80Music

El Synthpop, lo mas representativo durante los 80

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 24 Jan 2012 12:32:00 +0000

El synthpop, también conocido como tecno pop, es un género musical derivado de la new wave y desarrollado a finales de los años 70 y principios de los años 80, principalmente en el Reino Unido y Alemania, aunque también en Estados Unidos (popularizado allí por bandas como Devo).
Influidos por David Bowie, Brian Eno, Donna Summer, Kraftwerk, Ultravox (primeros años) y otros, los representantes de éste género lo hicieron, marcando la década de 1980.

Mientras la música popular más común en el mundo industrializado es realizada con instrumentos electrónicos, el synth-pop tiene sus propias tendencias estilísticas que lo diferencian de otra música producida con los mismos medios. Estos incluyen la explotación de la artificialidad (los sintetizadores son usados para imitar instrumentos acústicos), el empleo de ritmos mecánicos, arreglos vocales como contrapunto a la artificialidad de los instrumentos y el modelo ostinato como efecto. Las estructuras de canciones synth pop son generalmente iguales a las de la música popular

Kraftwerk

Los orígenes del synth-pop se remontan al desarrollo de los sintetizadores y la música electrónica, pero su verdadero desarrollo se inició cuando los pioneros de la electrónica Kraftwerk graban su cuarto álbum Autobahn en 1974, cambiando el desarrollo de la música electrónica y popular. El uso que se le dio a los sintetizadores por parte del entonces trío conformado por Ralf Hütter, Florian Schneider y Wolfgang Flür los catapultó al éxito internacional. Su revolucionario trabajo, futurista y original para la época, sería decisivo en el desarrollo de la música en los años posteriores e influenciaría fuertemente a los artistas que vendrían unos años después, especialmente en el Reino Unido.

En plena explosión Punk, una serie de artistas influenciados por Kraftwerk y además por otros músicos como Roxy Music, Brian Eno y David Bowie, iniciarán la experimentación con sintetizadores y comenzarán a incorporarlos como un instrumento más junto con las guitarras, baterías y bajos. De esta manera Gran Bretaña iniciaría con una costumbre de pocos músicos que más tarde cosecharía éxitos e infuiría en el mundo. Sin embargo el punk, género vigente en esos años, y sus derivados directos, como el post-punk y el indie, opacarían al synthpop durante esa época.

En Inglaterra, el género fue primero representado por bandas como Ultravox, Japan, Be-Bop Deluxe, Depeche Mode, Landscape, The Human League, Tubeway Army, Dalek I Love You, Red Noise, Vice Versa, Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Orchestral Manoeuvres In The Dark (famosamente abreviados como OMD), Soft Cell, Visage, Blancmange, The Buggles y New Musik, y algunos solistas como Gary Numan (cantante de Tubeway Army), Thomas Leer y Robert Rental.

Ultravox

Ultravox lanzó sus dos primeros álbumes en 1977, Ultravox! y Ha! Ha! Ha!, en los cuales Billy Currie usaba los teclados de una manera muchas veces no tan protagónica pero lo hacía extensamente en las dos canciones finales de cada álbum, "My Sex" e "Hiroshima Mon Amour", respectivamente, pero el grupo no dio gran paso hasta 1978, cuando lanzó Systems of Romance, que además es considerado un referente en el origen del movimiento New Romantic. The Human League lanza en 1977 su primer single Being Boiled, donde usaron sólo sintetizadores, caja de ritmo y cintas magnéticas como instrumentos. En noviembre de 1978 debuta Tubeway Army con un álbum homónimo, grupo liderado por Gary Numan, que se convertiría en una de las figuras synth-pop más reconocidas. Japan graba a finales de 1977 su primer álbum "Adolescent Sex" y lo lanza a comienzos de 1978, con un sonido glam mezclado con el sintetizador de Richard Barbieri. Landscape lanza en 1977 un EP llamado "U2XME1X2MUCH". Al mismo tiempo, otros grupos como The Buggles y New Musik, formados en 1977 y que tenían como cantantes a dos futuros productores aclamados, Trevor Horn y Tony Mansfield, respectivamente, esperarían hasta 1979 para grabar y lanzar los materiales que los harían debutar: "Video Killed The Radio Star" y "Straight Lines", respectivamente. En el condado norteño de Merseyside, se formaban Dalek I Love You, en 1977, y Orchestral Maneouvres In The Dark, en 1978, cuyos primeros materiales tampoco tendrían un éxito suficiente.

Debido a que el uso de los sintetizadores era poco “convencional” y especialmente por lo fuerte que era el punk en ese momento, estos artistas pasaron casi inadvertidos hasta su declive en Inglaterra hacia 1980.

Joy Division

Muchas de las primeras bandas de synthpop no lograron el éxito debido a muchas circunstancias, entre ellas el punk. Es por eso que los cambios no se hicieron esperar, tanto en el estilo de hacer música, que era de modo más experimental, como en el de alineaciones en ciertos grupos. A partir de ahí, lo que no se logró en la década de los setentas, se pudo hacer en la siguiente, logrando hacer del sintetizador una predominancia. Hubo caso de bandas de tendencia más rockera que experimentaron momentáneamente con los sintetizadores, como en el caso de The Skids ("Goodbye Civilian", 1980) y Joy Division ("As You Said", 1980).

Para 1979, Ultravox ya había sufrido una serie de cambios de sonidos en su repertorio. Años atrás, era más notoria su influencia del glam y punk, como parte de sus dos primeros álbumes Ultravox! y Ha! Ha! Ha!, respectivamente, mientras que sus orientaciones hacia el synthpop eran destacadas con poca notoriedad, pero dando sus primeros pasos en las canciones finales de éstos dos discos (y los sencillos de la época), habiendo, en cambio, una gran predominancia en la guitarra eléctrica. Para Systems Of Romance, los roles empezaron a cambiar, con los sintetizadores adquiriendo cada vez más protagonismo que la guitarra. Pero en 1979, John Foxx, cansado de los fracasos comerciales y las tensiones con el resto de los miembros, abandona el grupo para hacerse solista. Ese mismo año, el tecladista y violinista de la banda Billy Currie empieza a formar parte del proyecto Visage, donde conoce a Midge Ure, con quien entabla su amistad. Ure, interesado en ayudarlo a completar el alineamiento de Ultravox, decide reemplazar a Foxx y el guitarrista Robin Simon (separado poco antes que Foxx) a la vez, siendo aceptado en poco después. A finales de ese año, el renovado Ultravox emprende una nueva gira y en 1980 sale el álbum Vienna, cuya canción homónima (y su videoclip) les abre las puertas del éxito. "Vienna" es un álbum con más elementos de sintetizador que los anteriores con John Foxx.

New Order

Por su parte, John Foxx grabó su primer álbum solista a finales de 1979, ya con un uso casi completo de sintetizadores y otros materiales electrónicos, llegando a sonar casi al estilo de Kraftwerk y The Human League; el álbum se llamaría Metamatic, salido a comienzos de 1980, que llegaría a estar en los puestos más altos del chart británico, con canciones destacadas como "Underpass" y "No-One Driving", sacadas también en sencillos.

The Buggles, inicialmente fue compuesto por Trevor Horn, Geoffrey Downes y Bruce Woolley. Éste trío compuso en "Video Killed The Radio Star" y "Clean Clean" en 1977, año en que se formaron y vivían juntos en un apartamento. En 1979 Woolley se separa del grupo y forma The Camera Club con Thomas Dolby y lanza ese año "English Garden", que contenía ambas canciones que había compuesto en Buggles. Video Killed The Radio Star fue sacado en dicho año como sencillo tanto por éstos como por Woolley y su grupo, pero la versión de los primeros terminó con más éxito.

The Human League

Aunque Joy Division era conocido por sus tendencias al género gótico, habiéndose iniciado como muchas bandas de su época en el punk, en 1980 llegó a lanzar una canción llamada "As You Said" y su último álbum Closer, los cuales mostraban una orientación hacia la electrónica, especialmente en el caso del primero. el guitarrista y tecladista Bernard Sumner y el cantante Ian Curtis admiraban también el synthpop de Kraftwerk, mostrando su otro lado musical antes del trágico suicidio de Curtis en mayo de 1980. Con Closer lanzado póstumante, poco después el resto de la banda cambia su nombre a New Order, y cambiarían paulatinamente al género synthpop.

The Human League estaba formada originalmente por Philip Oakey, Martyn Ware e Ian Craig Marsh. La banda lanza su primer álbum, Reproduction, en 1979, y Travelogue, en 1980. A pesar de ser una de las primeras bandas de synthpop en sacar un disco dedicándose completamente a ese género (a diferencia de Ultravox, Tubeway Army y Japan), The Human League no alcanzó éxito, conduciendo a una serie de cambios: Ware (quien no se llevaba bien con Oakey) decidió irse, siendo seguido por Marsh. Oakey se quedó con el nombre de Human League y reclutó a unas chicas en una discoteca para hacer de reclamo del grupo. Por su parte Ware y Marsh formaron brevemente un proyecto llamado BEF, que invitaba a diversos cantantes a tomar parte en su repertorio; luego forman Heaven 17 con Glenn Gregory, un viejo conocido quien previamente era visto por ellos como el cantante de Human League.

Japan

Japan, como Ultravox, estaba enraizado en el glam rock y utilizaba algunos sonidos electrónicos. Como Billy Currie en Ultravox, Richard Barbieri era el único de su grupo que proveía el sintetizador. Después del lanzamiento de "Adolescent Sex" y "Obscure Alternatives", comienza una transición en el sonido de la banda, saliendo "Quiet Life", que proveía un sonido un poco más electrónico y sin mucho uso de la guitarra. A pesar del éxito, Japan sale del sello Hansa y firma contrato con Virgin, el cual le provee en 1980 su primer gran álbum "Gentlemen Take Polaroids", con un sonido más electrónico y evolucionado. Sin embargo el resultado más esperado vendría en 1981 con "Tin Drum", el cual contendría éxitos como "Ghosts".
También Trevor Horn al desintegrarse el grupo Buggles el decide experimentar con el grupo The Art Of Noise creando una combinación arminiosa entre synthpop, ambientes y sonidos experimentales, ayudándose del entonces nuevo Fairlight CMI, el primer sintetizador sampler.

En 2009 la BBC de londres presento un documental llamado SYNTH BRITANNIA donde habla sobre la historia del synthpop en inglaterra.

LOS ORIGENES DEL TECNO

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 22 Jan 2012 23:38:00 +0000

El techno es un género de música electrónica de baile que surgió en Detroit, EE. UU., hacia mediados de los años 1980. La primera grabación que empleó la palabra techno como referencia a un género musical data de 1988. En la actualidad existen multitud de estilos de techno, si bien está generalmente aceptado que la génesis del género se encuentra en el detroit techno y en sus precursores.

El origen del techno se encuentra en la fusión de ciertas corrientes de música europea, basadas en el uso experimental del sintetizador, con diferentes estilos de música de raíz afroamericana como el funk, el free jazz o el primer electro. A esto se añade la influencia de una estética y temática de corte futurista, basada tanto en la ciencia ficción como en algunas ideas de la obra de Alvin Toffler. El propio término techno deriva del concepto de "techno rebels" presente en el libro La Tercera Ola del sociólogo estadounidense. Esta combinación de ideas acerca el techno a un tipo de estética afrofuturista y cyberpunk.

La prensa especializada y los seguidores del techno critican el uso poco riguroso que en ocasiones se da al término, pues a veces se confunde con otros estilos diferentes con los que nada tiene que ver, como el dance o el trance.

La influencia de Kraftwerk

Kraftwerk, un grupo de música alemán que comenzó su carrera a principios de los años 1970, tiene una influencia considerada fundamental en toda la música popular posterior, y especialmente en la electrónica. Su estilo se enmarca dentro de un movimiento más amplio que tuvo lugar en Alemania conocido como krautrock. El cuarto álbum de Kraftwerk, Autobahn (1974), fue el que le convirtió definitivamente en un fenómeno internacional. Es un disco pionero que contiene los primeros elementos de géneros como el synth pop o el electro, estilos directamente relacionados con el techno que surgiría pocos años más tarde.

Origen del techno en Detroit

Detroit es la cuna del techno.

Desde 1977 hasta mediados de los años 1980 se emitió en Detroit un programa nocturno de radio llamado Midnight Funk Association. Conducido por The Electrifying Mojo, su original enfoque lo hizo popular, causando un considerable impacto en la forma de acercarse a la música de toda una generación de oyentes. The Electrifying Mojo tenía que moverse de emisora en emisora debido a una arriesgada programación que le costó varios despidos, pues su propuesta se salía del canon comercial habitual y del tipo de radio a la que la comunidad afroamericana estaba acostumbrada. En su espacio se podía escuchar una personal selección de estilos y artistas que podía incluir soul clásico, Kraftwerk, nuevos románticos ingleses, p-funk, The Clash o música clásica.

Este programa sirvió de inspiración para numerosos productores locales afroamericanos como Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson (conocidos como The Belleville Three por el instituto de Detroit donde estudiaban) y Eddie Fowlkes. Influidos por el sonido electrónico alemán y la tradición musical negra, comenzaron a producir con sintetizadores un tipo de música que compartía elementos con el electro que artistas como Afrika Bambaataa hacían en aquella época en otros puntos del país. Juan Atkins fue el pionero de todos ellos, al formar a comienzos de la década de 1980 junto al veterano de Vietnam Richard Davis el grupo electro Cybotron. Entre sus producciones se cuenta el que es considerado como primer tema de techno de la historia, "Alleys Of Your Mind" (1981), o canciones que sentarían las bases del género como "Clear". El grupo se dotó de una estética futurista y relacionada con la ciencia ficción que se refleja tanto en su música como en la temática de las canciones y en el nombre del propio género. De la obra del futurólogo Alvin Toffler fueron tomados términos como Cybotron, Metroplex o techno.

El sonido de Detroit estaba profundamente influido por la música afroamericana estadounidense, especialmente por géneros como el soul y el funk, y en particular por el P-Funk de Parliament. El estilo de su teclista Bernie Worrell, uno de los primeros músicos de funk que cambió el teclado Hammond por un sintetizador, influyó notablemente sobre la forma de tocar de los impulsores del techno. La combinación de la tradición negra con la música que venía de Europa, en particular el krautrock, el italo disco de Giorgio Moroder y la experimentación generalizada que tenía lugar con sintetizadores, dieron como resultado ese primer sonido techno. Derrick May lo describió con una frase que se ha hecho célebre:
"El techno es un gran error, como si George Clinton y Kraftwerk se quedaran atrapados en un ascensor y solo tuvieran un sintetizador para hacerles compañía".

En general, se pueden identificar varias características básicas en el detroit techno. Cuenta con patrones rítmicos muy marcados, normalmente con una estructura basada en un compás de 4/4 cuyos tiempos son claramente acentuados. Al mismo tiempo, conserva la sonoridad del funk, lo que se manifiesta en las líneas de bajo, en el uso de "strings" (arreglos de cuerda sintetizados) o en las vocales. Finalmente, su estética futurista y de ciencia ficción toma forma en las letras, en los motivos de las canciones o en el artwork de los discos.

Chicago house

Existe una conexión directa entre el techno y la escena que se había formado a comienzos de los años 1980 en Detroit, con la música house que se estaba desarrollando en la misma época en Chicago y con la cultura de club de esta ciudad. Esta relación ha provocado que temas creados en Detroit como "Strings of Life" de Derrick May (publicado bajo su alias Rhythim Is Rhythim) sean hoy considerados clásicos tanto del género techno como del house.

Se ha sugerido que el techno de Detroit es previo al house de Chicago, y que éste se desarrolló gracias a una caja de ritmos que Frankie Knuckles compró a Derrick May. Según esta versión, esa caja de ritmos guardaba varios patrones rítmicos compuestos por el productor de Detroit que posteriormente fueron utilizados en la gestación del nuevo sonido de Chicago.

La llegada del techno a Europa

El acid impulsó el techno en Europa.
Desde mediados de la década de 1980 surge en el Reino Unido un interés creciente por la música house. En las fiestas que tenían lugar en Ibiza, destino habitual del turismo británico, varios DJs ingleses conocen el house de Chicago y el éxtasis. Entre ellos se encuentran Paul Oakenfold, Mark Moore o Graeme Park, DJs que se encargarían al regresar a Inglaterra de extender esta música y la llamada ecstasy culture por todo el país a través de sus sesiones en ciudades como Londres, Manchester y Nottingham, y posteriormente en Sheffield y Leeds.

Hacia finales de la década, la música house se había generalizado en Inglaterra y el acid house era cada vez más popular gracias a fiestas en discotecas como The Haçienda o Shoom.23 También empezó a desarrollarse una subcultura de fiestas ilegales o raves, que se multiplicaron a partir del llamado "Verano del Amor" de 1989. Tanto en estas fiestas como en los clubs se ponían los ritmos importados de Ibiza junto al muy popular acid, si bien poco a poco comenzaron a pincharse también discos de techno importados desde Detroit. Es la época en la que las raves se convierten en un fenómeno masivo, pobladas por jóvenes impulsados por el MDMA que toman el house como banda sonora generacional.

El éxito del house y del acid allanó el camino para la aceptación del nuevo sonido de Detroit. En 1987, Neil Rushton, dueño del sello Kool Kat Records y ex DJ de northern soul, se puso en contacto con Derrick May, quien le facilitó una copia de su inminente tema "Strings of Life". La canción causó sensación entre los clubbers más jóvenes de la época. Dos meses después de la conversación, May viajó hasta Inglaterra con algunos de sus discos para, tras negociar con el empresario, alcanzar un acuerdo comercial mediante el que editar un recopilatorio con lo mejor del sonido de Detroit. Este álbum, que originalmente se iba a llamar The House Sound of Detroit, terminó cambiando finalmente de nombre después de que Atkins, May y Saunderson decidieran denominarlo de forma que no pareciera un subgénero regional del house, sino un auténtico género musical con entidad propia. A partir del tema "Techno Music" de Juan Atkins, el disco se llamó Techno! The New Dance Sound of Detroit, siendo publicado en 1988.

El disco no vendió demasiadas copias al principio, pero después, cuando el tema "Big Fun" de Inner City contenido en el recopilatorio empezó a escalar posiciones en las listas de éxitos, cada vez más gente fijó su mirada en ese nuevo estilo que venía de Detroit. Y pronto se hizo mundialmente conocido.

Desarrollo

A medida que el sonido original se iba desarrollando hacia finales de los años 1980 y principios de los años 1990, también empezó a ampliar su espectro estilístico lo que hasta entonces se había llamado techno. Éste pasó a incluir desde proyectos musicales de corte pop como el de Moby hasta colectivos con profundos sentimientos anti comerciales como Underground Resistance, o artistas que comenzaron a experimentar con sonoridades jazz o ambient. En esta época, el sonido techno pasó a gozar de un gran seguimiento underground en Reino Unido, Alemania y Bélgica. El crecimiento de la popularidad del techno entre 1988 y 1992 se debió en buena medida a la escena rave.

LA HISTORIA DEL TEMA DE CHIMO BAYO "ASI ME GUSTA A MI"

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 15 Jan 2012 09:12:00 +0000

Aunque la historia que nos va a ocupar ya ocurre en el año 90, son los ultimos coletazos de la decada de los 80 en plena movida de lo que mal llamaron desde Madrid y los medios "la ruta del bacalao", gracias a ellos y algunos otros, toda la bonita historia de la movida Valenciana se desmadró y terminaron por destruirla, pero eso es otra historia........UNA HISTORIA BAILABLE EN VALENCIA

Hablemos del tema "Asi me gusta a mi"

Los temas de Chimo Bayo fueron compuestos sobre todo por German Bou, siendo Chimo Bayo el autor de las letras. Algo que practicamente hasta ahora, mas de 20 años despues no a sido reconocido publicamente y todo el merito se le a dado a Chimo Bayo.

La idea y el enfoque del tema musical, nacen de la visita del Dj Chimo Bayo a Rager Estudios, atraído por el éxito de varias producciones de música electrónica compuestas y producidas en el año 1990 por Germán Bou.
Germán Bou no conoce aún por aquella época a Chimo Bayo, y le pide una filmación con alguna actuación para llevar a cabo la composición musical. A los pocos días le es entregado el vídeo, en el que aparece una sesión del Dj, en la sala (antiguamente teatro) Capital de Madrid.
En unos días, ya están algunas partes del tema embastadas, la base de batería y percusión, los bajos, y la melodía principal. Se hace una primera audición en cinta de casete, en la discoteca “El Templo” ubicada a las afueras de la ciudad de Cullera (Valencia). Varias personas lo escuchan y gusta, pero aún quedan algunos arreglos por hacer, pulir la intro, grabar las voces, terminar las mezclas y confeccionar el master final.
Las voces de la multitud que aparecen en el disco, fueron grabadas en la propia discoteca El Templo, el 23 de Marzo de 1991.
Las mezclas se realizaron totalmente en analógico, y con técnicas de procesado serie, paralelo, y serie/paralelo en tracks y buses.
La partitura fue escrita en Sol mayor, ajustándose a la tesitura vocal del intérprete, siendo grabada en un ordenador ATARI 1040STFM, junto con el secuenciador Pro-24 de Steinberg.

Chimo Bayo comenzó profesionalmente en el mundo de la música, como DJ, a principios de los 80 pero no editó su primer disco de mezclas de música electrónica hasta 1987. "RÁYATE" en el cual aparecía como portada un librillo de papel de fumar, vendió en su época más de 20.000 copias. Posteriormente aparecería "RÁYATE 2", con un notable éxito comercial, de su compañía “Raya Records” (Valencia). Su primer éxito fue el single «Así me gusta a mí» (1991), con el que vendió más de 1 millón de copias por todo el mundo, llegando incluso a ser nº1 de ventas en Japón e Israel. Fue el maxisingle más vendido en la historia de España. La cantante israelí Dana International hizo un "Sampling" de esta canción en su éxito Saida Sultana en 1993.

Sus últimos singles de éxito fueron "La Tía Enriqueta" y "La Tía Enriqueta Remix" (1994). El deterioro del llamado Sonido de Valencia y la impopularidad de la conocida como "Ruta del Bakalao" a mediados de la década de 1990 acabó por marcar el fin de una época que dejó a Chimo Bayo en un segundo plano.

EL INDIE POP Y LAS CASETES C81 Y C86

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 14 Jan 2012 10:10:00 +0000

Digamos primero que ser indie es hacer las cosas a tu manera.......ser independiente.... y si eso lo transladamos a la musica, al pop en concreto y a nuestra decada.........

A principios de los 80, había docenas de sellos en el Reino Unido. La publicación de un chart semanal de singles y álbumes indies a principios de 1980 coincidió con el crecimiento de la música indie en el Reino Unido. Al año siguiente fue el quinto aniversario del movimiento de Gran Bretaña de sellos discográficos independientes y de Rough Trade Records. Para conmemorarlo, el semanario británico de música New Musical Express lanzó un álbum en casete que marcaría una época: C81. La partición del indie entre "pop" y "rock" fue expuesta por los escoceses pioneros del Post-punk: Orange Juice, que mostraban un sonido de guitarras tintineantes y tarareo de voces, junto a un humor burlón hacia ellos mismos, lo que contrastaba con la seriedad y el mensaje más político de otras agrupaciones de post-punk como Crass o Killing

A pesar de nunca haber pertenecido a la escena del indie pop, los Smiths (Rough Trade Records), influenciaron a muchas bandas. Los “songwriters” Morrissey y Johnny Marr combinaban un sonido de guitarras con letras sobre la vida en la Gran Bretaña de Thatcher, cubriendo temas que van desde la ambigüedad sexual, la soledad y la muerte hasta el vegetarianismo. Otro grupo que logró éxito comercial durante este período es el de los escoceses The Jesus and Mary Chain. Su álbum debut Psychocandy influyó a grupos como The Shop Assistants y My Bloody Valentine.

En 1986 New Musical Express lanzó otro álbum en casete, esta vez titulado C86, intentando promover la escena británica de un pop independiente más suave. Así grupos como The Pastels, The Wedding Present,The Soup Dragons, Primal Scream y The Bodines llegaron a un público más amplio.
El álbum C86 causó mucha expectación en Estados Unidos, donde estaba surgiendo un sonido más pop al estilo Ramones, frente al sonido más rockero de los Sex pistols.
A mediados y fines de los 80 se eleva la popularidad de géneros como el hip hop, la acid house y el rave. Varios de los grupos indies que continuaron, cambiaron de estilo a finales de los 80. El principal ejemplo es Primal Scream, que fue uno de los primeros exponentes del Indie dance.
The Pink Label, 53rd & 3rd, y The Subway Organisation fueron sólo algunas de las discográficas que extendieron singles de grupos de indie pop importantes como The Shop Assistants, Razorcuts, The June Brides, The Flatmates y Talulah Gosh. El último puede ser considerado como el primero de los grupos que fundó la segunda ola del indie pop: el Twee pop.
Muchos de estos grupos, al igual que muchos grupos de Twee pop, contaban con miembros femeninos, una hecho insólito en esa época. El indie pop siempre ha tenido un fuerte sentido de igualdad entre los sexos. Tal vez, su aspecto "filosófico" más importante es abanderar el punto de vista "anti-sexista".

En los Estados Unidos se origina una revolución similar en el pop “underground” en Olympia, Washington. Beat Happening era una banda indie con una estética bastante similar a sus pares británicos, tocando joyas del pop bastante alejadas de la escena hardcore-punk del momento. Beat Happening lanzó su primer disco en 1985 en la discográfica que fundaron: K Records. Otras discográficas fueron creciendo, comoBus Stop (1987), Picturebook (1987), Harriet (1989) y Slumberland (1989), concentrando el sonido del indie pop estadounidense, que era un poco más crudo y moderado que el británico, más suave, armonioso y “Twee”.

Indie pop en España

las aventuras de Kirlian

Durante La Movida a principios de los 80, se crearon los primeros sellos independientes españoles, como La Fábrica Magnética, DRO o Grabaciones Accidentales, que sentaron las bases para el surgimiento del indie pop en España. Dentro del indie español y sus variantes, cabe destacar ciertos sonidos propios de la escena española como el Donosti Sound, el tonti pop o ñoñi pop:
Donosti Sound En 1988 en la ciudad de San Sebastián nació el grupo Aventuras de Kirlian, claramente influenciado por el indie británico, dando origen al denominado Donosti Sound, que tuvo una enorme influencia en el indie pop español. El Donosti Sound lo encabezaron bandas como La Buena Vida, Le Mans o Family.

C86 es el nombre de una recopilación en casete publicada por la revista musical británica NME en 1986, y posteriormente se convirtió en el nombre de un subgénero musical.

La cinta fue una tardía continuación a C81, una diversa colección de nuevas bandas, publicada por New Musical Express (NME) en 1981 junto con el sello Rough Trade. C86 fue diseñada de manera similar para reflejar la nueva escena musical del momento y recopilada por los editores de NME; Roy Carr, Neil Jones y Adrian Thrills quienes tomaron las canciones de sellos como Creation, Pink o Ron Johnson. Los lectores debían pagar por la cinta via correo postal aunque se publicó posteriormente un LP por Rough Trade en 1987. Esta fue la cinta 23 de NME aunque su número de catálogo fuese NME022, C81 había sido doblada a COPY001. El resto de cintas fueron recopilatorios promocionando los almacenes de los sellos y dedicados a géneros como el R&B, Nothern Soul, Jazz o Reggae.
La cinta C86, a pesar de su posterior asociación con un género del mismo nombre, tenía un sonido mucho más duro y punk por parte de las primeras canciones de hasta 5 bandas del sello Ron Johnson; The Shrubs, A Witness, Stump, bIG fLAME y The Mackenzies. Su elevada excentricidad fue completamente diferente a las guitarras a lo The Byrds y misteriosas melodías que fueron las llamadas bandas 'C86'. NME promovió junto con el Instituto de Londres de Arte Contemporáneo, que hicieron una semana de conciertos en julio de 1986 con la mayoría de grupos que aparecen en el cassette.

C81

Tracklisting:

SIDE ONE
1) Scritti Politti - The Sweetest Girl
2) The Beat - Twist and Crawl Dub
3) Pere Ubu - Misery Goats
4) Wah! Heat - 7,000 Names of Wah!
5) Orange juice - Blue Boy
6) Cabaret Voltaire - Raising the Count
7) D.A.F. - Kebab Traume
8) Furious Pig - Bare Pork
9) The Specials - Raquel
10)Buzzcocks - I Look Alone
11)Essential Logic - Fanfare in the Garden
12)Robert Wyatt - Born Again Cretin

SIDE TWO
1) The Raincoats - Shouting Out Loud
2) Josef F - Endless Soul
3) The Blue Orchids - Low Profile
4) Virgin Prunes - Red Nettle
5) Aztec Camera - We Could Send Letters
6) Red Crayola - Milkmaid
7) Linx - Don't Get in My Way
8) The Massed Carnaby St John Cooper Clarkes - The Day My Pad Went Mad
9) James Blood Ulmer - Jazz Is the Teacher, Funk Is the Preacher
10)Ian Dury - Close to Home
11)Gist - Greener Grass
12)Subway Sect - Parallel Lines
13)John Cooper Clarke - 81 Minutes

This C81 cassette was compiled by NME journalist Roy Carr, and Christopher Rose.

C86

Tracklisting:

SIDE ONE
1) Primal Scream - Velocity Girl
2) The Mighty Lemon Drops - Happy Head
3) The Soup Dragons - Pleasantly Surprised
4) The Wolfhounds - Feeling So Strange Again
5) The Bodines - Therese
6) Mighty Mighty - Law
7) Stump - Buffalo
8) Bogshed - Run To The Temple
9) A Witness - Sharpened Sticks
10)The Pastels - Breaking Lines
11)Age of Chance - From Now On, This Will Be Your God

SIDE TWO
1) The Shop Assistants - It's Up To You
2) Close Lobsters - Firestation Towers
3) Miaow - Sport Most Royal
4) Half Man Half Biscuit - I Hate Nerys Hughes (From The Heart)
5) The Servants - Transparent
6) The Mackenzies - Big Jim (There's no pubs in Heaven)
7) Big Flame - New Way (Quick Wash And Brush Up With Liberation Theology)
8) Fuzzbox - Console Me
9) McCarthy - Celestial City
10)The Shrubs - Bullfighter's Bones
11)The Wedding Present - This Boy Can Wait

This C86 cassette was compiled by NME writers Roy Carr, Neil Taylor and Adrian Thrills.

MADONNA, "LA REINA DEL POP"

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 10 Jan 2012 08:47:00 +0000

Si en su dia dedicamos un espacio al "rey del pop" Michael Jackson ahora lo dedicamos a la "reina", Madonna

Madonna Louise Veronica Ciccone, conocida como Madonna (Bay City, Míchigan, 16 de agosto de 1958). Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a Nueva York para perseguir una carrera en la danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, lanzó su álbum debut en 1983, Madonna. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotando las imágenes en sus videos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte. Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Papa Don't Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Vogue», «Frozen», «Ray of Light», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de «La Reina del Pop»

Su madre murió de cáncer mamario a los 30 años en 1963, cuando Madonna tenía cinco años de edad. Meses antes de su muerte, Madonna notó cambios en el comportamiento y personalidad de su madre, aunque no entendía la razón. Al momento de intentar explicarle la condición médica que padecía a su pequeña hija, la señora Ciccone comenzaba a llorar, a lo cual Madonna respondía con un abrazo. «Recuerdo que me sentía más fuerte que ella», dijo Madonna, «yo era tan pequeña y aun así sentía como si ella fuese la niña». Posteriormente, Madonna reconoció que no había comprendido la idea de que su madre estaba muriendo. «Hubo mucho que no se dijo, tantas emociones reprimidas y sin resolverse, el remordimiento, la culpa, la pérdida, la ira, la confusión. vi a mi madre, se veía tan hermosa simplemente recostada como si estuviera dormida en el ataúd abierto. Luego me di cuenta que su boca se veía chistosa. Me tomó un rato darme cuenta de que estaba cosida. En ese horrible momento entendí que la había perdido para siempre. La última imagen de mi madre, a la vez pacífica y a la vez grotesca, me asusta hasta el día de hoy.»

Madonna finalmente aprendió a cuidar de sí misma y de sus hermanos, y se volvió a su abuela con la esperanza de encontrar algún consuelo y alguna clase de figura materna en ella. Los hermanos Ciccone mantenían la casa en orden y se rebelaron invariablemente contra cualquiera que llegara a su hogar para ocupar el lugar de su querida madre. En una entrevista con la revista Vanity Fair, Madonna comentó que en su juventud se vio a sí misma como una «chica solitaria que estaba buscando algo. Yo no era rebelde en cierta manera. Me preocupaba por ser buena en algo. No me afeitaba mis axilas y no usaba maquillaje como las otras niñas. Pero estudié y obtuve buenas notas... quería ser alguien.» Asustada por la idea de que su padre también se fuera, a menudo no podía dormir a menos que él estuviera cerca de ella. Su padre se casó con el ama de llaves de la familia, Joan Gustafson, y tuvieron dos hijos: Jennifer y Mario Ciccone. En este punto, Madonna comenzó a expresar sentimientos de ira hacia su padre, los cuales duraron décadas y desarrolló una actitud rebelde. Asistió a las escuelas primarias de St. Frederick y St. Andrew, y al concluir, a la West Middle School. En la escuela fue conocida por su promedio alto y alcanzó notoriedad por su comportamiento poco convencional: hacía volteretas y piruetas en los pasillos entre las clases, se colgaba de sus rodillas en las barras de mono durante el receso y se levantaba la falda durante la clase, todo para que los chicos pudieran ver su ropa interior.

Más tarde, asistió a la Rochester Adams High School y fue una estudiante modelo, además de ser miembro del equipo de animadoras.Después de graduarse, recibió una beca de danza en la Universidad de Míchigan. Convenció a su padre para permitirle tomar clases de ballet23 y fue persuadida por su profesor, Christopher Flynn, para seguir una carrera en el mundo de la danza. A finales de 1977, Madonna dejó la escuela y se trasladó a la ciudad de Nueva York. Tenía poco dinero, por lo que consiguió un trabajó como mesera en Dunkin' Donuts y con grupos de danza contemporánea. Madonna dijo de su traslado a Nueva York: «fue la primera vez que viajé en avión y la primera vez que viajé en taxi. Vine aquí con 35 dólares en el bolsillo. Fue lo más valiente que he hecho.» Comenzó a trabajar como bailarina sustituta para otros artistas. Durante una noche, mientras regresaba de un ensayo, fue arrastrada hasta un callejón por un par de hombres y obligada a realizar una felación. Madonna comentó que «el episodio fue una prueba de mi debilidad, me demostró que todavía no podía salvarme a pesar de todo el look de chica fuerte. Nunca podré olvidarlo.» Mientras actuaba como bailarina para el cantante francés Patrick Hernandez en su gira mundial de 1979, Madonna se implicó románticamente con el músico Dan Gilroy. Juntos formaron su primera banda de rock, Breakfast Club, en donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra y la batería. En 1980 dejó a Breakfast Club y, con su ex novio Stephen Bray como batería, formaron la banda Emmy. Su música impresionó al DJ y productor Mark Kamins, quien arregló un encuentro entre Madonna y Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.

En 1982, Madonna firmó un contrato con Sire Records, un sello discográfico perteneciente a Warner Bros. Records. Su primer sencillo, «Everybody», fue lanzado el 6 de octubre de ese año y se convirtió en un éxito en las listas de música dance.Animada por este lanzamiento, comenzó a trabajar en su álbum debut Madonna, producido por Reggie Lucas. Sin embargo, la cantante no se encontraba satisfecha con las pistas terminadas y tuvo varios desacuerdos con las técnicas de producción de Lucas, por lo que decidió buscar ayuda adicional. Madonna acudió en busca de ayuda con su nuevo novio, John «Jellybean» Benitez, para terminar la producción del álbum. Benitez mezcló la mayoría de las pistas y produjo el tema «Holiday», que fue su tercer sencillo. En general, el sonido de Madonna es descrito como «disonante», cuyo estilo se asemeja a la música disco combinada con el sintetizador, utilizando algunas de las tecnologías recientes de la época, como la caja de ritmos LinnDrum, el bajo eléctrico Moog y el sintetizador OB-X.31 35 El álbum, que alcanzó el número ocho en la lista Billboard 200, contenía los sencillos «Holiday», «Borderline» y «Lucky Star».
Me sorprendió cómo reaccionó la gente a «Like a Virgin» porque cuando grabé la canción, para mí, estaba cantando sobre cómo alguien me hace sentir de cierta manera –renovada y fresca– y todos pensaron que cantaba que ya no quería ser virgen. ¡Joder! No tiene nada que ver con lo que canté. «Like a Virgin» era absolutamente ambigua.
— Madonna comentando sobre «Like a Virgin»

Gradualmente, el aspecto de Madonna, su forma de vestir, sus actuaciones y sus videos musicales comenzaron a influir en mujeres y niñas. Su estilo se convirtió en una moda femenina de la década de 1980, el cual fue creado por el diseñador de joyería y estilista, Maripol. Este look consistía de tops con encaje, faldas encima de pantalones capri, medias de rejilla, joyería (que incluía un crucifijo y brazaletes) y el cabello aclarado. En 1984, Madonna logró el reconocimiento mundial después del lanzamiento de su segundo álbum: Like a Virgin. Encabezó las listas de popularidad en varios países y se convirtió en su primer álbum número uno en el Billboard 200. La canción homónima, «Like a Virgin», encabezó la lista Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas, y atrajo la atención de las organizaciones familiares, quienes se quejaron de que la canción y su video promovían las relaciones sexuales prematrimoniales y socavaban los valores familiares, razón por la cual intentaron censurarlos. Madonna alimentó la polémica cuando interpretó la canción en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, donde apareció en el escenario encima de un pastel de boda gigante, con un vestido de novia y un velo, adornado con su característica hebilla de cinturón «Boy Toy». Esta actuación es reconocida como una presentación icónica en la historia de MTV. En años posteriores, Madonna comentó que estaba realmente aterrorizada por la actuación. Recordó, «recuerdo a mi mánager Freddy gritándome, '¡Oh, Dios mío! ¿Qué estabas haciendo? Llevabas un vestido de novia. ¡Dios mío! ¡Estabas dando vueltas en el piso!' Fue lo más valiente y lo más sexual que había hecho en la televisión.»44 45 Like a Virgin fue certificado con disco de diamante por la Recording Industry Association of America y vendió más de 21 millones de copias en todo el mundo. En 1998, la Academia Nacional de Grabación de Artes y Ciencias y el Salón de la Fama del Rock lo clasificaron como uno de los mejores 200 álbumes de todos los tiempos.

Muñeca vestida como Madonna en su presentación de «Like a Virgin» en los VMAs de 1984.
Madonna entró al mundo del cine en 1985, comenzando con una breve aparición como cantante de un club en la cinta Vision Quest, una comedia romántica. La banda sonora de la película contiene su sencillo exitoso «Crazy for You». También apareció en la comedia Desperately Seeking Susan (1985), una película donde sobresalía la canción «Into the Groove», el primer número uno de la cantante en el Reino Unido. Aunque no era la actriz principal de la cinta, su participación fue tal que la película fue ampliamente vista (y comercializada) como un proyecto de Madonna. La película recibió una nominación para un Premio César a la mejor película extranjera y el crítico de cine Vincent Canby, de The New York Times, la consideró como una de las diez mejores películas de 1985. Mientras filmaba el video musical para el segundo sencillo de Like a Virgin, «Material Girl», Madonna comenzó a salir con el actor Sean Penn, con quien contrajo matrimonio en su cumpleaños número 27.

En abril de 1985, Madonna emprendió su primera gira por América del Norte, The Virgin Tour, con los Beastie Boys como su acto de apertura.54 Madonna comentó: «Toda la gira fue una locura, porque fui de cantar en el CBGB y el Mudd Club a presentarme en arenas deportivas. Actué en un pequeño teatro en Seattle y las chicas usaban faldas con solapas, medias que llegaban por debajo de sus rodillas, guantes de encaje, rosarios, moños y aretes de aros grandes. [...] Después de Seattle, todos los espectáculos fueron trasladados a arenas.» En julio, las revistas Penthouse y Playboy publicaron una serie de fotografías en las que se mostraba a Madonna desnuda, las cuales fueron tomadas en Nueva York en 1978. Había posado para las fotografías porque necesitaba dinero en aquella época, aunque recibió sólo 25 dólares por la sesión. La publicación de las fotos causó un alboroto en los medios de comunicación, pero Madonna permaneció desafiante y sin remordimientos. Las fotografías se vendieron por más de US$ 100 000. En el concierto Live Aid de 1985, Madonna se refirió a esta experiencia cuando dijo que no se quitaría su chamarra porque «[los medios de comunicación] podrían reclamármelo dentro de diez años.»

En junio de 1986, se lanzó True Blue, el tercer álbum de estudio de Madonna. De este se deprendieron tres sencillos que alcanzaron el número uno del Billboard Hot 100: «Live to Tell», «Papa Don't Preach» y «Open Your Heart»; además de dos sencillos que se colocaron dentro de las primeras cinco posiciones de la misma lista: «True Blue» y «La isla bonita». El álbum encabezó las listas de popularidad de más de 28 países del mundo, un logro sin precedentes en aquel tiempo. Los críticos de la revista Rolling Stone quedaron impresionados con esta producción, al escribir que el álbum «suena como si saliera del corazón». En esta época, Madonna también protagonizó la película Shanghai Surprise, que recibió muchas críticas negativas, al mismo tiempo que hizo su debut teatral en una producción de David Rabe, Goose and Tom-Tom, ambas coprotagonizadas con Penn. Al año siguiente, se publicó el segundo largometraje de Madonna, ¿Quién es esa chica?. Aunque la película no fue bien recibida, la intérprete contribuyó con cuatro canciones a su banda sonora, destacando «Who's that Girl?» y «Causing a Commotion». En junio de 1987, se embarcó en la gira Who's That Girl? Tour, que continuó hasta septiembre. Con respecto a la gira, Madonna comentó: «me di cuenta que podría dejar de ser arcilla sin moldear, y con el tiempo y con la ayuda de los demás, me podría convertir en algo más. Esta gira es el reflejo de esa creencia y es como si me dijera '¿Quién eres tú, chica? De ahí el nombre, algo nuevo para mí.» Más tarde ese año, lanzó un álbum de éxitos pasados, titulado You Can Dance, que alcanzó el puesto 14 en el Billboard 200. Madonna y Penn solicitaron el divorcio en diciembre de 1987, citando como causa «diferencias irreconciliables»; el abogado de Madonna apuntó hacia el problema de alcoholismo de Penn y su carácter agresivo. El divorcio finalizó en enero de 1989. De su matrimonio con Penn, Madonna dijo más tarde, «estaba completamente obsesionada con mi carrera y de ninguna manera estaba lista para ser generosa.»

En enero de 1989, Madonna firmó un acuerdo de respaldo con el fabricante de refrescos Pepsi. El tema «Like a Prayer» debutó en uno de los comerciales de la empresa, en el que se hacía alusión a muchos símbolos católicos, como los estigmas y cruces en llamas, dando lugar a la condena del video por parte del Vaticano. Varios grupos religiosos trataron de prohibir el comercial y boicotear los productos de Pepsi, quien retiró el comercial y canceló su contrato de patrocinio. Sin embargo, se le permitió a Madonna mantener su cuota de cinco millones de dólares por el comercial. La canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer, que fue co-escrito y producido por Patrick Leonard y Stephen Bray. Rolling Stone lo aclamó diciendo que era «...lo más cercano que la música pop puede estar del arte.» Like a Prayer alcanzó el número uno en el Billboard 200 y vendió más de 13 millones de copias en todo el mundo, con cuatro millones de copias vendidas únicamente en Estados Unidos.36 68 Seis sencillos fueron lanzados del álbum, destacando el tema homónimo, que alcanzó el número uno en varios países, «Express Yourself» y «Cherish», que llegaron al número dos del Hot 100. A finales de la década de 1980, Madonna fue nombrada como la «artista de la década» por varios medios de comunicación, tales como MTV, Billboard y Musician.

En noviembre de 1990, se publicó el primer álbum de grandes éxitos de Madonna, titulado The Immaculate Collection. Esta incluía dos canciones nuevas, «Justify My Love» y «Rescue Me». El álbum fue certificado con disco de diamante por la RIAA y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum recopilatorio más vendido por un solista en la historia. «Justify My Love» alcanzó el número uno en Estados Unidos y otros diez países alrededor del mundo. El vídeo realizado para su promoción contaba con escenas de sadomasoquismo, bondage, besos entre personas del mismo sexo y desnudez. El video fue considerado demasiado explícito sexualmente por MTV y su distribución fue prohibida. Madonna respondió a la censura: «¿Por qué será que la gente está dispuesta a ir a ver una película sobre alguien siendo golpeando sin razón aparente, y nadie quiere ver dos chicas besándose y dos hombres acariciándose? [...] MTV ha sido bueno conmigo y conocen a su audiencia. Si es demasiado fuerte para ellos, entiendo. Aunque parte de mi pensaba que iba a llegar lejos con esto.» En ese momento, el segundo sencillo «Rescue Me», se convirtió en el sencillo de una solista con el debut más alto en la historia del Billboard Hot 100, entrando en el número 15 y llegando hasta el número nueve.
En diciembre de 1990, Madonna decidió dejar la película de Jennifer Lynch Boxing Helena, que previamente había firmado para protagonizar, sin ninguna explicación a los productores. Desde finales de 1990 hasta principios de 1991, Madonna salió con Tony Ward, un modelo y actor porno que apareció en los videos musicales para «Cherish» y «Justify My Love». También tuvo una relación de ocho meses con el rapero Vanilla Ice. Su primer documental, En la cama con Madonna (lanzado originalmente como Madonna: Truth or Dare), fue lanzado a mediados de 1991. El documental narra su gira Blond Ambition Tour y deja entrever la vida personal de la cantante.

De acuerdo con la revista Rolling Stone, Madonna es «uno de los artistas pop más grandes de todos los tiempos.» Ha obtenido múltiples récords en el Libro Guinness de los récords, destacando el título de la solista más exitosa de todos los tiempos. El 10 de marzo de 2008, Madonna fue incluida en el Salón de la Fama del Rock en su primer año de elegibilidad.180 La revista Billboard la clasificó como la solista más exitosa (y la segunda artista en general, detrás de The Beatles) en el «Billboard Hot 100 Top Artists». También ha obtenido muchos éxitos en las listas de popularidad más importantes alrededor del mundo, incluyendo 13 sencillos número uno en el Reino Unido, 10 en Australia y 23 en Canadá, más que cualquier otra solista.263 Madonna también apareció en el libro de las 100 mujeres más importantes del siglo XX, publicado por Ladies' Home Journal en 1998. En julio de 2003, se clasificó en el puesto séptimo en la lista de los «200 íconos de la cultura pop de todos los tiempos» elaborada por VH1 y People. También se colocó en la cima de la lista de las «50 mujeres más importantes de la época del video» hecha por VH1. En 2006, se descubrió una nueva especie de oso de agua, Echiniscus madonnae, que fue nombrada así en su honor. Los zoólogos comentaron: «es un gran gusto dedicar esta especie a una de los artistas más importantes de nuestro tiempo, Madonna Louise Veronica Ritchie.» En 2010, dados sus logros comerciales, Madonna fue incluida en la lista de élite de las «25 mujeres más poderosas del siglo pasado» por la revista Time, por ser una figura influyente en la música contemporánea.

En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists, convirtiéndola en la solista más exitosa en la historia musical, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock en el mismo año. Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas y por su gran legado a la cultura pop.

PROGRAMAS MUSICALES DE LOS 80 EN TELEVISION

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 08 Jan 2012 22:09:00 +0000

En este blog quiero hacer referencia a los programas musicales que se hacian en los 80 en television y que ahora brillan por su ausencia y practicamente, salvo en escepciones, privan los reality shows en vez de difundir la cultura y la musica en todos sus estilos.

Atras quedaron programas como LA EDAD DE ORO, que para mi fue el mejor ejemplo de dar a conocer lo que se hacia en la España cultural de los 80 a cargo de Paloma Chamorro y que ya destacamos hace tiempo en este blog pincha aqui si quieres ver la entrada.

Programas como CAJA DE RITMOS de Carlos Tena en el que se daban a conocer muchos grupos de la movida de la epoca y que fue eliminado fulminantemente por el "escandalo" de Las Vulpess que con la cancion "me gusta ser una zorra" parecia que hubiesen cometido un golpe de estado dado lo desproporcionado que fue la repercusion de la emision de la cancion a las doce de la mañana.
Otro programa de Carlos Tena fue AUAMBABULUBA BALAMBAMBU, un programa donde habia de todo, videoclips, reportajes, entrevistas, actuaciones en directo......

En Octubre de 1984 fue la primera emision de un programa genial de TVE y que duró hasta 1988, ( aunque no era musical propiamente dicho ) hablamos de LA BOLA DE CRISTAL, el programa contaba con varias secciones destinadas a varias edades, la primera parte iba destinada a los mas pequeños con los electroduendes, luego tenia otras secciones destinadas a un publico mas adolescente y juvenil. Cabe destacar el continuo reconocimiento de diferentes sectores de la sociedad hacia este programa que se salía de la norma marcada por los programas infantiles de su época y otros más actuales, y que apostaba por tratar a los niños como personas adultas. La bola de cristal reflejaba el cambio sociopolítico que supuso la transición en España y la explosión cultural y musical conocida como la movida

Otro programa digno de destacar era TOCATA, en 1983 el programa vino a ocupar el hueco en la programación musical de TVE, ocurrido meses antes tras la desaparición de su inmediato predecesor Aplauso. Sin embargo, ya desde los primeros programas, el enfoque fue notablemente distinto, ya que mientras Aplauso aspiraba a una audiencia mucho más amplia, Tocata se diseñó específicamente para un segmento de población muy concreto: los jóvenes entre 15 y 25 años. Frente a espacios dedicados a la música más residual o marginal como La edad de oro, que se emitó simultánemante en TVE, los contenidos de Tocata se nutrieron de los artistas más comerciales.

Hubo algun programa mas digno de mencion como MUSICAL EXPRESS se trataba de un espacio dedicado a difundir corrientes musicales ajenas a los sonidos más comerciales y mayoritarios que se conocían por aquellos años, desde el jazz al incipiente rock urbano o la nueva ola. La larga lista de grupos y artistas nacionales o internacionales que pasaron por el programa durante sus años de emisión es suficientemente extensa, con una serie de actuaciones, siempre en directo, que han quedado como un documento de incalculable valor desde el punto de vista musical para muchos nostálgicos.

Es una pena que hoy en dia no se de a conocer a fondo las nuevas formaciones que van surgiendo o no se promocione mas a los artistas , y poque no, se emitan programas con musica alternativa y arte tipo a la edad de oro pero en el marco actual, simplemente difundir un poco mas la musica y el arte de hacer musica en television, quizas, con la gran influencia que tiene la caja tonta ayudaria un poco a contener la pirateria o se fortalecerian los nuevos canales de venta de musica digital y no pretender que para entretener al gran publico baste con la telebasura que ultimamente bombardean las cadenas de television.

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DAVID BOWIE; HOY CUMPLE 65 AÑOS

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 08 Jan 2012 14:28:00 +0000

David Robert Jones (8 de enero de 1947), más conocido como David Bowie, es un cantante polifacético, inclasificable dentro de un solo género, ya que su música involucra diversos estilos musicales como el rock, el pop y la música electrónica. Es también compositor, multiinstrumentista, productor, artista plastico y actor británico, fuertemente influyente en varias generaciones.

Nació en Brixton, un área de Londres, pero creció en el pueblo de Bromley, en Kent (actualmente parte del Gran Londres). Su carrera de músico comenzó en la década de los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de blues, uno con los que pudo llegar a grabar fue The Manish Boys . Su nombre artístico fue obligado debido a la popularidad de Davy Jones, de The Monkees. El apellido Bowie fue elegido en honor del famoso personaje del Far West Jim Bowie. Desde 1992 está casado con la modelo Imán, con la que tuvo a su hija Alexandria, aunque fue con Angela Barnett (Angie), su anterior mujer, con quien tuvo a su hijo Zowie.

Una de las señas de identidad más carismáticas es la diferencia de color de su ojo izquierdo, el cual fue dañado con un compás en una pelea en el colegio.

Es reconocido por su gran poder de cambio y adaptación (en algunos casos incluso anticipadamente) a las nuevas tendencias musicales.

Su primer grabación como solista fue el LP Bowie de 1967. Este disco homónimo de canciones claramente pop e influenciado por los Beatles no tuvo demasiado reconocimiento en esa época aunque con el paso de los años sus fans fueron dándole mas importancia, incluso rumores aseguran que David Bowie se planteo hacer un disco, en el que retomaría esas viejas canciones, con el título de Toy. Otro ejemplo del aprecio del público para con estas canciones de la primer época es el disco doble lanzado en el año 2000 Bowie At The Beeb donde hay una gran cantidad de esas canciones previas a Space Oddity.

Su primer gran éxito llegó con la sideral "Space Oddity", canción con raices Folk y con innovadores efectos sonoros, que abre su segundo LP también llamado Space Oddity(1969) en honor a la película "2001 Odisea en el Espacio". En este album tenemos la participación destacable de Rick Wakeman, mítico tecladista inglés de Yes.

A este disco le seguiría otro de nombre The Man Who Sold The World del año 1971 y luego otro incluso mejor, el glamouroso y extraordinario Hunky Dory, con influencias de Bob Dylan, Lou Reed, el budismo o Jacques Brel. En este mismo disco encontramos "Changes", probablemente una de las canciones de pop más sofisticadas de la historia de este género, y uno de los grandes éxitos de Bowie.

El éxito de masas le llegaría con su siguiente LP, en el cual encarna a una estrella del rock, Ziggy Stardust, lo cual llevaría su obra a un terreno conceptual casi teatral.

Después de unos discos plenos de verdaderos clásicos de la historia del rock (como "Aladdin Sane" o "Diamond Dogs", cuya portada fue censurada en varios países), marcha a Estados Unidos, donde se enamora del soul para regresar y ensimismarse después del cansancio del éxito en su retiro de Berlín, dando lugar a tres discos más experimentales, producidos por Brian Eno y Tony Visconti, destacando "Low" (donde se asocia con Iggy Pop). El single más importante fue la fabulosa "Heroes", inspirada en el Muro de Berlín. Después de esta etapa, Scary Monsters será su nuevo gran disco, en el que conecta con la furia y la fuerza de la emergente new wave, con la destacada colaboración del guitarrista Robert Fripp. De aquí surge la genial "Ashes to ashes", nº 1 en Gran Bretaña. Después el Duque del Rock inicia su período más comercial con "Let's dance" (1983), con la canción que le da título y otros éxitos como "China girl" y "Modern love". En 1989 forma una superbanda llamada Tin Machine, con la que graba dos discos de estudio, que, aunque rayan a gran altura no tienen el éxito de ventas esperado.

Posteriormente seguirá experimentando en todas las direcciones demostrando, con joyas como Black tie white noise, Outside, Heathen (vuelta a colaborar con Visconti) o Reality, que el paso del tiempo no hace mella en su soberbio talento musical ni en su capacidad de innovación. A lo largo de su carrera ha versionado canciones y ha hecho colaboraciones con grupos como The Cure, Iggy Pop, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Pink Floyd o recientemente The Arcade Fire. Artistas nacidos bajo su influencia son Nine Inch Nails, Pixies, Muse, London Suede o Coldplay y sus discos pueden considerarse, después de los del propio Bowie, el mejor ejemplo de una rica y polifacetica carrera musical.

ROCK GOTICO de los 80

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 07 Jan 2012 13:10:00 +0000

Se denomina rock gótico al conjunto de estilos musicales que tienen en común el gusto por lo oscuro y dramático. En ese sentido podemos afirmar que hay una concepción amplia y una concepción concreta del término. En un sentido amplio, abarca todas las corrientes musicales que evolucionaron desde el post-punk de finales de la década de los '70, incluyendo gran variedad de tipo de sonidos, desde el punk a la electrónica, pasando por la música ambiental y la dark wave. En un sentido estricto, rock gótico se refiere sólo a los sonidos más cercanos al rock, quedando fuera de la definición la música de corte electrónico, industrial y pop.

El rock gótico, en su concepto original, cuenta con voces andrógenas (Christian Death) o barítonas (Bauhaus) y generalmente se les añade un efecto de eco. Las guitarras no son pesadas, sino que se enfocan en crear atmósferas que pueden variar desde etéreas, pasando por melancólicas y sobre todo siniestras. Un elemento preponderante y capital es el bajo, que en las producciones siempre destaca por aparecer adelante junto con las voces sonando mucho más pesado que las guitarras. Finalmente, la batería tiende a ser repetitiva y constante, y si no hay, se usan generalmente golpes repetitivos generados por sintetizadores.
En cuanto a la atmósfera de la música, no debe sobreentenderse que todos los grupos tengan atributos depresivos. En un inicio, el gótico estaba dirigido a crear atmósferas que produjeran horror más que depresión, algo generalmente muy teatral. El lado oscuro que emanaba de la música llevó, en cualquier caso, a que muchos grupos produjeran cortes de tipo depresivo, incluyendo a los creadores Bauhaus y Christian Death. Hoy en día, ambos tipos de atmósfera conviven y muchas veces se mezclan.
El rock gótico que comenzó a experimentar con el synthpop a fines de los años 70' terminó por crear el electrodark, que en general prescinde de las guitarras y la batería, y se enfoca en el uso del sintetizador y el teclado, acercándose al EBM en muchos casos (como Clan of Xymox). Por otro lado, el rock gótico que siguió en la vena del krautrock y la música industrial (en particular el metal industrial de la década de los 90') experimentó con guitarras más pesadas y los arreglos vanguardistas de aquellos géneros (como Umbra et Imago o Das Ich). También hay una gran cantidad de bandas que se decidieron por agregar arreglos sinfónicos como Lacrimosa o Nosferatu, e incluso experimentar con sonidos tribales como Dead Can Dance.

Asociar la subcultura gótica con las precursoras bandas góticas puede ser un poco controvertido. Esto se debe a que la palabra “gótico” comenzó como una etiqueta de algunos grupos formaban parte de la gran escena Punk/Post New Wave (fue un término aplicado erróneamente ya que no era gótico sino afterpunk). El resultado es que no todas las personas a las que les gustaban esos grupos eran parte de la escena gótica. Es casi seguro que el hecho de asociar alguna de las primeras bandas con la escena gótica causará protestas por parte de los fans que no son góticos y no quieren que su banda favorita se asocie con ese término.

Varias bandas, entre ellas The Sisters of Mercy, no se consideran a ellas mismas parte del movimiento gótico, aunque sus fans son en parte góticos. Esto incluso sucede con algunas de las bandas que vinieron después de que el gótico comenzó como distinta subcultura, y la banda en cuestión estaba muy involucrada en el género (por ejemplo Alien Sex Fiend). Pese a todas las controversias, estos grupos fueron quienes dieron paso al rock gótico.

Todas las bandas originales tienen mucho en común con el movimiento punk por el simple hecho de emerger del mismo movimiento. Por ejemplo las famosas imágenes de Siouxsie Sioux (Post Punk y rock gótico) con los Sex Pistols, fundadores del punk.

Con algunas excepciones, como Christian Death de Los Angeles, Virgin Prunes de Irlanda y Xmal Deutschland de Alemania, la mayoría de los primeros grupos góticos fueron ingleses.
Los primeros grupos de post punk que se catalogaron cómo góticos fueron Joy division y siouxsie and the banshees en 1978. Ellos eran parte de una ola de bandas que experimentaban con sonidos nuevos entre 1978-79. En Siouxsie and the Banshees llegaron a participar iconos como "Sid Vicious" (Sex Pistols)antes de pertenecer a los Sex Pistols y Roberth Smith (The Cure). La vocalista Siouxsie Sioux manejaba una estética fúnebre-erótica, cabellos alborotados, maquillajes exóticos y vestimentas negras, convirtiéndose en una gran influencia en la estética del movimiento. Los álbumes más significativos de Siouxsie and the Banshees para la escena gótica son su álbum debut llamado The Scream (1978), "Join Hands" (1979), "Ju Ju" (1981) y Nocturne (1983). Joy Division tuvo una corta vida, y no dejaron un gran legado, ya que su vocalista Ian Curtis se suicidó en 1980, pero sus dos álbumes editados, Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980), fueron también influencia principal para las primeras bandas. Los restantes miembros de Joy Division fundaron New Order, cuyo primer álbum Movement (1981) continuó el estilo de Joy Division. Con el tiempo, New Order se convirtió en una banda cercana al New Wave/Dance.

Llegó Bauhaus a la escena (originalmente llamados Bauhaus 1919) con su single Bela Lugosi's Dead, el cual llegó a ser el himno de la escena gótica, refiriéndose a un film de terror interpretado por Béla Lugosi, cuya letra llamaba a seguir sus pasos dentro de lo que era el gótico. Su música está fuertemente influida por el Glam Rock inglés (David Bowie y T. Rex) y por el cine de serie B.
Más bandas llegaron entre 1980–81, como Dance Society, Theatre of Hate, Play Dead y The Sisters of Mercy. En febrero de 1981, Abbo de UK Decay tildó a este emergente movimiento como gótico, y de ahí pasó de ser una etiqueta de un pequeño grupo de personas a moldearse como un movimiento sólido. UK Decay comenzó como una banda punk en los 70, y poco a poco adquirieron un sonido más gótico. Se hicieron importantes a principios de los 80.
The Cure se considera también un icono del movimiento, gracias a que su vocalista Roberth Smith fuera atrapado por temas oscuros y depresivos, formando una estética totalmente definida, una combinación entre David Bowie y Siouxsie Sioux. The Cure hizo su propio sonido gótico, una mezcla de post punk y pop, un sonido único y original y su contribución al género se centra entre los discos Faith, Seventeen Seconds, Pornography y, años más tarde, Disintegration. Después de eso, estuvieron cercanos al New Wave, pero nunca saliendo de la escena gótica.

Echo and the Bunnymen fue otra temprana banda de post punk, que tuvo una influencia sustancial en el look gótico y en la música, particularmente con el álbum Crocodriles (1980), y canciones como Happy Death Men o Killing Moon.
Los orígenes de la moda gótica pueden trazarse desde Siouxsie and the Banshees, Bauhaus y The Cure, con algunas influencias de The Damned (banda punk del 77, cuyo vocalista Dave Vanian vestía como un vampiro. Siouxsie y The Cure mantuvieron su look gótico durante sus carreras, pero su música poco a poco se alejó del gótico. Después del álbum Nocturne, las letras de Siouxsie fueron más livianas, a contraposición de Bauhaus que mantuvo su línea original, hasta su disolución en 1983. Algunos miembros de Bauhaus tenían un proyecto paralelo llamado Tones on Tail, quienes continuaron a mediados de los 80, creando música gótica influida por la psicodelia.
El material temprano de Gary Numan, desde Tubeway Army a The Pleasure Principale puede ser considerado gótico. El uso de sintetizador analógico fue una influencia que marcó la diferencia de las bandas de rock gótico venideras y el cyberpunk.
1982 fue el año en que el rock gótico se transformó completamente en una subcultura, no precisamente por las bandas emergentes como Gene Loves Jezebel, Sex Gang Children, Southern Death Cult, March Violets, Specimen, Skeletal Family o Alien Sex Fiend, sino por que se inauguró el club Batcave en Londres, un lugar con el propósito de reinventar el Glam Rock de David Bowie, con una mezcla de oscuridad y horror.

Poco a poco se convirtió en el prototipo de un club gótico. En 1984 la música colocada por los DJs variaba desde Siouxsie, The Cramps, Sweet, Specimen, Eddie Cochran, y Death Cult. Entre 1982 y 1983 la escena gótica ganó bastante atención de la prensa inglesa, y lugares como la Batcave fueron masificándose en toda Inglaterra.
Desde finales de los 70 en adelante, el movimiento Death Rock en Los Angeles (California, EE. UU.) estuvo en auge, con bandas como Christian Death (formada en 1979), Gun Club (1981), 45 Grave y Kommunity FK (1983). Mientras Christian Death estaba grabando su álbum debut Only Theatre of Pain en 1982, su líder Rozz Williams sabía de la escena inglesa, pero jamás había escuchado material de ellos. Christian Death se hizo popular en Europa y estuvo de gira en 1984. Sus siguientes álbums Catastrophe Ballet y Ashes muestran una influencia más directa del gótico, ya que Rozz se interesó por el surrealismo y el dadaísmo. The Gun Club también tocaron en Europa, teloneando a Sisters of Mercy.
cEvin Key y Nivek Ogre formaron un grupo en 1982, quienes querían hacer su propia música, apartados de la escena Deathrock. Ellos fueron una influencia para muchas bandas que vinieron después. Mezclaron la naciente música industrial con algunas características del gótico.
Muchos fans del gótico temprano están abrazando un renacimiento del Deathrock, volviendo al concepto musical original, como también a la estética de la primera generación gótica.

El gótico fue más que un fenómeno meramente inglés y estadounidense. Al mismo tiempo que Bauhaus y Christian Death se formaron, en Alemania nacieron bandas como Xmal Deutschland en 1980, Die Krupps en 1981 y Pink Turns Blue. Bélgica veía el nacimiento del electro body music (EBM) con influencias de Kraftwerk, naciendo así bandas como Front 242 (1981). Holanda también hacía de las suyas con Clan of Xymox que se formó en 1983. Australia también merece un reconocimiento gracias a Nick Cave, con su segunda banda The Birthday Party, que se formó en 1979, quienes después emigraron a Londres.

En el Reino Unido, las bandas mencionadas más arriba comenzaron a ser más populares durante este periodo, al igual que la subcultura que habían generado. Así, fue notable el aumento de la popularidad de bandas como The Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim, la nueva alineación de Christian Death, The Mission, y Mephisto Walz, banda formada por un ex miembro de Christian Death, Barry Galvin (también conocido como Bari Bari). Bari Bari fue uno de los principales músicos que influyó en la creación del disco Atrocities, cuyas canciones las traspasó al repertorio de Mephisto Walz.

Por otro lado, a lo largo de los 80 hubo una importante fusión entre las distintas subculturas góticas europeas, el Death Rock norteamericano y levemente el New Wave. Alrededor de 1985, la era Post Punk comenzaba a decaer y varios de los grupos pioneros se habían ya disuelto o habían variado de estilo. Esa era concluyó con el álbum debut de The Sisters of Mercy, First and Last and Always (1985), que fue todo en éxito en las listas del Reino Unido y representa de alguna manera la transición de la primera a la segunda generación gótica. A pesar de haberse formado en 1980, The Sisters of Mercy influenciaron más a la segunda generación. Su vocalista Andrew Eldritch, tenía una voz bastante diferente de cualquiera de los vocalistas de la primera generación, y a finales de los 80 fue catalogado como “El Padrino del Gótico”. The Sisters of Mercy fueron quizás uno de los primeros grupos góticos en usar baterías sintetizadas, junto a March Violets, quienes, al igual que The Sisters of Mercy provienen de Leeds, Inglaterra, y fueron mucho más comunes en las bandas de la segunda generación. Las baterías sampleadas continúan siendo muy comunes en el gótico hasta el día de hoy.
Fue durante la segunda generación que el término y el estilo comenzaron a ser noticia fuera de los pequeños círculos alternativos. El término comenzó a aparecer en medios ingleses tales como The Face o el NME, y el gótico a generar fanzines y clubs por todo el país, siguiendo el ejemplo del Batcave. En 1983, la película sobre vampiros The Hunger (traducida en España como El ansia) que protagonizaba David Bowie y aparentemente apoyada por Bauhaus, marca definitivamente el paso del gótico y la estética glam al mainstream. Esto se ve reflejado en la creciente popularidad en Europa y en radios universitarias estadounidenses de bandas del sello 4AD como Clan of Xymox, Dead Can Dance y Cocteau Twins, además de una serie de éxitos de Siouxsie and The Banshees quienes se alejaron de la escena gótica en sus últimos lanzamientos, acercándose más al pop y al New Wave.

Os dejo un regalo extraido del programa la edad de oro en 1984

JOY DIVISION, pioneros del sonido gotico

noreply@blogger.com (joselomy) — Wed, 04 Jan 2012 21:55:00 +0000

Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Originalmente llamada Warsaw, la banda estuvo formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados), Peter Hook (bajo y coros) y Stephen Morris (batería y percusión).

Joy Division rápidamente evolucionó de sus influencias punk rock iniciales, (de acuerdo con el crítico musical Jon Savage "no era punk pero estaba directamente inspirada por su energía") para posteriormente desarrollar un sonido y un estilo que fue pionero del movimiento post-punk, del dark y el rock gótico pues no solo poseían un sonido siniestro; sino que sus letras estaban obsesionadas con la desesperación y la muerte, productos de la epilepsia que padecía su vocalista Ian Curtis.

Su EP debut, An Ideal for Living, atrajo la atención de Tony Wilson, una personalidad de la televisión de Manchester. El álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures, fue lanzado en sello discográfico de Wilson, Factory Records, y provocó la aclamación de la crítica británica. A pesar del creciente éxito de la banda, el vocalista Ian Curtis fue afectado por la depresión y por problemas personales, incluyendo la disolución de su matrimonio y sus agudas crisis de epilepsia. Curtis encontraba cada vez más difícil presentarse en vivo, y a menudo tenía convulsiones durante sus espectáculos.

En mayo de 1980, en la víspera de la primera gira de la banda en Estados Unidos, Ian Curtis abrumado por su depresión, se suicidó ahorcándose en su cocina. Joy Division lanzó póstumamente su segundo álbum, Closer (1980), y el sencillo "Love Will Tear Us Apart" se convirtió en su lanzamiento más exitoso en los rankings. Después de la muerte de Curtis, los miembros restantes de la banda formaron New Order.

Joy Division estaba compuesto inicialmente por Ian Curtis (guitarra y voz), Bernard Sumner (guitarra y teclado), Peter Hook (bajo) y Terry Mason (batería). Tras el alejamiento de Terry Mason en mayo de 1977, Tony Tabac lo reemplazó fugazmente hasta junio de 1977 y Steve Brotherdale, también de manera provisional, hasta agosto de 1977. Finalmente Stephen Morris se convirtió en el baterista definitivo, en agosto de 1977.

Historia

1976
Inspirados por la presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976, Bernard Sumner (también conocido como Bernard Dicken, Bernard Albrecht y Bernard Albrecht-Dicken) y Peter Hook formaron un grupo junto a su amigo Terry Mason. Sumner compró una guitarra, Hook compró un bajo y Mason un equipo de batería. El grupo puso un anuncio en una tienda de discos de Manchester, reclutando así a Maxi Koch y a Joakin Hail, quienes grababan las voces, y a Ian Curtis como cantante. Curtis conocía a Sumner, Hook y Mason de presentaciones previas, ya que también estuvo esa noche en el público del concierto de los Sex Pistols junto a su esposa, Deborah. Richard Boon y Pete Shelley, respectivos manager y guitarrista del grupo punk Buzzcocks, sugirieron el nombre Stiff Kittens para el grupo. Aunque el nombre «Stiff Kittens» apareció en algunos panfletos de presentaciones, al grupo nunca le agradó ni lo aceptó oficialmente.

1977

Debido a que carecía de confianza en sus capacidades como batería, Mason abandonó el grupo el día anterior a la primera presentación en el Electric Circus, para transformarse en el representante del grupo. Para la ocasión, fue reemplazado por Tony Tabac. Momentos antes de aquella presentación junto a Buzzcocks y a Penetration, el 29 de mayo de 1977, el grupo cambió su nombre a Warsaw, en homenaje a la canción de David Bowie y Brian Eno Warszawa. Cinco semanas después, tras seis presentaciones, Tabac fue reemplazado por el baterísta del grupo punk Panik, Steve Brotherdale. Grabaron The Warsaw Demo el 18 de julio de 1977, cinta que contenía cinco crudas canciones de punk.
Después del demo, Brotherdale fue despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el coche aceleró y se fue sin él. Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes.
A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre, que contrasta con su verdadera traducción de "División Alegría", hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis, representadas en la novela "La casa de las muñecas" de 1955 de Ka-Tzetnik 135633. Aunque la elección del nombre fue de una manera más reflexiva, que una forma de luchar contra los tabúes, esta elección, junto con la adopción por parte de Sumner del apellido Albrecht acumularon en el grupo una serie de críticas de perceptible insensibilidad. Incluso fueron perseguidos por acusaciones de neonazismo, acusaciones que negaron vigorosamente.
La música y el género musical del grupo se empezó a definir por este periodo. Las sesiones grabadas en diciembre de 1977 comenzaron a sonar de manera considerablemente distinta al sonido producido en The Warsaw Demo.

1978

El primer show de Joy Division fue en el Pip's, Manchester, el 24 de enero del 78. El tres y cuatro de mayo de ese año grabaron para el sello RCA el material de su primer disco. Sin embargo, el productor John Anderson, creyendo que el punk no duraría mucho y sin el consentimiento de los músicos llenó la grabación de sintetizadores en la mezcla final. La banda estuvo completamente en desacuerdo con esto y el disco nunca fue editado -aunque se convertiría en uno de los bootlegs más conocidos del grupo. Poco después Rob Gretton reemplazó a Terry Mason como manager. Sobre el sonido de la banda Bernard Sumner dice: «Joy Division tenía una fórmula pero nunca trabajábamos de forma premeditada. Salía naturalmente. Yo era el ritmo y los acordes, y Hooky la melodía. Solía tocar su bajo a un volumen alto porque me gustaba distorsionar la guitarra y el amplificador que usaba solo funcionaba al máximo volumen. Cuando Hooky tocaba a un volumen bajo, no se escuchaba. Steve tenía su propio estilo, diferente al de otros bateristas. Para mi, el baterista es el reloj de la banda porque es pasivo: el podía seguir el ritmo de la banda, marcando nuestro propio límite. En vivo, nos manejábamos visualmente viendo a Ian bailar». En cuanto a las letras agrega que «todo el mundo dice que nuestras letras son oscuras y pesadas. Con bastante frecuencia me preguntan por qué. La única respuesta que puedo dar es mi respuesta. El lugar donde vivía de chico, donde tengo mis recuerdos más felices, desapareció. Todo lo que queda es una vieja planta química. Me dí cuenta de que nunca iba a poder volver atrás, recuperar esa felicidad. Entonces está este vacío. Para mi Joy Division era acerca de la muerte de mi comunidad y de mi infancia. Era completamente irrecuperable».
Tony Wilson funda el sello discográfico Factory que el 18 de mayo firma un contrato con Joy Division, el cual Wilson rellenó con su propia sangre. El 9 de junio Joy Division tocó junto con otras bandas en la apertura del club The Factory de Tony Wilson. El artista Peter Saville diseñó el póster del evento que fue conocido como FAC 1!! El 27 de diciembre hicieron su primera actuación en Londres, en el Hope And Anchor de Islington frente a alrededor de 30 personas. Este fue, además, el primer concierto por el que cobraron entrada

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1979

El 14 de febrero de 1979 Joy Division toco en la BBC, donde grabaron varios temas para el conocido programa de John Peel -posteriormente sería conocido (y editado) como The 1st Peel Session. Esto les dio bastante publicidad y en marzo de ese mismo año tocaron como teloneros de The Cure en el Marquee de Londres. En abril de 1979 graban Unknown Pleasures, la producción fue de Martin Hannett y el diseño de la portada lo realizó Peter Saville. Ambos continuarían trabajando con Joy Division y, posteriormente, con New Order. El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. americana les ofreció un millón de dólares para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda.
El 31 de agosto de 1979 reunieron a 1200 personas en el Electric Ballroom, Londres. La mayor audiencia que tuvo la banda. El 15 de septiembre aparecieron en la televisión en el programa Something Else de la BBC -antes habían aparecido un par de veces en Granada TV-. Los violentos movimientos del cantante durante Transmission y She's lost Control impresionaron a la audiencia. Pronto llamarían la atención por otras razones. Curtis sufría de epilepsia y con frecuencia tenía convulsiones, espasmos y hasta pérdida del conocimiento. El 26 de noviembre grabaron por segunda vez con John Peel -The 2nd Peel Session-. Una de las canciones era Love will tear us apart que pronto se convirtió en un clásico de la banda y una de las más conocidas canciones «no grabadas» de Inglaterra: hasta el 10 de abril de 1980 en que fue editada como single, solo era posible oírla en los conciertos.
En diciembre iniciaron una breve gira por Europa que se prolongó hasta enero y durante el cual terminó el affaire de Ian con Annick Honore que había empezado un par de meses antes. De esta gira es famoso el concierto en el club Paradiso de Amsterdam. No sólo porque en el tocaron dos sets consecutivos con un total de 17 canciones, sino también por ser otro de los bootlegs más famosos de la banda. En marzo de 1980 la revista Sordide Sentimental editó un disco de siete pulgadas llamado Licht Und Blindheit, del que se editaron 1.578 discos numerados sin silencios entre las canciones. Fue una producción de Martin Hannett que incluía las canciones «Dead Souls» y «Atmosphere», que Joy Division había grabado en octubre del año anterior.

1980
En marzo grabaron el material de su segundo disco, Closer y el sencillo "Love Will Tear Us Apart". El tratamiento médico de Curtis no ayudaba y su condición general parecía agravarse a medida que la agenda de la banda aumentaba. Sus ataques continuaban, incluso en escena. Durante un concierto como teloneros de los Stranglers perdió el control de sí mismo y derribó la batería. Tres días después intentó suicidarse con una sobredosis de fenobarbital. La noche siguiente debió ser reemplazado en el concierto del Derby Hall, Bury. La gente, que esperaba a Curtis, comenzó un verdadero caos donde no faltaron golpes y botellas volando. Curtis vio todo entre bastidores y no pudo dejar de sentirse responsable.
El dos de mayo Joy Division dio su último concierto en Birmingham. Este concierto, la única vez que tocaron Ceremony, aparecería luego en el disco doble Still. Dos semanas después, iban a partir a Estados Unidos para hacer su primer tour en ese país.
En la mañana del domingo 18 de mayo de 1980 Curtis estaba viendo el filme Stroszek, al terminar el filme puso el disco The Idiot, de Iggy Pop y tras escribir una nota a su esposa se ahorcó en la cocina de su casa, con una cuerda de tender la ropa. Dos meses después Love Will Tear Us Apart alcanzó el Top 20 de los charts británicos mientras que Closer llegó al Top 10. Cuando parecía que eso era todo y que la carrera de la banda estaba terminada; Sumner, Hook y Morris formaron New Order. El grupo continuaría el camino de Joy Division, incorporando otros ritmos, ampliando su horizonte de experimentación pero manteniendo siempre su independencia y calidad. No puede negarse la influencia de Curtis en este cambio de dirección. «Ian solía hacernos escuchar los álbumes de Kraftwerk diciendo 'escuchad esto, es algo nuevo, algo fantástico'. Tal vez él sabía y nos estaba mostrando el camino», recordó Sumner en una entrevista de Paul Morley.

Estilo musical

A Joy Division les tomó tiempo desarrollar su propio sonido. Como Warsaw, la banda practicaba una "forma inclasificable de hard rock con toques punk". El crítico Simon Reynolds aseguraba que "la originalidad de Joy Division se ponía de manifiesto cuando las canciones se volvían más lentas". La música del grupo adoptó un tono "desparramado"; según Reynolds "el bajo de Peter Hook llevaba la melodía, la guitarra de Bernard Sumner rellenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Stephen Morris parecía rodear el borde de un cráter". Sumner describió el sonido característico de la banda en 1994: "Salió de forma natural, yo más con el ritmo y Hooky más con la melodía. Él solía tocar fuerte el bajo porque a mi me gustaba el sonido distorsionado de la guitarra, y el amplificador que yo tenía sólo funcionaba con el volumen a tope. Cuando Hooky tocaba suave no podía oírse a sí mismo. Steve tiene su propio estilo de tocar, es diferente a otros baterías". Con el tiempo, Ian Curtis empezó a cantar con voz suave de barítono, a menudo comparable a la de Jim Morrison de The Doors, una de las bandas preferidas de Curtis.
Sumner ejercía como jefe musical no oficial de la banda, como después en New Order. Mientras que Sumner era el guitarrista principal, Curtis sólo tocó la guitarra en unas pocas grabaciones y conciertos. Curtis odiaba tocarla, pero los otros insistían en que lo hiciera. Sumner dijo:"tocaba de una forma estrambótica pero era lo que nos gustaba, porque nadie más que Ian tocaba de aquella manera". Durante la grabación de Closer , Sumner empezó a utilizar sintetizadores hechos por él mismo y Hook usaba un bajo de seis cuerdas para reforzar la melodía.
El productor Martin Hannett se "dedicó a capturar e intensificar el halo tétrico de Joy Division". Hannett creía que el punk rock era sonoramente conservador por su rechazo a utilizar tecnologías de estudio para crear espacio sonoro. El productor se propuso crear un sonido más desarrollado para los discos del grupo. Hannett decía : "(Joy Division) Eran un regalo para un productor, porque no seguían directrices, ni argumentos". Hannett separó y limpió desde su mesa los sonidos de los diferentes instrumentos, incluso las distintas partes de la batería de Morris.

Legado

A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".
El oscuro y tenebroso sonido del grupo, que Martin Hannett describió en 1979 como "música de baile con sobretonos góticos", presagiaba el nombre del género gothic rock. Mientras en la música de finales de los 70 el término "gothic" describía originalmente una "atmósfera opresiva", el término fue pronto aplicado a grupos específicos como Bauhaus que siguieron mal que bien la estela de Joy Division. Generalmente éste tipo de bandas adoptaron "líneas de bajo potentes que tomaban un papel importante en la melodía" y "voces propias de la ópera, teutónicas y profundas al imitar a Jim Morrison ó Ian Curtis".
La evolución musical de Joy Division durante los pocos años que duró la banda, aunque paralela a la de otros grupos contemporáneos (The Fall, Magazine, etc.) es clave para entender lo que sucedería durante los años ochenta. Pasaron del punk al post-punk y, ya en Closer a un proto-tecno que podemos reconocer luego en bandas como Depeche Mode, Human League, y otras. La segunda mitad de "Decades", el último tema de "Closer", entierra definitivamente toda relación con el punk y anticipa el sonido de New Order.
Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors. Bono, el cantante de U2 ha dejado claro que su grupo siente veneración por Joy Division. En su autobiografía de 2006, U2 by U2 cuenta que " sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que el de Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron como la nube más negra que puedas encontrar en el cielo. Percibí esa búsqueda de un Dios, ó luz, ó una razón de ser. Notas que para él la belleza era verdad y la verdad, belleza y lo suyo era buscar ambas". Artistas como Moby ó John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers han declarado su estima por la música de Joy Division y la influencia que ha tenido en su trabajo. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.

AÑOS 80, EL DECLIVE DE LA MUSICA DISCO

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 03 Jan 2012 17:36:00 +0000

La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 1960, y en ese proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.

Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde los djs, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.

A partir de 1975, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1978;"I was made for lovin' you" (KISS, 1979);Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1976); Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think I'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't Stop 'til You Get Enough y Off the Wall (1979). La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del sábado noche (1977), uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó a los Bee Gees, nuevamente, al n.º1 de las listas de éxitos de todo el mundo, con ocho sencillos diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.

La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento antidisco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1980. La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción antidisco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts. No obstante, aún continúa habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller y Billie Jean, 1982); Queen (Body Language, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984) y Gloria Estefan (Conga, 1985).

Del sonido disco al sonido house
La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a tener sobre-costos en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados secuenciadores y cajas de ritmos. De este modo nacen estilos primigenios del Dance como el Hi-NRG y el electro.
Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen

El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans Europa Express. El nombre del estilo fue electro funk.

Serían finalmente productores, como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el house, vinculado a clubs como el Paradise Garage (Nueva York) o el Warehouse, en Chicago.

La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género en la década de los 90.

Tambien puedes ver la entrada: LA MUSICA DISCO EN EUROPA - ITALO DISCO

UN GENERO DE MUSICA ELECTRONICA DE BAILE, EL Hi-NRG (High-Energy)

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 01 Jan 2012 09:37:00 +0000

Hi-NRG (High-Energy) es un género de música electrónica de baile que apareció en Reino Unido directamente influido por la música disco y el pop de finales de los años 1970. El género tiene un tempo rápido (algo poco habitual en el disco) sonidos electrónicos marcados y simplificados con reminiscencias del primer synth rock. Al mismo tiempo, comparte con otros subgéneros de música electrónica de baile la composición con patrones four to the floor y escasas vocales.
El género conoció una moderada popularidad mainstream en Europa, a pesar de ser un emblema de las comunidades LGBT británicas y estadounidenses durante los años 1983-85. Hacia finales de los años 1980, el hi-NRG (junto con el funk) también sirvió de base para la explisión de la música house (especialmente en sus formas diva y acid).

En 1977, Donna Summer fue entrevistada en relación a su sencillo "I Feel Love", un tema mayoritariamente electrónico que tenía un tiempo bastante más acelerado que el habitual para una canción de música disco y un reconocible componente funk. En la entrevista, respondío que "esta canción se convirtió en un hit porque tiene una vibración high-energy". A partir de esta entrevista, la descripción "high-energy" [en inglés, "alta energía") comenzó a aplicarse cada vez más a un tipo de música disco de tempo rápido, especialmente a las canciones dominadas por timbres electrónicos. El umbral del tempo para un tema de high-energy disco estaba entre 130 y 140 BPM. En los años 1980, el término "high-energy" quedó estilizado en la abreviatura "Hi-NRG" (que en inglés se pronuncia fonéticamente el original). Artistas de eurobeat, dance-pop y freestyle como Shannon, Stock Aitken Waterman, Taylor Dayne, Freeez o Michael Sembello también fueron catalogados como "Hi-NRG" cuando publicaban en Estados Unidos.

En los ochentas "Hi-NRG" hacía referencia no solo a música de baile de tempo rápido, sino también a un género específico. El Hi-NRG se caracteriza por un sonido de sintetizador energético, staccato, con líneas de bajo por octavas,4 o bajos que en ocasiones toma el lugar del hi-hat, alternando una nota resonante con otra atenuada para remarcar el tempo del disco. También suele utilizarse de modo frecuente el sonido del clap habitual en una caja de ritmos.

Ian Levine, DJ y productor pionero del Hi-NRG en el Reino Unido, definía el Hi-NRG como "música de baile melódica y directa que no es demasiado funky."

Entre 1979 y 1987, un tipo de música disco de tempo rápido no encuadrada en ningún género musical fue especialmente popular entre las comunidades LGBT de ciudades costeras de Estados Unidos como Nueva York y San Francisco. En particular, el productor y DJ Patrick Cowley ayudó a popularizar este tipo de música en el club The EndUp en San Francisco. Ejemplos de grupos del primer hi-energy disco de los 1980 incluyen a Claudja Barry, Miquel Brown, Amanda Lear, France Joli, Sylvester James, Divine y The Weather Girls.
Durante el mismo período, una forma de Hi-NRG se hizo popular en Canadá y Europa. Los grupos más populares del estilo eran Trans-X y Lime. Este género estaba muy relacionado con el space disco. Entre sus exponentes estaban Koto, Laser dance y Cerrone. El sonido Hi-NRG también influenció al techno y el house.

En 1983, la revista musical británica Record Mirror comenzó a publicar una lista de Hi-NRG semanal. El Hi-NRG entró en el mainstream con varios hits que entraron en las listas de éxitos de pop y música de baile de Reino Unido y Estados Unidos, entre los que figuran "Searchin' (I Gotta Find a Man)" de Hazell Dean y "High Energy" de Evelyn Thomas. Hacia mediados de los años 1980, los productores de Hi-NRG cuyos éxitos llegaban a las listas de éxitos incluían a Ian Levine y el trío Stock Aitken Waterman, trabajando ambos con multitud de artistas. Stock Aitken Waterman logró dos de los sencillos de más éxito del género con sus producciones "You Spin Me Round (Like a Record)" para el grupo Dead or Alive y "Venus" de Bananarama. También lograron completar el círculo del género, por así decirlo, al componer y producir el tema de Donna Summer de 1989 "This Time I Know It's For Real".

La revista musical estadounidense Dance Music Report publicó charts de Hi-NRG y noticias de esta industria musical desde mediados hasta finales de los 1980, cuando el género comenzó su decaída. En 1990, la música house y el eurodance habían superado al Hi-NRG en popularidad en la mayor parte de las discotecas. A pesar de esto, el Hi-NRG no ha dejado de producirse desde entonces en diferentes formatos, incluyendo nuevas versiones remezcladas de éxitos del pop. Hacia finales de los 1990, nació el Nu-NRG. Se trata de una fusión entre el Hi-NRG y el trance.

U2, UNA DE LAS MEJORES BANDAS DEL MUNDO

noreply@blogger.com (joselomy) — Fri, 30 Dec 2011 08:45:00 +0000

U2 es una banda de rock originaria de Dublín, Irlanda. Formada en 1976, U2 es una de las bandas más populares del mundo desde mediados de la década de 1980. Ha vendido más de 195 millones de discos alrededor del mundo, tiene seis álbumes que han llegado al número 1 en la lista de éxitos en los Estados Unidos y otros nueve en el Reino Unido. U2 es uno de los grupos con mayor éxito de todos los tiempos. Han sido galardonados con 22 premios Grammy, la cifra más alta para una banda o artista de rock.

La banda se formó cuando Bono (vocalista y guitarrista), The Edge (guitarrista, teclado y vocalista) y Adam Clayton (bajo) respondieron a un anuncio puesto por Larry Mullen Jr. (batería y percusión). En aquel momento, los miembros de la banda eran adolescentes con un limitado conocimiento musical. A mediados de los años 80, sin embargo, ya habían lanzado cuatro discos y tenían repercusión internacional, debido en gran parte a sus grandes giras y como consecuencia del sonido particular basado en la guitarra de The Edge y en la voz apasionada y las letras introspectivas de Bono. Alcanzaron altas cotas de popularidad con el lanzamiento en 1987 de su álbum The Joshua Tree. A comienzos de la década de 1990, respondieron a la revolución de la música alternativa y dance con el exitoso Achtung Baby y el más novedoso Zoo TV Tour, que acarreó críticas a su imagen, así como opiniones especializadas que sugerían cierto estancamiento musical.

Las mejores canciones de U2 son: With or Without You, Out of Control, I Will Follow, One Tree Hill, Bad, All I Want is You, Sunday Bloody Sunday, New Year's Day, Where The Streets Have no Name, I Still Haven't Found What I'm Looking For, Desire, Even Better Than The Real Thing, Ultraviolet (Light my Way), The Fly, Mysterious Ways, Until The End of The World, Numb, Zooropa, Stay (Faraway, so Close!), Miss Sarajevo ("Passengers"), Pride (In The Name of Love), Elevation, One, Beautiful Day, Vertigo, Sometimes You Can't Make it on Your Own, Sweetest Thing, City of Blinding Lights, Stuck in a Moment You Can't Get Out of, Magnificent, Moment of Surrender, Discotheque, Walk On, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me.

Desde Dublín (Irlanda) la última gran banda de pop-rock, encabezada por Bono (cantante), y con The Edge (guitarra), Adam Clayton (Bajo) y Larry Mullen Jr. (batería). Ellos han creado algunos de los mejores discos de todos los tiempos: The Joshua Tree, y Achtung baby

Se creia que el nombre de la banda se debia al avión de combate U2. sin embargo años más tarde Bono declaro que fue un nombre provisional que se dió cuando en medio de un concierto Dick Evans abandono la banda sin motivo alguno y decidieron cambiar de nombre hasta encontrar uno mejor, pero su gran creciente fama hizo que lo mantuvieran. También se debe al juego de palabras en ingles ya que se pronuncia igual que "you too" (tu también)

Formación, Boy y October (1976–1982)

El joven Larry Mullen Jr. puso un anuncio en un tablón de su colegio, el Mount Temple Comprehensive School, buscando gente para formar un grupo. En principio hizo que pasaran los bateristas. Dave Evans ("The Edge") fue el tercero y el último en ingresar, ya que Larry quedó convencido de que no conseguiría algo mejor. También acudió al anuncio el hermano de Dave, Dick Evans, aunque abandonaría la banda antes de la grabación del primer disco, fundando posteriormente la banda "The Virgin Prunes". Luego fue el turno de los bajistas, dónde Adam Clayton se ganó el puesto no sólo por un contundente talento, sino también por su experiencia en otras bandas anteriores. Por último, Larry quería una segunda guitarra y voz, y ahí llegó el turno de Paul Hewson. Paul comenzó tocando la guitarra, y lo hizo mal. Entonces, Larry pidió que cantara, y lo hizo peor. Entonces, Larry siempre acusó a su olfato de lo que en ese momento parecía una locura: "Un cantante debe tener personalidad, y él la tenía", dijo Larry años más tarde.

La banda sólo tenía la batería, la guitarra eléctrica de Edge y la guitarra acústica de su hermano, ambas sin amplificadores, y el bajo de Adam, con un amplificador bastante viejo. Comenzaron tocando temas de los Beatles, de los Rolling Stones, etc. Paul se cambió el nombre a Bono Vox, en honor a una marca de audífonos de Dublin, que en latín quiere decir "Buena Voz". Dave adoptó también un nombre artístico, llamándose The Edge, y Larry agregó el "JR" a su nombre, ya que poseía el mismo nombre de su padre.

U2 dio su primer gran golpe en 1978, cuando ganaron un concurso patrocinado por Paul McGuinness en su último año de instituto. Para finales de año, el mánager de The Stranglers, Paul McGuinness, les vio actuar y les ofreció un contrato. Incluso con eso la banda tuvo problemas para seguir adelante, porque la CBS no les contrató finalmente. En otoño de 1979, U2 lanzó su sencillo de debut, "U2 Three", lanzaron 1500 ejemplares sólo para Irlanda, donde encabezó las listas. Después empezaron a actuar en Inglaterra, pero no lograron gran éxito.

U2 tenía otro sencillo, "Another Day" y en 1980 Island Records les hizo un contrato. A finales de año sacaron su álbum de debut, Boy, producido por Steve Lillywhite. "Boy" triunfó por su dinámica proveniente del Post Punk, combinándola con un sonido de absoluta vanguardia, especialmente en su peculiar sonido de guitarra. Sin duda, eran prometedores, y sus letras cargaban firmes mensajes políticos, por las permanentes situaciones adversas en Irlanda. La canción más importante de este disco fue "I Will Follow", aún hoy tocada en vivo en sus recitales, pero también fueron importantes canciones como "Another Time, Another Place" y "Stories For Boys". Gracias a los continuos recitales, entre los que se incluían abrir las actuaciones de Talking Heads y una pequeña gira denominada Boy Tour, U2 pudo llevar a Boy al 70 de las listas americanas a principios de 1981. Con la producción de Lillywhite lanzaron October, álbum. Fue muy poco exitoso y la banda lo sufrió mucho, ya que los sorprendió una mala respuesta popular justo cuando alcanzaban la escena musical importante. Pero manteniendo una dinámica de disco tras disco, se tenían algo entre manos.

War, Under a Blood Red Sky y The Unforgettable Fire (1983-1985)

Lillywhite continuó en la producción de discos de la banda con el álbum War, realizado en la primavera de 1983.

Este álbum tenía más mensaje político que los álbumes anteriores y en él se incluyeron dos de las canciones más famosas del cuarteto; "Sunday Bloody Sunday" y "New Year's Day", la beligerante declaración de paz de U2, cumple 28 años sin perder actualidad. Con estos temas alcanzaron la cima en varios Rankings y War despertó la curiosidad de quienes buscaban un sonido nuevo y letras que realmente despertaran los sentimientos de los jóvenes Irlandeses.

Durante el War Tour lanzaron el disco y el video titulado Under a Blood Red Sky, grabado en Red Rocks Colorado, con lo que U2 ya empezaba a revolucionar la manera de presentar un concierto en vivo. El álbum entró en las listas en el número 2 y se convirtió en el directo de mayor éxito de las Islas británicas.

Durante este período en el que U2 ya empezaba a ganarse al público británico, estos recibieron una importante invitación de Juan Pablo II. Era conocido que U2 cargaba algunas de sus canciones con mensajes religiosos, pero realmente era contradictoria la invitación. Después de un largo debate decidieron aceptar, pero pidieron que no hubiera camarógrafos ni paparazzi, querían una charla íntima con el Papa. Respondieron que sin cámaras ni filmadoras no había gracia, que era lo mismo que no fueran. "Hagan lo que quieran, pero sin nosotros", respondió Bono.

Después de War, U2 volvió a los estudios con Brian Eno y Daniel Lanois como productores, quienes le dieron un toque experimental. Lanzado en otoño de 1984, The Unforgettable Fire volvió a conseguir el éxito obtenido con War. Fue uno de los discos más revolucionarios de la banda, adoptando un estilo absolutamente distinto al de sus inicios, cargando a sus canciones de fracciones melódicas, y explotando más que nunca la creatividad de su guitarra. Inclusive, fue uno de los períodos más creativos de Adam, el bajista. Entró en el número 1 de las listas británicas y en el 12 de las americanas. El álbum supuso ingresar en el top 40 de las listas americanas con la canción de homenaje a Martin Luther King "Pride (In the Name of Love)". U2 salió de gira para promocionar el disco, titulado Unforgettable Fire Tour; dentro de los conciertos de ese tour destacó una actuación memorable en el Live Aid, donde ya tenían el mundo a su alcance. Después de la gira, lanzaron el mini-LP en directo Wide Awake in America en 1985.

The Joshua Tree y Rattle and Hum (1986–1989)

Placa en el lugar donde se tomó la fotografía de la carátula de The Joshua Tree, referenciando a la canción "I Still Haven't Found What I'm Looking For".

Mientras que U2 se había convertido en una de las bandas de rock más exitosas de la década de 1980, todavía no habían logrado el estrellato, hasta que en primavera de 1987 lanzaron The Joshua Tree. Aclamado con buenas críticas, muchos lo calificaron de obra maestra. Este disco se convirtió en su primer número uno en Estados Unidos7 y su tercer álbum en alcanzar el número uno en el Reino Unido. Con sus números uno en Norteamérica, "With or Without You" y "I Still Haven't Found What I'm Looking For", The Joshua Tree y el tour que le precedió (The Joshua Tree Tour) le fueron merecedores de portadas en revistas tan prestigiosas como Time. El álbum también incluía el mítico sencillo "Where the Streets Have No Name".

U2 decidió filmar un documental sobre su gira estadounidense, grabando además nuevo material en el camino. El proyecto se llamó Rattle and Hum, que fue respaldado por un doble disco en el que había canciones en vivo junto con material nuevo. Mientras que con el álbum Rattle and Hum lograban ser un éxito, tanto el documental como la película recibían pobres críticas en las que se reseñaba la fascinación del grupo por la música de raíces americanas como el blues, el soul, el country y el folk. Después de realizar una de sus mejores giras, el Lovetown Tour, el grupo se tomó un descanso.

EL PUNK EN ESPAÑA DURANTE LOS 80

noreply@blogger.com (joselomy) — Thu, 29 Dec 2011 07:48:00 +0000

El punk en España surgió a finales de la década de los setenta, impulsado por el auge del movimiento punk en el mundo anglosajón y poco después de la muerte del dictador Francisco Franco, cuando se había iniciado ya la la Transición hacia una democracia parlamentaria. Sin embargo, a diferencia de lo ocurrido en el Reino Unido, donde emergió con enorme fuerza en pocos meses a partir de 1977, en España, como en el resto de Europa, se desarrolló más lentamente y en años inmediatamente posteriores.

La capacidad transgresora del movimiento punk llegó España a finales de los setenta, como eco del apogeo que entonces tenía la primera oleada del punk, americano y especialmente británico, aunque su repercusión fue más gradual y comenzó en un círculo reducido de artistas relacionados con la literatura, la pintura o la historieta, a veces ajenos a los ambientes musicales y alejados de los grandes medios de comunicación. Éstos, por su parte, estaban alarmados por los titulares que llegaban del Reino Unido acerca de los aspectos extramusicales del punk.
Aunque los primeros grupos propiamente punk comenzaron a aparecer a principios de los 80, existe un pequeño puñado de pioneros que diferentes autores reclaman como los primeros punks en España. Entre estos pioneros se encuentran Mortimer, Basura, Peligro, Almen TNT (Barcelona) y Ramoncín y W.C. (Madrid), que editaron sus primeros discos en 1978; pero sobre todo La Banda Trapera del Río y Kaka de Luxe son los más reconocidos como los primeros punks del país. Los orígenes de ambos conjuntos son bien diferentes. Mientras los primeros se formaron en un barrio obrero de Cornellá de Llobregat (Barcelona), los segundos eran estudiantes de clase media de Madrid (aunque ambos se movían en ambientes callejeros). Mientras que la Trapera se encontró con el punk sin comerlo ni beberlo, los miembros de Kaka de Luxe estaban más versados en las novedades discográficas, sobre todo de las provenientes del Reino Unido.

Surgen así dos de las «vertientes» en las que se ha clasificado el punk hecho en España: punk politizado, solidario con la realidad sociopolítica del entorno y punk no potilizado, más frívolo, buscando la diversión y la provocación más que la confrontación.

Entre 1978 y 1979 aparecieron las consideradas primeras grabaciones punk españolas, no exentas de polémica, como el primer LP La Banda Trapera del Río (Belter, 1979) y el primer single de la Banda Trapera, «La regla», el primer EP de Kaka de Luxe, «No seas lesbiana mi amor» de Basura y «Ya nadie cree en la revolución» de Almen TNT.14 Ninguno de estos discos tuvo apenas repercusión comercial. El honor de haber publicado en primer lugar recae, en todo caso, en los mencionados Ramoncín y W.C., que a comienzos de 1978 sacaron su primer single, «Rock and roll duduá», seguido por su primer LP, Ramoncín y W.C.? (EMI).

A los problemas con las ventas se unía la reticencia de las discográficas establecidas a publicar un material semejante, tal y como ocurriera anteriormente en el Reino Unido, donde muchos grupos tuvieron al principio que editar en sellos independientes. La negativa de las discográficas se debía tanto a los contenidos como a la desconfianza que inspiraban en los artistas estrella de las compañías, que en caso de proceder del rock se identificaban más bien con la escena underground —conocida como "el Rollo" o "el rollo enmascarado"— que miraba al punk con hostilidad o desprecio. En pocos casos se avinieron a colaborar musicalmente con los recién llegados, aunque fue precisamente un popular locutor de la escena rock española, Mariscal Romero, quien finalmente produciría la primera grabación de Kaka de Luxe en 1978:

«El punk estallaba en el Reino Unido, y los niños de papá ricos hispanos, como Kaka de Luxe, jugaban a hacer música. Lo que grabaron era demasiado: había una cuantas canciones muy fuertes que lo hacían impublicable. Pero eran tan divertidos como malos tocando. Alaska sólo tenía 14 años cuando grabó, y su guitarra abultaba tanto como su exuberante culo; El Zurdo cantaba como Tarzán llamando a sus elefantes»

Mariscal Romero, 1978

El movimiento musical que acaparó más la atención mediática fue el denominado como la Movida. La mayoría de los grupos representantes de ésta eran representantes de la derivación más suave y comercial del punk, conocida como «nueva ola». No obstante, entre las diferentes tendencias agrupadas bajo el heterogéneo rótulo de «La Movida» (pop, pop-rock, tecno-pop, la llamada «onda siniestra», etcétera), el punk tuvo su parte esencial y fundadora del movimiento.

Hacia 1980-1981, algunos de los grupos más representativos fueron Alaska y los Pegamoides, Paraíso (ambos surgidos de la disolución de Kaka de Luxe y con una orientación más pop que el legendario grupo seminal), La UVI o Los Nikis. Estos últimos tuvieron un gran éxito en la escena madrileña con un punk acelerado que bebía de The Ramones y que fue desarrollado por varios grupos en las siguientes décadas. De hecho, Los Nikis fueron conocidos como «los Ramones de Algete». La UVI fueron el grupo punk por antonomasia de los primeros ochenta en el Madrid de la Movida, con unas raíces de punk americano y sonido Detroit. Influyeron mucho en bandas punk posteriores de todo el Estado y fueron seminales al inspirar otros proyectos posteriores como Commando 9 mm, etc. Grabaron para Spansuls y Subterfuge. Otro grupo importante en la onda de punk «ramoniano» fueron Zoquillos, que en 1983 editaron un único sencillo (Zoquillos, Spansuls) cuya canción «Nancy» se convirtió en un éxito muy popular por entonces. Parálisis Permanente, por su parte, eran al comienzo un grupo paralelo a Alaska y los Pegamoides, en la que dos de los Pegamoides daban rienda suelta a sus gustos más radicales y siniestros (Killing Joke y el punk inglés del momento), que no tenían cabida en el grupo principal, que perseguía un sonido pop comercial a pesar de mantener la estética punk. Poco a poco fueron llegando otros grupos no sólo de estética sino de música y actitudes claramente punk, como Espasmódicos, Larsen —cuyo «Frontera Francesa» acabaría teniendo repercusión gracias a su entrada en radiofórmulas—, o La Broma de Ssatán, que se movieron en los márgenes de la movida.

Durante los primeros ochenta surgieron en el País Vasco y Navarra una oleada de grupos que tomaron la rabia del punk y la amoldaron a la situación socio-política que en aquellos momentos se vivía en el País Vasco y las zonas vasco-navarras.

Surgieron una gran cantidad de grupos como La Polla Records, Cicatriz, Hertzainak, Zarama, Barricada o Kortatu que se enmarcaron en lo que vino a llamarse el Rock Radical Vasco. Asimismo, otros grupos como Eskorbuto o M.C.D. decidieron no mostrarse afines a esta corriente, como símbolo de su independencia musical e ideológica. Dentro de esta escena existió cierta variedad estilística, encontrando desde ska (Kortatu fueron pioneros en introducir el ska en el País Vasco ) hasta rock duro (caso de Barricada) o hardcore punk (BAP!!).
Los orígenes de la escena punk vasca remontan, como en las otras escenas importantes, a finales de los años 1970, aunque apenas se dio a conocer. Puede decirse que lo más próximo al punk que llegó a tener repercusión fue el grupo musical-teatral Orquesta Mondragón, en sus inicios próximo al estilo provocador de los americanos The Tubes. La Mondragón intervino, en efecto, en numerosos festivales punk, y se recuerda una batalla de lanzamiento de sillas entre público y grupo en un concierto en Barcelona a comienzos de 1979. Grupos propiamente punk activos hacia 1980 fueron Asco, los No, Negativo, Doble Cero, etc., algunos de los cuales, en el mejor de los casos, llegaron a participar en recopilatorios. Significativo es el caso de La Banda Sin Futuro que, transformados en Derribos Arias, se mudaron a Madrid, como también hizo Kike Turmix, que se convirtió en un célebre personaje de La Movida.

Sin duda, los más tenaces de estos pioneros fueron Zarama (nombre que significa «basura»), que publicaron ya en 1980, en el recopilatorio Euskal 80. Posiblemente su primer single, «Nahiko», de primavera de 1982 (Discos Suicidas), se puede considerar el primer disco punk vasco. Cosa de un año después, en primavera de 1983, llegaron los primeros EP de los bilbaínos Eskorbuto, Mi degeneración (Spansuls), y La Polla Records, Y ahora qué? (Soñua).

Otros dos importantes acontecimientos tuvieron lugar en la misma primavera: en primer lugar, el festival punk de Oñate, celebrado el 16 de abril de 1983, en el que participaban los grupos Odio, Basura, Cirrosis, Desorden, RIP (ex Doble Cero), Vulpes, Cicatriz en la Matriz (futuros Cicatriz y aún con cantante femenina) y los catalanes Último Resorte. El festival, organizado por el fanzine Destruye!!, fue un gran éxito de público, significativo del modo como el punk estaba calando en la juventud vasca, azotada por la situación socio-política mencionada arriba. El otro acontecimiento fue la retransmisión de la actuación de las Vulpes en el programa de TVE Caja de ritmos el 23 de abril, con el consiguiente «escándalo» por la letra de la canción «Me gusta ser una zorra», publicada como single poco después (en el sello independiente madrileño Dos Rombos). La actuación de Las Vulpes fue tan impactante para la sociedad española que hizo que los medios de comunicación generalistas volviesen la mirada hacia el País Vasco.

En 1984, numerosas publicaciones en forma de LP llegaron, comenzando por el LP Salve de La Polla Records, que tendría un enorme éxito, a diferencia del maxisingle compartido de Eskorbuto y RIP, Zona Especial Norte, publicado más o menos a la vez. En el mismo año publicaron sus primeros LP's los grupos Hertzainak y Zarama, no estrictamente clasificables como punk. Entre tanto, la etiqueta de rock radical vasco (a menudo escrito con 'k') comenzaba a divulgarse, habiendo sido lanzada en 1983. La etiqueta iba a servir para lanzar como un fenómeno mediático a grupos de origen vasco de tendencias más o menos afines a las de la izquierda abertzale, y no exclusivamente punk. La etiqueta quedó definitivamente fijada en las giras «Martxa eta borroka» («marcha y lucha») de 1985, en las que jugó un papel activo el diario Egin.28 La injerencia evidente de intereses políticos fue lo que ocasionó el distanciamiento público respecto del RRV por parte de grupos como Eskorbuto o M.C.D., como ya se dijo arriba. Pero fueron muchos más los grupos que se beneficiaron del éxito del fenómeno.
Fue en este contexto en el que se dieron a conocer los jóvenes Kortatu, el grupo más exitoso del RRV junto a La Polla Records. También tuvieron considerable éxito Hertzainak (rock con influencias de The Clash), Barricada (rock duro) y Cicatriz, así como, a pesar de desvincularse públicamente, Eskorbuto. De 1985 en adelante, la escena vasca dominó completamente el panorama punk nacional, desde el punto de vista de la repercusión mediática y aceptación popular.

Especialmente importante fue la escena punk barcelonesa. Tras la etapa de los pioneros citados arriba, La Banda Trapera del Río, Basura, etc., las discográficas se desinteresaron y no hubo nuevas publicaciones hasta 1982. En la etapa intermedia, tuvieron un papel especialmente destacado Último Resorte junto a, en menor medida, Masturbadores Mongólicos, Xerox, Clinic Humanoyds, Frenopaticss, Attak y otros.

A mediados de los años 80, la escena barcelonesa estaba más centrada en el hardcore punk que otros lugares del estado. Aparecieron bandas como Anti/Dogmatikss, GRB, L'Odi Social, Shit S.A., Subterranean Kids o Monstruación, que, partiendo del ideario anarcopunk y hardcore optaron por la autogestión a todos los niveles (publicaciones, organización de conciertos, etc.). Así, por ejemplo, es significativo que la ocupación de una casa abandonada en octubre de 1984 por el Colectivo Squat de Barcelona fuese la primera en su género en el país (el término «okupa» se introdujo años más tarde: inicialmente, se hablaba de «squatters» o «crackers»).

En Valencia, donde dominaba el sonido tecno-pop de grupos como Glamour, después de algunos proyectos más o menos punk de breve vida y pobre repercusión como La Morgue o Garage, aparecieron Interterror, conocidos como «los chicos del Lili Marleen», que tuvieron bastante éxito en 1983 gracias a su single «Adiós Lili Marleen», una versión libre de la canción «Lili Marleen». En 1985 publicaron póstumamente su álbum Interterror. El éxito de «Adiós Lili Marleen» puso a algunos grupos de Valencia (como Los Scooters, La Resistencia o Los Auténticos) en la mirada de los responsables de la movida en Madrid.
Otro grupo valenciano, Seguridad Social, a pesar de publicar desde 1982, tardó en hacerse conocer, cosa que consiguió, tras importantes cambios de estilo, a finales de la década. La escena valenciana gozaba, por lo demás, de la actividad de una de las radios libres pioneras del país, Ràdio Klara y Radio Libertaria. Junto a los pioneros Interterror, hay que destacar a otros grupos como Kk For You, La Morgue, Sade, Las Terribles, Se Vende, Los Garfios, Vamps, Generación 77, Nuevo Ejército de Salvación (NES), Éxtasis, Alcohólicos Crónicos y los primeros Nocivo.

En la seccion de descargas teneis los enlaces al documental sobre el punk en España:

No Acepto!!! 1980-1990: diez años de hardcore, punk, ira y caos (Música Autónoma/Producciones Zambombo, 2007). Documental de 4 horas y media sobre la explosión del punk en España durante los años 80.

LA MUSICA DISCO EN EUROPA '' ITALO - DISCO ''

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 27 Dec 2011 10:35:00 +0000

Italo disco es un término que refiere a varios tipos de música disco, pop, dance y otras de origen europeo que fueron desarrollados durante la década de 1980 en Italia y otras partes de Europa. Es una de las primeras formas de música de baile completamente electrónica de la historia. La música Italo disco tiene un sonido distintivo y futurista que se creó con sintetizadores, cajas de ritmos, y vocoderes. Durante los años 80, el término "Italo-disco" se usó en Europa para describir todos las producciones de música dance que no fueran de los EE. UU. y del Reino Unido, donde este ritmo fue prácticamente desconocido.

El término "italo disco" se originó a partir de la serie Italo Boot Mix, un megamix formado por música disco de procedencia italiana y alemana, de Bernhard Mikulski, fundador del sello alemán ZYX Music. Antes de 1983, la música era simplemente considerada dance o disco hecho en Europa y sin haberse desarrollado su característico estilo todavía.
Los presentadores del programa musical italiano Discoring (producido por RAI) llamaban a los temas de italo disco "rock elettronico" (rock electrónico) o "balli da discoteca" (disco dance) antes que el término "italo disco" llegara a existir.

La entrada de los sintetizadores y otros efectos electrónicos en la música disco produjo como resultado la música electrónica bailable, con estilos como el Hi-NRG en Estados Unidos y el space disco en Europa. La sensación generalizada entre los bailarines y oyentes era la de estar ante un sonido completamente nuevo, tanto por la sonoridad de la nueva tecnología musical como por los efectos de la iluminación de las discotecas de la época. El italo disco estaba fuertemente influenciado por la obra de varios productores como el italiano Giorgio Moroder, el músico francés Didier Marouani, varios éxitos del baterista francés Cerrone, el sonido electropop (Kraftwerk, Telex, Devo y Gary Numan) y los primeros álbumes de Hi-NRG del productor de San Francisco Patrick Cowley con cantantes como Sylvester James y Paul Parker.

Hacia 1980, el italo estaba totalmente desarrollado en Italia y otras partes de Europa. Las canciones eran en ocasiones totalmente electrónicas, utilizándose para su composición cajas de ritmos, melodías pegadizas, vocoders, letras de amor cantadas en inglés con fuerte acento extranjero y, ocasionalmente, letras sin sentido alguno (debido al pobre conocimiento de inglés de los cantantes). Para una audiencia que predominantemente no hablaba inglés, la voz era considerada como un instrumento adicional, concediéndose de poca importancia su mensaje. Junto con el amor, otras temáticas habituales del italo disco son los robots y el espacio exterior, combinándose en ocasiones los tres temas, como en las canciones "Robot Is Systematic" (1982) de 'Lectric Workers o "Spacer Woman" (1983) de Charlie. El italo disco sonaba ampliamente en emisoras de radio y en las discotecas europeas, pero en el mundo anglosajón, era un fenómeno underground.
1983 está considerado como el cénit del italo, cuando una multitud de singles alcanzaron posiciones de hit y surgieron un buen número de sellos. Entre estos se destacan American Disco, Crash, Merak, Sensation and X-Energy. El sello Disco Magic publicó más de treinta singles en un año. También fue el año en que el término fue, supuestamente, acuñado por Bernhard Mikulski, fundador de ZYX Music (Alemania), cuando ZYX publicó el primer volumen de su serie The Best of Italo Disco.

Estilos derviados: 1982–1989
En la segunda mitad de los años 1980 el italo decayó, siendo reemplazado por el italo NRG o italo house, que combinaba italo a gran velocidad con elementos de house.
En Canadá, especialmente en Quebec, surgieron varios grupos significativos como Trans X ("Living on Video"), Lime ("Angel Eyes"), Pluton & the Humanoids ("World Invaders"), Purple Flash Orchestra ("We Can Make It") o Tapps ("Forbidden Lover"). A estas producciones se les llamó "canadian disco" durante 1980-1984 en Europa y Hi-NRG disco en Estados Unidos.
En Alemania, donde el término "italo disco" fue acuñado originalmente y comercializado por ZYX Records en 1983, surgieron otros nombres para describir el género como euro disco o discofox. Las producciones alemanas también eran cantadas exclusivamente en inglés y se caracterizaban por su énfasis en la melodía, una exagerada sobreproducción y un acercamiento más serio a la temática de amor. Son ejemplos los trabajos de Fancy, Bad Boys Blue, Joy, Lian Ross, C.C. Catch y otros.
Desde mediados de los 1980 se desarrolló el spacesynth, como subgénero. Este estilo es un cruce entre el italo disco y el space disco y es normalmente instrumental, centrado en los sonidos espaciales. Son características las producciones de Koto, Proxyon, Rofo, Cyber People, Hipnosis y Laserdance.

Lista no exahustiva de artistas de italo disco originales

Alan Ross
Albert One
Argentina
Brian Paris
Baby's Gang
Baltimora
Belouis Some
Bizzy & Co
Brian Ice
Carrara
Cruisin' Gang
David Lyme
Den Harrow
Duke Lake
Eddy Huntington

Freddy Ventura
Fun Fun
Gary Low
Gazebo
Joe Yellow
Ken Laszlo
Lee Marrow
Linda Jo Rizzo
Max-Him
Michael Belford
Miko Mission
Mikron
My Mine
P. Lion
Radiorama

Ross
Roy
Sabrina Salerno
Sandy Marton
Savage
Scotch
Silver Pozzoli
Styloo
Swan
Taffy
Tom Hooker
Topo & Roby
Tracy Spencer
Valerie Dore
Via Verdi

ROCK ALTERNATIVO

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 27 Dec 2011 08:22:00 +0000

El término rock alternativo hace referencia a un conjunto de géneros de rock que nacieron en los años 60 y alcanzaron sus mayores cotas de popularidad a finales de los años 80, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de ellos desde entonces. Estos términos se acuñaron para describir la música de los grupos que grababan sus discos en discográficas independientes y que no se ajustaban a la música mainstream de la época. Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente, cabe destacar el grunge, el indie o el britpop, entre muchos otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él.

Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como R.E.M. o The Cure, supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la música comercial. En los 90 debido al éxito en todo el mundo de corrientes musicales como el grunge y el britpop, varios grupos etiquetados bajo esta denominación llegaron a obtener un éxito masivo.

El rock alternativo se ha definido desde sus inicios por su rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en discográficas independientes y eran conocidos por sus seguidores a través del boca a boca. El rock alternativo no es un estilo musical como tal, sino una denominación muy amplia que abarca desde las guitarras distorsionadas y las letras depresivas del grunge, hasta la inocencia desaliñada del twee pop, pasando por el pop revivalista del britpop, las melodías etéreas del dream pop o la experimentación del post rock.

Aunque la mayoría de los artistas alternativos de los 80 no consiguieron grandes ventas de sus discos, ejercieron una considerable influencia en los músicos que crecieron en esta década y pusieron la base para su posterior éxito masivo. El éxito comercial del álbum Violator de Depeche Mode, editado en 1990, llevó a muchos grupos de rock alternativo a introducirse en el mainstream, cosechando grandes ventas a la vez que buenas críticas por parte de la prensa especializada. Sin embargo, muchos de estos artistas rechazaban el éxito por contradecir la ética do it yourself y la idea de autenticidad artística en la que siempre habían creído antes de obtener la popularidad.

Rock alternativo en el Reino Unido

El rock gótico nació como una rama del post-punk británico en los últimos 70 y la mayoría de los primeros grupos góticos como Bauhaus, Siouxsie and the Banshees y The Cure fueron etiquetadas dentro de estas dos corrientes. El rock gótico se desarrolló como tal a principios de los 80 con la apertura del club Batcave y el comienzo de la subcultura gótica. A mediados de década, grupos góticos como Sisters of Mercy, The Mission o Fields of Nephilim fueron alcanzaron las listas de éxitos del Reino Unido, mientras grupos pioneros como Siouxsie and the Banshees y The Cure renovaron y ampliaron su sonido y alcanzaron el éxito internacional a finales de los 80.

El indie rock y el indie pop británico nacieron con el sonido los grupos de post-punk escoceses como Orange Juice y Aztec Camera y otros que grabaron en Postcard Records a principios de los 80. El grupo más influyente y popular que surgió inspirado en este sonido fueron los mancunianos The Smiths, quienes lograron grandes ventas mientras infuían a toda una generación de grupos desde el sello Rough Trade Records. Su utilización de la guitarra eléctrica en una época dominada por los sintetizadores, es visto como el final de la New wave en el Reino Unido, logrando convertirse también en un grupo de culto en muchos otros países. Tras la disolución de los Smiths en 1987, su cantante Morrissey inició su carrera en solitario tan influyente como la desarrollada con su antiguo grupo, al mismo tiempo que otros grupos como The Housemartins, James y The Wedding Present incidieron en el mismo estilo que los Smiths. Una canción de The Wedding Present fue incluida en el célebre casete C86 que publicó el New Musical Express. Esta cinta dio nombre al movimiento musical del mismo nombre y se convirtió en la principal influencia en el desarrollo de la escena alternativa británica en general y del indie pop en particular. Otros grupos que aparecían en el mismo cassette fueron The Pastels, Primal Scream y Soup Dragons, bandas estas dos últimas que cambiarían su sonido utilizando elementos de música electrónica pocos años más tarde.

En el Reino Unido también surgieron otras formas de rock alternativo durante los 80, como el que practicaban New Order, grupo que surgió de las cenizas de Joy Division tras el suicidio de su líder Ian Curtis y que experimentaba con influencias de la música electrónica y del house integrándolas en canciones indie. Asimismo, el estilo de The Jesus and Mary Chain, que se basaba en melodías pop envueltas en muros de guitarras ruidosas, junto al dream pop de grupos como Cocteau Twins y el space rock de Spacemen 3 fueron las principales influencias de la corriente shoegazing nacida a finales de la década. Este movimiento fue bautizado de esta forma por la costumbre de los miembros de los grupos que lo integraban de mirar hacia abajo mientras actuaban en directo, entre estas bandas destacaron My Bloody Valentine, Slowdive, Ride o Swervedriver y fueron predominantes en la prensa británica a finales de la década. El shoegazing compartió protagonismo con la escena Madchester surgida en la ciudad de Manchester alrededor de la discoteca The Haçienda y del sello Factory Records y estuvo representada por grupos como Happy Mondays, The Stone Roses o The Charlatans, que combinaban el indie, el rock psicodélico y la cultura rave.

Rock alternativo en los Estados Unidos

Los primeros grupos alternativos estadounidenses como Dj Rafafire Violent Femmes o The Feelies combinaban las influencias del punk con música folk norteamericana y sonidos más comerciales. R.E.M. fue el primer grupo alternativo en tener éxito comercial cuando su álbum de debut de 1983, Murmur, entró en el Top 40 en EEUU. La corriente llamada Paisley Underground, surgida en Los Ángeles y representada por grupos como Dream Syndicate o Green on Red, también estaba muy relacionada con el sonido de R.E.M. al incorporar en su música influencias del rock psicodélico y armonías vocales y juegos de guitarras característicos del folk rock, combinadas con la herencia del punk y de grupos de culto como The Velvet Underground.Todas estas bandas fueron agrupadas en Europa bajo la denominación «Nuevo rock americano», nombre que se popularizó a mediados de los 80 para referirse a este sonido.

Varias discográficas indie estadounidenses, como SST, Twin/Tone, Touch and Go, Dischord Records o Sub Pop protagonizaron la transición desde el hardcore punk, que fue la corriente dominante en la escena underground norteamericana a principios de los 80; hasta los diferentes estilos de rock alternativo que estaban surgiendo. Los grupos de Minneapolis Hüsker Dü y The Replacements fueron representativos de este cambio, ya que procediendo del hardcore pronto ampliaron sus influencias evolucionando hacia un sonido más melódico que culminó en los álbumes Zen Arcade de Hüsker Dü y Let it Be de The Replacements, ambos publicados en 1984. Estos dos discos, así como los siguientes que grabarían ambos grupos, fueron aclamados por la crítica y llamaron la atención hacia el emergente rock alternativo. En el mismo año la discográfica SST también publicó discos de otros grupos que contribuyeron a la expansión de la escena, como es el caso de Minutemen y Meat Puppets, quienes combinaban el punk con funk y country respectivamente.

EL CARACTERISTICO SONIDO EBM DE LOS 80

noreply@blogger.com (joselomy) — Mon, 26 Dec 2011 09:09:00 +0000

Electronic body music (conocido principalmente como EBM) es un genero musical que combina elementos de la música industrial y de la música electrónica punk. Emergiendo en los años 80 a mediados de las influencias de los géneros se extienden de la música industrial (Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire), Electropunk Europeo (DAF, Liaisons Dangereuses, Portion Control) y después Musica Electronic (Kraftwerk).

El estilo fue caracterizado por los golpes electrónicos bailables difícilmente y a menudo escasos, los gritos o los gruñidos con efectos de la reverberación y del eco, y las líneas repetidoras del secuenciador. En este tiempo los sintetizadores importantes eran Korg MS-20, Emulator II, Oberheim Matrix o el Yamaha DX7. Los ritmos típicos de EBM se basan en 4/4 de los golpes, principalmente con algún syncopation de menor importancia para sugerir una estructura del ritmo de la música del rock.
Electronic body music fue acuñada por la banda belga Front 242, de las bandas de 1984 para describir la música de su EP No Comment, lanzado en el mismo año. Algunos años antes, la DAF de Alemania utilizó el término "Körpermusik" ((body music) en una entrevista para describir su sonido electrónico bailable del punky. Otro término que se ha utilizado para referir a EBM es el aggrepo, una contracción del "estallido agresivo", usada principalmente en Alemania a finales de los 80.

En los artistas de los años 80 como el Front 242 y Nitzer Ebb (ambos influenciados por actos tales como Deutsch-Amerikanische Freundschaft, Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle) comenzó a combinar el electropunk alemán con los elementos de la música industrial británica. El resultado de esta mezcla era un sonido bailable que fue llamado parte posteriormente de EBM en 1984. Los álbumes notables de EBM incluyen Front 242's "Official Version" y Nitzer Ebb's "That Total Age", ambos lanzados en 1987.
Por la mitad segundo de los años 80, los grupos americanos y canadienses de la música tales como Front Line Assembly, Ministry, Batz Without Flesh y Schnitt Acht comenzaron a utilizar elementos típicos del europeo EBM. Combinaron estos elementos con la aspereza de la música de america " post-industrial music" (Revolting Cocks).

Poco después, un puñado de bandas tales como Nine Inch Nails creó un estilo rock-orientado bajo influencia de los synths y de las secuencias de EBM. El resultado más bien conocido fue lanzado en 1989 bajo el nombre de Head Like A Hole
Mientras tanto EBM llegó a ser popular en la escena club underground, particularmente en Europa. ¡En este período las labels más importantes eran los PIAS del belga, Antler-Subway & KK Records, el Aleman Animalized, Techno Drome International & Zoth Ommog, El Norteamericano Wax Trax! y los Suizos label " Front Music Production" & Energy ( después renombradas Energy Rekords).

Otros artistas además del Front 242 & Nitzer Ebb eran Die Krupps, Vomito Negro, Signal Aout 42, Insekt, Force Dimension, Bigod 20 and Electro Assassin. Algunos otros grupos eran A Split-Second (un acto belga del electro-rock/new beat), AAAK, The Weathermen, The Klinik, Borghesia, The Neon Judgement, Attrition or Philadelphia Five. Estos actos produjeron algunas canciones genre-typical, aunque no eran grupos de EBM. Los artistas de algún EBM también tenían una influencia en muchos artistas del New beat & Goa trance como Juno Reactor, Astral Projection, Eon Project.

SIMPLE MINDS

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 25 Dec 2011 09:17:00 +0000

Simple Minds es una banda de rock escocesa de finales de los años 70 hasta la actualidad. A lo largo del tiempo han ido expresando géneros como Post-Punk, New Wave, New Romantic, experimentalismo, etc. Conquistaron el mercado americano y de todo el mundo, posicionándose en el primer puesto de los rankings, gracias al hit Don't You (Forget About Me), parte de la banda sonora del film de John Hughes The Breakfast Club. Sin embargo, la banda no comenzó de manera exitosa a pesar de los estilos experimentales que implementaron en sus creaciones. Simple Minds a lo largo de su historia ha vendido más de 40 millones de discos y fueron nominados dos veces a los Brit Awards. Sus miembros más permanentes desde su formación en 1978 son Jim Kerr y Charlie Burchill, cantante y guitarrista de la banda, respectivamente.

En 1977, Jim Kerr (voz), Charlie Burchill (guitarra, violín y saxofón) y Brian McGee (batería), tres amigos del Holyrood R.C., una local escuela católica de secundaria, junto a otros pertenecían a Johnny and the Self-Abusers, uno de los primeros grupos punk que surgieron en Escocia. Poco tiempo después, este trio de amigos desintegraría esta agrupación para formar Simple Minds. El grupo sacó el nombre de la letra de una canción de David Bowie llamada "Jean Genie". El grupo utiliza un símbolo celta como logotipo. Consta de un corazón sostenido por una mano a cada lado y con una corona encima. El símbolo significa amor, amistad y lealtad.

Jim Kerr y Charlie Burchill, hasta ahora los únicos miembros permanentes en la banda desde sus comienzos, se conocieron a los 8 años de edad, en una escuela de Glasgow (Escocia). El futuro les depararía convertirse en unas de las parejas musicales más sólidas de la historia del rock. Cantante principal y guitarrista en completa simbiosis sobre el escenario.

Tony Donald se integró en el bajo, y Brian McGee en la batería, así como Mick McNeil en los sintetizadores. Tony Donald fue remplazado ese mismo año por Derek Forbes.

Primeros años

Sus primeros discos se caracterizan por cambios de música, desde el euro-disco hasta el pop. El primero, en 1979, Life in a Day característico del new wave que surgía del punk, cuya boga estaba acabando. Canciones como Chelsea Girl y Life In A Day fueron sacadas en sencillo en ese año y lograron puestos regulares. Por ese tiempo el sonido de la banda comprendían punk, sicodélico e influencias como David Bowie en su etapa en Berlín y el Genesis de Peter Gabriel (cuya carrera solista también admiran, quedando demostrado años más tarde).

En ese mismo año, sin embargo, un disco más oscuro y maduro salió a la luz para favorecer a la crítica: Real to Real Cacophony, ya con claros síntomas del New Wave con canciones como Premonition. Lamentablemente este disco fue desfavorecido con las ventas y el ranking.

Le seguiría en 1980 Empires & Dance, con su música experimental, con grandes composiciones como I Travel. El grupo perfilaba el sonido que poco después les hacía ser populares en Norteamérica. Uno de los sonidos protagonistas, el del teclista Mick MacNeil, miembro de Simple Minds que también ha trabajado con Trevor Horn y Rod Stewart. Simple Minds en sus inicios fueron influenciados por el sonido del sintetizador de sus bandas alemanas favoritas. Esto hará que se les catalogue más como grupo europeo que británico. El afamado Peter Gabriel se fijó en ellos y fueron invitados para telonear su gira. La primera vez que el grupo visitó España fue en la gira de Gabriel de 1980 en Badalona. John Leckie, que trabajó con George Harrison o Pink Floyd, fue el productor de sus 3 primeros trabajos.

Posteriormente, en 1981, ya con la discográfica Virgin Records y con otro productor llamado Steve Hillage, grabarían discos con un toque cercano al Rock Progresivo como Sons And Fascination, con Love Song como gran éxito, y Sister Feelings Call que incluía The American, cuya caraterística fue que salieron en formato de combo, y que posteriormente fueron separados para su venta individual. Love Song fue durante muchos años sintonía del famoso programa deportivo radiofónico de Jose María García. El 20 y 21 de diciembre de 1981 Simple Minds tocaría en el desaparecido "Rockola" de Madrid. A principios de 1982 salió a la venta un recopilatorio con el título de Celebration, que sólo incluiría una canción nueva. En este disco se hacía un repaso a los primeros 3 álbumes de la banda. Sus discos iniciales reflejaban el gusto por la técnica electrónica. No eran álbumes fáciles, sino muy experimentales, llenos de ritmos duros y textos fríos pero expresados con apasionamiento.

Éxito

Terminada la grabación del álbum Sister Feelings Call, Brian McGee se separa de la banda y se dirige a Endgames. Lo reemplaza Kenny Hyslop, con quien hacen la gira completa del disco.

Y después de esperar el éxito de una forma más palpable, el álbum New Gold Dream (81-82-83-84), también del año 1982, con Peter Walsh como productor, logró entrar en las listas comerciales estadounidenses con éxitos como "Promised You A Miracle", "Someone Somewhere In Summertime" y "Glittering Prize". Fue una derivación del New Wave al New Romantic. La música es más accesible pero sin perder fuerza ni originalidad. Para la grabación de ese disco, Mel Gaynor entra a la batería en reemplazo de Kenny Hyslop, quien se va a formar una banda disco escocesa llamada Set The Tone y de ahí se va a tocar para Midge Ure.

Parecía que el grupo pasaba por un buen momento, Steve Lillywhite, en 1984, producía el disco Sparkle in the Rain, con otro gran cambio de dirección musical, el cual tenía buena acogida en el público con varios números uno como "Waterfront" y "Up On The Catwalk". La temática tecno original da paso a canciones-himno arropadas por un sonido mucho más grandilocuente y en ocasiones emocionante. Al mismo tiempo Jim Kerr, contraía matrimonio con Chrissie Hynde, vocalista del grupo The Pretenders. Posteriormente, ambos grupos hacían presentaciones en común.

En el año 1985, le llegó el éxito a Simple Minds con la canción "Don't You (Forget About Me)", que antes fue ofrecida a Bryan Ferry para interpretarla pero fue rechazada por éste. Accedió al gran público llegando al número 1 de Billboard en EE. UU. y teniendo un espectacular éxito en el Reino Unido, donde permaneció en los charts por 3 años(1985-1987), siendo el single de mayor permanencia en la historia de la música británica. Se convirtió en banda sonora de la película "The Breakfast Club" y en un himno para el grupo.

El 13 de julio de 1985, la banda participaba en el multitudinario concierto de Live Aid, ante 2.000 millones de espectadores en más de 60 países. Ellos lo hicieron en Filadelfia, en el JFK Stadium. Tocaron "Don´t You Forget About Me" y otra canción aún desconocida llamada "Ghostdancing". Más tarde, en ese mismo año, apareció el disco Once upon a time, quizá su trabajo más comercial, que llegó al número 1 en el Reino Unido y entre los 10 más vendidos en EE. UU. Producido por Jimmy Iovine y Bob Clearmountain. 4 éxitos mundiales como "Alive & Kicking", "Sanctify Yourself", "Ghostdancing" y "All The Things She Said" terminaron por consolidarles en lo más alto del panorama musical.

Live In The City Of Light fue un disco en directo, editado en 1987, en donde se plasmaba la extensa gira del grupo por aquel entonces, grabado durante la actuación de 2 noches en París en 1986. El disco tuvo un gran éxito comercial pero no fue capaz de demostrar el gran directo de la banda. Tras la extenuante gira, el grupo decide tomarse un descanso. Después de 10 años sin pausa se necesitaba buscar un poco de calma. La banda estaba colocada entre las más grandes pero la presión llegó a ser terrible por lo que no tuvieron más remedio que parar antes de que el éxito les desbordara y sobrepasara. Durante estos años, Simple Minds fue un gran colaborador y divulgador de Amnistía Internacional.

En el año 1989 sacaron el disco Streets Fighting Years, producido por Trevor Horn y Stephen Lipson. Era un álbum comprometido políticamente y los Simple Minds militaron en causas humanitarias como la liberación del líder sudafricano Nelson Mandela, a quien le dedicaron el himno "Mandela Day", además el álbum fue dedicado al canta autor chileno Victor Jara. El álbum alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido, al igual que su primer single "Belfast Child". Para componerla se utilizó como base una melodía tradicional celta. Eran momentos de graves incidentes en Irlanda y Jim Kerr escribió una nueva letra. En 1995 en un programa de televisión francés llamado Taratata, Simple Minds junto con el músico bretón Alan Stivell, tocó la versión original del tema, llamado "She Moves Through The Fair".

En 1991 el disco Real Life significará otro punto de inflexión en la carrera del grupo. Repite Stephen Lipson como productor y aunque contenía alguna canción excepcional, como See The Lights, había muchos síntomas de decadencia como fue la baja definitiva de Mick Macneil. Con esta ausencia se perdía un pieza fundamental en el proceso de crear canciones.

En 1992 se sacó a la venta un recopilatorio llamado Glittering Prize 81/92 que logró récords de ventas en varios países del mundo. El grupo termina por desintegrarse, pero en 1995, Simple Minds, regresará a la música gracias al vocalista Jim Kerr y al guitarrista Charlie Burchill que se juntarán de nuevo para recorrer un nuevo camino. Será con el disco Good News The Next World. Un disco pop arreglado y perfeccionista, producido por Keith Forsey y por el propio grupo, que tuvo buenas críticas y un aceptable número de ventas por Europa, con canciones como "She's A River" e "Hypnotised".

THE CURE

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 24 Dec 2011 14:18:00 +0000

The Cure es una banda de rock británica formada en 1976 en Crawley, Sussex Occidental, Inglaterra. Es muy difícil categorizar a The Cure en un sólo estilo musical tomando en cuenta el sonido de la banda a lo largo de su dilatada carrera, ya que en algunos trabajos se puede escuchar un sonido claramente gótico o dark wave (Love song o One Houndred Years), mientras que en otros temas se puede encontrar música new wave1 alegre u optimista (Mint car o In between days), sonidos post-punk (Boys don't cry y Killing an Arab) y hasta ciertos toques de electrónica ("Wrong number"). No obstante, la apariencia estética característica del líder de la banda, Robert Smith, frecuentemente vestido con ropa negra y mostrando un rostro pálido y un lápiz de labios borroneado en la boca, sumado a letras que con frecuencia son introspectivas y existenciales, han hecho que la banda sea asociada con el rock gótico. Smith rechaza esta categorización y se niega a enmarcar a la banda dentro de un único género: "Es tan triste que a the Cure se le siga llamando gótico [...] No somos categorizables. Supongo que eramos Post-Punk cuando salimos, pero globalmente es imposible categorizarnos. [...] Yo toco música de the Cure, sea lo que sea que esto signifique."
Entre el año de su formación, 1976, y 2004, The Cure había logrado vender alrededor de 31 millones de discos en todo el mundo.
Hasta 2008, The Cure ha editado 13 álbumes de estudio, treinta y cuatro singles y numerosos recopilatorios y reediciones.

La primera banda antecesora de The Cure se llamó The Obelisk, banda formada en 1973, en el Notre Dame Middle School en Crawley, Sussex, y compuesta por Robert Smith (voz y piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (Bajo eléctrico). Tres años más tarde, en enero de 1976, Marc Ceccagno formaba una nueva banda, Malice junto a Robert Smith (ya a la guitarra) y Michael Dempsey (cambiando al bajo) y Paul Stephen Thompson otros dos estudiantes del St. Wilfrid's Catholic Comprehensive School. Ceccagno dejó pronto el grupo, para formar una banda de fusión Jazz-Rock llamada Amulet. Los miembros restantes de Malice, Smith y Dempsey cambiaron su nombre por Easy Cure en enero de 1977. En este momento, la influencia del omnipresente punk rock se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo. La entrada de Lol Tolhurst como baterista, y el fichaje de Porl Thompson a la guitarra solista terminaron de configurar el primer plantel de Easy Cure. La banda probó durante estos meses a distintos vocalistas sin tener mucho éxito, hasta que Smith asumió finalmente el papel de vocalista y de líder del grupo en septiembre de 1977.

Ese mismo año de 1977, Easy Cure ganaba una competición de talentos con el sello alemán Hansa Records, recibiendo como premio un contrato de grabación. El resultado de esta colaboración fueron algunas canciones de Easy Cure que nunca han sido editadas. En marzo de 1978, tras desencuentros con el sello acerca de la dirección que el grupo debía tomar, Easy Cure decidía romper su contrato con Hansa. Según Smith, el sello quería convertirlos en una banda para adolescentes, realizando versiones de otros grupos, lo que iba en contra del espíritu de la banda
Comienzos de The Cure
En mayo de ese mismo año, Thompson dejaba la banda. El trío restante, (Smith/Tolhurst/Dempsey) era rebautizado por Smith en ese momento, para asumir ya su nombre definitivo, The Cure. A finales de mayo, la banda realizaba sus primeras sesiones de estudio en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante de estas sesiones sería enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talento de Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formando el sello Fiction, y contratando a The Cure en septiembre de 1978. Entre septiembre y diciembre de ese mismo año, Parry negoció con Polydor un acuerdo de distribución para Fiction, acuerdo que se materializaba el 22 de diciembre con la edición del sencillo de debut de la banda Killing an Arab, inspirada en El extranjero, de Albert Camus. Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo desde algunos medios poco informados, motivadas por el título del mismo, la banda ponía una pegatina en la reedición de 1979 del sencillo negando connotación racista alguna. Días antes de la edición del sencillo, la banda recibía una de sus primeras críticas. NME escribía que "The Cure son como una bocanada de aire fresco suburbano en el circuito contaminado de pubs y clubs de la capital. Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, falta por ver si The Cure puede mantener su refrescante joie de vivre."
De Seventeen Seconds a Pornography
En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra con sus singles "A Forest", perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE. UU. con "Boys Don't Cry", perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don't Cry (1980). En 1981, la banda se reunió de nuevo con Mike Hedges, productor de Seventeen Seconds, para grabar su siguiente álbum, Faith, que reincidía en la instropeccion y la atmósfera contenidos en Seventeen Seconds. El álbum alcanzaría el decimocuarto puesto en las listas británicas en 1981.5 A finales de 1981, The Cure lanzó el sencillo Charlotte Sometimes, basado en la novela homónima de Penelope Farmer, que insólitamente no está incluido en ningún álbum de estudio de la banda.
En este momento, la música y la actitud de la banda se habían vuelto extremadamente introspectiva, de manera que, durante las actuaciones, no se atendían las peticiones de temas más antiguos y alegres y, en ocasiones, Robert Smith se veía tan absorbido por el personaje que había de proyectar sobre el escenario que abandonaba los conciertos llorando.

The Cure alcanzó su punto álgido en la consecución de un sonido atmosférico en 1982, con la publicación de Pornography. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación tras los incidentes que protagonizó junto a Smith durante la gira de Pornography había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst.
De Japanese Whispers a The Head on the Door
El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let's go to bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. A Let's go to bed le seguirían, en 1983 dos sencillos de carácter electrónico más acusado que el anterior, The Walk y The Lovecats, tema jazzístico basado en la película Los aristogatos, que se convertirían en los primeros éxitos comerciales de importancia en el Reino Unido, respectivamente), y que relanzarían la carrera del grupo. Todos los sencillos y las caras-b de este período se compilarían en el álbum de 1983, Japanese Whispers.
Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, con quienes se había reunido en 1983, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure de 1982. Durante la gira mundial de The Top, el grupo vuelve a sufrir cambios en su formación: Andy Anderson es sacado del grupo por sus problemas con el alcohol y entra Boris Williams. Al final de la gira, el bajista Phil Thornalley deja el grupo y vuelve Simon Gallup. En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como "A Night Like This", "In Between Days" y "Close to Me", tema éste último que les proporcionó su primer trabajo en el Reino Unido.
En 1986, coincidiendo con el décimo aniversario de la formación de la banda, se publica Standing on a Beach: the Singles 1978-1986, también titulado Staring at the Sea en su versión de Vinilo. En este recopilatorio se recogen todos los Singles de la banda entre 1978 y 1986.

Éxito internacional: de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me a Wish
Un año más tarde, en 1987, The Cure lanza el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. Gracias a la ascendente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanza el número 6 en las listas del Reino Unido, entra entre los 5 más vendidos en muchos otros países europeos y asciende hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibiría el Disco de platino. El primer sencillo del disco es Why Can't I Be You? (Top 30 en el Reino Unido, España, Francia, Alemania, Italia y otros países), que fue seguido por Catch. El tercer sencillo, Just Like Heaven se convirtió en el de mayor éxito hasta ese momento, además fue el primero en entrar en el Billboard Top 40. Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarca en el Kiss Tour, que se convierte en un rotundo éxito de público. No obstante, durante la gira, Lol Tolhurst encuentra problemas para tocar por su excesivo consumo de alcohol. Para solventar el problema, la banda acude con frecuencia a Roger O'Donnell, teclista de los Psychedelic Furs para sustituirle.
Terminada la gira en 1988 el grupo se toma un paréntesis de un año. Tras este paréntesis, en 1989, the Cure lanza Disintegration, en el que se retoma la estética oscura de trabajos anteriores. Se convierte inmediatamente en su mayor éxito hasta ese momento, entrando en las listas británicas en el tercer puesto. Tres de los sencillos del disco, Lullaby, Lovesong y Pictures of You entran entre los treinta más vendidos en varios países, incluyendo el Reino Unido. Disintegration alcanza el puesto número 12 en las listas de Estados Unidos. Fascination Street, el primer sencillo en ser editado en este país, alcanza el primer puesto en la "American Modern Rock Chart". El tercero, Lovesong, alcanza el segundo puesto en las listas absolutas. Tan sólo 3 años después de su edición, en 1992, Disintegration había vendido tres millones de copias en todo el mundo.

Durante las sesiones de grabación de Disintegration, la banda se enfrentó abiertamente con Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O'Donnell se convirtió en miembro permanente del grupo. Smith se quedaba de este modo como único miembro fundacional en la banda. A pesar de su salida, Tolhurst aparece en los créditos del álbum, tocando "otros instrumentos". No obstante, algunos opinan que no contribuyó en absoluto a la grabación del disco. El tour subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de aquel país.
En mayo de 1990, Roger O'Donnell deja la banda. Le sustituye Perry Bamonte, técnico de guitarras del grupo. En noviembre, The Cure edita una colección de remixes titulada Mixed Up. De este álbum se extrae una canción nueva, Never Enough, editada posteriormente como sencillo. La compilación no alcanzaría el éxito de ventas del disco precedente, ni mucho menos del posterior.
En enero del año 1991 el grupo actúa dentro de la serie de conciertos MTV Unplugged, cabe destacar la escenografía empleada con velas y ambiente apesadumbrado característico de la banda. En ese mismo año The Cure recibe el BRIT Award para la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demanda a Robert Smith y a Fiction por el pago de los derechos de autor. En la demanda se incluye también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre "The Cure" con Smith. La demanda se resolvería en 1994 a favor de Smith.
Dos años después de editar Mixed Up, en 1992, la banda lanza Wish, su disco más vendido hasta el momento. Wish fue número uno en el Reino Unido, y número dos en los Estados Unidos. Los sencillos High y Friday I'm in Love se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformaría de "The Cure" a simplemente "Cure". No obstante, dicha denominación no duraría, ya que se retomaría el tradicional "The Cure" en Wild Mood Swings.

DEPECHE MODE

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 24 Dec 2011 07:18:00 +0000

Vamos a tratar de hacer un recorrido por los grandes grupos de la decada, Depeche Mode, U2, Simple Minds, The Cure, The Police o incluso Los Ramones que provenian del punk newyorkino algunos de ellos siguen en lo mas alto como es el caso de U2 o convirtiendose en grupos de culto.

Comencemos hoy a hablar de Depeche Mode;

Depeche Mode se formó en 1980 en la localidad inglesa de Basildon. En un principio la banda seguía la moda de la música romántica, pero pronto cambiaron su estilo por sonidos más electrónicos y cercanos al pop de los 80. Una de las principales características que definen a Depeche Mode es su exquisito uso de los sintetizadores.

Depeche Mode comenzó a incubarse cuuando en 1976 se conocieron Vince Clarke y Andrew Fletcher, ambos teclistas en la misma ciudad. Deciden formar juntos un grupo, cuyo nombre era "No Romance in China". Tras un breve periplo, se separan. En 1979 Clarke forma un nuevo grupo, "French Look", junto al músico Martin Gore. Poco después se une Fletcher. A partir de ese momento, el nombre del grupo pasa a ser "Composition of Sound".

En 1980 fichan al cantante David Gahan para llevar la voz del grupo. Queda así formado el grupo definitivo. Solo quedaba cambiarle el nombre y ya tenemos a Depeche Mode.

Tras un periodo de rodaje del grupo, en el que destacan por un uso intensivo de los sintetizadores, Depeche Mode realizan algunas pequeñas actuaciones en locales de su ciudad. A raiz de ello, se deciden a grabar un primer tema, titulado "Photographic".

La canción llega a la discográfica Mute Records, que ficha al grupo para publicar su primer sencillo, "Dreaming Of Me", en 1981. Pero no sería hasta su tercera grabación, cuando adquirirían cierta notoriedad.El tema se titulaba "Just Can't Get Enough", con el que se colocan entre los 10 más importantes de su país. A raiz de este éxito, publican su primer álbum, "Speak & Spell", con el que obtienen un éxito más que notable.

Tras este álbum debut de Depeche Mode, Clarke deja el grupo para iniciar otro proyecto nuevo con el grupo Yazoo, lo que deja descolocados al resto de miembros de Depeche Mode. En esa situación es Martin Gore el que toma una actitud más decidida para intentar mantener el grupo y asume la parte de composición que antes llevaba Clarke. Paralelamente, contratan un nuevo teclista que sustituya el hueco dejado por el músico. Se trata de Alan Wilder.

En 1982 Depeche Mode publican "Broken Flame", su primer trabajo en esta nueva época. Un año más tarde aparece "Construction Time Again", un álbum en el que ya es patente el nuevo estilo del grupo.

En 1984 publican "Some Great Reward", con el que consiguen dar el definitivo salto a la fama. El álbum incluye el tema "People Are People", con el que se aupan a lo más alto de las listas de todo el mundo.

En 1986 aparece un nuevo trabajo de Depeche Mode, esta vez bajo el título de "Black Celebration", que fue seguido de "Music For The Masses", en 1987. Cade nuevo disco de Depeche Mode supone un mayor éxito de ventas que el anterior. La fama adquirida les lleva a realizar una gira por todo el mundo. El fruto de dicha gira sería un doble álbum en directo, titulado "101", aparecido en 1989.

En 1990, un nuevo trabajo de estudio de Depeche, "Violator", y un nuevo triunfo en las listas de todo el mundo. A pesar de ser considerados como un grupo de culto, tenían el poder de atraer a las masas de fans. Después, "Songs of Faith and Devotion", sigue el mismo camino que trabajos anteriores.

En 1995 Depeche Mode comienza a perder fuerza, justo cuando estaban en la cima de la gloria. Wilder decide dejar el grupo y Gahan tiene problemas de adicción a la heroína, lo que le lleva incluso a intentar suicidarse en una ocasión.

Tras cuatro años de silencio, Depeche Mode resurge en 1997, ahora convertido en trío, con el álbum "Ultra" con temas de la talla de "Barrel of a Gun" o "It's No Good".

Con la publicación de los recopilatorios "Singles 81-85" y "Singles 86-98", Depeche Mode vuelve a realizar una gira mundial, para a continuación publicar un nuevo trabajo, "Exciter", aparecido en 2001.

En España, el grupo Techno-Pop de éxito OBK, debe no sólo gran parte del carácter de su música o su imagen al grupo británico, incluso su nombre es una abreviatura de una canción acústica de Depeche Mode, "Oberkorn", mostrando su admiración por la banda interpretando en muchos de sus conciertos remixes de canciones del grupo de Basildon.

Discografia;

#	Título del Álbum	Fecha de lanzamiento
1	Speak & Spell	5 de octubre de 1981
2	A Broken Frame	27 de noviembre de 1982
3	Construction Time Again	22 de agosto de 1983
4	Some Great Reward	24 de septiembre de 1984
5	Black Celebration	17 de marzo de 1986
6	Music for the Masses	28 de septiembre de 1987
7	Violator	19 de marzo de 1990
8	Songs of Faith and Devotion	22 de marzo de 1993
9	Ultra	14 de abril de 1997
10	Exciter	14 de mayo de 2001
11	Playing the Angel	17 de octubre de 2005
12	Sounds of the Universe	20 de abril de 2009

Algunos videos de sus grandes exitos:

UNA HISTORIA BAILABLE EN VALENCIA

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 17 Dec 2011 11:59:00 +0000

La semilla de la denominada “Ruta Destroy” se sembró a caballo entre finales de los 70 y primeros 80, dentro de lo que fue la particular “Movida Valenciana”, movimiento que a pesar de tener mucha menos repercusión mediática que la conocida Movida Madrileñay de haber sido injustamente marginada, muchos afirman que tuvo tanta o mayor importancia real que esta, no solo por la infinidad de grupos autóctonos que aparecieron y la vitalidad cultural que aportaron a la ciudad de Valencia, mientras que la verdadera movida madrileña fue en realidad, en palabras de muchos que la vivieron, disfrutada por unos pocos privilegiados, sino porque esta otra movida, la valenciana, actuó como potente catalizador para que una ingente cantidad de grupos extranjeros, principalmente e inicialmente británicos, fueran dados a conocer en toda España, a través de Valencia, donde dieron su primer paso en la península, para después dar el salto al resto del país. Además, la de Valencia acabó derivando en el culto a esos centros de ocio llamados discotecas, creando por primera vez en España un movimiento de música de baile con sonidos que hasta entonces no eran entendidos como tal, sonidos de importación que asiduamente traían los disc-jockeys valencianos y otros personajes importantes directamente desde Londres, Manchester, y otras ciudades europeas. Lo que derivó en la posteriormente llamada Ruta Destroy. El término movida valenciana, de hecho, se ha extendido hasta incluir a la movida discotequera de la Ruta Destroy.

A finales de los 70, en plena transición, la ciudad de Valencia, que por aquel entonces apenas llamaba la atención en cualquier aspecto cultural, político o social, quiso reclamar su parte de protagonismo. Durante la era Post-Punk y New Romantic (la llamada era new wave), la ciudad empezó a florecer, no sólo musicalmente sino también culturalmente. Empezaron a aparecer grupos musicales autóctonos con una marcada tendencia vanguardista, y de una manera menos mediática que en Madrid. Se dice que mientras en Madrid, los iniciadores del movimiento fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron, en 1979, La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Grupos como Seguridad Social, Video, Glamour, Comité Cisne, Betty Troupe, In Fraganti, La Morgue o Interterrorlideraban una legión de artistas valencianos que apostaban por los nuevos sonidos llegados directamente del Reino Unido o Alemania, y empezaban a poner de moda la imagen del post-modernismo de principios de los 80, con looks elegantes, sofisticados y estridentes, heredados y evolucionados de la era punk. En esa época, un local sobresalió entre todos por su amalgama cultural, Pyjamarama, pero hubo otros, como Bowie,Gasolinera, Tropical (que años más tarde se conocería como ACTV), Video,Estandarte o Planta Baja. Asimismo, debido a esta apertura en Valencia a sonidos no tan convencionales, muchos grupos extranjeros empezaban su andadura por tierras españolas pisando primero Valencia, como el caso de Soft Cell. La gente empezó a interesarse cada vez más por estos sonidos de synth-pop/rock/pop/gótico, etc, en su mayoría procedentes de las islas británicas, en una época con demasiada influencia de la canción ligera y de cantautor. En aquel momento, sin embargo, aún no había ninguna discoteca que realmente pinchase esa clase de sonidos. Dichos sonidos no iban ligados a la música de baile, que aún estaba basada casi exclusivamente en música negra (funk, los inicios del house, etc) y sonidos disco europeos como el italo-disco, y por ello, aún no se entendían como tal, por lo cual aún estaban relegados a las salas de conciertos y los bares de copas. Seguían existiendo exclusivamente las boîtes y salas de fiesta setenteras, tapizadas y llenas de espejos.

Fue a raíz de abrirse una sala llamada Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, cuando esos sonidos, y toda clase de rarezas electrónicas y guitarreras, eran pinchados para un público aún muy selecto y con grandes inquietudes musicales y culturales. La sala no tardó en decaer por oscuros derroteros (gente adicta a la heroína y otros problemas). Más adelante, la misma gente responsable del Oggi se trasladó a la sala Metrópolis, en un intento de agrupar a todas las tribus urbanas de Valencia (rockers, mods seguidores del garage rock o del ska y otros sonidos con marcada influencia sesentera, nuevos románticos, punks, góticos, etc), tribus que por aquel entonces y durante todos los 80 fueron muy prolíficas. Esto no estuvo exento de problemas, ya que muchas de estas tribus urbanas rivalizabasn entre sí, como los rockers y mods. Hasta que la fiesta se trasladó a una sala llamada Barraca, en Les Palmeres (Sueca).

Valencia 1982

Barraca empieza la fiebre

Todo se puede decir que empezó allá por 1982 , Barraca una legendaria discoteca cambio su forma de entender la música y cambio su ambiente por uno mas radical y liberal ,los sonidos electrónicos principalmente alemanes hacían presencia en Barraca, esta discoteca que fue inaugurada allá por 1976 dio el paso definitivo para empezar toda esta locura cuando decidió cambiar el panorama musical de su local de ocio . Front 242 ,Kraftwerck ,Ultravox , Anne Clarke ,Invisible Limits , Farm ,Vicius Pink , A split second etre otros empezaban a sonar por las noches de Barraca Destroy , la fiebre estaba cerca de llegar las sesiones se hacían cada vez mas largas y se hacia normal ver amanecer en su terraza , aun así Barraca aun no era del todo conocida hasta que Abrió Chocolate en Septiembre de 1982 ,fue el impulso definitivo para comenzar la ruta ,la gente se empezó a congregar por aquélla zona entre el Perelló y Sueca , en 1983 se hacían populares los viajes de una discoteca a otra ,Chocolate impulso sus sonidos hacia un corte mas radical y vibrante ,Barraca se encomendaba mas a sonidos mas Synt Pop y electrónico melódicos , Los denominados chocolateros disfrutaban como enanos con la maquinaria alemana (industrial) que Chocolate tanto apreciaba pinchar es sus locas sesiones hasta el amanecer , todo esto impulsado por una droga que iba a ser determinante para forjar la leyenda .LA MESCALINA ,una mezcla de excitantes con estimulantes varios tales como anfetamina, centramina y lisedrinas ,estas drogas mezcladas con alcohol revitalizaban las ganas de bailar y las ansias (virtuales) de vivir .

1984-Nace Spook Factory

Todo era buen royo por Barraca y Chocolate ,sus interminables sesiones se hicieron famosas en 1984 ,cuando abrió para muchos la mejor discoteca de todos los tiempos en la península ,Spook Factory la mas psicodélica y excéntrica discoteca de la costa levantina una leyenda viva ,rompió moldes con sus sesiones matutinas abriendo viernes y sábados ,atrayendo así a gente necesitada de experiencias radicales de evasión , la ruta empezaba a tomar forma ,Valencia se esgrimía como la capital mundial de la fiesta Techno , los grupos alemanes electrónicos eran los lideres en las sesiones de las discotecas ,la música Industrial llegaba su máximo esplendor con los Front 242 este grupo nacido en 1982 hizo las delicias de los jóvenes de la época con sus sonidos radicales y sus vibrantes percusiones electrónicas .

¿por qué Valencia? Porque Valencia fue la ciudad elegida para la evasión y la expansión de libertades y no por ejemplo Madrid o Barcelona , hay muchas respuestas ,muchas lógicas e ilógicas pero la que mas se sustenta es la idea de que tras la represión por la muerte del caudillo Madrid estaba muy en el punto de mira y Barcelona se cernía como una ciudad nacional socialista .Valencia estaba liberada de toda presión social y era idónea para crear un ambiente evasivo de euforia compartida , esta libertad se empezaba anotar en la misma ciudad donde locales nocturnos cerraban sus puertas entre las 5 y 6 de la madrugada ,con esta premisa era fácilmente adivinable lo que se venia encima.

1986-Se forma la ruta

En 1986 abrió Puzzle ,la mas colorista de la ruta Destroy ,sus sonidos mas light y sus increíbles y novedosos robots de luces hacían estragos entre los que precisaban sonidos mas bailables y menos radicales como los pinchados en SpookFactory y Chocolate , Red Flag ,Camouflage ,Cretu , Farm ,Movement eran grupos mas de acordes con la filosofía de Puzzle , pronto capto mas adeptos a su música mas ligera pero bailable como pocas , la ruta ya había tomado la forma deseada ,después vendrían mas pero los auténticos promotores de esta ruta fueron Barraca ,Chocolate ,Spook Factory y Puzzle , situadas en el Perelló la mayoría de ellas y en el Saler , El triangulo de las bermudas se determino a las tres discotecas que se congregaban en el Perelló , Barraca Chocolate y Puzzle , mientras tanto en la ciudad los locales seguían cerrando a las 5 y 6 de la madrugada ,muchos de los que cerraban los garitos de la ciudad tenían ganas de fiesta ,frase que se hizo famosa por la ruta ,y no dudaban en acudir a Puzzle o Chocolate , cuando llegaban a estas discotecas ya estaba amaneciendo y cuando entraban cerraban a las pocas horas 8 o 10 esto hizo que el publico animara a los Dj a seguir pinchando sin parar ,asi sucesivamente cada fin de semana ,poco a poco las sesiones se hacían mas largas ,11Am,12Pm,13Pm horas hasta llegar a sesiones verdaderamente de locura ,las 15:00 horas ,Puzzle y Barraca llegaban a cerrar a las 3 de la tarde ,sesiones maratonianas de puro infarto ,en 1987 la Mescalina hacia poco a poco su desaparición para dejar su lugar al Speed verdadera alma de la ruta Destroy ,el Speed era el aliciente perfecto para activarte cara al fin de semana ,el Speed ya existía mucho antes , sus derivados son casi al 100% anfetamina pura , esta droga en polvo era una verdadera bomba para la gente que quería vivir sin dormir ,otra de las frases que se hicieron famosas en la ruta Destroy .

1987 nace Espiral alargándose la ruta

Y llego Espiral en la primavera de 1987 apartada de la ruta pero igual de importante en su estructura ,era una discoteca con piscina de forma redondeada(hoy un restaurante, cada vez que paso por allí sonrió irónicamente) ,en poco tiempo Espiral iba a ser la discoteca mas loca de Valencia ,los mas desfasados se citaban en espiral ,los cuartos de baño eran compartidos por chicos y chicas que se drogaban en la mismísima discoteca , la droga circulaba por las discotecas con total libertad ,era fácil ver alguien hacerse un tiro en la misma pista de baile ,el descaro era tal que incluso algún Dj que otro se hacia su propio tiro encima del vinilo que estaba pinchando . Eran tiempos de máxima locura ,no habia control solo descontrol ,la música electrónica se hacia cada vez mas famosa y el Rock gótico y el Synth Pop daban el paso definitivo a la maquinaria pura y dura ,la maquinaria alemana se hacia dueña de la mayoría de las pistas de la ruta Destroy ,se escuchaban por entonces a grupos como los Propaganda y su P.machinery ,verdadera revolución electrónica musical , era la época de los sonidos electrónicos obscuros , el publico que se juntaba en las salas bailaban como verdaderas maquinas industriales ,autómatas alimentados por sintéticas substancias que mezclaban con ríos de alcohol ,todo el mundo bailaba ,ni una sola alma estaba quieta ,cientos sino miles de jóvenes bailaban al compás de la maquinaria mas electrizante ,la ruta entraba definitivamente en su apogeo ,1988 fue su año dorado , ya se había forjado la ruta a seguir ,se empezaba la noche en Barraca ,mas tarde sobre las 5:00 los jóvenes se iban a chocolate o Spook Factory y a las 10:00Am si habían ganas(que las habían y muchas ) la gente prefería irse a Puzzle mucho mas sosegados , al mediodía la mayoría se iban a casa a pegarse una duchita y volver de fiesta a Barraca que abría por las tardes a partir de las 17:00Pm ,hasta alcanzar la noche entre compases musicales de locura , a las 2:00Am del lunes solía cerrar y la gente se marchaba a casa ,hasta la inminente llegada de A.C.T.V ,que hizo aparición con una peculiar presentación en la misma playa , en 1989 A.C.T.V. empezó abriendo sábados y domingos ,pero con el tiempo se forjaría como una discoteca de final de recorrido rutero ,o lo que es lo mismo ,iba a ser la discoteca con MAYÚSCULAS en la que la mayoría de jóvenes que habían comenzado la fiesta el viernes por la noche ,iban a terminarla el lunes por la madrugada en A.C.T.V ,tiempos de verdadera paranoia y locura generalizada , las ventanas horarias ya estaba formadas de tal modo que Spook Factory se empezaba a llenar de gente los viernes por la noche , era la discoteca ideal para empezar el fin de semana Destroy , el sábado por la noche sin duda Barraca ,Puzzle y Chocolate eran los dueños del movimiento rutero ,y lo domingos por la tarde Barraca y Espiral hasta llegar al domingo por la noche donde ACTV hacia su innegable presencia y donde la gente mataba sus últimos suspiros y fuerzas del fin de semana ,todo esto con la libertad horaria de hacer lo que sea y cuando sea ,el ocio nocturno se había instaurado en Valencia de forma irrevocable ,eran los mejores tiempos de la ruta sin duda alguna ,1989 iba a ser testigo de ello , la gran expansión a nivel nacional e internacional que la ruta Destroy iba a tener estaba llegando por todas las partes , los primeros madrileños y catalanes empezaban a fijarse en Valencia como destino a la evasión total de libertad , Valencia era una ciudad donde nadie dormía y donde todos hacían lo que querían y cuando querían ,la noche estaba servida ,los nocturnos eran ejércitos con ganas de pasarlo de locura ,costase lo que costase , Techno, drogas ,sexo y alcohol recorrían con mas fuerza la ruta Destroy , la llegada de una nueva droga pero no tan desconocida a la ruta ,iba a cambiar la fisonomía y el talante de la ruta Destroy , LAS PASTILLAS MARRONES ,traídas de los países bajos empezaban a hacer furor ,el Speed que tanto circulaba por las salas empezaba a mezclarse con aquella pastilla con forma de galleta , eran los tiempos del Hacid House ,una locura musical importada de los partys londinenses, fiestas privadas donde la gente se ponía hasta arriba de todo(acidos ,pastillas ,Speed…) a escondidas de la policía en locales clandestinos , En Valencia en cambio las fiestas que se montaban en la ruta eran totalmente legales ,no había que esconderse de nada ni de nadie era lo que realmente hacia de la ruta algo tan especial y peculiar ,un fenómeno sociocultural digno de ser estudiado . En 1989 Empezaban los sonidos electrónicos medieboeletrofranciscanos(por llamarlo de alguna forma) o lo que era lo mismo ,una fiebre de sonidos sacados de la edad medieval royo Karmina Burana o Enigma ,donde casi el 30% de los temas que se hacían por aquel año empezaban con voces franciscanas ,apocalípticas ,místicas o religiosas , por citar algún grupo los Misterius Art y los Megabeat entre otros , eran temas melódicos que empezaban de forma muy tranquila pero misteriosa hasta tomar el ritmo adecuado y acabar bailando el temazo a un ritmo frenético como pocos en las pistas de baile del desmadre Valenciano , corrían los últimos tiempos para adentrarse en la nueva década de los 90 y la ruta era proclamada zona de alto riesgo por juergas sin control . Lo que definitivamente abrio las puertas a toda la gente joven habiada de pasárselo de miedo sin control alguno .

1990 la ruta llega a su cenit

1990 seria el año en el que la ruta seria conocida por todos aquellos que buscaban en la noche algo mas que 3 o 4 horas de baile . Valencia era el centro de las miradas de todos aquellos que querían sentir el aroma de la madrugada ,el viento del amanecer al salir de la discoteca al despuntar el alba.

Para aquellos románticos que soñaban con ver amanecer en el parking mientras su chica le abrazaba extasiada por el embrujo nocturno de la libertad de la ruta mítica Destroy . Con la entrada en la nueva década surgía una nueva forma de entender la noche , y las discotecas se ampliaban a la zona del parking donde se montaban verdaderas locuras festivaleras . En el parking se podía bailar mientras tenias el radiocasete del coche a toda pastilla , se montaban verdaderas juergas de amigos que se reencontraban en el parking y acababan 5,6,o 7 dentro de un coche esnifando Speed y bebiendo sin parar y los mas canallas se dedicaban a ligar con las bellezas mas representativas del lugar, eran otros tiempos ,mas modernos pero igual de locos , la fiebre del parking se consumo con la apertura del NOD en 1989 (Don Julio), esta discoteca situada cerca de Ribarroja ,era el máximo exponente de las fiestas en los parking ,con el resultado en el tiempo de que en su parking se llegaron a hacer sesiones interminables de 24 horas non STOP ,sustituyendo las salas de baile por el polvoriento parking ,donde se formaban increíbles hafter hours .

1991 Las sesiones interminables.

1991 fue el año de los records ,NOD batió el record de una sesión de baile en su parking con mas de 24 horas sin parar de bailar , y Barraca por su parte inauguro en su sala la sesión mas larga reconocida hasta la fecha en cualquier discoteca europea ,48 horas de sesión de baile , una verdadera y apoteósica locura musical , 2 dias bailando al ritmo que mandan los platos , eran también la época del resurgir del sonido de Valencia,que ya llevaba tiempo en el anonimato (el sonido de Valencia sonaba ya por 1988) ,MEGABEAT ,PIROPO ALDUS HAZA entre otros sonaban con mas fuerza que nunca ,eran grupos levantinos que con sus sonidos hacían vibrar a los ruteros de la época ,una filosofía musical que hizo mas famosa aun si cabe a la ruta Destroy(Ruta del bacalao para aquellos que se incorporaron tarde) Los MEGABEAT con Fran trax y Leonar a la cabeza ,ex Dj de Spook Factory fueron el grupo con mas seguidores de la época ,sus canciones te hacían sentir que estabas viviendo en autentica libertad ,y que los sonidos electrónicos mas puros del grupo te transportaban mas allá de lo que tu mente podía imaginar , compusieron multitud de temas ,verdaderas joyas musicales ,que ya han caído en el olvido ,pero muchos de nosotros recordaremos y que fueron ellos los pioneros del sonido de Valencia junto con la gente joven que bailaba sin cesar al son de sus ritmos mas frenéticos y míticos .

A caballo entre las décadas 80 y 90, fueron apareciendo nuevas salas, de importancia relevante, sí, pero todas y cada una girando al son que marcaban las más veteranas. Discotecas como Heaven, anteriormente llamada Pomelo, pequeña sala cavernosa cercana a Puzzle, pero más contundente y embrutecida, la cual tenía uno de los parkings más activos, provocando verdaderos quebraderos de cabeza e incluso caras de incredulidad a los sufridos domingueros que pasaban junto a ella por la carretera de El Perelló rumbo a sus apartamentos, y cuyas principales sesiones eran las de domingos a partir de la mañana; Villa Adelina, junto a Barraca, que no era sino un chalet con una amplia terraza que la hizo famosa; Zona, discoteca perteneciente al eje Espiral-NOD, la cual se hizo realmente peculiar porque se especializó en sus sesiones de lunes por la mañana, que podían alargarse hasta el martes de madrugada (algo impensable hoy en día en una discoteca de esas dimensiones), y donde atraía a quienes trabajaban durante el fin de semana en la noche o en la hostelería, no solo de Valencia, sino también de ciudades más alejadas como Madrid o Barcelona (en estas ciudades no existía nada igual a esa escala para este tipo de trabajadores), y también a la gente que aún aguantaba la fiesta, generalmente gente muy desfasada pero no conflictiva; El Templo, ubicada en Cullera, no muy lejos de Chocolate, baluarte del popular Chimo Bayo, impactante visualmente por sus aires industriales de refinería que emergía de entre los campos de arroz, y cuyas sesiones eminentemente ebm, new beat y techno las combinaba con ratos de alentamiento a sus fieles seguidores, o de acompañamiento musical-vocal, a través del micro. Por este motivo, esta sala tuvo su público fiel, pero también sus detractores. Chimo Bayo, popular gurú de la época, DJ y productor, años antes había dirigido otra sala ligada musicalmente a la ruta (no en vano podría ser incluída), aunque algo más alejada, la discoteca Arsenal de Oliva, un municipio valenciano junto a Gandía, abierta desde 1986. El Templo mantuvo su éxito durante relativamente poco tiempo, fiel reflejo del éxito de la imagen de casa, Chimo Bayo, y acabó cerrando cuando la imagen de este decayó, reabriéndose como NOD Cullera, sala que realmente no consiguió cuajar.

Otras salas dignas de ser mencionadas, por su cercanía a Valencia, y por lo tanto a las salas más importantes, y donde mucha gente alternaba entre unas y otras, fueron KU-Manises, que recogía a gente procedente de otras discotecas a últimas horas de la madrugada, y la cual años después, alrededor de 1994, se convertiría en iniciadora y abanderada del movimiento remember, que rescataba la música de la época dorada de la Ruta, Esquema, en Massalavés, donde Arturo Roger, DJ de ACTV, también pinchaba un excelente combinado musical los sábados noche, aunque más ligero que el que le hizo famoso en ACTV. Amadeus (o AMD) situada en Alfafar, junto a un importante centro comercial, la cual antes se había llamado Sucre, una discoteca muy frecuentada por las tribus urbanas del área metropolitana; El Torero, bar de copas con terraza junto a Spook Factory (en el mismo parking), con música más cañera que esta, que empezó siendo un bar de música rock, y se convirtió en una pequeña sala que la complementaba, lo mismo que Tropical, en el mismo edificio que ACTV, donde la gente se preparaba para entrar en ACTV o se relajaba entre salida y entrada; Galaxy, muy cerca de Espiral y Zona, también en la zona interior, al igual que Karma, una pequeña sala con forma de pirámide;Banana’s, macrodiscoteca situada en Sollana, cerca de Sueca, con una enorme terraza-jardín descubierta que en sus inicios en 1989 estuvo dirigida a gente del mismo estilo que Puzzle, con música synth-pop y techno-pop, o Resaca Playa, primera gran terraza de verano en Valencia, situada junto al mar, en la pedanía de Port Saplaya, perteneciente al término de Alboraya, que durante los meses de estío empezó a atraer, sobre todo los jueves noche, a “ruteros” habituales.

Ya en el año 1991 llegó a producirse un verdadero movimiento social de dimensiones extraordinarias. Más de 30.000 jóvenes de todas partes de España se congregaban, sólo en las diferentes discotecas de la Ruta Destroy, en torno a la ciudad del Turia, para pasar fines de semana inolvidables. Se habla de 50.000 en sus fines de semana más relevantes. Muchos de ellos hacían casi cada semana cientos de kilómetros sólo por vivir la llamada fiesta valenciana, también conocido como festival valenciano. Adicionalmente, empezó a hacerse muy común el hecho de fletar autobuses desde cualquier punto de la península para un desplazamiento más cómodo y barato junto con gente del mismo signo. Pero aunque este año y el siguiente marcaron el final de una época gloriosa, el boom de jóvenes llegados de todas partes continuaría hasta el año1994. A partir de 1995 el descenso fue en picado.

1992 la ruta se hace mayor

En 1992 Spook se hace la dueña de las sesiones nocturnas de los viernes ,ACTV de los lunes por la madrugada y puzzle ,chocolate y Barraca comparten locas sesiones etre sala y sala , surgen las compenetraciones entre las 3 grandes discotecas del Perellonet ,el llamado triangula de las bermudas , el tema Dune de Espiral se oye en toda Europa, son tiempos felices por la ruta, ,se instaura definitivamente el éxtasis como droga mas consumida de la época y el espeed desaparece poco a poco, ,hasta dejar su afamado puesto a las drogas de diseño que estaban pegando fuerte desde los Países Bajos ,(Holanda) e Inglaterra . Con la llegada de esta droga en demasía se llegan a los famosos accidentes mortales de la ruta , era un mal presagio para la zona, decenas de jóvenes venidos de muy lejos perdían su vida en las carreteras destino a la ruta o cuando se iban de ellas , la ruta empezaba a cobrar mala fama , una fama mal merecida que llegaría a lo mas alto en 1993 .

1993 empieza la decadencia

En 1993 fallecía el DJ de espiral tras suicidarse en directo a través del programa de radio que emitía los miércoles por la tarde de musica de los 80 ,eran tiempos tristes en la ruta ,pero como en la vida todo sigue ,la ruta seguia su camino hacia la fiesta mas vibrante , Puzzle empezaba a cerrar sus sesiones con el My Way de Nina Simone ,una verdadera joya musical que daba cierre a la loca sesión nocturna, la zona era ya archí conocida y el RENOMBRE DE LA RUTA DEL BACALAO SONO CON FUERZA lo que le valió para llenar la zona aun mas si cabe de foráneos y extranjeros ,multitud de madrileños y catalanes invadieron la ruta, no fue por culpa de ellos ,pero lo cierto es que la zona empezó a ser demasiado conocida y la droga fluia por las salas como nunca antes lo había hecho, muchos accidentes de trafico tambien supusieron una gran vigilancia sobre la ruta que poco a poco fue perdiendo su brillo ,la decadencia comenzó en 1994 …

1994 La decadencia de la ruta
1994 La gente de repente empezó a dejar de ir por las salas Míticas ,En chocolate podías aparcar incluso en la misma puerta cuando apenas 2 años antes tenias que aparcar el coche en la misma acequia ,Puzzle iba a trompicones y Barraca se llevo la peor parte, cerraba sus puertas y las abría de nuevo sin rumbo alguno, la multitud de controles policiales que se impusieron en la zona hicieron imposible las ansias de libertad que años antes se acontecían en la zona de la ruta. Las discotecas flojeaban como nunca antes lo habian hecho, pronto apareció la sombra que se veía venir ,discotecas míticas como ACTV y Espiral se veían condenadas a cerrar , y otras a cambiar de política abriendo sus salas antes de las 00:00 . Poco a poco la ruta fue perdiendo su color y su misticismo ,ese misticismo que la había hecho auténticamente libre y diferente a todo .

1995 muerte de un mito

1995 fue el año en el que un mito apago su deslumbrante luz y tal como apareció se fue por siempre , La gente dejo de ver la ruta como antaño habia sido y ese misticismo se perdió a través del tiempo como lagrimas en la lluvia … Las noches de Valencia cambiaron por completo desde entonces ,y solo hoy entre alguna loca sesión de Remember se puede atisbar lo que fue la ruta mitica Destroy ,una ruta de ocio nocturno donde no parecía haber limites ,donde la gente se proclamo libre por siempre y donde muchos dejaron su joven alma . Hoy por hoy se puede decir que ya no queda nada de ese espíritu nocturno de ese grito en el cielo de vivir sin dormir ,de ese grito que proclamo libertad y que con el tiempo perdió su fuerza ,la ruta había muerto …pero en nuestros corazones seguirá vivo su recuerdo …

Atrás quedan en el recuerdo, para muchos treintañeros y cuarentones, nombres, algunos de ellos míticos, como Barraca, Chocolate, Spook Factory, Espiral, NOD, Puzzle, ACTV, El Templo, Heaven, Zona, Galaxy, Villa Adelina, Arsenal, Looping, Coliseum, Acción, El Torero, Metrópolis, Oggi, Delfos, Yucas, etc.

Sin enbargo la discoteca Barraca sigue muy viva, llenandose cada fin de semana con nuevas generaciones y recibiendo djs de fama mundial de techno y minimal como Ellen Alien, Ricardo Villalobos, Tania Vulcano o Dave Clarke.

pepewindows

1983, SE COMERCIALIZA EL DISCO COMPACTO

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 13 Dec 2011 19:06:00 +0000

Cuando hacia el año 1.983 se comenzó a sustituir la tecnología analógica - simbolizada por el disco de vinilo -, por la tecnología digital - mediante el denominado disco compacto o CD -, se produjo un verdadero fenómeno sociológico de proporciones gigantescas

Un CD de música no contiene el dibujo de las ondas sonoras, sino solamente números que pueden considerarse instrucciones para que el reproductor genere el sonido correspondiente.

Vivimos en plena “revolución digital” en los inicios del siglo XXI. Constantemente, nuevos sistemas de reproducción sonora cada vez más sofisticados pretenden implantarse en nuestra rutina diaria. En los últimos 25 años, hemos asistido al nacimiento del “compact disc”, del MiniDisc, del DVD y a la comercialización reciente del formato digital “mp3”, diseñado para la compresión de archivos de audio y su posterior reproducción.

El 17 de agosto de 1982, el primer CD (compact disc) salía de la fábrica del grupo electrónico Philips en Hanover (Alemania), provocando una revolución en el mundo de la música que nadie habría podido predecir.

Desde los años 90, el CD prácticamente derrocó al disco de vinilo y su uso se amplió a nuevas aplicaciones, como las del CD-Rom o el DVD.

En 25 años, se han vendido 200.000 millones de CD's.

Inicialmente, Philips desarrolló la idea de grabaciones digitales de imágenes y desarrolló un CD de color de tamaño de un disco de 33 revoluciones, pero el videodisco fue despreciado por el público.

Este fracaso incitó a los ingenieros de Philips a realizar un disco más pequeño dedicado únicamente a almacenar sonido. El CD acababa de nacer.

Los inicios son modestos, limitándose a la grabación del disco 'The Visitors' de ABBA, uno de los grupos estrella de esos momentos, y una grabación de la 'Sinfonía Alpina' de Richard Strauss bajo la batuta de Herbert von Karajan.

En un primer momento, Philips solamente produjo 200 CD, principalmente de música clásica, porque su calidad sonora superior era ideal para los melómanos.

Éstos son en un primer momento los más entusiastas ante el CD, más que los fans del pop y el rock y, según las previsiones de Philips, más inclinados a comprar los CD más caros que los vinilos, así como los lectores, cuyos primeros modelos costaban unos 1.500 euros. Las grabaciones en CD revelaban sonidos imperceptibles en un vinilo.

Una de las primeras grabaciones del pianista chileno Claudio Arrau para Polygram reveló que jadeaba y protestaba al tocar. En los vinilos no se le oía, pero en los CD's el sonido es cristalino.

El CD despegó lentamente y en 1985 un grupo estrella de la época, Dire Straits, realizó el disco 'Brothers in Arms', la primera grabación exclusivamente digital.

Este álbum vendió más de un millón de ejemplares y estableció al CD como el soporte del futuro para la música.

A finales de los años 80, las ventas despegan realmente y culminan en 1991. A partir de éste momento, empiezan a bajar.

Con la explosión de la música descargable, los lectores MP3 y soportes populares como IPod, algunos dudan de que el CD alcance a cumplir los 30 años.

1980, LENON ES ASESINADO

noreply@blogger.com (joselomy) — Sat, 10 Dec 2011 15:35:00 +0000

La noche del 8 de diciembre de 1980, cuando John Lennon y su esposa Yoko Ono regresaban a su apartamento en el Edificio Dakota de Nueva York, un joven de 25 años salió de entre las sombras y disparó a quemarropa. Cuatro de los cinco disparos que efectuó Mark David Chapman impactaron en la espalda del músico, que falleció apenas veinte minutos más tarde en un hospital. Treinta años después, John Lennon ostenta la categoría de mito en el imaginario colectivo, y su asesino, condenado a cadena perpetua, sigue en prisión solicitando la revisión de su libertad condicional.

   El por qué Mark David Chapman disparó a John Lennon sigue siendo una incógnita a día de hoy. Tratándose de un enfermo mental, se podría comprender que, tras disparar a Lennon aquel 8 de diciembre de 1980, Chapman se sentara tranquilamente en la acera a la espera de la llegada de la Policía, o que una de las razones que esgrimió en su momento para justificar sus acciones fuera: "Él sabía dónde iban los patos en invierno y yo necesitaba saberlo".
   Con esa frase Mark David Chapman hacía referencia al libro 'El guardián entre el centeno', de J.D. Salinger, una novela considerada clave en la historia de la literatura estadounidense del siglo XX y que el asesino calificó de "un libro extraordinario que contiene muchas respuestas". Era, en definitiva, una de las mayores obsesiones de Mark David Chapman. Las otras eran los Beatles y el hombre al que asesinaría.
   Pero ¿quién era John Lennon por aquel entonces? Lennon había sido uno de los fundadores clave de los Beatles más de dos décadas atrás, con su banda The Quarrymen. A ella se incorporaron Paul McCartney y George Harrison tan sólo un par de años antes de rebautizarse como The Beatles. Ringo Starr, el último del cuarteto conocido, llegaría en 1962.
   Compositor y vocalista de la banda, fue junto a McCartney el responsable de algunas de las canciones más recordadas de los Beatles. Y, al mismo tiempo, uno de los principales culpables de la ruptura del grupo en 1970.
   Un 10 de abril de ese año fue cuando Paul McCartney le contó al mundo la separación de la banda alegando diferencias "personales" y "empresariales". La mayoría de ellas eran con John Lennon, que ya un año antes había anunciado a los integrantes del grupo sus intenciones de dejarlo.
   El músico había perdido el interés por los Beatles ya en 1965, cuando en una entrevista afirmaba: "Podríamos haber puesto cuatro figuras de cera sobre el escenario y la gente hubiera seguido igual de satisfecha. Los Beatles ya no tienen nada que ver con la música". Desde entonces, John Lennon se dedicó a sus trabajos de música experimental con su mujer, Yoko Ono, y declaró abiertamente no sentirse identificado con el último disco de los Beatles, de 1970.
   Las versiones de quién fue el responsable de la ruptura de los Beatles varían: Se culpa a Yoko Ono, a McCartney y a Lennon por separado o a las malas relaciones entre ellos tres. Lo cierto es que ya antes del año 70 todos trabajaban en sus propias carreras en solitario.
   Si los Beatles le habían convertido en un icono popular, su activismo político le convirtió en un símbolo social. Entre finales de los 60 y principio de los 70 Lennon se implicó en distintas causas cívicas, tanto con conciertos, como con donaciones o declaraciones.
   'Give Peace a Chance' o 'Power to the People' fueron dos composiciones de Lennon que se convirtieron en himnos contra la Guerra de Vietnam y la segregación racial en Estados Unidos. Un conflicto que provocó incluso que el Gobierno de este país, dirigido entonces por Richard Nixon, tratara de deportarlo del país.
   Habían sido algunas de las declaraciones incendiarias de Lennon las que habían sembrado en la mente enferma de Mark David Chapman la semilla del odio. Fan de los Beatles desde que tenía 14 años, no logró entender que Lennon renegara de ellos y especialmente de su relación con McCartney, con quien mantuvo duros intercambios de declaraciones a través de los medios varios años después de la separación del grupo.
   Como ferviente cristiano evangélico, Chapman tampoco permaneció ajeno al torbellino de críticas que había desatado Lennon en 1966, cuando, durante una conversación con un periodista, consideró que los Beatles eran "más famosos que Jesucristo". Una ola de rechazo surgió entre los sectores más conservadores de Estados Unidos y miles de discos de los Beatles fueron literalmente lanzados a la hoguera.
   Tras muchos años idolatrando a John Lennon, de pronto el gran héroe de Mark David Chapman se tornó en villano y en su cabeza empezó a rondar la idea de asesinarle. Víctima de los malos tratos en su infancia y con un largo historial de crisis psicológicas, es un misterio en qué punto toma la determinación de acabar con la vida del músico, pero lo cierto es que se decidió a hacerlo. Y lo consiguió.
   Ya en octubre de 1980, Chapman había intentado asesinarlo, aunque desistió y regresó a su hogar. No obstante, el 6 de diciembre volvió a volar hasta Nueva York. La mañana del 8 de diciembre, antes de salir del hotel, Chapman dejó una copia de 'El Guardián entre el Centeno' y en sus páginas de cortesía escribió: "Esta es mi declaración".
   Pasó todo el día frente a las puertas del Edificio Dakota, al lado de Central Park, donde vivía Lennon. En esas horas estuvo hablando con los fans del músico que a diario acudían allí e incluso se cruzó con John Lennon, al que le pidió que le firmara una copia de su último álbum, 'Double Fantasy'. En aquel momento, se replanteó su objetivo inicial, pero finalmente decidió esperar al músico hasta su regreso para asesinarle.

En el juicio posterior al que se sometió el propio Mark David Chapman se negó a que su abogado alegara una enfermedad mental y fue condenado a cadena perpetua, con posibilidad de revisión a los 20 años. Las seis veces que ha pedido la revisión de su condena, le ha sido denegada por razones de seguridad, tanto del resto de los ciudadanos como de él mismo.

( Europapress )

LA EDAD DE ORO

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 13 Nov 2011 17:23:00 +0000

Hoy a salido un articulo estupendo en El Pais donde se rememora un programa de Television Española irrepetible que hizo historia y revoluciono a unos y fue alabado por otros y que me gustaria compartir en este blog.

Hubo un tiempo en el que Lou Reed o The Smiths tocaban en directo en TVE. Un programa-oasis en el que cualquier cosa podía ocurrir al margen del guión. Hasta fue objeto de alguna querella por blasfemia. Repasamos un hito televisivo todavía por batir a través de los ojos de su creadora, Paloma Chamorro.

Cuenta Paloma Chamorro que después de cerrar La edad de oro viajó a Nueva York para contactar con gerentes de galerías de arte. Tenía en la cabeza próximos proyectos para Televisión Española, y su idea era estrechar lazos con artistas de la Gran Manzana. Llevaba su currículo debajo del brazo. Nadie podía creerlo. ¿Así que dirigías y presentabas un programa musical en el que ponías videoclips de The Smiths, Bauhaus, Lou Reed, Marc Almond???. ?No, no?,corregía ella. Dirigía y presentaba un programa musical al que vinieron a tocar en directo The Smiths, Bauhaus, Lou Reed, Marc Almond??.

El hiperdesarrollo de la televisión basura se deriva del hecho de que en España realmente no existe una televisión pública (P. Chamorro)

Y es que a día de hoy todavía sorprende ver trocitos de aquel mítico espacio, cuya sorprendente historia Paloma Chamorro destripó hace unos seis años para un libro sobre La edad de oro que no se llegó a publicar. Hoy vive alejada de su pasado profesional y no se prestó a conceder una nueva entrevista, pero dio su permiso para la inclusión de declaraciones de aquellas conversaciones en su casa de Madrid.

Porque Divisa Home Video acaba de publicar un pack de cuatro DVD con lo mejor del programa, del que Chamorro asegura no tener noticias. El subtítulo, Antología de artistas españoles, exigía una explicación que el departamento de mercadotecnia de la compañía nos ha facilitado. La edad de oro recogía las tendencias artísticas y musicales de todo el mundo que en ese momento aportaba algo a la cultura moderna, pero siempre dando mayor presencia a todo lo que se desarrollaba en torno a la nueva cultura creativa y la explosión artística que se daba en España, y que fue lo que conocemos como la movida. ¿Y la producción internacional? ?Estamos trabajando en ello y esperamos poder llegar a los acuerdos necesarios para su edición

Unos lo defienden como un paradisíaco oasis en el desierto televisivo. Otros lo discuten como una pretenciosa sinrazón. Entre alabanzas y enfrentamientos, La edad de oro se elevó a la categoría de mito. El día 17 del próximo mes de mayo se cumplen 25 años de la emisión del primer capítulo del espacio musical más valiente y polémico que jamás se ha programado en nuestra parrilla televisiva. Fueron 55 programas, entre 1983 y 1985, siempre en La 2, que entonces se llamaba UHF.

Nació con la reunión de Kaka de Luxe y suspiró por última vez con la transmisión en directo del histórico concierto de The Smiths en el paseo de Camoens de Madrid. En medio, una traumática existencia llena de complicadas actuaciones en directo, entrevistas imposibles y reportajes sobre artes plásticas con un nexo común: la erótica de lo imprevisible. Ese atractivo que supone hacer un programa en directo de música en vivo y en un plató de televisión. Tenía dos motivaciones principales, contaba Paloma. Reflejar lo que estaba ocurriendo musical y artísticamente alrededor mío y, sobre todo, hacer un programa de música con sonido directo. Ésta última era mi máxima ambición, porque recuerdo que por entonces existía un espacio que se llamaba Aplauso, al que llevaron a Roxy Music y a Ramones a hacer playback. Y no sabes lo que suponía para mí ver a los Ramones en un plató de televisión mover la boca sin cantar. Paloma Chamorro quiso crear un escaparate de la movida madrileña para el mundo. Un tercer punto de encuentro. Porque si la galería Moriarty servía de lugar de reunión vespertino y la sala Rock-Ola concentraba el ambiente por las noches, La edad de oro era la cita semanal con cámaras. Había que inmortalizar el momento. En Madrid, a partir de la segunda mitad de los setenta, las inauguraciones de las exposiciones de arte estaban llenas de músicos y los conciertos llenos de pintores. Las niñas se hacían modelos con las cortinas de su mamá y presumían de leer, que era algo que no había hecho nunca un rockero o un moderno.? En su época tuvo que convivir con airadas críticas. Los mayores elogios llegarían tras su desaparición. Chamorro venía de dirigir dos espacios de artes plásticas en TVE (Trazos e Imágenes), así que cuando le dieron aquel programa en prime time, algunos periodistas señalaron su falta de rigor musical para tamaña empresa. Puede que La edad de oro no fuera un ejemplo de especialización, pero sí salpicaba muchas disciplinas golpeando un poco al aire para ver por donde salían los invitados. Una especie de guateque televisado donde se podía hablar de cualquier cosa y todo podía ocurrir al margen del guión.

¿El programa más influyente y transgresor de los ochenta?. Así se presenta el lote digital. Influyente, poco. Ningún espacio posterior se atrevió a recuperar aquel formato. Cambiémoslo por mítico. Mucho se hablaba de él y casi siempre por boca de terceros, pues hasta ahora no era fácil el acceso a sus contenidos. Transgresor lo fue. Chamorro recordaba que José María Calviño (entonces director de TVE) la llamó un buen día a su despacho para pedirle explicaciones sobre las algarabías que se montaban en la prensa nacional al día siguiente de la emisión del programa. Que si ofensas a la moral católica, que si un nuevo capítulo del mal gusto en la televisión de todos los españoles, que si los artistas estaban drogados y no daban la talla al ser entrevistados Emisión tras emisión, el interés de la audiencia más inquieta aumentaba en la misma proporción que los ataques a la presentadora y directora del programa. Por no contar la poca predisposición de algunos trabajadores de TVE para sacar un programa tan dinámico como era aquel, dice.

La edad de oro fue un transgresor pacífico de los códigos de comportamiento en Prado del Rey. Un bulto incómodo, por tanto, para los altos cargos. Cuando Paloma declaró públicamente su cansancio, les puso en bandeja el pretexto para cerrar el programa. Era el 2 de abril de 1985. ¿Sería ahora mismo posible un programa como aquel? ?La mayor parte de los escritores no saben una palabra de pintura, y la mayor parte de los pintores no saben una palabra de música moderna. Desasnar analfabetos es indispensable, pero desasnar intelectuales es muy importante. Aplicar este tipo de criterios a un programa con voluntad progresista y de vanguardia técnica en la televisión es perfectamente factible. En España, el obstáculo que tenemos es el hiperdesarrollo de la televisión basura, pero todo esto se deriva del hecho de que en España realmente no existe una televisión pública?.

Esta actuacion de Paralisis Permanente fue emitida en el programa nº 1 de La Edad De Oro el 17 de Mayo de 1983 y la grabacion se hizo unos dias antes de morir en accidente de trafico Eduardo Benabente.

Entrevista a Golpes Bajos en Junio de 1983

Entrevista y actuacion de Killing Joke en La Edad De Oro en el 83

En 1984 en directo tubimos a los Echo & The Bunnymen

Y como no recordar una joya, el concierto y la entrevista de los Smits en 1985, esto es un documento muy valioso, si te gusta ¡¡¡ Disfrutalo !!!

Asi hemos recordado y hecho homenaje a un programa irrepetible en television convertido en todo un mito

LA EDAD DE ORO

RECORDANDO LA ESPAÑA MUSICAL DE LOS 80

noreply@blogger.com (joselomy) — Sun, 30 Oct 2011 17:19:00 +0000

La cultura del Rock en la España de los 80

En los años 1980 el rock español fue influenciado por el new wave y el punk, surgiendo un movimiento conocido como "La Movida madrileña"; este movimiento, en el que, a modo de cajón de sastre, se aglutinó a grupos no tan sólo madrileños, y no estrictamente ligados a el, se corresponde con un período de gran creatividad en la cultura popular española, a todos los niveles; mientras los grupos emergían sin cesar, y se prestaba atención, quizá por primera vez, a la escena underground, el fenómeno creativo se extendía también al cine, el cómic, la fotografía; así se relacionaron con el movimiento Cineastas como Pedro Almodóvar y fotógrafos como Alberto García-Alix. En el campo del cómic, publicaciones como Totem o Cimoc se hacían eco de la cultura del rock, potenciando su lado fantástico y onírico.

La "Movida", fue muy promocionada por la administración local madrileña, en aquel momento regida por "el viejo profesor" Tierno Galván; es muy recordada su polémica frase al respecto a la apertura de un concierto; "¡Rockeros: el que no esté colocado, que se coloque... y al loro!"; asimismo se recuerda en relación a este período el programa dirigido por Lolo Rico "La Bola de Cristal", un espacio televisivo profundamente iconoclasta, vinculado a la cultura del momento y en el que aparecían haciendo cameos y celebradas actuaciones musicales artistas como Loquillo, Alaska o Juan Perro.

Se pueden mencionar asimismo los locales de referencia de la "Movida", locales desaparecidos como el Rockola, o el todavía vigente "Penta", mencionado en la canción de Nacha Pop "Chica de ayer; el paso del tiempo ha acabado por mitificar estos puntos de reunión de la Movida Madrileña, y los ha hecho permanecer en la memoria colectiva como eternamente vinculados a la época que los vio nacer.

Musicalmente, se pueden destacar artistas como Los Ilegales, Los Toreros Muertos, Loquillo, Parálisis Permanente, Kaka de Luxe, Los Bólidos, Nacha Pop, Gabinete Caligari, Danza Invisible, Héroes del Silencio, Radio Futura, Los Secretos, Aviador Dro, Alaska y los Pegamoides, Tino Casal, Golpes Bajos, Las Vulpes, Derribos Arias, Glutamato Ye-ye, los rollingstonianos Burning, el glam rock de Lemo o el propio Miguel Ríos, aprovechando el impulso del momento para relanzar su dilatada carrera. El movimiento tuvo una respuesta desde Vigo, donde surgen Siniestro total y Aerolíneas Federales y también en Barcelona con grupos como Loquillo y los trogloditas, Los Rápidos, Dossier Negro o Fugitivos.

A nivel de grandes audiencias triunfaron grupos como Mecano, Duncan Dhu, o La Unión,de los cuales en muchas ocasiones se discute el que se puedan vincular a la movida, pero que sin duda tenían relación con el momento artístico que se vivía. Mecano estaban al comienzo influenciados por los nuevos románticos, mientras que Duncan Dhu facturaban un rock más acústico e introspectivo, con mucha antención a las melodías y de letras trabajadas. Asimismo, Héroes del Silencio fue otro de los grupos que triunfaron masivamente en los 80, siendo los que más proyección internacional alcanzaron, entrando ya de lleno en los primeros 90 con una personal propuesta que combinaba letras elaboradas y barrocas con un poderoso rock electroacústico.

Tambien queremos destacar otra movida, " la movida valenciana ", en valencia no todo era movida discotequera alternativa sino que tambien se formaron infinidad de bandas y para detallar todo lo que paso en Valencia te proponemos un enlace donde explica verdaderamente bien todo lo que pasó en Valencia durante los 80, este enlace pertenece a nuestra pagina amiga de Nacionalpop:

http://www.nacionalpop.com/valencia.html

En el campo del Rock Duro, se crean formaciones como Baron Rojo, Obús, La Polla Records, Leño, o Barricada.
Algunos de los álbumes más destacados o recordados de este período son;
Los Secretos, (1981, Los Secretos).
Flash Epidérmico, (1981, Lemo).
Contacto Interior, (1981, Danza Invisible).
Buena Disposición, (1982, Nacha Pop).
El Acto, (1982,Parálisis Permanente).
Volumen Brutal, (1982, Barón Rojo)
Noches de Rock and Roll (1984, Burning)
Fugitivos, (1986, Fugitivos).
Camino Soria (1987, Gabinete Caligari)
La Canción de Juan Perro (1987, Radio Futura).
El mar no cesa (1988, Héroes del silencio).
Un lujo a tu alcanze ( 1989, Danza Invisible)
A por ellos, que son pocos y cobardes, (1989, Loquillo y Trogloditas)
Autobiografía, (1989, Duncan Dhu)
Descanso Dominical (Mecano]])
Doce canciones sin piedad, (1989, 091)

ROXI MUSIC

noreply@blogger.com (joselomy) — Tue, 25 Oct 2011 17:50:00 +0000

Curiosamente, este disco (su mayor éxito) supuso el fin de la banda ya que de nuevo la vanidad de sus miembros hizo que regresaran a sus carreras en solitario (especialmente Ferry), carreras que no lograron ni de lejos el renombre e influencia que sí obtuvo Roxy Music.

El 5 de junio de 1982, "Avalon", el último disco de la banda Roxy Music, consiguió posicionarse en el número uno de la lista de álbumes más populares del Reino Unido.
En este trabajo se perfiló definitivamente el estilo y la imagen de crooner moderno y sofisticado de Bryan Ferry, cantante principal y líder de la banda, que a partir de entonces comenzó su carrera en solitario.

"Avalon" fue, además, uno de los discos favoritos de aquella generación de yuppies ricos y despreocupados que floreció en los ochenta. Y eso a muchos críticos no les hizo mucha gracia. Sin embargo, las canciones recogidas en el álbum se han convertido en clásicos del pop del siglo XX.
Aqui puedes ver el videoclip del tema que da título a todo el trabajo, "Avalon".