17 Festival ZEMOS98

Como si fuera un mundo entero

Susana Serrano — 2015-07-21T09:56:35Z

Toda persona que haya podido asistir a alguno de los festivales ZEMOS98 habrá podido comprobar que son unos días irrepetibles. Conoces gente, vuelves a ver a amigos, aprendes infinidad de cosas, descubres propuestas artísticas experimentales, piensas en común, compartes experiencias... Y cuando se acaba siempre te vuelves a casa con la sensación de cerrar un capítulo de tu vida, muy intenso, como si fuera un mundo entero.

Que este año fuera el último, ese sentimiento ha terminado por convertirse en un desbordamiento, de emociones y de preguntas. Sin duda un desbordamiento que se va a ir canalizando de muchas formas posibles. La energía, como el (h)amor, no se destruye, se transforma. Ahora toca el silencio, algo que no es un vacío sino un elemento básico para construir, como cuando escribes un poema o compones música y sabes que silencio es necesario para tejer la estructura.

En la noche de cierre del la 17 edición del Festival ZEMOS98 estuvieron muy presentes justo esas dos cosas tan esenciales: la poesía y la música. Traída de la mano de artistas que, como ellas mismas explicaron, son parte de la familia de este festival. Personas de gran talento que han ido creciendo en sus diferentes trayectorias profesionales (o mejor dicho pasionales) y que recuerdan con gran cariño su participación en ediciones anteriores. Para muchas de nosotras son artistas ya de referencia que conocíamos gracias a la estupenda programación que cada año nos han brindado, para otras fue el encuentro con algo nuevo, pero para todas fue un acontecimiento en su sentido más deleuziano «el desplazamiento de nuestra sensibilidad», el tipo de experiencia que ansiamos encontrar por su capacidad transformadora.

El anuncio de que Niño de Elche presentaría su nuevo trabajo Voces del Extremo , junto con una banda formada por algunos de los músicos que han participado en el disco, generó grandes expectativas. Pero que, además, se sumaran de teloneros Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado con su espectáculo Hacía un Ruido nos llenó de entusiasmo. Adelanto ya que, como era de esperar, sobrepasaron nuestras previsiones y nos regalaron una de las noches más especiales que probablemente hemos tenido en este festival, o fuera de él, en los últimos años. Quizá porque fuera el último, quizá porque simplemente los invitados eran grandes, pero el Teatro Alameda quedó desbordado entre luces y sombras. Risas y alguna lágrima, rabia y deseo, euforia y calma. Tuve una sensación a mi alrededor, una imagen, como si fuéramos al principio crisálidas adormecidas por la tristeza, o el cansancio, que de repente estallamos en miles de mariposas que nos acariciaron sobrevolando el lugar, hermanadas por el cariño, las palabras y la música: la huella de todo esto que verdaderamente importa.

María y Fran, ofrecieron un espectáculo difícil de encajar en una crónica, porque con ellos el tiempo se enroscó en una serie de loops entrecortados, y porque lo que hacen está fuera, o más allá de las palabras. María Salgado es una poeta imprescindible, por su capacidad de hacer una poesía que habla de los conflictos que nos atraviesan en la actualidad y por, además, hacerlo con un lenguaje (tan)bien sintonizado con nuestro tiempo. Con Fran MM Cabeza de Vaca sucede lo mismo, pero en la composición es capaz de experimentar con diferentes formatos y disciplinas para llevar su trabajo con el sonido a nuevos territorios. No es de extrañar que ambos se encontraran por el camino, no sólo por la conexión habitual entre poesía y música, sino por las cosas que tienen en común y porque es en ese bordear los límites donde se han encontrado. Lo performático, el aura del spoken word o las máquinas en escena son sólo herramientas desde las que dialogar entre significados, ecos, reverberaciones; cosas que no tienen nombre, ni lo buscan, que están muy cerca, que son pequeñas, que están rotas en la memoria y que sólo así, reconfiguradas, cobran una forma para volver a nosotras.

Paco, Niño de Elche, también optó por el extremo, pero a través de las voces. Nos llevó a un plano totalmente distinto, también marcado por la politización de sus contenidos, la resistencia desde este lado, la potencia de lo poético; pero en las canciones. Para las que le conocemos y le admiramos, sabemos que una de sus virtudes es que se rodea de gente muy buena, gente que sabe. Porque si algo le caracteriza son sus inagotables ganas de aprender y de iniciar nuevos proyectos. En este disco se han unido varios elementos definitorios de su desarrollo artístico: su relación con los poetas que cada año se reúnen en Moguer en el encuentro poético «Voces del Extremo», muchos de ellos conocidos por su «poesía de la conciencia» con Antonio Orihuela como elemento aglutinador; y también su vinculación con la escena artística de Sevilla más vanguardista, en este caso Daniel Alonso y Darío del Moral (Pony Bravo) o Raúl Pérez (La Mina). Los músicos que le acompañaban también eran garantía de buen hacer, como son Raúl Cantizano, Javier Mora o Fernando Junquera.

Como bien dice Pedro G. Romero en su texto Bofetada , el cual recomiendo: «No es por nuevo ni por osado por lo que este disco merece la pena. Es por lo necesario», por hablar de «urgencias políticas. De combate incluso»; por mostrar «una evidente toma de partido». Justo lo que necesitábamos en la noche de cierre del festival, en el momento del adiós y del ahora qué. Tan fuerte fue la descarga del concierto que la noche duraría aún varias horas más en las que seguimos organizándonos, disfrutando, pensando juntas, con miradas cómplices y sonrisas llenas de esperanza. En su despedida, Pedro Jiménez dijo, refiriéndose a la decisión de acabar con el festival tomada por el colectivo ZEMOS98, que: «lo matamos nosotros para que no lo hagan ellos». Un sacrificio que transformó en ritual a aquel último concierto y que, inevitablemente, me recordó entre escalofríos aquella popular frase de un flamenco que con toda dignidad y coraje decía: «en mi hambre mando yo».

«Miénteme», canción grabada en directo en el concierto de Niño de Elche en el 17 Festival ZEMOS98.

*El título que da nombre a este texto, «Como si fuera un mundo entero», es una cita extraída de uno de los poemas que recitó María Salgado en Hacia un ruido.

As if it were an entire world

Susana Serrano — 2015-07-21T09:56:33Z

Any person who has had the chance to attend any of the ZEMOS98 Festivals has been able to experience how unique those days are. You meet people, you re-encounter friends, you learn an endless number of things, you discover experimental artistic proposals, you practice thinking in common, you share experiences… And when they are over you go back home feeling that you are closing a very intense chapter of your life, as if it were an entire world.

The fact that this year's Festival was the last has ended up turning that feeling into an overwhelming flow of emotion and questions. This overflowing is undoubtedly going to be channelled in many different ways. Energy, like love, is not destroyed, but transformed. Now it is the turn of silence, which is not a void but a basic element for building, just like when you write a poem or compose a musical piece and you know that silence is necessary to weave its structure.

The closing night of the 17th Edition of the ZEMOS98 Festival contained those two very essential things: poetry and music, contributed by artists who, as they themselves explained, are a part of this Festival's family. Very talented people who have gradually grown parallel to their professional careers (or better, their passions), and fondly remember their collaborations in previous editions of the Festival. For many of us they are referral artists whom we discovered thanks to the great programming at the Festival every year; for others it was an encounter with something new, but for all of us it was a unique event as Deleuze would describe it, «the displacement of our sensitivity», or the type of experience we crave to find owing to its capacity to transform.

The announcement that Niño de Elche would present his new release Voces del Extremo with a band composed of some of the musicians who recorded the album caused great expectation. Furthermore, the addition of Fran MM Cabeza de Vaca and María Salgado as opening artists filled us with enthusiasm. I may say that, as predicted, they exceeded our expectations, giving us one of the most special nights of these last years, in the festival and in general. Maybe because it was the last one, maybe because the guests were great, the Alameda Theatre was overwhelming brimming with its lights and shadows. Laughs, a tear shed here and there, fury and desire, euphoria and tranquillity. I had a feeling surrounding me, an image, as if at the beginning we were drowsy chrysalis maybe sad or exhausted, and suddenly we burst into thousands of butterflies caressing us as they flew all over the place, bonded by fondness, words and music: the trace of all this that really matters.

María and Fran offered a show difficult to fit into an article, because time coiled with them into a series of choppy loops and because what they do is beyond words. María Salgado is an indispensable poet: for her capacity to produce poetry that speaks of the conflicts that affect us now, and also for her use of a language so in synch with our time. The same happens with Fran Cabeza de Vaca but in the field of musical composition. He is capable of experimenting with different formats and disciplines to take his work with sound into new territories. No wonder they both met on the way, not only because of their habitual connection between music and poetry, but also for the things they have in common and because they come together precisely in that exploration of boundaries. The performance quality, the aura of the spoken word or the machines onstage are no more than tools to encourage dialogue, echoes, reverberations, things that have no name nor seek it, that are very close, that are small, broken in memory, and that are reconfigured only through this process, taking a shape again to come back to us.

Paco, Niño de Elche, also chose the extreme, but through voices. He took us to a totally different level, also marked by its political content, the resistance from this side, the power of poetic images, but in this case in his songs. For those of us who know him and admire him, it is clear that one of his virtues is that he knows how to choose good company; he surrounds himself with knowledgeable people. Because he is especially remarkable in his relentless will to learn and start new projects. In this latest release several of the defining elements of his artistic evolution have come together: his relationship with the poets who come together every year at the poetic encounter «Voices of the Extreme» in Moguer, in the province of Huelva, many of them well known for their «poetry of conscience» and with Antonio Orihuela as the unifying force; also his engagement with the Sevillian avant-garde art scene, in this case with Daniel Alonso and Darío del Moral (from the band Pony Bravo) or Raúl Pérez (La Mina Studio). The musicians accompanying him were also a guarantee of good work, as are Raúl Cantizano, Javier Mora or Fernando Junquera.

As Pedro G. Romero rightly says in his text Bofetada («Slap in the Face»), which I highly recommend: «This record is worth listening to, not because it is innovative or bold. But because it is necessary», because it speaks of «political urgency. Even combat»; and for showing «an evident commitment, taking sides». Just what we needed for the closing night of the Festival, when it was time to say goodbye and ask ourselves «now what?» The concert gave us such a strong release of energy that the night would still last a few hours more, in which we continued getting organised, enjoying the event, thinking together, exchanging knowing looks and smiles filled with hope. In his farewell speech, referring to the decision taken by the ZEMOS98 collective to stop organising the Festival, Pedro Jiménez said: «We are killing it ourselves so they don't do it». A sacrifice that turned that last concert into a ritual, and that inevitably reminded me of that popular and chilling phrase by a flamenco singer, who said full of courage and dignity: «I'm the master of my hunger».

«Miénteme», music video produced live during Niño de Elche's show at 17th ZEMOS98 Festival

*The title of this text, «As if it were an entire world», is a quote from one of the poems recited by María Salgado from Hacia un Ruido («Towards a noise»).

La libertad era una isla que no sale en los mapas (o todo lo contrario)

Marta Peirano — 2015-07-14T10:04:39Z

Crónica sobre el Código Fuente Audiovisual de Rubén Martínez, «Todos contingentes, pero tú eres necesario», publicada originalmente en eldiario.es.

Tras una introducción de Felipe G. Gil, codirector de ZEMOS98, que venía a ser «un Código Fuente Audiovisual de nuestra amistad» y parecía destinada a homenajear y trolear a partes iguales, el investigador cultural Rubén Martínez ejecutó con gran aplomo y responsabilidad el que es y será el último Código Fuente Audiovisual del festival sevillano. Cofundador de YProductions y residente en Barcelona, Martínez es miembro de la Hidra Cooperativa y del Observatorio Metropolitano de Barcelona, dos dispositivos de intervención política afincados dentro de la Fundación de los Comunes. Coordinado o no con Belén Gopegui, su Código Fuente Audiovisual tenía como tema el concepto de Libertad.

Los japoneses dicen que hay que empezar los discursos pidiendo perdón, pero Rubén empezó con Amanece que no es poco y la cita que dio nombre a la ponencia: Todos somos contingentes, pero tú eres necesario . La interpelación del alcalde por parte de los entregados ciudadanos de un pequeño pueblo de la Sierra de Albacete le sirve para explicar las contingencias del poder por delegación. Le sigue el discurso mamporrero de Algunos hombres buenos donde Jack Nicholson declara la necesidad de un poder ejecutivo absoluto y opaco como la única garantía que se interpone entre la ciudadanía y el caos, todo esto prólogo para una larga y entretenida reflexión sobre la huella de ese poder, encarnada en la tripulación del Bounty.

I. El pantano de la libertad

Uno de los fragmentos de «Rebelión a bordo» proyectados en el Código Fuente Audiovisual de Rubén Martínez

Rebelión a bordo , popularmente considerada la peor película de Marlon Brando, es la historia de una fragata británica que viaja a Tahití en busca del árbol de pan, una especie prolífica de fruto carnoso y nutritivo que Rubén califica de ficus y que pensaban podría alimentar a los trabajadores de las colonias. El capitán y su segundo de abordo chocan desde el principio por su origen y sus métodos. Pronto la política de austeridad y la brutalidad del primero, que representa el poder del Estado, acaba con la paciencia del segundo, Fletcher Christian, que lidera la rebelión del título y acaba teóricamente con el yugo imperial.

Los rebeldes ponen a su excapitán en una barca mirando a Inglaterra y acaban en una isla que no aparece en los mapas pero que está convenientemente fuera del alcance de la ley británica y felizmente poblada por pacíficos isleños y bellas mujeres cantarinas. Y allí vivían todos felices menos uno porque, para los marineros, la libertad es vivir al margen de la ley en la homérica isla mientras que para su comandante, como para Ulises, la isla es una prisión porque es un lugar donde sólo puede esconderse, mientras que la libertad es volver a Inglaterra a defender la legitimidad de sus actos.

La paradoja que presenta esa isla y la tragedia que la resuelve es para Rubén un ejemplo perfecto de cómo funciona el Panóptico, y los mecanismos de interiorización del poder del Estado que él llama la microfísica del poder. Desde ese punto de vista, Rubén reflexiona sobre los orígenes de la música negra, musica de prisiones y de plantaciones de algodón, y se pregunta si esa música les libera o les aprisiona aún más. O si aquel 13 de enero de 1968 en que Johnny Cash cantaba sobre matar a un hombre «por el placer de verle morir» ante los 2.000 presos de la cárcel de Folsom (California), esos hombres fueron un poco más libres, o un poco menos.

II. El rebelde colectivo vs. la libertad individual

Fragmento de «Braveheart» elegido por Rubén Martínez para su Código Fuente Audiovisual

Del Bounty a las verdes praderas escocesas por vía de Mel Gibson llega la idea del poder como un poder soberano -el rey de Inglaterra- que busca dominar a un solo sujeto rebelde -William Wallace- para someter a todo un pueblo en un dislate independentista titulado Braveheart . Contra su método habitual de reprimir matando, aquí el poder soberano intuye que el líder rebelde es más útil viviendo de rodillas que muriendo por su pueblo porque siente que cortar esa cabeza hará que crezcan otras siete en su lugar.

Como Mel Gibson también lo entiende, decide no pedir clemencia en el cadalso y gritar en cambio «libertad», después de lo cual le cortan en rodajitas. «Paradójicamente -explica Rubén- el sujeto rebelde va a morir, pero el cuerpo rebelde seguirá más vivo que nunca». Y el poder soberano pierde porque la potencia del cuerpo rebelde «no es solo su capacidad de resistencia o liberación, sino su capacidad para imaginar y accionar otro tipo de libertad».

Mel Gibson que, por cierto, había hecho de Fletcher Christian diez años antes en una adaptación de Rebelión a Bordo, procedió después a dirigir La Pasión de Cristo donde, por si no quedaba clara la idea, el cuerpo rebelde es crucificado y atravesado con clavos y lanzas para la liberación de todos los cristianos con los resultados que ya conocemos.

Fragmento de «El Manantial» proyectado en el Código Fuente Audiovisual de Rubén Martínez

Al rebelde como cuerpo de lo colectivo, contrapone Rubén a Ayn Rand y la idea de la libertad como la integridad individual frente a la presión de la chusma. De la bella adaptación cinematográfica de El manantial -aparentemente el libro más influyente de la historia de EEUU- Rubén elige el trozo más ridículo: cuando Howard Roark, arquitecto genial -además de alto, guapo y pobre- defiende un acto de terrorismo con el argumento de la propiedad intelectual.

Roark ha accedido a diseñar para el Estado un complejo residencial, pidiendo como único pago que se construya exactamente como él lo ha diseñado, sin cambiar nada. Al final, el complejo se construye con cambios que alteran el original y Roark lo destruye, con la ayuda de su novia y unos cuantos cartuchos de dinamita. Roark considera que al modificarla, le han robado su propiedad intelectual y defiende su derecho a destruir lo que es suyo. Roark representa pues la libertad del individuo de ser él mismo, contra la influencia, necesidad o exigencia de los otros, una lucha donde el compromiso equivale a pedir clemencia frente al hacha imperial.

Antes de que pudiéramos preguntarnos qué haría Howard Roark con el plan Bolonia, Rubén enfrenta su egoísmo racional a la Teoría de la Justicia de John Rawls, que se resume en una declaración de Marina Garcés: «uno no tiene que comprometerse ya que siempre vive comprometido». Y lo remata sádicamente con un delirante vídeo del artista catalán Carles Congost: Un Mystique determinado .

III. Lo normal: trabajar hace libres, comprar aún más

Debate de Noam Chomsky y Michel Foucault, vídeo proyectado en el Código Fuente Audiovisual de Rubén Martínez
Entre lo colectivo y el individualismo, Rubén encaja a Michel Foucault explicando a Chomsky que la normalidad -hoy decimos lo hegemónico- la imponen precisamente las instituciones que consideramos garantes del espíritu crítico, que ejercen la violencia política de manera soterrada y persistente: la universidad, la psiquiatría, la justicia. Rubén añade un vídeo de Barrio Sésamo titulado Somos cinco para añadir la institución normalizadora por antonomasia: la familia.

De la ilusión del individualismo y imposición de «lo normal» viene ahora un fragmento de El siglo del yo ( The Century of the Self, 2002) donde Adam Curtis, nuestro documentalista favorito, explica la transición de la libertad como integridad de la persona a la libertad de elegir y de consumir. Un ejemplar de este poder como suma entre liberación y capitalismo es la construcción de la mujer fumadora como icono de la libertad, un icono inventado por un publicista para una marca de cigarrillos. Sobre el impacto de esta fórmula sobre el entorno laboral, engancha con otro Mad Men de altura, el icono a-la-Howard-Roark de nuestra generación: Steve Jobs.

Piratas de Silicon Valley es una película mediocre pero interesante como retrato del tránsito del trabajador a las clases creativas. Aquí Jobs demuestra al granujiento Bill Gates que trabajar para Apple no es trabajar para Microsoft. Con orgullo de capataz sureño, pregunta a un programador: «¿Eres pirata?». Y el chico le contesta con los ojos inyectados en sangre: «Sí, por supuesto Steve, llevo 52 horas seguidas despierto». Que es como el chiste aquel del que se cae en el metro y dice: no me he caído, me he tirao; pero cruzado con un cartel que decía Arbeit macht frei.

Fragmento de «Network» elegido por Rubén Martínez para su Código Fuente Audiovisual

Acaba Rubén este bloque con un fragmento de la historia del cine que debería proyectarse contra las paredes de todas las universidades del planeta, al menos hasta que deje de ser verdad. Es el discurso de Network , la obra maestra de Sidney Lumet (1976) donde el presidente del canal le explica al defenestrado Howard Beale cómo funciona el mundo. Hay que verlo y hay que verlo y aprender a no suicidarse después. Este momento es el negativo de la casa que no se rinde del Código Fuente de Belén Gopegui, que también hay que ver.

IV. Solo no puedes, con amigos sí

El arte de la conferencia suele contener una circunferencia, y nuestro ínclito conductor recuperaba al director de El manantial retratando la tesis contraria al egoísmo productivo de Ayn Rand. En El pan nuestro de cada día (King Vidor, 1934), una pareja acosada por la Gran Depresión se va a vivir al campo y monta una cooperativa. El propio Rubén la describe como «una buena peli para ver cómo se normaliza la división sexual del trabajo en las utopías comunitarias». Los momentos cumbre son cuando consiguen salvar las tierras de la sequía construyendo una estructura para irrigar la cosecha; el otro, cuando consiguen timar al propietario para ganarle las tierras en una subasta a precio de manzanilla.

La mezcla entre la desobediencia civil y el conocimiento estricto de la ley, dice Rubén, es la combinación que caracteriza a la Plataforma de Afectados por la Hipoteca (PAH). Por qué esta reflexión acaba con Lego, la película , y una canción en la que se insta a las clases creativas a seguir las instrucciones escapa todavía a esta periodista (¿El enemigo conoce el sistema?), que sin embargo cantó obedientemente la pegadiza Rules and Regulations que cerró el último Código Fuente Audiovisual del último ZEMOS98, y que siguió apareciendo y dominando lo que quedaba de festival.

«Rules and Regulations», proyectado al final Código Fuente de Rubén Martínez

Código Fuente Audiovisual íntegro de Rubén Martínez

Freedom was an island that wasn't on the maps (or quite the opposite)

Marta Peirano — 2015-07-14T10:04:35Z

Report of Rubén Martínez's Audiovisual Source Code: «We are all contingent, but you are necessary». Original language: spanish («La libertad era una isla que no sale en los mapas -o todo lo contrario-»). This text was originally published at eldiario.es

After an introduction by the co-director of ZEMOS98 Felipe G. Gil, which added up to «an Audiovisual Source Code of our friendship» and seemed aimed both at honouring as well as trolling him, cultural researcher Rubén Martínez performed what will be the last Audiovisual Source Code of the Sevillian Festival showing great assurance and responsibility. Martínez, co-founder of YProductions and a Barcelona resident, is a member of La Hidra Cooperative as well as of the Observatorio Metropolitano de Barcelona (Barcelona Metropolitan Observatory), two political intervention devices placed within the Fundación de los Comunes (Commons Foundation). Whether it was conceived in coordination with Belén Gopegui's or not, his Audiovisual Source Code had the concept of Freedom as its main subject.

The Japanese say that speeches should be started by apologising, but Rubén started with Spanish director Jose Luis Cuerda's film Amanece que no es poco («Dawn breaks, which is no small thing») and a quote from it that named the talk: We are all contingent, but you are necessary . This plea to the mayor of a village in the Albacete mountain range by its devoted citizens is used by him to explain the implications of delegating power. This is followed by Jack Nicholson's brutal statement in defence of violence from A Few Good Men in which he declares the need of an absolute and opaque executive power as the only guarantee to keep citizenry safe from chaos, all of this constituting a prologue for a long and fun reflection on the trace of that power, embodied by the crew of the Bounty.

I. The swamp of freedom

Excerpt from the film «Munity on the Bounty» screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

Mutiny on the Bounty , popularly considered as the worst of Marlon Brando's films, is the story of a British frigate on its way to Tahiti seeking the Breadfruit, referred to by Rubén as a ficus, which was a prolific tree with a meaty and nourishing fruit thought to be good to feed the workers in the colonies. The captain and his second officer in command clash relentlessly from the start due both to their origin and their methods. Soon, the severe and brutal policy of the first, who represents the power of the State, drains the patience of the latter, Fletcher Christian, who ends up leading the mutiny of the title and theoretically throwing off the imperial yoke.

The rebel crew put their ex-captain on a lifeboat facing England and they themselves end up on an island that isn't on the maps but is conveniently out of reach from British law and happily inhabited by peaceful islanders and singing women. And all of them but one live there happily, because for the sailors, freedom is living outside the law on the Homeric island. However, for their commander, as for Ulysses, the island is just a prison because it is no more than a hiding place, whereas freedom means going back to England to defend the legitimacy of their actions.

The paradox represented by that island and the tragedy that solves it is, for Rubén, a perfect example of how the Panopticon and the mechanisms that interiorise the power of the State work, referred to by him as the microphysics of power. From that point of view, Rubén reflects on the origins of black music, prison and cotton plantation music, and he asks himself if that music liberates those individuals or oppresses them even further. Or whether on that January 13th, 1968, when Johnny Cash sang about killing a man «just to watch him die» for the 2,000 inmates in Folsom Prison, California, those men were a bit more or a bit less free.

II. The collective rebel against individual freedom

Excerpt from the film «Braveheart» screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

From the Bounty to the green Scottish meadows via Mel Gibson comes the idea of power as sovereign –that of the King of England- that seeks to dominate a single rebel subject –William Wallace- in order to subdue all Scottish people, in an absurd rave for independence titled Braveheart . Rejecting its usual method of repression through murder, here the regal power senses that the rebel leader is more useful kept alive and forced to yield than dying for his people, as it fears that by chopping off that head it will only encourage seven more to come and replace it in the task.

Mel Gibson understands the problem and is therefore determined to not beg for mercy at the scaffold and to cry out for «freedom» instead, after which he is chopped to pieces. «Paradoxically» Rubén explains «the subject will die, but the rebellious body will remain as alive as ever». And the sovereign power is at a loss because the strength of a rebellious body of people «is not only in its capacity of resistance or liberation, but in its ability to imagine and activate a different kind of freedom».

Mel Gibson, by the way, had played Fletcher Christian ten years before in a remake of Mutiny on the Bounty, and went on to direct The Passion of the Christ . In this film, in case the idea hadn't been stated clearly enough yet, the rebellious body is crucified and stabbed with nails and spears for the liberation of all Christians, with the consequences we all know.

Excerpt from the film «The Fountainhead» screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

To the rebel as body of the collective, Rubén opposes Ayn Rand and the idea of freedom as individual integrity against the pressures of the mob. He chooses, from the fine screen adaptation of The Fountainhead -apparently the most influential book in United States- the most ridiculous part: when Howard Roark, a brilliant architect as well as tall, handsome and poor, defends an act of terrorism on the argument of intellectual property.

Roark has agreed to design a residential compound for the State, requesting as his only reward that it be built exactly like he has designed it, without a single change. The compound is finally constructed with changes that alter the original design, which makes Roark destroy it with the help of his girlfriend and a few sticks of dynamite. Roark considers that by modifying the project his intellectual property has been stolen and defends his right to destroy what is his. Roark thus represents the freedom of the individual to be oneself against the influence, need or demand of others. A struggle in which a commitment means asking the imperial axe for mercy.

Before we could ask ourselves what Howard Roark would do with the Bologna Plan for the reform of European University studies, Rubén confronts Roark's rational selfishness with John Rawls's Theory of Justice, summed up in a statement by Marina Garcés: one does not need to commit, as we already live in engagement. And he sadistically rounds off the matter with a delirious video by the Catalan artist Carles Congost called Un Mystique determinado («A Particular Mystique»).

III. The usual: working makes you free, buying even more so

Video discussion between Noam Chomsky y Michel Foucault screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

Between collectiveness and individualism, Rubén fits in Michel Foucault explaining to Chomsky how normality (today we say hegemony) is imposed precisely by institutions which, though considered by us as guarantors of the critical spirit, really exert political violence in a subtle but persistent way: University, Psychiatry and Justice. Rubén follows it up with a video from Sesame Street titled We're Five in order to add to the list the normalising institution par excellence: family.

From the illusion of individualism and the imposition of normality, we now go on to a fragment of The Century of the Self (2002), in which our favourite documentary maker Adam Curtis explains the transition from freedom seen as the person's integrity into the freedom to choose and consume. An example of this power as a sum of liberation and capitalism is the creation of the smoking woman as a symbol of freedom, an icon which was invented by an advertising executive for a cigarette brand. Regarding the impact of this formula on the working environment, Rubén hops to another high-up Mad Men example, our generation's icon a-la-Howard-Roark: Steve Jobs.

Pirates of Silicon Valley is a mediocre film, though interesting as a portrait of the transition of workers from the working to the «creative» class. Here Jobs proves to pimply Bill Gates that working for Apple is not the same as working for Microsoft. With the pride of a Southern plantation foreman, he asks a programmer: «Are you a pirate?» And the kid answers him with bloodshot eyes: «Yes, of course, Steve. I've been up straight for the last 52 hours». Which is like the joke of the guy who falls to the underground rails and says «I didn't fall, I jumped»; but combined with a sign that said Arbeit macht frei.

Rubén ends this section with a fragment of the History of Cinema that should be screened on the walls of every university in the world, at least until it ceases to be true. It is the speech of Sidney Lumet's masterpiece Network (1976) in which the president of the network explains how the world works to ousted Howard Beale. This scene should be seen, but we should also learn to see it without committing suicide afterwards. This moment is the exact opposite from the house that never gives up from Belén Gopegui's Audiovisual Source Code, which should also be seen.

Excerpt from the film «Network» screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

IV. You can't on your own, but you can with friends

The art of lecturing usually contains a circumference, and our illustrious conductor unearthed the director of The Fountainhead on quite the opposite thesis to the productive selfishness of Ayn Rand. In Our Daily Bread (King Vidor, 1934), a young couple in dire straits during the Great Depression decide to move to the countryside and set up a cooperative. Rubén himself describes the film as «a good film to see how the gender-based division of labour settles in within communitarian utopias». The climatic moments are when they manage to save the lands from the drought by building a structure to irrigate the crops; and when they manage to fool the landowner and purchase the property of the lands in an auction for literally peanuts.

The mix between civil disobedience and a strict knowledge of the law, says Rubén, is the combination that distinguishes the Spanish Anti-Eviction Platform (PAH). The reason why this reflection ends with a scene from The Lego Movie and a song in which creative classes are encouraged to follow instructions is still out of reach for this reporter (The enemy is aware of the system?), who nevertheless sang obediently the catchy Rules and Regulations song that closed the last Audiovisual Source Code of the last ZEMOS98 Festival, and that kept on appearing and dominating during what was left of the event.

«Rules and Regulations» song, it was screened at the Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

The full-length Rubén Martínez's Audiovisual Source Code

I count on you

Elena Cabrera — 2015-06-26T10:48:02Z

Report of Belén Gopegui Audiovisual Source Code: The Pitfalls of Fiction. Original language: spanish («Cuento contigo»)

«She learned the notion of commons at the 'Prosperidad' Popular School» as Lucas Tello pointed out in Belen Gopegui's biography during his introduction. It was the second time the Popular School appeared at the 17th ZEMOS98 Festival. A while earlier Silvia Nanclares, mediator of the Fanzine Group at the Hackcamp #ReclaimtheCommons, had taped a sheet of paper on a wall of the Seville Arts Centre. On that paper I had drawn a plan, freestyle and not respecting scale, of the ‘Prospe' Popular School. All this happened because Nanclares had asked us to think of our favourite place in a city. And I thought of my city, Madrid, and my neighbourhood Prosperidad, and of the place where I currently have the best time cultivating the commons: the School. And as in the case of a loom woven by different weavers, it seemed like we were touching common places and the image of the tapestry started to make sense. I could already see the ship come in.

Tello spoke of other «places» of the commons where Gopegui had learnt things. For instance, Juan Blanco. When a person dies, I think, his name stops being private and what he was becomes public domain, a bit like the bodies on a merry-go-round, though in that fiction a voluntary death is asked for commons sake which turns out to be false. «Juan Blanco avoided writing, he wanted to be illiterate» Gopegui described him in 2013, «because he thought, like Socrates, that words on their own are incapable of defending themselves and incapable of teaching the truth clearly enough». In that text, Belén tried to imagine her late philosophy professor «on the other side of boundaries, in the place where things have weight», encouraging us to remember that «a single life has been conferred to each man and each woman», with the purpose that's not just living it, or «not even living it well», but as Blanco said, «a good life in common».

Lucas and Belén have a friend in common, Álex. Lucas told about her in his introduction. Álex is going through a bad patch lately and she and her daughter Marina have had to return to her parents' house. I know them too. Álex saw Guillermo Zapata talking about Copylove, I know because she herself told me about it. Moving his hands profusely and stretching his sweater, Zapata explained in front of a scene of Spartacus: «when community exists, even Kirk Douglas cries, no small deal». «I am Spartacus!», «I am Spartacus!» different voices shouted from the screen. «Change Spartacus for Anonymous» Zapata encouraged [1] . My friend told me that Guille referred to Martian Chronicles , a book by Ray Bradbury we both love, which tells the story of the colonization and decolonization of Mars. The black slaves buy themselves a rocket and take off to Mars in order to be free. The slave owners don't like this idea at all and tell them: “one option was to submit and the other one was to rebel and wipe us out, but you can't just leave, because we're nothing without you”. «Of course» Álex told me, «neither were Spartacus and friends allowed to leave, nor do we have rockets now; we don't even have planets to go to». That was also mentioned by Guille, we don't have a place to leave to. «Our problem is we have to grow the commons from right here, where we stand» he suggested. And Álex answered him that «all right, a solution would be to mutate, which is a way of leaving while staying where you are».

«Ok Álex, and how do we do that?» Lucas and I asked her the last time we met. What game do we play? How do we manage? How could we, instead of tearing down the pillars, start building right here, where everyone can see? «Being sensible and prudent, as well as astute» our friend answered, «as in a kind of ‘Mother May I' game in which you're moving though it seems like you're still, and at last, when the opponent turns around, you've already arrived». Marina, my daughter Eleonor and I play it a lot, so I know exactly what she meant. Mutating right before their very eyes.

Excerpt from the film «Batteries not included» screened at the Belén Gopegui's Audiovisual Source Code

And now Belén comes and says that it is like in that film she used to watch with mothers and daughters Batteries not Included . We can't hide our giggles. Are you serious, Belén, the author of Lo Real, are you really bringing us a tacky film from the 80s as an example? «I like nice films» she answers. At this point, Lucas, Álex and I can't restrain laughing out loud. «But nice like The Princess Bride , pal?» Lucas spits out. «Yes, yes, exactly like that», the writer answers, trying to speak over our laughs. «Let's see» she says, «Batteries not Included is about the fact that in order to rebuild what's destroyed we need almost a miracle, which is the miracle of what we could do in common». But it is the flying saucers who reconstruct the building destroyed by the landlord who wants to kick everyone out and speculate with price of land. And that's when Álex said that we should start to build everything from right now onwards, «the communities, the cooperatives, the squatting, the expropriations, the networks, the new relationships» as we watched her enthralled, with that Copylove face that sometimes comes over us. «If we could get them to desert from their armies» said Álex, «from their police stations, from their safe boxes». Or if we were so many that defeating us meant razing the whole country to the ground, every one of its streets. If we managed to build catacombs on the surface, but not imaginary ones, real ones, streets overlapping the streets, like dance floors made up in waste grounds». «Reclaim the commons, girl» I told her, dying to give her a hug.

Excerpt from the film «The Princess Bride» chose by Belén Gopegui for her Audiovisual Source Code

Conflict is not only a matter for teenagers. It's possible at any age to feel an acute pain deep in our intestines. Nerves, unease, anxiety, a fear to re-enter life. Maybe we need some cheering up. Maybe we want to manage conflicts including the «nice» factor. But the thing is reality doesn't sound nice at all, Belén, it sounds more like Rotten Waters, not like The Bride Princess. «Does fiction have to contain truth?» Gopegui asks me with one of those questions that… Well, let's see, maybe, I don't know, yes? «The grandfather wants to make the child's flu more bearable and tells him a tale of a world that could be true», she answers. My power, my truth resides in this great craving I have to start dancing in the middle of «Prospe» Popular School's hall with Eleonor, Martina and Belén, and my neighbours and my mothers and even Lucas Tello, if he drops by Madrid one day. And if one day the School falls, we can rebuild it again.

«Sometimes the things that may be true or not are those in which we need to believe most», says Robert Duvall to Haley Joel Osment in Second hand Lions .

The full-length Belén Gopegui's Audiovisual Source Code

Notas
[1] Play this part of the Guillermo Zapata's Audiovisual Source Code at the 14 ZEMOS98 Festival -spanish-: https://youtu.be/phpFI9Q-XCQ?t=17m11s

[1] Play this part of the Guillermo Zapata's Audiovisual Source Code at the 14 ZEMOS98 Festival -spanish-: https://youtu.be/phpFI9Q-XCQ?t=17m11s

Cuento contigo

Elena Cabrera — 2015-06-26T10:47:57Z

Crónica sobre el Código Fuente Audiovisual de Belén Gopegui, «Los acantilados de la ficción»

«Aprendió la noción de común en la Escuela Popular de Prosperidad» biografió Lucas Tello a Belén Gopegui durante su presentación. Era la segunda vez que La Escuela se asomaba al 17 Festival ZEMOS98. En una pared del Centro de las Artes de Sevilla, Silvia Nanclares, la mediadora del grupo Fanzine del Hackcamp #ReclaimtheCommons, había pegado hacía un rato un folio con cuatro trozos de celo. En ese papel yo había dibujado un plano, un poco libre y no a escala, de la Escuela Popular de la Prospe. Todo sucedió porque Nanclares nos había pedido que pensáramos en el lugar favorito de una ciudad. Y yo pensé en mi ciudad, Madrid, y en mi barrio, Prosperidad, y en el sitio en el que actualmente mejor lo pasaba cultivando lo común: La Escuela. Y, como si de un telar tejido por diferentes costureras se tratase, parecía que estábamos tocando lugares comunes y el dibujo del tapiz empezaba a tener sentido. Yo ya veía el velero.

Tello habló de otros «lugares» del procomún en los que Gopegui había aprendido cosas. Por ejemplo, Juan Blanco. Cuando una persona muere, creo yo, su nombre deja de ser privado y lo que fue se hace dominio público, un poco como los cuerpos en el carrusel, aunque en esa ficción se pide una muerte voluntaria por un bien común que resulta ser falso. «Juan Blanco huyó de la escritura, quiso ser ágrafo» le describió Gopegui en 2013, «pues pensaba con Sócrates que las palabras solas eran incapaces de defenderse a sí mismas e incapaces de enseñar suficientemente la verdad». En ese texto Belén trataba de imaginar a su desaparecido profesor de filosofía «al otro lado de las lindes, en el entorno donde las cosas pesan» animándonos a recordar que «una sola vida nos ha correspondido a cada hombre y a cada mujer» con el fin no de vivirla, «ni siquiera vivirla bien», el fin, decía Blanco, «es una vida en común buena».

Lucas y Belén tienen una amiga en común. Se llama Álex. Lucas lo contó en la presentación. Álex no lo está pasando muy bien en los últimos tiempos y ha tenido que volver a casa de sus padres, junto a su hija, Marina. Yo también las conozco. Álex vio a Guillermo Zapata hablando del Copylove, lo sé porque me lo contó la propia Álex. Mientras Zapata se explicaba, moviendo mucho las manos y estirándose el jersey, delante de una escena de Espartaco, decía: «cuando hay comunidad, hasta Kirk Douglas llora, poca broma». «¡Yo soy Espartaco!», «¡Yo soy Espartaco!» gritaban diferentes voces desde la pantalla. «Cambiad Espartaco por Anonymous», alentó Zapata [1]. Me contó mi amiga que Guille aludió a Crónicas marcianas , un libro de Ray Bradbury que nos apasiona a ambas. En él se cuenta la historia de la colonización y descolonización de Marte. Los esclavos negros se compran un cohete y se van a Marte para ser libres. Esta idea no les mola nada a los esclavistas, que les dicen, «una opción era someteros, la otra era rebelaros y acabar con nosotros, lo que no podéis hacer es marcharos, porque sin vosotros no somos nada». «Claro que» me dijo Álex, «ni a Espartaco y los suyos les permitieron irse, ni tenemos ahora cohetes, ni siquiera planetas adonde ir». Eso también lo dijo Guille, nosotros no tenemos un lugar adonde ir. «Nuestro problema es que tenemos que hacer crecer el procomún desde aquí, desde donde estamos» sugirió él. Y Álex le contestó que vale, que «la solución sería mutar, que es una forma de ir habiéndose quedado».

Vale Álex, cómo lo hacemos, le preguntamos Lucas y yo la última vez que coincidimos. ¿A qué jugamos? ¿cómo nos lo montamos? ¿cómo sería no derribar los cimientos sino empezar a construir aquí mismo, a la vista de todos? «Con prudencia y astucia» nos respondió nuestra amiga, «una especie de escondite inglés en el que vas moviéndote aunque parece que no te mueves y, por fin, cuando el adversario se da la vuelta, resulta que tú ya has llegado». Marina, mi hija Eleonor y yo jugamos mucho al escondite inglés, así que sé exactamente a lo que Álex se refería. A mutar delante de sus narices, mientras pasamos desapercibidas.

Fragmento de «Nuestro maravillosos aliados» proyectado en el Código Fuente Audiovisual de Belén Gopegui

En esto llega Belén y dice que esto es como en esa peli que veía con sus madres y sus hijas, Nuestros maravillosos aliados . No podemos esconder las risillas. ¿De verdad, Belén, tú, la autora de Lo real , nos traes como ejemplo una horterada de los 80? «Me gustan las pelis bonitas», responde. Y ahí ya Lucas, Álex y yo no podemos contener la risotada. ¿Pero bonito en plan La princesa prometida , quilla?, le suelta Lucas. Sí, sí, justo, precisamente, contesta la escritora, que intenta sobreponer su voz a nuestra carcajadas. A ver, nos dice, «Nuestros maravillosos aliados trata de que para reconstruir lo destruido hace falta casi un milagro, que es el milagro de lo que podríamos hacer en común». Pero son los platillos volantes los que reconstruyen el edificio destruido por el propietario que quiere echar a los vecinos y especular con el suelo. «Un milagro, pero es verosímil», afirma Belén. Y ahí fue cuando Álex dijo que tendríamos que empezar a construirlo todo desde ya, «las comunidades, las cooperativas, las okupaciones, las expropiedades, las redes, las nuevas relaciones» y la mirábamos emocionadas, con esta carita de Copylove que se nos pone a veces. «Si lográsemos que desertaran de sus ejércitos» decía Álex, «de sus comisarías, de sus cajas fuertes. O si fuéramos tantos que vencernos significara arrasar el país por completo, cada una de sus calles. Si lográsemos construir catacumbas de superficie pero no imaginarias sino reales, calles superpuestas a las calles, como hay pistas de baile sobre los descampados». Reclaim the commons, quilla, le dije, muerta de ganas de abrazarla.

Fragmento de «La princesa prometida» elegida por Belén Gopegui para su Código Fuente Audiovisual

El conflicto no es cosa de la adolescencia, solamente. A cualquier edad es posible que nos duela un pinchazo muy agudo en el fondo de un intestino. Unos nervios, una desazón, un miedo a reentrar en la vida. Puede que necesitemos unos ánimos. Puede que queramos gestionar los conflictos incluyendo lo bonito. Pero es que lo real no suena nada bonito, Belén, suena más a aguas podridas, no a La princesa prometida. «¿La ficción tiene que contener verdad?» me cuestiona Gopegui con una de esas preguntas que... Bueno, a ver, quizá, no sé, ¿sí? El abuelo quiere hacerle al niño más llevadera su gripe y le cuenta un cuento de un mundo que podría ser cierto, responde. El power, mi verdad, está en estas ganas tremendas que me entran de ponerme a bailar en mitad del salón de la Escuela Popular de la Prospe, con Eleonor y Martina y Belén y mis vecinas y mis madres y hasta Lucas Tello, si se viene a Madrid un día. Y si un día La Escuela cae, podemos construirla de nuevo.

«A veces las cosas que pueden o no ser ciertas son aquellas en las que más necesitamos creer» le dice Robert Duvall a Haley Joel Osment en Leones de segunda mano .

Código Fuente Audiovisual de Belén Gopegui íntegro

Notas
[1] Ver esta parte del Código Fuente Audiovisual de Guillermo Zapata en el 14 Festival ZEMOS98: https://youtu.be/phpFI9Q-XCQ?t=17m11s

[1] Ver esta parte del Código Fuente Audiovisual de Guillermo Zapata en el 14 Festival ZEMOS98: https://youtu.be/phpFI9Q-XCQ?t=17m11s

Not just clowning around

Dan Hancox — 2015-06-21T16:44:09Z

Report about table 2 of the #ReclaimtheCommons Hackcamp: Guerrilla Care Campaign

I was never going to turn down an invitation to a conference in Seville called Caring for the City: Reclaiming The Commons . It promised to combine so many of my interests: the need to return public space to the public, the astonishingly successful anti-eviction group PAH and the wider Spanish left, and the arguments advanced by David Harvey and Anna Minton on late capitalism's sustained assault on civic democracy. Also, tapas.

It was only once I had touched down in Andalusia that the itinerary was made clear: this would not be a traditional conference, but a heavily participatory Hackcamp – like a corporate retreat for activists. We would be put into groups with strangers, play getting-to-know-you games, luxuriate in «networking time' and over three long days, work together to create a «guerilla care campaign» to help save a local «cultural space... with particular emphasis on the circus, performing and visual arts». So, in essence, we were tasked with creating a flash mob for clowns.

I wondered what it would mean in practice. Would we have to fit the entire Spanish organised labour movement into a comically small car? How can you throw a custard pie at an abstract concept like neoliberalism? The night before the Hackcamp began, reclaiming the commons by drinking beer outdoors on the streets of Seville, with friends from Barcelona and Amsterdam I tried to work out what why clowns have such a bad reputation. For one thing, from Canio in Pagliacci to John Wayne Gacey, Pennywise, Crazy Joe Divola and Sideshow Bob, they don't have a great record as warriors for social justice.

Of course, the carnivalesque has always been part of any truly public folk culture – and so, an injury to Koko is an injury to us all. And if you want to defend the importance of play, and performance, you have to do a bit of it yourself. «Care», observed one friend at ZEMOS98, is just code for «mutual aid» and «solidarity» – more familiar concepts from the anarchist lexicon. And so, our group worked together like elementary school teachers, using spray pent, felt tips, post-it notes, red clown noses and brainstorming sessions. Appropriately enough, it was through working together with new friends from across Europe that I learned the most – in the little conversations, the reflections on activist experiences in people's hometowns.

Photo by Roi Guitián

In the end our guerilla action, like all the people I met, was terrific fun and far more useful than I had anticipated. We used helium balloons to hoist a giant banner demanding a new home for La Carpa (the circus space) in one of Seville's tragically numerous abandoned public buildings. The locals loved it, we successfully spread the word about a good cause, no clowns tried to murder me, and I even climbed down off my high horse and wore a red nose – for ten minutes, sheepishly. Workers of the world, unite – you have nothing to lose but your stripey braces!

No sólo haciendo el payaso

Dan Hancox — 2015-06-21T16:21:40Z

Crónica sobre la mesa 2 del Hackcamp #ReclaimtheCommons: Guerrilla Care Campaign. Idioma original: inglés («Not just clowning around»).

Nunca habría rechazado una invitación a una conferencia en Sevilla que se titulase Caring for the City: Reclaiming the Commons . Prometía combinar muchos de mis intereses, como lo son la necesidad de devolver el espacio público a los ciudadanos, el asombroso y exitoso movimiento español antidesahucios PAH y de manera más general, la izquierda española y los argumentos presentados por David Harvey y Anna Minton sobre el asalto constante del capitalismo tardío a la democracia cívica. Y también las tapas.

Una vez que había aterrizado ya en Andalucía se aclaró el itinerario: no se trataría de una conferencia al uso, sino de un Hackcamp altamente participativo; como una especie de retiro corporativo para activistas. Se nos agruparía con desconocidos, jugaríamos a juegos del tipo «conoce a tu compañero», disfrutaríamos de tiempo para hacer «networking» y a lo largo de tres días trabajaríamos juntos para crear una «campaña de guerrilla por los cuidados» (guerrilla care campaign) para ayudar a salvar un centro local definido como «espacio cultural… con particular énfasis en el circo, las artes escénicas y visuales». Así que, en esencia, teníamos la tarea de crear un flashmob para payasos.

Me preguntaba qué significaría esto en la práctica. ¿Tendríamos que meter al movimiento obrero organizado español al completo en un coche ridículamente pequeño? ¿Cómo se puede tirar un pastel de nata a un concepto abstracto como el neoliberalismo? La noche antes de empezar el Hackcamp, mientras reclamábamos el procomún con cerveza en mano por las calles de Sevilla con amigos de Barcelona y Ámsterdam, intenté averiguar por qué los payasos gozan de tan mala reputación. Por un lado, ni Canio in Pagliacci ni John Wayne Gacey, pasando por Pennywise, Crazy Joe Divola y Sideshow Bob, poseen un gran historial como luchadores por la justicia social.

Por supuesto que lo carnavalesco ha formado siempre parte de cualquier cultura popular y verdaderamente pública, y por lo tanto herir a Koko es herirnos a todos nosotros. Y si quieres defender la importancia del juego y la actuación en público, tienes que probarlos al menos mínimamente por ti mismo. El «cuidado», como observó un amigo en el Festival ZEMOS98, es sólo un término de nuevo código para referirse a «la ayuda mutua» y la «solidaridad», conceptos que resultan más familiares por ser parte del léxico de la tradición anarquista. Y así, nuestro grupo trabajó en conjunto como profesores de primaria, usando pintura de spray, rotuladores, post-it adhesivos, narices de payaso rojas y sesiones de lluvia de ideas. Como era lógico, lo que más me hizo aprender fue trabajar junto a nuevos amigos de toda Europa, con pequeñas conversaciones y experiencias de activismo en la ciudad de procedencia de cada uno.

Foto de Roi Guitián

Al final el resultado de nuestra acción de guerrilla urbana junto con todas las personas a las que conocí, fue enormemente divertido y mucho más útil de lo que había previsto. Usamos globos de helio para elevar una gran pancarta que pedía un nuevo hogar para La Carpa (el espacio circense) en uno de los -tristemente- numerosos edificios públicos abandonados en Sevilla. A los lugareños les encantó la iniciativa, difundimos con éxito el mensaje de una buena causa, ningún payaso intentó asesinarme, e incluso me bajé del burro y me puse una nariz roja (avergonzado, durante diez minutos). Trabajadores de mundo ¡uníos, no tenéis nada que perder, salvo vuestros tirantes a rayas!

En las barricadas digitales

En Liang Khong — 2015-06-18T20:18:40Z

Crónica sobre la mesa 4 del Hackcamp #ReclaimtheCommons: WebDoc Prototype. Idioma original: inglés («At the digital barricades»).

Un informe del Hackcamp #ReclaimTheCommons del 17 Festival ZEMOS98, Sevilla, 2015

A lo largo del verano de 2013, el Ministerio del Interior Británico comenzó con los preparativos para poner en marcha una cruzada de seguridad, la Operación Vaken, orientada a alentar a los inmigrantes a optar voluntariamente por la repatriación. Mientras furgonetas patrullaban las calles con el mensaje «¿Está Ud. en el Reino Unido ilegalmente? Vuelva a su país o afronte el arresto», el Ministerio del Interior (the Home Office) tuiteó además fotos de detenciones de migrantes, adornadas con el hashtag #inmigrantoffenders. La campaña fracasó estrepitosamente y les salió por la culata, rebotando por las redes sociales y provocando la aparición del hashtag #RacistVan junto a imágenes de las furgonetas combinadas con otras que llamaban la atención sobre asuntos más urgentes como la evasión fiscal.

Furgoneta con los mensajes originales generados en la campaña del Ministerio del Interior de UK. Fuente

Furgoneta con el mensaje hackeado por la comunidad. Más ejemplos aquí (fuente)

Aunque la Operación Vaken provocase una reacción popular, la serie de imágenes y tuits que compuso su campaña en la red se generó a partir de una confluencia muy real de significantes violentos y racistas que pueblan hoy en día el imaginario mediático británico. La cascada constante de eslóganes, imágenes y cuñas, teje un entramado transversal en el panorama mediático y acaba reduciendo a la gente a una serie de estereotipos, alejándonos así de la vivencia real y reduciendo el alcance de la lucha social. Urge más que nunca la necesidad de una plataforma desde la que lanzar una conversación audiovisual independiente y disidente, que sea capaz de permear el persistente chorreo de imágenes que corrompen nuestras redes. Una manera de encarar este tema es mediante el mal uso deliberado y creativo de tecnología; un espíritu presente en el corazón del Festival ZEMOS98 de este año, celebrado en Sevilla.

A lo largo de tres días en abril, ZEMOS98 creó el marco para un Hackcamp, aprovechando una especie de subcultura hacktivista como modelo para un grupo de trabajo, y poblándolo de activistas y periodistas de todo el espectro de la izquierda. Me uní a una red pan-europea de gente para trabajar en el campo del procomún, con la tarea de asumir el reto del activismo político a través del arte radical y los nuevos medios. Y en dicha tarea nos lanzamos a renovar la demanda del derecho a la ciudad, la resistencia de lo que la socióloga Sharon Zukin llama «pacificación por capuchino».

ZEMOS98 es parte de Doc Next Network, un colectivo que utiliza los medios digitales para abarcar tanto la cultura como la educación mediante el desarrollo y diseminación de una creciente colección de vídeos socialmente comprometidos, que van desde la documentación de ataques a los derechos de personas migrantes a las crisis de la vivienda por toda Europa. Más de 500 vídeos que retratan la vida en Europa a principios de este siglo, desde asambleas ciudadanas en Bosnia a las protestas en el Parque Gezi, y ofrecen breves retazos de recuerdos, pensamientos, fragmentos de declaraciones, e historias profundamente personales y humanas. Muchas de estas películas aglutinadas en el archivo Doc Next redifunden nuestros encuentros con la inmigración, el poder, y con la ciudad, redireccionando nuestro enfoque desde las fronteras de nuevo hacia las comunidades. Y señalan los espacios públicos como cruciales para asir alternativas radicales.

Me encontraba incrustado entre un grupo de cineastas y editores de vídeo muy talentosos: Andréu Meixide, Lucía Andújar, Nuria Campabadal, Lucas Tello y Anna Giralt (recién venida de documentar el cambio político radical en Grecia), así como los periodistas españoles Natxo Medina, Belén Picazo y Simón Vialas, y los codificadores Pablo Martín y Berto Yáñez. Todos reunidos con la tarea de utilizar el archivo de vídeo Doc Next para imaginar nuevas narrativas para los agentes sociales involucrados en reclamar el procomún, y proporcionar un interfaz audiovisual tanto para educadores como para activistas, mientras a su vez se cuentan historias importantes desde abajo.

Comenzamos a pensar varias maneras de mapear los vídeos a través del tiempo y el espacio, partiendo del trabajo de proyectos audiovisuales similares (por ejemplo el trabajo del colectivo Crisis-Scape en Atenas), para estudiar cómo se podían desplegar la cartografía y las cronologías para reflejar las respuestas europeas a la crisis económica, las explosiones sociales de 2011 cuando el movimiento de los indignados abarrotó la Puerta del Sol de Madrid, y la emergencia de nuevos experimentos democráticos. Escogimos nuestro camino entre la apabullante abundancia de metraje que documenta las nuevas formas de organización social de base y los nuevos experimentos de convivencia en común, y en particular, la proliferación de centros sociales autónomos por toda Europa.

Captura del WebDoc «City Symphony»

Manteniendo el foco en la de creación política, condición que tienen siempre las ciudades, redactamos dos proyectos que juegan con la perspectiva de las políticas urbanas progresivas. El primero fue City Symphony (Sinfonía Urbana), en la que extrajimos sonidos de vídeos del archivo Doc Next, haciendo que la ciudad misma se convirtiera en un instrumento. Imaginando la ciudad como una sinfonía, eliminando las cascadas de luz artificial y natural, permitido por un afecto aural particularmente espectral. El usuario tenía además el poder de quitar el ruido del tráfico que anuncia la ciudad como símbolo de dinamismo y modernidad, para desvelar un paisaje sonoro natural subyacente.

El otro proyecto visualizaba la ciudad como una interfaz activista con vídeos de Doc Next que documentan asuntos urbanos, desde la crisis de la vivienda hasta el sueño con modos de vida diferentes. En este caso se ponía el foco sobre la creación de una llamada a la acción (y no sólo de una narrativa) que sirviera de recurso para un movimiento periodístico de código abierto liderado por los ciudadanos. Los activistas de barrio tienen aquí un espacio para subir su documentación sobre el uso y el abuso del poder en las ciudades, y así reclamar su derecho a la ciudad.

Trabajando juntos, construyendo narrativas y creando arte a partir de un archivo, es una experiencia que al mismo tiempo es progresiva y regresiva. El acto de remezclar causa un profundo desequilibrio en nuestros imaginarios comunes, lo que implica que debemos estar alerta ante las formas reaccionarias en que se pueden combinar las imágenes, así como estar atentos a las historias radicales que se pueden contar. Estableciendo actos de resistencia audiovisual y disidencia contra dichas prácticas, una comprensión del procomún desde la izquierda radical tiene mucho que aportar al modo en que reflexionamos sobre el derecho al espacio público, el derecho a mundos digitales y el futuro de la lucha social en toda Europa. La resistencia ante el cerco del procomún debe implicar siempre empujar los límites de las historias que nos contamos.

At the digital barricades

En Liang Khong — 2015-06-18T20:18:28Z

Report about table 4 of the #ReclaimtheCommons Hackcamp: WebDoc Prototype.

A report from the 17 ZEMOS98 Festival #ReclaimtheCommons Hackcamp, Seville 2015.

Over the summer of 2013, the UK Home Office began the groundwork for an enforcement crusade, Operation Vaken, geared at encouraging illegal immigrants to volunteer for repatriation. As vans toured the streets, with the slogan «In the UK illegally? Go home or face arrest», the Home Office also tweeted photos of migrants being arrested, adorned with the #immigrantoffenders hashtag. The campaign backfired spectacularly, ricocheting across the social network, with the emergence of a #RacistVan hashtag, alongside spliced images of the vans that drew attention to more pressing issues instead, like tax evasion.

Original campaign developed by the UK Office. Original source

Hacked van with messages produced by communities. To see more examples click here (original source)

Operation Vaken may have spawned a popular backlash. But the series of images and tweets that composed its online campaign grew out of a very real confluence of violent, racist signifiers that now fill the British media's imaginary. The constant waterfall of slogans, images and sound bites, weaving a contrapuntal pattern across our media landscape, end up reducing people to a convenient set of stereotypes, removing us from lived experience, and flattening the possibilities of social struggle. The need for a platform from which to launch an independent, dissident audiovisual conversation is all too urgent, one capable of lancing the persistent stream of images that corrupt our networks. One way to go about this is through the deliberate and creative misuse of technology – a spirit which went to the heart of this year's ZEMOS98 #ReclaimtheCommons festival, held in Seville.

Over three days in April, ZEMOS98 set the stage for a Hackcamp, drawing on a kind of hacktivist subculture as a mode for a working group, populated with activists and journalists from across the left. I joined a pan-european network of people working in the field of «the commons», tasked with meeting the challenge of political advocacy through radical art and new media. And in doing so, we hurtled towards a renewed demand for the right to the city – the resistance of what the sociologist Sharon Zukin calls «pacification by cappuccino».

ZEMOS98 is part of the Doc Next network, a collective which uses digital media to straddle free culture and education, deploying a sprawling collection of socially conscious videos that range from documenting attacks on migrant rights through to the housing crises across Europe. Over 500 films of life in Europe at the beginning of this century, from citizen assemblies in Bosnia through to Gezi Park, offer fleeting sketches of memories, thoughts, snatches of voices, and deeply personal and human stories. Many of these films housed under the Doc Next archive recast our encounters with immigration, power, and the city, shifting our view from the borders back to communities. They mark out public spaces as crucial to the seizure of radical alternatives.

I was embedded within a set of deeply talented filmmakers and video editors – Andreu Meixide, Lucia Andujar, Nuria Campabadal, Lucas Tello, and Anna Giralt (fresh from documenting radical political change in Greece) – as well as Spanish journalists Natxo Medina, Belen Picazo and Simon Vialas, and coders Pablo Martin and Berto Yanez – all tasked with using the Doc Next video archive to imagine new narratives for social agents engaged in laying claim to the commons, providing an audiovisual interface for both educators and activists, while at the same time telling all-important stories from below.

We began to think through various ways of mapping the videos through time and space, drawing on the work of similar audiovisual projects – the work of the Crisis-Scape collective in Athens, for instance – to look at how cartography and timelines could be deployed to chart European responses to the economic crisis, the social explosions of 2011 as the indignados swarmed into Madrid's Puerta del Sol, and the emergence of new democratic experiments. We picked our way through an enormous wealth of video footage that documents new forms of grassroots society and novel experiments in learning to live together – particularly the proliferation of autonomous social centres across Europe.

Screenshot of «City Symphony» webdoc

With this focus on how cities are always political creations, we drew up two projects that play with the prospect of a progressive urban politics. The first was a City Symphony in which we extracted sounds from the Doc Next videos, allowing the city to become an instrument itself. Imagining the city as a pure symphony, removing from it the cascades of natural and artificial light, allowed for a particularly spectral, aural affect – the user holding the power to remove the rush of traffic that announces the city as a pure symbol of dynamism and modernity, to reveal a natural soundscape beneath.

The other project visualised the city as an activist interface for Doc Next videos that cover urban issues, from the housing crisis through to dreaming different ways of living. Here the focus was on creating a call to action – not just a narrative – but a resource for a movement of citizen-led, open-source journalism. Here, neighbourhood activists have a space to upload their documentation of the use and abuse of power in their cities, and thereby reclaim their right to the city.

Working together, drawing narratives and creating art out of an archive is an experience both progressive and at times regressive. The act of remixing, causing a profound disequilibrium in our common imaginaries, involves being alert to the reactionary ways in which images can be fused together, as well as alive to the radical stories that can be told. Setting acts of audiovisual resistance and dissidence against this, a radical left understanding of the commons has so much to give in how we reflect on the right to public space, the right to digital worlds, and the future of social struggle across Europe. Resisting the enclosure of the commons must always involve pushing against the boundaries of the stories we tell ourselves.