Cinema na Rede

Crítica - Velozes e Furiosos 6

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 23 May 2013 22:34:00 +0000

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Velozes e Furiosos deve ser a Disneylandia dos dublês, que talvez até pagassem para trabalhar nela. Nesto sexto episódio, dirigido mais uma vez por Justin Lin, eles são soberanos, seja pilotando bólidos, aplicando golpes mortais com mãos e pés, atirando para todo lado ou saltando de pontes, tudo impossível mas extremamente bem-feito, o que garante o sucesso. Isso e a reunião de todo o elenco original: e outros atores que foram se agregando ao longo da série: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johson, Tyrese Gibson, Ludacris, Sun Kang, Gal Gadot, Jordana Brewster, sem esquecer a volta de Michelle Rodriguez.

Depois de aplicar um golpe no Rio de Janeiro que lhes rendeu US$ 100 milhões, Dom (Diesel) e seu bando levam uma vida tranquila, cada um no seu canto. Até que Hobbs (Johnson) pede ajuda ao antigo adversário para pegar Shaw (Luke Evans) um criminoso que pretende se apossar de um sistema que pode lhe dar poder sobre todo o mundo. Para isso, conta com a ajuda de Letty (Rodriguez), antiga paixão de Dom que todos pensavam estar morta.

"Velozes e Furiosos 6" aposta nas sequências de ação, mas tem um toque 'família'

Mas a história não tem a menor importância; é nas sequências de ação que está o poder de Velozes e Furiosos, feitas com extrema precisão e velocidade (além de muito ruído), algo como James Bond encontra Missão impossível. Impressão reforçada pelas locações: desta vez é Londres, Ilhas Canárias (Espanha) e Moscou, com flashes em Honk Kong, México e Brasil.

O que se observa, desde o quarto episódio, quando Lin assumiu a direção,é que Velozes e Furiosos mudou bastante suas características, não focando apenas em corridas de carro. Os pegas ainda estão lá, é claro, mas têm cada vez menos importância. Neste, está na sequencia inicial, mas não se trata de um racha e sim de uma emergência: Mia (Brewster) vai dar á luz o filho de Brian (Walker). Mais duas disputas do tipo, uma entre Don e Letty, que serve para reacender a atração entre eles, e a final quando até um avião de carga de grande porte entra em cena

A nota dissonante é o lado família assumido pelos ex-bandidos, que desejam, acima de tudo, poder voltar para a antiga casinha no subúrbio de Los Angeles, e até fazem uma oração de agradecimento antes da refeição. O consolo é saber que Velozes e Furiosos 7 já está sendo produzido, com um novo e surpreendente (ou talvez nem tanto) vilão.

Por Gilson Carvalho

Nota 7

Ficha Técnica

Velozes e Furiosos 6 (Fast & Furious 6) - 130 min.
EUA - 2013
Direção: justin Lin
Roteiro: Chris Morgan
Elenco: Paul Walker, Vin Diesel, Rihanna, Dwayne "The Rock" Johnson, Michelle Rodriguez, Gina Carano, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, Clara Paget

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Crítica - Giovanni Improtta

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 23 May 2013 15:47:00 +0000

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Os críticos de cinema no Brasil, de maneira geral, criticam essa nova onda de comédias nacionais, mais ainda esses “especiais de TV” da Rede Globo sendo lançados no circuito. Para muitos, produções rasteiras que enaltecem a própria empresa. A Globo Filmes ainda estranhamente adapam os filmes em microsséries, transformando o cinema nacional em uma fábrica de telefilmes. No entanto, Giovanni Improtta supera isso, vai na contramão do sistema e traz de volta um personagem outrora secundário na novela Senhora do Destino, mas de sucesso e querido do público.

Portanto, Giovanni Improtta é um projeto transmídia por natureza, o que é positivo, já que são poucos na indústria de entretenimento no Brasil. Assim, a obra dialoga com o imaginário do “telespectador”. E por já existir um trabalho e uma relação com o público já construída e consolidada, o trabalho de produção é muito facilitado, apesar disso não tirar seus méritos.

Dirigido e interpretado por José Wilker, é baseado na obra literária ‘Prendam Giovanni Improtta’, do autor Aguinaldo Silva, porém o personagem é ainda mais antigo, existe desde a época de 70, na obra ‘O Homem que comprou o Rio’. Mas foi na novela Senhora do Destino, de Aguinaldo Silva, que o bicheiro Giovanni, interpretado por Wilker, ganhou popularidade.

O filme conta a história de um bicheiro, que, como Michael Corleone, partilha do mesmo sonho: ver seus negócios ilícitos legalizados. Nesse caso, Giovanni, junto a seu cunhado e vereador Pastor Franklin (Thelmo Frenandes), negociam nos bastidores a aprovação de uma lei que libera os cassinos no Rio de Janeiro.

O ponto alto do filme é o design de produção com uma estética colorida, que remete aos filmes do Tarantino. Aliás, esse é um dos nomes dos seguranças do contraventor. Observe por exemplo como objetos de cena, a cama circular, a coleção de gravatas borboletas coloridas, o terno roxo, e a estátua do cachorro prateado dão um tom exótico e pitoresco ao bicheiro carnavalesco. E mesmo se aproveitando do trabalho feito em 2004 em Senhora do Destino, a diretora de Arte Claudia Amaral Peixoto tem grandes méritos. A trilha sonora também é excelente e só peca em querer conduzir demais o filme, isto é, vícios de TV. Nas sequências envolvendo o Pastor, por exemplo, há vários motivos musicais que se confrontam e confundem o espectador.

Um outro ponto alto é o elenco. Além de José Wilker já reencarnar de forma competente um de seus melhores trabalhos, Giovanni Improtta ainda possui boas interpretações, como a de Andréa Beltrão, vivendo a esposa do contraventor, e a de André Mattos, que depois de um ótimo trabalho em Tropa de Elite 2, revive Paulinho, o fiel escudeiro de Improtta.

Contudo, por vir de uma história já antes construída, Giovanni Improtta de certa forma trai o público em não marcar-se no espaço. Em nenhum momento sabemos se os eventos ali contados são antes ou depois de Senhora do Destino. E infelizmente o carnaval aparece pouquíssimo na trama, apenas é mais uma das atividades do contraventor.

O roteiro peca por não apresentar nenhuma jornada do personagem. Giovanni é sempre aquele cara da novela, e só. Porém os diálogos trazem aquelas pérolas divertidas que transformaram o personagem de Wilker em “Felomenal”. Por exemplo, em um certo momento Giovanni, ao se referir a uma jovem que se relacionou, fala: “ Eu já resolvi a gravidez do problema”. O outro contraventor indaga: “Gravidez?! mais essa agora”.

Porém o grande destaque do filme é a sequência inicial dos mafiosos no enterro. A chuva, o preto do figurino e das limusines; tudo que se remete ao imaginário dos filmes de gangster. E musicalmente quando uma bateria de escola de samba invade a ópera fúnebre e as alcovideiras são jogadas para escanteio, o espectador percebe a o caráter exótico de Giovanni, primoroso, que mostra que Wilker como diretor, apesar de muito irregular nessa obra, pode ter sucesso em futuros trabalhos.

Apesar não ser muito engraçado, Giovanni Improtta é muito divertido. Bem realizado tecnicamente, e bastante crítico, sobretudo com a nova onda evangélica do Rio de Janeiro. Além disso, sempre é agradável reviver aventuras de um personagem tão marcante como o contraventor Giovanni. Mickael Noah, sócio do Camarote Folia Tropical na Sapucaí, comenta que “o filme, assim como a novela em 2004, levanta a discussão de como uma escola de samba era administrada anos atrás. O enredo é leve e divertido, e os atores que compõem o elenco ajudam a conduzir a história. Seria legal ver a Unidos da Vila São Miguel desfilando na Sapucaí.”

Nota: 7
Por: Danilo Zanini

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Crítica - Sem Proteção

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 23 May 2013 00:09:00 +0000

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Sem Proteção é dirigido e protagonizado por Robert Redford, ganhador do Oscar de direção pelo filme Gente Como A Gente (Ordinary People) de 1980. O roteiro de Lem Dobbs é uma adaptação do romance de Neil Gordon, de mesmo nome. Além de Redford, o filme conta ainda com grandes nomes do cinema como Shia LeBeouf, Julie Christie, Terrence Howard, Nick Nolte, Richard Jenkins, Susan Sarandon, entre outros

Na trama de Sem Proteção, Jim Grant (Redford) vê sua liberdade ameaçada quando um evento do passado volta a assombrá-lo. Depois que Sharon Solarz (Sarandon) é presa por um crime cometido trinta anos atrás, os nomes dos outros três envolvidos voltam à mídia. Todos eles eram militantes de um grupo antiguerra, que durante um assalto a um banco acabam cometendo assassinato. Após esse crime, todos se esconderam, mudaram de identidade; caso de Grant, cujo verdadeiro nome é Nicholas Sloane.

"Sem Proteção" tem elenco estelar, mas roteiro superficial

Enquanto isso, um jornalista, Ben Shepherd (Labeouf), vê na prisão de Sharon uma oportunidade de descobrir mais segredos sobre o passado a fim de escrever uma grande matéria, e acaba descobrindo Grant e publicando sua verdadeira identidade. A única forma de Jim se livrar do FBI e das acusações contra si é encontrando uma amiga de longa data, Mimi Lurie (Christie) que participou do assalto e pode revelar uma informação que pode salvá-lo.

O que falta ao roteiro é um pouco mais de preocupação com o passado dos personagens. O evento que desencadeou a fuga dos envolvidos trinta anos atrás é citado por vários momentos, mas em nenhum deles, nem mesmo no final, ele é devidamente explicado. Um dos motivos talvez seja a duração do filme, que chega a duas horas; se fosse um pouco mais longo, ficaria enjoativo, já que a história gira em torno de trabalho investigativo tanto por parte de Jim como de Ben.

Um dos trunfos da produção, entretanto, é o grande elenco de veteranos consagrados, que mesmo com personagens secundários ou apenas participações, fazem um trabalho digno de atores de sua estirpe

Por José Leonardo Tadaiesky

Nota 6,7

Ficha Técnica

Sem Proteção (The Company You Keep) – 121 min.

EUA – 2013

Direção: Robert Redford

Roteiro: Lem Dobbs, baseado em romance de Neil Gordon

Elenco: Robert Redford, Shia LaBeouf, Julie Christie, Susan Sarandon, Terrence Howard, Stanley Tucci, Nick Nolte, Chris Cooper, Richard Jenkins, Anna Kendrick, Brendan Gleeson, Brit Marling, Sam Elliot

Estreia 24/05

Crítica - A Datilógrafa

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 22 May 2013 02:26:00 +0000

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A comédia romântica francesa A Datilógrafa, de Regis Roinsard, tem tudo que uma produção do gênero deve ter: graça, romance, diálogos ágeis. E ainda apresenta o charme e a beleza da protagonista Deborah François, perfeita no papel-título. Apesar de ambientada nos anos 50, faz comentários sobre a atualidade, com crítica ao culto das celebridades e à competitividade extrema.

Para fugir de uma vida limitada e um casamento arranjado e sem amor, Rose Pamphyle (Deborah François), uma jovem do interior, se candidata a uma vaga de secretária no escritório do agente de seguros Louis Échard (Romain Duris). Atrapalhada, só consegue o posto por sua habilidade em datilografar. O patrão vislumbra nela uma campeã e a inscreve no Campeonato Regional de Velocidade Datilográfica. O fracasso inicial não o desanima; pelo contrário, Èchard convida Rose a se mudar para sua casa, onde será submetida a um treinamento intensivo.

"A Datilógrafa" é uma produção de época que faz críticas á sociedade atual

Além de treinar a rapidez dos toques na máquina, ela aprende piano para aumentar a flexibilidade e jogging para a resistência. A estratégia dá certo e Rose vence, se qualificando para o certame nacional. Em Paris, Rose triunfa sobre a bi-campeã francesa, a arrogante Annie Leprince-Ringuet (Melanie Bernier) mas se apaixona definitivamente por seu patrão, que no entanto a deixa para que ela brilhe ainda mais. Enquanto se prepara para enfrentar a campeã mundial, uma americana, torna-se uma celebridade e é cortejada pelo seu novo patrocinador, Gilbert Jappy (Nicolas Bedos), mas não consegue esquecer o amado.

Boa parte da graça de A Datilógrafa se deve ao talento de Deborah François. Dona de uma beleza clássica, que lembra às vezes Grace Kelly, incorpora com facilidade a insegura porém decidida jovem que sonha com o amor, mas não abre mão de suas opiniões. Romain Duris faz um ótimo contraponto, como o duro e exigente Échard e ambos protagonizam cenas engraçadíssimas, como uma dança com uma coreografia incrível.

Além dos atores principais, todo o elenco tem uma performance admirável. Os diálogos muto bem escritos, com timing perfeito são uma grande qualidade da comédia. A excelente direção de arte, o guarda-roupa impecável e a fotografia criativa contribuem para o ótimo resultado. A trilha sonora ajuda a dar um toque divertido. Há até um "Cha-cha-cha da Secretária"

Por Gilson Carvalho

Nota 9

Ficha Técnica

A Datilógrafa (Populaire) - 111 min.
França - 2012
Direção: Regis Roinsard,
Roteiro Regis Roinsard, Daniel Presley, Romain Compingt
Elenco: Deborah François, Romain Duris, Bérénice Bejo, Shaun Benson, Melanie Bernier, Nicolas Bedos, Miou Miou, Fréderic Pierrot

Estreia 24/05

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Crítica - Walachai

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 20 May 2013 23:11:00 +0000

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O Brasil não conhece o Brasil. A frase-clichê serve perfeitamente para falar de Walachai, documentário escrito e dirigido pela gaúcha Rejane Zilles, que retrata uma pequena comunidade de descendentes de alemães no interior do Rio Grande do Sul que por muito tempo viveu entre dois mundos.

Os habitantes de Walachai (pronuncia-se Valarrai) passaram mais de cem anos falando apenas alemão, até que no período da Segunda Guerra Mundial, o Presidente Getúlio Vargas baixou um decreto proibindo as colônias estrangeiras de falar outro idioma que não o português. Como resultado, a comunidade se fechou ainda mais, com medo de sofrer represálias por falar sua língua materna. Além disso, todas as crianças passaram a estudar português da noite para o dia, causando uma enorme dificuldade.

Um dado curioso é que o dialeto que eles usam já não é falado na Alemanha e eles pouco sabem do país de origem. E, embora se identifiquem como brasileiros até hoje se ressentem da forma como a proibição afetou a comunidade. O filme fala ainda dos costumes trazidos do país de origem que a comunidade tenta preservar e como conviver com o mundo urbano e super-conectado sem perder suas características.

**"Walachai" significa 'lugar longíquo, perdido no tempo'**

Radicada há mais de duas décadas no Rio de Janeiro, Zilles empreende uma viagem afetiva de retorno ao seu lugar de origem, já que nasceu e viveu até os nove anos no pequeno distrito que pertence ao município de Morro Reuter, a apenas 70 quilômetros de Porto Alegre.

Simples tanto do ponto de vista técnico quando do narrativo, aprsentando depoimentos e o dia-a-dia dos habitantes, Walachai atinge o objetivo de revelar parte desconhecida da cultura do Brasil. Um destaque é a trilha sonora, que inclui Bach e Vivaldi, além de composições de Felipe Radicetti..

O documentário soma-se assim ao livro escrito à mão pelo professor e agricultor Benno Wendling, e ao curta inspirado por esse registro, também dirigido por Rejane Zilles chamado O Livro de Walachai, que por sua vez deu origem ao longa

Por Gilson Carvalho

Nota 7

Ficha Técnica

Walachai – 83 min.

Direção: Rejane Zilles
Estreia 24/05

Roteiro: Rejane Zilles

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Crítica - 2 Mais 2

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sun, 19 May 2013 00:55:00 +0000

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A maior bilheteria do cinema argentino em 2012, com mais de um milhão de ingressos vendidos, 2 Mais 2, de Diego Kaplan, aborda de forma leve e divertida um tema tabu: a troca de casais. Trata-se de uma comédia quase familiar, com ótimas interpretações e algumas boas piadas. Falha no entanto, ao ceder ao conservadorismo, (ainda) comum no continente latino-americano.

Diego (Adrian Suar) e Richard (Juan Minujin) são cirurgiões cardíacos de sucesso, donos de sua própria clínica. Ambos são bem casados, com Emília (Julieta Diaz) e Betina (Carla Peterson) respectivamente. Ricos e belos, levam uma vida perfeita até Betina confessar a Emília que ela e Richard são swingers, ou seja, praticam a troca de casais, e são muito felizes assim.. Inicialmente chocada, Emília, que tem uma vida sexual morna com seu marido, começa a fantasiar com a possibilidade. Diego, no entanto resiste o quanto pode, e fica mais temeroso ainda quando vai a uma festa de swing com os amigos para observar e aprender como se faz. O tiro sai pela culatra e ele fogei correndo, em uma das mais engraçadas sequências.

"2 Mais 2" mistura comédia e sensualidade soft, com bons resultados

Passado o susto, o hesitante Diego resolve dar uma chance à proposta e acaba descobrindo uma nova forma de felicidade. Durante algum tempo, os dois casais desfrutam da recém-descoberta liberdade sexual irrestrita. Porém, Emília e Diego, que tem um filho de 14 anos, Luca (Tomás Wicz), percebem que talvez não estejam mesmo preparados para aquele estilo de vida, e a relação entra em crise.

O principal ponto positivo da produção argentina é o quarteto de protagonistas, que além de brilharem individualmente, demonstram uma química perfeita, tornando a história mais instigante. As cenas mais sensuais, ainda que contidas, são bem encenadas e contam com uma trilha sonora mais do que adequada, que incluii Fanky (Charly Garcia) e Do You Really?, interpretada por Claudio Ledda, composta especialmente pelo diretor Kiego Kaplan para o filme, que dá um "climão" na principal cena de sexo entre os casais..

O ponto negativo é o roteiro bastante previsível e com final banal, um verdadeiro anti-clímax. Ainda que de certa forma coerente com o andamento geral da história, não deixa de denunciar a dificuldade de a sociedade argentina em aceitar a prática de forma natural. Para quem busca apenas bom divertimento, porém, no entanto, basta não cair na tentação de fazer análise sociológica e terá quase duas horas bastante agradáveis.

Por Gilson Carvalho

Nota: 7,5

Ficha Técnica

2 Mais 2 (Dos Más Dos) - 103 min.
Argentina - 2012
Direção: Diego Kaplan
Roteiro: Juan Vera, Daniel Cúparo
Elenco: Adrian Suar, Julieta Diaz, Juan Minujin, Carla Peterson, Alfredo Casero, Tomás Wicz, Micaela Cuccaresi, Juana Wein,

Estreia: 17/05

Crítica - O Homem Que Ri

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 17 May 2013 00:49:00 +0000

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O Homem que Ri, romance escrito por Victor Hugo em 1869, ganha sua terceira adaptação para o cinema - as outras foram em 1928 e 1966, pelas mãos do cineasta francês Jean-Pierre Améris, que se vale do drama clássico para abordar questões muito atuais, como a ditadura da beleza e as diferenças sociais, num filme visualmente caprichado, contando com um dos maiores atores franceses de todos os tempos, Gérard Depardieu.

A história se passa nos anos anteriores à Revolução Francesa, quando a fome atingia a maior parte da população do país. Gwinplaine (Marc-André Grondin), um menino marcado por uma estranha cicatriz no rosto que faz com que pareça estar sempre sorrindo, é abandonado numa praia por seu guardião, que no entanto afirma que voltará para buscá-lo. Sem saber para onde ir debaixo da neve e do frio intenso, o garoto salva da morte um bebê cuja mãe congelou no meio do campo. Com a menininha que ele descobre cega no colo, procura ajuda numa aldeia, mas é rejeitado. O único que os acolhe é Ursus (Depardieu), um homem estranho que vive de pequenos golpes, vê na deformidade de Gwinplaine o oportunidade de ganhar algum dinheiro.

"O Homem Que Ri" discute questões como ditadura da beleza e diferenças sociais

Causando horror e fascínio ao mesmo tempo, Gwinplaine se torna atração de uma espécie de circo de horrores que viaja de aldeia em aldeia pelo interior da França. A única que não o julga pela aparência é Dea, a menina que ele salvou da morte. Um dia, a duquesa Josiane (Emmanuelle Seigner) assiste ao espetáculo e fica obcecada por Gwinplaine. Apaixonado por Dea, o rapaz resiste o quanto pode, mas tudo muda quando descobre que é filho de um nobre e herdeiro de uma grande fortuna, o que vai colocar seu amor e lealdade à prova.

O diretor Jean-Pierre Améris opta por uma abordagem barroquizante da obra, com uma atenção toda especial ao visual. Assim, um dos pontos altos é a direção de arte, com um trabalho minucioso nos cenários e objetos, além de guarda-roupa espetacular, tudo fotografado em tons de cinza, quase chegando ao preto-e-branco, numa estética próxima àquela do realizador norte-americano Tim Burton.

Subordinando sua concepção a esses fatores, Améris deixou de investir em outros aspectos. Ainda assim, destacam-se os atores, principalmente Depardieu, que depois de quatro décadas de atuação continua tão bom como sempre. Os jovens Grondin e Theret também demonstram talento em papéis difíceis.

Por Gilson Carvalho

Nota 8,5

Ficha Técnica

O Homem Que Ri (L'homme Qui Rit) - 93 min

França - 2013

Direção: Jean-Pierre Améris

Roteiro: Jean-Pierre Améris, baseado em conto de Victor Hugo

Elenco: Gérard Depardieu, Marc-André Grondin, Christa Theret, Emmanuele Seigner, Arben Bajraktaraj, Swann Arlaud

Estreia 17/05

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Crítica - Finalmente 18

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 15 May 2013 15:39:00 +0000

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Atingir a maioridade significa, geralmente, ter de adotar um comportamento mais maduro e responsável. A se julgar por Finalmente 18!, os jovens americanos se tornam mais infantis e capazes das maiores asneiras ao atingir essa fase da vida. De qualquer modo, poderia render boas comédias. Não é o caso aqui.

No dia do seu 21 aniverisário, Jeff Chang (Justin Chon) um estudante em Stanford – uma das mais prestigiosas universidades americanas, recebe a visita de seus dois melhores amigos, Miller (Miller Teller) e Casey (Skylar Astin) para celebrar a data em grande estilo, o que significa muito álcool e, se possível, algumas mulheres. Só que no dia seguinte ele terá uma entrevista que mudará sua vida profissional, e quem vai conduzi-lo é seu pai, o rígido Dr. Chang (François Chau). Obviamente ele concorda em sair e tudo de errado que poderia acontecer, acontece.

"Finalmente 18" segue a linha de Se Beber Não Case - com menos graça

Depois de ir de bar em bar e ficar completamente bêbado, Jeff Chang desmaia. Seus amigos tentas leva-lo para casa, mas simplesmente não sabem o seu endereço. Entre as muitas tentativas de descobrir, eles invadem uma fraternidade de garotas, são perseguidos por um búfalo, saltam de telhados, e claro, vão parar no hospital. Para dar um toque romântico, Casey conhece uma garota, Nicole (Sarah Wright), por quem fica caído.

Escrito e dirigido por Jon Lucas e Scott Moore, integrantes da equipe responsável por Se Beber Não Case, o longa usa a mesma estrutura: três amigos com graus variados de retardamento se metem em situações absurdas, entremeadas por piadas racistas, sexistas e alguma escatologia. Funcionou razoavelmente por representar uma ruptura no modo de vida para homens nos seus 30 e poucos anos, e também devido ao talento dos atores Zach Galifianakis e Bradley Cooper, No caso de Finalmente 18, não é surpresa que garotos façam besteira. E olha que nos Estados Unidos a maioridade chega aos 21....

Por Gilson Carvalho

Nota 2,5

Ficha Técnica

Finalmente 18 (21 & Over) – 93 min.
EUA – 2013Direção: Jon Lucas, Scott Moore
Roteiro: Jon Lucas, Scott Moore
Elenco: Miller Teller, Skylar Astin, Justin Chon, Sarah Wright, Jonathan Keltz, François Chau, Russel Hodgkinson

Estreia: 17/05

Crítica - Terapia de Risco

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 14 May 2013 16:42:00 +0000

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Steven Soderbergh tem mostrado ao longo de sua carreira que é capaz de fazer filmes autorais, geralmente de baixo orçamento, voltados a um público restrito. Ao mesmo tempo, dirige obras de alto custo, dentro do padrão hollywoodiano, para as massas. Seu mais recente longa, Terapia de Risco, alia as duas formas mas, embora tenha alguns bons momentos, não satisfaz plenamente a nenhuma das duas. Não deixa, porém, de ter interesse, como a maioria das produções dirigidas por ele.

Emily Taylor (Rooney Mara) é uma jovem cujo marido Martin (Channing Tatum) está preso. Ao sair da prisão, Martin tenta retomar a vida com Emily, mas esta dá sinais de depressão. Após uma aparente tentativa de suicídio, a moça começa um tratamento com o psiquiatra (Jude Law), que lhe prescreve um novo medicamento, capaz de provocar diversos efeitos colaterais (nome original do filme), entre eles sonambulismo. E é nesse estado, privada de controle sobre si mesma, que Emily provoca uma tragédia.

Por ter prescrito uma droga potencialmente perigosa, o Dr.Banks se torna alvo de investigação tanto do Conselho de Medicina quanto da Polícia. Para tentar entender o que se passa com sua paciente, procura a antigaterapeuta de Emily, Victoria Siebert (Catherina Zeta-Jones), o que só o confunde mais. Para piorar a situação, sua mulher começa a suspeitar de seu envolvimento com pacientes.

"Terapia de Risco" padece de mau roteiro e direção ambiciosa demais

A partir de um mau roteiro, repleto de lacunas, Soderbergh tenta realizar um filme com uma pegada noir. Filma Nova York debaixo de pesadas nuvens negras, em uma fotografia fria e sem brilho. O grande trunfo - e a ponto fraco, de Terapia de Risco é a tentativa de abarcar diversos gêneros: começa com um drama íntimo relatando as dificuldades de uma mulher que busca solução para um problema grave e cada vez mais comum nos grandes centros urbanos; transforma a trama em uma filme de tribunal, colocando não só um médico mas a indústria farmacêutica como possíveis causadoras dos males sofridos por ela, e finalmente desemboca num thriller, com o médico fazendo o papel de detetive e a vítima passando a ser suspeita.

Em seu primeiro papel depois da excelente Lisbeth de Millenium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres, Rooney Mara dá mostras de talento, transmitindo toda a fragilidade que o personagem exige, ainda que a primeira parte seja longa demais. Jude Law, sempre correto, imprime a energia solicitada a esse tipo de história, Catherine Zeta-Jones, bela como sempre, mas com participação reduzida, assim como Channing Tatum.

Por Gilson Carvalho

Nota 7

Ficha Técnica

Terapia de Risco (Side Effects) - 106 min.

EUA - 2013

Diretor: Steven Soderbergh

Roteiro: Scott Z. Burns

Elenco: Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law, Catherine Zeta-Jones, Vanessa Shaw, Ann Dowd, Marnie Gummer, Vladimi Versailles.

Estreia 17/05

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Crítica - Uma Ladra Sem Limites

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 13 May 2013 14:35:00 +0000

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Em Uma Ladra Sem Limites, comédia dirigida por Seth Gordon, um pai de família correto, trabalhador e bem-casado se torna vítima de uma pilantra que se aproveita do fato de ele ter um nome unissex para roubar sua identidade e lhe causar um tremendo prejuízo, incluído a perda do emprego. Sandy Patterson (Jason Bateman) é um executivo de Denver, Colorado, frustrado por não ter seu trabalho reconhecido por seu patrão. Tudo parece melhorar ao ser convidado a integrar uma nova empresa, descobre que seu cartão de crédito foi clonado por alguém na Flórida. Porém, logo ele é preso por não comparecer à Corte por ter sido autuado por agressão no outro lado do país.

A responsável por todos esses delitos é Diana (Melissa McCarthy), uma rechonchuda e abusada estelionatária que, com o cartão de crédito falsificado, compra mil badulaques, de maquiagem a roupas de griffe, de liquidificadores a Jet ski. Como a polícia local não pode atuar em outra região, e a de Orlando não sabe do estelionato, Sandy vai até a Flórida para trazer Diana à força e salvar seu emprego. Tarefa nada fácil, já que além de resistir, além tem a mesma identidade que ele. A solução então é empreender uma longa viagem de carro até o Colorado.

“Uma Ladra Sem Limites” repete velhas fórmulas

Do autor de Se Beber Não Case 2, Craig Mazin, o roteiro segue a mesma linha; não se trata de uma comédia propriamente dita, mas uma série de situações supostamente engraçadas. Algumas realmente o são, como a luta entre Sandy e Diana em sua casa, ou a transa de Diana com Big Chuck (Eric Stonestreet), um cowboy que eles encontram no caminho.

Fora isso, há visível esforço dos atores principais para extrair alguma graça do material. Melissa McCarthy tem carisma e ocupa toda a tela – em parte por seu porte avantajado, o que é espertamente também usado para fazer piada. Além disso, Diana, seu personagem, fala e se movimenta o tempo todo, geralmente enquadrada em close-up, o que cansa com o tempo. Quando ela dá o golpe na garganta pela quinta vez, provoca bocejos.

Bateman, um bom ator, parece ter caído na armadilha do tipo único, repetindo-o em diversas produções, como em Quero Matar Meu Chefe (2011), do mesmo diretor, e até no série de TV Arrested Development. A ideia de opor personalidades contrastantes funciona no início, mas o público acaba simpatizando com a meliante Diana e achando o bonzinho Sandy um chato. O pior, porém, vem depois; um final melodramático em que as causas do comportamento, digamos, anti-convencional de Diana é descoberta – ela não tem família. Resta admirar Sandy, sua compreensiva e amorosa mulher Trish (Amanda Peet) e suas três belas filhas serem felizes para sempre.

Por Gilson Carvalho

Nota 5

Ficha Técnica

Uma Ladra Sem Limites (Identity Thief) – 111 min.

EUA – 2013

Direção: Seth Gordon

Roteiro: Craig Mazin

Elenco: Jason Bateman, Melissa McCarthy, Amanda Peet, John Cho, Jon Favreau, Robert Patrick, Morris Chestnut, Eric Stonestreet

Estreia 10/05

Crítica - Elena

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 08 May 2013 21:25:00 +0000

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Em Elena, a diretora Petra Costa revive um evento traumático em sua vida e no de sua família, o suicídio de sua irmã mais velha Elena, que tinha apenas vinte anos de idade e sonhava em se tornar uma grande atriz de cinema. O documentário é construído a partir de vídeos caseiros, testemunhos de familiares e amigos, além de gravações e diários pessoais da própria Elena.

A diretora, que também é a narradora, parece estar falando diretamente para a irmã, evocando seu nome sempre que possível, usando os pronomes você, nós, nosso, simulando uma conversa. Isso acaba por dar ao filme um caráter intimista e muitas vezes lembra um diário narrado.

O filme mostra o fascínio pelo cinema que a família tinha. A mãe de Petra e de Elena também sonhou em ir para Hollywood durante a adolescência, mas esse desejo cessou quando ela conheceu seu marido e pai de suas filhas, um revolucionário. Os dois tiveram Elena durante um longo período de exílio no interior do Brasil. Mas como narra Petra, Elena queria ser atriz desde os quatro anos de idade, e nos anos que se seguiram vários vídeos caseiros foram feitos por ela, alguns estrelados também pelo bebê Petra.

"Elena" fala de perda e memória, mas também de amor à arte e à vida

O desejo de ser atriz prevaleceu e após um tempo em uma com panhia de teatro em São Paulo, Elena se

muda para Nova York com esperança de que terá sucesso. Mas as decepções são mais freqüentes do que as conquistas, e aos poucos a tristeza a vai consumindo a ponto de deixá-la cansada de viver. Ela dizia que sem sua arte ela preferiria morrer.

Petra Costa consegue criar um documentário sensível, intimista, que busca homenagear o trabalho da irmã, assim como dar um sentido de conclusão para as pessoas envolvidas na vida de Elena, que sofreram e ainda sofrem com sua morte tão precoce. A diretora tinha sete anos quando sua irmã faleceu, e para ela o evento trouxe conseqüências para sua vida que a levaram a fazer esse filme.

Elena foi premiado no 45º Festival de Brasília nas categorias melhor direção, melhor montagem, melhor direção de arte e melhor filme pelo júri popular, todos na categoria documentários, além de ter recebido o prêmio de melhor documentário no Film de Femmes 2013.

Por José Leonardo Tadaiesky

Nota 6,0

Ficha Técnica

Elena – 82 min.

Brasil – 2012

Direção: Petra Costa

Roteiro: Petra Costa, Carolina Ziskind

Elenco: Elena Andrade, Li An e Petra Costa

Estreia 10/05

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Crítica - Somos Tão Jovens

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 07 May 2013 23:14:00 +0000

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Somos Tão Jovens é um filme de ficção baseado na biografia do cantor e compositor Renato Russo, interpretado nas telas pelo ator Thiago Mendonça, que a princípio parece apresentar uma performance um tanto afetada e artificial (outros atores/personagens passaram a mesma impressão), porém com o desenrolar da história ela se integra bem à direção do filme. O filme se compromete a seguir os passos de Renato Russo até a montagem de sua banda, Legião Urbana. A história começa em 1982, em Brasília, cidade de Renato, um jovem professor de inglês com um gosto por músicas fora do padrão da época de ditadura militar, em especial o punk rock, gênero que o leva a montar sua primeira banda, o Aborto Elétrico.

"Somos Tão Jovens" mostra a gênese do Legião Urbana em Brasília

As relações de amizade, os amores secretos, as inspirações para algumas de suas músicas mais famosas,

são todos elementos abordados na produção, que teve direção de Antônio Carlos da Fontoura. Porém, o plot da história é a juventude de Renato Russo, seus companheiros de banda e amigos. Uma juventude que correu atrás dos sonhos. Ainda é possível termos um vislumbre da formação de outra banda famosa, o Capital Inicial.

Somos Tão Jovens é um filme para o público mais jovem e fã do Renato Russo e do Legião Urbana. É possível ver por certas características como os créditos iniciais coloridos e cheios de fotos, indicando o caminho que o filme vai seguir. Não é uma comédia, apesar de obter traços do gênero, nem tampouco uma biografia dramática da vida e morte de Renato Russo. O título já diz tudo, é uma história sobre viver a juventude, e todos os altos e baixos que ela provê.

Por José Leonardo Tadaiesky

Nota 6,0

Ficha Técnica

Somos Tão Jovens - 104 min.

Brasil – 2013

Direção: Antônio Carlos da Fontoura

Roteiro: Luiz Fernando Borges, Marcos Bernstein

Elenco: Thiago Mendonça, Laila Zaid, Conrado Godoy, André de Carvalho, Antonio Bento, Bianca Comparato, Bruno Torres, Daniel Passi, Edu Moraes, Ibsen Perucci, Nicolau Villa-Lobos, Sergio Dalcin, Sandra Corveloni

Estreia 03/05

Crítica - O Brasil deu certo. E agora?

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 03 May 2013 15:07:00 +0000

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O Brasil deu certo. E agora? é um documentário idealizado por Maílson da Nóbrega, ministro da fazenda (1987-1990) do governo de José Sarney (1985-1990), e dirigido pela jornalista Louise Sottomaior, que está estreando no cinema. Através de entrevistas com três ex-presidentes da República, doze ex-ministros de Estado, sete ex-presidentes do Banco Central, um professor de história econômica e especialistas em finanças, a história da economia brasileira é relatada com o intuito de refletir sobre o presente e o futuro do país, além de discutir o que é dar certo. O ex-presidente Lula, o ex-ministro Antonio Palocci e o atual ministro Guido Mantega se recusaram a participar do filme.

O ex-ministro Maílson da Nóbrega é a figura central do documentário que, didaticamente, começa a contar a história da economia brasileira partindo do Brasil colônia e chegando aos dias de hoje. Sua linguagem é simples e acessível ao grande público, fugindo explicitamente do economês. O ex-ministro é o responsável pela condução da linha narrativa e aparece praticamente durante todo o filme.

"O Brasil deu certo. E agora?" utiliza uma linguagem didática e acessível

O documentário foi montado em cima de entrevistas e artes gráficas. Durante as falações, surgem gráficos e tabelas no canto do quadro, além de algumas brincadeiras com os gestos dos entrevistados, que contribuem para esclarecer o que está sendo dito. Com um corte bastante ágil, a história vai sendo contada aos pedacinhos através de 25 relatos picotados. O longa exibe uma visão panorâmica da economia sob o ponto de vista do poder. A maioria dos entrevistados teve alguma ingerência na escolha dos caminhos percorridos pela nação brasileira.

O Brasil deu certo... apresenta um mosaico de decisões e planos econômicos objetivando chegar à conclusão de que o Brasil deu certo. Mas qual foi o impacto desses atos na vida do povo brasileiro? Será que para o povo, o Brasil também deu certo? No documentário, o povo não tem voz, permanece em silêncio. O filme tem um olhar parcial sobre as questões abordadas, exibindo apenas o discurso do poder e deixando em evidência sua função como peça de propaganda do neoliberalismo.

Por Lena Mendes

Nota 6

Ficha Técnica

O Brasil deu certo. E agora? - 70 min.

Brasil - 2013

Direção: Louise Sottomayor

Estreia 03/05

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17º Cine PE

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 03 May 2013 15:03:00 +0000

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Vendo ou Alugo, de Betse de Paula, foi o grande vencedor do 17º Cine PE, encerrado no dia 2 de maio. Protagonizada por Marieta Severo, a comédia foi agraciada com 12 troféus Calunga, incluindo o Prêmio Especial do Júri Oficial para Carmem Verônica, Daisy Lúcidi e Ilka Soares (que interpretam o trio de amigas apelidadas de As Tartarugas) e o Prêmio da Crítica, concedido pela Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) – que escolheu o filme “pela força do elenco, com uma síntese irreverente de problemas cariocas, e pela dinâmica da mise-en-scène”, segundo defesa dos jurados.

O prêmio de Melho Ator foi para João Miguel, por Bonitinha, mas Ordinária (de Moacyr Góes), e o filme “Giovanni Improtta” (que marca a estreia de José Wilker na direção) levou Melhor Fotografia para Lauro Escorel. Catarina Apolonio, do longa pernambucano Rio Doce-CDU, venceu na categoria Edição de Som. Entre os curtas, os premiados foram Linear, de Amir Admoni, que ganhou o Calunga de Melhor Filme e O Fim do Filme, de André Dib, foi premiado em quatro categorias.

"Vendo ou Alugo" recebeu 12 troféus Caluna no 17º Cine PE

Além de Marieta Severo, Vendo ou Alugo tem no elenco Marcos Palmeira, Nathália Timberg, Silvia Buarque, Beatriz Morgana e André Mattos. A trama, filmada em planos-sequência, se passa durante a pacificação de um morro na Zona Sul do Rio e conta a história de uma família com quatro gerações de mulheres, que já foi riquíssima, mas está afundada em dívidas. Para escaparem da falência, elas tentam vender o casarão onde moram, no pé da favela, antes que ele vá a leilão.

O júri oficial do 17º Cine PE foi composto por Beto Souza (produtor e diretor de teatro e cinema), Cleodon Coelho (jornalista, roteirista e escritor), José Luiz Villamarim (cineasta e diretor de TV), Marcus Ligocki Jr (diretor, produtor e roteirista), Paula Burlamaqui (atriz de teatro, cinema e televisão), Pedro Pablo Lazzarini (diretor de fotografia) e Ruth de Albuquerque (licenciada em filosofia e professora de cinema).

O 17º Cine PE exibiu 39 filmes (12 longas e 27 curtas) no Teatro Guararapes, no Centro de Convenções de Pernambuco, em Olinda. A Mostra Competitiva de Longas-Metragens apresentou sete filmes inéditos (quatro ficções e três documentários) e 18 produções de seis estados na Mostra Competitiva de Curtas-Metragens. O festival homenageou com o troféu “Calunga de Ouro” a atriz Marieta Severo, o cineasta Silvio Tendler e o Canal 100.

OS VENCEDORES DO CINE PE 2013

LONGAS-METRAGENS

Filme: Vendo ou Alugo, de Betse de Paula
Direção: Betse de Paula (Vendo ou Alugo)
Ator:  João Miguel (Bonitinha, mas ordinária)
Atriz: Marieta Severo (Vendo ou Alugo)
Ator Coadjuvante:  Pedro Monteiro (Vendo ou Alugo)
Atriz Coadjuvante: Nathália Timberg (Vendo ou Alugo)
Roteiro:  Beste de Paula, Maria Lucia Dahl, Julia Abreu e Mariza Leão (Vendo ou Alugo)
Fotografia: Lauro Escorel (Giovanni Improtta)

Direção de Arte: Emily Pirmez (Vendo ou Alugo)
Trilha Sonora: Bandeira 8 - Fabio Mondego, Fael Mondego, Marco Tommasi (Vendo ou Alugo)
Edição de Som: Catarina Apolonio (Rio Doce-CDU)
Montagem: Marta Luz (Vendo ou Alugo)
Melhor Filme do Júri Popular: Vendo ou Alugo, de Betse de Paula
Prêmio da Crítica: Vendo ou Alugo, de Betse de Paula
Prêmio Especial do Júri Oficial: Carmem Verônica, Daisy Lúcidi e Ilka Soares, As Tartarugas (Vendo ou Alugo)

Menção Honrosa: Beto Martins (direção de fotografia de Rio Doce-CDU)

CURTAS-METRAGENS

Filme: Linear, de Amir Admoni
Direção: André Dib (O Fim do Filme)
Ator: Gabriel Bodstein (O Fim do Filme)
Atriz:  Gabriela Cerqueira (O Fim do Filme)
Roteiro: José Roberto Torero (Íris)
Fotografia: Cauê Laratta (A Galinha que Burlou o Sistema)
Direção de Arte: Natalia Vaz (A Guerra dos Gibis)
Trilha Sonora:  Sergio Kafejian (Aluga-se)
Edição de Som: Nick Graham-Smith (Linear)
Montagem: Alison Zago (A Galinha que Burlou o Sistema)
Melhor Filme do Júri Popular: O Fim do Filme, de André Dib
Prêmio da Crítica: Íris, de Kiko Mollica
Menção Honrosa: Sagatio, Histórias de Cinema
Prêmio Canal Brasil: O Filme do Filme, de André Dib

MOSTRA PERNAMBUCO

Melhor Curta-Metragem da Mostra Pernambuco: Entre Lua, a Casa é sua, de Marcos Carvalho e Edineia Campos
Menção honrosa: Os Silenciados não Mudam o Mundo, de Alexandre Alencar

Festival Varilux de Cinema Francês 2013

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 01 May 2013 19:30:00 +0000

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Começa no dia 1º e termina no dia 16 de maio, em 45 cidades brasileiras, o Festival Varilux de Cinema Francês 2013. Serão apresentados 16 filmes, representando a produção mais recente do país. Os destaques da programação são O Homem Que Ri, Ferrugem e Osso, Os Sabores do Palácio, Camille Claudel 1915, Pedalando com Molière, Renoir e a animação O Menino da Floresta. A novidade este ano é que o festival acontecerá em duas etapas: de 1º a 9 de maio em algumas cidades, como Rio de Janeiro, São Paulo, Curitiba e Brasília; e de 10 a 16 de maio em outras, como Belo Horizonte, Belém e Manaus. .

O diretor Benoit Jacquot e a atriz Léa Seydoux (de Meia-Noite em Paris), virão ao Rio de Janeiro para o lançamento do filme Adeus, minha Rainha. Também estarão presentes os diretores Philippe Le Guay (Pedalando com Molière), Danièle Thompson (Aconteceu em Saint-Tropez), Agnès Jaoui (Além do arco-íris"), Jean-Pierre Améris ("O Homen que Ri"), Jean-Paul Lilienfeld (Prenda-me) e Michel Leclerc (Anos Incríveis), e os atores Monica Bellucci (Aconteceu em Saint-Tropez), Christa Theret (Renoir e O Homem que Ri) e Arthur Dupont (Além do Arco-íris e Os Sabores do Palácio).

Lista de filmes

A datilógrafa (Populaire)
De Régis Roinsard, com Romain Duris, Déborah François, Bérénice Béjot.
2012 – Comédia - 1h51

Aconteceu em Saint-Tropez (Des gens qui s'embrassent)
De Danièle Thompson, com Monica Bellucci, Kad Merad, Éric Elmosnino
.2012 – Comédia – 1h40

Adeus, minha Rainha (Les adieux à la Reine)
De Benoît Jacquot, com Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen.
2011 – Drama – 1h44

Além do arco-íris (Au bout du conte)
De Agnès Jaoui, com Agathe Bonitzer, Arthur Dupont, Jean-Pierre Bacri
2012 – Comédia - 1h52

Amigos sinceros (Amitiés sincères)
De Stephan Archinard e François Prévôt-Leygonie, com Gérard Lanvin, Jean-Hugues Anglade.
2012 – Comédia dramática - 1h44

Anos Incríveis (Télé Gaucho)
De Michel Leclerc, com Félix Moati, Sara Forestier, Eric Elmosnino, Maiwenn, Emmanuelle Béart.
2012 – Comédia – 1h52

Camille Claudel 1915 (Camille Claudel 1915)
De Bruno Dumont, com Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent, Robert Leroy
2012 – Drama – 1h35

Feito gente grande (Du vent dans mes mollets)
De Carine Tardieu, com Agnès Jaoui, Denis Podalydès, Isabelle Carré
2011 – Comédia – 1h29

Ferrugem e osso (De rouille et d'os)
De Jacques Audiard, com Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts.
2012 – Drama– 1h55

O Homem que ri (L'homme qui rit)
De Jean-Pierre Améris, com Gérard Depardieu, Emmanuelle Seigner, Marc-André Grondin.
2012 – Drama - 1h33

O menino da floresta (Le jour des corneilles)De Jean-Christophe Dessaint
Com as vocês de Jean Reno, Lorant Deutsch, Isabelle Carré e Claude Chabrol
2012 – Animação – 1h35

Pedalando com Molière (Alceste à Bicyclette)
De Philippe Le Guay, com Fabrice Luchini, Lambert Wilson.
2011 – Comédia – 1h44

Prenda-me (Arrêtez-moi)
De Jean Paul Lillienfeld, com Sophie Marceau, Miou-Miou, Marc Barbé
2013 – Thriller – 1h39

Renoir (Renoir)
De Gilles Bourdos, com Michel Bouquet, Christa Theret, Vincent Rottiers
2012 – Drama – 1h41

Os sabores do Palácio (Les saveurs du Palais)
De Christian Vincent, com Catherine Frot, Jean d'Ormesson, Arthur Dupont.
2012 – Comédia – 1h35

Uma Dama em Paris (Une Estonienne à Paris)
De Ilmar Raag, com Jeanne Moreau, Laine Magi, Patrick Pineau
2012 – Drama – 1h34

Serviço

Festival Varilux de Cinema Francês
Quando: de 3 a 16 de maio de 2013
Onde: em mais de 45 cidades do Brasil
Mais informações: http://variluxcinefrances.com

10º Prêmio ACIE de Cinema 2013

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 30 Apr 2013 18:56:00 +0000

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A décima edição do Prêmio ACIE de Cinema, promovido pela Associação dos Correspondentes de Imprensa Estrangeira no Brasil, apresenta o melhor da safra nacional de 2012. Os longas indicados serão exibidos na Mostra ACIE de Cinema, no Centro Cultural Banco do Brasil (RJ), entre 30 de abril e 5 de maio.

Os jurados escolherão entre 22 filmes, que concorrerão em nove categorias, além de melhor filme pelo júri popular, escolhido pelos espectadores da mostra no CCBB.

O lançamento do Prêmio foi realizado no dia 29 de abril, no CCBB, com a exibição do longa Flores Raras, de Bruno Barreto, com Glória Pires e Miranda Otto nos papéis principais. O filme retrata a conturbada relação entre a arquiteta brasileira Lota Macedo Soares (Pires) e a poeta norte-americana Elizabeth Bishop (Otto).

LISTA DOS INDICADOS:

MELHOR FILME
Corações sujos
Febre do rato
Gonzaga - de pai pra filho
Xingu

MELHOR DIRETOR
Afonso Poyart por Dois coelhos
Beto Brant e Renato Ciasca por Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios
Breno Silveira por Gonzaga - de pai pra filho
Cláudio Assis por Febre do rato

MELHOR ROTEIRO
Adriano Esturilho, Aly Muritiba, Bruno de Oliveira, Diego Florentino e Fábio Allon por Circular
Hilton Lacerda por Febre do rato
Marçal Aquino, Beto Brant e Renato Ciasca por Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios
Mauro Lima por Reis e ratos

MELHOR ATOR
Daniel Oliveira por Boca
Irandhyr Santos por Febre do rato
João Miguel por Xingu
Rodrigo Santoro por Heleno

MELHOR ATRIZ
Camila Pitanga por Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios
Hermila Guedes por Era uma vez eu, Verônica
Mariana Lima por Sudoeste
Nathália Dill por Paraísos artificiais

MELHOR FOTOGRAFIA
Adrian Tejido por Boca
Adriano Goldman por Xingu
Rodrigo Monte por Corações sujos
Walter Carvalho por Heleno

MELHOR TRILHA SONORA
Aurélio Dias por Vou rifar meu coração
Karina Buhr e Tomaz Alves Souza por Era uma vez eu, Verônica
Paulo Jobim por A música segundo Tom Jobim
Roberto Carlos por À beira do caminho

MELHOR DOCUMENTÁRIO
Paralelo 10
Raul - o início, o fim e o meio
Tropicália
Vou rifar meu coração

BLOCKBUSTER BRASIL
De pernas pro ar 2
E aí... Comeu?
Gonzaga - de pai pra filho
Os penetras

PROGRAMAÇÃO DA MOSTRA:

TERÇA-FEIRA, DIA 30
15h - De pernas pro ar 2 (99 min.)
17h - E aí... comeu? (111 min.)
19h - Circular (94 min.)

QUARTA-FEIRA, DIA 01
15h - Tropicália (100 min.)
17h - Sudoeste (128 min.)
19h - Reis e ratos (93 min.)

QUINTA-FEIRA, DIA 02
14h - Paralelo 10 (87 min.)
16h - Heleno (116 min.)
18h - Boca (100 min.)
20h - Era uma vez eu, Verônica (90 min.)

SEXTA-FEIRA, DIA 03
14h - Os penetras (88 min.)
16h - Gonzaga, de pai pra filho (120 min.)
18h - Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios (100 min.)
20h - À beira do caminho (102 min.)

SÁBADO, DIA 04
14h - A música segundo Tom Jobim (90 min.)
16h - Xingu (116 min.)
18h - 2 Coelhos (108 min.)
20h - Paraísos artificiais (96 min.)

DOMINGO, DIA 05
14h – Raul Seixas: O início, o fim e o meio (120 min.)
16h – Corações sujos (107 min.)
18h – Febre do rato (105 min.)
20h - Vou rifar meu coração (78 min.)

SERVIÇO MOSTRA ACIE DE CINEMA

Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB)

Rua Primeiro de Março, 66 – Centro.

Sala de Cinema II

Ingressos R$ 6 e R$ 3 (Cinepasse da Mostra)

Horário de funcionamento: de terça a domingo, das 10h às 21h.

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Crítica - Homem de Ferro 3

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 29 Apr 2013 17:15:00 +0000

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Um super-herói com crise de identidade já é um clichê ao longo dos mais de quinze anos da Marvel Studios, e até antes disso, em Superman de Richard Donner e Homem-Aranha de Sam Raimi. Porém uma crise de identidade de uma nação, que é uma das referências mundiais já é algo muito maior, mais ambicioso. Em consequência disso a trilogia Homem de Ferro deixa de ser mero entretenimento para sutilmente propor certas discussões ao espectador. Assim Tony Stark ainda nos créditos iniciais afirma: “Com nossos erros, nós criamos nossos próprios demônios".

"Homem de Ferro 3" discute a decadência dos EUA como nação hegemônica

No final da trilogia o diretor e roteirista Shame Black traz um Tony Stark (Robert Downey Jr) com um estresse pós-traumático após os eventos de Nova York visto em Os Vingadores. Aliás, não só o cabeça de metal, mas o governo americano, já que este ficou impotente diante de deuses nórdicos, aliens e o Hulk. Além disso, o passado assombra Stark, contado ao espectador no começo da projeção, uma vez que o bilionário abandonou mais uma musa e um nerd com potencial de cientista.

Desta forma Black trabalha a ideia que para toda ação há uma consequência. Algo semelhante acontece com a nação, já que surge um vilão terrorista árabe, o Mandarin (Ben Kingsley) como resposta às políticas desastradas dos americanos no Oriente Médio. E se observar as sutilezas de Black para fazer referências históricas aos erros dos EUA. Por exemplo, a arma de Mandarin é uma bomba sintética que desintegra todos os cidadãos, ou seja, as bombas nucleares de Hiroshima e Nagaski. Além disso, o presidente dos EUA é uma referência ao ex-presidente George Bush, dono de gigantes petroleiras.

A nação norte-americana construiu sua imagem como super-potência através da ideologia do destino manifesto, que consiste na tese que os EUA são os escolhidos para mostrar um modelo hegemônico de democracia e sociedade. O tal do American Way of Life. Com isso, o cineasta Shame Black começa a mexer com os símbolos americanos e de Stark. Afinal, todo o patrimônio de Stark vira escombro numa ótima sequência de ação. Observe por exemplo, qual era a verdadeira profissão do cara por trás das câmeras e do Mandarin, que anteriormente sequestra um executivo americano influente, e este é justamente um executivo de Hollywood.

Super-herói fraco mostra erros dos poderosos no terceiro filme da trilogia

Desta forma Black constrói não só um Homem de Ferro fraco em relação a sua equipe de super-amigos, mas toda uma nação outrora poderosa e que com atual crise econômica tornou-se impotente para resolver problemas históricos como no Iraque, por exemplo; tem sua influência questionada e diminuída. Stark no final chega refletir: “Toda ideologia empolga no começo, mas em algum momento nós erramos, nós criamos nossos problemas, nossos próprios demônios”. Claras referências ao apoio e treinamento à terroristas e ditadores do Oriente Médio durante a Guerra Fria.

Em relação ao filme em si, o compositor Brian Tiller foi feliz construindo uma trilha épica e heroica; semelhante à bela música de Silvestri para Os Vingadores. No roteiro, Black apela ao “cross-over (narração em off)” que desaparece em muitos momentos da projeção. Contudo, as sequências de ação, sobretudo no terceiro ato, são muito divertidas e ficarão marcadas na memória do espectador.

Sem sua habitual trilha sonora de AC-DC, Homem de Ferro 3 encerra com maestria uma trilogia que por sua qualidade técnica, de efeitos visuais, de história e de grandes atuações como a de Robert Downey Jr ajudou a consolidar os “hero movies”. Gênero que no ano passado deu a Hollywood seu maior lucro da história. Além disso, Homem de Ferro 3 não apenas constrói um universo fascinante sonhado por anos por nerds, mas mostra que consegue estabelecer uma discussão eficiente com a realidade, útil ao espectador, e chegando em determinados momentos a brincar com ela.

Por Danilo Zanini

Nota: 8,5

Ficha Técnica

Homem de Ferro 3 (Iron Man 3) – 130 min.
EUA 2013
Direção: Shane Black
Roteiro: Drew Pearce e Shane Black, baseado nos quadrinhos de Stan Lee, Don Heck, Larry Lieber e Jack Kirby
Elenco: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Rebecca Hall, Guy Pearce, Ben Kingsley, Paul Bettany, Don Cheadle, Jon Favreau, William Sadler, James Badge Dale, Stephanie Szostak, Stan Lee

Estreia 26/04

Crítica - 2 Dias em Nova York

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 29 Apr 2013 14:49:00 +0000

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Nova York talvez seja a cidade mais cinematográfica do mundo, e quem a retrata melhor é provavelmente Woody Allen. Com essas duas referência, a atriz Julie Delpy escreveu, dirigiu e atuou em 2 Dias em Nova York, sequência de seu filme de estreia como diretora, a comédia romântica Dois Dias em Paris. Desta vez, Marion, agora casada com um americano, recebe sua família francesa para uma visita que vai testar a paciência do casal e provocar algumas risadas.

Marion (Delpy) vive com o radialista Mingus (Chris Rock) e seus dois filhos, Willow (Talen Riley) e Lulu (Owen Shipman), de casamentos anteriores. Prestes a inaugurar uma exposição de fotografias em que pretende vender sua alma a quem pague mais, ela recebe seu pai Jeanott (Albert Delpy), sua irmã Rose (Alexia Landeau) e o namorado dela, Manu (Alexandre Nahon).

"Dois Dias em Nova York" brinca com estereótipos e choques culturais

Embora não traga novidades ao abordar a velha busca pelo amor e os problemas de relacionamento, 2 Dias em Nova York pode agradar aos menos exigentes. Delpy usa estereótipos culturais para fazer graça. As velhas piadas sobre o pouco apreço dos franceses ao banho, a naturalidade com que encaram a nudez e a importância que dão à boa comida fazem parte do cardápio, tudo embalado em diálogos coloquiais, enquadrados por câmera na mão, dando uma impressão de documental. Algumas vezes funciona, outras não.

Interpretado pelo próprio pai da atriz, Albert Delpy, Jeannot é responsável por alguns momentos engraçados, como o modo efusivo de cumprimentar os americanos, com beijinhos na face ou a falta de pudor ao se submeter a uma massagem. Alexia Landeau, co-autora do roteiro e Alexandre Nahon têm boa química juntos, mas certas sequencias onde Rosa briga com Marion são constrangedoras pela infantilidade. Chris Rock, ator conhecido por comédias, parece enfadonho. Os momentos em que ele poderia provocar algum riso, quando fala de suas experiências pessoais em seu programa de rádio, não são muito explorados. A brincadeira dele conversar com uma foto de Barack Obama também não ajuda..

A grande piada talvez seja mesmo a artista Marion vender a alma ao diabo por US$ 5 mil, preço baixo devido à crise.. Ou, no caso, ao ator Vincent Gallo, que interpreta ele mesmo. Só que, apesar de afirmar que não acredita em alma, tenta resgata-la. Por vias das dúvidas, é melhor mesmo.

Por Gilson Carvalho

Nota 5

Ficha Técnica

Dois Dias em Nova York (2 Days in New York) – 96 min.
Fra nça/Alemanha/Bélgica - 2013

Direção< Julie Delpy
Roteiro: Julie Delpy, Alexia Landeau
Elenco: Chris Rock, Julie Delpy, Albert Delpy, Alexia Landeau, Owen Shipman, Talen Riley, Alexandre Nahon, Vincent Gallo

Estreia: 26/04

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Crítica - A Morte do Demônio

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 24 Apr 2013 14:16:00 +0000

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Jovens americanos perdidos numa cabana no meio do nada, onde de repente entidades sobrenaturais resolvem brincar com os pobres mortais sem motivo aparente, apenas pelo sádico motivo de mutilar algumas vidas. Onde já vimos isso? Provavelmente em todos os filmes de terror. E é justamente esse o grande mérito de A morte do demônio, que resgata a estética dos filmes de terror dos anos 80. Assim o filme do diretor Fede Alvarez não é apenas uma refilmagem do longa de Sam Raimi Uma noite alucinante (1981) , mas também uma homenagem aos filmes de “horror trash”, com muito sangue e baixo orçamento.

Nesta nova versão, A morte do Demônio conta a história dos irmãos David (Shiloh Fernandez) e Mia (Jane Levy), que muito jovens perderam a mãe que sofria de surtos psicóticos misteriosos. Preocupado com a irmã que tinha visões e era viciada em drogas, David, juntamente com seus amigos, a arrastam a uma cabana, onde um dos jovens acha um misterioso livro de magia negra. Assim os jovens libertam entidades malignas que passam a oferecer “uma noite alucinante” aos jovens.

"A Morte do Demônio" presta homenagens às produções trash

Mostrando conhecer bem o gênero e seu público, o diretor Fede Alvarez investe nos clichês que o gênero construiu ao longo do tempo. Por exemplo, quando uma entidade feminina cobre o rosto com seus longos cabelos negros, é difícil não lembrar da Samara de O Chamado, de Gore Verbinsk. Ou como os demônios encaram os jovens, o modo de caminhar é muito semelhante ao Grito, produzidos por Sam Raimi. Ainda, A morte do demônio resgata a icônica cena do original na qual uma sequência trash e sexy mostra galhos de uma árvore penetrando por baixo do vestido de Mia.

Assim como o roteiro, a direção de Alvarez também apresenta vários clichês, como os planos sequencias que partem de fora para dentro da casa, simulando o movimento das entidades. Alvarez é feliz ao tratar a luz em dois momentos, quando a protagonista é vista pela primeira vez, e quando um dos jovens já quase morto entrega a solução da maldição para David. A luz vem sempre do céu, como se fosse um bálsamo para os sofrimentos dos personagens. A trilha sonora também segue os mesmos clichês, com suas típicas marcações, cantos de fundo; um destaque é a sirene típica de países de zonas de guerra que surge na sequência final do filme.

O público que se acostumou com o estilo documental de a Bruxa de Blair, Cloverfield, e Atividade Paranormal pode agora, com A morte do demônio, assistir de novo a um típico filme de terror, como há muito não se via. E mesmo não sendo espetacular o longa de Fede Alavarez irá arrancar alguns sustos, fazer o espectador torcer o rosto e se divertir com cenas de muito sangue e gritos.

Por Danilo Zanini

Nota 7,5

Ficha Técnica

A Morte do Demônio (Evil Dead) - 91 min
EUA - 2013
Direção: Fede Alvarez
Roteiro: Fede Alvarez, Rodo Sayague
Elenco: Shiloh Fernandez, Jane Levy, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore, Jim McLarty

Estreia:19/04

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Crítica - Ginger & Rosa

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sun, 21 Apr 2013 21:56:00 +0000

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Uma época conturbada, o começo dos anos 60, quando ainda estavam vivas as lembranças dos bombardeios sobre a Inglaterra durante a II Guerra Mundial, e o terror de um holocausto nuclear pairava sobre a humanidade, ao mesmo tempo em que a revolução sexual dava os primeiros passos é o pano de fundo para Ginger & Rosa, drama dirigido pela inglesa Sally Potter.

Ginger (Elle Fanning) e Rosa (Alice Englert) são amigas desde a infância. Nasceram na mesma maternidade, no mesmo dia em 1945, ano que marcou o fim da II Guerra Mundial. Crescem em um subúrbio de Londres e aos 17 anos, experimentam o primeiro cigarro, o primeiro beijo, os primeiros momentos de liberdade. Fazem tudo juntas e até se vestes de modo parecido. Pouco a pouco, porém, descobrem diferenças; enquanto Ginger começa a tomar consciência dos problemas do mundo, Rosa vai perdendo o ímpeto e buscando uma vida mais tranquila.

Guerra fria e revolução sexual são temas de "Ginger & Rosa"

Cada vez mais assustada pela possibilidade de uma guerra nuclear, Ginger se torna poeta e ativista política, participando de manifestações públicas e conhecendo pessoas engajadas em protestos e outras ações contra o establishment. Rosa, por sua vez, sonha em encontrar o amor de sua vida, e aproxima-se de Roland (Alessandro Nivola), pai de Ginger, um professor e intelectual que defende a vida sem amarras..

Tentando afastar-se dos velhos modelos, representados por sua mãe Nathallie (Christina Hendricks) e a mãe de Rosa, Anoushka (Jodhi May), Ginger volta-se para Bella (Annete Bening), uma norte-americana segura e politizada, que ao lado do casal homossexual Mark (Timothy Spall) e Mark II (Oliver Platt) garante à menina estabilidade e coragem para enfrentar seus medos. A separação dos pais, o pavor pelo fim do mundo e o envolvimento de sua amiga com seu pai exercem uma enorme pressão sobre Ginger, com consequências imprevisíveis.

A diretora Sally Potter (de Orlando) lança um olhar sensível sobre uma fase difícil – a adolescência e o início da vida adulta. Para isso, escalou um elenco excelente, com destaque para Elle Fanning, irmã mais nova da também talentosa Dakota Fanning, que aos 15 anos representa com garra e vulnerabilidade. Alice Englert não brilha tanto porque seu personagem vai perdendo força ao longo da narrativa, dando espaço para Ginger se tornar a verdadeira protagonist

Por Gilson Carvalho

Nota 7

Ficha Técnica

Ginger & Rosa – 90 min
Reino Unido Dinamarca Canadá Croácia
Direção e roteiro> Sally Potter
Elenco: Elle Fanning, Alice Englert, Christina Hendricks, Alessandro Nivola, Annete Bening, Timothey Spall e Oliver Pratt.

Estreia 19/04

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Crítica - Meu Pé de Laranja Lima

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 18 Apr 2013 15:45:00 +0000

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O filme Meu pé de laranja lima de Marcos Bernstein é uma adaptação cinematográfica do romance homônimo de José Mauro de Vasconcelos, que foi lançado em 1968. O romance já havia sido adaptado anteriormente para televisão, teatro e história em quadrinhos. É a história de um menino chamado Zezé (José Guilherme Ávila), que é muito levado e é o quarto dos cinco filhos de uma família pobre que mora no interior. O filme se passa durante a primeira infância do menino, quando a mãe sustentava toda a família devido ao desemprego do pai.

Para contar a história de Zezé, Marcos Bernstein optou por um roteiro circular. O filme começa com Zezé já adulto recebendo alguns exemplares da edição do seu livro Meu pé de laranja lima. Ele procura o manuscrito da obra no armário e com seu carro antigo viaja até um cemitério. Segurando o manuscrito, procura por um determinado jazigo até encontrá-lo. Neste momento entramos na história do Zezé criança.

"Meu Pé de Laranja Lima" narra a infância feliz de um menino do interior

A narrativa cinematográfica é construída a partir do ponto de vista desta criança, que é muito criativa. Para tentar fugir da dureza da sua realidade, muitas vezes insuportável, Zezé cria um mundo imaginário no qual se refugia. O bambuzal é o jardim zoológico, o pé de laranja lima é seu confidente. Montando no seu galho fino, Zezé cavalga num cavalo branco. A amizade com o Manuel Valadares (José de Abreu), o “portuga” que tinha um carro antigo, é um bálsamo na vida de ambos. Zezé oferece a Manoel um mundo de fantasias e criatividade que este nunca imaginou existir. Encantado com a imaginação da criança, o “portuga” lhe dá de presente uma caneta para um dia o menino escrever suas histórias. O círculo se fecha com o retorno à cena do Zezé adulto no cemitério com sua caneta e um carro antigo, igual ao do “portuga”.

A estrutura da narrativa fílmica se sustenta basicamente no encadeamento das imagens, não há o recurso da voz over. Isto valoriza o filme na medida em que o distancia do romance caminhando em direção à construção de outra obra, a cinematográfica. A imagem e o som do filme são manipulados de maneira a refletir o estado de espírito desta criança que, através da sua imaginação, tenta sobreviver no meio de tantas adversidades. Os artifícios de linguagem acompanham a movimentação de Zezé nos seus dois mundos, real e imaginário.

Segundo Bernstein: “Assim, o tom mais prateado, mais fechado, que acompanha Zezé em suas frustrações diárias, vai dando lugar a um tom sutilmente mais quente, mais carinhoso, nas aventuras de Zezé e em seus encontros com as pessoas que lhe trazem conforto”. Marcos Bernstein realizou uma tradução entre linguagens primorosa. Ele captou a essência da história de Zezé e a transmitiu numa sequência de imagens que nos comove pela sensibilidade e beleza, além da excelente atuação do menino José Guilherme Ávila.

Por Lena Mendes

Nota 9

Ficha Técnica

Meu Pé de Laranja Lima - 99 min.
Brasil – 2012
Direção: Marcos Bernstein
Roteiro: Marcos Bernstein, Melanie Dimantas, baseados em romance de José Mauro de Vasconcelos
Elenco: José Guilherme Ávila, José de Abreu, Caco Ciocler, Eduardo Dascar

Estreia: 19/04

Crítica - Eu e Você

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 17 Apr 2013 02:22:00 +0000

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Um adolescente problemático, avesso ao contato humano, com características quase de um portador de transtorno obsessivo-compulsivo. Assim poderia ser descrito Lorenzo, personagem interpretado por Jacopo Olmo Antinori em Eu e você, mais novo filme do diretor italiano Bernardo Bertolucci, responsável por obras aclamadas como Ùltimo Tango em Paris, O Pequeno Buda e Beleza Roubada, entre outras. No entanto, a descrição acima seria muito superficial. Na verdade, o garoto quer descobrir quem é e qual seu lugar no mundo. Para isso, conta com a ajuda involuntária de Olivia (Tea Falco), sua meia-irmã, com tem uma convivência forçada, mas que no final se revela proveitosa.

Um adolescente busca seu lugar no mundo em “Eu e Você”

Lorenzo diz a seus pais que vai viajar para esquiar em uma excursão escolar, mas ao invés disso, passa uma semana enfurnado no porão do prédio onde mora. Introvertido, pensativo, ele só quer se isolar de todos. A única pessoa com quem se sente bem é a avô, que costuma visitar no hospital. Fascinado por animais, os observa e adota alguns de seus comportamentos; como o de um tatu-bola preso em uma gaiola, que anda de um lado para outro, sem nenhuma razão aparente.

A inesperada invasão de Olívia, uma jovem viciada em drogas, o traz de volta à realidade e o faz refletir sobre certos valores. Aos poucos os dois vão se aproximando e descobrindo pontos em comum, fazendo com que Lorenzo reavalie e aceite melhor sua própria existência.

A inesperada invasão de seu universo por Olívia, uma jovem viciada em drogas, o traz de volta à realidade e o faz refletir sobre certos valores. Aos poucos os dois vão se aproximando e descobrindo pontos em comum, fazendo com que Lorenzo reavalie e aceite melhor sua própria existência.

Produção modesta e sem grandes ambições, Eu e Você não se parece com outras de Bertolucci, que alterna superproduções como O Último Imperador e O Céu Que Nos Protege com filmes que pretendem colocar a sociedade sob uma lente de aumento, como em La Luna e o Os Sonhadores. Talvez devido às limitações do próprio roteiro, escrito por Niccoló Ammanit a partir de romance de sua própria autoria.

No entanto, é bem realizado, com uma bela fotografia e boas interpretações dos dois protagonistas. Pouco para uma espera de quase uma década, já que o último longa de ficção do veterano diretor, justamente Os Sonhadores, foi lançada em 2003

Por Gilson Carvalho

Nota 6,5

Ficha Técnica

Eu e Você (Io e Te) – 103 min.

Itália – 2012

Direção> Bernardo Betolucci
Roteiro: Niccoló Ammaniti
Elenco: Jacopo Olmo Antinori, Teo Falco, Sonia Bergamasco, Veronica Lazar, Tommaso Ragno, Pippo Delbono.

Estreia 19/04

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Crítica - Oblivion

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 15 Apr 2013 01:17:00 +0000

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Oblivion, ficção científica estrelada por Tom Cruise e dirigido por Joseph Kosinsky, responsável também por Tron – O Legado, tem o mesmo problema que este último: muita forma e pouco conteúdo. Os cenários são esplêndidos, os efeitos especiais são de primeira, as cenas de ação bem coreografadas – e isso é praticamente tudo o que o longa oferece. O restante do elenco, Morgan Freeman incluído, serve apenas de escada para o protagonista. Não é problema do enredo – nada original mas que funcionaria bem para um filme do gênero. Porém, do jeito como foi desenvolvido, resulta em uma tentativa de mostrar que Tom Cruise ainda tem carisma suficiente para carregar uma super-produção, além de exibir o domínio técnico do diretor.

“Oblivion” se passa 60 anos depois do aniquilamento da Terra por alienígenas

Em 2077, a Terra é um planeta deserto, depois de ter sido completamente devastada por alienígenas em uma guerra ocorrida 60 anos antes, forçando os terráqueos sobreviventes a se mudarem para uma lua de Saturno. Jack Harper (Cruise) é um ex-mariner que permanece em uma base flutuante com sua companheira Victoria (Andrea Riseborough) a fim de garantir o bom funcionamento dos drones responsáveis pela extração de recursos minerais para a novo lar dos humanos.

Perto de terminar seu período de trabalho e ansioso por se reunir ao restante da humanidade, Jack é surpreendido com a queda de uma nave que traz vários humanos – entre eles Julia (Olga Kurylenko) sua suposta esposa. A partir daí inicia uma luta para se lembrar do passado e de quem realmente é, e se aquela história fantástica tem algum fundamento. .

Tom Cruise parece ter uma predileção por esse tipo de personagem; Minority Report – A Nova Lei, a franquia Missão Impossível e Jack Reacher são alguns exemplos. A questão é que ele tem o mesmo tipo de interpretação em todos eles. Além disso, não demonstra o vigor físico exigido em produções repletas de ação. Também não exibe habilidade para os raros momentos que requerem certa carga dramática, Por isso, talvez, tenha vindo ao Rio de Janeiro.para o lançamento. Quem sabe assim poderá atrair mais público aos cinemas.

Por Gilson Carvalho

Nota 6

Ficha Técnica

Oblivion – 126 min.

EUA – 2013 Direção: Joseph Kosinsky Roteiro: Joseph Kosinsk, Karl Gajdusek
Elenco: Tom Cruise, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Melissa Leo, Nicolaj Coster-Waldau

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Crítica - Chamada de Emergência

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sat, 13 Apr 2013 18:00:00 +0000

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Chamada de Emergência é o mais novo filme estrelado por Halle Berry (ganhadora do Oscar por A Última Ceia), que recentemente foi vista em A Viagem, dos irmãos Wachowski. O suspense é dirigido por Brad Anderson (O Operário) e tem a já crescida Abigail Breslin (indicada ao Oscar por Pequena Miss Sunshine) no papel coadjuvante da jovem sequestrada.

Berry interpreta Jordan, uma operadora de ligações da polícia de Los Angeles que teve uma experiência traumatizante quando uma vítima que havia ligado para o serviço foi assassinada, o que a fez se tornar instrutora de novos recrutas. Mas quando uma atendente novata atende uma chamada estranha e não consegue lidar com ela, Jordan assume o seu posto.

Halle Berry interpreta operadora do 911 em "Chamada de Emergência"

A ligação é de uma jovem de dezesseis anos, Casey Welson, que diz ter sido seqüestrada e posta no porta-malas de um carro.. Duas das regras básicas para trabalhar nessa função são não se envolver emocionalmente com a vítima e não fazer promessas. O único trabalho é entender a situação, obter o máximo de informações possível e passá-la aos policiais. Mas ouvindo o desespero de Casey pelo telefone, Jordan sabe que não pode deixar o pânico e as lembranças do passado dominá-la, caso contrário isso pode levar a morte da menina.

A única forma de ela ajudar é acalmando a vítima e tentando obter o máximo de informações possível de Casey, descrições do carro, do sequestrador, impressões do local em que ela estivesse para que as informações pudessem levar a polícia ao sequestrador. O único momento em que os dois personagens femininos se encontram é quase no final do filme, quando Jordan decide procurar a menina por conta própria. Na maior parte da história Berry se encontra no call center e Abigail no porta-malas do carro.

O final do longa-metragem é um tanto abrupto se comparado ao ritmo do filme e ao modo como as duas personagens são retratadas. As atitudes das personagens na última cena não condizem com o que elas passam nas cenas anteriores – medo e desespero - o que torna a mudança e o fim muito repentinos.

Mas ainda assim Halle Berry e Abigail Breslin fazem um bom trabalho dentro dos limites permitidos pelo roteiro, apesar de o filme não estar à altura do talento das duas. É interessante ver Breslin em um papel mais maduro e cheio de emoção, em vez dos papéis infantis; sinal de que a atriz está crescendo para papéis mais desafiadores. Berry, que mudou o cabelo para fugir do estigma que ele lhe dá na vida real, também tem uma performance boa, mas não a sua melhor. Tanto Berry quanto Breslin já tiveram atuações melhores do que essa, vide os prêmios e indicações que ambas já receberam.

Por José Leonardo Tadaiesky

Nota 5,0

Ficha Técnica

Chamada de Emergência (Tha Call) – 94 min.

EUA – 2013

Direção: Brad Anderson

Roteiro: Richard D’Ovidio

Elenco: Halle Berry, Abigail Breslin, Michael Eklund, Morris Chestnut, Michael Imperioli, Ella Era Peck

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Entrevista - Halle Berry - Chamada de Emergência

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 12 Apr 2013 15:13:00 +0000

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Na quarta feira, dia 10, a atriz Halle Berry recebeu jornalistas em um hotel no Rio de Janeiro para promover seu mais novo trabalho, o suspense Chamada de Emergência, que estréia no dia 12 de abril. No Brasil pela primeira vez, a atriz americana falou sobre a produção, novos projetos e sua gravidez.

Logo de início Halle deu os seus motivos para fazer o projeto. Segundo ela, o roteiro bem escrito e a presença de dois fortes papéis femininos foram de grande influência para que ela dissesse sim. Mas não somente isso, o gênero suspense é um de seus favoritos e muitas atrizes que ela admira, como Sharon Stone e Glenn Close, uma vez protagonizaram filmes de tal gênero. A atriz disse ainda que em qualquer trabalho que faça, seja ele grande ou pequeno, sempre se esforça o máximo pelo personagem.

Observação da polícia de L.A. a preparou para "Chamada de Emergência"

Para se preparar para o papel de Jordan, uma atendente do serviço de 911 da polícia de Los Angeles, Halle afirma que ouviu milhares de ligações gravadas pela polícia e garante que o call center mostrado no filme é uma réplica idêntica do usado pela instituição.

Além disso, Berry foi só elogios à colega de elenco Abigail Breslin, As duas atrizes quase não contracenaram juntas. Sua única ligação por grande parte do filme é por telefone, e Berry afirma que Breslin tornou seu trabalho muito mais fácil, uma vez que a jovem de dezesseis anos é uma “atriz maravilhosa” e só com a voz foi capaz de trazer seus sentimentos à superfície. A atriz americana, que ainda é possuidora de um Oscar disse que, como mãe, teria feito não o mesmo que sua personagem, mas algo similar, para proteger uma criança que estivesse em perigo.

Grávida de três meses, Halle Berry prepara-se para filmar "X-Men"

Berry está grávida de três meses de seu segundo filho e quando questionada se daria uma pausa na carreira a atriz foi firme em dizer que parará apenas pelo tempo da gravidez, mas que ano que vem voltará ao trabalho. Logo após ter dado a luz sua primeira filha Nahla, Berry tirou uma pausa de quatro anos para se dedicar apenas ao bebê. Dessa vez ela disse que isso não acontecerá. “É melhor que eu continue trabalhando!” brincou a atriz, afirmando que ela tem contas a pagar e agora dois filhos para pensar.no futuro.

Entretanto, ser mãe não significa que a americana fará apenas “Disney movies” de agora em diante. Segundo ela, isso não interfere em seu lado como artista. Seu próximo filme será a continuação de “X-Men: Primeira Classe”, em que ela voltará a dar vida à mutante Tempestade. “Acho que Tempestade estará grávida. Eu realmente não tinha pensado no assunto”, riu a atriz. Mas Berry garante que isso não será integrado ao filme e que hoje existem formas de disfarçar a barriga. E ela ainda falou mais: “Há vários personagens nesse filme. Vocês verão muitos X-Men. O elenco é gigante”

Halle espera poder conhecer um pouco do Rio de Janeiro. Disse que sua agenda está lotada durante sua estadia por aqui, mas que tentaria ir ao Pão de Açúcar e o Cristo Redentor. Trabalhando tanto, tudo o que ela havia conseguido ver foi a praia de Copacabana em frente ao hotel em que está hospedada. E afirmou também que adoraria filmar algo aqui no Brasil. “Se tiver um roteiro com você, por favor me dê agora” disse a atriz para o jornalista que tinha feito a pergunta. Mas completou, “Entretanto eu não falo português.”

Por José Leonardo Tadaiesky