F1-Boliden, tanzende Laubhüttenfestgänger, Tau im Spinnennetz und ein Schmuckhändler

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Schwarzfahrer in Indonesien, der Cirque du Soleil in Spanien, Schnee auf Indiens Bergen.

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Kommentar des Fotografen:

Wien Stephansplatz am letzten des Jahres 2011. Geschossen mit Hasselblad 500cm Sonnar 150mm T-max 100, entwickelt in Rodinal 1:50

Peter Sennhauser meint zum Bild von Gerd L:

Ein Clown sitzt auf einer Bank an einer belebten Fussgänger-Zone, mit auf dem Bauch gefalteten Händen. Hinter der Figur mit Luftballon-Hut sitzen zwei leicht von ihm abgewandte junge asiatische Frauen und essen etwas aus Papptellern. Rings um die Szene strömt das Strassenleben in Schwarz-Weiss und quadratisch, ohne den Unterhaltungskünstler mit irgendwelcher Aufmerksamkeit zu ehren.

Wirklich verblüffend finde ich an dieser Aufnahme, dass sie farbig zu sein scheint, aber eindeutig Schwarz-Weiss ist:

Wir kriegen hier in der Kritikerplattform recht häufig Colorkey-Fotografien zu sehen, in denen ein Subjekt knallbunt belassen und der Rest des Bildes in Schwarz-Weiss umgewandelt wurde.

Deine Aufnahme ist ein künstlerisches Gegenteil, indem es einen erfahrungsgemäss sehr bunten Clown in einem monochromen Bild so in Szene setzt, dass sich das Bild in der Betrachtung mit Farben zu füllen scheint. Das scheint zunächst paradox: Weshalb sollte man etwas, was bunt ist, nicht farbig abbilden? Die Antwort ist, wie gesagt, das, was im Kopf entsteht und über das wir uns wundern und freuen. Das Bild ist die Vorlage für das, was wir damit machen, und hier wird das deutlicher als in vielen Fotografien.

Ausserdem entsteht durch die Schärfentiefe, die genau im richtigen Mass und ohne aufdringlich zu wirken auf das Subjekt lenkt, eine angenehme Räumlichkeit, das Foto wird zum Fenster in die Stadt und wir sind die Zaungäste, die sich an diesem Fenster ihre eigene Welt erschaffen.

Einzig der Passant hinter dem Clown steht mir etwas zu sehr im Blickfeld und wirkt ablenkend – vielleicht hättest Du darauf warten können, dass er sich verzieht. Und von einem strengen technischen Standpunkt stört mich die hauchdünne verkantung der Aufnahme, die sich, vielleicht nur ein halbes Grad, nach rechts neigt: das ist wegen der Geraden unten rechts (weniger der Aschenbecher und mehr der Kandelaber) und links oben (noch ein Kandelaber) just so weit manifestiert, dass man es zur kenntnis nimmt – und sich dann daran zunehmend stört. Jedenfalls mir geht es so.

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Modewoche in Berlin, Soldaten und Regenbogen im Nahen Osten und ein Spaziergang in San Francisco.

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Kommentar des Fotografen:

Fototour im tschechischen Niederböhmen, das vor 1945 zu Deutschland gehörte, das Bild, eher ein Schnappschuss, zeigt aber gut die Perspektivlosigkeit des Lebens in den grenznahen Gebieten zu Deutschland. Bearbeitet das übliche, zuzüglich Vignettierung und warmer Ton. Titel…Dorftratsch

Profi Thomas Rathay meint zum Bild von Günter Kutschke:

Was mir an Günters Bild als Erstes auffiel, waren die leichten Pastelltöne im gut gewähltem Farbkontrast und die korrekte Anordnung der Protagonisten im Bild nach der Drittelregelung. Also rein technisch gibt es nichts auszusetzen. Dann las ich seine Beschreibung dazu:

Und nun war ich sehr erstaunt. Da steht, das Bild spiegele Perspektivlosigkeit und Trostlosigkeit in diesem Gebiet Tschechiens. Deswegen musste ich dazu mal meine Betrachtungen darlegen.

Sicherlich trägt die Bearbeitung des Bildes dazu bei, die Stimmung etwas zu verdunkeln. Das macht schon alleine die hinzugefügte Vignettierung. Die zusätzliche Warmtönung lässt auch eher nostalgische Gefühle aufkommen, die ja nicht immer mit guter alter Zeit zusammenhängen.

Trotzdem erkenne ich in dem Bild einen hoffnungsvollen Blick in die Zukunft. Die Personen sprechen doch schon für sich. Es treffen zwei, vielleicht auch drei Generationen aufeinander, unterhalten sich, tauschen sich aus.

Der Blick des älteren Mannes ist leicht lächelnd in die Ferne, eben in die Zukunft gerichtet. Und selbige steht ja auch vor ihm in Form der Kinder…

Ich gehe mal davon aus, dass es nicht Mutter und Tochter, sondern eher Geschwister sind. Und eine Zukunft mit Kindern ist in jedem Land eine aussichtsreiche. Ich habe dieses Bild, so wie es mir vorlag, noch ein wenig bearbeitet, sozusagen auf strahlende Aussichten getrimmt. Das Ganze wirkt nun etwas heller, freundlicher sowie durch einen leichten Blaufilter erfrischender, die schon etwas vernachlässigten Wände sind in die Unschärfe geraten, und auch der Mann schaut nicht mehr so aus seinem finsteren Loch heraus, ganz leicht kann ich nun ein paar Details seiner Einrichtung erkennen. Anfangs störte mich der Zaun im Vordergrund noch, doch nun nach längerem und öfterem Hinsehen passt er gut ins Gesamtbild, zeigt die gewisse Abgrenzung des Fotografen von der eigentlichen Szene und gibt dem ganzen Foto einen Rahmen, so wie das Fenster dem Mann der aus diesem herausschaut.

Dieses Bildbeispiel zeigt uns wieder ganz gut, wie unterschiedlich jeder ein Bild sieht und das der Fotograf auch immer noch die Eindrücke vor Ort mit im Hinterkopf hat. Wenn es wirklich ein trostlose Gegend war, hat es Günters Bild auf den Punkt gebracht, wenn aber zum Beispiel der Fotograf nur grad einen schlechten Tag hatte und die Leute vor Ort gar nicht so depressiv waren und sind, könnte dies durch eine weitere dezente Bearbeitung mit selbigem Bild uns fernen Betrachtern vermittelt werden.

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Axel Pfennigschmidt fotografiert Fragmente von dem, was einmal auf Häuserwände geklebt, gemalt oder gesprayt wurde. Unter seinem Blick entstehen daraus abstrakte, malerische Bilder.

Axel Pfennigschmidt nimmt seine Bilder in Städten wie Marrakesch, Buenos Aires, Kapstadt, New York, Rom oder Berlin auf. Plakatreste und andere Hinterlassenschaften in verschiedenen Schichten werden im Spiel von Licht und Schatten zu Collagen.

Axel Pfennigschmidt ließ sich dabei von den Collagen der Kunstbewegung Nouveau Réalisme aus den Sechzigerjahren inspirieren. Die “Neuen Realisten” von damals setzten ihre Collagen aus abgerissenen Plakatstücken oder Zeitungsausrissen zusammen, und es ging ihnen um die “Trivialität” dieser Dinge. Pfennigschmidts Close-Ups sind dagegen real vorhanden (wenn nicht mehr, dann zumindest gewesen). Sein Prinzip ist nicht: „aus Alltäglichem Schönheit machen“. Sondern: „das Alltägliche” ist bereits “Schönheit“.

Bewusst bearbeitet Axel Pfennigschmidt die Bilder nicht digital. Alle Motive, Ausschnitte und Farben belässt er so, wie er sie vor Ort vorgefunden hat. Nur die Vergrößerung der Realität ist für ihn legitim: Damit will er die Aufmerksamkeit des Betrachters in die Ebene des zweiten Blicks auf diese Dinge führen. Die Serie heißt auch “The 2nd Glance”.

Seit seinem Studium arbeitet Axel Pfennigschmidt als Fotograf. Nach dem Diplom an der Universität der Künste in Berlin war er für mehrere Jahre für verschiedene Kommunikationsagenturen in Hamburg, Frankfurt, New York und London tätig. Seit 2006 ist er Mitglied des Kreativ-Netzwerks Pulk mit Sitz in Berlin. Wir finden die Bilder aus der Serie “The 2nd Glance” auf Axel Pfennigschmidts Website und aktuell in einer Ausstellung in der Villa Kennedy in Frankfurt/Main.

Axel Pfennigschmidt – The 2nd Glance
Bis 30. März
Villa Kennedy, Kennedyallee 70, D-60596 Frankfurt (Main)
+49 (0)69 717 120, Info.villakennedy@roccofortehotels.com

Axel Pfennigschmidt
Villa Kennedy – Rocco Forte Hotels

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Neue Mode in Berlin, Cricket in den Arabischen Emiraten und Snowboard in der Schweiz.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Foto ist in Nawabad, nähe Kunduz entstanden. Das Mädchen hat vorsichtig, ängstlich nachgeschaut was plötzlich vor der “Haustüre” los war. Das wollte ich festhalten.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Marcel Czechan:

Ein Mädchen in Asiatischer Bekleidung guckt hinter der Ecke eines Lehmhauses hervor. Zu sehen ist vom gesicht eigentlich nur das rechte Auge und ein Teil der Stirn; das Kind scheint verängstigt. Der Hintergrund des Hochkant-Fotos ist eine weitere Lehmwand einer anderen Behausung.

Natürliche Momente und Begegnungen machen die besten Strassenfotos oder Schnappschüsse. Dabei ist die direkte Interaktion der Protagonisten mit der Kamera nicht unbedingt der ideale Ausgangspunkt, aber eine starke Emotion kann ein Bild enorm aufwerten – hier ist es die Mischung aus Furcht, Scheu und Neugier, die das Mädchen im Kopftuch an den Tag legt. Es entsteht sofort ein Austausch, indem wir uns als Betrachter ein wenig schämen für unsere unverfrorene Neugier, die aber durch diejenige des Mädchens sofort relativiert wird:

Es hat an der Kamera ebenso ein Interesse wie umgekehrt.

Das Bild zieht uns so durch die menschliche Interaktion an, mehr als durch die fotografische Komposition. Wir suchen sofort nach dem Gesichtsausdruck, finden das scheue Auge der jungen Dame und ihre Stirn. Dort blieb ich hängen, weil ich etwas ausmache, was entweder ein Stirnrunzeln oder die Narbe einer Verletzung ist – und hier fangen die Geschichten im Kopf an, zu entstehen.

Bis hierhin ist das Bild sehr gelungen, wenn ich mir auch ein bisschen mehr vom Gesicht des Mädchens wünschen würde – wobei gerade darin ein Teil des Reizes liegt, dass ich mehr herausfinden will.

Technisch und von der Komposition her wünsche ich mir aber noch was von dem Bild. Irgendwie vermischt sich hier nämlich alles: Vordergrund, Subjekt und Hintergrund, weil alles fast in der gleichen Schärfenebene liegt.

Du warst zwar mit einer langen Brennweite unterwegs (160mm), und es ist sehr gut, dass Du den Boden der Gasse hinter dem Mädchen ins Bild einbezogen hast. Aber bei Blende 5.6 ist gerade bei einem grösseren Abstand zum Fokuspunkt (dem Gesicht des Mädchens) der Schärfentiefe-Effekt nicht mehr so ausgeprägt.

Das führt dazu, dass die Lehmwand am rechten Bildrand recht weit in den Vordergrund des Bildes hinein scharf ist. Ebenso ist der Hintergrund für meinen Geschmack etwas zu deutlich akzentuiert. Bei einer weiter geöffneten Blende einer lichtstärkeren Optik wäre just in so einem Schnappschuss eine wesentlich bessere Freistellung des Gesichts erzielt worden, was dem Bild Tiefe und damit der Blickkontakt-Beziehung zum Mädchen mehr Nähe verliehen hätte. Die Alternative zu einer grösseren Blende häte darin bestanden, ein paar Schritte auf das Mädchen zu zu machen – was aber im Bildausschnitt Boden gekostet, dafür eine geringere Schärfentiefe gebracht hätte.

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Mit den zwei Gesetzesinitiativen Stop Online Piracy Act (SOPA) und Protect IP Act (PIPA) versuchen Kräfte innerhalb der USA, dem Missbrauch urheberrechtlich geschützter Inhalte im Netz endgültig einen Riegel vorzuschieben. Erreicht werden soll dies nach den Vorstellungen der Befürworter, indem das US-Justizministerium sowie Urheberrechtsinhaber unterschiedliche, weitreichende Massnahmen beinhaltende Verfügungen gegen die Betreiber von Websites beantragen können, auf denen ihrer Ansicht nach Urheberrechtsverstöße vorkommen. Auch sollen Suchmaschinen entsprechende Links blockieren, während Internet-Provider in die Pflicht genommen werden, durch Eingriffe in das Adresssystem des Internets den Zugriff auf “Schurkenseiten” zu verhindern, ohne dass die betroffenen Angebote die Möglichkeit bekommen, vor Gericht angehört zu werden.

Am heutigen Mittwoch protestieren Anhänger eines nicht zensierten Internets weltweit gegen das Gesetzesvorhaben. SOPA und PIPA laufen darauf hinaus, dass eine kleine Interessengruppe auf nicht verhältnismäßige Art und Weise die Aktivitäten von hunderten Millionen von Menschen, von Organisationen und Unternehmen im Internet quasi nach Belieben einschränken kann und damit einen umfassenden Kollateralschaden zur Durchsetzung der eigenen Interesse in Kauf nimmt. Das betrifft auch uns in Europa: Websites ausserhalb der US-amerikanischen Jurisdiktion würden SOPA genau so zu spüren bekommen.

Die englischsprachige Seite von Wikipedia geht heute wie diverse andere Angebote 24 Stunden lang offline, um gegen eine “zerstörerische Gesetzgebung” zu protestieren. Wikipedia-Gründer Jimmy Wales sieht mit dem Gesetz das Recht auf freie Meinungsäußerung bedroht – in den USA und auch im Ausland.

Wir, die Redaktion von fokussiert.com und das gesamte Team von Blogwerk sprechen uns gegen derartige Eingriffe in die grundsätzliche Funktionweise des Internets aus. Dass Urheberrechtsinhaber gegen Verstöße vorgehen, ist legitim. Dabei muss jedoch die Verhältnismäßigkeit gewahrt werden. Dies ist bei SOPA und PIPA nicht der Fall.

Wer sich über die geplanten Gesetzesvorhaben informieren will, findet hier weitere Infos:

• Umstrittenes US-Internetgesetz: Wikipedia schaltet ab – aus Protest
• SOPA kurz erklärt
• Wikipedia: Stop Online Piracy Act

(Foto: Flickr/philcampbell, CC BY 2.0)

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Hahnenkampf, Wintertag, Modewoche

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Im Auge – Theater, Kinder, Kamele

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Lichterglanz, Tunnelblick und ein verstecktes Schaf.

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Sprünge ins Wasser, ein Treppengang und ein Begräbnis.

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Haiti gedenkt des Erdbebens, Indien der Kinderlähmung und Schottland steht vor einem Referendum.

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Kommentar des Fotografen:

In den Voralpen bei leicht nebligem Wetter auf der Suche nach einer Abfolge von Landschaftskulissen bis an den Horizont. Angestrebt waren nicht Silhouetten bei Gegenlicht. Mit dem seitlich einfallende Abendlicht zeigte sich sich die erwünschte Farbigkeit. Nach längerem Suchen fand sich schliesslich mit dem Blick in ein kleines Seitental eine Situation, die mich ansprach.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Peter Künzler:

Obwohl ich schon seit Jahren nicht mehr wirklich in den Bergen war, möchte ich, seitdem ich Dein Bild gesehen habe, unbedingt mal wieder wandern gehen. Diese Majestät, diese Weite hatte ich fast vergessen, bis sie Dein Foto in Erinnerung brachte.

Das war auch der Grund, warum ich es mir herausgesucht habe – und mit ein bischen Feilen kann man hier ohne großen Aufwand noch das Tüpfelchen aufs “I” bringen. Daß Du eine Hochformataufnahme für eine Landschaft gewählt hast, die sonst oft im Querformat dargestellt wird, stört mich nicht im geringsten:

Im Gegenteil, die Art, wie die Linien im Bild verlaufen wäre sonst weit weniger dramatisch und es wäre meines Erachtens keine so effektvolle Darstellung.

Was mich allerdings stört, sind die blassen Farben, wo doch ein Foto wie dieses durch Kontraste und Farben erst zum Leben erwacht. Zum Verhängis wurde Dir hier derselbe Dunst, der Dich ja erst zur Aufnahme bewogen hat. Er bringt die Tiefe ins Bild, schafft erst die verschiedenen Ebenen, durch die es wirkt – und läßt gleichzeitig die Farben, die Dich Deiner Aussage nach so fasziniert haben, verblassen. Das Rot und Orange der Laubbäume, das in der bläulichen Luft hier kräftig leuchten könnte, schwächelt zwischen den Hügeln, und das Gelb-Grüne der Wiesen, die den Raum zwischen den dunklen Tannen ausfüllen und ein visuelles Kontinuum von vorne nach hinten bilden und so das Auge des Betrachters leiten, ist ebenfalls etwas blutleer. Und da ist auch noch der blasse Himmel…

Das hätte in der Nachbearbeitung ohne großen Aufwand korrigiert werden können, wie Du an meinem Beispiel siehst. Ich habe mehr draufgepackt, als ich normalerweise nachbearbeite, damit der Unterschied wirklich deutlich wird. Wie sehr Du daran “drehst”, bleibt natürlich Dir überlassen, aber um diese Berglandschaft wirklich so aussehen zu lassen, wie ich das als Betrachter erwartet hätte, bedarf es nicht sehr viel.

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Von der Antarktis bis zum Nordpol – die Welt an einem Tag.

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Kommentar des Fotografen:

Ein ausgedientes Cadillac Deville Coupé von 1955, das auf dem Hof eines Autohändlers sein Gnadenbrot geniesst. Schon tagsüber ein respektabler Anblick, lassen sich bei Nacht, wenn die Straßenlaterne von links durch den Fahrerraum strahlt und vorne auf der Straße Fahrzeuge hinzukommen, mit den Formen der Karosserie schöne Motive gestalten.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Frank Wahner:

In dieser hochformatigen Schwarz-Weiss-Fotografie ist ein Teil der Karosserie eines Autos aus den siebziger Jahren oder von noch früher zu sehen. In einem kühnen Bogen schwingt sich von unten links eine Chrome-Scheibenfassung durch das Bild in die Linke Mitte.

Darüber ragt in einer Diagonalen die Windschutzscheibe des Fahrzeugs nach links oben; wir blicken durchs Glas ins Autoinnere. Im Hintergrund ist unter einer Strassenlaterne ein weiteres Fahrzeug in der Tiefen-Unschärfe gerade noch zu erkennen.

Inzwischen ist es eine häufig gesehene Masche, aus einem nicht sonderlich spannenden Bild eine Schwarz-Weiss-Version zu machen, um dem insgesamt mässigen Bild einen künstlerischen Anstrich zu verleihen. Umso wohltuender ist es, Schwarz-Weiss-Fotos zu finden, die offensichtlich mit geschultem Auge gesehen und fotografiert wurden.

Diese Aufnahme ist lebendig, und zwar ganz ohne Farbe und ohne konkretes Subjekt im Motiv. Hier sind Andeutungen, Linien, Flächen, Materialien zu sehen; es sind elegante Kurven zu erahnen und in schummrigem Licht im Hintergrund zu vermuten.

Es ist der Unterschied zwischen Bild und Abbildung, zwischen Form und Gegenstand, zwischen Erotik und Pornographie: Andeutungen, Verlockungen, Reize statt Hochglanz-Inszenierung. In einem winzigen Ausschnitt aus dem Design des Autos, das Du zum Motiv gemacht hast, zeigst Du ein Fülle von Elementen seiner Ästhetik. Materialien, Linien, Formen, Lichtspiele; Chrom, gebogenes Glas, Lack und Leder, Glanz und Mattheit.

Das ist keine Schnappschuss-Fotografie, das ist erkennbar geplant, beobachtet und gut gesehen, vermutlich perspektivisch ausgereizt und sorgfältig ausgewogen. Das Husarenstück der Aufnahme besteht darin, trotz fachkundiger Kenntnisse über das Motiv von der Marke über den Typ bis zum Baujahr der Versuchung zu widerstehen, es als ganzes abzubilden und Dich stattdessen der Verliebtheit in die Form zu widmen.

Dein Kommentar lässt vermuten, dass Du den Wagen tagsüber gesehen und die Möglichkeiten für die Fotografie des nachts antizipiert hast. Diese Fähigkeit ist erstrebenswert und nur zu erreichen, indem man die Möglichkeiten auch wirklich ausprobiert, abends nochmals hingeht, die Vermutungen überprüft und die Perspektiven durchgeht: In der Landschaftsfotografie genauso wie hier. Dazu kann man nur gratulieren.

Mich lässt lediglich die Randnähe der Lichter oben rechts ein bisschen zögern und fragen, ob sie nicht ein Mü weiter ins Bild hineingebracht hätten werden müssen. Und das kleine Staubkorn im Wageninnern auf dem Leder der Innenausstttung, es zieht mich immer wieder an und wirkt ablenkend – aber weggeklont würde es die Aufnahme möglicherweise zu sehr sterilisieren. Auf jeden Fall handelt es sich hier um eine echte Schwarz-Weiss-Fotografie.

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Gläubige in Indien, Politiker in den USA und Deutschland, Künstler in Spanien und den USA.

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Die giftig-grüne Mamba hat bereits viel zu reden gegeben: Das Bild von Georg May hat ausserdem den Monatspreis des Novembers gewonnen. Er erhält die hundert Euro, die wir jeden Monat ausschreiben. Aber es gab andere, die dicht dran waren:

Florian Tetschke hat während einer Klettertour am Gardasee dieses Bild geschossen, das die Kritiker für den zweiten Platz überzeugte.

Marcel C. nennt seine Fotografie, die im Einsatz in Afghanistan entstanden ist, “Schönwetterfront”. Claudia Portmann-Caminada hat in Venedig die vielfotografierte Architektur von der Rialtobrücke aus bei Nacht fotografiert.

Carsten Schröder schliesslich hat einen Schnappschuss eingereicht, der die Kritiker für den fünften Platz überzeugte:

“Ich wollte das Model fotografieren, aber die Belichtungsautomatik hat auf den Blitzschirm belichtet und das Model kam nur noch als Scherenschnitt zur Geltung. Zu Hause am Monitor gefiel mir das Bild dann so gut, dass ich es minimal weiter bearbeitete, d.h. die Halskette zur Geltung bringen, störende Elemente entfernen, durch Transformieren den Ausschnitt optimieren und abschließend das Bild spiegeln, damit der Blick in die “richtige” Richtung geht.”

• Foto des Monats Januar: Das Geisterhaus (7. Februar 2011)
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Im zweiten Jahr in Folge war auch die Öffentlichkeit zur Abstimmung über ihre Lieblingsbilder aufgerufen. Das gefiel besonders Jurymitglied Thomas Gerwers, Chefredakteur der Fachzeitschrift ProfiFoto: «So findet der Wettbewerb nicht im stillen Kämmerlein statt, sondern alles ist transparent.»

«Hasselblad Masters 2012

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (11 Bilder)

Die Gewinner werden jetzt eine Bildserie zu dem Thema «evoke» (Vorstellungen erzeugen, evozieren) erstellen. Sie sollen ihre individuellen Ansichten zu diesem Thema bildlich umsetzen.

Die Ergebnisse werden der Öffentlichkeit im September im Rahmen der photokina in einer Sonderausstellung präsentiert. Ebenfalls zur photokina erscheinen die Bilder der diesjährigen Preisträger in Buchform mit dem Titel «Masters Vol. 3 – EVOKE».

(mit Material von Hasselblad)

Weitere Informationen über die neuen Masters 2012 und ihre Fotos unter: www.victorbyhasselblad.com

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Kommentar des Fotografen:

Nikon F3, Film: TMAX 3200. Konzertfotografie mal anders. Es geht mir um Stimmung und die Musik, nicht um die jeweiligen Musiker. Das vorhandene Licht verwenden ohne die Stimmung wegzublitzen.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Katharina Heinrich:

Gute Fotos leben von Stimmung und/oder Details, welche, im Idealfall effektvoll komponiert, eine Bildaussage ergeben, die den Betrachter bewegt. Wie der Fotograf das umsetzt, bleibt ihm überlassen. Manche Bilder leben hauptsächlich von Stimmung, andere hauptsächlich durch Details, die man nach und nach im Foto entdeckt. Am einen Ende des Spektrums – überwiegend Stimmung – stelle man sich etwa eine Aufnahme vor, die verschwommen etwas im Nebel zeigt, am anderen eine Makrofotografie, die detailliert den Kopf einer Fliege zeigt.

Konzertfotos sind eine Kunst für sich:

Es gilt, den Musiker oder die Band in einem Augenblick einzufangen, der nicht nur die Stimmung des Konzerts festhält, der die Musik irgendwie mitschwingen läßt, sondern auch die Emotionen im Gesicht oder der Haltung des Musikers. Ein meines Erachtens gutes Beispiel ist ein Bekannter meinerseits, Juan-Carlos Hernandez, der sich auf diese Art Fotografie spezialisiert hat. Manche seiner Aufnahmen sind Stimmung pur, andere eine Mischung, manche sehr experimentell, andere “klassisch”. In allen Fällen hat er jedoch die Regeln eindeutig gekannt, wenn er sie gebrochen hat.

Du hast hier Deiner Aussage nach die Stimmung des Konzertes einfangen wollen. Man blickt, wie der Musiker selbst, ins Scheinwerferlicht. Zu sehen ist nur die Silhouette des Sängers, sein ausgestreckter Arm mit Mikrofon. Da man bei Bühnenaufnahmen nie mit Blitz arbeiten sollte, sondern statt dessen mit einem schnellen ISO, ist die Körnung entsprechend hoch, wie hier auch ersichtlich. Das paßt zum Foto, es gibt ihm, wie auch die Schwarzweißumsetzung, einen dokumentarischen, spontanen Charakter. Auch in einem Fall wie diesem sollten allerdings bestimmte Elemente trotzdem vorhanden sein – oder gekonnt weggelassen werden.

Was mir an Deinem Foto negativ auffällt, ist, daß der Sänger seinen Kopf verloren hat. Er sieht irgendwie aus wie Quasimodo, und daran ändert auch die Tatsache nichts, daß man die Haare noch so andeutungsweise sieht, denn auf der rechten Seite verschwimmt alles ins Schwarze. Hätte man ihn mit gesenktem Kopf etwa im Halbprofil gesehen, wäre das meiner Meinung nach eine bessere Aufnahme geworden. Das Bild hätte immer noch von der Stimmung profitiert.

In der Rubrik “Bildkritik” analysieren Profi-Fotografen im Auftrag von fokussiert.com montags bis freitags jeweils ein Foto aus der Leserschaft.
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Kommentar des Fotografen:

Tableau Vivant nach dem Gemälde “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben vor drei Zeugen” von Max Ernst. Im Originalbild liegt der Jesusknabe mit dem Rücken nach oben gewandt auf dem Schoß der Maria. Der auf dem Boden liegende Heiligenschein – hier durch den Knebel ersetzt – symbolisiert die Entheiligung des Jesuskindes, ein unerhörter Vorgang. Das Bild war deshalb auch Anlass für die Exkommunikation Max Ernst´s aus der Katholischen Kirche. In meiner Interpretation wird der Jesusknabe durch den Fetisch – Frauenbeine – ersetzt, Requisiten wie die Reitgerte und der Knebel lassen Assoziationen zur SM-Szene zu. Der Kulissenartige Hintergrund wurde, passend zum Thema, aus der Fassade des Diözesanmuseum Köln in PS konstruiert. Der Wandel von Moralvorstellungen, Sexualpraktiken und Toleranz, oder Inntoleranz der Kirche, wird im Kontext des Originalbildes thematisiert.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Horst Hazfeld:

Dein Bild war für mich ein “gefundenes Fressen”, wie man so schön auf Deutsch sagt. Erstens einmal sehen wir so etwas hier nicht alle Tage, und zweitens MUSS man das Bild interpretierend besprechen, wovon ich sonst meistens (u.a. aus Platzgründen) absehe.

Berühmte Künstler zu “zitieren”, ist immer mutig, sie umzuinterpretieren gewagt. Wenn man dieses auch noch in einem anderem Medium tut… Zunächst einmal ein paar Worte zum Original:

Als Max Ernst, ein berühmter deutscher Vertreter des Dadaismus und Surrealismus, das Original “Die Jungfrau züchtigt den Jesusknaben” 1926 zum ersten Mal in Paris ausstellte, löste er damit einen Skandal aus. Später in Köln erwirkte der Kölner Erzbischof die Schließung der Ausstellung und exkommunizierte Max Ernst wegen Gotteslästerung.

Allgemein wird das Original als Kritik Ernsts nicht nur an der Katholischen Kirche und ihrer Madonnenverehrung, sondern auch als Auseinandersetzung mit seiner eigenen Jugend in einem extrem streng-katholischen Haushalt verstanden, wo körperliche Züchtigungen an der Tagesordnung waren. Die Jungfrau ist, wie auch in “klassischen” Madonnendarstellungen sonst auch, in rot und blau gekleidet, das Jesuskind ist nackt. Es wird allerdings nicht, wie sonst üblich, lieblich auf dem Arm gehalten, sondern vor den Augen von drei Zeugen (u.a. dem Maler selbst) mit der bloßen Hand so geschlagen, daß seine Pobacken bereits gerötet sind. Die “Zeugen” in Max Ernsts Bild schauen nicht wirklich hin, und eingegriffen wird schon gar nicht.

Du hast hier das berühmte Original dahingehend uminterpretiert, daß Du a) den Jesusknaben durch Frauenbeine aus Plastik ersetzt hast, und b) den Heiligenschein durch einen Knebel. Es wird auch nicht mehr mit der bloßen Hand geschlagen, sondern mit einer Reitgerte, und aus drei “Zeugen” wurde einer. Der Raum ist fast vollständig dem Original nachempfunden. Auch trägt die Frauengestalt rot und blau.

Wenn Du auch Max Ernst offen zitiert hast, hast Du doch mit diesem Bild etwas geschaffen, was von ihm losgelöst interpretiert werden muß. Die Frauengestalt hat für mich etwas von einer Domina, allerdings paßt es nicht, daß sie unter dem Bustier noch ein Tanktop trägt. Auch der lange Rock paßt zum Bild der Domina nicht. Ich hätte ihn zumindest so aufgeschlitzt, daß man das dem Betrachter zugewandte Bein vollständig sieht. Die “Madonna-Domina” wirkt, als hätte man sich nur halb getraut, sie auszuziehen.

Sie schlägt mit der Reitgerte auf Plastik-Frauenbeine ein. Diese kann man als Fetisch interpretieren, als etwas, das von Männern idealisiert und sexualisiert wird, insbesondere mit Schuhen wie diesen. Allerdings könnte man argumentieren, daß es in einer SM-Situation darum geht, daß die Domina den Mann erniedrigt – wie dazu die Frauenbeine passen, ist mir nicht ganz klar. Das wird auch dadurch bestätigt, daß ein Knebel auf dem Boden neben der Frauengestalt liegt.

Du hast, wie oben erwähnt, nur einen Zeugen belassen. Der wirkt hier, als befände er sich in einer Peepshow, macht aber auch irgendwie einen desinteressierten Eindruck. Er schaut dabei zu, wie die “Jungfrau” auf die Frauenbeine einschlägt. Es heißt, daß Männer davon angesprochen werden, wenn Frauen sich mit Frauen vergnügen, aber in diesem Kontext (Knebel) paßt es für mich wiederum nicht ganz.

Fazit ist, daß irgendwie durchdringt, was Du hier versucht hast, aber es wirkt wie nicht ganz zu Ende gedacht.

Zum Technischen selbst ist noch zu sagen, daß sich auf der rechten Achsel des Modells ein merkwürdiger Schatten befindet, der wohl durch die ursprüngliche Aufnahme verursacht wurde, mich hier aber stört. Auch stimmen die künstlichen Schatten nicht ganz mit den Lichtverhältnissen des ursprünglichen Bildes überein. Diese kann man, wenn man es in Photoshop geschickt anstellt, so mit in ein anderes Foto bringen, daß es vollkommen natürlich wirkt. Daß die Fotoelemente des Bildes leicht verschwommen aussehen, mag an der Auflösung liegen.

Insgesamt meines Erachtens ein guter Ansatz, an dem ich allerdings noch etwas feilen würde.

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