Guitar Secrets

El saxofonista Branford Marsalis llega al Maestranza

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Fri, 13 Nov 2009 09:06:00 +0000

Branford Marsalis es uno de los mejores saxofonistas del jazz actual. El mayor y más creativo de los hermanos Marsalis ha mantenido su cuarteto intacto a través de los años. El ciclo Grandes Intérpretes comienza hoy, a las 20.30, con la actuación de Marsalis en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

El suyo es un jazz atemporal y denso que cala muy adentro. Branford Marsalis Quartet está formado por el saxofonista y por Joey Calderazzo (piano), Eric Revis (bajo) y Justin Faulkner (batería). Marsalis, ganador en varias ocasiones del Grammy, vive un momento de esplendor. En 1999, obtuvo tres premios Grammy por su trabajo de jazz inspirado por Ravel y Gershwin en el que colaboró con Herbie Hancock.

Marsalis nació en 1960 y es el mayor de sus cinco hermanos, entre ellos Wynton Marsalis, trompetista, compositor y arreglista. Branford Marsalis inició su carrera profesional al principio de los años ochenta tocando el saxofón barítono en la Art Blakey's Big Band, de Clark Terry, y el saxofón alto en la Blakey's Jazz Messengers. De 1982 a 1985, tocó el saxofón tenor y soprano con el grupo de su hermano Wynton y con la banda de apoyo de Sting. En 1986, formó su propio grupo con Kenny Kirkland (piano), Bob Hurst (bajo) y Jeff Watts (batería).

Durante los años noventa, colaboró con los Grateful Dead. En 2002, fundó el sello Marsalis Music, que, entre otros, edita álbumes de Doug Wamble y Harry Connick, Jr. En su disco Braggtown (2006) ofrece composiciones que beben de la música de Coltraine y de la locura del Free Jazz.

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Lady Dottie y The Diamonds saciarán tu hambre de rock

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 12 Nov 2009 09:21:00 +0000

"Los días de hambre me hicieron más fuerte”. Es el grito de guerra de la señora Dorothy Mae Whitsett, más conocida como Lady Dottie, que se hace acompañar por el grupo The Diamonds. Y te aseguro que no es un grito de guerra cualquiera.

Nuestra ruta se detiene en Alabama, donde Lady Dottie creció marcada por una sociedad en la que el racismo era tan corriente como el aire sureño que llevaba cantos gospel a su corazón. La música se convirtió por tanto en un elemento de supervivencia, incluso más allá, era una razón para creer, y en los profundos sonidos negros encontró dignidad y fuerza. Mahalia Jackson, Aretha Franklin o Koko Taylor dieron poder a nuestra protagonista para buscar esperanza en la música.

La dama negra, que ahora tiene 66 años, vivió superando penurias, pasando hambre, viéndoselas de todo tipo para tener dinero en los bolsillos pero grabando y cantando sin parar. Su curriculum es impresionante. Como corista ha colaborado con Rolling Stones, Muddy Waters, Buddy Holly, Ray Charles, Chuck Berry, Ike & Tina Turner, Otis Redding, Sam Cooke o AC/DC.

Y aún así, Lady Dottie no es más que una superviviente innata, aunque eso signifique mucho. Es una luchadora y en su explosiva mezcla de garage-soul con bendiciones gospel reside las victorias de sus batallas diarias y su fe ciega por Dios y el rock’n’roll. Un rock viciado de diferentes ritmos negros del blues, gospel, garage, soul. Su disco de debut junto con los chavales blancos de The Diamonds muestra esa amplitud de onda.

Lady Dottie y sus Diamonds están de gira por nuestro país desde ayer que pisaron tierras canarias y es un hecho que merece su espacio en esta carretera sonora norteamericana, que se acelera con temas tan incandescentes como el siguiente.

GIRA:

12 Nov – Barcelona, Rocksound
13 Nov – Madrid, Gruta 77
14 Nov – Vitoria, Helldorado
16 Nov – Valencia, Black Note
18 Nov – Santiago Compostela – Aniversario Discos Reixa – La Nasa
20 Nov – Gijón, Festival Cine
21 Nov – San Sebastián, Centro Cultural Altza w/Lord Bishop Rocks

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Música en el Muro de la memoria

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 12 Nov 2009 09:03:00 +0000

A juzgar por los atuendos, el frío de hace 20 años y el de ayer en Berlín eran poco menos el mismo. Sólo que ayer, además, llovía: una lluvia finísima, de esas que se ensañan con los huesos hasta dejarlos estremecidos. Pero los berlineses parecen estar tan acostumbrados al mal tiempo como a las grandes citas con la historia. Por supuesto, ayer acudieron en masa a la puerta de Brandeburgo y los aledaños del Reichstag para no perderse la Fiesta de la Libertad, que así fue bautizada la conmemoración de la caída de un Muro vergonzante que resistió durante 28 años, dos meses y 27 días.

Un par de horas antes de que comenzara la fiesta, dar un paso en el lugar de autos era una hazaña prácticamente imposible, tanto como hacerse con una bebida o un bratwurst en alguno de los numerosos chiringuitos. La gente guardaba cola bajo el agua con esa paciencia tan ejemplar como desconocida en otras latitudes. Las sirenas de la policía aullaban sin cesar y los controles de bolsos y mochilas se repetían de tramo en tramo, pero la excepcionalidad no lograba alterar en ningún momento el sentido de orden general de la ceremonia.

Daniel Barenboim compareció en el podio a las siete de la tarde clavadas. No podía ser nadie más. Por ser el director titular de la Staatskapelle de Berlín que actuaba ayer, pero no sólo por eso. Argentino de nacimiento, trasladado a Israel a los 10 años, director y pianista a la vez, probablemente nadie encarna más intensamente el diálogo intercultural: él interpretó por primera vez a Wagner en Israel, él dirigió en 2005 a la West-Eastern Divan Orchestra -el conjunto que fundó con Edward Said en 1999, integrado por músicos israelitas y de los países árabes-, en un lugar tan dramáticamente simbólico como Ramala.

Ayer Barenboim se sentía a sus anchas. La música tuvo un papel muy destacado hace 20 años: la imagen de Mstislav Rostropóvich a los pies del Muro interpretando la Suite número 2 de Bach, forma ya parte de la historia, como también es historia la Novena de Beethoven que Bernstein dirigió el 25 de diciembre de ese año en la zona oriental, retransmitida por la televisión y con audiencias que batieron récords históricos. Fue en ese concierto cuando la palabra freude (alegría) de la oda de Schiller fue substituida por freiheit (libertad). El propio Barenboim se hallaba en la ciudad aquel 9 de noviembre para dirigir a la Filarmónica. Pocos días después ofreció un concierto para ayudar económicamente a los berlineses del Este.

Naturalmente, director y músicos actuaban ayer a cubierto, bajo una carpa transparente que recordaba a la cercana cúpula del Reichstag. El espectáculo se abrió con el festivo preludio del tercer acto de Lohengrin de Wagner. Pero si el autor de la Tetralogía podía introducir connotaciones de un germanismo poco grato, pronto vino la pieza de Arnold Schönberg Un superviviente de Varsovia, para recitador -Klaus-Maria Brandauer, mefistofélico en su largo abrigo y una gruesa bufanda- y coro -el de la Staatsoper-. Escrita en el exilio americano, esta pieza, de ocho minutos de duración, le vino como anillo al dedo a Barenboim para recordar otro 9 noviembre, éste nada exultante: el de 1938, conocido como "la noche de los cristales rotos", cuando en Alemania y Austria se lanzó el pogromo contra los judíos que estuvo en los orígenes del Holocausto. La carga política de la actuación tal vez había asumido en ese punto una densidad excesiva. Por eso, hacía falta introducir la música de un alemán universal libre de toda sospecha: Beethoven. Barenboim y sus músicos atacaron con energía el allegro con brío de la Séptima sinfonía. El concierto debía concluir con una pieza especialmente encargada para la ocasión de Friedrich Goldmann, reconocido compositor de la Alemania oriental, fallecido en julio pasado, que ya anteriormente había afrontado compromisos similares (por ejemplo, en la Expo de Hannover de 2000). El título de la obra de Goldmann era programático: Es ist als habe einer die Fenster aufgestossen, esto es Es como si alguien hubiera abierto con fuerza las ventanas. A nadie podía escapársele la metáfora.

Fuera de programa estaba reservada una sorpresa: la actuación de Plácido Domingo, que estos días ha recalado en Berlín para cantar Simon Boccanegra. Iba a ser la guinda de la parte musical, y Barenboim y Plácido no la desperdiciaron: atacaron la popular marcha Berliner Luft (El aire berlinés) de la opereta Frau Luna, de Paul Lincke, por supuesto invitando al público a sumarse a la canción. Fin del concierto: eran las 19.30, ni un minuto más ni uno menos. Fin del concierto clásico, conviene aclarar, pero no de la música, pues ahí estaba también Bon Jovi para poner una nota pop al evento de la noche berlinesa.

Pasaban pocos minutos de las nueve de la noche cuando el inmenso dominó con piezas de 2,5 metros de altura decoradas con múltiples motivos empezaron a caer una tras otra, y de nuevo la metáfora de la reacción en cadena que causó aquel 9 de noviembre de 1989 se hizo evidente. Los fuegos artificiales que siguieron proyectaban sugestivas formas sobre la espesa niebla. Seguía lloviendo sin compasión. Entre la multitud, una voz española captada al vuelo: "También podía haberse caído el Muro en verano".

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Steven Tyler deja Aerosmith

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 11 Nov 2009 08:58:00 +0000

El cantante de la banda de rock Aerosmith, Steven Tyler, ha dejado la formación sin dar explicaciones, según ha asegurado el guitarrista Joe Perry en una entrevista publicada por el diario 'Las Vegas Sun'.

"Steven lo ha dejado, hasta donde yo sé", dijo Perry, quien confiesa que se enteró de la noticia a través de internet. "No sé por cuánto tiempo será, indefinido o lo que sea", aseguró el músico de Aerosmith, grupo que saltó a la fama en la década de los 70 y vivió sus momento de esplendor a finales del siglo pasado.

Tyler, de 61 años, habría dejado Aerosmith después de una última actuación en Abu Dhabi ante 50.000 espectadores, que puso fin a una gira mundial llena de sobresaltos. El cantante se cayó del escenario en agosto en un concierto en Sturgis, en Dakota del Sur, y se rompió un brazo, lo que obligó a suspender gran parte de las actuaciones siguientes.

El accidente añadió tensión a las tirantes relaciones de los miembros de Aerosmith con Tyler quien, según Perry, "no ha estado dando el cien por cien en esto durante mucho tiempo". "Obviamente él tenía esto -dejar el grupo- preparado desde hace mucho. Hasta el punto de ser desconsiderado con sus 'hermanos' que nos tuvimos que enterar de la noticia por internet. Aún me importa él como persona, al menos la persona que yo conocía, pero las cosas cambian", comentó el guitarrista.

Perry insistió en que Tyler no contesta a las llamadas de sus compañeros, algo que ha sido una rutina en la relación de Aerosmith, dijo el músico, y con lo que han tenido que "aprender a vivir".

Desde que finalizaron la gira, el vocalista no se ha puesto en contacto con sus compañeros para confirmar o desmentir la información. "Ahora mismo me estoy haciendo a la idea de cómo vamos a continuar con el grupo. Probablemente encontremos a alguien que cante en esos lugares en los que necesitemos un cantante", comenta Perry.

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¿Es la guitarra en realidad un falo?

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 11 Nov 2009 08:52:00 +0000

¿Es la guitarra en realidad un pene de madera? ¿Un falo de seis cuerdas para penetrar oídos y percutir mentes?

¿Vacían los rockeros sus vesículas seminales sobre los pabellones auditivos y los rostros de sus entregados fans? ¿Será el rock de verdad una falocracia?

Ahora veremos qué dice la ciencia al respecto, pero anticipo mi respuesta: sí, sí, sí.

Cuando Bruce pone esa cara de éxtasis en 'Born to run'... Sí. Cuando Metallica masturban sus instrumentos hasta destilar ese metal espeso y calentito... Sí. Cuando Madonna se cuelga una Epiphone Riviera en sus shows en el clásico tema (sólo vagamente) rockero... Sí, está diciendo: "Yo tb tengo pirula".

¿Lo digo en serio o en broma? Voy a seguir, así me entero yo también.

Falo. Del griego phallós. ¿Y qué suele suponer el falo, digamos, en el subtexto? Fertilidad y capacidad creativa. Poder. Sexo. Todos ellos elementos claramente inherentes al rock, frenesí dionisíaco mediante.

Quizás por pereza, siempre he pensado que las motos son diabólicos símbolos fálicos. Cuando paseo por la calle y veo esas farolas tan altas y puntiagudas... ¿Y esa obsesión humana por construir enormes edificios de 1.500 pisos con aspecto de miembro siempre enhiesto?

"Unas pajas guitarrísticas (ojo a 0'39'') y sexo explícito (1'10'')"

En lo explícito, está claro que las guitarras: a) dan placer (musical); b) engendran algo, digamos que sensaciones, y c) aportan poder: el que la toca puede darle la turra al que escucha, y no al revés.

Así las cosas, y viendo las caras de orgasmo de Hendrix y Clapton, ¿no sería más lógico preguntarse si los penes son en realidad guitarras de carne? Digo.

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Los herederos de Sinatra

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Tue, 10 Nov 2009 07:00:00 +0000

Jamie Cullum y Michael Bublé encabezan una nueva generación de intérpretes que reivindican el placer de la nostalgia. Su estilo, elegante y "retro", se ha convertido en una de las últimas bazas para sostener la industria musical.

Es inexacto decir que era un cantante de bodas, convenciones y cruceros. "En realidad sólo he cantado en una boda en mi vida". Con su cara de bebé gigante, el vocalista canadiense Michael Bublé no puede ocultar su golpe de suerte. A los 25 años estaba arruinado, a punto de regresar de Toronto a Vancouver para dejar de emular sobre escenarios de cuarta a Bobby Darin y empezar un curso de periodismo. Tras actuar en una fiesta de negocios, un simpático señor se acercó a felicitarle. Bublé le entregó la última copia que le quedaba del CD que se había autofinanciado. "Al menos podrá utilizarlo como posavasos", le dijo. El simpático señor resultó ser íntimo del ex primer ministro canadiense Brain Mulroney, que le llamó para cantar en las nupcias de su hija.

Meses después estaba sentado ante el presidente de Warner. "¿Por qué debo ficharle, si ya tengo los derechos de Sinatra?", me preguntó. A lo que respondí: ‘Porque Sinatra está muerto y hay un vacío en el mercado que podemos llenar”. Según estimaciones de la compañía, vendería en toda su carrera entre 15.000 y 20.000 discos. Hoy, con cuatro álbumes de estudio, ha despachado más de 22 millones de copias.

Bublé, de 34 años, encabeza una nueva generación de crooners empeñada en actualizar el legado del Rat Pack (el grupo de cantantes que emergió en los años cincuenta encabezado por Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davies Jr.). Una tendencia al alza en un mercado musical saturado de estilos que está encontrando en la nostalgia una auténtica tabla de salvación. El jazz (con Diana Krall o Norah Jones), el revival soul (Amy Winehouse o Duffy) y el folk (Cat Power o Amy Macdonald) parecen pertenecer a las artistas femeninas. Pero el swing está en manos de chicos capaces de mantener el tipo ante una big band. Aunque Bublé considere que “cualquiera, hombre o mujer, que cante con sensualidad se puede considerar crooner”. Y sitúa la cuestión por encima de géneros y épocas. "Axl Rose [cantante de Guns N’ Roses] o Eddie Vedder [de Pearl Jam] podrían serlo. ¿Por qué no? La primera vez que escuché a Vedder, con esa voz baja maravillosa, pensé que era el nuevo Elvis".

En su cuarto álbum, Crazy love, continúa basando su repertorio en standards, reinterpretando clásicos del propio Sinatra, Dean Martin, Dinah Washington, Nat King Cole, Debbie Reynolds, Eagles o Brenda Lee. Y ha buscado lo que él llama "aire" en la grabación. "No quería registrar primero la batería, y luego otra pista y luego otra para que todo acabara comprimido en un archivo MP3 donde el aire desaparece. Quería esas tomas hechas en el estudio con micrófonos y toda la banda tocando a la vez. Mis discos favoritos son los de la Motown, en los que se apuesta por el sentimiento por encima de la toma redonda. Puede que este disco no suene perfecto, pero cuando lo escuchas parece que estás compartiendo habitación con los músicos".

Hoy queda muy bien reivindicar todo esto, pero cuando empezó nadie quería ni oír hablar de chavales entonando canciones de gente muerta. "Mi abuelo, un fontanero italiano, convenció a un tipo que tenía un bar de conciertos para que me dejara actuar por primera vez a cambio de arreglarle un grifo. Todavía conserva la cinta de aquella actuación. Dice que suena como una mierda". Aún hoy tiene que demostrar que lo que hace "no es para gente mayor y para amas de casa. He crecido escuchando a Michael Jackson, Guns N’ Roses y Beastie Boys. No sentado en casa mirando películas antiguas. Y una huella de eso está en mi trabajo".

Algo parecido le pasó a Jamie Cullum. En Hullavington, el pueblito inglés cercano a Bristol donde creció, molaba escuchar Nirvana, Soundgarden o Red Hot Chili Peppers. "Algo que compartía, desde luego", explica Cullum. "A partir de los 12 años me volví un freak total de la música. Un músico me descubría otro y un disco me llevaba a otro. Me enganché al hip hop: The Beatnuts, A Tribe Called Quest, Beastie Boys… Y me volvía loco buscando los discos que sampleaban. Así es como llegué a Herbie Hancock, Miles Davies o Thelonius Monk. La música negra era algo muy exótico y misterioso en un pueblo eminentemente blanco como aquel". Y se encerraba con el walkman en su habitación sumergido en los placeres culpables que le devolvieron al piano, un instrumento que había abandonado a los siete años por divergencias con su profesora. "Ella tocaba una melodía y yo se la repetí de oído. Y me decía: "No, no, tienes que aprender a leerla". No entendía por qué tenía que emplear dos días en hacer algo que me llevaba diez minutos".

Jamie Cullum ha pasado por Madrid para presentar su cuarto disco, The pursuit. Y una noche la ha dedicado a grabar con su iPhone una actuación de flamenco desde la terraza de su hotel. Está encantado, porque se lleva de vuelta a casa la discografía completa de Camarón por gentileza de su compañía española. Está obsesionado con una técnica que, asegura, jamás podrá alcanzar. El parón de dos años tras la gira de su anterior trabajo le ha permitido montar cerca de su casa en Londres su propio estudio Terrified (literalmente, "aterrorizado"), toda una declaración de intenciones. "Antes me sentaba al piano e iba tarareando cosas. Ahora he tenido que enfrentarme a todos los instrumentos a la vez. Ha sido un acojone muy satisfactorio", se ríe.

A Cullum, de 30 años, le costó decidir qué camino seguir. De adolescente compaginaba una banda de rock ("donde jugábamos a ser rockstars, pasarlo bien, ir a fiestas y ligar") con el jazz. "Esto último se convirtió en mi verdadero trabajo, porque me pagaban por ello. Tocaba en tugurios con tipos de 60 o 70 años que se quedaban fascinados conmigo. No por mi talla como músico, sino por mi diminuta figura. Tenía 18 años, pero aparentaba 12. Era una imagen un tanto depravada. Había noches que acababa tan borracho que tenía que dormir en el coche. Ellos me enseñaron a ser un profesional, desde qué vestir hasta cómo construir un repertorio".

A los 21 años, tras licenciarse en literatura inglesa, se instaló en Londres, siguiendo la estela de su hermano mayor, Ben, productor de música electrónica. Formó parte del grupo Taxi, participó como telonero en una gira de Paul Weller, y Liam Gallagher, de Oasis, les dejaba ensayar en su local. Pero no podía quitarse el jazz de la cabeza. Tres noches por semana actuaba en Pizza Express, una franquicia de comida rápida que albergaba en su sótano un club para actuaciones en vivo. "Con eso pagaba el alquiler y cenaba caliente", recuerda.

Su estilo vibrante llamó la atención de los ojeadores de las discográficas, valiéndole primero un contrato con un sello pequeño e inmediatamente otro de un millón de libras por tres discos para Universal. Si en un principio seguía los pasos de su admirado Harry Connick Jr., pronto reveló sus dotes como popstar. Ambas facetas se funden definitivamente en su más reciente trabajo. "En Inglaterra te meten en una cajita y ahí es donde tienes que pasar el resto de tu carrera. Yo sabía que no quería ser un intérprete de piano ni Robbie Williams, aunque, obviamente, estoy en algún lugar entre medias". Quien le haya visto ejecutar sus versiones de Radiohead o White Stipes maltratando a golpes su instrumento sabe de qué habla (esta vez ha grabado una sosegada interpretación de Don’t stop the music, de Rihanna). Corre el rumor, incluso, de que hay promotores a quienes les cuesta encontrar un piano de alquiler cuando dicen que es para Cullum. Se ríe. "¿Has visto el piano destrozado de la portada de este disco, verdad? Para mí es como un instrumento de rock and roll. Sólo puedo decir que si en el pasado he dañado alguno he pagado su reparación. Y que actualmente procuro viajar siempre con el mío propio".

Entre sus logros recientes están haber colaborado con Burt Bacharach o grabado para Clint Eastwood. Su hijo, Kyle Eastwood, es un músico de jazz que graba habitualmente en los estudios de Cullum. "En cierta ocasión, Kyle estaba escuchando mi música y su padre le preguntó: "¿Quién es ese tipo? Me encanta". Me pidió que escribiera algo para la banda sonora de La vida sin Grace. Yo estaba trabajando en una demo para James Blunt y me dijo: "La quiero". Después me invitó al festival de jazz de Monterrey, del que es director, y me pidió el tema principal de Gran Torino. Acabamos grabándola juntos en su casa de Bel Air (Hollywood). Su colección de discos hace palidecer a cualquiera".

¿Hay algo con lo que no se atreva? "Creo que el mayor ridículo de mi carrera estuve a punto de hacerlo en el Sónar 2008. Mi hermano es amigo de Darren Emerson [miembro del grupo techno Underworld] y me propusieron participar con ellos en un concierto en este macrofestival de Barcelona. Decidieron que querían que fuera todo improvisado. Nunca había hecho algo así. ¡Lo pasé fatal!".

Hoy, Cullum se ha convertido en una figura habitual en los tabloides británicos por su inminente boda con la modelo Sophie Dahl, nieta del escritor Roald Dahl. "Eso sí que es agotador. Pero el amor ayuda a superarlo todo. Es lo que he querido reflejar en este disco".

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Master Class Don Gorder en Valencia

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Mon, 09 Nov 2009 11:35:00 +0000

Leía en el blog From Madrid to Hollywood la próxima Master Class que va a realizar Don Gorder (presidente y fundador del Departamento de Music Business y Management de la Berklee) bajo el nombre "La música es tu negocio". Como muchos sabréis en Valencia tenemos la suerte de tener la Breklee Valencia, y va a ser aquí donde se desarrollará esta Master Class.

¿De qué va a ir la Master Class?

Toda la información os la presento a continuación:

Master Class

"La música es tu negocio"

Sinopsis

El negocio de la música, hasta ahora, se había basado en la comercialización de la música y en la consecuente generación de ingresos. Históricamente, el colectivo de seguidores de los artistas se creaba en base a sus giras y discos, y el éxito dependía, por lo general, del apoyo que proporcionaba un sello discográfico, tanto en la promoción y comercialización de los discos como en las giras. La cobertura de las emisoras de radio y de la prensa era esencial para alcanzar el éxito. Los sellos discográficos controlaban la situación.

En el momento actual de la industria musical, los artistas tienen la posibilidad de guiar sus propias carreras, sin tener que depender del respaldo de empresas. En Internet existen mecanismos y técnicas para contactar con el público; construir un colectivo de seguidores; generar ingresos provenientes de giras, de la venta de discos y otros objetos; obtener apoyos y adhesiones; y poder autorizar canciones. Esta es la nueva realidad de la industria musical, y todos los principales implicados (artistas, sellos, promotores, comerciales, representantes, editores, etc.) se están adaptando a ella.

”La música es tu negocio” explorará este nuevo estado en profundidad. Examinaremos los modelos de negocio que están tomando forma en entornos corporativos, en contraste con el sector independiente y el HTM (hazlo tú mismo) del artista, así como los servicios on line que los artistas e intermediarios utilizan para erigir sus carreras y generar ingresos. Te mostraremos todo lo que un profesional de la música debe saber acerca de la gestión y protección de derechos, contratos, autorizaciones, técnicas de marketing viral, organizaciones empresariales y la importancia de los medios de comunicación. Este asesoramiento proporcionará a todos los profesionales de la música, de todos los niveles, los conocimientos para atender su negocio, y lograr introducirlo en el camino hacia el éxito.

Don Gorder: biografia

Don Gorder, presidente y fundador del Music Business/Management Department en el Berklee College of Music; es abogado, educador, y músico. Está titulado en materia jurídica y musical por las Universidades de Nebraska, Miami y Denver. Autor de gran cantidad de artículos sobre la industria musical, ha sido conferenciante en numerosos eventos sobre dicha industria, tanto nacionales como internacionales. Es coautor del curso on line “Aspectos legales de la industria musical” de Berkleemusic.com. Como abogado ha ejercido en materia de derechos de autor y contratos, y se mantiene en activo como trompetista en entornos jazzísticos y publicitarios. Don Goder fue presidente de las NAMM-Affiliated Music Business Institutions y miembro del Consejo de Dirección de la Music and Entertainment Industry Educators Association. Ocupó durante catorce años el cargo de Representante del equipo de recursos de gestión del negocio de la música en la International Association for Jazz Education. En la actualidad es miembro del Consejo de Administración del Arts & Business Council de Greater Boston.

INFORMACIÓN E INSCRIPCIONES

Fundación Autor - Área de Formación
Bárbara de Braganza, 7
28004 Madrid
Tel.: 91 503 68 79 – Fax: 91 503 68 76
E-mail: angomez@sgae.es/ msausor@sgae.es - Web: www.fundacionautor.org

MATRÍCULA (precios IVA incluido)

Alumno: 60 €
Socios SGAE: 50€
Se entregará un diploma a los alumnos al finalizar el taller.

FORMA DE PAGO

Pago a Iberautor

Transferencia bancaria a la cuenta de Iberautor Promociones Culturales: 2100 0079 88 0201357341 (La Caixa).
Antes de pagar, rogamos compruebe que todavía existen plazas disponibles como alumno, en cualquiera de sus dos modalidades.
Por favor, indicar datos de referencia en la transferencia: nombre y apellido de la persona inscrita y adjuntar copia por fax del justificante.

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Raimundo Amador abre la Muestra de Música Joven de Jaén

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Mon, 09 Nov 2009 08:43:00 +0000

La actuación del guitarrista sevillano Raimundo Amador, uno de los referentes del flamenco fusión, sirve hoy para abrir la quinta edición de la Muestra Local de Música Joven de Jaén, un escaparate para la difusión de las bandas noveles del panorama jiennense.

Amador, que recibió este verano el premio del Festival de Blues de Cazorla, actuará en el Teatro Darymelia de Jaén acompañado de Pepe y Angie Bao, y mostrará parte de su último trabajo, Blueslerías, donde se afana por mostrar las raíces del blues en el flamenco y viceversa.

La principal novedad de la muestra, organizada por la Concejalía de Juventud, es la selección entre los siete finalistas del grupo o solista que representará a Jaén en el Festival de la Nueva Música que se celebrará en Valencia en marzo de 2010, en el marco de la Feria de la Música en España.

Los siete finalistas, que se conocerán hoy, actuarán en diferentes locales de la ciudad, entre ellos Iroquai, Trovador, Chubby Check, St. Patrick y Zar One, durante todos los jueves de noviembre y diciembre. Las bandas seleccionadas recibirán 600 euros y la edición de un CD que incluirá dos temas de cada uno de los grupos.

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A la revolución por el "gin tonic"

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Fri, 06 Nov 2009 08:39:00 +0000

Sólo hay una cosa segura en un concierto de Billy Bragg: si dura hora y media, 30 minutos los pasará hablando. Todo lo demás puede variar, tiene tablas de sobra para modificar el repertorio. En Madrid, en la sala Galileo abarrotada de gente, lo hizo. Además viene solo, que, asegura, es la única manera con la que gana dinero en las giras. Armado con una Fender Telecaster y vistiendo la misma camisa negra con la que ha aparecido en infinidad de bolos, 52 años, un buen corte de pelo, rostro juvenil y cabello cano. Parece un monologuista.

Lo que sorprende de Billy Bragg es que entre comentarios políticos, anécdotas sobre su hijo adolescente y su mujer (hija de un exiliado republicano español), y chistes en inglés que hacen que toda la sala rompa a reír (de lo que se deduce que entre la audiencia había un buen porcentaje de anglófonos) le dé tiempo a tocar unas veinte canciones. Un repaso a 25 años de carrera de forma desordenada. Funciona.

A pesar de que ha sido un artista unido desde siempre al tiempo en el que vive y que desde que empezó hasta hoy el mundo ha cambiado hasta ser irreconocible, sus viejos himnos sindicalistas siguen sonando igual de emocionantes y la sala canta a voz en grito There is power in the union. Y de ahí puede pasar a un tema de desamor como Must I paint you a picture para comprobar que alguien capaz de escribir "Las decisiones más importantes de la vida se toman entre dos personas en una cama" es mucho más que un cantautor político. Luego, afronta lo más parecido que ha tenido a un intento de asaltar las listas, Sexuality, que no desentona con Ain't got no home, una canción de los años treinta de su adorado Woody Guthrie, remarcando lo actual de su mensaje. Es cierto que a veces sus diatribas políticas caen en lo panfletario. Pero, ¿qué más da? Billy Bragg es un tipo simpático, capaz de soltar con toda naturalidad que con los terroristas hay que negociar, sin que suene a escándalo, porque él no impone, propone. Sus temas son emocionantes y el efecto en el oyente es euforizante y reconfortante, como la buena comida o el buen sexo.

Termina el concierto con su éxito New england, en un gesto populista. Apoteosis final. Nos dejamos la garganta con el estribillo y volvemos a casa imbuidos de un furor revolucionario que se pasa a igual velocidad que el sabor del último trago del gin-tonic.

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El guitarrista de los grandes del "Blues"

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 05 Nov 2009 08:21:00 +0000

En una carrera musical que se prolongó a lo largo de 50 años, el guitarrista Freddy Robinson, muerto de cáncer a la edad de 70 años, tocó con Ray Charles, Boby Blue Band, Howlin' Wolf, Little Walter y docenas de artistas de blues y rhythm and blues menos conocidos. Gracias a que tuvo oportunidad de escuchar jazz desde pequeño, pasó a ser uno de esos intérpretes que tocan "de oído" a realizar labores de acompañamiento musical más sofisticadas, pero siempre miró con cariño su pasado y siguió estando orgulloso de sus primeros trabajos.

Natural de Memphis (Tennessee), pero criado en Arkansas, Freddy Robinson ya había escuchado antes de su adolescencia a muchos músicos de blues de renombre local, y la forma de todas la guitarra de Joe Willie Wilkins le inspiró a practicar él mismo con dicho instrumento. En 1956, se mudó a Chicago y comenzó a trabajar con los intérpretes de armónica Brimingham Jones y Little Willie Anderson, que le contrató en 1958.

Ese paso le cambió la vida. Mientras estaba de gira con Walter, vio a un grupo de jazz tocando temas de las listas de éxitos y ello le estimulo para mejorar su destreza interpretativa en la Escuela de Música de Chicago. Durante un breve periodo trabajó para Howlin' Wolf, que desconfiaba de lo que pensaba eran inclinaciones jazzísticas ("No me vengas con nada de esa música de Dizzy Gillespie", le decía), pero tuvo oportunidad de dejar una forme impronta en el blues en unas pocas grabaciones de Wolf. Es su guitarra la que suena en clásicos como Spoonful, Back Door Man y Wang Dang Doodle.

A mediados de los 60, tocó con el cantante de soul de Chicago Jerry Butler, y más tarde con Syl Johnson. Mientras grababa algunos singles bajo su propio nombre, conoció al teclista y arreglista Monk Hioggins, que le recomendó ante Ray Charles. A partir de entonces, Freddy Robinson pasó a vivir en Los Ángeles pero duró menos de un año con Charles, con el que nuca se llevó bien.

Los inicios de los 70 le encontraron con el grupo de blues inglés de John Mayall, una época que recordaría con agrado: "Teníamos una libertad total. Sin ensayos ni discusiones". Participó en el álbum grabado Mayall bajo el titulo Jazz Blues Fusion y en discos del trompetista de jazz Blues Mitchell.

También grabó un par de discos con su propio nombre para el sello Enterprise, filial del legendario Stax. En la relajada Atmósfera de jazz de temas como Bluesology, un recuerdo de las noches en que tocó en el Theresa's Lounge de Chicago, y At the Drive-in, Robinson reveló su don para las letras irónicas, a la manera del letrista de Ray Charles, Percy Mayfield. Pero lo más importante de estos álbumes fue someter su refinada interpretación blues-funk a los arreglos de Higgins, que tocaban, entre otros, Joe Sample y Wilton Felder, de los Crusaders.

En 1975, Robinson abrazó el islam. "Realmente, el islam me salvó la vida, porque no me estaba desarrollando como ser humano", explicó en una entrevista de 1999 para Living Blues. "No me respetaba ni a mí mismo ni a nadie". En 1978 se convirtió en Abu Talib, pero volvió a su nombre antiguo cuando trabajó con Higgins. Tuvo siete hijos con su primera mujer, Mary, y otra hija más con la segunda, Zakiya.

P.D.: Freddy Leroy Robinson (Abu Talib), guitarrista, nació el 24 de febrero de 1939 en Memphis y falleció en Lancaster (California) el 8 de octubre de 2009.

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La Guerra Civil, según Barricada

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 04 Nov 2009 08:46:00 +0000

Ver llorar a un tipo duro al que le cuelgan dos aros de su lóbulo derecho, que lleva en la cabeza un pañuelo de pirata del que surgen unas densas rastas, que exhibe un rostro erosionado por las cicatrices de la vida, que cumple casi 30 años como vocalista de una banda de rock y al que llaman El Drogas, resulta conmovedor. Enrique Villarreal, El Drogas, ha llorado mucho en los últimos tres años. Lágrimas derramadas por tremendos golpes emocionales, los que sufría cuando se reunía con los familiares y las víctimas del bando perdedor, el republicano, de la Guerra Civil española. Toda esa información se ha concretado en un disco de su grupo, Barricada, La tierra está sorda, 18 canciones basadas cada una de ellas en una conmovedora historia.

Lo que ha hecho este músico navarro de 50 años es atender a una obsesión. "Me di cuenta de que existe mucha ignorancia sobre la Guerra Civil. Empezando por mí. Así que comencé a informarme". Todo arrancó cuando cayó en sus manos el libro de Dulce Chacón La voz dormida. "Me llamó la atención su emotividad y cómo crea a los personajes". El sistema que utilizó lo denomina "desastre organizado". Un libro le llevó a un documental, las imágenes a un superviviente de la contienda, más tarde a un intelectual... Así hasta sumar los 78 libros que ha leído y las entrevistas con más de 100 protagonistas.

El disco se publica acompañado por un libro donde contextualiza la canción, con datos históricos y la voz de los protagonistas. Como el guerrillero (miembro de la Agrupación Guerrillera de Levante y Aragón) Manuel Montorio Gonzalvo Chaval, que relata: "La rabia de no poder coger a los guerrilleros la pagaban las familias detenidas, sometidas a torturas de todo género; patadas en las zonas genitales -a las mujeres las golpeaban en los pechos-...". Basándose en esta narración, El Drogas escribe la canción Suela de alpargata (el calzado que utilizaban los guerrilleros, igual que los campesinos, para no dejar rastro): "Suela de alpargata que no se rendirá / ni por aguas heladas / ni por noches de cristal". El músico recuerda: "Entré a su casa a las 12 de la mañana y estuvimos hablando hasta la medianoche. Tuvimos más conversaciones igual de largas. Cuando escribí la canción fui corriendo a mostrársela, pero llegué tarde: tenía cáncer de pulmón y había fallecido horas antes. Se nos están muriendo los supervivientes y es preciso que les escuchemos".

El Drogas relata episodios de su viaje, como cuando ayudó a familiares de las víctimas a transportar huesos de sus seres queridos: "Llegaba a casa conmovido. Me acuerdo que mi hija, de 12 años, decía: 'Oh, no, ya está otra vez el aita. Sin embargo, mi hijo de 22 años leyó el libro que va con el disco y tuvimos unas conversaciones muy interesantes".

El armazón musical del álbum es guitarrero. Alfredo Priedrafita, 48 años, guitarrista de Barricada, explica: "Sabíamos que no podía ser un álbum tristón ni melancólico. El estilo es el de Barricada, rock and roll". La idea se amplía estos días a los colegios: Barricada llega con sus guitarras a las clases de 2º de ESO para explicar esta parte de la historia e interpretar canciones. El Drogas desvela: "Y pensar que en el colegio yo era un desastre del copón. La Historia me aburría. Ahora, mira".

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Los 'dioses' de la música, unidos por el Hall of Fame

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 04 Nov 2009 08:09:00 +0000

Bruce Springsteen, Stevie Wonder y Simon & Garfunkel hicieron vibrar hoy al Madison Square Garden de Nueva York con sus éxitos en el primero de los dos conciertos con que el Rock and Roll Hall of Fame (Salón de la Fama del Rock) celebra este año su 25 aniversario. Esos grandes artistas estadounidenses, que forman parte de la respetada institución que reconoce la influencia de intérpretes de variados géneros en la historia de la música, deleitaron a sus seguidores en una velada que se convirtió en un concierto entre amigos, gracias a un sinfín de actuaciones y sorpresas inesperadas.

Durante casi cinco horas, miles de personas disfrutaron en la noche de este jueves de actuaciones históricas, como la que unió en el escenario a Stevie Wonder y al líder de The Police, Sting, o la que ofrecieron el Boss y su inseparable E Street Band al versionar en directo el tema Oh, Pretty Woman, de Roy Orbison.

Wonder y Sting, con una poblada barba, interpretaron una mezcla de dos de sus grandes éxitos por separado, la canción Higher Ground, incluida en el álbum Innervisions que el afroamericano editó en 1973, y el tema Roxanne, que el cantante británico popularizó con su banda en todo el mundo en 1978. El conocido músico invidente, que inició su actuación con una versión de Blowing in the wind de Bob Dylan, hizo subir además al escenario al rey del blues, B.B. King, quien a sus 84 años interpretó junto a Wonder el tema The girl is gone y se llevó uno de los aplausos más imponentes de la noche.

Wonder no se olvidó en su actuación de rendir homenaje al fallecido Michael Jackson, para lo que sacó al escenario al joven John Legend, con quien interpretó el tema The way you make me feel, que el rey del pop convirtió en éxito en 1987. Antes del autor del clásico I just call to say I love you, había actuado el conocido dúo Simon & Garfunkel, formado por Paul Simon y Art Garfunkel, quienes se unieron una vez más en un escenario para ofrecer temas que los hicieron tan conocidos como Mrs. Robinson, Cecilia, The sound of silence y The boxer.

El Boss fue el último en actuar, pero fue recibido como un auténtico ídolo de masas por un público entregado al que deleitó con temas como Tenth Avenue freeze-out o el inconfundible Proud Mary, de la banda Creedence Clearwater Revival, cuyo líder John Fogerty lo acompañó en el escenario. Springsteen y la E Street Band también recibieron la visita de la leyenda del soul Sam Moore y de Tom Morello, el guitarrista del grupo de rock alternativo Rage Against the Machine.

La primera sorpresa de la noche llegó, sin embargo, con la actuación de la leyenda y pionero del rock Jerry Lee Lewis, quien emocionó al público a sus 74 años al interpretar al piano su clásico Whole lotta shakin' going on, tras ser presentado por el conocido actor Tom Hanks, uno de los productores del espectáculo. "El concierto de hoy nos regala la música de toda nuestra generación, de todos los mayores de 35 años. Se trata de la banda sonora de nuestra vida", dijo Hanks sobre un espectáculo que fue más allá del cuarto de siglo del Salón de la Fama y se tornó en un auténtico homenaje al más de medio siglo de vida del rock and roll.

En ese homenaje no podría faltar el recuerdo al Festival de Woodstock, del que se cumplieron este año cuatro décadas y que estuvo representado en el Madison Square Garden por la formación Crosby, Stills and Nash, quienes también sacaron al escenario al cantautor Jackson Browne y a la guitarrista Bonnie Raitt. Por las grandes pantallas que presidían el escenario del Madison Square Garden, pasaron además los rostros y las melodías de la mayoría de artistas que integran la conocida institución estadounidense, como los Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley o los Rolling Stones. La celebración del cuarto de siglo del Salón de la Fama del Rock and Roll tendrá su continuación mañana con otro concierto en el Madison en el que se darán cita Aretha Franklin y los irlandeses U2, además de Metallica y el guitarrista inglés Jeff Beck, a quienes se prevé que se unan Lenny Kravitz y Annie Lennox, entre otros.

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Condena por plagiar una canción de Manu Chao para un anuncio publicitario

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Tue, 03 Nov 2009 08:39:00 +0000

Un juzgado mercantil de Barcelona ha condenado a dos empresas a pagar 90.000 euros al cantante Manu Chao y a su discográfica por plagiarle una canción para usarla en un anuncio publicitario sin la autorización pertinente ni pagar derechos de autor. El juez considera que hay muchos elementos similares en la canción "Me gustas tu" y la del anuncio.

Según el Juzgado Mercantil número 3 de Barcelona, la agencia publicitaria The Loves Comes (TLC) hizo una campaña publicitaria para el diario gratuito "ADN" en septiembre de 2007 que utilizó una canción similar a la famosa de Manu Chao, compuesta en 1999 por el cantante.

La agencia contactó en junio de 2007 con el representante de Manu Chao para pedirle la utilización de la canción, a lo que el cantante se negó expresamente.

Posteriormente la agencia contactó con el grupo catalán Jarabe de Palo, pero finalmente hizo el encargo al cantante Marc Parrot, el "chaval de la peca". No obstante, en el anuncio se utilizó una versión diferente a la de Parrot y mucho más similar a la de Manu Chao, según el juez.

A pesar de los cuatro informes periciales aportados por la defensa para desmentir que las canciones eran similares, el juez justifica su decisión en el hecho de que se repite la frase "Me gustas tú", alternada con "Me gusta mi ADN". Además, el ritmo, la melodía y la armonía de la canción del anuncio "evoca, recuerda y tiene cierta relación" con la original de Manu Chao.

Por todo ello, el juez estima parcialmente la demanda y condena a la editorial de "ADN" y a la agencia TLC a pagar 70.000 euros a la discográfica Radio Bemba por daños patrimoniales y a Manu Chao otros 20.000 por daños morales.

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Pearl Jam ya no huele a sucio

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Tue, 03 Nov 2009 08:05:00 +0000

Es posible ser grunge casi dos décadas después de la muerte del grunge? Seguramente no, pero cuando uno ha sido uno de los iconos de aquel movimiento musical, es difícil sacudirse de encima el peso de la leyenda. O la camisa a cuadros de franela y los vaqueros rotos. Porque, pese al paso del tiempo, Eddie Vedder, el atractivo cantante y guitarrista de Pearl Jam, aún se pasea por Seattle con la misma estética de leñador que el mundo de la moda se encargó de robarle tanto a él como a Kurt Cobain, de Nirvana, y a grupos afines como Alice in Chains o Tad. En los diccionarios de inglés, grunge se traduce por sucio. Pero aquella música y su estética, que se popularizaron entre los adolescentes de todo el planeta a finales de los ochenta y principios de los noventa, supuso una suciedad tan estudiada que fue, casi, el principio de un salto generacional.

Eddie Vedder llegó, muy a su pesar, a la portada de la revista Time en 1993 como símbolo de la revolución musical y alternativa con la que la industria musical y los sociólogos identificaron el grunge, ese género nacido en Seattle y alrededores y caracterizado por guitarras distorsionadas, mucho volumen, letras de corte existencial y un sonido híbrido a caballo entre el rock duro y el punk. El grunge además tenía un componente de actitud vital: la mayoría de las bandas nacieron al abrigo de sellos independientes como Sub Pop; sus miembros daban entrevistas en las que se quejaban depresivos del estado del planeta, abrazaban causas sociales, repudiaban su propia fama, despreciaban el mundo del showbusiness y hacían gala de un cierto nihilismo con el que se identificaron millones de jóvenes. No obstante, fue Kurt Cobain el que se coronaría como mártir del grunge al suicidarse en 1994 en la cúspide de la fama y en pleno declive de un género del que, al igual que Vedder, nunca quiso ser el rey.

"Tras la muerte de Kurt Cobain tuve que escapar. Encontré un lugar secreto para hacer surf, un pueblo pequeño donde nadie sabía quién era. A ese lugar tengo que agradecerle mi salud mental, me devolvió la fe en la gente y en la música. Era una época en la que yo me tomaba a mí mismo demasiado en serio, pero lo cierto es que ocurrían cosas muy serias a mi alrededor, los amigos se morían de sobredosis, había locos que me seguían por la calle", afirma el músico al que la suerte le robó el cetro grunge.

Vedder tiene cierto aire a discípulo de Jesucristo, como muchos surferos de la costa oeste: la piel tostada y las arrugas marcadas, la melena larga y descuidada, los ojos muy azules. A su pasión por el surf le debe la vida, según sus propias palabras. La fama no le sentó nada bien. Cuando se publicó Ten, el primer disco de Pearl Jam, y el vídeo Jeremy que le acompañó, sobre un niño que se suicida en clase debido a la incomprensión familiar, se convirtieron en un fenómeno de masas. A Vedder se le empezó a caer el mundo encima. El éxito fulminante lo devoró por dentro, y el lanzamiento del segundo álbum, Vs, que vendió un millón de copias en apenas una semana, acabó de machacarle, convirtiéndole en un tipo semiparanoico en constante huida. Las estrellas del grunge odiaban realmente su propio éxito, y varias no consiguieron superar el trauma que les provocó la fama.

Aquel Vedder, el mismo que se subía por los andamios de los escenarios borracho como una cuba, que expresaba su rabia existencial entregándose a cada concierto con violencia exasperada, que proclamaba su odio hacia la prensa, apenas concedía entrevistas y dejó de hacer vídeos porque eran parte de lo que le imponía el sistema, no tiene nada que ver con el Vedder padre de familia -tiene una hija de cuatro años con una modelo- que recibe fumándose un Marlboro y jugando con las cuerdas de una elegante guitarra acústica blanca. Estamos en un apartamento construido dentro de una nave industrial a las afueras de Seattle, sede del estudio de grabación, almacén, oficinas, club de fans y local de ensayo de Pearl Jam. Vedder y sus compañeros de grupo -Jeff Ament, Stone Gossard, Mike McCready- llevan juntos desde 1990, una eternidad, dada la velocidad con la que nacen, mueren y cambian de integrantes los grupos de rock. El actual batería, Matt Cameron, se unió en 1997. "No hay músicos mejores y nos une nuestro empeño en seguir haciendo buena música", dice Vedder casi justificándose, pese a que su banda haya vendido más de sesenta millones de discos en todo el mundo.

Su noveno disco recién estrenado se titula Backspacer y en él se echa de menos la rabia y la suciedad sonora de aquellos primeros álbumes. Incluye varias baladas entre melosas y folk, como Just breath, y tiene una pátina de buen rollo que dista mucho del sonido cabreado y el espíritu rebelde que les hizo célebres. "El sonido de Backspacer es el resultado del momento vital. Este disco lo hemos compuesto justo después de la victoria de Barack Obama. Es lógico que sea más positivo".

No obstante, el álbum incluye lo que Vedder denomina el tema "más triste y a la vez más gratificante que he compuesto en mi vida". Se titula The end y esconde un secreto sorprendente: Javier Bardem. "Regresé a casa una noche después de tomarme unas cervezas y me puse a grabar. Estaba componiendo The end, pero me atasqué. De repente vi que alguien había dejado un mensaje en mi contestador. Era Javier, me decía algo muy bonito, tiene una forma de hablar muy poética y gracias a sus palabras pude terminar la canción. La grabé esa misma noche y le envié una copia". Vedder presume de España y sus amigos españoles. Hace unos años, en uno de sus muchos momentos de crisis, se refugió en Barcelona durante un mes. "Fui a buscar a un profesor de guitarra clásica y le pedí que me enseñara este tema, ¿lo conoces?". Vedder se abraza a su guitarra y esboza los primeros acordes de Romance anónimo, de Andrés Segovia. "El profesor primero se rió de mí y me dijo que era imposible aprendérsela en un mes. Pero estudié y estudié, nunca había tomado clases de guitarra en toda mi vida, y acabé aprendiéndola. Adoro esta pieza".

Además de la música, sus pasiones son la política y el activismo social, a los que sigue tan enganchado como a los 16 años. Quizá sea lo único que le mantiene conectado con el Eddie Vedder primigenio y con el espíritu díscolo de los habitantes de Seattle, que sin duda tuvieron mucho que ver con que esa ciudad fuera el escenario, en 1999, de la mayor protesta anticapitalista de finales del siglo XX. "Claro que estuve allí. Pasamos miedo porque la policía fue muy violenta, pero también fue una experiencia maravillosa, ver la fuerza de toda esa gente junta (contra la Organización Internacional del Trabajo). La situación económica actual puede que vuelva a provocar la resurrección del activismo, porque está afectando a mucha gente. No creo que nos movilizáramos lo suficiente en contra de la guerra de Irak, y además, Bush aprobó leyes que convirtieron todas las protestas en actividades antiamericanas que podían ser perseguidas. Fue un paso atrás terrible. Por suerte creo que hay cosas que están cambiando, y temas como la ecología están tomando mucha fuerza. En un futuro muy próximo, quien no sea activista verde no será cool", presagia.

Vedder parece tener muchas más ganas de hablar de política que de música, entre otras cosas porque aunque la música sea lo que le da de comer, el activismo es una buena excusa para no tener que contestar a preguntas que pueden rozar lo personal, como su complicada infancia -creció con un padre que no era el suyo- o su áspera relación con otros grupos, como Nirvana, que acusaron a Pearl Jam de ser un grupo comercial y vendido. "La adolescencia es una edad difícil, horrible, en la que no tienes voz, nadie te respeta, tienes acné, no puedes trabajar, no puedes conducir, todo el mundo te dice lo que tienes que hacer". "Fue en esa época cuando adquirí un sano desprecio por la autoridad. También comencé a mirar a mi alrededor, a preocuparme por lo que le ocurría a la gente y a implicarme en temas de justicia social. Eso no cambia por estar en un grupo. Al contrario, hemos intentado utilizar de forma responsable la plataforma que nos ha dado la fama. No hay nada más gratificante que ayudar a la gente".

"Conozco a Bono, es un espécimen increíble. Sólo lo que hace físicamente para desplazarse por todo el planeta me parece extraordinario. Y sé que es consciente de que la gente está harta de verle en todos los saraos. Él mismo me lo confesó, pero también es cierto que monetariamente Bono ha hecho muchas más cosas por algunos países y causas que muchos Gobiernos. Yo le admiro, pero no quiero imitarle, no tengo esa energía. Me limito a hacer lo que está dentro de mis posibilidades mientras me garantizo la capacidad de poder seguir dedicándome a la música. Además, hay que escoger muy bien tus batallas porque nunca se sabe cuánto tiempo vas a estar peleando por una causa". Y remacha: "Ahora soy padre, así que lo único que puedo hacer es mirar hacia delante".

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Premio Ondas 2009 para Fito & Fitipaldis

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Mon, 02 Nov 2009 07:58:00 +0000

En la 56 edición de los Premios Ondas, el grupo Fito & Fitipaldis consigue ser galardonados como "Mejor Artista Nacional" en los Premios Ondas 2009 que se reconocen a los profesionales y empresas sus trabajos nacionales e internacionales más sobresalientes en radio, publicidad, televisión y música.

Fito & Fitipaldis han conseguido vender casi 100.000 copias de su nuevo disco "Antes de que cuente diez" cuando el álbum tan sólo lleva un mes a la venta. También llevan cuatro semanas consecutivas como número 1 de ventas en España.

Éste no es el primer galardón que recibe Fito & Fitipaldis. Con su anterior disco, "Por la boca vive el pez" (2006), consiguieron los premios en las categorías de "Mejor Canción" y "Mejor Álbum de Rock" en los Premios de la Música, que un año después otorgaban el premio a la "Mejor Gira del Año" a la banda, y en 2008 Fito Cabrales recibía el disco de diamante por el más de un millón de copias vendidas al frente de los Fitipaldis.

Próximos conciertos de la Gira "Antes de que cuente 10"

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Conciertos del fin de semana en Valencia

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Fri, 30 Oct 2009 08:31:00 +0000

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Eric Clapton cancela su actuación de Nueva York por una operación

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 29 Oct 2009 09:29:00 +0000

Una inesperada operación a causa de piedras en la vesícula ha obligado al cantante británico Eric Clapton a cancelar su actuación en Nueva York con motivo del 25 aniversario del Salón de la Fama del Rock & Roll previsto para el viernes, ha informado la página web del artista.

Eric Clapton ha sido sometido a una "pequeña intervención quirúrgica por piedras en la vesícula" y ahora "se recupera en su casa del Reino Unido", ha indicado el comunicado.

El evento, que se realizará en el emblemático Madison Square Garden de Manhattan, contará en su lugar con la banda del inglés Jeff Beck, quien forma parte del Salón de la Fama desde el pasado 4 de abril. Junto a él, se subirán al escenario el icono de la música soul Aretha Franklin, la clásica banda de heavy metal Metallica y los irlandeses U2.

Para celebrar las bodas de plata de la institución se ofrecerá también un concierto el jueves, en el que actuarán Bruce Springsteen y la E Street Band, Stevie Wonder, Paul Simon, y la formación de folk-rock Crosby, Stills and Nash.

Por su parte, el Salón de la Fama del Rock & Roll ha señalado que la baja de Eric Clapton no supondrá motivo de devolución del importe de la entrada.

Miembro por partida triple

Clapton es miembro de esta entidad por partida triple: como miembro de las formaciones The Yardbirds (1962-1968), Cream (1966-1968) y por su carrera en solitario.

De acuerdo con la información difundida, el cantante mantendrá, de momento, las fechas de su gira para 2010.

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Tab: Maneras de Vivir

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 28 Oct 2009 08:34:00 +0000

Espero que hoy me permitáis ponerme nostálgico y os cuente un poco de mi adolescencia. Empecé con esto de la guitarra con 14 años, hoy tengo 28... y sumando. Y os cuento esto de la nostalgia, porque en mi primer concierto tuve la suerte de poder tocar esta canción y además cantarla.

Recuerdo los nervios mojados con algo de alcohol, y recuerdo que llevaba un sombrero enorme con el fin de tapar mi careto y no ver al publico. Gracias que la sala era pequeña y llena de "amigos" borrachillos...

Bien una vez atormentado por mi vida, os dejo este Tab de una de las canciones símbolo del rock en España. Maneras de Vivir.

Maneras de Vivir. Leño

Asimismo, os dejo el vídeo que para eso existe Youtube, para aquel que no conozca la canción... Algo que dudo...

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Guitarristas: Joe Satriani

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Tue, 27 Oct 2009 10:56:00 +0000

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, Nueva York. Comenzó a tocar a los 14 años. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los años 1970 Satriani se mudó a Berkeley, California, persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Steve Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.

Su segundo álbum editado en 1987 y llamado Surfing With the Alien se considera como uno de los mejores álbumes de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según la encuesta anual de lectores de la revista estadounidense Guitar Player.

En 1989, la canción de Satriani One Big Rush (originalmente lanzada como Flying in a Blue Dream) fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.

En 1992 Satriani publica su álbum The Extremist, con un éxito increíble, muy cerca de su disco Surfing with the Alien, con influencias bastantes metaleras. Sus canciones "Summer Song", "War", "Why" y "Cryin'" son las más famosas de este disco.

En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.

En 1998 aparece el álbum Crystal Planet, con el que sorprende a la audiencia al aparecer un Joe totalmente rapado, pero con el mismo sonido característico, con canciones como "House Full of Bullets", "Ceremony", "Raspberry Jam Delta-V", entre otras.

Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descrita como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues y el rock and roll, en comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert o John Petrucci.

Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS, el amplificador Peavey JSX y tres pedales de efectos de la linea Vox.

En abril del 2008 Satriani publica su álbum Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock, con el que inicia una gira mundial, por Europa, Australia, Sudamerica, México, y próximamente en Canadá y Estados Unidos, el cual consiste en una recopilación de sus diversos estilos dentro de sus demás álbumes.

En diciembre de 2008, Satriani demanda a la agrupación británica Coldplay por un supuesto plagio de su tema "If I could fly" dentro de la canción "Viva la Vida" de la banda británica. Finalmente, el 14 de septiembre de 2009, el juez archivó el caso, después del acuerdo alcanzado por las partes.

Actualmente se encuentra en un nuevo proyecto llamado Chickenfoot junto con el vocalista Sammy Hagar, ex-Van Halen, el bajista Michael Anthony (también un ex-Van Halen) y el baterista Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers. Este supergrupo lanzó ya su primer álbum del mismo nombre de la banda el 5 de junio de 2009 en Europa y el 7 de junio para Norteamérica.

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Antes de que cuente diez: Tab nuevo disco de Fito & los Fitipaldis

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 22 Oct 2009 11:05:00 +0000

Fito & Los Fitipaldis

Antes de que cuenta diez

Espero que la disfrutéis, y ante cualquier duda, aclaración o rectificación, podéis poneros en contacto conmigo.

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El 'Johnny' reabre sus puertas

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Thu, 22 Oct 2009 10:59:00 +0000

Justo 18 años después de su fallecimiento y 50 de la grabación de su obra maestra, Kind of blue, el colegio mayor San Juan Evangelista recuerda a Miles Davis, para muchos, el mayor genio en la historia del jazz. Trompetista, compositor y pintor en sus ratos libres, Miles predijo a partir de su propio impulso creativo los sucesivos movimientos artísticos que iban a definir la evolución del género a partir del cool jazz, en los años cuarenta, hasta el jazz eléctrico de los setenta y ochenta. A lo largo de su existencia nunca volvió la vista atrás: "Sólo me interesa la música que está por venir. La música de ayer está muerta".

El del Johnny será un auténtico festival dentro de un festival, por cuanto la programación colegial se inscribe dentro de las actividades del Festival de Jazz de Madrid, que también hará un hueco para recordar al gran genio del jazz, con los conciertos de Jimmy Cobb, único superviviente de la sesión de Kind of blue, y Marcus Miller, quien interpretará las piezas del álbum Tutu, con el que el trompetista quiso homenajear al Nobel de la Paz Desmond Tutu.

A mayor abundamiento, el XXVIII Festival de Jazz San Juan Evangelista (El legado de Miles Davis) marca el inicio oficial de la temporada de conciertos en el histórico recinto, tras ser anunciada la venta del solar y consiguiente demolición del edificio por parte de sus propietarios y la respuesta multitudinaria que dicho anuncio generó entre los muchos amigos con que cuenta el Johnny. Es de suponer que dicha respuesta solidaria masiva tenga continuidad durante las siete noches de un festival que hace honor a su propia historia. Un acontecimiento único en su especie, en el que tienen cabida las propuestas más innovadoras y/o ajenas a cualquier interés comercial. Y, en el centro de todas ellas, un nombre: el de Miles Dewey Davis.

Por el San Juan pasarán algunos de quienes compartieron escenario con el Príncipe de las Tinieblas y lo sufrieron en sus propias carnes a causa de su genio incontrolable. El saxofonista Dave Liebman, que tocó con Miles en los años sesenta ("Miles fue mi maestro, mi guía; todo lo que soy se lo debo a él"), será el encargado de abrir el festival esta noche, a dúo con el también saxofonista Ellery Eskelin. Un encuentro intergeneracional bajo el nombre de Renewal que asegura emociones fuertes; el contrabajista Ron Carter, miembro del histórico quinteto de Davis en los años sesenta, le sucederá el sábado 24 en una sesión que se promete multitudinaria. Junto a Carter, su cuarteto habitual, en el que el joven pianista Stephen Scott brilla con luz propia.

De ahí en adelante, la trompeta se erigirá en protagonista casi absoluta, con la presencia del inquieto y siempre sugerente Dave Douglas, el viernes 30, tras su reciente fichaje por la multinacional Universal; y el polaco Tomasz Stanko, uno de los creadores más estimulantes del jazz contemporáneo y un discípulo de Miles Davis en la medida que en el 95% de los músicos del jazz actual y el 100% de los trompetistas lo son. Stanko actuará junto a su Quinteto Nórdico el viernes 6 de noviembre.

Habrá dos homenajes a Kind of blue en versión presuntamente jazzístico-flamenca. El primero lleva el título de Kind of Cai y su responsable es el baterista uruguayo, residente en Madrid, Guillermo McGill. Su actuación, el sábado 31 del presente mes, precederá a la del quinteto del trompetista Chris Kase, que presenta su nuevo disco, Ode.

Un nuevo Tributo a Kind of blue tendrá como protagonista al también trompetista Raynald Colom, uno del jóvenes valores del jazz made in Spain, a quien sucederá sobre el escenario el incombustible Jerry González, alternando la trompeta con las percusiones, junto a Javier Colina, al contrabajo, y Dani García, a la batería (La estela de Miles Davis, viernes 13 de noviembre). Y de postre, la guinda: Wadada Leo Smith, oscuro y fascinante intérprete de vanguardia residente en la Costa Oeste de Estados Unidos, en su primera visita a nuestra ciudad, junto a su Golden Quartet. Actuación que será la única que ofrecerá en Europa el autor de ¡Yo, Miles!, considerado uno de los trompetistas más representativos del free jazz.

XXVIII Festival de Jazz San Juan Evangelista. Del 22 de octubre al 20 de noviembre. Precio de las entradas: de 15 a 20 euros. Todos los conciertos empezarán a las nueve de la noche. Más información www.sanjuanevangelista.org

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'This is it': ni inédita, ni una canción sólo de 'Jacko'

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 21 Oct 2009 08:19:00 +0000

El 13 de octubre se estrenaba mundialmente This is it, promocionada como la primera canción póstuma de Michael Jackson. El subtexto de la campaña parecía indicar que todo está bajo control: paulatinamente, se recuperarán sus grabaciones inéditas, con cuidado y respeto.

Hoy, el mensaje es exactamente el contrario. Ocurre que This is it no es un descarte de Off the wall (1979): nació en 1983, en el estudio de Paul Anka, para un disco de duetos del vocalista canadiense, como I never heard. Pero Michael se negó a publicarlo, requisó las cintas y el tema quedó registrado como una composición conjunta. De hecho, así está firmada en un disco de 1991 de la puertorriqueña Sa-Fire.

Paul Anka protestó airadamente y ha sido reconocido como coautor. Se descubrió el pastel: el productor John McClain revisó unas 50 canciones inéditas de Michael y se fijó en I never heard, que incluía en su letra la frase this is it. Sobre una toma a voz y piano de I never heard, McClain añadió un arreglo completo, incluyendo coros de los hermanos Jackson. Cambió el título y se lo entregó a Sony con un aparatoso despliegue de agentes de seguridad. Tras el patinazo, resulta evidente que los herederos no saben muy bien lo que tienen. Y que tampoco preguntaron: el abogado John Branca, que representó a Jackson y Anka, gestionó aquella frustrada colaboración de 1983.

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Hamlet: 'La puta y el diablo'

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Wed, 21 Oct 2009 08:13:00 +0000

Hamlet se ha convertido por derecho propio en uno de los baluartes del heavy metal español. Guitarras electrizantes, voces poderosas y letras cargadas de crudeza y reivindicación convierten cada una de sus apariciones sobre el escenario (en el directo muestran toda la contundencia de su sonido) en espectáculos trepidantes cargados de decibelios. Nacidos en Madrid, vuelven a casa para presentar los temas de su último disco, La puta y el diablo (Roadrunner, 2009).

Asegurar cuál es la fecha de creación de este grupo suele generar cierto debate entre sus seguidores. Para unos nace en 1987, cuando José Molinero (J. Molly) y Luis Tárraga fundan una formación, vinculada al hard rock ochentero, que, aunque pasa sin pena ni gloria por el panorama nacional, editan su primer álbum, Peligroso.

Para otros, quizá los más, la fecha fundacional coincide con la salida al mercado de Sanatorio de muñecos (Romilar D, 1994), un disco más cercano ya al heavy metal y con letras muy reivindicativas, que logra que canciones como Qué voy a hacer, Irracional o Perdón por vivir se conviertan en auténticos himnos generacionales. A lo largo de su carrera han publicado ya diez discos.

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U2 ofrecerá un concierto en YouTube

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Tue, 20 Oct 2009 07:19:00 +0000

El grupo irlandés U2 ofrecerá su recital en Pasadena en la madrugada del lunes a través de YouTube. Lo anuncia U2 en su web. El concierto que celebrará U2 en Pasadena (California) podrá verse en directo a través de YouTube, "es la ocasión ideal para que la fiesta desborde el estadio", aseguran. En lugar de que los fans acudan a ver al grupo, explican en la web, U2 irá a buscarlos a ellos en el mundo entero.

El recital, previsto a las cuatro de la madrugada del lunes, hora española, se ofrecerá en el canal que U2 mantiene en el popular sitio de vídeos. YouTube ha manifestado su satisfacción por el experimento. El concierto podrá verse en streaming, es decir, en directo sin posibilidad de descargarlo. Se trata del penúltimo concierto de su actual gira y se espera que acudan unos 96.000 espectadores.

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Ronnie Scott's: La 'capilla sixtina' del jazz

noreply@blogger.com (RAYAGE) — Mon, 19 Oct 2009 07:50:00 +0000

El británico Ronnie Scott, él mismo un virtuoso del saxofón, estaba convencido de que un local pequeño, sin grandes pretensiones y probablemente atiborrado de humo, era el mejor escenario para capturar el espíritu del jazz, la espontaneidad de las improvisaciones y, en sus propias palabras, "la humanidad del músico". Y no iba desencaminado cuando abrió un garito en el Chinatown londinense, ahora hace 50 años, por el que acabaron desfilando los más grandes del género, leyendas como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan o Dexter Gordon, entre una nutridísima nómina, que convirtió el club Ronnie Scott's en la meca europea del jazz, su capilla sixtina.

El establecimiento, que cumple este mes sus bodas de oro, se trasladó hace algunos años a la calle Frith Street del vecino Soho, arranca sus sesiones a las seis de la tarde (y no a las diez como antaño) y, en virtud de las nuevas leyes, tiene vetado el paso al vicio de los fumadores. Pero todo lo demás sigue intacto, las lamparitas de luz tenue sobre las mesas, el impresionante despliegue de fotos de míticas figuras del jazz y ese ambiente íntimo que sigue atrayendo a músicos de primera fila, aunque su entorno habitual en los nuevos tiempos suela residir en las grandes salas de conciertos.

Porque el Ronnie Scott's es un pedazo de la historia del jazz, la casa de tantos músicos que a lo largo de cinco décadas protagonizaron también un impagable anecdotario. Como el día en que Nina Simone, agobiada por su retraso, se abrió paso entre el público y, con el abrigo todavía puesto, comenzó su actuación. O aquella noche en que Sonny Rollins, finalizada su sesión magistral de saxo, pidió permiso para quedarse a trabajar en una de las mesas del auditorio: cuando abandonó el local, entrada la mañana, ya había compuesto la banda sonora de la película Alfie (1966).

Fruto de la obsesión de Scott y de su colega saxofonista Pete King por replicar en Londres el ambiente de los clubs de jazz neoyorquinos que recorrieron a finales de los años cuarenta fue un primer establecimiento (Club Eleven) que se saldó en fracaso. Ambos se volcaron en sus respectivas carreras hasta que, en 1959, lo intentaban de nuevo en un pequeño sótano de Gerrard Street, un escenario en el que apenas había espacio para un cuarteto.

Las restricciones de los sindicatos no permitían por aquel entonces la visita de músicos procedentes del otro lado del Atlántico, pero Scott consiguió superarlas a base de negociaciones, abriendo con ello su local al estreno en Europa de una procesión de artistas americanos. Bill Evans, Stan Getz, la orquesta de Buddy Rich, Chet Baker, Carmen McRae y una lista tan interminable como famosos los rostros que empezaron a dejarse caer por el club (desde Judy Garland a los miembros de los Beatles), aunque nunca recibieron un trato distinto al de cualquier modesto aficionado. Si el jazz ya no es visto como un espacio elitista en el Reino Unido, en parte se debe al Ronnie Scott's.

Su instigador, programador y director tocaba regularmente con quintetos y sextetos, que incluían los mejores músicos de jazz británicos. Fue en este mismo local donde, por ejemplo, Miles Davis descubrió al británico Dave Holland, uno de los gigantes del contrabajo. Ronnie Scott -cuyo verdadero nombre era Ronald Schatt- también solía ejercer de maestro de ceremonias, con introducciones en las que siempre se colaba algún chiste de su repertorio. "Tendrían que haber estado en el club el lunes pasado. Un tipo telefoneó para saber cuándo empezaba la sesión y le respondí '¿A qué hora puedes llegar?", bromeó en una ocasión sobre los sobresaltos financieros que siempre le acuciaron y que, en los años ochenta, forzaron a buscar nuevos socios. Ronnie Scott murió en 1996 a los 69 años y un tiempo más tarde su compañero Peter King vendía el negocio a la empresaria teatral Sally Greene, que ha volcado sus esfuerzos en preservar el legendario club como un punto ineludible en el mapa de los apasionados del jazz.

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