Fin de Seance - Analyse et critique cin�ma

Badinages hallucin�s

Flavien Poncet — 2009-11-14T10:58:13Z

Zoom avant vers l'ouverture b�ante d'une tour de pierre circulaire situ�e en plein dans un champ de fourr�e. La musique jazz et intrigante de Mark Snow accompagne le mouvement. D'embl�e, l'exploration du film si�ge sous la tutelle de l'�trange. A la brass�e, comme souvent lorsqu'on est projet� si fort dans un film, se bouscule une pl�thore de r�f�rences. Resnais, bien qu'il ne ressemble � nul mieux qu'� lui-m�me, invoque Bu�uel, Lynch, Kitano, Carpenter et tout un cin�ma de l'�tranget�. Pourtant, c'est un fait, Les Herbes folles est le film que son cin�aste parach�ve en œuvre totale. S'y discerne avec aisance de multiples r�f�rences aux films pr�c�dents de Resnais. L'herbe folle qui perse le bitume et qui sert de fond au g�n�rique rejoue le motif �toil� de la fissure cristalline qui faisant fond au g�n�rique d'Hiroshima mon amour. Sur le m�me principe d'actualisation, presque l'ensemble de la filmographie de Resnais est rejou�, de Van Gogh a Cœurs en passant par Providence ou M�lo. D'aucuns auront t�t fait de parler de film testamentaire. En vue de l'hypocrisie d'une telle expression, je me garderai bien de l'employer. Et si Les Herbes folles ne se distingue pas comme pseudo film testamentaire, c'est parce qu'il regorge d'une vigueur g�n�reuse.

Marguerite Muir (Sabine Az�ma), introduite par sa marche puis par sa chevelure d'un rouge presque cramoisie, a des pieds particuliers. Pour se chausser, elle doit se rendre dans un magasin sp�cialis�. D�ambulant entre les autres gens, elle parcourt l'espace. Les pieds sur terre, elle s'enverra en l'air par la suite, � bord d'un avion. La voix off (Edouard Baer), dont les h�sitations et les �lucubrations ne laissent pas supposer qu'elle respecte avec rigueur l'�criture de Gailly, commente les gestes et l'attitude de la femme. A l'introduction empress�e qui p�n�tre dans la tour, se succ�de cette s�quence plus chaleureuse et davantage emprunt de pr�ciosit�. L'acuit� de la voix vient comme caresser le creux de l'oreille. Sur le mode de la confidence, Resnais se promet de nous livrer les secrets intimes de ses personnages. Sa paire de chaussures acquises, Marguerite sort du magasin et se fait d�rober son sac par un voleur en roller. Plus tard, Georges Palet (Andr� Dussollier), introduit par sa silhouette bonhomme et par sa montre-bracelet, se dirige vers sa voiture o� il trouve par hasard sous le pneu de sa voiture un portefeuille estampill� MM. En ouvrant l'objet, Georges apprend qu'il appartient � Marguerite Muir. �tonn� devant les papiers de cette inconnue, Georges d�livre sur elle des fantasmes perclus. Tr�s vite il esquisse le portrait psychologique de Marguerite et se projette en train de l'appeler. Les r�gles du jeu sont pr�sent�es, la trame est instruite, le jeu du r�cit peut commencer.

Ayant introduit son intrigue, Les Herbes folles peut enfin d�ployer le champ de sa force construit sur un jeu d'alternance ou de cohabitation entre l'inconscience des pens�es et la domination du Surmoi. A l'instar de ces herbes r�calcitrantes qui, par une d�termination forcen�e, traversent le bitume, le Moi des personnages se fissure pour laisser saillir leur �a. L'�ruption des pulsions � travers les pens�es (que ce soit pour imaginer le meurtre de deux jeunes femmes ou pour paniquer � l'absence d'un �tre aim�) ou dans les actes (comme lorsque Georges attable sans pr�venir son gros orteil dolent devant un couple de policiers) amorce toujours soudain un basculement dans le comique ou dans l'angoisse. Multipliant les registres, Resnais rejoint ce mouvement postmoderne qui habilite dans le m�me temps les tons l�gers et la gravit�. Comme l'entend un adage c�l�bre : le drame n'est jamais que le revers de la com�die. Lorsque Marguerite Muir, port�e par un �lan libertaire, conduit jusqu'� un a�rodrome, sur fond d'une image gris�tre et d'une musique inqui�tante, la s�quence est suffisamment ouverte aux interpr�tations pour se laisser appr�cier comme un instant comique ou dramatique. Le spectateur de Resnais se d�finit comme Georges Palet qui, sortant de la projection d'un film de guerre m�lodramatique, avoue s'�tre ennuy�. Ma�tre de ses �motions, il ne se soumet jamais au diktat affectif des s�quences.

La jeunesse qu'un grand nombre de critiques officiels pr�te au cin�aste r�side dans ce raccrochage du cin�ma resnaisien � une mouvance contemporaine. Pourtant Les herbes folles ne ressemble pas aux jeunes œuvres des auteurs postmodernes. L'auteur du film, ce n'est pas la tutelle postmoderne, mais pleinement Alain Resnais. La r�currence des plans sur des � mauvaises herbes � ou sur ce sac proph�tique intervient au cœur de la bande image comme interviennent les plans de neige dans L'amour � mort ou les m�duses dans On conna�t la chanson. La contribution de la musique de Mark Snow appose aux instants des troubles jazz. La premi�re herbe folle du film, ce n'est pas cet enfant alit� qui formule in fine une r�plique d'une joyeuse absurdit�, ni la braguette ouverte de Dussollier dans une s�quence finale, ni la diction nonchalante de Devos, ni m�me la chevelure imp�tueuse d'Az�ma. L'herbe folle inaugurale, c'est le geste cr�atif de Resnais. Un tel soin apport� conjointement � la photographie d'Eric Gautier, au d�cor de Jacques Saulnier, � la musique de Mike Snow, au montage d'Herv� De Luze d�ploie une abondance de pistes cr�atives. La force premi�re de Resnais est de ne pas r�unifier les travaux de chacun pour constituer une mati�re homog�ne. Son œuvre est impure, et l'image des herbes folles en porte l'hybridisme. De cette impuret� ressort un d�sengagement vis-�-vis d'une trame narrative classique. Resnais ne s'est jamais soucier de construire un r�cit lin�aire. D�s lors, ressortir d��u du film pour le seul motif de ce qui advient de Marguerite et de Georges, c'est avoir rat� la carton noir qui intervient en d�but de derni�re bobine o� y est inscrit une citation de Flaubert : � N'importe, nous nous serons bien aim�. �. Peu importe la r�ussite ou l'�chec de l'entreprise amoureuse, tout repose sur la jouissance des jeux de l'amour et du hasard. Et puis apr�s tout, Les herbes folles, et c'est l� qu'on peut lui pr�ter une jeunesse vigoureuse, repose sur l'aventure d'une femme qui prend son pied, dans un magasin de chaussures, avant de s'envoyer en l'air, dans un avion. A moins que ce ne soit l'histoire d'une femme qui perd ses papiers et qui, de ce fait, finit par �tre renvoyer au-del� de l'horizon.

L'enfer c'est les autres

Chlo� Pangrazzi — 2009-11-12T19:29:02Z

Nous sommes donc en 1913 dans une soci�t� villageoise, mais Haneke nous signifie d�s le d�but que cet �l�ment n'est pas un gage historique mais bien la base de son �tude. Toute l'œuvre d'Haneke est tourn�e vers la violence, il essaye d'en t�moigner, de la d�montrer… Cette fois ci il tente d'en expliquer la cause, le fondement � travers l'�poque qui semble lointaine pour des spectateurs contemporains, la forme que prend son film avec des personnages fonctions qui rappellent les contes qui sont les fondements m�me de la litt�rature et enfin et surtout au travers des enfants, qu'il filme en ne leur laissant plus le choix. Plus tard ce seront des bourreaux.

Dans ce film, tout est soumis � la violence, chacun s'y entra�ne de mani�re plus ou moins consciente. La violence est partout et surtout elle �loigne autant qu'elle rapproche. Les parents sont des tortionnaires qui pensent agir pour le bien de leurs enfants qui eux m�me agissent contre leurs parents et finissent par devenir des bourreaux. C'est cet engrenage qu'�tudie Haneke d'une mani�re extr�mement subtile. Les r�les s'inversent au milieu du film sans qu'� premi�re vue le spectateur ne s'en aper�oive. Tout est illustr� par ce ruban blanc duquel sont coiff�s les deux enfants du pasteur, qui est cens� symboliser la sagesse, la candeur et leur faire recouvrer leur puret�. Pourtant ce geste est initi� par des parents qui violent et humilient ces m�mes enfants et c'est aur�ol� de ce ruban de satin que les enfants commettent les pires p�ch�s. C'est dans un enfer pervers qu'�voluent ces personnages, ou chacun semble ne rien avoir d'humain. En effet les enfants molest�s par les autres enfants sont ceux qui connaissent l'amour de leurs parents et cet amour l� n'est pas accept� dans ce monde de sadisme. � Tu dois atrocement souffrir pour �tre si odieux �, cette phrase qui r�sume � elle seule tout le film est cruelle de v�rit�.

L'instituteur, lui, semble ext�rieur � toute cette violence et est simplement guid� par son histoire d'amour. Mais lui non plus n'acc�dera pas au droit d'�tre heureux, il endosse le r�le de t�moin, sans qui, si l'on suit le processus, le film n'aurait pu �tre r�alis�. C'est ici que se pose un premier probl�me, en effet nous sommes � l'aube de la premi�re guerre mondiale et le film se termine sur ce plan magnifique des enfants surplombant la sc�ne, chantant fiers au dessus des adultes. Les adultes en devenir ceux sont eux. Ils vont devenir, si l'on suit le cheminement chronologique, les nazis de demain. Haneke tente d'expliquer les fondements de la violence et leurs cons�quences, et c'est justement ici que cela pose un probl�me, c'est une sorte d'explication quelque peu simpliste et manich�enne des crimes nazis. Cette chute discr�dite les propos du film et l'annonce de certains �v�nements historiques mettent � mal la d�monstration de cette violence si universelle qui aurait pu �tre trait�e de mani�re intemporelle. Le noir et blanc si magistralement utilis�, nous offrant des plans magnifiques sur une campagne vide de perspective, corroborait pourtant cette intemporalit� qui aurait m�rit� d'�tre accentu�e.

Malgr� la pr�sence parfois tr�s lourde d'Haneke (le film tend parfois plus vers une d�monstration), Le Ruban blanc est un film surprenant, magistralement r�alis� avec une technique subtile et un art ma�tris� de la construction de plans qui t�moigne d�s le d�but de la rigidit� et de la froideur du contexte. Haneke tire un constat angoiss� de ce qu'il appelle les vices humains, qui croupissent ind�niablement au fond de nous. Ces enfants, comme tous les enfants, sont porteurs d'espoir et d'avenir et sont pourtant rong�s par la violence et le sadisme des g�n�rations ant�rieures. Il d�montre au travers de son film que la violence est partout et en chacun de nous, il aime � nous manipuler, � nous confronter � nos propres vices en nous donnant d'embl�e un r�le de voyeurs. Il a atteint son but, ce film conduit obligatoirement � une r�flexion sur la violence loin de ce qu'il dit d�tester le plus : le spectateur qui � en consommant � outrance des films qu'il croit sans danger, arrive � lui faire oublier ce qu'est la violence, la vraie �.

Papa est en voyage d'affaires

Jean-Eudes Durand — 2009-11-10T16:43:37Z

Le canevas du film repose sur le couple Vladimir Vetrov / Xavier Ameil. Ce dernier est ing�nieur fran�ais de Thomson-CSF, bas� en Russie. Guillaume Canet (ayant d�j� travaill� avec Christian Carion dans Joyeux No�l) incarne cet homme, rebaptis� pour le film Pierre Froment. Quant � Vladimir Vetrov, c'est Emir Kusturica qui l'interpr�te sous le nom fictif de Gregoriev. Gregoriev utilise Froment pour faire passer les documents qu'il photographie � l'insu des Russes � l'Ouest. Froment est l'interm�diaire id�al puisqu'il effectue des allers-retours entre sa terre natale et son lieu de travail fr�quemment, il n'a rien � voir avec les agents secrets et ainsi il n'est pas fich� par les autorit�s sovi�tiques. Leur prise de contact effectu�e (dans un tr�s beau plan o� les phares d'une voiture �clairent les yeux de Gregoriev, cach� � l'arri�re du v�hicule de Froment), l'ing�nieur fran�ais se sent attir� par cette opportunit� de rendre service � l'Ouest � la vue des premiers documents qui lui sont confi�s (plans d�taill�s de Air Force One, de la Maison Blanche... que les Russes d�tiennent). L'intimit� entre les deux hommes va constamment s'accro�tre au gr� de leurs rendez-vous clandestins. Ils s'isolent tous deux et n'ont plus que l'autre avec qui parler franchement. Gregoriev trahit les Sovi�tiques mais n'est pas fran�ais ou am�ricain pour autant (le d�nouement montre le peu de reconnaissance que lui portent les Am�ricains). Froment ment � sa femme pour ne pas l'inqui�ter jusqu'� comprendre son erreur. Ainsi, ils se retrouvent � parler de leurs convictions politiques, de leurs familles respectives, de leurs go�ts artistiques… Ils s'entraident tout en se sentant d�laiss�s, prenant d'�normes risques seuls. Cet isolement est int�ressant de par le rapport intime qui cro�t entre les deux individus, pourtant relativement distincts. Un autre point fort du film (qui a particuli�rement motiv� Emir Kusturica � accepter le r�le) est que le cin�aste d�voile les deux protagonistes dans leur intimit�, au sein de leur famille. On voit les difficult�s que Froment �prouve � mentir � sa femme et � ses enfants. Tous ces �l�ments permettent de faire de ces personnages des humains � part enti�re, des anti-James Bond auxquels on peut ais�ment s'identifier.

Christian Carion �largit son propos restreint aux deux hommes susmentionn�s pour poser un regard plus g�n�ral sur l'URSS au cœur la Guerre Froide. Les �v�nements narr�s naissent de la d�ception de Gregoriev vis-�-vis du r�gime sovi�tique. La s�quence dans le parc explicite bien ses pens�es dans un dialogue avec Froment. Il voit le communisme comme une utopie avec du recul mais il y croyait profond�ment. Il tient les autorit�s de son pays comme responsables de l'�chec de la mise en place d'un communisme porteur de valeurs et de s�r�nit�. C'est pourquoi il d�sire � faire sauter le syst�me � et contribue pour cela � la fin de la bipolarisation mondiale. Il semblerait que Gregoriev ne soit pas un cas isol�, mais la peur r�git l'URSS et emp�che le peuple russe de se r�volter ouvertement. A l'aide de trois s�quences musicales quasi-muettes (le compositeur Clint Mansell conserve un talent et un potentiel immenses) Carion d�voile de sombres �v�nements qui se produisent r�guli�rement en URSS, notamment de nombreuses arrestations. Cette ins�curit� ambiante se voit d'autant plus dans la s�quence angoissante o� Froment pense �tre arr�t� mais c'est finalement la dame � c�t� de laquelle il se cache qui est emmen�e par les autorit�s (arbitrairement ?). Nous avons ainsi affaire � une vision sombre de l'URSS dans laquelle chaque individu est constamment �pi� (on peut remarquer la parano�a de Gregoriev). On voit �galement une envie �vidente d'affranchissement de ce r�gime autoritaire. Les citoyens sovi�tiques importent clandestinement des produits venant de l'Ouest qu'ils prennent plaisir � d�couvrir. Ainsi, gr�ce � Froment, Gregoriev se procure des po�mes fran�ais, des cassettes de L�o Ferr�, des cassettes de Queen pour son fils ainsi qu'un walkman. Le contexte historique g�n�ral de l'œuvre montre le d�sir d'un nouveau monde, les Russes d�sirent �tre libres dans le monde entier, et m�me au sein de leur propre pays.

Un soin particulier est port� � la reconstitution historique, l'esth�tique du film �tant pleinement au service de son r�cit. Christian Carion s'�tait d�j� attel� � une telle reconstitution en 2005 avec Joyeux No�l qui avait pour fond la guerre de 14-18. Le r�alisateur a dispos� pour L'Affaire Farewell d'un budget tout aussi cons�quent que pour celui de Joyeux No�l tout en restant extr�mement sobre. Notons que Christian Carion est pass� outre le tabou parfois f�cheux de repr�senter des personnalit�s politiques r�centes. Fran�ois Mitterrand, Mikha�l Gorbatchev et Ronald Reagan (qui ne cesse de visionner L'Homme qui tua Liberty Valance dans lequel il aurait d� jouer) sont ainsi repr�sent�s sans aucune retenue, ce qui marque une r�ussite �vidente du film. Nous voyons d'ailleurs que ce tabou semble actuellement s'estomper de plus en plus (avec par exemple W. – L'improbable pr�sident d'Oliver Stone). Carion ne se permet que tr�s peu de libert�s par rapport aux �v�nements historiques. Le peu d'ind�pendance que s'octroie le r�alisateur est r�fl�chi et employ� � bon escient, de telle sorte que les faits soient plus � cin�matographiques � (notamment le d�nouement qui se d�roule en pleine nature, alors qu'en v�rit� il se serait pass� en prison, il est ainsi bien plus symbolique). Un autre choix contribuant fortement � la qualit� du film r�side dans le respect des langues. Cette internationalit� du film (rapport entre Am�ricains, Sovi�tiques et Fran�ais) a g�n�r� un casting multiethnique de qualit� dans lequel on trouve des Fran�ais (Canet, Arestrup), des Am�ricains (Dafoe). Pour jouer les Sovi�tiques, Carion a eu recours � de nombreux com�diens d'Europe de l'Est (Lituanie, Roumanie, Bosnie). Ce souci du d�tail et de la langue parl�e est extr�mement convaincant, mais malheureusement encore assez rare m�me si certains cin�astes le pr�servent (Tarantino avec Inglourious Basterds notamment). Enfin, mentionnons l'excellente prestation d'Emir Kusturica qui, en plus de ne pas �tre russe alors qu'il joue Grigoriev (il est n� en Yougoslavie et peut aujourd'hui �tre consid�r� comme bosniaco-serbo-fran�ais), n'est pas initialement acteur. Sa talentueuse carri�re de cin�aste est mondialement reconnue (deux Palme d'or, pour Papa est en voyage d'affaires, 1985 et Underground, 1995) et il la diversifie en �tant, entre autres, acteur et musicien (sans cesse en tourn�e mondiale avec le No Smoking Orchestra). Son allure robuste et son implication dans le film (r�alisateur oblige) lui permettent de s'�panouir dans ce r�le complexe et d�licat � aborder, comme dans La Veuve de Saint-Pierre de Patrice Leconte o� il �tait incroyable en Neel Auguste, bagnard aux allures tr�s rudes mais extr�mement sensible.

"The Children", "Panique au village", "La Nana", "Mlle Chambon" & "Clones" (Notules, Oct/Nov 09)

La R�daction — 2009-11-07T16:21:17Z

THE CHILDREN de Tom Shankland

Mini-buzz ces derni�res semaines autour de ce film d'horreur anglais au sc�nario d�rangeant : la veille de No�l, deux familles se r�unissent dans une maison de campagne isol�e de tout. Apr�s une nuit, les enfants commencent � se comporter bizarrement, cherchant � nuire � leurs parents... Tom Shankland (r�al du r�put� DTV Waz) a l� un script peu commun. Rares sont les films � s'�tre aventur�s sur le terrain glissant de la violence infantile. On citera pour l'exemple Les R�volt�s de l'an 2000. The Children ne r�ussit toutefois pas enti�rement son pari, puisqu'� trop vouloir int�grer la r�bellion de ces sales gosses au cœur d'une s�rie B bannale, Shankland se d�laisse de tout propos subversif. Si cela peut choquer de voir des enfants poignarder leurs parents, ou leur tendre des pi�ges odieux et pervers, aucun v�ritable discours ne vient r�ellement se greffer � cet argument choc. Au final, la pr�sence de ces enfants-tueurs ne fait pas plus et pas moins fr�mir que n'importe quel tueur en s�rie. Dommage, car l'efficacit� du film est l�, dans toutes ces s�quences de boucherie o� Shankland arrive � nous flanquer une bonne frousse, sans jamais toucher au g�nie. On gardera toutefois longtemps en m�moire le final ouvert et apocalyptique de The Children dans lequel la belle Eva Birthistle (vue chez Ken Loach dans Just a Kiss) esp�re jusqu'au bout pouvoir sauver sa peau et celle de son adolescente de fille, la v�ritable h�ro�ne du m�trage. Les habitu�s du genre horrifique trouveront de quoi passer un agr�able moment devant ce film. Les autres passeront sans doute leur chemin, en esp�rant qu'un jour le grand film d'horreur europ�en de l'ann�e sorte enfin en DVD (on parle de Morse ici).

Par Julien Hairault

PANIQUE AU VILLAGE de Vincent Patar et St�phane Aubier

Le cin�phile doit savoir s'accorder des moments de r�pits, comme des plaisirs coupables dont il se gardera, � tort, d'en annoncer la couleur � ses confr�res. Aller voir Panique au village, c'est forc�ment r�gresser. On peut toujours se dire que le film a cartonn� � Cannes en mai dernier, o� il �tait pr�sent� hors-comp�tition, et que finalement, derri�re ses figurines en plastique, il s'adresse davantage aux �ternels ados que nous sommes, plut�t qu'aux plus petits. La cadence infernale de l'intrigue (les aventures d'un cow-boy, d'un cheval, et d'un indien apr�s une malencontreuse commande de 50 000 000 de briques pour construire un barbecue !!!), le rythme effr�n� de la diction des dialogues (voix off de Beno�t Poelvoorde, Bouli Lanners et Jeanne Balibar), et une cascade de gags assaisonn�s � l'humour belge, font que l'on passe soixante-quinze minutes de pur bonheur, qu'il serait particuli�rement dommage de rater. Voir Panique au village, c'est aussi soutenir un cin�ma d'animation artisanal et terriblement inventif, toujours plus int�ressant que de se ruer dans les salles pour voir les derni�res productions des riches studios am�ricains, qui aujourd'hui rivalisent de m�diocrit�. A bon entendeur...

Par J. H.

LA NANA de S�bastian Silva

Pour son deuxi�me long m�trage S�bastian Silva filme l'histoire de Raquel. La nana ou la bonne en fran�ais. Il s'inspire d'une histoire r�elle, la sienne, celle de sa famille qui faisait partie de la petite bourgeoisie chilienne et de leur domestique. S�bastian Silva n'ambitionnait pas de tirer un portrait sociologique des conditions de vie des domestiques, ni m�me des familles bien pensantes qui les emploient. Il nous raconte une histoire particuli�re, qui n'appartient qu'� Raquel et � ses patrons. Un huit clos savoureux, dans lequel S�bastian Silva joue avec ses personnages telles des marionnettes dont il conna�t les failles. Il actionne tous les codes d'une intrigue r�ussie, sachant transformer une situation comique en une sc�ne atrocement cruelle, en nous transmettant sa culpabilit�. Il r�ussit parfaitement les transitions entre le climat angoissant et tendu qui r�gne durant toute la premi�re partie du film et la le sentiment de libert� qui impr�gne l'�cran � la fin. Raquel est un personnage atypique. Une nana t�tue, aimante et terriblement priv�e d'amour. Cette carence affective transperce l'�cran et rend ce personnage terriblement touchant et indispensable. C'est donc un film d'une grande justesse que nous livre S�bastian Silva, une r�alisation sans pr�tention pleine d'humour, cr��e � partir d'un destin simple. Une tr�s belle aventure humaine.

Par Chlo� Pangrazzi

MADEMOISELLE CHAMBON de St�phane Briz�

L'intrigue est simple, Vincent Lindon est ouvrier, il est mari� et tombe amoureux de Sandrine Kiberlain, la ma�tresse de son petit gar�on. La fameuse dualit� entre passion et raison, un leitmotiv que nous ressert inlassablement le cin�ma fran�ais. Lui vient donc d'un milieu modeste et tombe en admiration devant la ma�tresse-violoniste de son fils. Rien ne nous est �pargn�. Malgr� quelques sc�nes plut�t r�ussies, ce film n'est malheureusement qu'une suite d'�v�nements vides de sens et d'int�r�ts. Les sc�nes d'amour platonique entre ces vrais faux amants sont toujours construites sur le m�me sch�ma ce qui cr�e des longueurs particuli�rement visibles et conduisent incontestablement � l'ennui. Mademoiselle Chambon est un film tr�s d�cevant, conduit par un Vincent Lindon et une Sandrine Kiberlain en petite forme.

Par C. P.

CLONES de Jonathan Mostrow

Dans un futur plus ou moins proche, les Hommes pourront avoir des clones qui les remplaceront dans leurs actes quotidiens, tout en choisissant une apparence avantageuse. Dans ce monde-l�, hommes et femmes sont alors tous des top-mod�les � la plastique g�n�reuse, quand le "sac � viande" (l'�tre humain qui reste � la maison dans son fauteuil) est bien souvent gros et n�glig�. Alors que tout allait pour le mieux dans le meilleur des mondes, deux agents du FBI sont charg�s d'enqu�ter sur la mort du fils du cr�ateur de ces clones... Le principal d�faut du dernier film de Jonathan Mostrow est de ne durer qu'une heure et vingt-cinq minutes. Paradoxal quand la tendance g�n�rale est � la production de films de plus en plus long. 85 minutes donc, c'est bien trop peu pour esp�rer tenir un quelconque discours sur nos soci�t�s bas�es sur les jeux d'apparence, et la place de moins en moins visible r�serv�e � l'humain. Du coup, Mostrow assume se concentrer uniquement sur l'action et l'intrigue : les rebondissements s'encha�nent � vitesse grand V, la musique ne s'arr�te jamais de mettre sous pression le spectateur, le d�nouement dure pas loin de vingt minutes... On a vu des blockbusters plus concern�s et ambitieux.

Par J. H.

Storytime

Flavien Poncet — 2009-11-05T12:21:41Z

Un grand chariot color� et cr�pi de symboles �sot�riques entre en sc�ne, en plein cœur de Londres. Quand s'ouvrent ses portes, comme se d�couvre le m�canisme d'une bo�te � musique, le chariot divulgue une troupe de saltimbanques aux tenues baroques et aux maquillages rococo. Devant l'excentricit� de cette troupe, un groupe de jeunes �m�ch�s, p�tri d'arrogance, s'approche du spectacle. Pris par l'euphorie, l'un d'eux monte sur sc�ne pour affirmer son courage. Par m�garde, il traverse le miroir central de la sc�ne, fait de brique et de broc, et entre dans un vaste monde imaginaire, peupl� de cr�atures difformes et s'�talant sur un espace immense. La premi�re s�quence dispose le dilemme moteur du projet formel de Gilliam : soulever la question de l'imaginaire dans un d�cor cynique, guid� par l'adage de Saint Thomas qui ne cro�t qu'� ce qu'il voit.

Sur le mod�le d'Alice aux pays des merveilles, Gilliam divise le monde de son film en deux endroits : le r�el et son pendant fantasmatique. Aux couleurs d�lav�es et cendr�es qui composent la r�alit� s'oppose un univers de teintes vives et criardes. Le plaisir, pour Gilliam, se trouve du c�t� de l'esprit, dans l'imaginaire des inventions mentales. La d�fense de la fantaisie n'est pas pour autant chez Gilliam une apologie aveugle. Le monde de l'imaginaire abonde en m�me temps d'une part sombre, incarn�e dans le Diable (Tom Waits) et ses s�ductions pernicieuses.

La grande influence de Carroll sur Gilliam se recoupe avec une autre r�f�rence magistrale, celle de Johann Wolgang von Goethe et de son illustre Faust. L'�ponyme Docteur Parnassus, avant d'�tre r�duit � jouer un illusionniste � l'allure s�nile, �tait un moine enchanteur qui �paulait le monde en ne cessant de lire des histoires dans un monast�re pharaonique. Parnasssus, � la base, est un Atlas lecteur. La venue du diable en personne vint troubler la tranquillit� de son projet. Pactisant avec lui afin de conserver l'immortalit�, le docteur Parnassus se mit � parier des �mes, afin de maintenir l'h�g�monie de l'imagination sur la perversion du cynisme. Sur le compte des �mes humaines, le diable et le docteur Parnassus m�nent un combat o� l'imaginaire lutte contre le prosa�sme du r�el.

Si ce regard de l'imagination en contre-point � la r�alit� se pr�sente dans tous les films de Gilliam, il se trouve en l'occurrence exprim� par le biais des nouvelles technologies num�riques. Des galops de chevaux reproduits avec une paire de noix de coco dans Sacr� Graal aux fastueux effets visuelles confectionn�es par Peerless Camera Company, Gilliam op�re un saut esth�tique qui, s'il se justifie par la d�mocratisation des effets sp�ciaux, n'en t�moigne pas moins un bouleversement. Bien que Les fr�res Grimm ou Tideland aient pr�figur� cette num�risation de la plastique de Gilliam, L'Imaginarium... atteint un stade du fantasmagorique visuel in�dit chez le cin�aste. En cela, Gilliam rejoint l'un de ses plus semblables camarades cin�astes : Tim Burton. Ayant d�j� saut� le pas avec Sweeney Todd : le diabolique barbier de Fleet Street, Burton œuvre aussi � un accomplissement de son imaginaire dans le num�rique. A la diff�rence qu'il y a chez Burton une foi totale dans les effets num�riques. Le plan final, d'une assez belle composition, qui cl�t Sweeney Todd manifeste une dramaturgie picturale des retouches num�riques. Gilliam, a contrario, m�tine sa croyance envers le num�rique. Certes, une grande partie de la joliesse de L'Imaginarium ... tient aux �merveillements offerts par les mondes chim�riques. Mais au final, l'�croulement du monde imaginaire r�v�le, dans un insoup�onnable retour de b�ton, l'�ph�m�re teneur de l'image num�rique. Construit sur une architecture d'effets visuels, le grand canyon fictif du monde num�rique soutient la puissance de l'imaginaire. La foi de Gilliam, incarn� dans le docteur Parnassus, envers la vitalit� du r�cit rejoint l'une des autres grandes r�f�rences du film : Les Mille et Une Nuits.

Dans son article � Qu'est-ce qu'un auteur �, Michel Foucault a �crit : � La parent� de l'�criture � la mort. Ce lien renverse un th�me mill�naire ; le r�cit, ou l'�pop�e des Grecs �tait destin� � perp�tuer l'immortalit� du h�ros, et si le h�ros acceptait de mourir jeune, c'�tait pour que sa vie, consacr�e ainsi, et magnifi�e par la mort, passe � l'immortalit� ; le r�cit rachetait cette mort accept�e. D'une autre fa�on, le r�cit orale –je pense aux Mille et Une Nuits- avait aussi pour motivation, pour th�me et pr�texte, de ne pas mourir : on parlait, on racontait jusqu'au petit matin pour �carter la mort, pour repousser cette �ch�ance qui devait fermer la bouche du narrateur. �. La joie partag�e par le film passe par cette course folle men�e pour conserver l'acte de raconter. Par ailleurs, La duplication du personnage de Tony, jou� initialement par Heath Ledger, d�, tout le monde le sait, au d�c�s de l'acteur en cours de tournage, affirme le pouvoir du conte et a fortiori du cin�ma : le r�cit donne � l'homme la facult� de se p�renniser dans l'histoire m�me qu'il engendre. A travers le miroir, pris dans le cœur de l'imaginaire et de l'image, Tony/Ledger repousse cette �ch�ance qui devrait lui fermer la bouche. L'Imaginarium du Docteur Parnassus, devers ses fabuleuses transgressions, constitue l'homme en �tre sui generis. Le film repose sur ce principe cosmologique et compose une ode d'effets visuels en l'honneur du r�cit. Un psaume d�tonnant pour la fiction.

Parution de VERSUS #17 [Contrepoint de vue sur le cin�ma]

La R�daction — 2009-11-04T11:59:37Z

� Contrepoint de vue � sur le cin�ma de genre et m�me toute œuvre audiovisuelle estim�e subversive ou incontournable, la Revue de cin�ma VERSUS poursuit envers et contre tout son existence de titre de presse parall�le.

Au sommaire de ce num�ro 17 :

La menace des multinationales : apr�s des films comme L'Enqu�te, Duplicity, Jeux de pouvoir et The Informant !, et � l'occasion de la sortie de la nouvelle charge de Michael Moore contre le capitalisme, haro sur les world companies. Analyse de la satire des grandes soci�t�s dans les productions r�centes ; zoom sur le complexe militaro-industriel dans l'in�dit War, Inc. (en couverture) et retour sur la s�rie Profit.

Alerte � la contagion : pand�mie des maladies et des catastrophes, les plus beaux sp�cimens viraux du cin�ma. Jusqu'� la disparition totale de l'homme et l'av�nement des virus informatiques.

35e Festival du Cin�ma Am�ricain de Deauville.

Guy Maddin, le Canadien fou.

William Castle, l'homme qui essaya tout.

Analyse carri�re Kathryn Bigelow (D�mineurs).

Parall�le analytique entre The Killing Room et le nouveau grand film de Richard Kelly, The Box.

Violent Days de Lucile Chaufour.

> R�trospective : Victim de Basil Dearden.

> Actualit� DVD de cet automne / hiver.

> Portrait de John Cusack.

60 pages – couvertures couleur – 4,00 € (sans frais de port suppl�mentaires)

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Manta Ray

Morgane Pichot — 2009-11-02T07:50:58Z

Fish Tank pr�sente l'occasion de c�l�brer, depuis Rosetta des fr�res Dardenne et Virgin Suicides de Sofia Coppola en 1999, l'int�r�t nouveau que porte enfin le cin�ma � l'adolescence au f�minin. Jusque l�, et alors m�me que depuis les ann�es 60 (la Nouvelle Vague en France, La Fureur de vivre (Nicholas Ray, 1956) puis le Nouvel Hollywood et la vague des teens movies aux Etats-Unis…) la jeunesse est devenue un th�me r�current, la jeune femme n'�tait presque exclusivement que la bonne copine ou bien la jolie tentatrice des jeunes hommes en �moi. Ce n'est que bien trop rarement que la mise en sc�ne en a fait un personnage profond et s'est d�roul�e selon son point de vue (citons tout de m�me en France La Dr�lesse de Jacques Doillon en 1978 et A nos amours de Pialat en 1983, et outre-Atlantique Lolita de Stanley Kubrick en 1962). Il a exist� et existe bien entendu de magnifiques portraitistes de la femme ou de l'adolescence mais pas de l'adolescente avant 1999. Parmi les explications majeures de ce changement de cap : beaucoup des films concern�s sont r�alis�es par des femmes, de plus en plus nombreuses � se lancer dans le m�tier (Sofia Coppola pour Virgin Suicides voire Lost in Translation, Valeria Gai Guermanika pour Ils mourront tous sauf moi, Nora Hamdi pour Des poup�es et des anges, Celine Sciamma pour Naissance des pieuvres, Isabelle Czajka pour L'Ann�e suivante, Danielle Arbid pour Dans les champs de bataille, Marjane Satrapi pour Persepolis, et � venir Alison Murray pour Rebelle Adolescence). Cependant, et heureusement, cela n'int�resse pas que les femmes, les r�alisateurs (les fr�res Dardenne pour Rosetta, Le Silence de Lorna, voire L'Enfant, Philippe Faucon pour Samia, Jason Reitman pour Juno, et bient�t Lee Daniels pour Precious et Gurinder Chadha pour Le Journal intime de Georgia Nicholson…) s'approprient aussi peu � peu un sujet longtemps rest� tabou. A l'adolescence masculine, entre d�couverte de l'autonomie, joies d'une nouvelle libert� et conflits parentaux basiques, s'oppose chez la jeune femme une prise de conscience douloureuse des difficult�s li�es � sa condition (risque de tomber enceinte, brutalit� de certains hommes…), une sensation d'emprisonnement et de trahison par rapport aux promesses f�eriques faites durant l'enfance. C'est �vident dans Fish Tank avec le personnage de la petite sœur, toute de rose et de paillettes v�tues, mais d�j� plus dupe de la supercherie, tant la cohabitation avec sa m�re et sa sœur est d�monstrative.

C'est pourquoi presque tous les films cit�s peuvent �tre qualifi�s de � r�aliste �, � � port�e sociale �, ou de � drame �, contrairement aux films d'adolescents au masculin qui s'expriment �galement via le cin�ma de genre (action, fantastique et science-fiction - derni�rement Morse de Tomas Alfredson - les Harry Potter…). Parce que le personnage de l'adolescente et le drame social sont quasi-indissociables, sous peine de tomber dans une repr�sentation caricaturale ; comme c'est le cas dans de nombreuses com�dies ou films familiaux grand public. Andrea Arnold privil�gie ses personnages aux ressorts de l'intrigue, on comprend ainsi ses choix de mise en sc�ne : cam�ra port�e, mouvements l�gers qui suivent ceux du personnage, point de vue interne (mis � part quelques plans de coupe, pas une image qui ne contienne pas Mia dans le champ ou qui ne soit pas prise depuis son point de vue)… Mais les plus flagrantes r�ponses plastiques � cette chronique d'une adolescente qui �touffe, restent sans doute le contre-champ et la profondeur de champ. Quand Mia est seule dans une pi�ce, une lumi�re naturelle �blouissante jaillit des fen�tres, alors que celles-ci pourraient symboliser une possible issue, elles refl�tent le contraire, emp�chent de voir et de s'imaginer au loin. En ext�rieur c'est l'inverse, lignes de fuite et profondeur de champ, mais pour montrer quoi ? Des terrains vagues, des campagnes d�sol�es et monochromes, des zones pavillonnaires uniformes et inhospitali�res.

Une mise en sc�ne intimiste et claustrophobique r�sum�e par le titre qui rappelle, et ce n'est pas anodin, Rumble Fish de Francis Ford Coppola, (sortie en 1984, et intitul� en France Rusty James, histoire d'un adolescent et de sa bande qui r�vent de prendre le contr�le de la ville, mais doivent pour cela affronter un autre clan). � Fish Tank � signifie l'aquarium, � Rumble Fish � le poisson combattant, le premier appara�t comme la vision contemporaine, anglaise, f�minine et solitaire du second. Les deux titres m�taphorisent la m�me id�e de domestication et d'isolement forc�s. Mais l� o� le combattant s'acclimate � l'enfermement aupr�s de cong�n�res d'autres esp�ces, Mia s'�chappe au contraire gr�ce � eux, symboliquement le gitan, proie des quolibets mais libre de s'�vader du quartier. Elle s'enfuit avant son internement pr�vu en centre de redressement, et reste ainsi sauvage et insaisissable, telle une raie manta, gracieuse, myst�rieuse, m�fiante.

Les premiers pas [dossier D. Siegel]

Julien Hairault — 2009-10-29T18:10:31Z

L'inspecteur George Grodman (Sydney Greenstreet) est contraint de d�missionner de Scotland Yard apr�s avoir fait pendre un innocent, et se confie � Victor Emmeric (Peter Lorre), un ami illustrateur qui l'aidera � surpasser sa tristesse. Mais Grodman engage un duel avec son successeur, l'inspecteur Buckley, et d�cide de faire toute la lumi�re sur le cas qu'il n'a pas r�ussit � r�soudre, alors qu'un nouveau meurtre vient r�veiller l'affaire...

Au del� des qualit�s ind�niables du sc�nario adapt� par Peter Milne, et qui renvoient aux meilleurs intrigues d'un Sherlock Holmes (d'ailleurs le duo form� par Greenstreet et le fabuleux Lorre peut faire penser � Holmes et Watson, d'autant que les deux com�diens ont huit films en commun dans leur carri�re), The Verdict brille par les talents pr�coces de metteur en sc�ne de Siegel, qui d�j� sait composer ses cadres et installer des ambiances en parfaite corr�lation avec le ton de l'enqu�te et de ceux qui y participent. Si la galerie de personnages est savoureuse : de la bonne hyst�rique qui verse quelques gouttes de whiskey dans son lait avant de dormir, au dessinateur (Lorre) attentionn� et sournois, sans oublier la femme presque fatale du film, une chanteuse de cabaret qui n'a pas sa langue dans la poche, on peut dire de The Verdict qu'il cerne au mieux son �poque, en l'occurrence la fin du 19�me � Londres, et sa soci�t� un brin aristocratique.

La mise en sc�ne de Siegel accentue les diff�rences de rang entre les personnages, d'abord dans la maison o� le crime a eu lieu, o� les �tages figurent la place accord�e par la soci�t� � ceux qui y habitent (la bonne au sous-sol, un d�put� assassin� plus haut), ensuite par un �patant jeu sur les ombres et les lumi�res, et qui accentue la menace sur les personnages, ainsi que le potentiel jeu de mensonges auquel ils peuvent se livrer.

Dans cette g�niale partie de Cluedo grandeur nature, les soup�ons des enqu�teurs ont la bonne id�e de se d�placer d'un personnage � un autre, faisant de nos quatre ou cinq protagonistes principaux, des suspects num�ro 1 en puissance sur lesquels les doutes se l�vent au dernier moment. Pour le spectateur, le myst�re est pr�sent jusqu'� la toute derni�re sc�ne, et r�v�le un twist auquel on aurait pu difficilement penser jusque l�. The Verdict, film assez m�connu du grand public, souffre surement de ne pas avoir dans son casting une pointure de l'�poque, mais rien que de dignes repr�sentants de la s�rie B. Ainsi d�s son premier film, ses premiers pas, Siegel �tait pr�destin� � rester dans l'ombre des cin�astes "officiels" des grands studios. La Warner ne reconduira d'ailleurs pas le contrat de Siegel suite � The Verdict, et malgr� le succ�s du film...

Retrouvez toutes les informations sur le Festival Lumi�re 2009 ici
Retrouvez notre dossier Don Siegel ici

Visite non guid�e

Morgane Pichot — 2009-10-25T16:04:49Z

Depuis ses d�buts avec Titicut Follies en 1967, Wiseman reprend les m�mes ingr�dients, mais la recette est moins facile qu'elle en a l'air et para�t surprenante en pleine �re du reportage militant tel que le pratique Michael Moore : tournage avec une �quipe r�duite, accumulation de rushes, pas d'intervention ni d'indication de la part du cin�aste qui filme les choses telles qu'elles se pr�sentent et privil�gie l'authenticit�. C'est lors du montage, qui respecte � la fois la continuit� et la logique des faits et des paroles enregistr�s (sans ajout de voix-off) que la s�lection est op�r�e. Gr�ce � l'agencement des s�quences, le r�alisateur met en relief les id�es maitresses de son sujet, non pas comme des messages subliminaux ou de fa�on discursive et pr�-m�ch�e, mais telles des propositions de r�flexion et de regard amen�s par une mise en sc�ne, minimale mais pas minimaliste. Ainsi peuvent s'expliquer les nombreuses successions symboliques : � la discussion t�l�phonique � propos de l'enterrement de Maurice B�jart s'ensuit un extrait de spectacle montrant des danseuses autour d'un cercueil dans un d�cor � forte dominante noire. Wiseman exprime la perte et le deuil de l'int�rieur, nul besoin de se rendre � la c�r�monie officielle, il prend sa version artistique.

M�me id�e lorsque le film creuse la piste du sacrifice. La danse, en tant qu'art mais �galement en tant que sport n�cessitant d�veloppement musculaire, souplesse et influx nerveux, exige � ce niveau un investissement physique et psychologique presque spirituel. La directrice dit, � propos des danseurs qu'ils sont � � la fois le cheval de course et son jockey, la formule 1 et son pilote �, et parle pour les danseuses d'une vie de � nonne �, soumises corps et �mes. Attention au poids et � l'alimentation avec les s�quence de la cantine (un danseur y d�clare : � on peut bien se faire plaisir de temps en temps ! �), ou de la danseuse en d�but de carri�re qui a visiblement maigri et s'en voit f�liciter. Mais aussi et surtout renoncement � la maternit� engendr�e lui-m�me par l'acceptation r�sign�e d'une carri�re intense mais �ph�m�re et d'un statut de retrait� particulier et un peu risqu�. A plusieurs reprises les pi�ces jou�es reprennent le th�me du rapport m�re-enfant, celle qui a perdu le sien et se venge, ou celle (r�le justement interpr�t� par une danseuse en fin de carri�re) qui les tue... Une question de g�n�ration et d'h�ritage relanc�e par l'absent�isme constat�e en cours de danse contemporaine de la part des adeptes de la danse classique, ou par les inoffensifs d�saccords de deux entraineurs, l'une ouverte au changement, l'autre revendiquant la r�gle �tablie quitte � perp�trer la douleur et le malaise qu'elle engendre (pour certains mouvements difficiles et fatiguant � la longue). Toutefois, Frederick Wiseman, t�moin � oublier, garde ses distances et use du zoom plut�t que d'alimenter le d�bat.

Loin de la r�ception chronom�tr�e et des diners de gala propos�s aux fortun�s bienfaiteurs de l'�tablissement, La Danse propose avec virtuosit� une visite dans�e, �tir�e et non guid�e dans l'univers de l'Op�ra Garnier ; depuis les sous-sols (premiers et derniers plans) tant�t insalubres tant�t myst�rieux (des poissons y vivent nombreux dans des eaux limpides !) jusqu'au toit et ses ruches. M�taphore de la puissante hi�rarchie du lieu, qui r�gne avec une force divine (dixit la danseuse qui dit venir en r�f�rer � � Dieu � en entrant dans le bureau de la directrice), mais pas tyrannique : tout en haut, la reine donc, Brigitte Lef�vre, directrice, et en bas les peintres, le service d'accueil, la cantine... Cependant, il n'est pas question d'abus de pouvoir dans ce film-ci, l'essentiel demeure la danse, les danseurs, les entraineurs, virevoltant musicalement sur le parquet, explorant les dimensions de l'espace parmi les rayons de lumi�re qui se jouent de l'architecture grandiose du palais. La cam�ra, comme les danseurs, se fait musicale et rythmique, art du mouvement infime. Wiseman �prouve filmiquement sa sensibilit� toute particuli�re, et port�e de mani�re �gale sur l'art et les personnes, mais aussi sur une institution qui trouve une harmonie nouvelle dans les plans ext�rieurs, au coeur de l'ensemble parisien.

Rencontres du troisi�me type

Jean-Eudes Durand — 2009-10-23T16:58:28Z

Neill Blomkamp s'est illustr� � travers quelques courts-m�trages et la publicit� (il est � l'origine de la publicit� Citro�n o� une voiture se transforme en robot et danse sur la route, nous aurons l'occasion d'y revenir). Il a notamment r�alis� trois courts-m�trages sur l'univers du jeu vid�o Halo, Halo : Landfall (2007). Son projet de premier long-m�trage sur l'univers de ce m�me jeu a �t� annul� (ou report� ?) pour raisons financi�res. District 9 est son premier long-m�trage, con�u � partir de son court-m�trage Alive in Johannesburg (2005) tant au niveau du sc�nario qu'� celui du casting. Le film a en grande partie pu voir le jour gr�ce au soutien de Peter Jackson qui a rev�tu pour l'occasion le r�le de producteur ex�cutif (il �tait d'ailleurs l'un des instigateurs du projet Halo).

L'action du film se d�roule � Johannesburg (ville natale de Blomkamp) sur laquelle repose une soucoupe volante, stagnant au ras des buildings. Des extraterrestres en sont sortis et ont �t� regroup�s dans un ghetto, le District 9, en p�riph�rie urbaine. Wikus van der Merwe (tr�s bonne r�v�lation de Sharlto Copley) est employ� de la MNU (Multi-National United) qui est la firme en charge de la gestion des extraterrestres. Ce parvenu ben�t doit recenser les � crevettes � (surnom p�joratif des extraterrestres attribu� par les sud-africains) afin qu'elles soient transf�r�es dans un autre camp de d�tention. D'embl�e, Blomkamp affirme son style, d�j� employ� dans Alive in Johannesburg. Le film est construit tel un reportage � la m�moire du protagoniste, on comprend que les �v�nements narr�s sont achev�s, �tant analys�s. Des intervenants sont mis en sc�ne pour parler de van der Merwe, et plus g�n�ralement du District 9. Ainsi, avec habilet�, Blomkamp nous informe de la situation dans laquelle il plonge Johannesburg. Le parti pris esth�tique est tranch�, ce qui est remarquable pour un premier long-m�trage. Le r�alisme � outrance, soutenu par un style documentaire, insuffle au film une �nergie suffisamment originale pour �tre captivante. Le d�but du film est essentiellement vu � travers des cam�ras de t�l�vision (on voit le logo des cha�nes qui diffusent, cam�ras-poing), Blomkamp saisit plusieurs alternatives stylistiques pour ne pas tomber dans la lassitude, dont att�nuer ce r�alisme exacerb� quand le protagoniste est dans son intimit� m�me s'il reste tr�s marqu�. A coup s�r moins fatiguant que Cloverfield (2008), Blomkamp s'en sort honorablement, le spectateur est captiv� par une telle audace.

Le film se structure tr�s explicitement en trois parties. Dans la premi�re, nous suivons van der Merwe qui rend une visite faussement courtoise aux extraterrestres afin qu'ils approuvent leur changement de localisation (les humains recourent pour ce faire au chantage [enl�vement des prog�nitures extraterrestres par des services sociaux humains], poussent les extraterrestres � donner un coup de griffe sur le contrat, etc.). Cette premi�re partie n'est pas trait�e sans humour, via une ironie tr�s appuy�e � l'�gard des autorit�s humaines qui se plient � leurs propres lois sans, moralement, les respecter. Dans la seconde, le protagoniste est contamin� apr�s avoir fait part d'une curiosit� m�prisante envers les objets extraterrestres. Il se rendra compte - m�me s'il se refuse de l'imaginer - que son organisme mute et s'apparente progressivement � celui des extraterrestres. Les aliens ont mis au point des armes sophistiqu�es dont eux seuls peuvent se servir gr�ce � leur programme g�n�tique qui leur permet d'activer certains syst�mes. Le mutant devient alors un centre d'int�r�t absolu pour les hommes puisqu'il leur permettrait d'utiliser ces armes si convoit�es. Il parvient � s'�chapper et se cache, recherch� par les autorit�s et la mafia locale (elle aussi int�ress�e), jusque dans le District 9 o� il se retrouvera en contact avec les � crevettes �. Ce changement brutal dans l'histoire permet au r�alisateur – au gr� de son protagoniste – de donner une autre vision des extraterrestres. Bien qu'hostiles pour la plupart, l'un d'eux cachera van der Merwe de ses poursuivants. Enfin, la troisi�me partie met en sc�ne une confrontation hostile (qui vire � la guerre) autour de van der Merwe tandis que celui-ci retourne � la MNU chercher une invention extraterrestre qui pourrait le gu�rir de sa contamination. Comme le disent bien les Cahiers du Cin�ma : � Le film part de la m�taphore appuy�e pour aller vers la pure s�rie B, ce qui vaut toujours mieux que l'inverse. �. Effectivement, le film rompt son cours pour se diriger vers un film d'action truff� d'effets sp�ciaux, mettant la r�flexion � l'�cart. Certes, ceux-ci sont de qualit� (on retrouve l'influence de la publicit� Citro�n de Blomkamp susmentionn�e) mais ils ne suffisent pas � compenser la d�ception de nombreux spectateurs. Blomkamp ne s'y retrouve plus dans un travail pourtant si bien entam�. Apr�s des explosions pl�thoriques et massives, le m�trage se cl�t et retrouve le pseudo reportage qui d'un seul coup s'�tait retrouv� d�laiss� au profit de l'action pure et simple. Bien que tr�s codifi�e, cette conclusion laisse une libert� d'interpr�tation int�ressante au spectateur. Ces diff�rentes parties structurantes du film ont pour point commun le personnage principal qui demeure le seul individu (extraterrestre, rebelle ou humain) � avoir un point de vue fluctuant sur la situation.

Au gr� de dimensions politiques et sociales m�taphoriques, Blomkamp offre une vision pessimiste de l'humanit�. Il y a bien s�r cette transformation de l'anti-h�ros qui devient extraterrestre, � la fa�on du protagoniste de David Cronenberg dans La mouche (1986). Van der Merwe, malgr� lui, se retrouve le centre d'int�r�t de toutes les pr�occupations tout en �tant totalement ignor�. Ce d�calage entre int�r�t et indiff�rence est bien trait�. D'abord adul�, tel un g�nie supervisant la mission d'extradition des � crevettes � (poste qu'il obtient gr�ce � l'influence de son beau-p�re), van der Merwe n'est plus rien aux yeux des hommes lorsqu'il requiert des qualit�s dont il faut s'emparer � tout prix. Les autorit�s cherchent alors � le � briser �, ils le forcent � exterminer une � crevette � avec une arme extraterrestre, on raconte des mensonges � sa famille (comme quoi il aurait eu des rapports sexuels avec un extraterrestre). Cette (in)humanit� qui n'�coute pas ses cris et ne voit pas sa peur le pousse � s'enfuir sans qu'il sache o� se cacher. Suite � sa contamination, il est devenu une appropriation nationale. C'est � partir de ce moment que va se tisser un lien propice � l'acculturation, un rapport d'int�r�t entre un extraterrestre et le protagoniste.

Repr�senter les aliens au cin�ma a toujours �t� une t�che risqu�e qui n�cessite une ambition souvent critiqu�e par un manque de cr�ativit�, ou � l'inverse de conformit� au mod�le standardis�. Ici Blomkamp repr�sente les extraterrestres sous des attraits h�t�roclites, peu rago�tants, sans imposer au cin�ma une nouvelle repr�sentation du troisi�me type. Le r�alisateur ne tombe pas non plus dans le pi�ge du manich�isme qui, de par la m�taphore, aurait pu faire des � crevettes � des martyrs. Ici, les extraterrestres sont sales, asociaux et parfois offensifs. Certes, l'animosit� et la r�ticence des hommes � les accueillir ne font qu'accro�tre ce comportement et � constituer un cercle vicieux (rejet, r�bellion, rejet, r�bellion, etc.). Loin des approches respectives (elles m�mes tr�s distinctes) de 2001 : l'odyss�e de l'espace de Kubrick (1968), de Contact de Zemeckis (1997) et de E.T. de Spielberg (1982), Blomkamp utilise les extraterrestres comme un outil m�taphorique. All�gories des captifs, ces aliens peuvent repr�senter des individus s�gr�gu�s lors de l'Apartheid (le film se d�roulant en Afrique du Sud) aussi bien que des immigr�s, � install�s � aujourd'hui dans certains pays d�velopp�s. Cet aspect m�taphorique de l'œuvre intensifie le pessimisme de la vision de l'humanit� �tablie tout au long du r�cit.

Le film de Blomkamp est extr�mement riche pour un premier long-m�trage. Certes simpliste dans diff�rents domaines, des notions politiques et sociales de fond sont trait�es, tout en restant tr�s accessibles et captivantes gr�ce aux choix esth�tiques. On ne peut que saluer l'ambition de ce jeune r�alisateur, notamment pour la juxtaposition d'un film de science-fiction et d'un style documentaire. Neill Blomkamp a s�rement un potentiel qui d�passe le domaine des effets sp�ciaux, cin�aste � suivre.