Filmgaffer

Noch eine Doku über die West Memphis 3, ein Spielfilm ist auch in Arbeit.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Wed, 08 Feb 2012 06:23:00 +0000

Die Paradise Lost-Trilogie ist nicht die einzige Dokumentation zum Thema. Von Peter Jackson und Fran Walsh produziert kommt West Of Memphis. Der Angeklagte, zum Tode Verurteilte und jetzt Freigelassene Damien Echols wird als weiterer Produzent der nächsten Filmdokumention über den berühmten Fall genannt.

Hier der Trailer, der die Geschichte des Falls in etwas über 4 Minuten gut zusammenfasst, wobei interessant sein wird, inwieweit sich West Of Memphis von der Paradise Lost-Trilogie unterscheidet.

In Arbeit ist außerdem ein Spielfilm über die West Memphis 3. Regisseur Atom Egoyan (Chloe)verfilmt die Adaption des Sachbuches Devil´s Knot mit Colin Firth als von der Unschuld der Angeklagten überzeugter Privatermittler und Reese Witherspoon als Mutter eines der ermordeten Jungen.

Die Verfilmungsrechte für die demnächst erscheinenden Memoiren von Damien Echols hat gerade Johnny Depps Produktionsfirma optioniert. Echols und seine Ehefrau sind als executive producer am Projekt beteiligt. Es könnte also noch einen zweiten Spielfilm geben.

Prime Burger Restaurant in Midtown Manhattan.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Sat, 04 Feb 2012 11:14:00 +0000

Bildschöner Kurzfilm über den Burgerimbiss Prime Burger in New York von Ben Wu and David Usui, die ihre Kurzfilme über besondere Orte auf der Seite This must be the place präsentieren.

PRIME from thismustbetheplace on Vimeo.

Moneyball – der Sieg der Vernunft.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Fri, 03 Feb 2012 08:29:00 +0000

Baseball-Filme sind für einen Europäer nicht unbedingt das attraktivste Sujet. Baseball nimmt freilich eine Ausnahmestellung unter den populärsten Sportarten Amerikas ein. Walt Whitman meinte: „I see great things in baseball. It's our game - the American game.“ Das macht Filme über den Sport im Allgemeinen nicht weniger langweilig, aber Moneyball ist alles andere als langweilig. Moneyball ist packend und spannend, weil gerade nicht über Baseball, sondern eine universelle Geschichte über die Lösung eines Problems durch Vernunft gepaart mit großem Mut erzählt wird.

Billy Beane dargestellt von einem groß aufspielendem Brad Pitt sitzt zu Beginn einsam und alleine in einem Baseball-Stadion, während seine Mannschaft auswärts gerade ein entscheidendes Playoff-Spiel bestreitet. Billy Beane ist kein einfacher Fan. Er ist als General Manager der Hauptverantwortliche für den sportlichen Erfolg der Oakland A´s. Oakland ist eine Mannschaft mit bescheidenen finanziellen Mitteln im Vergleich zu den reichen Clubs der urbanen Ballungszentren. Regelmäßig gehen die besten Spieler aus Oakland weg, um woanders sehr viel mehr Geld zu verdienen.

Beane, ehemals ein aufstrebendes Baseballtalent, kann jedoch sehr schlecht verlieren und sich mit der Rolle des Verlierers zufrieden geben. Er hat die Schnauze gestrichen voll. So kann es nicht weitergehen.

Er sucht nach neuen Lösungsansätzen und trifft bei Verhandlungen mit einem anderen Team auf den Baseball-Nerd Peter Brand (Jonah Hill). Brand, der als schüchterner, schlauer Experte dargestellt wird, ist besessen von Baseball. Allerdings mit dem entscheidenden Unterschied, dass er seine Obsession in nüchternen Berechnungen über den tatsächlichen Nutzen von Spielern kanalisiert, während die alten Scouts nach Bauchgefühl die Spieler beurteilen.

Da die Oakland A´s nach dem Weggang der drei besten Spieler erneut vor einem Neuaufbau stehen, verpflichtet Beane den ungewöhnlichen Brand als seine rechte Hand. Brand soll seine Expertise im Bereich Sabermetrics einbringen. Zwar sind Statistiken im Baseball seit langem bekannt, allerdings sammelt Sabermetrics andere Daten und führt zu völlig anderen Schlüssen als die alten Methoden. Beane erkennt darin die mögliche Lösung seiner Probleme. Einmal auf diesen Weg festgelegt, lässt er sich durch nichts und niemanden davon abbringen.

Das virtuose Drehbuch der Oscargewinner Steve Zaillian (Schindlers List) und Aaron Sorkin (The Social Network) stellt den Menschen Beale in den Vordergrund und legt sehr viel Wert auf die Charakterzeichnung zweier ungewöhnlicher Männer, die viel aufs Spiel setzen. Der zupackende Beale und der stille Brand wollen mehr als einen Titel. Sie wollen das Spiel für immer verändern. Die Genugtuung Recht behalten zu haben, der Sieg der Vernunft und einer neuen Vision über die als unumstößlich geltenden, alten Baseball-Gesetze, ist eine größere Belohnung als ein Titel oder ein lukrativer Vertrag bei einem anderen Verein.

Beale und Brand lieben den Sport, aber sie machen sich nichts über die Realitäten vor. Der Verzicht auf eine Verklärung des Mythos Baseball und der Übernahme des nüchtern-aufklärerischen Blicks der Protagonisten macht eine ganz große Stärke des Films aus. Baseball ist ein Business wie jedes andere und Moneyball gewährt einen Blick hinter die Kulissen des Business. Für Sentimentalitäten ist da kein Platz.

Das Timing der Dialoge sitzt. Wo sonst Sorkins megalangen Dialogpassagen üblicherweise keine Verschnaufpause lassen und dadurch gar nicht voll zur Geltung kommen, läuft Moneyball vom ersten Bild in einem wunderbaren Rhythmus unter der Regie von Bennet Miller (Capote) ab, wo beständig zwischen Laut und Leise, zwischen Aktion und Reflexion gewechselt wird.

Das spiegelt sich nicht nur in den Gesprächen zwischen den energischen, direkten Beale und dem leise sprechenden Brand, sondern auch in den gegeneinander geschnittenen Passagen von Spielen und der Einsamkeit Beales, der während der Spiele nie im Stadion ist.

Moneyball beruht auf dem gleichnamigen Sachbuch Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game von Michael Lewis. Peter Brand heißt im richtigen Leben Paul DePodesta und hat wenig mit der Charakterisierung von Peter Brand gemein. DePodesta versteht auch etwas vom Filmgeschäft:

I just could never get comfortable with the idea of somebody else portraying me to the rest of the world. It’s very unnerving, and it was something that wasn’t going to go away. That was always in my mind. … Like any movie, to make it interesting, there has to be some conflict there. In some respects, a lot of the conflict is going to revolve around my character, and that was never really the case in reality.

Diese Bemerkung spricht nicht gegen Moneyball, denn im besten Fall dringt ein Film mit der Stilisierung einer wahren Begebenheit zum dramatischen Grundkonflikt vor und das gelingt Moneyball durch die lakonische wie unterhaltsame Darstellung des Konfliktes von Innovation gegen Tradition aufgehängt an dem Beispiel Baseball in eindrucksvoller Weise.

Breaking Bad als Old School Computerspiel.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Wed, 01 Feb 2012 07:48:00 +0000

See more at CollegeHumor

The Artist - das Idealbild des Kinos.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Wed, 01 Feb 2012 07:10:00 +0000

Jedes Jahr kommen Hunderte von Filmen ins Kino. Die Masse von Filmen schrumpft in einem brancheninternen Ausleseprozess zu einer übersichtlichen Liste von Filmen zusammen, die Anwärter auf die prestigeträchtigsten Preise sind. Im aktuellen Preiszyklus hat es The Artist an die Spitze dieser Liste geschafft.

Die Hommage an die Stummfilme der Vergangenheit ist nach der Verleihung der Golden Globes (Bester Film im Bereich Komödie/Musical, Bester Hauptdarsteller in einer Komödie/Musical), der Directors Guild Awards (Outstanding Achievement in Feature Film), der Screen Actors Guild Awards (Bester Hauptdarsteller) und diverser Filmkritikerpreise (New York, Vancouver, Phoenix, Oklahoma, Boston) Topfavorit für die noch ausstehende Oscarverleihung, während der nächste Preiszyklus mit dem Sundance Festival bereits begonnen hat.

The Artist und Filmpreise sind wie für einander gemacht, wie füreinander bestimmt: Eine Liebeserklärung an eine vergessene Zeit des Kinos, die dafür mit Auszeichnungen bedacht wird, die der Magie des Filmemachens gewidmet sind.

Zum Inhalt: Das einfaches Mädchen Peppy Miller (Bérénice Béjo) ist in den Stummfilmstar George Valentin (Jean Dujardin) verliebt, trifft ihn bei einer Filmpremiere und ab diesem Augenblick sind ihre Schicksale verknüpft. Während George Valentin durch die Innovation des Tonfilms in Vergessenheit gerät, geht Peppy Miller den entgegengesetzten Weg und wird ein Tonfilmstar.

Regisseur Michel Hazanavicius setzt sein Drehbuch mit viel Liebe um und errichtet der Stummfilmära ein glänzendes, makelloses, visuelles Denkmal. Der Inhalt ist perfekt für die Präsentation, die Präsentation ist perfekt für den Inhalt.

Peppy Miller strahlt den Kinobesucher mit einem unwiderstehlichen Charme an. So ist rasch vergessen, dass sie im Gegensatz zu George Valentin nicht unbedingt in das Schönheitsideal jener Zeit passt. Hazanavicius bemerkte zur Zusammenarbeit mit seiner Frau Bérénice Béjo: „Sie ist das Licht dieses Films. Jean Dujardin steht im Film für Dunkelheit. Er ist das Schwarz. Sie ist das Weiß.“

Der gutherzige, aufrichtige, fast durchgängig stumme Liebesfilm verzaubert einen von Anfang an mit einer famosen Szenerie einer Kinopremiere in einem prunkvollen Kinosaal - so schön ist Kino. Mit wunderbaren Bildkompositionen erzählt der Film reduziert auf Bilder, Ausdruck der Schauspieler und Musik seine Geschichte bis zum grandiosen Ende.

The Artist ist die vollkommene Feier und eine sich selbst bestätigende Referenz des Kinomythos. Hazanavicius führt die Illusion einer heilen Kinowelt vor Augen, in der es keinen Platz für hässliche Dinge wie Gier und Skrupellosigkeit gibt.

The Artist reflektiert ein liebenswertes Idealbild und zeigt ein bezauberndes Schönheitsideal – ein Cinema Paradiso weit weg von dem brutalen Realismus des Sunset Boulevards, in dessen Nähe Bernhard Schlink gerade Klage gegen den Verleiher von The Artist wegen entgangener Bezahlung von Millionen aus einer vertraglich zugesicherten Gewinnbeteiligung an The Reader eingereicht hat.

Street Fight – schmutziger Wahlkampf in Newark, New Jersey.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Mon, 30 Jan 2012 06:26:00 +0000

Newark in New Jersey ist der Geburtsort des großen Romanciers Philip Roth, des weltberühmten Architekten Peter Eisenman, des einstigen Skandalrappers Ice-T. Kurt Sutter stammt aus der Nähe Newarks, David Chase verlebte seine Kindheit und Jugend unweit der bevölkerungsreichsten Stadt New Jerseys. Und natürlich waren Newark und seine Nachbarschaft das Zuhause von Chases genialer Fernsehserie The Sopranos. Über den Wahlkampf 2002 um den Posten des Bürgermeisters in Newark gibt es die hochinteressante Dokumentation Street Fight, die 2005 für den Oscar nominiert war.

Es treten an: Sharpe James und sein Herausforderer Cory Booker. Die Machtverhältnisse in Newark sind derart gefestigt, dass beide Kandidaten für die Demokratische Partei antreten. Etwas mehr als die Hälfte der Einwohner Newarks sind Afro-Amerikaner. Beide Kandidaten gehören zu dieser Bevölkerungsgruppe. Aber da hören die Gemeinsamkeiten der beiden Bewerber um das Bürgermeisteramt auch schon auf.

Sharpe James ist Amtsinhaber seit 16 Jahren, viermal wiedergewählt, einmal sogar ohne Gegenkandidaten, ehemaliger Sportlehrer, schmutziger Wahlkämpfer, tanzende Frohnatur auf Wahlkampfveranstaltungen, Mitglied der Demokraten, aber alles andere als ein Musterdemokrat. Corey Booker ist mehr als dreißig Jahre jünger, dynamisch, sympathisch und vorbildlich. Booker, herausragender Football-Spieler während seiner Studentenzeit, hat beeindruckende akademische Titel von den Top-Universitäten Stanford, Oxford und Yale, lebt aber als gewählter Stadtverordneter in einem heruntergekommen Hochhaus seines Wahlkreises mit dem Namen „Brick Towers“. Unbeeindruckt von dem herrschenden Filz und den vielfältigen Seilschaften von Sharpe James nimmt Booker den Wahlkampf auf. Bei der Wahl zum Stadtrat war es ihm bereits gelungen, einen langjährigen Amtsinhaber zu besiegen.

Gleich zu Anfang wird der Filmemacher Marshall Curry auf Anweisung des Bürgermeisters aus einer Veranstaltung hinausgedrängt. Wer mit Booker in Kontakt steht, macht sich extrem unbeliebt. Curry wird mehrmals das Filmen des Bürgermeisters unmöglich gemacht, obwohl er eindeutig das Recht dazu besitzt, Filmaufnahmen zu machen. Aber James glaubt, über dem Gesetz so wie auch über der Wahrheit zu stehen.

Je mehr Bookers Kampagne Erfolge zeigt, desto aggressiver wird James. Sharpe James und seine Erfüllungsgehilfen arbeiten mit übelsten Lügen, um Booker bei den Wählern zu diskreditieren. Das schließt beispielsweise den absurde Vorwurf ein, Booker sei ein weißer, jüdischer Republikaner. Geschäftsleute, die Booker unterstützen, werden drangsaliert. Wahlplakate übermalt. Noch am Wahltag entfernen Polizisten und Feuerwehrleute lässig ein Gerichtsurteil ignorierend selektiv Wahlwerbung des Herausforderers.

Wenngleich das tadellose Auftreten Bookers ihm die Rolle des Helden einbringt, machen in erster Linie die Aktionen und das Auftreten des Bösewichts Sharpe James Street Fight zu einem verblüffenden Seherlebnis und zeichnen ein wenig schmeichelhaftes Bild über das politische System der Vereinigten Staaten. Die Reaktion des mächtigen Lokalfürsten und seines Apparats offenbaren ein erschreckendes Unverständnis für demokratisches Fairplay. Sie drangsalieren und einschüchtern, wo sich auch nur die kleinste Gelegenheit dafür bietet. Manchmal fühlt man sich an die Niederträchtigkeit des sowjetischen Machtapparats gegenüber Rocky Balbao erinnert - oder durch Booker an die Karriere von Tommy Carcetti aus The Wire, der den etablierten Machtapparat von Baltimore herausfordert.

Booker verliert am Ende die Wahl, aber er ist nun seit 2006 Bürgermeister von Newark. Sharpe James dagegen, der einmalig in der Historie Newarks fünfmal in Folge zum Bürgermeister von Newark gewählt wurde, zog plötzlich seine Kandidatur für eine weitere Amtszeit zurück. Nur wenig später wurde Sharpe James zu einer Haftstrafe von 27 Monaten und einer Geldstrafe von 100000 Dollar verurteilt . Er hatte den Verkauf von neun Grundstücken an seine Geliebte eingefädelt, die sie schnell mit großem Gewinn weiter verkaufte und wurde dabei erwischt.

Die Fortsetzung von Bookers politischer Laufbahn und der Entwicklungen in Newark können in Brick City weiterverfolgt werden. Hier der eindrucksvolle Trailer für die zweite Staffel:

J.Edgar.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Mon, 23 Jan 2012 16:54:00 +0000

Wissen ist Macht. Ein glänzendes Beispiel für diese Maxime ist die Biographie des FBI-Gründers J.Edgar Hoover. Leonardi DiCaprio verkörpert in dem Biopic von Clint Eastwood den notorischen Direktor der bundesstaatlichen Ermittlungsbehörde. DiCaprio, Regisseur Eastwood und Drehbuchautor Dustin Lance Black interpretieren Hoover als eine ungewöhnlich zielstrebige, durchsetzungsfähige, skrupellose Gestalt, die gleichzeitig Schwäche durch Eitelkeiten und sexuelle Neigung offenbart.

Der einst von Teenagern angehimmelte DiCaprio untermauert hier ein weiteres Mal, dass er zu längst zu einem ganz starken Charakterdarsteller gewachsen ist. Für die Darstellung von J.Edgar Hoover dürfte er zu dritten Mal für den Oscar nominiert werden.

Hoover war der gefährliche Typ des Bürokraten. Fest davon überzeugt, Gefahren von Amerika um jeden Preis und mit jedem Mittel abwenden zu müssen so wie zu dürfen, gingen seine Aktionen gezielt über das rechtlich Zulässige hinaus. Seinem eigenem messianischen Auftrag folgend, arbeitete er zielstrebig daran, seine Befugnisse auszuweiten. Die hochheilige Gefahrenabwehr im Namen des amerikanischen Patriotismus entpuppte sich so als geheuchelte intellektuelle Rechtfertigung einen Machtapparat mittels Wissen aufzubauen und zu leiten.

Kurz vor Ende des Filmes richtet Hoover einen Appell ans Publikum: Wenn gute Männer nichts täten, blühe das Böse und eine Gesellschaft, die nicht aus der Vergangenheit lerne, sei verdammt. Das ist so etwas wie sein Schlusswort seiner Memoiren, die er im Laufe des Filmes diktiert. Doch von Hoover sind keine Memoiren überliefert.

Das erfundene Diktat seiner Erinnerungen gibt J.Edgar Hoover ein Podium, seine Weltsicht darzulegen. Die Geschichte Hoovers wird aus der geschönten Sicht Hoovers erzählt, der 48 Jahre lang Chef des FBI war. Als zaghafte Gegenstimme fungiert vor allem Hoovers langjähriger Mitarbeiter und Liebe seines Lebens Clyde Tolson, der hier und da Zweifel an Hoovers fragwürdigen Methoden anmeldet. Hoover kümmern diese Bedenken überhaupt nicht.

Auf beruflicher Ebene, wie wir ihn in Film erleben, ist Hoover ein Macher. Seine Arbeit führt zu der Einrichtung einer zentralen Kartei mit Fingerabdrücken und zu wissenschaftlichen Methoden in der Ermittlungsarbeit. Hoover löst den spektakulären Lindbergh-Fall, er erkennt den Nutzen der Heroisierung seiner Arbeit in Hörfunk und Film, er sichert seine Macht mit privaten Akten, die als Druckmittel gegen den jeweiligen Präsidenten dienen.

Auf privater Ebene ist er ein zerrissener Mann aufgrund seiner unterdrückten Homosexualität. Offenbar ist darin ein wesentlicher Aspekt von Hoovers Charakter zu sehen. Nach der Lesart des Films kann Hoover nicht gegen den Willen seiner Mutter, eine homosexuelle Beziehung eingehen, die über eine intime homoerotische Verbindung hinausgeht. In diesem Bereich bewegt sich der Film auf spekulativen Terrain, wobei die psychologische Zeichnung einen zumindest plausiblen Erklärungsansatz liefert. Der verklemmte Bürokrat, der die sexuellen Vergnügungen Martin Luther Kings und der Kennedys überwacht, gestattet sich selber nicht, eine gewisse Grenze zu überschreiten.

In dem Bemühen ein nuanciertes Portrait von Hoover zu entwerfen, kommen jedoch wichtige Stationen seines Lebens eindeutig zu kurz. Die Kommunistenjagd in den 50er Jahren wird mit einer Bemerkung abgetan. Unverhältnismäßig viel Zeit nimmt der Lindbergh-Fall im Vergleich mit Hoovers Reaktionen auf die Bürgerrechtsbewegung sowie Martin Luther King ein.

Dadurch wird den Opfern von Hoovers Machenschaften kein Gesicht gegeben, die Auswirkungen von Hoovers illegalen Methoden werden nicht in ihrer vollen Tragweite erfasst, während der Titelfigur trotz kritischer Beobachtungen sehr viel Empathie und Verständnis entgegengebracht wird.

Die Kulissen, die Schauspieler, die Regie, die Bildkompositionen sowie die Charakterstudie Hoovers sind überzeugend. Die Gewichtung der historischen Ereignisse ist es weit weniger. Darin liegt ein wesentliches Versäumnis dieser aufwändigen Filmbiographie über einen Mann, der bereit war, mit allen Mitteln Informationen zu sammeln, um seine Macht zu sichern und dabei die fundamentalen Prinzipien eines demokratischen Staates verletzte.

Breaking Bad - auch eine Sache der Einstellung(en).

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 19 Jan 2012 06:30:00 +0000

Die fenomenale visuelle Umsetzung ist ebenfalls ein Grund, warum Breaking Bad ganz große Fernsehserienkunst ist. Danke an kogonada für die Kompilation von Bildern aus ungewöhnlichen Blickwinkeln.

Breaking Bad Remix // POV Compilation from kogonada on Vimeo.

Lionel Ritchies "Hello" dargeboten von Filmcharakteren.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Tue, 17 Jan 2012 13:36:00 +0000

Ist schon eine ziemlich beeindruckende und lustige Veranstaltung, wenn Dialogschnipsel zahlreicher Filmcharaktere zu einem Song zusammengefügt werden.

Hello from ant1mat3rie on Vimeo.

Top Trailer.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Fri, 13 Jan 2012 07:32:00 +0000

Bild: ScaryComputer, cc.

Jiro Dreams Of Sushi: Eindrucksvolle Bilder aus Tokio, wo Jiro ein kleines Sushi-Restaurant in einer U-Bahnstation betreibt. Dass es sich bei Jiro um den Meister aller Sushimeister handelt, der mit drei Michelin-Sternen ausgezeichnet wurde, ist dem Laden von außen nun überhaupt nicht anzusehen. Wunderbare Aufnahmen der Kunst der Sushiherstellung zu wunderbaren Weisheiten von Jiro über das Leben und seinen Beruf machen Appetit auf mehr.

"Hey girls, hey boys, superstar djs, here we go" - The Chemical Brothers haben einen Top Trailer für ihren Konzertfilm Don´t Think in Umlauf gebraucht. Der Track Don´t Think war auch in der Clubszene von Black Swan zu hören.

Die Paradise Lost-Trilogie: Die dokumentierte Geschichte der West Memphis 3.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 12 Jan 2012 09:37:00 +0000

Heute Abend strahlt HBO Paradise Lost 3: Purgatory aus. Mit dem dritten Teil schließen die Filmemacher Joe Berlinger und Bruce Sinofsky ihre filmische Dokumentation der Geschichte der West Memphis 3 ab. Als die West Memphis 3 werden Jessie Misskelley, Jason Baldwin und Damien Echols bezeichnet, die als Teenager eines furchtbaren Verbrechens beschuldigt wurden. Auf grausamste Weise wurden 1993 drei achtjährige Jungen umgebracht.

4 Tage nach der Verhaftung der drei Verdächtigen Misskelley, Baldwin und Echols trafen Berlinger und Sinofsky in West Memphis ein, um eine Dokumentation über den Fall zu drehen. Ihre Arbeit nahmen sie im Sommer 1993 auf. 3 Jahre später war der erste Film fertig. Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills ist ein meisterhafter Dokumentarfilm, Justizthriller und eine erschreckende Gesellschaftsstudie. Nicht nur das Verbrechen ruft Entsetzen hervor.

Die Anklage der drei Jungen, gestützt auf das „Geständnis“ des geistig zurückgebliebenen Jessie Misskelley, erscheint von Anfang äußerst merkwürdig, widerspruchsvoll und unschlüssig. Rasch wird deutlich, dass im Süden der USA das Rebellieren eines Teenagers gegen Normen einen berechtigten Verdacht darstellt, einen Mord begangen zu haben.

Weit mehr als konkrete Beweise sind religiöse Überzeugungen ausschlaggebend für die Anschuldigungen, denn die Theorie der Anklage lautet, dass es sich um Ritualmorde unter der Führung von Echols gehandelt habe. Echols ist wie maßgeschneidert für die Rolle des potenzieller Mörders, da er sich anders kleidet, Metallica hört und ein eloquenter Junge ist, der sich auch mit anderen Dingen als der Bibel beschäftigt.

Die Filmemacher haben offenbar Zugang zu allen Beteiligten. Die Angeklagten kommen ebenso wie die engsten Hinterbliebenen der Angeklagten und der ermordeten Kinder zu Wort. Polizisten und Anwälte geben Auskunft. So betroffen das Leid der Verwandten der getöteten Jungen macht, so erschreckend ist ihre blinde Rachsucht, die vor allem auf Echols fixiert ist. Fakten sind gegenüber dem Bedürfnis nach Vergeltung nachrangig.

Der Film endet mit der Verurteilung der drei Angeklagten. Echols wird als einziger zum Tode verurteilt. Der mitangeklagte Baldwin bekommt lebenslänglich. In einem gesonderten Prozess erhält Misskelley, der einen IQ von 72 besitzt, lebenslänglich plus 40 Jahre. Dabei kann von einer zweifelsfreien Überführung der Angeklagten nicht im Entferntesten die Rede sein. Vielmehr drängen sich erhebliche Zweifel an ihrer Schuld auf. Für das furchtbare Verbrechen an drei Kindern wandern drei Jungen ins Gefängnis, ohne dass die Anklage mehr als eine wackelige, löchrige Theorie vorgetragen hätte.

Die Ausstrahlung des Dokumentarfilms auf HBO sorgt für eine Welle der Parteinahme für die Angeklagten. Im Ergebnis werden die Dokumentarfilmer dadurch Bestandteil des dokumentierten Ereignisses. Eine Gruppe von Leuten startet eine Kampagne, um die Urteile anzufechten. Über ihre Bemühungen und die Situation der Inhaftierten erzählt Paradise Lost 2: Revelations, der im Jahre 2000 veröffentlicht wird. Doch trotz aller äußerst fragwürdigen Beweismittel lehnt selbst der Supreme Court ein Gesuchen von Echols auf eine Wiederaufnahme ab. Ungeachtet aller Anstrengungen von neuen Anwälten und Experten laufen alle juristischen Bemühungen ins Leere. Paradise Lost 2 schildert das alles im Detail, bisweilen in überaus harten Szenen, die in den Einzelheiten des Verbrechens begründet sind.

Aus den Jungen sind im Gefängnis inzwischen junge Männer geworden, während Mark Byers, Stiefvater eines der Opfer, eine zwielichtige Figur als möglicher wahrer Mörder abgibt, und in bizarren Handlungen sowie durch bizarres Verhalten seine Überzeugung von der Schuld der West Memphis 3 Ausdruck verleiht. Nach der zweiten Dokumentation scheint er jedenfalls weit eher als Täter in Betracht zu kommen als die Verurteilten.

Die Unterstützer der West Memphis 3, darunter auch prominente Persönlichkeiten, setzen ihre Arbeit zu Gunsten der Verurteilten weiter fort und schließlich gibt es mit dem Auffinden von neuen DNA-Spuren 2007 einen neuen Ansatz, die Urteile anzuzweifeln. Nach mehreren Jahren werden Misskelley, Baldwin und Echols im Sommer 2011 freigelassen. In Verhandlungen einigen sich Verteidigung und Anklage auf einen „Alford Plea“ - einem juristischen Konstrukt, welches wenigstens dem Irrwitz des gesamten Verfahrens gerecht wird.

Mit dem "Alford Plea" erkennen die Angeklagten nicht ihre Schuld an, aber bestätigen der Anklage, genügend Beweise für eine Verurteilung vor Gericht zu besitzen. Man kann es auch Freispruch dritter Klasse nennen. Die Hintergründe dieses Deal werden ganz sicher in Paradise Lost 3 dargestellt werden.

Schon der erste Teil der Paradise Lost-Trilogie darf zweifelsohne als ein Klassiker des Dokumentarfilms angesehen werden. Der Umstand, dass mit dem zweiten und jetzt auch noch einem dritten Teil, eine filmische Chronik eines 18 Jahre lang dauernden Justizirrtums vorliegt, bei dem die Dokumentarfilmer mitten drin, statt nur dabei waren, macht die Trilogie zu einem einmaligen zeitgeschichtlichen Dokument.

Weit wichtiger noch, dürften die Filmdokumentationen wesentlich mit verantwortlich dafür sein, dass Echols nicht hingerichtet wurde. Siehe und höre dazu die Äußerung von Echols im folgenden Clip:

Lawyers

Ides Of March.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Mon, 09 Jan 2012 07:00:00 +0000

Nein, 2012 kommt nicht das Ende der Welt, sondern außer vielen anderen Dingen die Fußball-EM und in den USA die Präsidentschaftswahlen.

Das dortige politische Klima ist seit der Wahl Obamas extrem aufgeheizt. Die amerikanische Politik bietet eine Menge Dramen und Absurditäten. Dennoch zielt The Ides Of March nicht auf eine zeitnahe Aufarbeitung höchst problematischer Entwicklungen, wie beispielsweise die überaus befremdliche Entscheidung des Supreme Courts, Unternehmen Meinungsfreiheit in Form von monetären Zuwendungen an Politikern zu bescheinigen, sondern kommt als zeitlose Parabel über Idealismus und Macht daher. Bereits der Macht- und Politikexperte Machiavelli wusste: „Jemand, der es darauf anlegt, in allen Dingen moralisch gut zu handeln, muss unter einem Haufen, der sich daran nicht kehrt, zu Grunde gehen.“

Der idealistische Wahlkampfmanager Stephen Meyers (Ryan Goslin) gehört genau in diese Kategorie. Er ist überzeugt von seinem Kandidaten und den Idealen, die er vertritt. Meyers Boss Mike Morris(George Clooney), ein demokratischer Governor macht einen offenen und ehrlichen Eindruck. Ein Politiker, der für Dinge einsteht, an die er glaubt und sich nicht beim Publikum anbiedert. Morris kämpft um die demokratische Präsidentschaftskandidatur im Bundesstaat Ohio. Am Ende werden nicht die abgegebenen Stimmen der Wähler über den Präsidentschaftskandidaten entscheiden. Ganz andere Dingen werden den Ausschlag darüber geben. Alles läuft wie geschmiert für Meyers, bis er einer Begegnung mit dem gegnerischen Wahlkampfmanager Tom Duffy (Paul Giamatti) zustimmt und eine Affäre mit der Praktikantin Molly (Evan Rachel Wood) beginnt. Beides führt zu einer Ereigniskette, die Meyers vollkommen verändert.

Mit großer Klasse rahmt der Anfang und das Ende des Filmes diese Veränderung ein. Am Ende steht eine Frage, auf die der Zuschauer die Antwort kennt und die nicht für ihn ausbuchstabiert wird. Nicht nur wegen des schlauen Schlusses ist The Ides Of March ein sehenswerter Film. Der Film ist herausragend gut besetzt. Neben Goosling, Giamatti und Clooney sind auch Phillip Seymor Hoffman als unmittelbarer Vorgesetzter von Meyers und Marisa Tomei als Journalistin zu sehen, die wie gewohnt mit Leichtigkeit in Sekunden eine verblüffende Leinwandpräsenz ausstrahlen. Was in The Ides Of March erzählt wird , ist weniger bemerkenswert, als wie es erzählt wird.

Dazu gehört auch, dass Regisseur Clooney die Integrität besitzt, dem Thema dem Vorrang vor seiner eigenen Person zu geben. Das ist ganz sicher keine Selbstverständlichkeit für einen Hollywoodstar. Die Zustände in der amerikanischen Politik und amerikanischen Gesellschaft lassen freilich auch keinen Raum für Optimismus und heldenhaftes Pathos. Ob Republikaner oder Demokraten: Idealismus zählt weniger als Loyalität, Macht und Erfolg. Die moralische Empörung über die Gegebenheiten wird nicht eigens herausgehoben und dem Publikum vorgeschrieben. Die Abläufe und Ergebnisse sprechen für sich.

The Ides Of March ist ein im angenehmen Sinne altmodisches Lehrstück, kommt dabei dankenswerterweise ohne einen strahlenden Helden aus und übt sich in einem realistischen Blick statt der illusionären Rettung eines Ideals.

The Help.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Tue, 20 Dec 2011 07:40:00 +0000

Die Vereinigung der schwarzen Historikerinnen gab eine Erklärung zu den The Help ab , die mit den vernichtenden Worten schließt: „The Association of Black Women Historians finds it unacceptable for either this book or this film to strip black women’s lives of historical accuracy for the sake of entertainment.“ Rums – The Help müsste demnach ein richtig schlimmer Film sein.

So schlimm ist The Help dann doch nicht. Schon gar nicht kann davon die Rede sein, dass „it reveals a contemporary nostalgia for the days when a black woman could only hope to clean the White House rather than reside in it“, wie es in der gleichen Erklärung heißt.

Der Vorwurf der Simplifizierung historischer Gegebenheiten für Unterhaltungszwecke trifft natürlich zu. The Help ist eine klar strukturierte, gut gemeinte Geschichte, die dem Zuschauer schnell erkennbare Charaktere bietet und voll auf einfache Emotionen setzt. Sofort ist klar, wer hier die Guten, wer die Bösen sind.

Die Protagonistin Skeeter (Emma Watson), eine junge Journalistin, die sich den gesellschaftlichen Konventionen entzieht, setzt sich in den Kopf, ein Buch über schwarzen Haushaltshilfen zu schreiben. Diese Frauen, allesamt schwarz, werden so schlicht wie herablassend "the help" genannt. Sie erfüllen lediglich einen Zweck - sind sind im Grunde genommen nicht mehr als Haussklaven, die gefälligst ihre eigenen Toiletten aufzusuchen haben, auch wenn sie die Kinder ihrer Arbeitgeber aufziehen und die Mutterrolle übernehmen, während die biologische Mutter mit anderen Dingen beschäftigt ist.

Die eigentlichen Heldinnen des Filmes sind die beiden Haushaltshilfen Aibileen (Viola Davis) und Minny (Octavia Spencer), deren alltägliche Arbeit durch Geringschätzung und Herablassung seitens ihrer Arbeitgeber geprägt ist. Als Menschen zweiter Klasse im rassistischen Mississippi der sechziger Jahre durchleben sie, was Rassismus buchstäblich bedeutet. Beide Charaktere hinterlassen einen deutlich stärkeren Eindruck als Skeeter. Alles was Aibileen und Minny sagen und tun, hat Gewicht.

Zwischenmenschliches statt Politik

Der kluge Roger Ebert bemerkte richtig, dass der Film über Schmerz handelt, ohne selbst wirklich schmerzhaft sein zu wollen. Dem bitterbösen Rassismus setzt die Geschichte die Entlarvung der Absurdität des Rassismus im Alltag entgegen. Menschen ungleich zu behandeln, ist eine schreckliche Ungerechtigkeit – und das kann bisweilen schrecklich komisch sein, wenn die Rassisten die Konsequenzen ihres Handelns vorgesetzt bekommen.

Trotz aller Witzigkeit dank überzeichneter weiblicher Charaktere, die in einigen Momenten an die Stutenbissigkeit von Desperate Housewives erinnert, geht The Help nie die Ernsthaftigkeit verloren. Und so sehr die Story launig mit treffsicheren Pointen arbeitet, den Zuschauer auf eine Seite zieht, um ihn dafür mit Schadenfreude zu belohnen, steht am Ende kein Happy End, sondern ein simpler, trauriger Moment in einer zwischenmenschlichen Beziehung. Allen triumphalen Momenten zum Trotz ist der Rassismus nicht beseitigt, denn die Veröffentlichung eines Buches reicht selbstverständlich nicht aus, um eine Gesellschaft grundlegend zu verändern.

Der Autorin der Romanvorlage Kathryn Stockett kann schwerlich dafür kritisiert werden, dass sie aus der Perspektive ihrer eigenen biographischen Erfahrungen erzählt. In ihrer Erzählung schwingt auch Kritik am eigenen Verhalten in der Vergangenheit mit. Die Schriftstellerin beschrieb das in der Erinnerung an die Haushaltshilfe ihrer Familie wie folgt:

„But the tricky part is, like so many families in the South, we also expected her to use a separate bathroom, to use separate utensils. What a dichotomy. What conflicting ideas that we love and embrace these women, and entrust them to raise our children and to feed us and to bathe us, but we keep something as silly as a bathroom separate."

Stocketts Buch fand nicht sofort einen Verlag, sondern wurde erst nach zahlreichen Absagen überraschend ein Bestseller, was der Erfolg des Romans und das Einspielergebnis des Film von 170 Millionen Dollar in den USA schnell vergessen machen lässt. Ungeachtet der teilweise sehr harschen Kritik hat das American Film Institute The Help in seine Top Ten der besten Filme des Jahres 2011 aufgenommen. Bestimmt nicht, um eine apologetischen Sichtweise des Rassismus, sondern einen Film zu belohnen, der viele Menschen ganz einfach berührt hat.

Entscheidend in diesem Zusammenhang ist, dass Aibileen und Minny mit ihrem Handeln die Geschichte vorantreiben. Hätten sie geschwiegen, hätte Skeeter nichts zu schreiben. Die Botschaft des Film ist unmissverständlich: Jeder Mensch verdient Respekt und Gleichbehandlung.

Übrigens, gibt es im deutschen, auch im gebührenfinanzierten, Fernsehen die üble Gewohnheit, Schauspieler mit anderer Hautfarbe zu oft auf die Rolle von Dienern oder Dealer zu reduzieren.

In The Help definiert der Beruf und die Hautfarbe den sozialen Status von Aibileen und Minny wie bei Skeeter auch, aber beides definiert sie eben nicht als Menschen.

Kurt Sutter definiert Sons Of Anarchy.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 15 Dec 2011 17:29:00 +0000

Damit auch der letzte, lamentierende Fernsehkritiker versteht, was Sons Of Anarchy ist, stellt Kurt Sutter klar:

The Wire, we ain't, nor do we aspire to be. For the record, SOA is an adrenalized soap opera, it's bloody pulp fiction with highly complex characters.

Groß, größer, Game Of Thrones.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 15 Dec 2011 07:10:00 +0000

Mit Game Of Thrones legt HBO die Messlatte für Fantasy-Produktionen so hoch, dass nicht nur konkurrierende Fernsehsender vor Neid erblassen dürften. Was hier an Landschaften als auch Kulissen aufgefahren wird, kann locker den Vergleich mit der Herr-der-Ringe-Trilogie aufnehmen. Der mitwirkende Schauspieler Mark Addy meinte: "It's a bit like 'Lord of the Rings' for grown-ups."

Dieser Gedanke kommt beim Betrachten von Game of Thrones sehr schnell auf. Game Of Thrones ist gnadenlos brutal in der Darstellung von Gewalt und zeigt keinerlei Scheu vor Sexszenen. In den ersten viertel Stunde gibt es zwei Enthauptungen, zerstückelte Leichen und wenig später sind die ersten nackten Frauen zu sehen.

Angesichts dessen mutet der ursprüngliche Plan einer kinderfreundlichen Adaption des Romanreihe A Song Of Ice And Fire von George R.R. Martin fürs Kino absurd an. David Benioff und D.B.Weiss, die das Fantasy-Epos adaptier(t)en, sahen darin folgerichtig keinen Sinn. Benioff, Autor von u.a. 25^th hour und Troy, erinnerte sich : „HBO was really the one place where we could have the time to tell the story, and be allowed to have the freedom to tell it the way we wanted to.“

Das komplexe, düstere, spektakuläre Epos ist die perfekte Vorlage für eine HBO-Serie. Der Produktionsaufwand ist beträchtlich und sorgt für großartige Bilder, während die Geschichte aus einem Geflecht von starken Konflikten und schillernden Charakteren besteht. Der häufig genannte Pitch „The Sopranos meet Lord of the Rings“, oder Benioffs Spruch von „The Sopranos in Middle-Earth“ ist dabei so einprägsam wie verkehrt. In Game Of Thrones geht es vor dem Hintergrund der ersten Staffel nicht hauptsächlich um eine Hauptfigur, um nur einen gravierenden Unterschied zu nennen.

Freilich gehören mit Tim Van Patten und Alan Taylor zwei ehemalige Sopranos-Regisseure zu den Machern, die ihr Handwerk meisterlich beherrschen. So wie die anderen Regisseure, die Drehbuchautoren, Schauspieler und alle anderen Beteiligten auch. Bei der Pilotfolge gab es offenbar noch das eine oder andere Problem. Zusatzaufnahmen mussten gedreht werden und Regisseur Tom McCarthy wurde von Tim Van Patten ersetzt. Dem Endergebnis ist das nicht anzumerken. Es verdient größtes Lob und höchste Anerkennung.

Auf den ersten Blick mag es einfach erscheinen, einen Fantasy-Bestseller zu verfilmen. Es ist jedoch alles andere als eine leichte Aufgabe mit Blick auf die Vielzahl von Charakteren, Konflikten und Handlungsorten. Benioff und Weiss gelingt es, bei ihrer Umsetzung den Zuschauer Folge um Folge, tiefer in die Geschehnisse auf dem Kontinent Westeros und der dort beheimateten sieben Königreiche einzuweihen sowie hineinzuziehen. Dafür nimmt sich Game Of Thrones im Piloten die notwendige Zeit, um die Charaktere durchaus langsam zu etablieren, bevor die verschiedenen Handlungslinien Zug um Zug die Dramatik steigern und überraschende Enthüllungen erfolgen.

Die neu hinzukommende Charaktere vertiefen nach und nach das Wissen über das vielschichtige Universum, in dem Game Of Thrones angesiedelt ist, da jeder Charakter eine eigene Geschichte besitzt. Der sorgfältige Umgang auch mit weniger bedeutenden Charakteren macht eine der Stärken der Serie aus.

Im Kern scheint es, um den Kampf um einen Königsthron zu gehen. An höfischen Intrigen und Familienkonflikten herrscht kein Mangel. Aber spätestens mit der unvergesslichen neunten Folge ist klar, dass der Zuschauer mit allem rechnen muss und die Handlung unerwartete Entwicklungen nehmen wird.

Der klassische Konflikt um eine Krone ist nur eine Stütze der Handlung und bildet die dramaturgische Klammer für eine Vielzahl von spannenden Einzelgeschichten, bei denen das Schicksal von Daenerys Targaryen besonders eindrucksvoll in Erinnerung bleibt. Ihr Charakter macht einen krassen und mustergültigen Erzählbogen durch, der begeistert.

Außer den schicksalhaft verbundenen Geschichten der Häuser Baratheon, Lannister, Stark, Targaryen und anderer Familien gibt es eine mysteriöse Gefahr, die sich hinter dem Satz „Winter is coming“ verbirgt. Was es damit genau auf sich hat, wird in der Fortsetzung von Game Of Thrones zu erfahren sein. Die zweite Staffel, sicherlich nicht die letzte, ist in der Mache.

Sowohl bei Publikum als auch Kritik ein Erfolg ist Game Of Thrones mit das Beste, was aktuell an Fernsehserie produziert wird. "The cold winds are rising" und dem geneigten Serienfan wird dabei ganz warm ums Herz:

Raiding the Lost Ark: A Filmumentary - Part 1

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Tue, 22 Nov 2011 07:05:00 +0000

@jamieswb Raiding the Lost Ark: A Filmumentary - Part 1 from jambe davdar on Vimeo.

A Dangerous Method.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Mon, 21 Nov 2011 07:29:00 +0000

„Die Logik des Kinos ist die Logik des Traums“, erklärte Regisseur David Cronenberg zu seiner Arbeit an A Dangerous Method befragt. Genau in diesem Punkt offenbart das historische Drama über die zwei berühmten, berüchtigten und einflussreichen Psychiater Freud (Viggo Mortensen) und Jung (Michael Fassbender) ein Manko. Die Übersetzung von Träumen in cineastische Visionen, wie exemplarisch in Shutter Island oder Inception zu sehen, findet nicht statt. Über Träume wird stattdessen geredet.

Teile des Filmes rollen die Geschichte in abgefilmten Briefwechseln ab. Gleichwohl ist A Dangerous Method alles andere als langweilig, weil das historische Dokudrama mit klasse Schauspielern die Anfänge der Psychologie und Psychoanalyse zu Beginn des 20.Jahrunderts lebendig werden lässt. Der Geschichte haucht vor allem Sabina Spielrein (Keira Knightley) Leben ein, die mit verzerrten Gesicht und als zerrüttete Person zu Beginn des Filmes Hilfe bei Jung sucht. Thematisch gar nicht so verschieden von früheren Filmen begibt sich Cronenberg trotz malerischer Bilder mit viel Liebe zum Ausstattungsdetail auf die Fersen von Menschen, die Grenzen überschreiten.

Die zentrale Figur der ursprünglich auf einem Theaterstück von den Autor Christopher Hampton und einem Buch des Autors John Kerr beruhenden Geschichte nach wahren Begebenheiten ist Jung, der in einem akademischen Vater-Sohn-Konflikt mit Freud gerät, weil er gleichzeitig mit dem Eingehen einer heftigen Liebesbeziehung mit seiner Patientin Sabina einen ehernen Grundsatz seines Vorbildes Freud bricht. Auch Jungs Drängen nach neuen Antworten, die von Freuds Erkenntnissen abweichen, sorgt für Spannungen.

Ohne Freud und Jung wäre das Kino nicht, was es ist. A Dangerous Method bietet die Gelegenheit, einen Einblick in das Denken und das Leben zweier faszinierenden Männer sowie einer faszinierenden Frau zu gewinnen.

(K)ein Witz: Herman Cain nimmt fiktionalen Präsident Schwarzenegger zum Vorbild.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Fri, 18 Nov 2011 06:55:00 +0000

Arnold Schwarzenegger konnte bekanntlich wegen seines Geburtsortes niemals U.S.-Präsident werden. Daher war es natürlich besonders amüsant, von den Simpson-Machern in ihrem Film Schwarzenegger zum Präsidenten zu machen. Große Lacher löste im Kino die Szene aus, als Präsident Schwarzenegger eine folgenschwere Entscheidung über das Schicksal von Springfield mit den Worten trifft: „I was elected to lead, not to read.“

Hermann Cain, überraschend aussichtsreicher Bewerber um den Posten als republikanischer Herausforderer von Barack Obama, erklärte jetzt: „We need a leader, not a reader.“ Öffentlich. Vor Publikum. Im Wahlkampf. Seinen Erfolgsaussichten wird diese Äußerung ebenso wenig schaden wie das Zitieren des Pokemon-Songs während einer Kandidatendebatte im Fernsehen oder sein bahnbrechenden Steuermodell „9-9-9“, welches aus dem Videospiel Sims stammt.

Die Umfragewerte von Herman Cain sanken erst nach dem Bekanntwerden von Anschuldigungen von mehrere Frauen über vergangene sexuelle Belästigungen, wie es offensichtlich zu einem ordentlichen amerikanischen Wahlkampf dazu gehört.

Die Häufung der ironischen Anspielungen Cains, die er ganz ernsthaft und erfolgreich als seine politische Ansichten verkauft, ist sicherlich kein Zufall, auch wenn nicht ganz klar ist, was sich dahinter verbirgt.

Eine schöne Vorstellung ist, dass Cains Kandidatur gleichzeitig die Dreharbeiten zu einer Mockumentary im Stile von Banksys Exit Through The Gift Shop sind.

Melancholia.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Fri, 14 Oct 2011 06:26:00 +0000

Der Titel von Lars von Triers neuestem Film verheißt nichts Gutes, denn was heute als Depression bezeichnet wird, wurde früher als Melancholia bezeichnet. Nach wenigen Minuten unterlegt mit Wagnermusik und von Bildern in Super Slow-Motion nimmt der Prolog das Ende vorweg. Vor dem Planeten Melancholia, der bedrohlich auf die Erde zusteuert, gibt es kein Entkommen.

Die Idee, die schwer greifbare Krankheit Depression zu einem Himmelskörper zu materialisieren, reflektiert die Erzählweise des Filmes bestens. Lars von Trier vereinfacht gnadenlos die Dinge, um unbarmherzig seine deprimierende Botschaft mit opernhafter Grobschlächtigkeit über mehr als zwei Stunden auszuwalzen. Den ersten Teil des Filmes hätte sich der so gefeierte wie umstrittene Regiestar jedoch sparen können.

Darin wird die misslungene Hochzeitsfeier von Justine (Kirsten Dunst) geschildert und hinter der prunkvollen Fassade eines imposanten Anwesens mit angeschlossen Reitstall und Golfplatz verbergen sich die Abgründe der wohlsituierten Gesellschaft, wobei die Szenen von einem entlarvenden Ton geprägt sind, der die auftretenden Personen nichts verbergen und die Dinge überwiegend in teilweise schwer erträglichen Dialogen offen aussprechen lässt. Aufrichtiges Interesse für das Schicksal dieser Leute zu empfinden, fiel daher mehr als schwer.

Noch viel schwerer fehlt es zu verstehen, worin die unersetzliche Bedeutung der Hochzeitsfeier erkennbar sein mag. Die mit vollem Körpereinsatz von Kirsten Dunst verkörperte Justine erfährt eine deutlich eindringlichere und eindrucksvollere Einführung zu Beginn des zweiten Teils mit dem Titel „Claire“, der von der Angst vor Melancholia und der Bedrohung von Melancholia erzählt. In sehenswerten Bildkompositionen wird der weitere Verlauf aufgefächert, wobei mit jeder vergehenden Minute die Hinwendung zu einem eingeengten Kammerspiel zwischen 3 bis 4 Personen die Schwächen des Filmes offenbart. Sie werden schlichtweg vom Rest der Welt isoliert, als ob es die Hochzeit nie gegeben hätte und Menschen außerhalb des Anwesens für Justine und ihre Familie nicht erreichbar seien. Am Schluss deprimiert Melancholia mehr wegen der erzählerischen Versäumnisse denn der Intentionen des Filmes wegen.

Kirsten Dunst darf zu ihrer herausragend schauspielerischen Leistung gratuliert werden, Lars von Triers künstlerischer, wohl auch aus eigener Erfahrung resultierender Umgang mit dem Thema kann wegen der Radikalität und einer starken Bildregie respektiert werden, doch muss man deswegen noch lange nicht in die Jubelarien über diese trostlose, nicht überzeugende Depressionsoper mit einstimmen.

Gut gegen Böse - der Wahlspot für Rick Perry.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 22 Sep 2011 06:44:00 +0000

Weil´s gut zum gestrigen Eintrag über Jesus Camp passt, hier der brandneue Werbespot für Rick Perry. Der Governor von Texas ist aktuellen Umfragen zufolge der führende Bewerber im Feld der Politiker, die auf Seite der Republikaner gegen Obama antreten wollen.

Pflichtgemäß schließt die Wahlwerbung mit dem obligatorischen "God bless". Die Gestaltung des hervorragend editierten Clips gleicht dem schamlosen Feuerwerk aller gängigen, audiovisuellen Manipulationstechniken.

Bildlich, farblich und inhaltlich zerfällt der Spot in zwei Hälften. In der ersten Hälfte wird buchstäblich ein düsteres Bild von Amerika unter dem derzeitigen Präsidenten gezeichnet, dessen O im Nachnamen zu einer null umgedeutet wird. Nach gebührender Panikmache, inklusive Sirenenalarms und subtil mittels Schnitt suggeriertem Angriff auf amerikanische Familienheime, erstrahlen helle Farben und eine triumphierende Musik spielt auf, um Rick Perry als Helden und Retter ins (Unter-)Bewusstsein zu hämmern.

Perfide ist auch der überflüssige, fett eingeblendete Hinweis, dass Perry "An American" ist, um aus dem üblen, rassistischen Märchen von Obamas Geburt außerhalb Amerikas Kapital zu schlagen.

Jesus Camp.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Wed, 21 Sep 2011 05:38:00 +0000

Gestern auf ARTE ausgestrahlt und bis nächste Woche noch in der dortigen Mediathek zum Anschauen verfügbar ist Jesus Camp wahrscheinlich der bemerkenswerteste Dokumentarfilm über die Lebenswelt religiöser Fanatiker in den Vereinigten Staaten zu Beginn des 21.Jahrhunderts. 2007 wurde der Film von Heidi Ewing und Rachel Grady für den Oscar nominiert.

Der Einfluss der Evangelikalen auf die politischen und soziale Entwicklung in den USA kann dabei kaum überschätzt werden. In allen relevanten gesellschaftspolitischen Fragen stellen die Gläubigen einen sehr gut organisierte, zähe Widerstandsgruppe gegen den Fortschritt dar. Ohne die Unterstützung dieser Wählergruppe bräuchte ein republikanischer Präsidentschaftskandidat gar nicht erst anzutreten.

Wenn anfangs der Begriff „Kulturkrieg“ Erwähnung findet, so wird damit ein wesentlicher Konflikt innerhalb der amerikanischen Gesellschaft auf den Punkt gebracht. Tatsächlich umfasst der Konflikt zwischen Evangelikalen und Liberalen, wie vereinfacht die Lager benannt werden können, alle denkbaren Lebensbereiche und äußert sich in den tagespolitischen Auseinandersetzungen der USA. Sogar naturwissenschaftliche Bereiche wie die Klimaforschung oder die Evolution bleiben davon nicht unberührt, denn nach fester Auffassung der Gläubigen sind beides freie Erfindungen. Die Welt ist nach ihrem Verständnis 6000 Jahre alt, die Schöpfungsgeschichte der Bibel wörtlich zu nehmen und jede Klimaveränderung entspricht Gottes Willen.

Jesus Camp geht es weniger darum diese absurden Positionen in der Art von Bill Maher lächerlich zu machen, als die Erziehung des religiösen Nachwuchs zu dokumentieren. Drei Kinder und eine Ausbilderin eines Jesus Camps sind die wichtigsten Personen des Filmes und führen vor, wie die Indoktrination und Manipulation von Kindern funktioniert.

Die Abschottung von der Welt geht soweit, dass die Kinder wenigstens zum Teil keine öffentliche Schule besuchen, sondern stattdessen am Küchentisch die Schöpfungsgeschichte der Bibel lernen. Wäre das nicht erschreckend genug, werden diese Bemühungen noch durch die Manipulation der Kinder in Ausbildungslagern flankiert und intensiviert.

Die extreme (Ver-)Formung der Kinder nach den Glaubensgrundsätzen der Eltern nimmt die erschreckende Dimension einer Gehirnwäsche an, die aus den Kindern glühende Anhänger der Religion herausbildet. Besonders stark kommt das in den Manipulationstechniken zum Ausdruck, die im Film zu sehen sind. Die Botschaften werden beständig wiederholt, die Ausbilder bedienen sich modernster Technik, um die Botschaft zu vermitteln und spielen geschickt mit der gleichzeitigen Vermittlung eines Gefühls der Auserwähltheit bei gleichzeitiger Aufhebung des Individuums im Kollektiv. Die ausgeklügelte Methodik geht soweit, dass christliche Rockkonzerte im Stile von Konzertevents organisiert werden. Eine abgeschlossene Welt, die keine Zweifel und Fragen zulässt, die Kinder und Jugendlichen in einer künstlich geschaffenen Blase gefangen hält, ist das schockierende Ergebnis.

Erschwerend kommt hinzu, dass im Fall der Evangelikalen nicht von einer Parallelgesellschaft abseits des gesellschaftliche Mainstreams gesprochen werden. Vielmehr kämpfen sie um den Erhalt ihrer Stellung als Hauptstrom der amerikanischen Gesellschaft, wozu sie einen beständigen Zufluss von Nachwuchs benötigen. Ihre Militanz geht soweit, dass an ihrer Bereitschaft, die Säkularisierung und damit die Trennung von Staat und Kirche aufzuheben, keine Zweifel bestehen können, wofür die bis zum Mord gehende Widerstand gegen jede Form von Abtreibung nur der auffälligste Beleg ist.

Den Filmemachern ist hoch anzurechnen, dass sie sich mit einem Werturteil und Kommentaren zurück halten. Das Gezeigte und die Fakten sprechen für sich. Zu den Fakten gehört auch, dass der im Film zu sehende mächtige Prediger und Lichtgestalt der Evangelikalen Ted Haggard durch seine Publik gewordenen Vergnügungen mit einem Callboy als ganz gewöhnlicher Mensch entlarvt wurde.

The Sopranos Retrospektive: Nobody Knows Anything (Season 1 Episode 11).

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 08 Sep 2011 06:11:00 +0000

Obwohl die Folge, geschrieben von Frank Renzulli, einige wichtige Wendepunkte für die übergreifende Handlung der ersten Staffel einführt, ist sie im Vergleich zu der nuancierten und komplexen Erzählweise von A Hit is A Hit schlicht schlechter.

Die 11. Episode der ersten Staffel wirkt um einiges besser, wenn man die folgende Entwicklung nicht kennt. Die Spannungsmomente, die hier aufgebaut werden, verlieren ihre Spannung im Nachhinein. Dramaturgisch macht die Episode sehr viel Sinn. Sie leitet über zum letzten Akt des Konfliktes zwischen Jun und Livia auf der einen Seite und Tony auf der anderen Seite.

Wer weiß was?

Der Titel der Folge könnte nicht besser gewählt sein. Nobody knows anything bezieht sich auf alle Personen und auf mehr als eine Handlungslinie. In der Folge spricht Big Pussy Bonpanzero davon, dass niemand einen blassen Schimmer hat, wenn es um Rücken bzw. Rückenschmerzen geht, denn Pussy hat Rücken, während Tony einen dicken Hals bekommt, weil er nicht weiß, wer der Verräter in den eigenen Reihen ist. So wie Nobody knows anything auch für Tonys engsten Vertrauten gilt, die allesamt nicht wissen, ob Pussy mit dem FBI zusammenarbeitet oder nicht. Ebenfalls wissen alle nichts darüber, was die anderen Personen tatsächlich denken, fühlen und machen.

Nobody knows anything ist offensichtlich die Verwendung eines berühmten Zitats des prominenten Drehbuchautors William Goldmann, der in seinem lesenswerten Buch über Hollywood und das Drehbuchschreiben Adventures in the Screen Trade die häufig zitierte Feststellung traf: „Nobody knows anything.“ Damit meinte er, dass vor einer Veröffentlichung eines Filmes, niemand wissen kann, ob ein Film ein Misserfolg oder ein Kassenschlager wird - eine wunderbar elegante Fortführung der Einsichten von Hesh in A Hit is A Hit. Nicht zu übersehen ist die Verbindung zu der philosophischen Grundhaltung von David Chase. Von dem geflügelten Philosphenwort „Ich weiß, dass ich nichts weiß“ ist es inhaltlich ein minimaler Schritt zu „Nobody knows anything.“ Dass niemand etwas weiß, schließt natürlich eine Handlung aus Unwissen über die eigene Unwissenheit nicht aus. Andererseits wird auch Unwissenheit manchmal vorgetäuscht, um die Verantwortung für da eigenen Handel zu leugnen, wie im Falle von Livia.

Dramedy

Der Staffelplot spitzt sich mit dem Ende der Folge erheblich zu. Dennoch wird lässig in dieser Folge das Komische mit dem Dramatischen zu einer Dramedy vermischt, in der Rückenschmerzen im Bordell zu einem Exkurs über die psychosomatische Bedeutung derselben führen, ein Selbstmord zu einem albernen Auftritt gerät und die hochdramatische Szene zwischen Paulie und Pussy im Schwitzbad in einem hochkomischen Rededuell verdampft. Wenngleich in der Retrospektive Nobody knows anything nicht heraussticht, beeindruckt der Humor, mit dem das Drama zum Höhepunkt der ersten Staffel vorangetrieben wird, während ein zentraler dramatischer Konflikt für die zweite Staffel genau hier seine Einführung erfährt.

Lacher der Folge:

Die Szene, in der Paulie Pussy in einem „Schwitz“ zum Schwitzen bringen will.

Debbie : Hey, who wouldn't want to sleep with their shrink?
Tony: ...What does that mean?

Tony: 1954. So now and forever, I don't want to hear any more sex talk, OK?

Chris: Why the fuck would Pussy run? I mean, the guy's outta breath liftin' his dick up to take a leak.

Paulis Autohupe spielt eine Melodie aus The Godfather.

Song der Folge: R.L.Burnside - It's Bad You Know.

Top Trailer.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Sat, 03 Sep 2011 07:45:00 +0000

Bild: ScaryComputer, cc.

Die neuen Staffeln von diversen Fernsehserien starten demnächst in den Staaten. Fangen wir mit der Vorschau für die vierte Season von Sons Of Anarchy an.

Köpfe werden in Boardwalk Empire rollen, verspricht Agent Nelson van Alden.

Macht macht einsam:

Shoot Trailer

Wunderbare Vorschau für Community, wo John Goodman mitspielen wird.

The Simpsons kehren zurück und versprechen viel Spaß, indem sie nach gewohnten Muster ihren eigenen Trailer nicht ganz ernst nehmen können.

Crazy, Stupid, Love.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Thu, 01 Sep 2011 05:58:00 +0000

Wenn man mit seiner Ehefrau gemütlich zu Abend essen möchte, aber diese lieber die Scheidung als ein Essen bestellt, dann zerbricht mit einem Satz die gewohnte Existenz. So passiert es Cal (Steve Carrel), dem Emily (Julianne Moore) im Restaurant den Wunsch nach Scheidung serviert. Zum Nachtisch offeriert sie auf der Nachhausefahrt noch die Information, dass sie mit einem anderen Mann geschlafen hat.

Crazy, Stupid, Love übertragt den oft gesehenen Auftakt einer Romantic Comedy mit Protagonistin auf einen Mann. Parallel dazu wird der unwiderstehliche Frauenheld Jacob (Ryan Gosling) vorgestellt, der abends in einer Bar leichte Beute macht. Als sich die Wege des im Mitleid versinkenden Cal und des unwiderstehlichen Jacob in der Bar kreuzen, ist klar, wer in die Rolle des Lehrers schlüpft und wer in die Rolle des Schülers. Ebenso klar ist, dass die Rollen im weiteren Verlauf der Handlung getauscht werden, aber die Interaktion zwischen den grundsätzlich verschiedenen Männertypen ist durchaus amüsant und bringt eine sehr lustige Marissa Tomei als gestörte Lehrerin ins Spiel. Während dessen plagt sich Cals Sohn mit seiner unglücklichen Liebe zu der älteren Babysitterin herum, die ihrerseits in Cal verliebt ist – verrückte, dumme, Liebe auf allen Ebenen.

Doch ausgewogen wirkt die Gewichtung der Haupthandlung und der verschiedenen Nebenhandlungen nicht. Teilweise verschwinden Handlungsstränge für zu lange Zeit und der durchaus unterhaltsame Plot mit so mancher gelungener Pointe reicht trotz vieler Personen schwerlich an Ensemblefilme über die Liebe wie Love Actually oder Valentine´s Day heran , die bei aller Kitschigkeit allen Personen Raum geben, ihre jeweilige Liebesgeschichte nachvollziehbar zu entfalten.

Natürlich finden in Crazy, Stupid, Love fast alle Beteiligten nach einigen sehr schönen Szenen inklusive gelungen Überraschungen sowie einem turbulenten Abschluss des Zweiten Aktes, am Ende ein harmonisches Verhältnis zur Liebe und ihrem Liebesobjekt, denn Liebe mag einerseits verrückt und dämlich sein, aber andererseits ist Liebe viel mehr als verrückt und dämlich.

Letzte Saison – wenn es Zeit ist zu sterben.

noreply@blogger.com (filmgaffer) — Fri, 22 Jul 2011 06:22:00 +0000

Dank der ARD-Mediathek ist der außergewöhnliche Dokumentarfilm Letzte Saison – wenn es Zeit ist zu sterben online verfügbar – ein schwieriges und herausforderndes Thema.

Sigrid Falin und ihrer gesamten Crew muss ein großes Kompliment gezollt werden, denn der Film könnte besser nicht sein. Viele Augenblicke aus dem Leben der drei Menschen, die der Zuschauer an ihrem jeweiligen Lebensabend kennenlernt, werden einem lange in Erinnerung bleiben. Der Art und Weise sowie der Offenheit der porträtierten Menschen gebührt höchster Respekt. Eine Nacherzählung des Inhalt lasse ich an dieser Stelle weg und empfehle das Anschauen über diesen Link.