Cinema na Rede

Crítica - J. Edgar

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 26 Jan 2012 21:50:00 +0000

Depois de retratar a trajetória de Nelson Mandela frente ao time sul-africano de rugby, em Invictus (2009), e abordar o tema mediunidade em Além da Vida (2010), Clint Eastwood retorna ao gênero drama-biográfico com a história de John Edgar Hoover (Leonardo Dicaprio, de A Origem e Ilha do Medo), considerado o patrono do FBI, organização que chefiou, e revolucionou, durante 48 anos.

O filme é narrado em flashback e se divide em dois pilares, a vida profissional e a pessoal de Hoover. Em seu trabalho, um homem destemido e determinado a conseguir valer o seu ponto de vista, e, por conta disso, conseguia respeito entre todos. Contudo, em seu lado íntimo, a pessoa ambiciosa e egocêntrica dava lugar a um filhinho da mamãe (Judi Dench) e, às escondidas, mantinha um relacionamento conflitante com o seu parceiro do FBI, Clyde Tolson (Armie Hammer).

A frustração de J.Edgar

J. Edgar é uma pessoa frustrada, ama seu trabalho e adora ter poder em suas mãos. Desde criança foi catequisado por sua mãe para ser o mais bem sucedido profissional. Sua homossexualidade tinha que ser enrustida. Seu cargo exercido – ele era um diretor do FBI – exigia dureza e virilidade para ser respeitado por todos, afinal, ele era a Lei. Se hoje é difícil assumir a sexualidade, quiçá em meados do século XX. E com o passar do tempo, a sua frustração foi tomando proporções astronômicas, refletindo em atitudes controversas que desagradaram a mais alta cúpula da política norte-americana, que queria aposentá-lo precocemente.

Uma ótima história, mas mal contada. O longa tinha todos os ingredientes para ser um filmaço e possivelmente estar figurando entre os mais indicados do Oscar 2012. A direção é assinada por Clint Eastwood, o elenco é estrelado por Leonardo Dicaprio e Naomi Watts, o roteiro foi feito por Dustin Lance Black (vencedor do Oscar por Milk), mas, apesar disso, o filme fracassa. O que se pode acompanhar na tela é um verdadeiro desperdício de talento. Assim como J.Edgar, o público, que espera ver mais um grande filme de Clint Eastwood, pode ficar frustrado.

Por: Tiago Canavarros

Nota: 5

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Ficha técnica

J. Edgar – 137 min

EUA – 2011

Direção: Clint Eastwood

Roteiro: Dustin Lance Black

Elenco: Leonardo DiCaprio, Josh Hamilton, Gunner Wright, David A. Cooper, Ed Westwick, Naomi Watts, Judi Dench, Armie Hammer

Estreia: 27 de janeiro

Crítica - Os Descendentes

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 26 Jan 2012 10:22:00 +0000

Os Descendentes é um filme pequeno e correto, daqueles que são indicados nas principais premiações, mas não constam nas listas de favoritos. Mesmo assim, conquistou o Globo de Ouro de melhor filme dramático, desbancando A Invenção de Hugo Cabret (favoritíssimo ao Oscar, junto com O Artista, que levou o prêmio de melhor filme de comédia ou musical). George Clooney ainda levou o prêmio de melhor ator em filme dramático. Já no Oscar 2012 são quatro indicações: melhor filme, ator, diretor e roteiro adaptado.

Prêmios podem até ser exagero, mas indicações do filme Os Descendentes são merecidas

O roteiro adaptado do romance de Kaui Hart Hemmings é competente, a direção de Alexander Payne sempre é redonda e as atuações do núcleo principal estão bem alinhadas. Até o não muito versátil George Clooney consegue derramar lágrimas e transparecer emoção. Suas filhas, a estreante Amara Miller (Scottie) e Shailene Woodley (Alexandra) também defendem bem seus papéis, e Nick Krause (Sid, amigo de Alexandra) é o alívio cômico constante do drama da família. Os atores coadjuvantes complementam bem o elenco, com participação até de Matthew Lillard (o Salsicha de Scooby-Doo), desempenhando um papel bem importante para o desfecho da trama.

Matt King (Clooney, de Tudo Pelo Poder) mora no Havaí, um lugar de visual paradisíaco no meio do Oceano Pacífico e considerado como uma espécie de “outro mundo” por seus amigos (o filme foi rodado lá). Mas Matt não vê desta forma, pois os problemas pelos quais inúmeros seres humanos passam não são amenizados pelo fato de estarem no arquipélago. E ele tem um grande problema, que parece só aumentar, à medida em que os acontecimentos de Os Descendentes avançam.

Sua esposa sofreu um grave acidente de barco e está em coma. Cabe a Matt, antes pai e marido ausente, cuidar de suas duas filhas (de 10 e 17 anos), tentar zelar pela saúde de Patricia e ainda tratar de delicados assuntos de família. E, no fundo, é disso que o filme de Payne (de As Confissões de Schmidt e Sideways) trata. De relações familiares; de conflitos entre pessoas cujos laços são de sangue, mas que parecem não ter intimidade suficiente para conhecer realmente seu pai, sua esposa, suas filhas...

Personagem de George Clooney é típico dos filmes de Alexander Payne

Matt não é um herói, nem um anti-herói. Apenas uma pessoa comum, imperfeita e que se vê em sua situação conflituosa, tendo que tomar decisões importantes para poder seguir seu caminho. É preciso dar valor ao que se tem, mas às vezes, quando se percebe isso, pode ser tarde demais.

O filme Os Descendentes também aborda, de maneira leve, temas complexos como traição e morte. Os sentimentos dos personagens são transpassados por belas imagens do Havaí e uma melancólica e bem colocada trilha sonora. A construção dos personagens ao mesmo tempo privilegia o drama e a comédia, não tornando o longa pesado e apresentando com riqueza os conflitos de seus protagonistas. Um filme para se fazer pensar...

Por: Mattheus Rocha

Nota: 9

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Ficha técnica

Os Descendentes (The Descendants) – 115 min
EUA – 2011
Direção: Alexander Payne
Roteiro: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash – Baseado no romance de Kaui Hart Hemmings
Elenco: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Beau Bridges, Matthew Lillard, Judy Greer

Estreia: 27 de janeiro

Crítica - Adorável Pivellina

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 25 Jan 2012 11:58:00 +0000

Nos arredores de Roma vive uma pequena família circense. Patti e Walter são avós de Tairo, e todos moram em trailers estacionados há anos num parque. Sua vida é difícil e alegre, como pessoas que amam o circo. Walter vive de bicos em outros circos e o casal, juntamente com o jovem Tairo, seu neto, se apresenta em bairros mais afastados. Um dia Patti acha Asia (Asia Crippa), a pivellina (pequenina), abandonada num parque com um bilhete escondido nas roupas. Sua mãe pedia para que não chamassem a polícia, e que ela viria buscar a filha, mas nunca veio.

Patti (Patrizia Gerardi) e Walter (Walter Saabel) se veem cuidando da criança, e o próprio Tairo (Tairo Caroli) se diverte em ter sob sua responsabilidade uma irmã mais nova, enquanto todos tentam encontrar uma solução para o caso, ou, mais especificamente, encontrar a mãe da menina.

É impossível não se encantar com a Adorável Pivellina

Rodado em estilo contínuo, este drama/documentário não traz depoimentos, mas acompanha o cotidiano desta família. Seja em conjunto ou individualmente, vamos conhecendo melhor os personagens e suas motivações e, inevitavelmente, nos encantamos com a pequena Asia na flor de seus três aninhos. É uma história triste, que não tem o final desejado, mas que se torna o melhor que podemos esperar.

Um filme relativamente curto, nada cansativo, que nos mostra ao mesmo tempo a estranha dimensão de uma mãe que abandona sua filha, e a beleza de uma família de artistas, pobres, que não hesita em salvar uma criança.

Por: Stefano Aguiar

Nota: 7

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Ficha Técnica

Adorável Pivellina (La Pivellina) – 100 min

Áustria, Itália – 2009

Direção: Tizza Covi, Rainer Frimmel

Roteiro: Tizza Covi

Elenco: Tairo Caroli, Asia Crippa, Patrizia Gerardi, Walter Saabel

Previsão de estreia: janeiro de 2012

Crítica - Precisamos Falar Sobre o Kevin

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 24 Jan 2012 16:57:00 +0000

Um filme que já sai do forno com a certeza de ser um clássico do suspense. De temática familiar, universo no qual costumam surgir as maiores tragédias da humanidade (Sófocles, Shakespeare, Dostoiévski), Precisamos Falar Sobre o Kevin mostra que quando uma relação naturalmente amorosa, como a de mãe e filho, não pode contar com esse sentimento plenamente, o espaço que sobra pode ser preenchido com uma tensão que oscila entre o desejo de ser amado e o ódio.

Amor involuntário ou por obrigação social

Eva (Tilda Swinton, de Um Sonho de Amor) era uma mulher livre, que aproveitava as sensações da vida, uma verdadeira cidadã do mundo, mas agora é uma mulher instável, com medo, e que está recomeçando do zero. Essas são as primeiras coisas que descobrimos através de uma narrativa linear, mas que intercala dois momentos distintos na vida da personagem. O filme é organizado em um "antes e depois" de algo que logo descobrimos do que se trata: Kevin.

Filho de uma gravidez indesejada, Kevin (Ezra Miller) transforma de uma hora para outra toda a vida de Eva. Fazendo o que achava ser o certo, mas não o que desejava, ela se casa com Franklin (John C. Reilly, de Cyrus), e torna-se uma dona de casa para cuidar do bebê, abrindo mão de sua vida de liberdade e viagens ao redor do mundo. Mas deixando para depois o que acontece a partir de então, no presente Eva mora sozinha em uma casa ruim, está tentando um emprego igualmente ruim, e gera a antipatia de seus vizinhos sem nenhum motivo aparente.

Aos poucos, os dois tempos distintos da narrativa vão revelando o que aconteceu a partir das dificuldades de Eva em amar seu primeiro filho, e as consequências – ou não – disso na personalidade de Kevin. Aí na verdade está o ponto chave do filme: Kevin é fruto das atitudes da mãe, ou sua personalidade já estava definida de nascença?

Precisamos Falar Sobre o Kevin tem a melhor interpretação da carreira de Tilda Swinton

É evidente que a atriz de expressão sofrida é uma das grandes responsáveis por deixar a plateia suando frio durante o longa. Quanto à diretora escocesa Lynne Ramsay, o clima de tensão e desconforto que ela consegue construir é primoroso. Sem contar a escolha de um elenco de atores que parecem ter nascido para seus papéis – que somam atuações igualmente ótimas, especialmente Ezra Miller como Kevin. Esse é com certeza o grande destaque da carreira da diretora até agora.

Um filme sobre complexo de Édipo que é capaz de deixar qualquer um com os nervos à flor da pele. Precisamos Falar Sobre o Kevin deverá ser muito lembrado e citado no futuro, seja em aulas de psicologia, ou em discussões sobre os melhores thrillers da história do cinema.

Por: Lucas Siqueira Cesar

Nota: 10

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Ficha técnica

Precisamos Falar Sobre o Kevin (We Need to Talk About Kevin) – 112 min

EUA, Reino Unido – 2011

Direção: Lynne Ramsay

Roteiro: Lynne Ramsay, Rory Kinnear – Baseado no romance de Lionel Shriver

Elenco: Tilda Swinton, Ezra Miller, John C. Reilly, Jasper Newell, Ashley Gerasimovich

Estreia: 27 de janeiro

Crítica - Millennium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 23 Jan 2012 13:03:00 +0000

Uma trilogia de grossos livros que se tornou um best-seller mundial. Uma adaptação cinematográfica produzida na Suécia – país de origem do autor e onde se passa a história – com um filme para cada livro. Os filmes rodaram o mundo em 2010 agradando crítica e público, mas apenas dois anos depois, apostando que a história ainda não havia alcançado todo seu sucesso potencial, Hollywood lança a segunda versão cinematográfica de Os Homens que Não Amavam as Mulheres (primeiro de três). Algo incomum no mercado cinematográfico, possível somente pela certeza de uma boa história.

Um jornalista com a carreira em crise e uma detetive de passado traumático

Mikael Blomkvist (Daniel Craig, de As Aventuras de Tintim) é um repórter investigativo que se tornou conhecido por desmascarar escândalos políticos e financeiros. Mas em um de seus últimos trabalhos, Mikael não conseguiu provar suas denúncias a um alto empresário e acabou sendo julgado culpado por difamação, fato que denegriu bastante sua imagem pública como jornalista. Paralelamente, se apresenta Lisbeth Salander (Rooney Mara, de A Rede Social), uma garota de visual cyberpunk, 20 e poucos anos, e que vive sob a tutela do estado desde alguns problemas familiares em sua infância. Atualmente Lisbeth trabalha secretamente como detetive para uma agência particular, mas sofre abusos sexuais de seu tutor da assistência social.

Os dois personagens acabam formam uma dupla investigativa após Mikael ser contratado por Henrik Vanger (Christopher Plummer, de O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus), líder patriarcal de um dos mais fortes grupos de negócios da Suécia, para resolver o mistério do desaparecimento de sua sobrinha Harriet, 40 anos atrás. Mikael encontra no trabalho freelance uma oportunidade de salvar a carreira, e Lisbeth, que entra no caso após Mikael solicitar uma assistente, vê na investigação uma profissão que realmente gosta, e que lhe ajuda a endireitar a própria vida. Para resolver o caso, eles se mudam para a ilha gelada da família Vanger, onde Harriet desapareceu, e onde moram Henrik e muitos de seus irmãos e sobrinhos. Suas mansões são vizinhas próximas, mas a maioria das relações entre os familiares estão cortadas.

Millennium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres é mais uma obra-prima de David Fincher

A direção de David Fincher, que talvez seja o que mais gere expectativas sobre este novo filme, rende de fato uma grande versão da história. Fincher tem um talento especial para gerar uma ambientação na ilha dos Vanger que reflete a própria natureza de seus moradores, e usa todo o poder que um crime não resolvido tem para deixar os espectadores grudados na história. Não é por menos, já que o cineasta tem ótimos filmes com esse tipo de história na bagagem, como Seven e Zodíaco, além de outros grandes longas (como Clube da Luta e A Rede Social).

Os personagens e ambiente de Millenium refletem bastante a própria vida do autor da série, Stieg Larsson. Um dos elementos mais característicos da família Vanger é o fato de muitos de seus membros homens serem defensores saudosistas do nazismo alemão. Henrik Vanger, que não compartilha desse traço, logo expõe tais integrantes de sua família ao jornalista que contratou. Stieg Larsson, por sua vez, era um jornalista conhecido em seu país por denunciar organizações neofacistas e, assim como Mikael, era fundador e principal jornalista de uma revista através da qual fazia suas denúncias. Esse fato faz com que os tipos apresentados na história, especialmente os Vanger, ganhem uma dimensão realista ao serem relatados por alguém que muito provavelmente teve contato com pessoas semelhantes.

O filme traz uma trama intrincada de mistério e uma variedade de núcleos maior que o habitual, mas não é uma obra que exija extrema atenção do espectador, como o recente O Espião Que Sabia Demais. Outro traço bastante característico da história, nos livros ou filmes, é a presença de cenas de violência mais explicitas, um dos elementos responsáveis pela atmosfera única de Millennium. Não se tem certeza sobre a continuação da adaptação americana da trilogia, ou se ela continuará sob os cuidados de David Fincher, principalmente porque o filme não alcançou o sucesso de bilheteria esperado nos Estados Unidos. Mas não há dúvidas de que se trata de um ótimo longa, e de uma história que acumula mais fãs cada vez que é exibida.

Por: Lucas Siqueira Cesar

Nota: 9.5

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Ficha técnica

Millennium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl With the Dragon Tattoo) – 158 min

EUA, Suécia, Reino Unido, Alemanha – 2011

Direção: David Fincher

Roteiro: Steven Zaillian – Baseado no romance de Stieg Larsson

Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright

Estreia: 27 de janeiro

Entrevista - Afonso Poyart (2 Coelhos)

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 20 Jan 2012 22:23:00 +0000

Em 2012 a equipe de vídeo do Cinema na Rede começou entrevistando novos e promissores nomes do cinema nacional. Depois de Eduardo Nunes, diretor de Sudoeste, agora é a vez de batermos um papo com Afonso Poyart, responsável pelo filme 2 Coelhos, que promete inovar no uso de efeitos especiais, fato pouco comum na cinematografia brasileira. O longa conta com um ótimo elenco, com atores como Caco Ciocler, Alessandra Negrini e Fernando Alves Pinto. Oriundo do mercado publicitário, Poyart está muito animado com a estreia de seu primeiro longa-metragem e fala com exclusividade aos leitores do Cinema na Rede, sobre fatos referentes ao filme e à sua idealização.

Confira o vídeo!

Por: Mattheus Rocha

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Entrevista - Afonso Poyart (2 Coelhos) por CinemaNaRede no Videolog.tv.

Crítica - A Fonte das Mulheres

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 19 Jan 2012 19:29:00 +0000

A Fonte das Mulheres apresenta uma história que se passa em uma aldeia situada entre a África e o Oriente Médio, onde as mulheres são responsáveis por buscarem a água utilizada pelas famílias. Para isso, precisam caminhar grandes distâncias embaixo de sol escaldante, enquanto seus maridos ficam em casa bebendo e jogando. Um dos habitantes do vilarejo fica noivo de Leila (Leila Bekhti, de O Profeta), uma francesa que mora há algum tempo na região. A jovem não aceita a tradição e decide pôr fim a isso, exigindo que os homens passem a buscar água. Por se tratar de uma comunidade extremamente machista, a solução encontrada é fazer “greve de sexo”, o que, entre islamistas radicais, causa muitos problemas.

A Fonte das Mulheres é uma fábula contemporânea

O filme, indicado à Palma de Ouro no Festival de Cannes, foi dirigido pelo francês Radu Mihaileanu (de O Concerto) e escrito por Alain-Michel Blanc. A bela atriz Leïla Bekhti, francesa de ascendência argelina, interpreta de forma convincente a protagonista Leila. Todo o filme é falado em árabe, língua não dominada pelo elenco principal nem pelo diretor, que pela primeira vez dirige um filme falado em outro idioma.

O roteiro é bem desenvolvido. Contado em ordem cronológica, aborda de forma interessante os costumes enraizados numa comunidade islâmica radical, com machismo exacerbado, e o quanto as tradições podem ser reavaliadas e alteradas. A direção também é competente; mesmo falado numa língua que Mihaileanu não domina, o elenco todo é bem convincente (isso também deve-se ao fato de serem atores praticamente desconhecidos). O filme também tem boa fotografia e ótimas locações. É muito agradável ver um longa que se passa em locações diferentes das que estamos acostumados a ver e numa língua idem.

A história flui bem e consegue prender o espectador

Apesar de ter uma narrativa que lembra um pouco nossas telenovelas (misturando romance, drama, suspense etc), deve agradar tanto ao público médio quanto ao especializado. O público médio por ter uma narrativa e tema de fácil compreensão. O público especializado por ser uma bela produção, esmerada em todos os aspectos. Por outro lado, também não se tornará um “filme de cabeceira” para nenhum destes públicos.

Por: Beto Besant

Nota: 5

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Ficha técnica

A Fonte das Mulheres (La Source des Femmes) – 135 min

Bélgica, Itália, França – 2011

Direção: Radu Mihaileanu

Roteiro: Alain-Michel Blanc

Elenco: Leila Bekhti, Hafsia Herzi, Biyouna, Saleh Bakri, Sabrina Ouazani, Hiam Abbass, Mohamed Majd

Estreia: 20 de janeiro

Crítica - 2 Coelhos

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 19 Jan 2012 11:44:00 +0000

Em termos narrativos, ainda não foi visto nada igual ao filme Dois Coelhos nas produções cinematográficas brasileiras que vigoram até hoje. Com constante uso da animação gráfica – na qual a utilização de cenários do jogo GTA se junta ao registro do pensamento dos personagens, com elementos do universo fantástico – e um enredo não linear, cujas situações soltas nos minutos iniciais são explicadas posteriormente, o longa do diretor Afonso Poyart (também responsável pelo roteiro e montagem) é, de fato, ousado e inventivo, repleto de referências diretas e indiretas a um cinema que, até então, não é muito visto por aqui. Apesar de pecar pelo excessivo torpor visual, 2 Coelhos nos apresenta, na miscelânea de linguagens, algo autêntico. O cinema merece.

Excelentes efeitos visuais constroem com eficácia o universo de Dois Coelhos

Em uma São Paulo obviamente cinza, Edgar (Fernando Alves Pinto, de Onde Está a Felicidade?) passa dias no marasmo. Após planos arruinados, o jovem adulto atravessa horas jogando GTA e assistindo a filmes pornográficos na tela de um computador. Cansado da vida insossa, ele elabora um plano sinistro, no qual pretende arruinar o pacto entre criminosos e representantes do poder público, colocando-os em rota de colisão. Segundo ele, há a possibilidade perfeita de eliminar dois coelhos numa “caixa d´água” só. Ao passo em que o plano é executado, descobrimos a ligação de Edgar com Júlia (Alessandra Negrini) e o seu envolvimento em um terrível acidente.

Sendo uma espécie de mistura de Sucker Punch e Amnésia com filmes de Jorge Furtado – nos quais, da mesma forma, a utilização do off, e o uso da linguagem infográfica para explicar os meandros de determinada ação na história, são utilizados como recursos narrativos –, 2 Coelhos é eficiente tecnicamente. Os efeitos especiais e a edição de som são determinantes no ímpeto de expor o impacto sinestésico que o filme se propõe (e precisa) a ter.

Além do apelo visual, o filme 2 Coelhos tem algo a dizer

O tom de videoclipe construído mediante a excessiva utilização do slow motion após explosões, detalhes de estilhaços surgindo em câmera lenta em direção a rostos e corpos enquanto toca uma música pop, digamos, “chiclete” (Kings and Queens da banda 30 Seconds To Mars), é amostra do cinema de referência de Poyart, explícito ao máximo. O cineasta parece gritar ao mundo o quanto é apaixonado por games, clipes, música pop e montagem frenética. Isso é bom; mas a utilização em demasia de tais recursos compromete o ritmo fílmico em determinados momentos. Há uma ‘gordura estilística’ que merecia ser cortada. É bom esperar que nos próximos trabalhos o diretor utilize certas ‘paixões do entretenimento’ com mais sutileza.

Para o bem do filme, felizmente, a obra sobrevive ao deslize, pois conta uma história que cresce à medida em que o tempo passa. De forma inteligente, o roteiro encaixa pouco a pouco os “nós” anteriormente soltos e, quando o imbróglio começa a ganhar sentido, tem-se a comprovação de que Dois Coelhos não é apenas um filme de belíssimos contornos visuais. Poyart trouxe um quê de novidade ao cinema brasileiro. Forma e conteúdo. Guardem esse nome: Afonso Poyart.

Por: Bruno Mendes

Nota 8.5

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Ficha técnica

Dois Coelhos – 108 min

Brasil – 2012

Direção e Roteiro: Afonso Poyart

Elenco: Caco Ciocler, Alessandra Negrini, Fernando Alves Pinto, Thogun, Marat Descartes, Thaide, Neco Villa Lobos, Norival Rizzo, Roberto Marchese, Aldine Muller

Estreia: 20 de janeiro

Crítica - O Pai dos Meus Filhos

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 18 Jan 2012 11:46:00 +0000

Um longa com uma história metade metalinguística, que fala das dificuldades de se produzir um filme, e metade um drama humano sobre perdas e superação. O Pai dos Meus Filhos conta a história de um produtor francês de cinema que enfrenta os desafios diários de se fazer filmes, que muitas vezes não garantem retorno financeiro nas bilheterias, mas merecem existir em nome da arte.

Um personagem transformado subitamente

Grégoire (Louis-Do de Lencquesaing, de L'Apollonide: Os Amores da Casa de Tolerância) é um daqueles personagens que ganham a plateia facilmente, da mesma forma que ganha o afeto dos demais personagens ao seu redor. Através de seu enorme carisma, e principalmente do amor que dedica à esposa e às três filhas, logo ficamos do seu lado do jogo. Mas há outras características que o tornam especial além de seu carisma: sua segurança e capacidade de fazer acontecer os filmes em que está envolvido, o que transparece em O Pai dos Meus Filhos através de seu ritmo frenético de trabalho.

Mas apesar do trabalho incessante – na maior parte do tempo Grégoire está falando ao celular – sua produtora, a Moon Fimes, começa a dar sinais cada vez mais claros de que na verdade os negócios não vão nada bem, e ele passa aos poucos a sentir o peso do mundo em suas costas. Em certo momento, o filme se torna um retrato sobre a sobrecarga, e Grégoire troca sua antiga expansividade por uma melancolia depressiva, que culmina, inesperadamente, em uma atitude drástica. Agora a plateia é chocada, e uma questão se coloca inevitavelmente a cada um: Grégoire é um bom sujeito apesar de tudo? Ou um grande egoísta?

A importância de seguir adiante, nas mãos de boas atuações em O Pai dos Meus Filhos

A atuação da filha mais velha de Grégoire, Clémence (Alice de Lencquesaing), é excelente, e cabe a seu personagem – junto com a mãe Sylvia (Chiara Caselli) – o papel de transmitir a mensagem de superação que o filme contém. Também Louis-Do, como Grégoire, conduz com maestria seu personagem, conseguindo primeiro cativar a audiência com facilidade, e depois, ainda mostrar sua guinada drástica sem que isso pareça uma atitude artificial, mas apenas inesperada.

O Pai dos Meus Filhos conta ainda com uma trilha sonora de ótima qualidade (com destaque para um lindo arranjo de violão na versão para Greensleeves), e é um filme que mostra, através de um recurso quase literal, que o aparente final de uma história é apenas um novo começo.

Por: Lucas Siqueira Cesar

Nota: 8

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Ficha técnica

O Pai dos Meus Filhos (Le Père de Mes Enfants) – 110 min

França, Alemanha – 2009

Direção e Roteiro: Mia Hansen-Løve, de Adeus, Primeiro Amor

Elenco: Louis-Do de Lencquesaing, Chiara Caselli, Alice de Lencquesaing, Alice Gautier, Manelle Driss, Eric Elmosnino, Sandrine Dumas

Estreia: 20 de Janeiro

Entrevista - Eduardo Nunes (Sudoeste)

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 17 Jan 2012 11:10:00 +0000

A primeira entrevista do Cinema na Rede em 2012 tinha que ser muito especial. Por isso convidamos para bater um papo no MAC de Niterói uma das maiores promessas do cinema brasileiro: Eduardo Nunes, diretor do filme Sudoeste, que já estreou no circuito de festivais em 2011 e tem previsão de estreia em circuito comercial para julho de 2012. Na entrevista, Eduardo comenta sobre a excelente receptividade que Sudoeste tem conquistado no Brasil e no exterior, sobre suas influências e a mensagem do filme, que tem gerado grande debate e muitas interpretações.

Confira o vídeo!

Por: Mattheus Rocha

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Entrevista - Eduardo Nunes (Sudoeste) por CinemaNaRede no Videolog.tv.

Crítica - As Aventuras de Tintim 3D: O Segredo de Licorne

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sun, 15 Jan 2012 13:57:00 +0000

Se é praticamente unanimidade entre crítica e público que Spielberg exagerou no melodrama e errou a mão em Cavalo de Guerra, As Aventuras de Tintim, que será lançado nos cinemas brasileiros apenas duas semanas após a estreia do drama baseado no romance homônimo de Michael Morpurgo, pode ser considerado como uma espécie de redenção. Muita gente acreditava que o consagrado cineasta havia entrado em uma espécie de decadência artística como diretor após o excelente Munique (2005), mas, na adaptação para as telonas dos quadrinhos clássicos do belga Hergé, Steven Spielberg dá a volta por cima e oferece uma animação em 3D perfeita, recheada de incríveis cenas de ação e aproveitamento máximo da tecnologia atual.

Animação de Spielberg faz jus aos quadrinhos de Hergé

A série de histórias em quadrinhos As Aventuras de Tintim (Les Aventures de Tintin, no original em francês) foi criada em 1929, coincidentemente o ano da primeira premiação do Oscar. E não será surpresa se o longa de Spielberg, co-produzido por Peter Jackson (que no fim deste ano lançará o aguardado O Hobbit), sair da cerimônia de 2012 laureado como o vencedor da estatueta de melhor animação. Em O Segredo de Licorne, a abertura retrô e a música original do mestre John Williams já mostram que o que está por vir não vai decepcionar os fãs do repórter de Hergé, além de poder vir a conquistar uma nova geração, que irá acompanhar as aventuras de Tintim e seu fiel escudeiro, o cão Milu, nas telonas de cinema.

Tintim é um jornalista investigativo que está sempre caçando uma boa história para contar. Quando percebe que um item de colecionador que comprou para enfeitar seu apartamento pode ser a chave para um segredo passado de geração para geração, ele parte em uma aventura que o levará ao navio do Capitão Haddock, bêbado incorrigível e figura hilária, que irá ser um grande parceiro do repórter. As presenças dos clássicos personagens Thomson e Thompson também são impagáveis. As Aventuras de Tintim 3D: O Segredo de Licorne é uma mistura cinéfila deliciosa de Hergé, Piratas do Caribe e Indiana Jones (do próprio Spielberg).

Personagens e cenas de ação são o ponto alto da animação As Aventuras de Tintim

A tecnologia implementada no filme capta os movimentos dos atores, que nas gravações vestem trajes com pontos eletrônicos para reproduzir com fidelidade movimentos humanos nos personagens da animação. Claro que em grandes produções deste tipo não pode faltar o especialista Andy Serkis, que já interpretou King Kong, Gollum de O Senhor dos Anéis e, mais recentemente, o Cesar de Planeta dos Macacos: A Origem. Em O Segredo de Licorne ele dá vida Capitão Haddock. Já Tintim é vivido por Jamie Bell (de Jumper) e o vilão Rackham é defendido pelo 007 Daniel Craig.

Dica: se você puder, assista ao filme em uma sala Imax 3D. A imersão no universo de Tintim se torna mais completa e proporciona momentos deslumbrantes. Sem dúvidas, além dos ótimos personagens, as cenas de ação são o ponto alto de As Aventuras de Tintim. As texturas, cores, movimentos... todos estes elementos técnicos contribuem para a qualidade estética de uma obra irretocável. Destaque também para as cenas em alto mar, que são fantásticas, e a edição de som, capaz de tornar uma luta de espadas muito mais empolgante. As Aventuras de Tintim: O Segredo de Licorne é imperdível. Leve sua família, compre aquele balde gigante de pipoca e divirta-se! Depois nos conte o que achou.

Por: Mattheus Rocha

Nota: 10

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Ficha técnica

As Aventuras de Tintim 3D: O Segredo de Licorne (The Adventures of Tintin) – 107 min

EUA, Nova Zelândia – 2011

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish – Baseado nas comic book series de Hergé

Dublagem Original: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Daniel Mays, Gad Elmaleh, Toby Jones, Joe Starr, Enn Reitel, Mackenzie Crook, Sonje Fortag, Cary Elwes, Phillip Rhys

Estreia: 20 de janeiro

Crítica - A Hora da Escuridão

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 13 Jan 2012 12:09:00 +0000

Como se a ideia de uma ataque alienígena já não fosse assustadora o suficiente, adicione a esse panorama o fato de estar praticamente sozinho em um lugar onde não se sabe nem ao menos falar o idioma local, sendo atacado de forma rápida e letal por um inimigo na maior parte do tempo totalmente invisível. É a partir daí que toda a ação de A Hora da Escuridão, de Chris Gorak, se desenvolve. Um grupo de amigos reunidos ocasionalmente tentando voltar para casa, ou pelo menos não morrer pelo meio dos caminho, são o ponto de partida dessa produção de ação, terror e ficção científica.

Um cenário de fim de mundo, um lugar desconhecido, uma ameaça perigosa e invisível

A Hora da Escuridão mostra um grupo de pessoas tentando lutar pela sobrevivência após um ataque alienígena devastador. Os jovens empresários Sean (Emile Hirsch, de Speed Racer) e Ben (Max Minghella, do premiado A Rede Social) vão parar em Moscou e se veem sem rumo após seus planos de conseguir dinheiro serem frustrados pelo sueco de moral duvidosa Skyler (Joel Kinnaman, de Millenium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres). Em um lugar onde não entendem nada que ninguém fala, ficam aliviados ao encontrar as turistas Natalie (Olivia Thirlby, do bastante comentado Juno) e Anne (Rachael Taylor, de Transformers), em uma boate da moda. Porém, logo o clima de descontração cede lugar ao desespero causado pelo ataque de criaturas invisíveis, e talvez por isso ainda mais aterrorizantes. Após sobreviverem escondidos no subsolo da boate Zvezda Nightclub por alguns dias, os cinco saem do abrigo na tentativa de chegar até um local mais seguro.

Nessa jornada, eles vão descobrindo, às vezes por experiência própria em tomadas de tirar o fôlego, o que são exatamente as criaturas, como fazer para evitá-las, quais as melhores formas de combatê-las, o motivo pelo qual os antagonistas escolheram a Terra como alvo e assim por diante. Além disso, vão conhecendo outros sobreviventes, como a jovem Vika (Veronika Vernadskaya), o eletricista – ou talvez encanador – Sergei (Dato Bakhtadze, de O Procurado) e uma resistência formada por quatro soldados russos com seus lançadores de foguetes e fuzis. O diretor Chris Gorak (de Toque de Recolher, mas com o currículo preenchido pela direção de arte de diversos outros filme, como Minority Report: A Nova Lei) fez bem o seu papel ao tentar criar uma história que fosse verossímil, apesar de estarmos falando de um filme de ficção científica.

Uma Moscou surpreendente dá o tom de apocalipse ao filme A Hora da Escuridão

A fotografia do filme é realmente incrível e impressiona em diversas cenas. A beleza do cenário apocalíptico faz lembrar muitas vezes outros filmes do gênero, como Guerra dos Mundos ou Eu Sou a Lenda, por conta da retratação impecável de uma Moscou desértica, com a presença de somente as cinzas dos milhões de humanos mortos. Temos lugares icônicos como a Praça Vermelha, a Ponte dos Patriarcas e outros locais-símbolos russos substituíndo a Estátua da Liberdade e afins, presentes em praticamente todos os filmes do gênero, o que garante um quê de algo inédito ao longa.

Os personagens, por sua vez, são psicologicamente pouco desenvolvidos e um pouco superficiais em suas essências, mas não podia ser diferente. A proposta do filme não é a do desenvolvimento de personalidades complexas, mas sim o de uma situação catástrofica de ficção científica, na qual o personagem principal é o contexto. Desenvolver os personagens além do que fosse fundamental teria sido não somente desnescessário, mas também uma grande perda de tempo no qual cenas mais interessantes e importantes poderiam estar sendo apresentadas.

Contudo, Emile e seus amigos conseguem fazer o seu papel, ou seja, conseguem captar a torcida do espectador para que ele e seus amigos possam sobreviver a uma ameaça letal e invisível. Além disso, a questão de estarem tentando voltar para casa garante também uma boa intensidade ao que motiva os personagens a entrarem em uma empreitada bastante perigosa. Alguns diálogos-situações clichês também acontecem, mas nada que faça o filme perder o tom. A obra é bem explicada, até nos fatores científicos e nos fenômenos físicos, e essa explicação é simples e objetiva. A Hora da Escuridão, apesar de ser bastante ágil do princípio ao fim, não deixa o espectador perdido em momento nenhum em meio às novas descobertas dos personagens, que ocorrem sucessivamente.

O filme cumpre de forma excepcional sua intenção de entreter. É uma ótima recomendação de ficção científica da atualidade, pois diverte, faz prender a respiração, surpreende pela beleza e faz o espectador sentir de fato a adrenalina. Além disso, não se trata de mais uma história vazia de ETs invadindo a Terra: Chris Gorak faz questão de que tudo fique – bem – explicado e que os inúmeros diferenciais do filme em relação aos outros do gênero estejam em destaque. Por fim, A Hora da Escuridão é uma ótima recomendação para quem deseja um filme-pipoca de ação bem construído e interessante.

Por: Rafael Gonzaga

Nota: 9

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Ficha Técnica

A Hora da Escuridão (The Darkest Hour) – 92min

EUA, Rússia – 2011

Direção: Chris Gorak

Roteiro: Leslie Bohem, M.T. Ahern, Jon Spaihts

Elenco: Emile Hirsch, Olivia Thirlby, Rachael Taylor, Joel Kinnaman, Max Minghella, Veronika Ozerova, Dato Bakhtadze, Yuriy Kutsenko, Nikolay Efremov, Vladimir Jaglich

Estreia: 13 de janeiro

Crítica - Tomboy

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 12 Jan 2012 11:31:00 +0000

Tomboy é uma palavra inglesa usada para designar uma menina que tem comportamento masculinizado. E é assim que se apresenta a protagonista do drama com esse título, escrito e dirigido por Céline Sciamma, que discute a construção da identidade a partir dessa troca de papéis.

Tempo de descobertas

A pré-adolescente Laure (Zoé Héran) se muda com sua família para um condomínio na periferia de Paris. Ainda pouco ambientada, a menina precisa fazer novos amigos, e a primeira criança que conhece é Lisa (Jeanne Disson), uma menina de sua idade que lhe pergunta seu nome. Laure responde sem hesitar: Michaël. A surpreendente resposta faz com que a partir desse momento Laure passe a se mostrar e ser vista como menino.

Inicialmente tímida, Laure vai pouco a pouco estabelecendo relações com a meninada da vizinhança. Magra e com cabelos curtos, se insere no grupo de crianças sem despertar suspeitas, até ter seu segredo casualmente descoberto por sua irmã menor Jaqueline (a encantadora Malonn Lévana), de apenas 5 anos, prenunciando os conflitos que irão acontecer.

Despertar é difícil

O roteiro de Sciamma é simples, direto e despretensioso. Não tenta teorizar a respeito da questão e ainda tem a virtude de colocar o espectador sempre numa posição privilegiada; ora fora da trama, como um observador, ora na pele da própria menina, podendo assim descobrir juntamente com ela o que é ser menino. E detalhes como tirar ou não a camisa num jogo de futebol, que os moleques fazem instintivamente, se torna uma coisa complicada para Laure. O que dizer então de tomar banho numa lagoa ou despertar interesse romântico no “sexo oposto”? Como frequentar a escola?

São pequenas tensões, que atravessam toda a narrativa, nos levando a refletir sobre a complexidade do processo de construção da identidade, que vai muito além da sexualidade e está ancorada na percepção de si mesmo e dos outros, entre outras coisas. Interessante notar que o drama gira em torno das crianças, com os adultos representando papéis quase secundários, ainda que no final sejam eles que engendrem uma “solução” para o problema.

O elenco infantil formado por crianças de cinco a doze, treze anos dá conta do recado de maneira exemplar em sua espontaneidade. E é o “ator” mais jovem de todos, o irmãozinho recém-nascido de Laure, que traz uma pista para se começar a entender o drama, quando sua mãe diz: “Despertar, às vezes, é difícil.”

Por: Gilson Carvalho
Nota: 8

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Ficha técnica

Tomboy – 85 min

França – 2011

Direção e Roteiro: Céline Sciamma

Elenco: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Sophie Cattani, Mathieu Demy, Yohan Vero, Noah Vero, Cheyenne Lainé, Rayan Boubekri, Christel Baras, Valérie Roucher

Estreia: 13 de janeiro

Crítica - A Separação

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 11 Jan 2012 11:49:00 +0000

Em uma realidade cotidiana bem diferente, mas em um cenário urbano e tão contemporâneo quanto o ocidental, A Separação traz um drama familiar vivido no Irã, que coloca em choque novos e antigos costumes baseados em uma rígida moral religiosa. O filme do diretor Asghar Farhadi, que já recebeu diversos prêmios em festivais de cinema, foi o grande vencedor do Festival de Berlim em 2011, e é um dos concorrentes de peso na disputa de melhor filme estrangeiro do Oscar 2012.

Questionamentos morais estão no centro de A Separação

Simin (Leila Hatami) e Nader (Peyman Moadi) estão se divorciando. Além de uma crise afetiva, uma questão se impõe ao futuro do casal: Simin deseja sair do país por achar que o lugar não oferece o ambiente ideal para o crescimento da filha (Sarina Farhadi), mas Nader não concorda em viajar e deixar o pai com alzheimer sozinho, o que gera uma disputa calorosa pela guarda e futuro da menina. Enquanto a justiça não impõe uma solução ao conflito, Simin vai temporariamente para a casa da mãe, deixando Nader sozinho com a filha e o pai doente.

Nader então contrata Razieh (Sareh Bayat) para cuidar de seu pai doente durante as tardes, enquanto ele trabalha e a filha está na escola. O problema é que para Razieh, é errado que uma mulher casada como ela trabalhe para um outro homem casado sem a presença da esposa dele. Raizeh aceita o emprego apenas por uma grande necessidade financeira, mas esconde a atividade de seu próprio marido. Para Razieh é muito difícil manter o emprego escondido, ao mesmo tempo que Nader depende totalmente de seus serviços como companhia para o pai, até que um acidente trágico acontece gerando mais uma briga judicial, agora entre Nader e Razieh.

A Separação é um filme que exige a atenção do espectador para entender as nuances religiosas e judiciais que complicam cada conflito. A dificuldade de conciliação entre velhos preceitos morais do islamismo com situações cotidianas atuais vai se mostrando à medida em que o filme avança. Em certa cena, Razieh está sozinha com sua filha pequena na casa Nader, quando o pai deste, com alzheimer, urina nas próprias roupas. Com medo de limpar o idoso e estar cometendo uma infração, Razieh só consegue fazê-lo após conseguir uma autorização em um "disk-pecado", um tira-dúvidas religioso, mas não antes de passar uma explicação detalhada da situação e sua urgência. Além disso, Razieh só se sente mais segura porque sua filha lhe promete não contar nada ao pai.

Um dos destaques de 2011 nos festivais internacionais de cinema

O filme conta com ótimas atuações de todos os personagens, que lhe renderam dois ursos de prata de melhor ator e atriz no Festival de Berlim 2011, além de levar o prêmio máximo do festival. O longa também foi indicado à categoria de melhor filme em língua estrangeira no Globo de Ouro 2012, e é um dos mais cotados para integrar as indicações da categoria de estrangeiros do próximo Oscar.

A notoriedade em festivais não é novidade para o diretor iraniano Asghar Farhadi, que já chamou a atenção com o filme Procurando Elly, em 2009. Com este trabalho o diretor foi consagrado como melhor diretor em Berlim, além de ter consquistado diversos outros prêmios. Agora, em A Separação, Asghar Farhadi apresenta mais uma vez sua fórmula de sucesso: retratar conflitos que parecem de solução simples na cultura ocidental, mas que ganham uma dimensão única dentro da cultura iraniana.

Por: Lucas Siqueira Cesar

Nota: 9

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Ficha técnica

A Separação (Jodaeiye Nader az Simin) – 123 min

Irã – 2010

Direção e Roteiro: Asghar Farhadi

Elenco: Leila Hatami, Peyman Moadi, Sarina Farhadi, Shahab Hosseini e Sareh Bayat

Estreia: 20 de Janeiro

Crítica - Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sat, 07 Jan 2012 21:41:00 +0000

É difícil dizer em qual franquia Robert Downey Jr. vestiu melhor seu personagem: Sherlock Holmes ou Homem de Ferro. Mas é muito fácil se divertir com os ótimos filmes destas sagas modernas, capitaneados pelas atuações irretocáveis e marcantes deste polêmico ator nova-iorquino e, claro, de seus coadjuvantes de luxo. Em Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras, os mistérios que precisam ser solucionados, com o poder de observação característico do genial Holmes e suas deduções inimagináveis para um ser humano comum, são eventos aparentemente desconexos, mas que podem levar o mundo à uma guerra.

A tensão entre nações, anterior à Primeira Guerra Mundial, é amplificada por um vilão de inteligência semelhante à de Holmes, mas com inclinações totalmente opostas. A ótima reconstituição de época, figurinos e direção de arte ambientam o ano de 1891 com perfeição e são elementos técnicos de destaque no filme. Já as cenas de ação são de tirar o fôlego, de tão bem construídas e orquestradas pela direção competente e singular de Guy Ritchie (de Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes e Snatch: Porcos e Diamantes), que trabalha tão bem as fugas e lutas, quanto a interação entre atores. Destaque para a cena do bombardeio na floresta, digna de aplausos em pé. A identidade visual implementada nos filmes de Sherlock Holmes realmente é brilhante.

A polêmica foi lançada nos filmes de Sherlock Holmes: conotação homossexual ou amizade fraternal?

Em recente entrevista, Downey Jr. desmentiu uma possível conotação homossexual que poderia haver no cinema entre Sherlock e Watson, admitindo que não haveria problema se fosse desta maneira, mas que seria um desrespeito à obra de Conan Doyle. Bom, as piadas de duplo sentido e os ciúmes de Sherlock em relação ao casamento de Watson não são implícitos na relação dos amigos, mas realmente há algo a mais, além de uma amizade fraternal entre dois parceiros inseparáveis? Cabe ao espectador tirar suas conclusões ou, simplesmente, não ligar para este detalhe elevado à status de polêmica no primeiro filme da saga. Talvez isso nem seja importante. O que interessa mesmo, afinal de contas, é a química perfeita entre Downey Jr. e o não menos competente Jude Law (o blogueiro de Contágio).

Fato é que Sherlock Holmes caiu como uma luva em Robert Downey Jr., assim como os atores coadjuvantes defendem seus papéis com excelência. O único ponto não tão forte, mas que não compromete a trama, é a personagem de Noomi Rapace (a Lisbeth Salander de Os Homens que Não Amavam as Mulheres), que assume a figura feminina principal com a precoce despedida de Irene Adler (Rachel McAdams, de Meia Noite em Paris). Não que a cigana de Rapace não seja uma boa personagem; ela apenas não tem o diferencial de ser uma espécie de Holmes versão feminina que Adler tem, além de não ter uma conexão passada com o herói. Consequentemente, o conflito entre Sherlock e Madam Simza Heron não é tão aprofundado, nem tão divertido, quanto o anterior. Já o vilão, Professor James Moriarty (Jared Harris), e o irmão de Sherlock, Mycroft (Stephen Fry), estão sensacionais!

Elementar, meu caro Watson

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras é tão bom quanto o primeiro filme da franquia, mas mais violento e sombrio. Enquanto no filme de 2009 a luta entre protagonista e antagonista parecia um jogo de gato e rato, com mais investidas em teor cômico do que em suspense, neste segundo o confronto entre Sherlock e Professor Moriarty é um jogo de xadrez aberto e carregado de tensão, mas sem deixar o humor impagável de Holmes de fora. Ou seja, uma obra imperdível e acima da média dos blockbusters hollywoodianos! E vêm por aí os terceiros capítulos de Homem de Ferro (2013) e Sherlock Holmes (2014), além da participação do herói da Marvel no filme Os Vingadores (2012). Vamos aguardar...

Por: Mattheus Rocha

Nota: 9.5

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Ficha técnica

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) – 129 min

EUA – 2011

Direção: Guy Ritchie

Roteiro: Michele Mulroney, Kieran Mulroney – Baseado nos personagens de Sir Arthur Conan Doyle

Elenco: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Rachel McAdams, Jared Harris, Stephen Fry, Paul Anderson, Kelly Reilly, Geraldine James, Eddie Marsan, William Houston

Estreia: 13 de janeiro

Crítica - O Espião que Sabia Demais

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 06 Jan 2012 21:36:00 +0000

O Espião que Sabia Demais já nasce em um contexto que lhe garante uma ótima premissa. Adaptado da obra literária homônima de John Le Carrè, autor britânico que já teve outros títulos, como O Jardineiro Fiel e O Alfaiate do Panamá, transcritos para as telas de cinema, o filme se estabelece como uma intrincada trama de espionagem que obriga o espectador a manter firme a atenção em suas cenas e diálogos bastante detalhados. A ótima direção do sueco Tomas Alfredson, responsável pelo intrigante Deixe Ela Entrar, é outro fator notável, além das ótimas atuações de um elenco talentoso que consegue dar sustentação aos acontecimentos de suas tramas. É uma ótima história, mas que requer atenção e, por vezes, paciência para ser bem compreendido.

O grande mistério de O Espião que Sabia Demais está nos pequenos e inúmeros detalhes

O filme nos apresenta a George Smiley, interpretado com segurança por Gary Oldman, um homem distinto que se ocupa de decifrar uma teia de intrigas e fatos que apontam para a existência de um traidor dentro do Serviço Secreto Britânico, mas que trabalhou durante anos também para os soviéticos. São os elementos isolados dessa trama construída de forma inteligente que vão se esbarrando no decorrer do filme e garantem a expectativa de uma revelação no desfecho da história. George Smiley, antes de sua aposentadoria, integrava a cúpula de uma divisão de elite dentro do próprio Serviço Secreto Britânico, denominada Circo. Essa cúpula altamente secreta seria a responsável pelo controle de operações e manutenção de relatórios que contivessem assuntos de altos segredos de Estado. Logo, com a suspeita de haver dentro do Circo um agente duplo, Smiley se sente na necessidade de sair de sua aposentadoria para liderar uma investigação na busca pela identidade do traidor infiltrado.

A atuação de Gary Oldman, ator de personagens marcantes e com uma espécie de carisma que foge do convencional, como em Harry Potter ou Batman - O Cavaleiro das Trevas, é um dos grandes trunfos do personagem. Smiley é um homem inteligente que possui uma missão muito complicada, precisando juntar diversas peças de um extenso quebra-cabeça para chegar a um resultado. Em sua condição, todos são suspeitos, mas é preciso muito cuidado, já que todos também foram altamente treinados para dissimular e trabalhar em condições de extrema tensão. Gary Oldman consegue então emprestar uma brilhante atuação a um ótimo personagem. Outro ator que encontra lugar de destaque no filme é Colin Firth, responsável pelo suspeito de ser um dos traidores, Bill Haydon, e com esse personagem pode acrescentar mais uma grande atuação para sua lista de sucessos. Temos também o inglês John Hurt, que aparece bastante em evidência no decorrer do filme com seu personagem importante, Control. Outros personagens bem construídos são Jim Prideaux, interpretado pelo ator Mark Strong, e Ricki Tarr, do ator Tom Hardy.

Uma inteligente trama de espionagem, porém de construção complicada

A trama aborda questões que batem de frente umas com as outras, como a espionagem e a contraespionagem, ou a questão da traição frente a lealdade. O que torna o processo de desenrolar da história mais interessante são muitas vezes os aspectos psicológicos do tipo de trabalho que os personagens precisam encarar: as relações de poder, a desconfiança elevada à paranoia, a vingança que se relaciona diretamente com a traição. A trama não se exibe como algo simples, e nem é essa a sua pretensão. A forma como o suspense é disposto depende das intrincadas relações entre os personagens, suas ações e consequências, e isso é o que o coloca frente aos principais bons filmes do mesmo gênero.

O filme, segundo o próprio Colin Firth em entrevista, antes de ser "enxugado" em 127 minutos, teve uma versão de 3h30 de duração, das quais os produtores diziam não poder cortar mais nada, uma vez que todas as informações eram necessárias. Talvez tenha sido essa quantidade gigantesca de coisas a se concentrar durante o filme que o tenha tornado um pouco confuso. O espectador não tem um elemento de foco: é necessário que cada mínimo detalhe seja elevado a possível prova de algo. A não-linearidade vista na fragmentação da trama, para criar as reviravoltas no filme, também é outro fator que gera algum desconforto na hora de estabelecer associações diretas entre os personagens e fatos.

O Espião que Sabia Demais consegue se sustentar em cima dessa boa história de espionagem, que, com a contrução de personagens ricos tanto em suas histórias, quanto em suas características, faz com que o espectador fique ansioso pelos desdobramentos finais. É um filme com uma ótima intensidade dramática, enaltecida pela trilha sonora e pela atuação do elenco. O filme talvez pudesse ser mais claro, mas mesmo que por algumas vezes o espectador se sinta cansado, o desfecho faz valer a pena os possíveis momentos de confusão. E no fim da sessão, esse mesmo espectador pode refletir sobre os vários momentos de brilho do longa, e a partir daí fortalecer a ideia de ter acabado de assistir a uma grande obra cinematográfica.

Por: Rafael Gonzaga

Nota: 8

Ficha Técnica

O Espião que Sabia Demais (Tinker Tailor Soldier Spy) – 127 min

Reino Unido, França – 2011

Direção: Tomas Alfredson

Roteiro: Bridget O'Connor, Peter Straughan

Elenco: Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Ciarán Hinds

Estreia: 13 de janeiro

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Crítica - Alvin e os Esquilos 3

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 05 Jan 2012 22:27:00 +0000

Em Alvin e os Esquilos 3, os famosos esquilinhos cantores, Alvin, Simon e Theodore, estão de férias junto com as também consagradas Esquiletes e o responsável Dave (Jason Lee), dono dos bichinhos. Depois de aprontarem muitas confusões num luxuoso cruzeiro, todos eles vão parar acidentalmente numa ilha aparentemente deserta, com animais perigosos, tesouros e até um vulcão. Nada inovador.

Alvin e os Esquilos continuam armando confusões

Como nos dois primeiros longas, as cenas continuam embaladas por músicas da temporada, nas vozes estridentes dos esquilinhos. Dessa vez até Lady Gaga entrou na trilha sonora dos roedores. Também não muito diferente dos anteriores, os esquilos continuam causando confusões. Na ilha conhecem Zoe (Jenny Slate), perdida há mais tempo e amiga inseparável de seis bolas, provável referência à Tom Hanks e Wilson em Náufrago.

O roteiro de Jonathan Aibel e Glenn Berger é bem previsível. Alvin e os Esquilos 3 mantém a característica de filme família, para uma tarde de diversão. Não tem elementos marcantes, mas agrada pelo humor simples e descompromissado, infantil mesmo, que pode até não agradar aos grandões, mas deixará as crianças animadas. Vale a pena nessa temporada de férias.

Por: Daisy Soares

Nota: 7

Ficha técnica

Alvin e os Esquilos 3 (Alvin and the Chipmunks: Chipwrecked) – 87 min

EUA – 2011

Direção: Mike Mitchell

Roteiro: Jonathan Aibel, Glenn Berger

Elenco: Jason Lee, David Cross, Jenny Slate, Michael P. Northey

Dublagem Original: Justin Long, Matthew Gray Gubler, Jesse McCartney, Amy Poehler, Anna Faris, Christina Applegate

Estreia: 6 de janeiro

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Crítica - Cavalo de Guerra

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 04 Jan 2012 21:15:00 +0000

Steven Spielberg, sem dúvida, está entre os mais importantes diretores da história do cinema. Emoção é o termo que melhor sintetiza o que espectadores de várias idades, e distintas gerações, sentem ao se depararem com obras como E.T., Contatos Imediatos de Terceiro Grau e A Lista de Schindler, dentre outros filmes que hipnotizam tanto pela força das imagens, quanto pela delicada relação entre os personagens. O diretor, porém, com tantas obras lançadas, tem alguns trabalhos que não são memoráveis. Por exagerar no convencionalismo narrativo, e mergulhar no melodrama, seu novo longa, Cavalo de Guerra, adaptação do romance homônimo de Michael Morpurgo, é mais um tropeço de Spielberg.

Cavalo de Guerra nada mais é do que um filme com belas paisagens

Como toda aventura épica grandiosa, o filme – pontuado por tomadas aéreas que exibem belas paisagens – é ambientado na Primeira Guerra Mundial e traz a história de uma profunda amizade entre o garoto Albert (Jeremy Irvine) e o cavalo Joey, adquirido em um leilão pelo seu pai. Porém, por necessitar de dinheiro, o pai de Albert vende o cavalo, que passa a pertencer à cavalaria britânica. Na guerra o animal traça de forma marcante o destino de várias pessoas.

As belíssimas sequências – seja nas tomadas aéreas, ou quando o cavalo ara um terreno cheio de obstáculos e a câmera acompanha a ação alternando planos detalhes e planos próximos e, é claro, as cenas de combate – comprovam a marca Spielberg de qualidade em termos visuais. Cavalo de Guerra é um filme bonito, mas vazio, pois os diálogos soam piegas e a própria atmosfera da guerra parece menos tenebrosa por causa da aura pacífica criada com a chegada do cavalo. Certo que o filme é leve e não busca dar enfoque à guerra em si. Mas tal abordagem não se justifica além disso, embora o quê de delicadeza no contato entre Albert e o equino seja, inicialmente, bem exposto.

Hábil em conduzir dramas, Spielberg, desta vez, exagera no teor sentimental

Infelizmente, na clara intenção de comover o espectador ao mostrar o contato de um soldado norte-americano, soldado alemães, e um avô com sua neta, com o valente animal, o longa se perde, e embarca numa onda de sentimentalismo, pois a guerra das trincheiras, assim como outros conflitos historicamente marcantes, trouxe mortes, dores e traumas para “heróis” e “vilões”. O roteiro de Lee Hall e Richard Curtis, também se perde, por causa de conclusões fáceis no transcorrer das ações, o que torna o encadeamento narrativo demasiadamente previsível.

Competentíssimo nos critérios técnicos – a edição de som é primorosa – Cavalo de Guerra é um filme idealizado para toda a família e pode trazer brilho nos olhos daqueles que apreciam o bravo animal dos galopes. Todavia, Spielberg, que sabe envolver o espectador com tanta maestria, nesse longa exagera na dosagem de açúcar e, apesar do inegável zelo estético, deixa a desejar em quesitos importantíssimos.

Por: Bruno Mendes

Nota: 6.5

Ficha técnica

Cavalo de Guerra (War Horse) – 145 min

EUA – 2011

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Lee Hall, Richard Curtis – Baseado no romance de Michael Morpurgo

Elenco: Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, David Thewlis, Emily Watson, Toby Kebbell, Eddie Marsan, David Kross, Peter Mullan, Jeremy Irvine

Estreia: 6 de janeiro

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Crítica - A Guerra Está Declarada

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Tue, 03 Jan 2012 21:31:00 +0000

A Guerra Está Declarada é uma comédia dramática que parte da clássica história de Shakespeare, Romeu e Julieta, para falar de uma tragédia que atinge uma família. O filme abriu a Semana da Crítica do Festival de Cannes 2011 e foi escolhido pela França para representar o país na disputa pelo Oscar de melhor filme estrangeiro 2012.

De comédia a tragédia

Roméo (Jérémie Elkaïm) e Juliette (Valérie Donzelli) se conhecem numa festa e se apaixonam à primeira vista. Ela brinca com a coincidência e pergunta se um destino trágico os aguarda. Eles vão viver juntos e têm um filho. A história de amor perfeita se converte em uma tragédia com a descoberta de que o menino, Adam, tem uma deficiência. O problema acaba se revelando pior do que parecia: ele tem um tumor maligno no cérebro.

A possibilidade da perda do filho os faz embarcar numa luta sem fim pela sua salvação. O evento serve inclusive para aproximar ainda mais a família: os avós, tios e amigos fazem tudo para ajudá-los. No centro do furacão, Roméo e Juliette tentam manter a lucidez e entender o que está acontecendo e, principalmente, encontrar uma saída.

Drama familiar na vida real

A inspiração para o filme é doméstica: Donzelli e Elkaïm formam um casal na vida real e têm um filho em situação parecida à narrada em A Guerra Está Declarada. Donzelli faz um tour de force ao escrever (ao lado de Elkaïm), dirigir e protagonizar a produção. O clima familiar transparece e é favorável ao resultado final. A trilha sonora bastante interessante e os diálogos bem escritos são outros pontos fortes.

A história, que poderia ser triste e depressiva, é cheia de nuances, chegando a ser divertida às vezes. A mensagem que fica (e, embora pareça óbvia, sempre deve ser lembrada) é que toda luta só acaba quando chega ao fim, e que o amor, a solidariedade e a esperança sempre valem à pena. E é também uma bela e justa homenagem aos profissionais de saúde que se dedicam a lutar ao lado dos pacientes e famílias.

Por: Gilson Carvalho

Nota: 8

Ficha técnica

A Guerra Está Declarada (La Guerre Est Declarée) – 100 min

França – 2011

Direção: Valérie Donzelli

Roteiro: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm

Elenco: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, César Desseix, Gabriel Elkaïm

Estreia: 6 de janeiro

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Crítica - As Aventuras de Agamenon, o Repórter

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Mon, 02 Jan 2012 21:48:00 +0000

Dirigido por Victor Lopes, a comédia brasileira As Aventuras de Agamenon estreia neste verão com a presença de figuras ilustres. Com roteiro de Marcelo Madureira e Hubert, criadores do personagem, e participações especialíssimas, como do biógrafo Ruy Castro, da atriz Fernanda Montenegro e do repórter e apresentador Pedro Bial. Algumas outras peças fundamentais da literatura brasileira também dão as caras por lá: é o caso do também humorista Jô Soares e do escritor Paulo Coelho. Os roteiristas também marcam presença no filme, interpretando seus próprios personagens, assim como o humorista Marcelo Adnet, que vive um Agamenon mais jovem e menos viril.

Morando num Dodge Dart 76, enferrujado, eternamente estacionado na porta da redação do jornal O Globo, ele é o autor das mais conturbadas histórias já publicadas no Segundo Caderno. Nem sempre verdades, nem sempre mentiras, mas jamais sem o indefectível tom levemente ácido de seu humor. Agamenon já fez piada com tudo, ou melhor, já cobriu de tudo, em sua longa carreira como jornalista. E mesmo que você seja mais novo ou adepto do jornalismo digital, já deve ter lido, num domingo qualquer, a página dedicada ao repórter.

As Aventuras de Agamenon prima pela produção, mas não é lá muito original nas piadas

Como acontece com qualquer filme de humor que se dedique a parodiar a vida real, em algum momento o roteiro perde o rumo. A adaptação de um formato de televisão para a telona nem sempre é feita com sucesso, e o mesmo acontece com este filme: ele ficou longo demais, e as piadas começam a provocar cada vez menos risadas à medida que o fim se aproxima. Ainda assim, não dá vontade de sair do cinema, menos pela vontade de se conhecer o fim da história e mais pela esperança de que a próxima sátira vai nos desmantelar de rir. Infelizmente isso não acontece.

A produção, no entanto, é esmerada. Coordenada por Flávio Tambellini (que também assina A Falta que nos Move, Cazuza, O Homem do Ano e Carandiru, entre outros), promove uma ambientação completa no universo Agamenon. Desde o Dodge Dart até as brincadeiras visuais com cenas históricas e o naufágio do Titanic. Se as piadas não são para todos, o visual do filme é para ser apreciado junto com sua trilha sonora deliciosamente brasileira.

Compre sua pipoca, o refrigerante de sua preferência e sorria, meu bem!

Não posso dizer aqui que é um filme para ser visto com a família, mas se você tem filhos adolescentes, eles certamente vão se identificar – ou sair do cinema sentindo uma estranha necessidade de estudar mais história. Embora não seja isento das tradicionais pitadas sexuais em que todo bom humorístico nacional investe, o sexo está bem dosado e o palavreado é sutil o suficiente para não afetar os ouvidos mais sensíveis.

Por: Stefano Aguiar

Nota: 7

Ficha Técnica

As Aventuras de Agamenon, o Repórter – 74 min

Brasil – 2011

Direção: Victor Lopes

Roteiro: Marcelo Madureira, Hubert

Elenco: Hubert, Marcelo Madureira, Marcelo Adnet, Luana Piovani, Pedro Bial, Ruy Castro, Guilhermina Guinle, Luiz Carlos Miele, Alcione Mazzeo, Dayse Lucide, Claudio Tovar, Paulo Coelho, Susana Vieira, Fernando Henrique Cardoso, Caetano Veloso, Nelson Motta, Jô Soares

Narração: Fernanda Montenegro

Estreia: 06 de janeiro

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Os 11 melhores filmes de 2011

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sun, 01 Jan 2012 20:05:00 +0000

1. Cisne Negro: “O que há além da perfeição, se o que é perfeito está acabado? Se a perfeição é a exclusão dos defeitos, das imperfeições, ser perfeito parece algo muito diferente de ser humano. Como não sofrer tentando não ser humano? Como não se ferir na busca obsessiva por superar os próprios limites?”.

2. O Discurso do Rei: “Como um bom filme inglês, temos um período histórico decisivo para o país tratado com toda a pompa e circunstância. O rei George VI assume o trono após a desistência de seu irmão, e, gago, teme realizar os discursos direcionados à sua nação”.

3. Planeta dos Macacos: A Origem: “O filme acerta em cheio, não apenas pela deslumbrante qualidade estética e inquestionável perfeição técnica, mas, principalmente, por dar respostas que fãs esperavam e fantasiavam há décadas. E, melhor ainda: com muito respeito pelo Planet of the Apes de 1968”.

4. Meia Noite em Paris: “Woody Allen em sua melhor forma, mostrando seu amor pelo cinema e pelas artes, sua visão melancólica e um tanto cínica do mundo”.

5. A Árvore da Vida: “Uma lúdica viagem pelos mistérios da vida e os questionamentos que todo ser humano faz, pelo menos, em algum momento de sua efêmera existência, entrecortada por fragmentos de memórias e cenas do cotidiano de uma família comum”.

6. O Vencedor: “Com perfeita orquestração das cenas de luta, transmite tensão e a emoção de um combate, ao mesmo tempo em que emociona com uma história sobre a superação de dificuldades e a necessidade de união para enfrentar desafios”.

7. Incêndios: “Uma mãe morre deixando a seus dois filhos cartas destinadas a um pai que achavam estar morto e um irmão que não sabiam existir. E cumprir o último desejo da mãe, encontrá-los e entregar os envelopes, torna-se uma obrigação”.

8. Biutiful: “O novo filme de Iñárritu é seu primeiro longa sem a participação do aclamado roteirista Guillermo Arriaga; os excepcionais requisitos, no entanto, imperam. A iminência da morte é, mais uma vez, o cerne da trama deste filme arrebatador”.

9. Em um Mundo Melhor: “O questionamento sobre a cultura da violência é um elemento essencial no filme. Vemos onde começa a violência, mas durante todo o tempo tentamos imaginar onde ela pode parar. O conflito dá a impressão de ser uma bomba que está prestes a explodir”.

10. Melancolia: “Fundador do Dogma 95, Lars Von Trier continua fiel à câmera na mão e filmagem em locações. Aderiu, no entanto, ao uso de efeitos visuais. Todas escolhas acertadas, assim como a ótima trilha musical e o elenco repleto de atores renomados”.

11. A Pele que Habito: “Almodóvar deixa seu filme totalmente contextualizado em uma das questões mais polêmicas de nosso tempo, e até prevê situações que ainda estamos por vivenciar. Ademais, para deleite de seus fãs, outras características marcantes do cineasta marcam presença”.

Obs.: escolhemos entre os filmes que estrearam comercialmente no Brasil em 2011, independentemente do ano de produção; todos os títulos dos filmes são clicáveis, para você conferir as respectivas críticas.

Por: Mattheus Rocha, Will Pereira, Stefano Aguiar e Alessandra Caires

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Os 11 melhores filmes nacionais de 2011

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Sat, 31 Dec 2011 20:52:00 +0000

1. O Palhaço: “Os aspectos técnicos do filme são primorosamente executados e amplificam os sentimentos conflituosos de Benjamim no processo de caracterização de um universo tão particular que é o dos palhaços, composto, ao mesmo tempo, de alegria e tristeza, felicidade e melancolia”.

2. Lixo Extraordinário: “O lixo do maior aterro sanitário da América Latina, Jardim Gramacho (município de Duque de Caxias), ganhou forma e beleza nas mãos do artista plástico Vik Muniz”.

3. 2012: Tempo de Mudança: “Um convite à reflexão, um desafio à sociedade pós-industrial e sua maneira caótica de consumir. O filme acompanha entrevistas e experiências do jornalista Daniel Pinchbeck, na sua busca por respostas que ajudem as sociedades a se organizar de forma sustentável”.

4. Riscado: “Produção alternativa, rodada a baixo custo, busca um caminho autoral sem se afastar demasiadamente das possibilidades de mercado. E mostra que o cinema brasileiro já tem maturidade para tratar de temas diversos, além dos habituais violência urbana, miséria, corrupção policial”.

5. As Canções: “A sequência de relatos, o ardor com que os personagens cantam as músicas das quais falam, vão desfilando um rol de emoções variadas à nossa frente, com as quais é impossível não se envolver”.

6. Meu País: “É um filme que emociona e traz mensagem sincera e simples sobre amizade e união entre irmãos, raízes, distância, solidariedade, pertencer a algo ou a um lugar, e como abdicamos das coisas e nos entregamos, ou não, a isso tudo”.

7. O Samba que Mora em Mim: “A câmera é uma desbravadora, que vai percorrendo ruas, becos e vielas, em busca de histórias de gente que vive na Mangueira, uma região considerada tão especial”.

8. Diário de uma Busca: “Flavia Castro soube com maestria trazer a história de seu pai até os dias de hoje, mesmo depois de sua morte, e fazer valer tudo pelo que lutou e pelo que morreu”.

9. Transeunte: “Fenômeno cada vez mais comum nas grandes cidades, a solidão é o tema do primeiro longa-metragem de ficção de Eryk Rocha, responsável por diversos documentários premiados e filho do mítico diretor Gláuber Rocha”.

10. A Falta que nos Move: “A liberdade dada aos atores, e a sensação de que eles não estão atuando, conferem ao clima um realismo palpável. Em tempos de reality shows, ver a interação entre atores é quase um exercício antropológico. E é justamente esse realismo que deixa o espectador perplexo o tempo inteiro”.

11. Desenrola: “O maior mérito do filme é informativo, fruto da pesquisa e dos depoimentos colhidos na pré-produção; temas que precisam ser debatidos e devem fazer parte da ementa escolar”.

Por: Mattheus Rocha, Daisy Soares, Will Pereira, Stefano Aguiar e Alessandra Caires

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As 11 melhores animações de 2011

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Fri, 30 Dec 2011 20:15:00 +0000

1. O Mágico: “Sem arrojos visuais de produções dos grandes estúdios de animação, como Pixar ou DreamWorks, O Mágico é uma bela animação sobre solidariedade e compaixão, além de investir em uma história sobre pessoas reais, num mundo sombrio e impessoal”.

2. Rango: “Hoje temos animações que agradam muito mais aos adultos do que às crianças. Esse é o caso de Rango, uma animação divertida e engraçada, mas madura, com personagens sérios”.

3. Gato de Botas: “Em seu filme solo, o Gato de Botas vive uma trama repleta de aventura, traição, duelos de dança e espada, além de formar uma dupla impagável com Kitty Pata-Mansa. A maior semelhança narrativa com Shrek, e talvez a única, são as referências a contos de fada”.

4. As Aventuras de Sammy: “Além de atrair pelo conteúdo dramático, o elemento 3D proporciona um mergulho encantador pelos mares da tecnologia, com maravilhosas paisagens, criaturas e sensações, além de empolgantes cenas de ação, que ressaltam a beleza e a diversidade das formas e cores presentes nos oceanos”.

5. Os Smurfs: “As encantadoras criaturinhas azuis beiram a perfeição e parecem feitas de carne e osso. Parte essencial no processo de criação, a dublagem é competente e fator essencial para o sucesso de Os Smurfs”.

6. Happy Feet 2: “Cinco anos depois de ganhar o mundo, Happy Feet volta às telonas com uma nova aventura para toda a família e tem o peso de manter o nível de qualidade de seu antecessor, que conquistou o Oscar de Animação em 2007”.

7. Operação Presente: “Dotado de humor singelo, e mais focado na apresentação de exemplos altruístas, o filme traça um interessante ‘olhar’ sobre o Natal na geração Google”.

8. Kung Fu Panda 2: “Só através da paz interior Po conseguirá a concentração para vencer seus adversários e lutar o kung fu mais show de bola que a China já viu. Desta vez o inimigo é o pavão Shen, que tem um desejo de vingança ainda maior do que o vilão anterior”.

9. Gnomeu e Julieta: “O filme é honesto e cumpre o que pretende. Tem bons personagens, em uma historinha simples pontuada por belas canções”.

10. Deu a Louca na Chapeuzinho 2: “A nova aventura recorre frequentemente a soluções desgastadas (e são muitas); mas não por falta de criatividade, e sim para fazer piada. A motivação dos personagens e o desenvolvimento da trama foram construídos como uma grande autoparódia e levados com muito bom humor”.

11. Animais Unidos Jamais SerãoVencidos: “Com uma animação belíssima, o filme reproduz fielmente várias paisagens, como as da savana africana e do Ártico”.

Obs.: escolhemos entre os filmes que estrearam comercialmente no Brasil em 2011, independentemente do ano de produção; todos os títulos dos filmes são clicáveis, para você conferir as respectivas críticas.

Por: Mattheus Rocha, Daisy Soares, Alessandra Caires, Stefano Aguiar e Will Pereira

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Os 11 melhores diretores de 2011

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Thu, 29 Dec 2011 21:29:00 +0000

1. Selton Mello (O Palhaço): “Este é apenas o segundo filme de Selton como diretor, mas já pode ser considerado como a demonstração da personalidade característica de um dos artistas mais completos do cinema nacional”.

2. Tom Hooper (O Discurso do Rei): “Como um bom filme inglês, temos um período histórico decisivo para o país tratado com toda a pompa e circunstância. O roteiro faz questão de contextualizar a importância da fala de um rei diante do advento do rádio e, principalmente, da iminência da Segunda Guerra Mundial”.

3. Terrence Malick (A Árvore da Vida): “Uma lúdica viagem pelos mistérios da vida e os questionamentos que todo ser humano faz, pelo menos, em algum momento de sua efêmera existência, entrecortada por fragmentos de memórias e cenas do cotidiano de uma família comum”.

4. Woody Allen (Meia Noite em Paris): “Meia Noite em Paris é Woody Allen em sua melhor forma, mostrando seu amor pelo cinema e pelas artes, sua visão melancólica e um tanto cínica do mundo”.

5. Rupert Wyatt (Planeta dos Macacos: A Origem): “A Origem acerta em cheio, não apenas pela deslumbrante qualidade estética e inquestionável perfeição técnica, mas, principalmente, por dar respostas que fãs esperavam e fantasiavam há décadas. E, melhor ainda: com muito respeito pelo Planet of the Apes de 1968”.

6. Alejandro Gonzales Iñarritu (Biutiful): “Sem Arriaga, Biutiful é uma espécie de continuação da Trilogia do Caos. A morte, a multiplicidade cultural, a depressão dos personagens com problemas severos... Iñárritu (desta vez também como roteirista) mantém sua marca”.

7. Pedro Almodóvar (A Pele que Habito): “Almodóvar deixa seu filme totalmente contextualizado em uma das questões mais polêmicas de nosso tempo, e até prevê situações que ainda estamos por vivenciar”.

8. Denis Villeneuve (Incêndios): “O filme se divide entre a busca dos irmãos por um país do Oriente Médio em meio a uma guerra, a religião e o passado”.

9. Susanne Bier (Em um Mundo Melhor): “O questionamento sobre a cultura da violência é um elemento essencial no filme. Vemos onde começa a violência, mas durante todo o tempo tentamos imaginar onde ela pode parar. O conflito dá a impressão de ser uma bomba que está prestes a explodir”.

10. George Clooney (Tudo Pelo Poder): “Num vasto conjunto de ideias, discute os bastidores da disputa presidencial nos EUA. Nesta obra encontramos referências reais de fatos e situações que já ocorreram no cenário político americano”.

11. Danny Boyle (127 Horas): “Boyle, desde Trainspotting (1996), um dos filmes mais cultuados pelo público alternativo, vem desenvolvendo uma linha autoral bem interessante.

Por: Mattheus Rocha e Alessandra Caires

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As 11 melhores atuações masculinas de 2011

noreply@blogger.com (Mattheus Rocha) — Wed, 28 Dec 2011 21:57:00 +0000

1. Colin Firth (O Discurso do Rei): “O rei George VI (Firth) assume o trono após a desistência de seu irmão, e, gago, teme realizar os discursos direcionados à sua nação”.

2. Geoffrey Rush (O Discurso do Rei): “Se existe um segmento no qual o filme pode ser considerado imbatível é no quesito atuação. Rush domina a tela como o terapeuta de fala do rei”.

3. Selton Mello (O Palhaço): “Além da direção irretocável, madura e sensível, Selton também é protagonista da obra”.

4. Christian Bale (O Vencedor): “Alguns atores se destacam pela capacidade de interpretar tipos específicos. Outros representam um perfil camaleônico e encaram transformações físicas inacreditáveis no intuito de garantir verossimilhança a determinado personagem. Bale é um deles”.

5. Javier Bardem (Biutiful): “A minuciosa caracterização de Javier Bardem é decisiva para a compreensão do estado de espírito do personagem”.

6. Andy Serkis (Planeta dos Macacos: A Origem): “O trabalho de construção dos movimentos e expressões pode ser considerado até mais difícil do que os de Avatar e da trilogia O Senhor dos Anéis, por se tratar da recriação de um mundo que se baseia na realidade, não em universos fantásticos. E, realmente, o resultado é espetacular. Os movimentos de Cesar, e de seus semelhantes, são incríveis”.

7. James Franco (127 Horas): “Franco segura bem o cargo: seu carisma consegue prender a atenção do espectador ao longo dos 95 minutos da película e comove nos momentos em que é necessário”.

8. Bradley Cooper (Sem Limites): “Ainda que o estereótipo do escritor em crise criativa esteja um tanto desgastado, Cooper, conhecido por comédias e filmes água-com-açucar, desempenha bem o papel do zé-ninguém que chega ao topo do mundo e (quase) ao inferno”.

9. Jeff Bridges (Bravura Indômita): “Bridges está ótimo como um agente da lei controverso, caolho e beberrão: são suas as melhores tiradas da história, cheias de sarcasmo”.

10. Ryan Gosling (Tudo Pelo Poder): “O personagem mais conflituoso da trama é um jovem e excelente assessor que acredita fielmente no seu representante para assumir a presidência dos Estados Unidos”.

11. Johnny Depp (O Turista): “Após encarnar papéis mais caricatos, como o Capitão Jack Sparrow e o Chapeleiro Maluco, Depp mostra toda a sua versatilidade nesse filme”.

Por: Mattheus Rocha e Alessandra Caires

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