na fita

Video

Tue, 15 May 2012 14:17:33 -0300

Shit Beyoncé Says

Tue, 06 Mar 2012 16:17:55 -0400

Shit Beyoncé Says

“Video Games” de videogame

Thu, 16 Feb 2012 09:19:03 -0400

“Video Games” de videogame

Destroyer - The Laziest River (by audiovideophile)

Tue, 14 Feb 2012 19:48:34 -0400

Destroyer - The Laziest River (by audiovideophile)

FUNDAMENTAL PARA SUA VIDA: Por mais que um dia eu mude de...

Tue, 14 Feb 2012 02:25:00 -0400

FUNDAMENTAL PARA SUA VIDA:

Por mais que um dia eu mude de opinião, eu nunca vou admitir que um disco do Gainsbourg é melhor que o Melody Nelson. É a melhor fase dele e da Jane. Ele é um cara com quem eu gostaria de beber e comprar um maço de Gitanes. A Jane Birkin é a mulher mais linda, espetacular, inteligente, charmosa, sedutora, maravilhosa que já passou pelo mundo. E a filha deles é *só* a Charlotte Gainsbourg. Mas logo antes do Melody sair eles lançaram uma trilha espetacular para o filme “Cannabis” (1970, dirigido por Pierre Koralnik).

Ptaqueopariu, como eu sou apaixonado pelo timbre da guitarra dessa trilha. Nunca vi o filme, mas a OST é um dos meus discos favoritos de todos os tempos. Música de Serge Gainsbourg com arranjos de orquestra por Jean-Claude Vannier (mesmo de Melody Nelson).

/@tuliob

Enquete do Grammys

Sun, 12 Feb 2012 23:30:41 -0400

papelpop:

O que Rihanna comia na premiação minutos atrás? Kkkkkkkk
Uma coxinha? Um pedaço de cabelo da Nicki Minaj?

Depois de The Bed Intruder Song, o GLORIOSO retorno de Antonie...

Tue, 07 Feb 2012 15:16:07 -0400

Depois de The Bed Intruder Song, o GLORIOSO retorno de Antonie Dodson.

Shit Adele Says Melhor parte: “Rolling in the...

Tue, 07 Feb 2012 12:55:45 -0400

Shit Adele Says

Melhor parte: “Rolling in the chips” ou “Stop trying to make Jessie J happen, she’s not gonna happen”?

(via Popdust)

AGORA SIM entendemos o motivo do bebê no vídeo de “Give Me...

Fri, 03 Feb 2012 13:32:44 -0400

AGORA SIM entendemos o motivo do bebê no vídeo de “Give Me All Your Luvin’”. (só eu, Livio, achei a letra da música uma indireta para Gaga?)

papelpop:

oh, my baby!

1 semana.

Sun, 15 Jan 2012 15:43:18 -0400

1 semana.

quase lá

Sun, 01 Jan 2012 16:54:47 -0400

quase lá

Disco: Vanguart - "Boa Parte De Mim Vai Embora"

Fri, 18 Nov 2011 16:22:05 -0400

Se igual à Semáforo Hélio Flandres dizia ter mais que meia dúzia, então o nome do novo álbum de sua banda é uma grande - e irônica - homenagem a estas faixas.

“Boa Parte de Mim Vai Embora” poderia ser divido cruelmente em lado “A” e lado “B”. Propositalmente, neste segundo lado, estariam apenas as faixas que podem passar batidas aos ouvidos de quem nem mata, nem morre pela banda cuiabana. Se ajuda o leitor, passo para nota as faixas desse lado: Se Tive Que Ser na Bala, Desmentindo a Despedida, Nessa Cidade, Engole (Arde Mais Que Brasa em Pele Quente), A Patinha da Garça, Onde Você Parou, Amigo, Morrerão e O Que A Gente Podia Fazer. Se você deseja se divertir enquanto cria este roteiro para poupar seu tempo, chame este lado de “músicas em que Hélio Flandres começa cantando de um jeito insuportável e algumas músicas em que Hélio Flandres não começa cantando de um jeito insuportável” (porque quem canta é o baixista Reginaldo Lincoln). Se a diversão não estiver completa, acrescente asteríscos em Amigo e O Que A Gente Podia Fazer e escreva no rodapé: “incompreensível”.

A qualidade das canções, no entanto, diz pouco sobre o ótimo molde do álbum. “Boa parte…” é, portanto, interessante em sua concepção. De cara, surge menos pretensioso que o álbum de debute da banda, o homônimo Vanguart. E se é reduzido o número de pompas, também é pouco o número de hits. Aliás, depois da capa, a São Paulo do Vanguart aparece e impressiona logo de cara com Mi Vida Eres Tu, não apenas um ótimo single, mas candidata a ser uma das melhores faixas lançadas pelo rock neste ano. Cantando como se o resto do álbum não existisse, Flandres encarna qualquer um que esteja afim de cantar, mesmo que não tenha perdido mulher, mesmo que não esteja triste. Mas que, sim - e parecia até que a banda tinha entendido isso -, canções são para, mais do que existirem, cumprir uma função do social que não esteja apenas na poética e na vivência de quem canta. O rock brasileiro esquece de que é preciso ser mais plural. Nós não temos tempo para termos um Wilco - e o Radiohead tropical não perderia tempo cantando rock.

Mi Vida Eres Tu, parceria entre Flandres e Lincoln, merecia um álbum próprio, só pra ela. E, às vezes, parece que o Vanguart quase fez isso de propósito. Mas, não. Superior, a faixa acaba parecendo um acidente no álbum. Se repetir a fórmula nos próximos álbuns, a banda poderá montar uma boa coletânea (download grátis) de singles. E isso é um acidente de percurso para o discurso (chocho) do Vanguart.

Por Yuri de Castro

Disco: Passo Torto - Passo Torto (Download)

Tue, 08 Nov 2011 04:11:56 -0400

por Matheus Vinhal

Passo Torto é o projeto que reúne os compositores Romulo Fróes, Rodrigo Campos, Kiko Dinucci e o baixista e produtor Marcelo Cabral. Dos quatro, apenas Rodrigo Campos não lançou álbum em 2011. Romulo lançou Um Labirinto Em Cada Pé, disco que o libertou da pecha de cara que precisou fazer disco de rock pra se livrar da pecha de sambista. Marcelo Cabral lançou disco com os Marginals - subestimado e pouco falado. Kiko Dinucci lançou, com Juçara Amaral e Thiago França, Metá Metá, considerado por quem vos escreve o melhor disco brasileiro de 2011 - até então.

Passo Torto surge, portanto, como um projeto que encerra o ano de 2011 com chave de ouro pra música produzida em São Paulo. Não há dúvidas de que a produção paulista cresceu e apareceu no ano que termina. Foi certamente, por quem não acompanha a cena musical brasileira apenas en passant, a mais discutida, ouvida, compartilhada, debatida - muitas vezes passionalmente. O rapper Criolo personifica bem esse estado. Mas todos os quatro rapazes do Passo Torto - Dinucci e Cabral ligados diretamente ao trabalho de Criolo - perpassam a produção paulista mais e melhor que o rapper do Grajaú.

Passo Torto é um disco de São Paulo, na sua contenção, na retidão das suas notas, no samba manco levado com maestria. Há mais que se falar sobre o disco, mas melhor para o momento é deixá-lo decantar.

Baixe o disco Passo Torto (2011) clicando na imagem acima ou aqui.

Disco: Erasmo Carlos - "Sexo"

Fri, 04 Nov 2011 10:05:40 -0300

Eramos Carlos é símbolo da Jovem Guarda e conserva até hoje a alcunha de “Tremendão”. Títulos de um antigo provocador, que junto com Roberto Carlos mandou tudo pro inferno em um tempo de bom mocismo. A vontade do ex-jovem em continuar com a ‘fama de mau’ o levou a fazer dois discos próximos ao espírito da juventude. Rock and Roll de 2006 e o inesperado álbum conceitual Sexo lançado meses atrás. Sexo é uma imagem cômica de setentão proclamando “frontal, de pé, por trás ou de lado, a hidra às voltas com o dragão, tesoura, fechadura ou de quatro. Em que posição?” em Kamasutra, parceria com Arnaldo Antunes, faixa de abertura. Não há muito nexo no que se ouve, e é nesse inesperado que Erasmo ganha. Toca com uma banda de moleques (os Filhos da Judith) e vai fazer show no Circo Voador, praticamente um garoto.

Em “Sentimento Exposto”, Erasmo assume que tem nudez horrorosa (“monstro gosmento”) mas é bem sucedido nos seus fins (“você se encantou com tanta feiura, gostou do sentimento exposto da criatura”). Uma das canções com o maior número possível de trocadilhos sexuais, articula sobre a foda no mesmo rock’n’roll de seu álbum anterior. Mas parece que a vontade de rejuvenescer é maior do que a da música em si. Brincar e tentar construir uma imagem curiosa ficaram acima do ideal de pensar na música. Com exceção da primeira (“Kamasutra”) as demais canções passam despercebidas, sem nenhum atrativo maior que o inesperado de ver um velhinho falando sobre transar. Um disco que passa sem nenhuma letra fabulosa como “Meu Ego”, gravada com Nara Leão, ou simples e bela, do jeito que “Gente Aberta” marca Carlos, Erasmo.

Mais que uma caricatural imagem de um idoso ativo, Erasmo deveria se concentrar no elo que pode fortalecer com talentos emergentes da música brasileira. Kassin e Domenico foram apresentados por Adriana Calcanhotto e hoje são companheiros de gravadora Coqueiro Verde com o Tremendão, gravadora gerida por seu filho. Silvia Machete virou amiga após realizar uma série de shows tocando apenas músicas de Carlos, Erasmo. Conectar gerações separadas por décadas é bem mais frutífero do que se debruçar em um tema e entrar no estereótipo que ele carrega. É por aí que Erasmo talvez encontre sua pedra filosofal.

Por Túlio Brasil.

Disco: Karina Buhr - "Longe de onde"

Fri, 28 Oct 2011 13:30:00 -0300

Quando Karina Buhr surgiu com seu “Eu menti pra você” (2009), já era a verve das suas palavras que se destacava, acima de uma série de músicas interessantes porém bastante irregulares. Em “Longe de onde”, o novo disco, a letra - a palavra (“cada fala, cada palavra / ganha novo significado para mim”), o verbo (“depois de tanto verbo / a pessoa morre”) - é o que se mantém central na música de Karina. Com o diferencial de que neste disco as músicas se adequam, em arranjos e timbres, a essa verve, tão diferente dessa doença que acomete a grande maioria das nossas cantoras: a covardia, o medo da música, como diria alguém do Talking Heads.

Por isso, ainda que “Longe de onde” se mantenha distante de um álbum memorável ou impecável- há ainda músicas de desenvolvimento pouco interessante - é um disco que se pode facilmente elogiar ou bendizer no atual cenário musical brasileiro. Como uma Gal Costa (esse, sim, um nome onipresente quando se fala da atual geração de cantoras brasileiras), mas uma GAL LOKA DE ANFETAMINA, Karina se apresenta como uma das mais interessantes cantoras brasileiras atuais, especialmente quando faz uso das distorções - seja nos seus gritos agudos ou em guitarras mais cheias de peso e força do que as de qualquer banda de rock que toca hoje nas rádios.

Mas é mesmo nas palavras que “Longe de onde” se mostra mais interessante. Karina subverte várias vezes o tema mais batido das cantoras brasileiras atuais - o amor, o relacionamento a dois - em faixas como “Não me ame tanto” (“não me ame tanto / eu tenho problema com amor demais, eu / jogo tudo no lixo”), enquanto é ironicamente acompanhada por uma baladinha que poderia figurar em qualquer disco de cantora-fofura de 2011. Em “Pra ser romântica”, outro exemplo, Karina começa genialmente com “Hoje eu dei / pra ser romântica / perto de você não me vejo só / de você quero distância”. Ou ainda “suas qualidades vão sumindo / e seus defeitos aparecendo cada vez mais”, em Cadáver.

Além disso, Karina não tem medo de se valer da morte (“depois de tanto verbo / a pessoa morre” ou “me dê um copo de veneno, pelo menos / preu morrer”) ou do asco (“eu como e gozo / dentro”), como tema. É nesses momentos - sem medo da feiúra, do nojo, do não amor, que Karina se mostra mais original e útil à música brasileira dessa década. Meninas, aprendam.
Por Matheus Vinhal.

Disco: SILVA - "SILVA EP"

Wed, 26 Oct 2011 11:11:00 -0300

Quando o refrão de Imergir surgir pela segunda vez, vai ser impossível ficar inerte. E é bem provável que, por algum tipo de vício, brindemos juntos, eu, você, nossos 20 e poucos anos, a vinda do refrão. Mas é preciso refletir. SILVA não inebria e, impossibilitador, junto com suas cinco faixas, é apenas confortavelmente apelativo, um gancho bem no meio do talento de Lúcio Souza, prodígio da cena musical da capital do Espírito Santo, Vitória.

“Navios dizem recomeço / do mar ninguém chegou ao fim / eu vou deixar seu nome imergir” diz o refrão de Imergir. A posição da espera, da passividade se tornou uma tônica em todo um punhado de singles e álbuns do cenário independente brasileiro. É o brasileiro que luta contra o rádio, mas que não se posiciona assim por ser combativo e, sim, por ser ingênuo. É ingênuo porque combate com todas as forças o refrão micareteiro de “Ai, se eu te pego”, mas não percebe que tão apelativo quanto são os acordes de A Visita. Se fossemos mais espertos, conjugávamos as duas em uma mesma mixtape em oferta à menina mais gostosa da classe. Mas, não. Separa-se. Diverge-se. E, claro, a menina foge - ou melhor, vai procurar uma fugidinha. E fica-se na lama, tentando compor algo sobre como é difícil ser assim, de como a vida é difícil, de como a rotina é estenuante e de como é ruim tentar ser bom.

Não há derrotismo em SILVA. Não há porque derrotismo é conceito. E isso não há em nenhuma das cinco faixas que trazem Lúcio Souza quase oficialmente ao cenário independente e autoral brasileiro. Ainda assim, SILVA acaba sendo superior aos seus pares etários, de gênero e, principalmente, conterrâneos. No entanto, ainda acusa o duro golpe dado em uma geração que não parece refeita dos vícios de linguagens e de acordes vindos da safra de canções da dupla Camelo e Amarante (até quando?).

Uma das piores sensações para quem vai à lona é a ilusão da volta. Recém traumatizado com o último golpe, o atordoado não sabe ainda onde começa a sua infantilidade: se na possibilidade de ficar em pé novamente ou se antes mesmo da luta, na vontade de lutar. E está na lona este gênero que abriga não só este EP de Lúcio Souza, mas uma mão cheia de promessas do semáforo da atual música brasileira.Trôpego, este gênero vê contagens sendo abertas a cada lançamento.

Por Yuri de Castro.

Disco: Copacabana Club - "Tropical Splash"

Mon, 24 Oct 2011 13:53:52 -0300

Como apêndice de resenha, assim, bem en passant, para não incomodar, comenta-se que algumas escolhas da banda Copacabana Club (como o nome, da banda e do disco, por exemplo) revelam certo oportunismo. É certo que não é feitio da imprensa brasileira se indispor com essa juventude bem nascida mas essas escolhas dizem muito mais do que a crítica brasileira (inclua aí, irresponsavelmente, blogs) enxerga. É algo confuso no cerne do conceito artístico: eles simplesmente poderiam não saber tocar (check!), eles simplesmente poderiam não ter criatividade (check!), eles simplesmente poderiam ter chegado um pouco atrasados (check!), tudo facilmente perdoável… O problema é que os planos de grandiosidade do quinteto curitibano acabam transformando a natureza do negócio: definitivamente, Tropical Splash [ST2, 2011] não é música.

Pra não deixar maiores dúvidas sobre o conteúdo deste LP, Tropical Splash é uma peça publicitária. Muito da música jovem da década passada tem essa característica e, sendo essa a aparente fonte única de inspiração dos artistas em questão, seu peso duplica. Com exceção de um número sessentista (não me diga!) lá pelo meio do disco, todas as faixas são uma tentativa de reproduzir mecanicamente o sucesso comercial do rock dançante da década anterior, música de comercial da Adidas, música para Popload. Não há nenhuma referência a algo tropical/ao Tropicalismo per se, exceto no conceito mercadológico da coisa, uma tentativa de enganar estrangeiros ao localizá-los próximos da música de invenção brasileira, quando a verdade é que este álbum está próximo da (ou na) prateleira de liquidação do indie-dance-inglesinho de 2005, junto de Goodbooks, Sunshine Underground, CSS e outros nomes igualmente insignificantes.

O Copacabana Club é um grande plano, iniciado com o vídeo super-produzido de “Just Do It” (faixa que reaparece em Tropical Splash e dita o compasso de quase todas as outras faixas, ou vocês acham eles são bobos?), que peca por começar de cima para baixo. Se a intenção de tropicalizar a música jovem nacional é transformá-la num insuportável editorial de moda da Vice, o Copacabana Club está dando o seu quinhão de artificialidade. Agora, se for apenas citação ou homenagem, Tropical Splash não chega nem a respingar em algo parecido com tropicalismo porque é frio, covarde, comercial e para comercial. Antes de ser o Copacabana Club, não custava nada visitar Copacabana.

Por César Márcio.

Disco: China - "Moto Contínuo"

Wed, 19 Oct 2011 12:25:28 -0300

Houve um tempo em que Moto Contínuo era conhecido por Só serve pra dançar, uma de suas faixas e seu primeiro single, já antecipado, à época. Soube da possível alcunha no tempo do saudoso Bloody Pop, enquanto se amargava a espera que cabia no intervalo que vai da data da ciência de um novo disco brasileiro a seu efetivo lançamento. Só se sabia que haveria China, haveria um novo trabalho e haveria um disco inteiro que, ao que tudo indicava, serviria pra dançar, mesmo que o título fosse algum tipo de piada.

Veio o tempo e foi-se o nome da bolacha virtual. E o que nos deram foi um álbum que viria ao encontro, sem maiores constrangimentos, de quem o chamasse pelo antigo prenome . Boa Viagem é uma boa dica – riffs sintéticos, batida proeminente e um quê de groove na faixa deixa claro o intuito: Moto Contínuo é um disco que nasceu pra mexer. E como movimento é coisa múltipla, há que precisá-lo.

Pois bem: esta é uma obra de investidas externas, físicas, concretas e um tanto rasas, o som de um artista alisando as belas formas de uma composição, raramente chegando a desentranhá-las, cutucá-las, desenvolvê-las – pelo menos além de certo ponto. Seja esse método consciente ou não, a impressão que se tem é de que música “de formas” – não confundir com: formal – é uma meta bastante definida para o álbum, chegando até a interferir na qualidade do que se ouve, à medida que a missão é cumprida. Pois o aspecto mais sintomático de Moto Contínuo é que primeiro realiza um “projeto” de dança e de produto para só depois se preocupar com as canções. E quando se diz produto não se quer falar só sobre o caráter popular (leia-se: pop) de um disco como este – em nada reprovável ou pejorativo. A intenção é falar sobre o fato de que é algo obviamenteproduzido, no sentido fonográfico do termo.

Dito isso, parece haver um descompasso entre ideia e execução.

São dois, os lados desse desnível:

O primeiro é o da distinção entre a qualidade da música e a da produção. Fosse outra a roupagem, Moto Contínuo dificilmente se sustentaria, justamente por não ser feito canções fortes. Não são ruins, mas carecem, para se realizar plenamente, de um substrato mais robusto. Quando o mais normal, fosse boa a qualidade, seria que o contrário acontecesse – que elas mesmas servissem de base à execução, que tivessem algum tipo de independência de sua própria performance. Ou ao menos se encontrassem em pé de igualdade com ela.

O segundo é o que mostra que a consciência – ou a sorte de saber – desse desencontro é o que faz de Moto Contínuo uma experiência válida, na medida do possível. Não há tempo a perder: todo riff é motivo pra gancho, toda frase é frase de efeito, todo timbre é chamativo, envolvente, à sua maneira. São boas manobras, na maioria das vezes – a guitarrinha pantanosa de Overlock, uma de suas melhores faixas, ou a seção de metais que, pincelada timidamente ao longo do disco, acaba sendo subutilizada – e, ocasionalmente, picaretagens ou simplesmente erros – Terminei indo, parceria inócua com Tiê, é quase tão ruim quando o último disco dela, e só não é propriamente péssima justamente por causa da: produção. E é essa irregularidade – embora mínima – que condena o disco a um número suportável de pequenas derrotas.

O que é patente no esforço, no entanto, é que esse descompasso faz o trabalho andar, mesmo que os passos sejam pequenos. Moto Contínuo não é um sopro leve e revelador: é música inspirada vertida em produto. Cada faixa, inclusive, é palpável como um objeto, descomplicada, ergonômica, de certa forma tátil: basta pegá-los pra descobrir pra que servem. E o fracasso permanece longe precisamente porque a música, aqui, parece saber seu lugar: não pretende muito de si e se realiza por outro tipo de expectativas – nem melhores, nem piores: só diferentes.

Em tempo: moto contínuo é uma invenção física imaginária, uma engenhoca que se põe a mover e não para nunca, reciclando eternamente a energia que seu próprio movimento produz. Sua meta é o movimento perpétuo, uma dinâmica perfeitamente passível de acontecer, quando se fala de arte. Moto Contínuo, como esse tipo de mecanismo, não é dado a cabo. Mas também não é um disco inerte, morto. Com um pouco de combustível, a coisa anda

Por Rafael Abreu

"Vaquinhas" aos montes

Tue, 18 Oct 2011 12:32:00 -0300

Há um ano, ‘crowdfunding’ era um estrangeirismo supérfluo. Para mim, e acredito que para bastante gente também, não significava nada. Crowdfunding é investimento coletivo, uma ‘vaquinha’. Pessoas interessadas em um objetivo comum entram com a verba e fazem acontecer. Em setembro de 2010 o Queremos tirou uma oportunidade de um terreno antes só criticado e exemplificou como isso funciona. Decidiu levar shows para o Rio de Janeiro, um lugar dito sem público, com a ajuda do suposto público fantasma.

A formula é vender ingressos reembolsáveis, chamados de cotas no primeiro show, por 200 reais e atingir o valor pretendido. Se a casa encher, o público recebe o dinheiro de volta; caso contrário o reembolso será proporcional. Todas as empreitadas até hoje foram bem sucedidas na fase de captação da grana, as outras etapas - lotação da casa e reembolso dos cotistas, basicamente - oscilaram, mas a promessa do show sempre foi cumprida. Em pouco mais de um ano foi levantado, com dinheiro de fãs e patrocinadores, mais de um milhão de reais.

Quanto isso é rentável não se sabe. A única informação disponível no site é o valor necessário para que o show aconteça, sem pormenores. Sabe-se que a casa, na maioria das vezes o Circo Voador, fica com uma metade da bilheteria e o reembolso do público vem da outra metade. Extrapolando o reembolso integral dos que compraram os ingressos especiais, os produtores do Queremos pegam seu lucro. Nada mais justo para o grupo responsável pela produção.

Depois de um ano convivendo com o modelo (como ‘cotista’ e comprador de ingresso normal), tenho algumas dúvidas sobre o funcionamento disso. Fiquei surpreso com o baixo retorno pós Primal Scream. O Circo estava bem cheio para que apenas 100 reais voltassem do investimento feito. Talvez prevendo essa reação, o Queremos colocou em sua newsletter que a roleta do Circo provava a quantidade de pessoas que passaram por lá. Além disso, lembro que o número de ingressos reembolsáveis vendidos foi alto, 560, junto com poucas cotas de patrocinadores, o que justificaria o retorno baixo. Mas mesmo assim fica uma sensação, talvez falsa, de que nem tudo é bem certo assim. Continuo afim de comprar ingressos reembolsáveis e correr o risco de ver o show de graça, só que um pouco de transparência aumentaria a confiança.

Inegável é que o esquema de juntar o público para garantir o espetáculo pegou. O Queremos pode não ter sido o primeiro no Brasil, mas foi o site de maior impacto. A cota de 200 reais logo foi imitada pelo Mob Social que levou o Misfits ao Circo Voador. Lembro também de um “Queremos Sertanejo”, no mesmo esquema de 200 reais — se alguém tiver o link, passe nos comentários.

Soluções diferentes vieram, a Playbook, de São Paulo, que propõe uma “pista premium open-bar” por 260 reais. Acho a segregação idiota, e não curto ter que aturar a festa do vizinho na frente do meu show - pista VIP é um mal a ser exterminado. Quando escrevi esse texto a arrecadação do primeiro show (Tokyo Police Club, que já tocou esse ano em SP) ainda não estava completa.

O jeito que os fãs de ska arrumaram para trazer o The Toasters pro Rio é interessante. Independente do valor arrecadado, o show está garantido. A ideia é que quanto mais pessoas comprarem antecipado, mais barata fique a entrada. O comprador paga a primeira parcela, e a segunda fica progressivamente menor na medida que a meta se aproxime para ela sair de graça.

Bandas independentes como Autoramas e Letuce arrecadaram o dinheiro com os fãs para a gravação de seus novos álbuns. Arrecadaram a grana pelo Embolacha, um site de crowdfunding exclusivo para artistas. Funciona assim: quem cria o projeto dá várias opções para você contribuir, quanto maior valor, maior a recompensa. Eles ficam com 15% do valor como taxa de administração. Pelo mesmo portal, o Móveis garantiu mais uma edição do seu festival Móveis Convida e o show comemorativo de dez anos do Mombojó em Recife.

Além de estreitar a relação da banda com o público, o financiamento coletivo pode facilitar oportunidades com selos menores. O Autoramas, depois de garantir a gravação de seu novo LP, fechou contrato com a Coqueiro Verde, que deve garantir uma distribuição melhor do álbum.

Outros sites seguem essa linha. O Catarse é aberto para diversos tipos de projetos, mas teve seu maior sucesso com a arrecadação de 50 mil reais para que A Banda Mais Bonita da Cidade gravasse onze clipes. Imagina a internet quando isso ficar pronto. Enfim, só não foi um sucesso completo porque uma música ficou de fora, poderia ser doze. Sibite é mais um, e chamou atenção pelo projeto grandioso do Cidadão Instigado: Fernando Catatau e cia. querem 200 mil reais para gravar o novo CD e fazer o show de lançamento — até a data de publicação desse texto a arrecadação ia mal.

Aos poucos a prática se difundiu, e, como exposto acima, hoje existem sites que funcionam exatamente da mesma forma, nem todo mundo vai se sair bem. Se posicionar com o crowdfunding não é mais uma decisão de vanguarda como foi há um ano. Quem tá chegando agora e quer se dar bem nessa é melhor se preparar para inovar e descobrir um meio de chamar atenção. O edital promulgado pelo público é disputado.

Por Túlio Brasil.

Disco: Girls - "Father, Son, Holy Ghost"

Mon, 17 Oct 2011 12:26:00 -0300

Quando “Hellhole Ratrace” começou a ganhar elogios nos blogs americanos, na metade de 2009, as matérias sobre o Girls eram sempre ilustradas por uma foto do líder, Christopher Owens, usando uma camiseta do Nirvana. À época, parecia curioso, se combinado ao humor do single, melancólico-resignado, com instrumentação shoegazer. Com o álbum completo, a imagem parecia fazer um pouco mais de sentido, à medida que a dupla revelava, não totalmente, certa sintonia com o rock americano dos anos 90, incluindo o rock de moleques que usavam camisa do Nirvana (mesmo que metaforicamente).Agora, no segundo disco, fica ainda mais claro: o Girls é mesmo uma banda de rock americana dos anos 90.

Por isso, a aclamação de um disco de rock classicista como Father, Son, Holy Ghost pelas publicações musicais modernas é de certa maneira surpreendente, levando em conta o aparente asco que jornalistas do tipo tem da geração X.Talvez porque Owens entregue ao ouvintes canções de reverência disfarçada, à moda das bandas de rock da época (não estamos falando de Black Crowes), como as relações entre Neil Young e Built to Spill ou Pearl Jam, Pixies e Nirvana, Black Sabbath e Soundgarden: música claramente referenciada mas com a cara do momento em que foram criadas. Se a habilidade serve para criar números de personalidade como “Vomit” (que começa como uma reprodução fajuta de “Street Spirit” e ressurge na esperteza da combinação do vocalise gospel/RnB com distorção) e “Love, Like a River” (blues de natureza similar porém mais adocicado), porque não usar da mesmas armas pra salvar baboseiras como “Magic”, “Saying I Love You” e “Jamie Marie” da irresistível modorra?

Uma explicação talvez passe por uma suposta crença do compositor de que a veracidade da suas tristezas (Owens, você já deve saber, poderia facilmente ser um personagem do cinema) seja suficiente para tornar sua música real. E não é. Mesmo que a lírica melancólica encontre justificativa numa vida difícil, a música que, por diversas vezes, resvala na paródia, não tem lá muita explicação.

Usando as duas maiores influências da dupla, Built to Spill e Spiritualized, para tentar encontrar uma outra justificativa bem mais fantasiosa, pode-se dizer que a intenção de ser uma banda dos anos 90 foi levada à termos literais: a música aqui soa como a dessas bandas em seus discos mais recentes, vencendo mas usando o regulamento. Contudo, Christopher Owens e Chet White não tem os mesmos 30 anos de estrada. Talvez se os dois se dessem conta disso, Father, Son, Holy Ghost seria mais bem sucedido.

Por Cesar Marcio.