrängt. Das Stahlrohrgestell folgt einer gebogenen Linie, die dem Stuhl seinen charakteristischen Schwung gibt. Nicht nur optisch, sondern auch physisch. Der Federstahl-Unterbau macht ihn zum Freischwinger: leicht federnde Bewegung beim Sitzen, ohne dass man es erzwingen muss.

Der High Tech Table 60 in Charcoal folgt derselben Designlogik: schlankes heißverzinktes Stahlgestell, klare Linien, keine unnötigen Details. Die runde Tischplatte aus Charcoal Compact Laminate fügt sich farblich in dunkle Umgebungen ein und bildet mit den Stühlen eine Einheit, die aus einem Guss wirkt. Stapelbarkeit, Wetterfestigkeit, Ganzjahreseinsatz: das Design löst alle diese Anforderungen, ohne auch nur eine davon sichtbar zu machen.

„Stapelbar, wetterfest, stapelbar und dennoch ein Stuhl, den man ansieht.“

High Tech Chair · Nisse Strinning · 1984

II — Die Marke

Seit 1895.
Schmiedekunst aus Schweden.

Grythyttan Stålmöbler beginnt mit Hufeisen. 1895 startete die Familie Lindqvist in der kleinen schwedischen Stadt Grythyttan als Schmiedefamilie. Es war Artur Lindqvist, Sohn des Gründers Karl, der das Unternehmen in eine andere Richtung lenkte. Inspiriert vom Funktionalismus der 1930er Jahre: Alltagsgegenstände zu schaffen, die gleichermaßen durch ihre Funktion und ihre Form überzeugen. Das Ergebnis war 1930 der A2-Stuhl, ein Freischwinger aus Federstahl, der bis heute produziert wird und der schwedische Sommer mitdefiniert hat.

Was damals galt, gilt heute noch: Grythyttan produziert bewusst in begrenzter Stückzahl, jedes Möbelstück in Handarbeit, jeder Federstahl-Rahmen von erfahrenen Schmieden gefertigt. Dieser Prozess lässt sich nicht automatisieren und das ist kein Mangel, sondern der Kern des Versprechens. Wie Artur Lindqvist einst formulierte: »Wenn Sie Sommermöbel von Grythyttan kaufen, ist Ihr Möbelbedarf für viele Jahre gedeckt.« Dem stimmen wir absolut zu!

„Wenn Sie Sommermöbel von Grythyttan kaufen, ist Ihr Möbelbedarf für viele Jahre gedeckt.“

Grythyttan Stålmöbler · Hergestellt in Schweden seit 1895

High Tech — Details

Tisch High Tech Table 60 · Charcoal Compact Laminate

Gestell Heißverzinkter Stahl · Korrosionsbeständig

Stuhl High Tech Chair · Warmverzinkt · Stapelbar

Kissen Brauerei Schwarz · Wasserfest · Outdoor

Maße Stuhl B 39 × T 52 × H 76 cm · Sitzhöhe 43 cm

Designer Nisse Strinning · 1984

Herstellung Grythyttan, Schweden · Teilweise Handarbeit

Einsatz Outdoor & Indoor · Ganzjährig

Grythyttan High Tech Chair High Tech Table Nisse Strinning Charcoal Heißverzinkt Outdoor Schwedisches Design Slow Lofts

Grythyttan Stålmöbler · High Tech Chair & Table 60 Charcoal · grythyttanstalmobler.com

Hugos Restaurant Berlin

2026-07-04T18:30:01.219+02:00

ABOVE BERLIN — Es gibt Orte in Berlin, die man einmal besucht und Orte, zu denen man immer wieder zurückkehrt. Das Hugos im 14. Stock des InterContinental Berlin gehört zur zweiten Kategorie. Das höchstgelegene Michelin-Sternerestaurant der Stadt vereint zwei Dinge, die selten gleichzeitig gelingen: eine Küche, die für sich selbst steht und ein Panorama, das jeden Abend neu inszeniert wird.

Seit 1999 trägt das Hugos ununterbrochen den Michelin-Stern. In einer Gastronomiestadt, die sich so schnell verändert wie Berlin, ist das keine Selbstverständlichkeit, es ist ein Versprechen. Eines, das Küchenchef Johannes Gehrich und sein Team jeden Abend von Neuem einlösen.

HUGOS RESTAURANT · 14. ETAGE · INTERCONTINENTAL BERLIN

I — KULINARIK

26 Jahre.
Ein Stern. Kein Kompromiss.

Johannes Gehrich · Head Chef seit Ende 2025 · Hugos

Es gibt wenige Konstanten in der Berliner Gastronomieszene. Das Hugos ist eine davon. Seit 1999 ohne Unterbrechung trägt das Restaurant im 14. Stock des InterContinental Berlin seinen Michelin-Stern. 26 Jahre in Folge: das ist in einer Stadt, die so schnell vergisst und so schnell neu erfindet wie Berlin, eine außergewöhnliche Aussage. Kein anderes Berliner Sternerestaurant hält diese Kontinuität.

Ende 2025 hat Johannes Gehrich die Küchenleitung übernommen — kein Neustart, sondern eine konsequente Weiterentwicklung. Gehrich ist seit 2016 Teil des Hugos-Teams, war ab 2022 Sous Chef und hat die Sterneküche des Hauses mitgeformt und mitverteidigt. An seiner Seite: Souschefin Lisa Schröder, die zuvor im Restaurant AURA bei Alexander Herrmann & Tobias Bätz gearbeitet hat. Gemeinsam führen sie ein junges, dynamisches Team, mit dem klaren Anspruch, dass Spitzenküche und ungezwungene Eleganz keine Gegensätze sein müssen.

„26 Jahre Michelin-Stern ohne Unterbrechung — in einer Stadt, die so schnell vergisst wie Berlin, ist das eine außergewöhnliche Aussage.“

Die Küche des Hugos versteht sich als modern-international: Saisonale und regionale Produkte bilden die Grundlage, internationale Einflüsse geben die Richtung. Gerichte wie Schneekrabbe & Imperial-Kaviar oder Seezunge mit Morcheln und Vin Jaune zeigen die charakteristische Handschrift: sehr filigran, klar im Geschmack, in sich stimmig. Wer möchte, wählt das 6-Gang- oder das 8-Gang-Menü, letzteres mit einer Weinbegleitung, die den Abend konsequent weiterdenkt.

Hugos · Michelin-Stern seit 1999 · BERLIN CITY WEST

II — Das Design & Die Atmosphäre

Berlin,
von oben.

Das Interieur des Hugos folgt einer klaren Idee: Die Stadt ist die Dekoration. Großflächige Fenster lassen die Berliner Skyline in jeden Tisch eintreten: Tiergarten, Fernsehturm, die Lichter der City West. Tagsüber weitet sich der Blick in die Weite des Grüns, bei Dämmerung verwandelt sich die Stadt in eine schimmernde Kulisse, die keinen weiteren Schmuck braucht.

Das Interieur selbst hält sich bewusst zurück: sanfte Beleuchtung, elegantes und helles Mobiliar, eine Atmosphäre, die das Restaurant eher in die Nähe eines diskreten Privatclubs rückt als eines hochoffiziellen Sternetempels. Hier gilt keine Steifheit als Qualitätsmerkmal, das junge Küchenteam unter Johannes Gehrich trägt diese Haltung bis auf den Teller.

„Die Stadt ist die Dekoration. Die Küche ist der Grund, weshalb man kommt.“

Hugos · InterContinental Berlin · hugos-restaurant.de

Hugos 1 Michelin-Stern Johannes Gehrich Fine Dining Berlin Panorama InterContinental Private Dining Seit 1999 City West

Hugos Restaurant & Private Dining · Budapester Str. 2, 14. Etage · InterContinental Berlin · hugos-restaurant.de

Restaurant Horváth Berlin

2026-07-04T16:22:18.825+02:00

VEGETARIAN ELEGANCE — Es gibt eine Handvoll Restaurants in Deutschland, bei denen man nach dem Essen das Gefühl hat, dass sich etwas verschoben hat in der eigenen Wahrnehmung von Geschmack, von Produkt, von dem, was Küche eigentlich bedeuten kann. Das Horváth von Sebastian Frank am Kreuzberger Landwehrkanal gehört dazu. Zwei Michelin-Sterne, fünf Hauben im Gault Millau, ein Grüner Stern für Nachhaltigkeit, regelmäßig unter den besten zwölf Restaurants Deutschlands. Aber keine dieser Zahlen erklärt, warum man hier sitzt und plötzlich versteht, was Sellerie eigentlich sein kann.

Sebastian Frank, gebürtig aus Mödling bei Wien, kam der Liebe wegen nach Berlin und blieb der Küche wegen. Seit 2010 ist er Küchenchef und Inhaber des Horváth, das an diesem Ort schon fast hundert Jahre Geschichte trägt: eine einfache Gaststätte, dann das legendäre Exil von Oswald Wiener, durch das Joseph Beuys, Andy Warhol und David Bowie gingen. Frank hat all das nicht ignoriert, sondern in seinen eigenen Rhythmus übersetzt.

„Man sitzt und versteht plötzlich, was Sellerie eigentlich sein kann.“

SEBASTIAN FRANK · EMANZIPIERTE KÜCHE · HORVÁTH

I — Das Konzept

Emanzipierte
Küche.

Der Begriff klingt programmatisch und er ist es. Emanzipierte Gemüseküche bedeutet bei Sebastian Frank keine vegetarische Küche im klassischen Sinn, sondern eine Küche, in der Gemüse und Früchte gleichberechtigt neben tierischen Komponenten stehen. Fleisch oder Fisch tauchen auf aber als Tiefengeber, als Aromalieferanten, selten als sichtbarer Hauptdarsteller. Das vermeintlich Einfache,Sellerie, Pilz, Salat, Suppengrün wird zur Hauptrolle.

Frank befreit sich damit von den Normen des klassischen Fine Dining. Keine Luxusprodukte als Statussymbole, kein Hummer, keine Foie Gras als Pflichtprogramm. Stattdessen: Teeauszüge, Gemüsesäfte, hochwertige Öle, Reduktionen und Essenzen. Säure und Salz, die bei ihm ungewöhnlich dominant eingesetzt werden. Und ein Fokus auf Produkte, die so kurze Wege haben wie möglich: vom Wochenmarkt am Maybachufer, aus Brandenburg, maximal aus seiner Heimat Österreich.

„Es braucht weder Luxusprodukte noch Fleisch, um einzigartige und authentische Geschmacksbilder zu kreieren.“

REGIONALITÄT · BRANDENBURG & ÖSTERREICH · HORVÁTH

II — Die Atmosphäre

Unprätentiös,
wie Kreuzberg es verlangt.

Das Horváth kommt ohne Prunk und Protz aus und das ist kein Verzicht, sondern eine Haltung. Die warmen Holzpaneele der historischen Substanz treffen auf gradlinig modernes Design: 2021 komplett renoviert, ohne den Charakter des Ortes preiszugeben. Das farbenfrohe Wandbild des Berliner Künstlers Jim Avignon setzt einen expressiven Kontrapunkt. Herzstück ist die bodentief verglaste Küche, die den Gästen direkten Einblick in das Geschehen gibt, ein Chef's Table gewissermaßen für alle.

Im Sommer öffnet sich das Restaurant auf den lauschigen Gastgarten unter Weinreben direkt am Landwehrkanal. Das Publikum ist so gemischt wie Kreuzberg selbst und das ist wohl das größte Kompliment, das man einem Zwei-Sterne-Restaurant machen kann. Es ist vermutlich das einzige seiner Klasse, in dem Hunde nicht nur willkommen sind, sondern ihr eigenes Gedeck bekommen.

„Das einzige Zwei-Sterne-Restaurant, in dem Hunde nicht nur willkommen sind, sondern ihr eigenes Gedeck bekommen.“

7 GÄNGE · ODER 4 GÄNGE QUICK'N'DIRTY · HORVÁTH

III — Das Menü

Pilzleber.
Fuck Kaviar.

Das Menü lässt sich in sieben oder vier Gängen wählen. Letzteres als Quick'n'Dirty-Einstieg in die Welt der Gemüseküche. Die Gerichte tragen Namen, die neugierig machen und provozieren: pilzleber, fuck kaviar, sellerie reif und jung. Das ist kein Marketing, sondern Haltung. Frank benennt seine Gerichte so, wie er sie versteht: direkt, konzentriert, ohne falsche Bescheidenheit.

Die Pilzleber ist eines der berühmtesten Gerichte Berlins: eine Textur, die Leber überzeugend imitiert aus Pilzen. Sellerie reif und jung ist das Ergebnis von über zehn Jahren Entwicklung: ein zwölf Monate getrockneter Sellerie wird über gedämpfte Scheiben, Sellerie-Béchamel und gelierten Selleriesaft gerieben. Ein Gericht, das man nicht vergisst. Dazu eine Weinkarte mit Fokus auf Raritäten aus Osteuropa, Deutschland und Österreich, biodynamische Winzer, und eine alkoholfreie Begleitung, die vom Falstaff als beste Deutschlands ausgezeichnet wurde.

„Ein Gericht, das man nicht vergisst. Eines, dessen Entwicklung zehn Jahre gedauert hat.“

RESTAURANT HORVÁTH · 2 MICHELIN-STERNE · BERLIN

IV — Das Design

Holz, Avignon
und Kanalblick.

Die Renovierung 2021 war ein Balanceakt: Wie bewahrt man den Charakter eines fast hundert Jahre alten Ortes, ohne ihn zu musealisieren? Sebastian und Jeannine Frank haben die Antwort gefunden. Die warmen historischen Holzpaneele bleiben das raumbestimmende Element — sie geben dem Horváth seine Bodenständigkeit, seine Wärme, sein Gefühl von Beständigkeit.

Dagegen gesetzt: gradlinig modernes Design, das nicht auffällt, sondern funktioniert. Das farbenfrohe Wandbild von Jim Avignon, dem Berliner Künstler, setzt einen einzigen expressiven Akzent und bricht damit die Stille des übrigen Raums genau richtig auf. Die bodentief verglaste Küche ist das eigentliche Herzstück: Transparenz als Designprinzip, die Küche als sichtbares Zentrum des Hauses.

„Die Küche als sichtbares Zentrum des Hauses — Transparenz als Designprinzip.“

Horváth · Paul-Lincke-Ufer · restaurant-horvath.de

Horváth 2 Michelin-Sterne Sebastian Frank Emanzipierte Gemüseküche Fine Dining Berlin Kreuzberg Landwehrkanal Grüner Stern Jim Avignon

Restaurant Horváth · Paul-Lincke-Ufer 44A, Berlin-Kreuzberg · restaurant-horvath.de

Restaurant Tim Raue

2026-07-02T16:05:21.391+02:00

REFINED KITCHEN — Es gibt Restaurants, die man besucht. Und es gibt Restaurants, die man erlebt. Das Restaurant Tim Raue am Checkpoint Charlie gehört eindeutig zur zweiten Kategorie. Seit seiner Eröffnung 2010 in den ehemaligen Räumen der Galerie Crone in Berlin-Kreuzberg ist es eines der international sichtbarsten Restaurants Deutschlands, regelmäßig in den World's 50 Best Restaurants gelistet, seit Jahren mit zwei Michelin-Sternen ausgezeichnet, mit 19,5 Punkten im Gault Millau bewertet. Das ist beeindruckend. Noch beeindruckender ist, dass man das alles vergisst, sobald der erste Gang auf den Tisch kommt.

Tim Raue ist ein gebürtiger Berliner, aufgewachsen im Wrangelkiez in Kreuzberg, eine Biografie, die seine Küche bis heute prägt. Keine weiche Herkunft, keine akademische Strenge, sondern eine Art kulinarische Energie, die man direkt im Teller spürt. Schärfe, Säure, Süße: fein austariert, präzise gesetzt, aber nie zahm.

„Schärfe, Säure, Süße — fein austariert, präzise gesetzt, aber nie zahm.“

Checkpoint Charlie · Berlin-Kreuzberg · 2 Michelin-Sterne

I — Das Konzept

Kein Brot.
Kein Reis. Kein Zucker.

Das Konzept hinter Tim Raues Küche ist so klar formuliert, dass man es kaum glaubt, bis man es erlebt: keine klassischen Beilagen. Kein Brot, kein Reis, keine Nudeln, kein weißer Zucker. Was bleibt, ist das Wesentliche. Die Aromen treten in den Vordergrund, die Produkte sprechen direkt, nichts dämpft, nichts lenkt ab. Es ist eine Küche, die sich bewusst entschieden hat, weniger zu sein und dadurch mehr wird.

Raue beschreibt seine Küche als Verbindung aus drei asiatischen Traditionen: japanische Produktperfektion, thailändische Aromatik, chinesische Küchenphilosophie. Die Produkte selbst kommen überwiegend aus Europa, Kaisergranat aus Norwegen, Mandarinen aus Sizilien, Gemüse von Brandenburger Höfen. Das scheinbare Paradox ergibt beim ersten Bissen Sinn: Es geht nicht ums Exotische, sondern ums Präzise.

„Eine Küche, die sich bewusst entschieden hat, weniger zu sein — und dadurch mehr wird.“

Restaurant Tim Raue · Berlin 2025

II — Die Atmosphäre & Das Design

Asphalt,
Galerielicht, Eames.

Der Raum hat eine Geschichte, die man nicht ausblendet, sondern integriert. Das Restaurant Tim Raue befindet sich in den ehemaligen Räumlichkeiten der Galerie Crone und genau dieser Ursprung ist noch immer spürbar. Der Boden aus gegossenem Asphalt, klassische Galeriebeleuchtung, Möbel, die wie Ausstellungsexponate wirken. Keine Üppigkeit, keine Dekoration, die Aufmerksamkeit von den Tellern abzöge.

Amerikanischer Nussbaum, edle Kvadrat-Stoffe, Eames Chairs von Vitra: die Einrichtung ist zeitgemäß ohne zeitgeistig zu sein. Die eigens für Tim Raue entworfene Porzellanserie Kolibri begleitet jeden Gang. Ein stilles, aber konsequentes Gestaltungselement. Das Gesamtbild: urban, schnörkellos, konzentriert. Berlin eben.

„Kein Raum, der Aufmerksamkeit fordert. Einer, der sie weitergibt — an den Teller.“

Restaurant Tim Raue · Berlin-Kreuzberg

III — Das Menü

Kolibri x Berlin.
Koi.

Menü Kolibri x Berlin · 7 Gänge · Hommage an die Hauptstadt

Drei Menüs stehen zur Wahl, jedes in sieben Gängen, jedes auch in einer veganen Variante erhältlich. Kolibri x Berlin ist eine Hommage an die Hauptstadt und an Raues eigene Biografie. Klassiker der Berliner Küche, die hier völlig neu interpretiert werden: Garnelencocktail, Eisbein, Hühnerfrikassee. Was das Originalrezept war, ist hier kaum noch erkennbar und das ist das Compliment. Die Gerichte erinnern an etwas, ohne es zu kopieren.

Koi folgt einer anderen Logik: asiatische Kreationen, die Raues Handschrift klarer zeigen. Seehecht mit Dashi und Schmorgurke, Yuzu-Cheesecake, Sake-Pairing. Wer möchte, ergänzt eines der Signature-Dishes, den legendären Wasabi Kaisergranat, die Ente Marie-Anne oder den Königsberger Klops Oma Gerda. Die Weinbegleitung: über 1.000 Positionen, dazu Pairings auch ohne Alkohol, die die Aromen des Menüs sensibel aufgreifen.

„Die Gerichte erinnern an etwas, ohne es zu kopieren. Das ist das eigentliche Kunststück.“

Restaurant Tim Raue · Berlin · tim-raue.com

Tim Raue 2 Michelin-Sterne Fine Dining Berlin Asiatisch inspiriert Kolibri x Berlin Koi Checkpoint Charlie Gault Millau 19,5

Restaurant Tim Raue · Rudi-Dutschke-Str. 26, Berlin-Kreuzberg · tim-raue.com

An Bord der Oceania Vista

2026-06-19T15:36:38.000+02:00

SLOW TRAVEL — Es gibt Schiffe, die man wegen der Größe bucht. Und es gibt Schiffe, die man wegen der Details wählt. Die Oceania Vista gehört eindeutig zur zweiten Kategorie. Als erstes neues Schiff der Reederei in fast einem Jahrzehnt markiert sie keinen radikalen Bruch, sondern eine konsequente Verfeinerung von allem, wofür Oceania bereits stand: kulinarischer Fokus, gestalterische Zurückhaltung, das Gefühl, sich in einem gut kuratierten Zuhause zu bewegen, nur dass dieses Zuhause schwimmt.

Mit nicht mehr als 1.200 Gästen an Bord bleibt die Vista bewusst klein für ein Schiff dieser Klasse. Klein genug, um intim zu wirken, groß genug, um zwölf unterschiedliche Restaurants, eine eigene Kunstwerkstatt und drei Owner's Suiten zu beherbergen, die jeweils die volle Schiffsbreite einnehmen. Was folgt, ist ein Streifzug durch ihre wichtigsten Räume.

„Das Gefühl, sich in einem gut kuratierten Zuhause zu bewegen nur dass dieses Zuhause schwimmt.“

INTERIEUR · RESIDENTIAL LUXURY · OCEANIA VISTA

I — Das Design der Oceania Vista

Eleganz, die
nicht laut wird.

Das Design der Vista folgt einer klaren Idee: residential luxury, also die Übersetzung eines gut eingerichteten Privathauses in den maritimen Maßstab. Statt glänzendem Bling-Bling setzt das Schiff auf gedämpfte Stoffe, warmes Holz, gezielte Lichtführung. Wie das kleine schwarze Kleid — zeitlos, nie übertrieben, immer angemessen.

Besonders deutlich wird dieser Anspruch in der Bibliothek auf Deck 15: exklusiv mit Möbeln und Kunstwerken von Ralph Lauren Home gestaltet eine Premiere für die gesamte Kreuzfahrtbranche. Glaswände öffnen den Blick auf das Meer, polierte Nickelwandleuchten und Kronleuchter sorgen für ein warmes Ambientelicht, klassische Reiterstiche in Sepia zieren die Wände. Gleich daneben: Baristas, die hauseigene Kaffeebar, und die Bakery mit frisch gebackenem französischem Gebäck.

„Wie das kleine schwarze Kleid: zeitlose Eleganz, nie übertrieben, immer angemessen.“

BIBLIOTHEK · RALPH LAUREN HOME · DECK 15

II — Die Ocean Suite

Wohnen,
nicht nur übernachten.

Die Suite verfügt über einen eigenen Balkon, ein Tranquility-Bett und 1.000-Faden-Bettwäsche. Aber die wahre Statement-Architektur findet sich in den vierzehn Oceania Suiten, die an den prominentesten Stellen des Schiffs liegen und jeweils zwischen 1.000 und 1.200 Quadratfuß messen.

Im Wohnbereich strahlt die Suite eine metropolitane, fast urbane Eleganz aus: großzügige Wohn- und Essbereiche laden zum geselligen Beisammensein ein, eine überdimensionierte Veranda aus Teakholz öffnet den Blick aufs Meer. Das Master-Schlafzimmer mit plüschigem King-Size-Bett, das marmorverkleidete Bad mit Doppelwaschtisch, ein begehbarer Ankleideraum, dazu ein kleines Gäste-Studio oder Arbeitszimmer, nichts davon fühlt sich an wie eine Kabine. Es fühlt sich an wie ein Zuhause, das zufällig auf dem Meer schwimmt.

„Es fühlt sich an wie ein Zuhause, das zufällig auf dem Meer schwimmt.“

Oceania Vista · Oceania Cruises · OCEANIA SUITE

III — DAS SONNENDECK

Klein genug,
um persönlich zu bleiben.

Auf Deck 12 liegt das eigentliche Herz der Vista an warmen Seetagen: der Pool mit umgebenden Liegen, daneben Waves Grill und Waves Bar für den schnellen, unkomplizierten Snack zwischendurch, sowie die Aquamar Kitchen für alle, die auch unterwegs auf ihre Ernährung achten wollen. Es ist die Zone, in der Reisetempo bewusst gedrosselt wird.

Das Licht hier ist anders als überall sonst auf dem Schiff: ungefiltert, weit, von Wasser reflektiert. Man liegt, schaut auf den Horizont, und merkt, wie Zeit langsamer vergeht als an Land.

„Es ist der Unterschied zwischen einem Resort und einer Stadt.“

SONNENDECK · DECK 12 · OCEANIA VISTA

IV — DIE DRINKS IN DER FOUNDERS BAR

Der intimste Ort
an Bord.

Mit maximal 1.200 Gästen ist die Vista deutlich kleiner als die meisten Luxusschiffe ihrer Klasse und genau diese Größe ist der eigentliche Luxus. Man begegnet sich auf den Gängen wieder, das Personal kennt nach zwei Tagen den Namen, die Atmosphäre bleibt persönlich statt anonym.

Versteckt auf der Hafenseite von Deck 6, direkt hinter dem Casino, liegt die Founders Bar — der neueste und gemütlichste Raum an Bord, vielleicht sogar zu beliebt für seine eigene Größe. Eine Höhle aus weichem Licht, niedrigen Sesseln und der Art von Atmosphäre, die man nicht plant, sondern findet.

Auf der Karte: fassgereifte Negronis, kleinbatchige Gin-Kreationen, kunstvolle klassische Cocktails, die selten an Bord eines Schiffs so ernst genommen werden. Hier trifft sich, wer das Tagesprogramm hinter sich lassen und einfach bei einem gut gemachten Drink den Abend ausklingen lassen will.

„Eine Höhle aus weichem Licht, niedrigen Sesseln und der Art von Atmosphäre, die man nicht plant, sondern findet.“

FOUNDERS BAR · INTERIEUR · DECK 6

V — DIE GASTRONOMIE

Zwölf Restaurants,
eine Philosophie.

Oceania ist seit jeher die kulinarisch fokussierteste aller Luxus-Kreuzfahrtreedereien und die Vista treibt diesen Anspruch mit zwölf Restaurants an Bord auf die Spitze, darunter vier komplett neue Konzepte für die Linie. Jacques, das elegante französische Gourmet-Restaurant, ergänzt die Klassiker Toscana, Polo Grill und Red Ginger. Dazu die wellnessorientierte Aquamar Kitchen und eine eigene Bäckerei.

Das erweiterte Culinary Center mit interaktiven Kochstationen und Induktionsherden ergänzt das Angebot um eine praktische Ebene: Gäste lernen direkt von Bordköchen, statt nur zu konsumieren.

Gericht · Gastronomie · Oceania Vista

Die kulinarische Vielfalt an Bord der Vista spiegelt Oceanias Philosophie wider: „The Finest Cuisine at Sea" ist nicht nur ein Slogan, sondern ein gelebtes Konzept. Alle Restaurants und Spezialitäten sind im Preis der Kreuzfahrt enthalten es gibt keine zusätzlichen Gebühren für Fine-Dining-Erlebnisse. Das Angebot reicht von der authentischen französischen Küche im Jacques über die italienischen Klassiker im Toscana bis zu den asiatischen Aromen im Red Ginger. Das moderne Steakhouse Polo Grill rundet das Portfolio mit hochwertigen Fleisch- und Fischspezialitäten ab.

Für Gäste, die Wert auf gesunde Ernährung legen, bietet die Aquamar Kitchen wellness-orientierte Menüs, die Körper und Geist revitalisieren. Die hauseigene Bäckerei versorgt die Gäste täglich mit frisch gebackenem Brot und französischen Patisseries. Das Culinary Center geht dabei noch einen Schritt weiter und ermöglicht es Passagieren, aktiv an Kochkursen teilzunehmen und von erfahrenen Bordköchen zu lernen. Diese Kombination aus gehobener Kulinarik, Vielfalt und interaktiven Erlebnissen macht die Vista zu einem schwimmenden Gourmet-Paradies.

„Diese Detailtiefe, von klassischen Gourmet-Konzepten bis zur interaktiven Kochschule, sichert der Vista ihren Ruf als kulinarisches Flaggschiff der Branche.“

RESTAURANT INTERIEUR · OCEANIA VISTA · Oceania Cruises

Oceania Vista Oceania Cruises Owner's Suite Founders Bar Residential Luxury Gastronomie Kreuzfahrt Ralph Lauren Home

Oceania Vista · Oceania Cruises · oceaniacruises.com

Absolute Stille mit Soundless

2026-06-08T15:16:10.035+02:00

ONLY SILENCE — Guter Schlaf ist eine der wenigen Dinge, für die keine Entschuldigung nötig ist. Wer ihn hat, braucht nichts zu erklären. Wer ihn nicht hat, sucht irgendwann nach einer Lösung und findet dabei oft zu viel Technologie, zu viele Ablenkungen, zu wenig Ergebnis. QuietOn 4 ist das Gegenteil davon. Kein Rauschen, das das Rauschen überlagert. Kein weißes Licht auf dem Display. Kein Koppeln, kein Aktualisieren, kein Nachdenken. Nur Stille.

Das Premium Couples' Pack richtet sich an zwei Menschen, die das Problem teilen und lösen wollen. Zwei Sets QuietOn 4 Earbuds, zwei Schlafmasken. Kein Kompromiss auf einer Seite. Beide schlafen. Das ist keine kleine Sache.

„Kein Rauschen, das Rauschen überlagert. Nur echte Stille und was danach kommt: Schlaf.“

I — Das Design & Die Technik

Kleiner als
ein Cent.

QUIETON 4 · KLEINSTE ANC-OHRSTÖPSEL DER WELT · FINNLAND

Der QuietOn 4 ist der kleinste Active-Noise-Cancelling-Ohrstöpsel der Welt. Das ist kein Marketingversprechen, sondern eine physische Tatsache, die man spürt, sobald man ihn in der Hand hält. Ein ovaler Körper, kleiner als eine Münze, weiche Comply™-Schaumstoffaufsätze, die man zusammendrückt, ins Ohr führt und sich entfalten lässt. Nach etwa 20 Sekunden schaltet sich die ANC-Technologie vollständig ein ohne Ton, ohne Signal, ohne Feedback. Man merkt es nur an der plötzlichen Ruhe.

Das Design ist konsequent auf Seitenschläfer ausgelegt: keine hervorstehenden Teile, kein Druck wenn man den Kopf dreht, kein Herausfallen in der Nacht. Die neue Form des QuietOn 4 folgt dem Gehörgang natürlicher als der Vorgänger, was bedeutet: weniger Einsetzen, mehr Schlafen.

Comply™ Foam Tips · Weich & formend · Für Seitenschläfer

Technisch setzt QuietOn 4 auf ein Hochpräzisions-Mikrofon- und Lautsprechersystem, das Umgebungsgeräusche abtastet und phasenverschobene Gegenwellen erzeugt echte Active Noise Cancellation, keine Übermalung mit künstlichem Rauschen. Das System ist besonders wirksam unterhalb von 3 kHz: also genau dort, wo Schnarchen, Verkehr, Klimaanlagen und Haushaltsgeräte sitzen. Bis zu 30 dB Geräuschreduktion in diesem Bereich stärker als passive Ohrstöpsel allein es je könnten. Schallwecker, hohe Stimmen und wichtige Signale bleiben hingegen hörbar. Das System subtrahiert, es maskiert nicht.

„Es subtrahiert Frequenzen es überdeckt sie nicht. Das ist der Unterschied zwischen echter Stille und dem Versuch, sie zu simulieren.“

QuietOn 4 — Details

Technologie Active Noise Cancellation · Kein Bluetooth

Effektiv gegen Schnarchen · Verkehr · Haushaltsgeräte

Reduktion Bis zu 30 dB · Frequenzen unter 3 kHz

Akkulaufzeit Bis zu 28 Stunden · Ladecase wöchentlich

Aufsätze Comply™ Schaumstoff · Formend · Weich

Couples' Pack 2× QuietOn 4 · 2× Schlafmaske

II — Die Marke

Aus Finnland —
für den Schlaf.

QuietOn · Entwickelt in Oulu, Finnland · quieton.com

QuietOn wurde mit einem einzigen Ziel gegründet: das Schlafproblem von Millionen Menschen lösen, die mit Lärm kämpfen. Nicht mit Apps, nicht mit Klangteppichen, nicht mit Wellness-Versprechen sondern mit Technik, die das Problem an der Wurzel packt. Die Earbuds werden in Oulu, Finnland entwickelt, einem Ort, den man mit langen Winternächten und einem nüchternen Verständnis dafür verbindet, was wirklich funktioniert.

Der QuietOn 4 ist die konsequente Weiterentwicklung einer Idee, die mit jedem Modell präziser wurde: kleiner, komfortabler, leiser. Soundless das Unternehmen hinter dem aktuellen QuietOn 4, hat die Technologie der ursprünglichen QuietOn übernommen und weiterentwickelt mit einem klaren Fokus auf das, was zählt: dass man morgens ausgeschlafen aufwacht.

QuietOn 4 · Premium Couples' Pack · quieton.com

QuietOn 4 Couples' Pack Active Noise Cancelling Schlaf Slow Living Schlafmaske Finnland Stille

QuietOn 4 · Premium Earbuds · quieton.com

Raus — Lodge am See

2026-06-06T17:32:13.223+02:00

SEA VIEW — Manchmal braucht man nicht viel. Einen See. Eine kleine Hütte. Keine Agenda. Raus hat 2021 ein Konzept in die Welt gebracht, das genau das umsetzt — mit einer Präzision, die überrascht. Kein Luxushotel, kein Campingplatz. Etwas dazwischen, das einen eigenen Namen verdient: das Cabin-Resort. Und mit der Lodge am See, dem bisher größten Standort des Berliner Unternehmens, ist dieser Ansatz auf einem 35.000 Quadratmeter großen Areal zwischen Hamburg und Berlin zur vollen Reife gelangt.

Siebzehn Cabins verteilen sich über einen von Terrassen durchzogenen Hang, der sich sanft bis zum See hinabzieht. Manche Hütten schauen aufs Wasser, andere in den Wald dahinter. Alle teilen dieselbe Qualität: die Stille, das Licht, das durch Bäume fällt, und die Abwesenheit von allem, was man zu Hause hinter sich lässt.

„Abgeschiedenheit und Beisammensein gleichzeitig — das ist die seltene Spannung, die Raus so überzeugend auflöst.“

Raus Life · Lodge am See · raus.life

I — Das Konzept

Auszeit,
neu gedacht.

Raus wurde 2021 von drei Berliner Schulfreunden — Christopher Eilers, Johann Ahlers und Julian Trautwein — mit einer einfachen, aber treffenden Idee gegründet: eine Auszeit vom Stadtleben in nachhaltig durchdachten Cabins, nur einen Katzensprung vom eigenen Zuhause entfernt. Kein Flug, kein langer Transfer, kein Durchplanen. Stattdessen: ankommen, Schuhe ausziehen, atmen.

Das Konzept hinter der Lodge am See ist dabei bewusst auf zwei Qualitäten ausgerichtet, die man selten gleichzeitig bekommt: Abgeschiedenheit und Beisammensein. Die Cabins stehen nah genug beieinander, um abends das Licht der Nachbarhütte durch die Blätter schimmern zu sehen und weit genug voneinander entfernt, um Smalltalk geschickt zu entgehen. Was man draus macht, ist allein einem selbst überlassen.

Zum Konzept gehören auch die Gemeinschaftsbereiche, die man nicht buchen, sondern einfach nutzen kann: Sauna mit Seeblick, Hot Tub, Außendusche, Liegewiese am Ufer. SUP-Boards stehen zur freien Verfügung. Ein Grillplatz, ein Lagerfeuer, ein Gemeinschaftszelt. Dinge, die keiner Organisation bedürfen und genau deshalb funktionieren. Die Lodge am See denkt Urlaub nicht als Erlebnis, das man verwalten muss, sondern als Zustand, in den man einfach hineinfällt.

„Die Lodge am See denkt Urlaub nicht als Erlebnis, das man verwalten muss — sondern als Zustand, in den man einfach hineinfällt.“

Raus · Lodge am See · Natur pur

II — Die Atmosphäre

Zeit, die
sich dehnt.

Was passiert, wenn man ankommt, ist schwer zu beschreiben und sofort zu spüren: die Zeit ändert ihr Tempo. Nicht weil man plötzlich meditiert oder sein Handy ausschaltet, sondern weil die Umgebung keinen Druck erzeugt. Kein Programm, das einen durch den Tag schiebt. Kein Lärm, der Entscheidungen fordert. Morgens wacht man auf, wenn das Licht durch die Hütte fällt. Mittags liegt man auf dem Steg und schaut ins Wasser. Abends brennt das Lagerfeuer, und die Funken steigen in eine Nacht auf, die tatsächlich dunkel ist.

Die Lodge am See ist kein Ort, an dem man etwas erlebt. Sie ist ein Ort, an dem man einfach ist. Das ist seltener, als man denkt.

„Die Lodge am See ist kein Ort, an dem man etwas erlebt. Sie ist ein Ort, an dem man einfach ist.“

III — Die Natur

Vier Elemente,
hautnah.

Die Lodge am See liegt eingebettet zwischen Wiesen und Getreidefeldern, die sich je nach Jahreszeit verwandeln: grün im Frühjahr, goldbraun im Sommer, still im Winter. Das Areal erstreckt sich über einen von Terrassen durchzogenen Hang, der sanft zum See hinabführt. Raus hat diesen Ort bewusst gewählt: nicht für die Infrastruktur, sondern für das, was er von sich aus mitbringt.

Mit jedem Sinn kann man hier die vier Elemente erspüren: die klare Luft, die der Wind über den See trägt, die weiche Erde und der Sand, wenn man barfuß am Ufer entlangläuft, das Wasser — soweit das Auge reicht und die knisternden Flammen, wenn die Funken des Lagerfeuers in die Nacht aufsteigen. Das sind keine poetischen Metaphern. Das ist einfach, was passiert, wenn man dort ist.

Raus Lodge am See Cabin Tiny House Slow Living Brandenburg Natur Auszeit Sauna & Hot Tub

Raus · Lodge am See · Brandenburg · raus.life

Der Lichtschalter als Aussage

2026-06-01T21:17:20.372+02:00

DESIGN LOVE —Es gibt Dinge in einem Raum, die man täglich berührt, ohne sie wirklich wahrzunehmen. Der Lichtschalter gehört dazu — in den meisten Interieurs jedenfalls. Nicht beim JUNG LS 1912 in Les Couleurs® Le Corbusier®. Hier wird die kleine quadratische Form an der Wand zu einem gestalterischen Moment. Einem, der nicht auffällt, weil er laut ist sondern weil er konsequent ist.

Für uns bei Slow Lofts ist dieses Detail kein Nice-to-have. Es ist Teil einer Haltung: dass ein Raum erst dann wirklich fertig ist, wenn jedes Element — auch das technisch notwendige — eine gestalterische Entscheidung trägt. Licht schalten wird zum Ritual. Die Hand sucht nicht nur einen Schalter. Sie sucht Farbe, Form, Haltung.

„Ein Raum ist erst dann fertig, wenn auch das technisch Notwendige eine gestalterische Entscheidung trägt.“

I — Das Design

Form aus
1912.

BLEU OUTREMER · KIPPSCHALTER · JUNG LS 1912

Der Name ist Programm. Das Design des LS 1912 geht auf die Formsprache des frühen 20. Jahrhunderts zurück — ein klares Quadrat, ein präzise proportionierter Metallzylinder als Kipphebel. Keine geschwungenen Linien, keine dekorativen Zutaten. Die Form ist abgeschlossen und selbstverständlich, als wäre es nie anders gewesen.

Genau diese Zeitlosigkeit macht ihn so passend für Räume, die sich dem Trend verweigern. Der LS 1912 wirkt in einem Altbau mit Putzwänden genauso überzeugend wie in einem nüchternen Neubau. Er hat keine Epoche und genau deshalb jede.

Ombre Naturelle · Warme Erdtöne · JUNG LS 1912

Was beim Berühren auffällt: die Oberfläche. Nicht hochglänzend, nicht seidig — sondern tief matt, fast wie Gouache auf Papier. Das ist kein Zufall, sondern handwerkliches Verfahren. Jeder Kippschalter wird in einem speziellen Prozess handlackiert, um die außergewöhnliche Farbtiefe der Polychromie Architecturale originalgetreu abzubilden. Das Ergebnis ist ein Objekt, das man nicht nur sieht, sondern spürt.

II — Les Couleurs® Le Corbusier®

63 Farben,
alle aus der Natur.

Polychromie Architecturale · Le Corbusier · 63 Farben aus der Natur

Le Corbusier (1887–1965) war nicht nur Architekt — er war Maler, Theoretiker, Farbdenker. Seine Polychromie Architecturale entstand in zwei Schritten: zunächst 1931 mit einer ersten Farbklaviatur, dann 1959 erweitert um 20 intensivere Töne. Das Ergebnis: 63 Farben, die alle aus der Natur abgeleitet sind. Kein künstliches Leuchten, kein Knalleffekt — stattdessen Töne, die sich in jeden Raum einfügen, weil sie aus demselben Reservoir stammen wie das Licht, das durch das Fenster fällt.

Das Besondere dieses Systems: Jede der 63 Farben lässt sich stimmig mit jeder anderen kombinieren. Es gibt keine falsche Wahl — nur unterschiedliche Räume, unterschiedliche Haltungen, unterschiedliche Lichtmomente. Die Polychromie Architecturale ist kein Farbpaletten-Tool, sondern eine ewig gültige Farbenlehre. Für Architekten, Planer und alle, die Räume mit Überzeugung gestalten.

„Alle 63 Farben sind Farben der Natur und als solche durchgehend harmonisch miteinander kombinierbar.“

Noir Intense & Blanc Ceruse · Schalter & Taster · JUNG LS 1912

Abgebildet sind auf diesen Fotografien einige der Farben, die uns bei Slow Lofts besonders überzeugen: das kühle, zurückhaltende Blau des Bleu Outremer, das warme Erdbeige des Ombre Naturelle, das stille Cremeweiß des Blanc Ceruse, das intensive Terrakotta des 1 Ocre Rouge und das tiefe Schwarz, das keiner weiteren Erklärung bedarf. Jede dieser Farben erzählt etwas. Gemeinsam erzählen sie einen Raum.

1 Ocre Rouge · Terrakotta · 4-fach · JUNG LS 1912

III — Licht & Slow Living

Licht schalten
als Ritual.

Noir Intense · Schwarze Nacht · JUNG LS 1912

Bei SLOW LOFTS denken wir Licht nicht als technische Funktion, sondern als Stimmung. Das Licht am Morgen ist ein anderes als am Abend. Das Licht, das man dimmt, wenn Gäste kommen, ist ein anderes als das, mit dem man einen Raum verlässt. Jeder dieser Momente beginnt mit dem Schalter an der Wand und genau dort setzt der LS 1912 an.

Der Kipphebel funktioniert nach einer klaren Logik: nach unten zum Einschalten, nach oben zum Ausschalten. Keine Verwirrung, keine Überlegung. Die Geste ist selbstverständlich und das ist kein kleines Verdienst. In einer Welt, in der Bedienoberflächen immer komplexer werden, ist diese Klarheit eine Form von Luxus. Der LS 1912 ist dabei als Schalter, Taster und Multi-Switch erhältlich, 1-fach bis 4-fach, horizontal wie vertikal. Für SLOW LOFTS bedeutet das: Planung bis ins letzte Detail. Welche Kombination sitzt wo? Welche Farbe trifft die Wandfarbe, das Möbelstück, das Licht zu dieser Tageszeit? Das sind keine trivialen Fragen, dies ist Raumgestaltung.

„In einer Welt immer komplexerer Bedienoberflächen ist diese Klarheit eine Form von Luxus.“

IV — Die Marke

JUNG —
seit 1912.

JUNG ist eines der wenigen Unternehmen, die ein Produkt nach dem Jahr ihrer Gründung benennen und damit einen Anspruch formulieren: Dieses Design hat nicht gealtert, weil es niemals einem Trend folgte. Die Albrecht Jung GmbH & Co. KG aus Schalksmühle im Sauerland stellt seit 1912 Elektroinstallationsprodukte her und gehört heute zu den renommiertesten Herstellern weltweit für Schalter, Steckdosen und intelligente Gebäudetechnik.

Die Kooperation mit Les Couleurs® Le Corbusier® ist keine Marketingpartnerschaft, sondern das konsequente Weiterschreiben einer gemeinsamen Ästhetik. Beide JUNG und Le Corbusier stehen für das Primat des Funktionalen, das sich nie von Schönheit trennen lässt. Die handlackierten Schalter werden auftragsbezogen gefertigt, mit einer Lieferzeit von rund zehn Wochen. Das ist kein Nachteil, dies ist das Tempo guter Dinge.

JUNG LS 1912 · Les Couleurs® Le Corbusier® · Licht & Slow Living

JUNG LS 1912 in Les Couleurs® — Details

Farben 63 Farben aus Les Couleurs® Le Corbusier®

Oberfläche Handlackiert · Außergewöhnlich matt

Funktion Schalter · Taster · Multi-Switch

Montage 1- bis 4-fach · Horizontal & vertikal

Fertigung Auftragsbezogen · Ca. 10 Wochen Lieferzeit

Hersteller JUNG · Schalksmühle · Seit 1912

JUNG LS 1912 Les Couleurs Le Corbusier Lichtschalter Polychromie Architecturale Slow Living Interior Licht Slow Lofts

JUNG LS 1912 in Les Couleurs® Le Corbusier® · Handlackiert, auftragsbezogen · jung-group.com

An Bord der neuen Emerald Kaia

2026-05-31T13:57:06.763+02:00

SLOW CRUISE — Es gibt Reisen, die man plant. Und es gibt Reisen, die einen verändern. Die Ägäis gehört zur zweiten Kategorie und die Emerald Kaia ist das richtige Schiff dafür. Neu, klein genug um dahin zu fahren, wo große Kreuzfahrtschiffe nur träumen könnten, und groß genug um jeden Abend mit dem Gefühl einzuschlafen, dass nichts fehlt.

Die Emerald Kaia ist das neueste Schiff von Emerald Cruises. Es ist das dritte in der Superyacht-Flotte der australischen Scenic Group, nach der Azzurra und der Sakara. 120 Meter lang, 128 Passagiere, 92 Besatzungsmitglieder. Eine Ratio, die man an Bord sofort spürt. Nicht als Dienstleistung, sondern als Haltung.

„Klein genug, um dahin zu fahren, wo andere Schiffe nur träumen. Groß genug, um nichts zu vermissen.“

I — Das Schiff

120 Meter,
nächste Generation.

Die Emerald Kaia ist das dritte Schiff der Emerald-Superyacht-Flotte und das merkt man. Gegenüber den Schwesterschiffen Azzurra und Sakara ist sie 10 % größer, aber nicht breiter oder höher, sondern durchdachter. 64 Suiten, 88 % davon mit privatem Balkon. Räume, die nicht beengt wirken, weil jedes Quadratmeter bewusst geplant wurde.

Der geringe Tiefgang erlaubt Häfen, die für größere Kreuzfahrtschiffe schlicht nicht erreichbar sind. Abgelegene Buchten, kleine Fischereiinseln, Ankerstellen vor verlassenen Stränden. Die Emerald Kaia fährt nicht an Orten vorbei — sie hält an ihnen an.

II — Das Design

Luxus, der
nicht auftrumpft.

Das Design der Emerald Kaia ist eine Antwort auf die Frage, wie zeitgemäßer Luxus aussieht ohne zu schreien. Warme Töne, natürliche Materialien, klare Linien. Keine goldenen Griffe, keine Kronleuchter, kein Versuch, reich auszusehen. Stattdessen eine Eleganz, die entsteht, wenn alles stimmt: Proportionen, Licht, Verarbeitung.

Der neue Observation Sun Deck am Bug ist eine der gelungensten Neuerungen: ein Spa-Pool, private Cabanas, der freie Blick über das Wasser nach vorn. Man sitzt dort und hat das Gefühl, das Schiff zu führen ohne die Verantwortung dafür zu tragen.

„Man sitzt am Bug und hat das Gefühl, das Schiff zu führen — ohne die Verantwortung dafür zu tragen.“

III — Die Atmosphäre

Das Meer,
nah genug zum Greifen.

Was eine Reise mit der Emerald Kaia von anderen Kreuzfahrten unterscheidet, ist die Nähe. Die Nähe zum Wasser — das Schiff liegt tief genug, dass man vom Deck aus fast die Wellen berühren könnte. Die Nähe zu den Orten — weil das Schiff klein genug ist, um in Buchten einzufahren, die auf keiner Massentouristenkarte stehen. Und die Nähe zwischen den Menschen an Bord: 128 Gäste sind keine Menge, sondern eine Gemeinschaft.

Die Tage auf See haben ihren eigenen Rhythmus. Morgens: Kaffee an Deck, das Licht noch schräg. Mittags: Stopp an einer Insel, Ausflug oder Schwimmen direkt vom Schiff. Abends: zurück an Bord, Aperitif auf dem Observation Deck, während die Sonne ins Wasser fällt. Kein Stress. Kein Gedränge. Kein Ticken der Uhr.

IV — Die Reederei

Emerald Cruises,
Scenic Group.

Emerald Cruises ist Teil der australischen Scenic Group und seit 2022 mit der Emerald Azzurra im Superyacht-Segment aktiv. Das Konzept ist klar: kleinere Schiffe, weniger Gäste, intimere Reisen. Nicht die Massen-Kreuzfahrt mit Wasserparks und Broadway-Shows — sondern Entdeckungsreisen mit hohem Komfort und geringem Trubel.

Die Kaia ist das dritte Schiff der Flotte und setzt die Philosophie konsequent weiter fort — mit mehr Platz pro Gast, mehr Wellness-Fläche und einem Marina Deck, das den direkten Zugang zum Meer zum Programmpunkt macht. Wer auf einem Emerald-Schiff reist, merkt schnell: hier wurde nicht mit dem Ziel des Schnell-Vollfüllens gebaut, sondern mit echtem Verständnis dafür, was eine gute Reise ausmacht.

„Nicht mit dem Ziel des Schnell-Vollfüllens gebaut — sondern mit echtem Verständnis dafür, was eine gute Reise ausmacht.“

V — Die Kulinarik

Essen, das
den Ort versteht.

Kulinarisch bewegt sich die Emerald Kaia auf einem Niveau, das man an Bord eines Kreuzfahrtschiffs nicht unbedingt erwartet — und das hier ganz selbstverständlich wirkt. Die Küche folgt der Reiseroute: mediterrane Einflüsse, frische lokale Produkte, Gerichte, die nach dem Ort schmecken, an dem man gerade ankert.

Das neue Night Market-Format ergänzt das Hauptrestaurant: ein offenes, informelles Abendformat auf Deck, inspiriert von den Nachtmärkten Südeuropas. Kleine Teller, lebhafte Atmosphäre, das Meer im Hintergrund. Man isst nicht nur — man ist mittendrin.

Emerald Kaia Emerald Cruises Ägäis Kreuzfahrt Superyacht Griechische Inseln Scenic Group Luxusreise

Emerald Kaia · Emerald Cruises · Scenic Group · emerald.cruises

FW/BLOG

Black Line N°4 Limited Edition

Rauchiges Schwarz,3.000 Unikate.

Eine Hütte,neu erweckt.

Frevo Restaurant New York

Frevoin Bewegung.

Eine Galeriemit Geheimnis.

Produktgetrieben,leicht und elegant.

Pied à Terre Restaurant London

Diskret,smart, gewachsen.

Seit 1991ununterbrochen Stern.

Sir Devonshire Square Hotel

ZwischenMarkt und Skyline.

Einmal durchsganze Haus.

Rosa Töneam Backsteinbau.

Egyptische Baumwolle,englischer Tee.

Sollip Restaurant London

Eine Liebesgeschichteaus der Küche.

Kimchi trifftTarte Tatin.

The Clove Club London

Vom Supperclubzur Institution.

Orkney-Jakobsmuschelnund Cornish Lobster.

Deep Roots Restaurant Vilnius

Ein Haus,das erzählt.

Vom Hofauf den Teller.

Hotel Adlon — Berlins erste Adresse

Klassisch,nie museal.

Berlin,unter einem Dach.

Dreizehn Welten,ein Zuhause auf Zeit.

Berlinserste Adresse.

Ein Rückzugsort,unter Berlin.

Wenn Berlingolden wird.

100/200 Kitchen Hamburg

Industrial Chic,Küche im Zentrum.

Theater,ohne Distanz.

Carte Blanche,nach den Jahreszeiten.

The Companion Hotel Vienna

Choreografieder Gegensätze.

Mythologie,nach Wien übersetzt.

Kleines Maß,großes Gefühl.

Der Süden,nach Wien geholt.

GRAU Room Transformation

Derselbe Raum,ein anderes Gefühl.

Licht,das man fühlt.

JOLA — Veganes Fine Dining

Kein Zettel,nur Vertrauen.

Klein,aber ganz bei sich.

Lässig,nicht steif.

Josephinenhütte Josephine N° 4

Mundgeblasen.Mit einem Namen, der auf 1842 zurückgeht.

Bauchig,nach oben schmal.

Anantara Palais Hansen Vienna

Ein Tag,festgehalten.

Wohnen,nicht nur übernachten.

Stille,die man spürt.

Der intimste Ortim Haus.

Genuss,der Haltung zeigt.

Fine Dining,neu gedacht.

GRAU Salt Summer Edition

Kabellos.150 Stunden Licht.

Unser String Outdoor System

Dieselbe Leiter.Galvanisiert.

Seit 1949.Endlos erweiterbar.

Midsummer mit Grythyttan Stålmöbler

Nisse Strinning,1984.

Seit 1895.Schmiedekunst aus Schweden.

Hugos Restaurant Berlin

26 Jahre.Ein Stern. Kein Kompromiss.

Berlin,von oben.

Restaurant Horváth Berlin

EmanzipierteKüche.

Unprätentiös,wie Kreuzberg es verlangt.

Pilzleber.Fuck Kaviar.

Holz, Avignonund Kanalblick.

Restaurant Tim Raue

Kein Brot.Kein Reis. Kein Zucker.

Asphalt,Galerielicht, Eames.

Kolibri x Berlin.Koi.

An Bord der Oceania Vista

Eleganz, dienicht laut wird.

Rauchiges Schwarz,
3.000 Unikate.

Eine Hütte,
neu erweckt.

Frevo
in Bewegung.

Eine Galerie
mit Geheimnis.

Produktgetrieben,
leicht und elegant.

Diskret,
smart, gewachsen.

Seit 1991
ununterbrochen Stern.

Zwischen
Markt und Skyline.

Einmal durchs
ganze Haus.

Rosa Töne
am Backsteinbau.

Egyptische Baumwolle,
englischer Tee.

Eine Liebesgeschichte
aus der Küche.

Kimchi trifft
Tarte Tatin.

Vom Supperclub
zur Institution.

Orkney-Jakobsmuscheln
und Cornish Lobster.

Ein Haus,
das erzählt.

Vom Hof
auf den Teller.

Klassisch,
nie museal.

Berlin,
unter einem Dach.

Dreizehn Welten,
ein Zuhause auf Zeit.

Berlins
erste Adresse.

Ein Rückzugsort,
unter Berlin.

Wenn Berlin
golden wird.

Industrial Chic,
Küche im Zentrum.

Theater,
ohne Distanz.

Carte Blanche,
nach den Jahreszeiten.

Choreografie
der Gegensätze.

Mythologie,
nach Wien übersetzt.

Kleines Maß,
großes Gefühl.

Der Süden,
nach Wien geholt.

Derselbe Raum,
ein anderes Gefühl.

Licht,
das man fühlt.

Kein Zettel,
nur Vertrauen.

Klein,
aber ganz bei sich.

Lässig,
nicht steif.

Mundgeblasen.
Mit einem Namen, der auf 1842 zurückgeht.

Bauchig,
nach oben schmal.

Ein Tag,
festgehalten.

Wohnen,
nicht nur übernachten.

Stille,
die man spürt.

Der intimste Ort
im Haus.

Genuss,
der Haltung zeigt.

Fine Dining,
neu gedacht.

Kabellos.
150 Stunden Licht.

Dieselbe Leiter.
Galvanisiert.

Seit 1949.
Endlos erweiterbar.

Nisse Strinning,
1984.

Seit 1895.
Schmiedekunst aus Schweden.

26 Jahre.
Ein Stern. Kein Kompromiss.

Berlin,
von oben.

Emanzipierte
Küche.

Unprätentiös,
wie Kreuzberg es verlangt.

Pilzleber.
Fuck Kaviar.

Holz, Avignon
und Kanalblick.

Kein Brot.
Kein Reis. Kein Zucker.

Asphalt,
Galerielicht, Eames.

Kolibri x Berlin.
Koi.

Eleganz, die
nicht laut wird.

Wohnen,
nicht nur übernachten.

Klein genug,
um persönlich zu bleiben.

Der intimste Ort
an Bord.

Zwölf Restaurants,
eine Philosophie.

Kleiner als
ein Cent.

Aus Finnland —
für den Schlaf.

Auszeit,
neu gedacht.

Zeit, die
sich dehnt.

Vier Elemente,
hautnah.

Form aus
1912.

63 Farben,
alle aus der Natur.

Licht schalten
als Ritual.

JUNG —
seit 1912.

120 Meter,
nächste Generation.

Luxus, der
nicht auftrumpft.

Das Meer,
nah genug zum Greifen.

Emerald Cruises,
Scenic Group.

Essen, das
den Ort versteht.