In „Allen geht es gut“ (1990) von Giuseppe Tornatore besuchte Marcello Mastroianni als sizilianischer Witwer seine fünf Kinder auf dem Festland. Das Remake von Regisseur Kirk Jones, der sich mit „Eine zauberhafte Nanny“ (2005) und „Lang lebe Ned Devine!“ (1998) nicht gerade als Meister des feinen Humors erwiesen hat, kann trotz guter Darsteller und sorgfältig stilisierter Bilder nicht wirklich überzeugen.

Eine nette Schauspielübung für Robert DeNiro sind die Vorbereitungen auf eine Familienfeier, der dann telefonische Absagen von allen vier Kindern folgen. Nach dem Tod seiner Frau droht die Familie auseinander zu fallen und so bricht Frank Goode (De Niro) entgegen der Warnungen seines Arztes auf, um seine Kinder selbst zu besuchen. Es soll eine Überraschung sein, deshalb strandet er erst einmal in New York vor der verschlossenen Tür seines Sohnes David und sitzt mit deprimierenden alten Männern im Diner. Bei Amy (Kate Beckinsale) sind alle online oder am Telefon, das Abendessen deutet eine äußerst gespannte Familiensituation an und Frank wird im Prinzip wieder vor die Tür gesetzt. Beim Musiker Robert (Sam Rockwell) entladen sich die Spannungen. Zu groß ist die Differenz zwischen den Erwartungen des Vaters und dem Leben, das Robert gefällt. Auch der letzte Besuch bei Rosie (Drew Barrymore) zeigt: Der alte Mann wird nicht wirklich gebraucht und weiß auch nichts von seiner Familie.

Frank hält sich trotz einer nie ausgesprochenen Krankheit gut aufrecht, ist aber schon etwas seltsam: Im Zug philosophiert er über die Telefonkabel, die er in seinem Berufsleben ummantelt hat. Und jedem muss er von seinen Kindern erzählen. Zu nervig melancholischer Begleitmusik (Morricone-Imitiationen von Dario Marianelli) werden immer wieder Fotos der Kinder, aber auch kurze Visionen der Kinder als sie noch klein waren, eingeblendet. Parallel hört man über die Telefonleitungen von den Bemühungen der Geschwister David aus einem mexikanischen Gefängnis zu holen - ohne dass ihr Vater davon erfährt.

Mit „Mensch Kotschie“ startet diese Woche eine sensationell gute Tragikomödie im Kino. Ohne große Rummel angekündigt, schlägt der Film doch all die anderen „Werke“, deren Werbeetat „Kotschies“ Produktionskosten locker übersteigt.

Jürgen Kotschie (Stefan Kurt) steckt in den Vorbereitungen zu seinem 50. Geburtstag und mitten in einer Midlife-Crisis. Er und seine Frau Karin tragen die gleichen Pyjamas, beim planmäßigen Sex liegen die Klamotten für den nächsten Tag schon gefaltet bereit. Für das Wochenende wird der demenz-kranke Vater aus dem Heim geholt, der Sohn Mario wirkt allerdings auch nicht viel heller. Der gestresste Architekt und Baustellenleiter Kotschie verliert sich in Tagträumen seiner einstigen großen Liebe Carmen Schöne und diese Tagträume erweisen sich wesentlich besser als das, was später in der Realität eintritt. Sein Zusammenbruch interessiert seine Frau weniger als die Planung für den 50. Er müht sich wie ein moderner Tati am Alltag ab, reihenweise surreale Szenen stehen ihm im Weg. Dauernd fragen ihn junge Tramper, in welche Richtung es geht. Erst als er sich die Fernbedienung schnappt, an der sich sein Vater immer festhält, und nicht mehr den Anweisungen des Navi folgt, macht er sich auf zu seiner ehemaligen Geliebten. Unterwegs freundet er sich mit einem Hund und seinen eigentlichen Wünschen an. Mit dramatischen Folgen…

Diesen in jeder Hinsicht exzellenten Film kann man getrost mit „American Beauty“ vergleichen. Eine treffende Psychostudie inmitten eines schillernden Films. Regisseur Norbert Baumgarten („Befreite Zone“), der auch das Buch schrieb, bringt wie gute amerikanische Familien-Filme in wenigen Szenen das Gefühl seines melancholischen Helden grandios auf den Punkt. Das ist oft komisch, etwa wenn in einer öffentlichen Toilette immer der falsche Wasserhahn läuft. Und es macht immer Spaß.

Liegt es am Protestantismus, dass sich die Skandinavier immer so großartig und immer wieder packend mit Schuld beladen und auseinandersetzen? In der bitter-komischen Herausforderung Gottes in „Adams Äpfel“ von Anders Thomas Jensen oder im stark stilisierten Lebenswandel „Bedingungslos“ von Ole Bornedal beispielsweise. Und dann „Das Fest“ einer Vergangenheitsbewältigung sowie ganz neu „Submarino“ von Thomas Vinterberg, der „Troubled Water“ nicht nur thematisch (totes Kind, verletzte Hand), sondern auch formal (lineare statt parallele Montage) erstaunlich verwandt ist. Und dann gibt es ja noch den ganzen komplexbeladenen Bergman-Eisberg…

Kann man einen Erwachsenen für das verurteilen, was er als Jugendlicher verbrochen hat? Ist ein vermeintlicher Mörder nach Absitzen seiner Strafe noch schuldig? Diese moralischen Untiefen lotet „Troubled Water“ mit dem Organisten Jan Thomas (Pål Sverre Valheim Hagen) feinfühlig aus: Als Teenager klaute er in einem dummen Streich mit seinem Freund einen Kinderwagen samt Kind. Der panische Junge verunglückte und starb dabei. Die Täter wurden verurteilt. Nun kommt Jan Thomas aus dem Gefängnis und bekommt eine Stelle bei einer Kirche. Das Orgelspiel ist seine große Leidenschaft, selbst ein gebrochener Finger - ein Abschiedsgeschenk seiner Mithäftlinge - kann nicht verhindern, dass er mit seinen eindrucksvollen Variationen kirchlicher und weltlicher Stücke die Menschen bewegt. Auch die sehr naive Pfarrerin Anna (Ellen Dorrit Petersen) wird von Thomas, wie er sich jetzt nur noch nennt, berührt. Anna hat einen kleinen Sohn, Jens, vor dem Thomas zuerst regelrecht Angst hat. Später bangen andere um Jens…

Gerade als man anfängt, Thomas ein gutes Leben frei von der tragischen Vergangenheit zu wünschen und die drohenden Erinnerung nicht mehr sehen will, taucht Agnes (Trine Dyrholm), die Mutter des verstorbenen Kindes auf.. Während sich nun die Handlung aus ihrer Perspektive wiederholt, bekommt man mehr und mehr Verständnis für ihr immer währendes Leiden. Dies wird nicht das letzte Kippen in der mitreißenden Gefühlsdramaturgie dieses bewegenden Films sein. Agnes will keine Rache, sie will nur endlich wissen, was damals tatsächlich geschah. War es ein Unfall oder tatsächlich ein Mord? Und wer der beiden Jungen, die sich gegenseitig beschuldigten, hatte letztendlich Schuld?

Schuld und Vergebung werden diskutiert. Berufsmäßig beherrscht Pfarrerin Anna diese Kategorien, aber als Mensch fällt es ihr schwerer, an Thomas zu glauben. Glauben und Zweifel, für die wieder ein ungläubiger Thomas steht, bestimmen ebenfalls diesen menschlich extrem spannenden Film.

Sensationelle Neuigkeit: Es gab gar keine Massenvernichtungswaffen im Irak! Da diese „Weapons of Mass Destruction“, die Bush und Blair erfunden haben, um Ölquellen im Irak einzukassieren, mittlerweile in den Top 3 der zynischen Kriegsvorwände stehen - mit Hitlers „Seit 5:45 Uhr wird jetzt zurückgeschossen!“ und Merkels „asymmetrischer Bedrohung“ durch Afghanistan - erweist sich die politische Agenda von Regisseur Paul Greengrass als Feigenblättchen.

„Green Zone“, benannt nach der angeblich befriedeten Zone in Bagdad, heizt zuerst mit Action ein. Später gibt es etwas zum Nachdenken. Denn Offizier Roy Miller (Matt Damon) sucht mit seinen Soldaten ebenso ernsthaft wie erfolglos nach den berühmten Massenvernichtungswaffen Saddams.. Eher zufällig geraten die braven Uniformierten an eine Versammlung ehemaliger Größen der Baath-Partei, unter ihnen der iranische General Al Rawi. Ein wichtiger Zeuge wird den US-Soldaten sofort von einer sehr schnellen Eingreiftruppe weggeschnappt und mit Sack über dem Kopf zur Folter entführt. Doch mithilfe des guten Iraki „Freddy“ (Khalid Abdalla) und des CIA-Agenten Brown (Brendan Gleeson) verfolgt Miller die Spur und entdeckt, dass die Massenvernichtungswaffen eine Erfindung der US-Administration sind. Selbst die Saddam-kritische irakische Armee hatte die USA informiert, dass es diese Waffen nicht gibt.

Während die Videobotschaft Bushs gerade das Ende des Krieges behauptet, geht das Morden in Bagdad weiter. Weiterhin wird in „Green Zone“ entarnt, wie sich die westliche Presse zur Propagandamaschine für Machthaber und Krieg missbrauchen lässt. Ansonsten stellt man wieder fest, dass Paul Greengrass trotz Filmen wie „Bloody Sunday“ zum britischen Massaker an irischen Demonstranten oder „Flug 93“ zu den Attentaten von 9/11 kein politischer Regisseur ist. Bei genauer Betrachtung sind selbst seine zwei „Bourne“-Filme subversiver. Stilistisch setzt er deren Hektik fort - erneut mit Matt Damon in der Hauptrolle: Unter martialischer Musik wird viel mit Kriegsjeeps durch eine orientalische Stadt gedüst (gedreht wurde selbstverständlich nicht in Bagdad). Viel Gerenne bis der gute dann den bösen Militär erschießen kann. Doch die wertvolle Hilfe des auch guten irakischen Militärs kann man sich doch nicht versichern, weil das irakische Volk seine Stimme, nein: seine Waffe ergreift und für tödliche Fakten sorgt. Ein düsteres, aber auch ziemlich undifferenziertes Schlussbild und eine Ehrenrettung des Militärs. Aber am Ende geht es nur noch darum, Matt Damon zu retten, damit er auch den nächsten Action-Schrott wieder dem Publikum verkaufen kann.. Sehr viel Lärm um nichts Neues.

Diesmal hilft auch kein Stoßgebet mehr: Gott hat die Menschheit aufgegeben - wahrscheinlich hat er eine Preview dieses Films gesehen. Nur Michael (Paul Bettany), ein gefallener Erzengel, verteidigt die letzte Hoffnung unserer Spezies: Ein ungeborenes Kind. Was ansonsten um diese simple Konstruktion gestrickt wurde, ist sowohl von allen guten Geistesblitzen als auch von jedem Action-Verstand verlassen. Ein religiös durchsetzter Möchtegern-Horror, der einen sofort aus der Kirche der Action-Anhänger austreten lässt.

Ist Ihnen der ganze Nahe Osten mit den Palästinensern, den Israelis, aber auch den christlichen Palästinensern zu kompliziert? Das Puzzle von Interessen, Religionen und Nationen auf kleinster Fläche zu verwirrend? Dann sorgt „Ajami“ auch nicht für Durchblick. Aber das Gemeinschaftsprodukt des arabischen Christen Scandar Copti und des israelischen Juden Yaron Shani ermöglicht einen packenden emotionalen Zugang zu ganz verschiedenen Menschen in der Region.

In der arabischen Stadt Jaffa, die unter israelischer Kontrolle 1950 Teil von Tel Aviv wurde, führen zu viele Waffen und noch mehr Dummheit zu einer Blutrachen-Fehde. Ohne Schuld hängt Omar mittendrin, erlebt das Schachern um teure Entschädigungen. Um das Geld aufzutreiben, bricht Autos er auf und klaut, dann arbeitet er für Anan, den reichen Restaurantchef und einflussreichen Vermittler. In der Küche schuftet auch der junge Marek - illegal. Er braucht Geld für seine schwer kranke Mutter. Ein Drogendeal, in den Omar und Marek stolpern, hat tragische Folgen. Auch für die schwierige Liebesgeschichte zwischen Omar und Hadir, der Tochter von Anan. Nur der fröhliche Binj scheint mit den Grenzen zwischen Religionen, Staaten und Einkommen zurecht zu kommen, feiert, kokst und lebt. Doch er wird von seinen Freunden verlassen. Die Stimmung im Viertel Ajami ist durch den Tod eines israelischen Soldaten angeheizt. Die alltägliche Diskriminierung kulminiert, auch weil die Polizei in die Drogengeschäfte verwickelt ist.

Ein Gangsterfilm, der das Festival von Cannes gewinnt, muss etwas besonderes sein. „Ein Prophet“ erfüllt selbst hohe Erwartungen, begeistert mit einer faszinierenden Hauptfigur sowie einer Geschichte zwischen Scorseses Mafia und einer ganz eigenen Sprache des Regisseurs Jacques Audiard („Der wilde Schlag meines Herzens“).

Als Malik (Tahar Rahim) nach Jahren der Jugendhaft in ein richtiges Gefängnis verlegt wird, beginnt für ihn eine erstaunliche Entwicklungszeit. Trotz seiner arabischen Herkunft landet er bei der gefängnis-internen korsischen Mafia, die vom mächtigen Paten Cesar Luciani (großartig: Niels Arestrup) geführt wird. Den Korsen gehorcht selbst der Gefängnisdirektor, sie kontrollieren den Handel, die Jobs, entscheiden über Leben und Tod. Für einen sehr blutigen Mord an einem arabisch-stämmigen Zeugen erhält Malik einige Stangen Zigaretten, aber vor allem den Zugang zu Luciani. Der Jungen wird als Araber verachtet, verrichtet niedere Dienste, erweist sich aber immer als cleverer, als man es von ihm erwartet. Bald versteht er nicht nur französisch und arabisch sondern auch korsisch. Ein seltsamer Berater ist ihm der Ermordete, der immer wieder in makabren Visionen erscheint. Als die meisten Korsen aufgrund einer Amnestie in andere Gefängnisse wechseln, wird Malik zur rechten Hand von Luciani, kontrolliert dessen Handy, ist ihm Augen und Ohren.

Wie bei Scorsese oder anderen Filmen dieses Genres schildert der französische Regisseur Jacques Audiard den Aufstieg eines Gangsters dicht und packend. Malik beginnt als verschlossener Einzelgänger, wird zum coolen Typen mit starker Präsenz. Neben der schmutzigen Arbeit im Knast bildet er sich auch weiter, lernt lesen und schreiben. Doch der Aufsteiger zeigt sich auch ziemlich naiv, mit zig Kilo Hasch geht er staunend in den Supermarkt. Das macht das schillernde dieser Figur aus, die raffinierte Bauernschläue und die unübersehbare Unsicherheit. Doch wenn es drauf ankommt, überlebt er sogar in unmöglichen Situationen.

Mit überhöhten und durch ungewöhnliche Mittel wie Lochblenden entfremdeten Momenten gibt Audiard den raffinierten Machtspielen seinen eigenen Touch. Bis zur mysteriösen, titelgebenden Prophezeiung im Moment höchster Gefahr. Montagesequenzen der großen Machtverschiebungen vergehen hier unaufgeregt, selbstverständlich, fast natürlich. „Ein Prophet“ ist ein erstaunlicher Film, man staunt über einen Verbrecher, einen Mörder, dem man Sympathien schenkt.

In dem eindrucksvoll inszenierten Historiendrama „Agora“ um die historisch verbürgte, frühe ägyptische Wissenschaftlerin Hypatia stellt der Spanier Alejandro Amenábar Aufklärung, freien Willen und gesunden Menschenverstand dem religiösen Wahn entgegen. Im Alexandria des 4. Jahrhunderts lehrt die Wissenschaftlerin Hypatia (Rachel Weisz) Astronomie und Toleranz. Doch Unruhen um eine aufkommende radikale Religionsgruppe namens Christen reichen bis in den Hort der Vernunft. Ein paar Pogrome, Gemetzel und Barbareien später haben die bärtigen Christen in ihren dunklen Gewändern die Macht übernommen, ihre ungebildeten Sittenwächter terrorisieren die Straßen, sogar der Rest der zerfallenden römischen Staatsmacht ergibt sich ihnen.

Die Schüler der alten Klasse Hypathias finden sich auf neuen Positionen einer religiös verseuchten Gesellschaft: Der konvertierte Oreste (Oscar Isaac) ist römischer Statthalter und kann doch nicht die geliebte Hypatia schützen. Der ehemalige Sklave Davus (Max Minghella), der Jahre beim christlichen Stoßtrupp für Rechtlosigkeit sorgte, bleibt seiner einstigen Herrin bis zuletzt treu. Denn nachdem die Christen die alte Religion und die Juden ausgemerzt haben, müssen sie jetzt die Vernunft der genialen Astronomin auslöschen und brandmarken sie als Hexe…