Kommentar des Fotografen:

Pas Portrait ist in meinem kleinem Hobby-Studio entstanden. Wollte den schweissüberströmten (Wasserzerstäuber) Mann ablichten. Dabei sollte das Motiv nicht in der Bildmitte zu liegen kommen. Mit Photoshop habe ich mir ein stimmige Farbe ausgewählt, die das Bild noch interessanter machen sollte. Ist das geglückt?

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Thilo Burger:

Du hast Dir – nüchtern betrachtet – ein sehr schlichtes Motiv ausgesucht: Einen Bauch. Einen schweißüberströmen Männerbauch. Aber wie so oft liegt in der Reduktion auf das Wesentliche ein Reiz, der auf in diesem Bild enthalten ist.

Behutsam hat der Fotograf das Bild nachträglich in Sepia-Töne getaucht, was bei mir Assoziationen an alte Western, Wiskey-Werbung und Zigarre rauchende alte Männer in einer kubanischen Kleinstadt weckt. Alles Kopfbilder, die sich ebenfalls gut mit Männlichkeit verknüpfen lassen. Der Farbton ist daher sehr passend gewählt und kein billiger Effekt um des Effekts willen.

Durch das seitliche Licht wird die Struktur des Bauchs, der Wasserperlen (die ebensogut echter Schweiß sein könnten), des Hemds und vor allem der Hand gut hervorgehoben. Durch die vielen Texturen wird das Bild sinnlich erlebbar und glaubwürdig.

Gelungen ist ebenfalls die nach unten abfallende Linie des Hemds, die den Blick durch das Bild führt. Ohen die Hand wäre der Verlauf auch ein anderer und bei weitem nicht so spannend arrangiert.

Ich erwähnte schon, dass die Reduktion auf das Wesentliche reizvoll ist. In diesem Fall hätten zwei weitere Reduktionen das Bild noch etwas verbessern können. Die Kette oben und das Muster auf der Unterhose lenken etwas ab. Wenn der Bildausschnitt einen Zentimeter tiefer gelegen hätte, wäre die Kette “automatisch” verschwunden, und der Gürtel wäre nicht angeschnitten.

Trotz dieser winzigen Verbesserungsmöglichkeiten schon ein sehr gelungenes Foto, welches das gewünschte Motiv passend darzustellen versteht.

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Eigentlich bin ich am Sonntag auf den Erdbeerhügel im Goldengate-Park spaziert, um den Kolibris aufzulauern. Aber schon unterwegs fragten mich andere Parkgänger, ob ich die Eulen suche oder die Falken (man kennt hier die Parktiere schon fast beim Namen – dabei sind sie alle wild!), und übrigens sässen zwei der Jungfalken (oder Habichte? “Hawks”) oben auf dem Berg gut sichtbar in einer Tanne.

Vogel-Fotografie

Fotostrecke starten: Klick auf ein Bild (16 Bilder)

Ich liess also die Kolibris surren und machte mich auf die Suche nach den beiden Falken, die tatsächlich keine drei Meter über den Köpfen der Spaziergänger in einem Pinetree sassen. Die “Session” mit den Hawks (ich weiss nicht, ob es Habichte oder Falken sind) war eine entspannte Sache, die Bilder dank 400mm (600mm KB) ganz leidlich. Aber einmal mehr wurde mir bei der Durchsicht der rund 200 Aufnahmen deutlich, dass ein gut sichtbares Wildtier im Rahmen noch kein gutes Foto ist.

Mit Vögeln als Motiv schlage ich mich hier in Kalifornien übungshalber am liebsten herum. Zwar ist der ganze Staat ein einziger gigantischer Tierpark, und ich habe in selbst im Schweizer Nationalpark nie solche Ansammlungen an Rehen, Hirschen oder Murmeltieren (ground squirrels) gesehen, wie sie einem hier in nicht nur in der Dämmerung in jeder Kurve des Küstenhighways vors Motorrad traben (ausserdem gibt’s jede Menge Bären und gelegentlich Pumas).

Selbst mitten ind er Stadt ist die Artenvielfalt kaum fassbar. In den Strassen San Franciscos begegnet man abends durchaus auch einmal einer Waschbärenfamilie oder einem Paar Coyoten.

Am einfachsten sichtbar aber sind die verschiedenen Vögel, die im Golden Gate Park leben: Neben Enten und Kanada-Gänsen gibt’s mindestens einen Night-Heron, ein halbes Dutzend brütende Blaureiher, ebenso viele grosse Eulen (ich kenne die Art nicht, aber sie haben Pinsel auf den Ohren), Hawks, Truthahn-Geier, Mockingbirds, Bluejays und natürlich die Kolibris.

Sie alle haben eins gemeinsam: Es ist nicht ganz einfach, ihnen für ein gutes Bild nah genug zu kommen. Was mit Gänsen, Enten und den frechen Möwen kein Problem ist, wird bei Blueheron und Hawk ebenso zur Herausforderung wie bei den Kolibris. Mit einem Unterschied: Die grossen Vögel sind leichter zu entdecken und fallen im Geäst auf (ausser den Eulen) – dafür bleiben sie aber meist auf Distanz. Die Kolibris und die übrigen kleineren Gesellen schwirren einem zwar sozusagen um den Kopf, aber für eine vernünftige Aufnahme müsste man sie in unmittelbarer Nähe vor der Linse haben, und das ist nicht einfach zu bewerkstelligen.

Und selbst wenn man sie mal vor dem Objektiv hat, stellen sich weitere Probleme. Sitzende Vögel sind nun mal nicht sonderlich spannend. Allerdings kann man, die nötige Geduld vorausgesetzt, durchaus spannende Momente erwischen: Der eine der beiden Jungfalken gestern tat mir den Gefallen, sich sehr ausgiebig zu strecken, bevor er abhob – und gab dabei eine eher ungewöhnliche Pose ab. Der andere kratzte sich irgendwann und sorgte für ein Bild, das zumindest seine beeindruckenden Krallen zeigt.

Andere Beispiele sind der Weissreiher, der gähnte und dabei seine Lanzett-Zunge zeigte. Oder die drei Möwen, die auf einem Zweiplatz-Baum “Reise nach Rom” spielten und mir eine Kampfszene lieferten.

Aber wirklich beeindruckend sind Vögel eigentlich erst im Flug. Bilder wie diese “Trittbrettfahrer”-Möwe auf einem Adler im Zustoss auf einen Fisch von Winfried Wisniewski sind immer wieder aufs neue faszinierend.

Und dass sie weder auf Zufällen basieren noch leicht zu erzielen sind weiss jeder, der auch nur schon einen prächtigen Vogel überhaupt in der Luft abbilden wollte.

Diese Serie meines ersten Weisskopf-Adlers (am Lake Shasta in Kalifornien) illustriert bestens das Problem: In den Bäumen sitzend, ist es nur ein langweiliges Bild mehr vom amerikanischen Wappentier. Als sich der Adler dann aber von seinem Ast in die Luft erhob, war ich zwar auf unserem Hausboot nah genug dran und sogar der Hintergrund wäre ideal gewesen, um den Vogel freizustellen – mehr noch, im Vorbeiflug hätte die Sonne sein gefider durchleuchtet – aber ich war zu ungeschickt mit dem schweren Tele, und dessen Autofokus war viel zu langsam, um mit dem dahingleitenden Vogel mitzuhalten. Es wäre wohl meine persönliche Jahres-Topaufnahme geworden.

Ähnliches habe mit allen Vogelarten erlebt, die ich bisher intensiver zu fotografieren versuchte. Die brütenden Blaureiher im Geäst der Pinien am Stow Lake im Golden Gate Park werden schnell langweilig, wenn sie nicht fliegen oder zu fliegen versuchen – und wenn sie es tun, werden sie sofort zu einem um Faktoren schwieriger zu fotografierenden Motiv.

Die Kolibris lassen einen zwar auf zwei Meter herankommen, sind dann aber immer noch sehr klein im Sucher und fliegen dermassen schnell, dass es keine Möglichkeit gibt, ihnen mit der Kamera zu folgen: Die einzige Chance besteht darin, eine der Futterblumen anzuvisieren und zu warten, bis einer der Winzlinge sich daran gütlich tut.

Das wiederum verlangt zwar viel Geduld, aber es hilft, ein weiteres Problem zu Lösen: Der Vogel soll im Bild so plastisch wie möglich wirken und muss deshalb vor einem Hintergrund freigestellt werden, der seine Farben und Konturen betont und ihn nicht darin verschwinden lässt. Hier kamen mit gestern die beiden Junghabichte entgegen: Ihr Gefieder hat noch einen hohen Weissanteil, was auch hilft, sie im Geäst überhaupt zu entdecken. Die Kolibris dagegen sind nur bei bestimmtem Lichteinfall überhaupt so knallbunt, wie man sie von den schönsten Fotos kennt, deshalb ist eine Position mit praller Abendsonne und schattigem Hintergrund ideal.

Was ich (nicht nur gestern, sondern auf vielen Ausflügen auf der Jagd nach Kolibris, Pelikanen, Kormoranen, Truthahn-Geiern und all den Reihern im Golden Gate Park) gelernt habe:

• Ich bin den Vögeln nie nah genug, egal wie dicht ich dran bin. Deswegen benutzen Naturfotografen Tarnzelte und harren wochenlang aus, bis sie die Vögel wirklich dicht vor der Linse haben.
• Der Himmel ist ein sehr undankbarer Hintergrund für Vogelbilder – denn so sehen wir die Tiere meistens. Spannender wird es, wenn es gelingt, die Tiere aus einer ungewohnten Perspektive (gleiche Höhe oder sogar von oben herab) zu fotografieren und sie vor einem dunklen, Kontrast bietenden Hintergrund freizustellen.
• Im Geäst sitzende Vögel sind meist langweilig, egal wie schön oder beeindruckend das Tier im Moment der Aufnahme auf den Fotografen wirkte. Es lohnt sich, auf eine Aktion oder den Abflug zu warten.
• Fliegende Vögel sind eine enorme Herausforderung an Fokussier-Vermögen und Mitzieh-Fähigkeiten eines Fotografen. Ich nehme an, Übung macht den Meister – und ein schneller Autofokus hilft dem Amateur.
• Geduld und Erfahrung mit einer speziellen Vogelart sind ein grosser Vorteil. Ich habe die brütenden Blaureiher eine Saison lang fast täglich besucht und einiges über ihr Verhalten gelernt, so dass ich schliesslich wusste, wann die grösste Chance auf Aktivitäten im nest zu erwarten waren. Die Kolibris auf dem Strawberry Hill dagegen schienen sich bei meinen Jogging- und Spazierausflügen auf eine Stelle im Wald für ihr Abendbrot zu konzentrieren, die dank Sonnenlicht und dunklem Hintergrund ideal war – aber stundenlanges Herumsitzen hat dennoch nur wenige halbwegs interessante Bilder ergeben.

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Kommentar des Fotografen:

Es handelt sich hier um erste Gehversuche mit neuer Kamera. Ich bin zwar kein Anfänger in der Fotografie, aber von der Qualität, die mir vorschwebt, noch sehr weit entfernt. Ich möchte mich in nächster Zeit auf Architektur und Industrie konzentrieren. Als nächsten Schritt möchte ich das Augenmerk auf Gestaltung und Aussage des Bildes legen. Eins nach dem anderen…Ich bitte um Kommentierung der ersten Versuche hier, denn besser werden hat noch keinem geschadet…

Profi Thomas Rathay meint zum Bild von A Wagner:

Die Nacht ist nicht allein zu schlafen da, sang Gustaf Gründgens schon 1938 im „Tanz auf dem Vulkan“. Und auch in deinem Bild bricht etwas aus, leider sind es in diesem Fall die Lichter, und das ist ganz selten erwünscht:

Die Tiefen haben meistens sogar noch etwas Zeichnung, nur links im Bereich der Mole saufen Sie ab. Soweit die Fachtermini.

Was bedeutet das? Wenn in den Lichtern keine Zeichnung mehr ist, scheint beim späteren Druck das Papier durch, weil keine Farbe aufgetragen wird. Bei normalen Fotoabzügen für den Hausgebrauch ist das keine Problem, auch wenn du auf hochwertigen Papier druckst, kann es noch gut aussehen; doch stell dir vor, du hast das normale Zeitungspapier! Dann ist dein Weiß nicht mehr weiß, sondern so grau oder braun wie das Papier der holzhaltigen Gazette. Nichts gegen Spitzlichter, das sind die Kontraste, die das Salz in der Suppe der Fotografie sind, aber flächig, wie hier auf dem Wasser oder dem Haus, vom Bildbetrachter rechts neben dem Kran, ist zu viel des Guten.

Wenn du rein schwarze Flächen hast, sieht es später im Druck aus, als wenn jemand eine Zigarette ausgedrückt hat. Ein schwarzes Loch, nichts weiter.

Deswegen sollte man die ganz dunklen Stunden in der Nacht vielleicht doch schlafen und sich Zeit nach oder vor der Dämmerung zu nutze machen – Stichwort Blaue Stunde -, um dem Himmel und auch den nicht beleuchteten Flächen noch etwas Zeichnung zu verleihen.

Nun hattest du gesagt, du hast das Bild schon retuschiert und ein HDR erzeugt. Waren deine Ausgangsbilder in der Belichtung weit genug gespreizt? Hattest du im Hellsten Bild kein Schwarz mehr und im dunkelsten kein reines Weiß?

Dann sollte es kein Problem geben, diese angesprochenen Mängel zu beseitigen.

Genauso gut kannst du das Bild noch gerade richten. Wenn schon Wasser im Spiel ist, dann kann es auch in der Waage sein. Gerade solch geometrische Motive verlangen entweder nach korrekten und ausgerichteten Linien oder extrem außergewöhnlichen Perspektiven.

Das ganze könnte dann in etwa ähnlich aussehen wie in meinem Beispielbild.

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Daneben hat Klaus Staeck auch seine Begegnungen mit prominenten Zeitgenossen in zahlreichen Porträts festgehalten. Die Fotos sind aktuell zusammen mit Plakaten und Drucken in Berlin zu sehen.

“Schöne Aussichten” heißt die Ausstellung in der Berlinischen Galerie. Für wen oder was auch immer das gemeint sein mag. Bilder wie Plakate und Fotomontagen wirken zeitlos aktuell. Mit den Banken und ihrem Geschäftsgebahren zum Beispiel beschäftigte sich Staeck jedenfalls schon lange vor dieser Finanzkrise und bleibt auf der Höhe der Zeit.

Sein fotografisches Werk zielt auf die Entlarvung dessen, worüber man sonst achtlos hinwegschaut. Hier spielt wie bei den satirischen Plakaten häufig Text eine zentrale Rolle, in Gestalt von Schildern, Werbung, Hinweisen, deren Inhalt im Kontrast zu ihrer Umgebung oder zu ihrem Erhaltungszustand stehen.
Besonders deutlich wird dies etwa bei den Fotos aus Bitterfeld, Klaus Staecks Jugendheimat. Sie entstanden zwischen 1980 und 1991, und die Parolen von DDR-Reklame und politischen Losungen wird durch die traurige Heruntergekommenheit ihres Erscheinungsbildes ad absurdum geführt.
Aber nicht nur dort: In der gesamten Bundesrepublik, auch und gerade in der bunten Konsumwelt des Westens, hat Staeck in den drei Jahrzehnten seit den Siebzigerjahren laufend Motive gesammelt, in denen sich die alltägliche Groteske selbst vorführt.

Eine eigene Gruppe, jedoch ebenfalls nicht ganz frei vom satirischen Blick, bilden Staecks Porträtfotografien. Die hat er ebenfalls seit den Siebzigerjahren bei Begegnungen mit prominenten Zeitgenossen des kulturellen öffentlichen Lebens aufgenommen. Mit dabei unter anderem Joseph Beuys, George Tabori, Heiner Müller, Egon Bahr, A.R. Penck, Nam June Paik oder Senta Berger. In der Gesamtschau ergänzen diese persönlichen Aufnahmen idie kämpferische, polemische Politkunst des heutigen, erst Anfang Mai wiedergewählten Präsidenten der Berliner Akademie der Künste.

Klaus Staeck, Jahrgang 1939, siedelte mit 18 Jahren aus Bitterfeld nach Heidelberg über und studierte dort Jura. Zur Kunst kam er als Autodidakt. Heute umfasst sein Werk rund 300 Plakate und zahlreiche Fotos, die in über 3000 Ausstellungen präsentiert wurden.

Bekannt ist Staeck seit 30 Jahren durch seine satirische Auseinandersetzung mit der Politik. Die Fotos aus diesen 30 Jahren sind als Buch in der Edition Staeck erschienen unter dem Titel “Frohe Zukunft” (24 Euro). Der Mann macht alles selber – Online-Shop der Edition Staeck über Klaus Staecks Website.

Klaus Staeck – Gute Aussichten
Bis 31. August
Berlinische Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur,
Alte Jakobstraße 124 – 128, D-10969 Berlin
+49( 0)30-789 02-600, bg@berlinischegalerie.de
Geöffnet täglich außer Dienstag 10 – 18 Uhr

Klaus Staeck
Berlinische Galerie

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Kommentar des Fotografen:

Florian Sprengers Bild war die Grundlage für dieses Shooting. Nach seiner Bildbesprechung hier bei fokussiert war er so freundlich, mir die Adresse in Wien zu nennen. Eine Freundin und ein befreundetes Modell aus Wien ermöglichten dann dieses Shooting “on Location” in dieser surrealen Umgebung. Fotografiert habe ich mit einer D80 und dem 24-70 2.8 sowie einem SB-600 auf einem Gorillapod, der die Personen zusätzlich zum Abendlicht ausleuchtete.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Pascal Reis:

Einer der berühmtesten Figuren im historischen Pantheon der Fotografie, nämlich Helmut Newton, schuf Fotos reich beladen mit Stil und Atmosphäre. Zudem, was ebenfalls von großer Wichtigkeit ist, verfügen Newtons Bilder über Kontinuität.

Mit dem Begriff „Kontinuität“ meine ich die Tatsache, dass, während die Botschaft seiner Fotos der Interpretation offen bleiben, die Bilder selbst was Stimmung und Details angeht Beständigkeit aufweisen.

Im Gegensatz zu Newton sehe ich hier allerdings verwirrende, gemischte Botschaften. Der Mann ist gut angezogen, scheint bereit zum Ausgehen, während die Frau vergleichsweise lässig gekleidet ist. Seine Haltung ist entspannt und supercool, sie erscheint dagegen hölzern und unbequem in ihrer Pose. Sie scheinen schlichtweg nicht zusammen zu passen.

Wie oft in der Porträtfotografie ist hier das Setting ein baufälliges Gebäude. Obwohl diese Art von Hintergrund durchaus hilfreich ist, um eine gewisse Stimmung zu erzeugen, verlassen sich Fotografen zu oft und zu sehr auf derartige Settings, um eine Atmosphäre zu schaffen, die besser durch ein Zusammenspiel von Setting, Objekt, Beleuchtung und Komposition erzeugt werden sollte.

In diesem Bild existiert keine klare Verbindung zwischen den Menschen und dem Setting. Weshalb stehen diese beiden Personen inmitten dieses Raumes, auf einem Häufchen Altmetall?

Die Komposition ist nicht schlecht; Du hast das Pärchen an der linken Linie des rechten Bilddrittels platziert und die Rundung des Gebäudes genutzt, um unseren Blick von links nach rechts zu führen. Die Belichtung des Paares ist ein paar Punkte heller als der Hintergrund, was unser Augenmerk auf die beiden zieht.

Aber wieso ist da dieser große weiße Fleck auf dem Fußboden in der linken Bildhälfte? Und auch den weißen, vermutlich unbeabsichtigten Streifen auf dem Bein des Mannes finde ich störend.

Newton war bemüht, bei jedem seiner Fotos aufs Neue ein komplettes Bild mit perfekten Komponenten zu konstruieren. Das wäre auch für Dich ein guter Leitgedanke.

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Gelb und giftig steht das Auto startbereit auf dem Bonneville-Salzsee, bereit für einen neuen Rekord. Seit über 60 Jahren pilgern Menschen aus der ganzen Welt zur Speedweek, dem Mekka der Hochgeschwindigkeit.

Dort in Utah treffen sich alle, die die richtige Portion Benzin im Blut haben, aus allen Alters- und Gesellschaftsklassen. Sie nutzen die einzigartige Möglichkeit, mit ihren manchmal selbstentwickelten und selbstgebauten Vehikeln auf dem absolut ebenen Salzsee so schnell zu fahren, wie es die Fahrzeuge hergeben.

Auf dem weiten Salzsee werden Geschwindigkeitsweltrekorde versucht und erreicht.

Versammelt sind dort die skurrilsten Fahrzeuge – vom klassischen Hot Rod (meist hochgerüstete amerikanische Modelle aus den Dreißiger- und Vierzigerjahren) über getunte, stromlinienförmige Motorräder und Rennwagen bis hin zum turbinengetriebenen Dragster.

Kaum weniger skurril sind die Fahrer und Besitzer dieser Fahrzeuge selbst, und Alexander Babic hat sie mit ihren rollenden Raketen ins Bild gesetzt: freakige und kauzige alte Haudegen und hartgesottene Frauen, deren Leidenschaft für die Hochgeschwindigkeit zu einer lebenslangen Passion geworden ist.

Die Serie Speedweek von Alexander Babic ist in die Auswahl für die Hasselblad-Masters 2009 ausgewählt worden. Dieses Mal entscheidet nicht die Jury allein über diese Preise, die als Nobelpreise in der Fotografie gelten. Erstmals kann auch die Öffentlichkeit mitwirken – über die Abstimmung auf der Hasselblad-Masters -Website.

Dieses Votum fließt dann in die endgültige Entscheidung ein. Wer für zum Beispiel für Alexander Babics Arbeit Speedweek abstimmt (in der Kategorie Up and Coming), kann somit das Ergebnis beeinflussen. Aber das Durchklicken auch der anderen Kategorien lohnt sich in jedem Fall – es gibt eine ganze Menge wunderbarer Bilder zu sehen.

Alexander Babic, Jahrgang 1974, hat mit einer anderen Straßengeschichten namens Roadshow, seiner Diplomarbeit an der Universität Bielefeld bereits den BFF-Nachwuchspreis bekommen. Roadshow (Affiliate-Link) gibt’s auch als Buch. Und wir können uns Alexander Babics Arbeiten einschließlich der Speedweek auf seiner Website anschauen. Ausgestellt sind die Bilder der Speedweek aktuell in der aplanat-Galerie Hamburg.

Alexander Babic – Speedweek
Bis 8. August
aplanat – Galerie für Fotografie, Lippmannstraße 69-71, D-22769 Hamburg
+49 (0)40 43184800, galerie@aplanat.de
Dienstag bis Freitag 15.30 – 19.30 Uhr, Samstag 13 – 17 Uhr

• Alexander Babic
• Hasselblad Masters
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Kommentar des Fotografen:

Das Bild habe ich in Belgien aufgenommen. Habe dem Himmel die Farbe entzogen für mehr Kontrast. Die Stimmung ist herbstlich, was mir besser gefällt. Als fortgeschrittener Anfänger freue ich mich auf die Kritik.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Miro K.:

Landschaftsfotografie ist eine scheinbar einfache Bildgattung: Eine tolle Landschaft als Motiv, die richtige Belichtung – fertig ist das Bild.

Häufig – wie hier – geht es aber gar nicht um die Elemente der Landschaft, sondern um die Stimmung, um Linien, Licht oder Farben. Dann muss der Fotograf die bestimmenden Elemente finden.

Mir ist hier nicht klar, was Deine Bildabsicht war. Du schreibst, die herbstliche Stimmung habe Dir gefallen, und dass Du dem Himmel Kontrast entzogen hast. Jetzt wäre es hilfreich zu erfahren, warum: Das Bild hat bereits so wenig Ankerpunkte und wenig Tiefe, es bietet ausser der etwas klischierten Möwe wenig, was mich zu fesseln und zur weiteren Ergründung bewegen vermag.

Bleiben wir kurz bei der Technik und der Komposition: Auf den allerersten Blick stört mich der gekippte Horizont. Wasser hat die Eigenschaft, absolut waagerecht zu liegen – ein schräger Horizont einer Wasserlinie wirkt deswegen immer falsch, es sei denn, er ist mit brutaler Absicht so schräggestellt, dass etwas anderes die Achse des Bildes aufgreift. Aber eine leichte Verkantung der Kamera – hier handelt es sich um fast ganz genau ein Grad Linksneigung – bekommt dem Horizont nicht, und wenn noch dazu der Pier diese eine starke Bildlinie betont, fällt die Neigung doppelt auf.

Der zweite Makel ist die Unentschlossenheit bei der Aufteilung von Himmel und Wasser. Du hast den Horizont fast genau in die Bildmitte gelegt, was weitere Spannung aus dem Bild entfernt. Der kleine Leuchtturm steht im goldenen Schnitt links, aber der Horizont teilt die Aufnahme fast ganz genau mittig. Das ist eine typische Erscheinung, der man leicht verfällt: Achte in ähnlichen Kompositionen einmal darauf, wie Du mit der Aufteilung von Himmel und Erde umgehst – wir haben die Tendenz zur Zweiteilung, aber in fast allen grossartigen Landschaftsaufnahmen ist dies nicht das gewählte Verhältnis.

Landschaftsfotografie lebt von Motiven, Linien, Licht, Farbe und Tiefe. Wenn Du Dein Bild auf diese Eigenschaften (die nicht alle vorhanden sein müssen) analysierst, welche findest Du dann? Die Linien sind extrem reduziert, es gibt eigentlich nur den Horizont und den Pier; die Farben sind fast monochrom, das Motiv ist sehr einfach, und Tiefe ist kaum vorhanden.

Mit welchen Mitteln hättest Du arbeiten können? Die Wasseroberfläche bietet Bewegung und Linien, die zudem einen spannenden Kontrast zur Geraden des Horizonts und der menschlichen Künstlichkeit des Piers hätten geben können. Der Himmel mit den Wolken könnte für Farbnuancen oder aber ebenfalls für einen starken Kontrast zu den dunkleren Bildteilen sorgen. Ein anderer, ungewohnter Blickwinkel, etwa entlang dem Pier in die graue Leere der See hinaus, hätte die Tiefe und die Unendlichkeit betonen können.

Du hättest Dir vor der Aufnahme überlegen können, was denn für Dich die Stimmung, den Herbst ausmacht, und wie Du diesen Punkt betonen kannst.

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Kommentar des Fotografen:

Sommer in der Rhön. Das Bild wird von den Bäumen gerahmt und führt in die Tiefe.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Fabian Rouwen:

Weil wir heutzutage mit so vielen Fotos von allen erdenklichen Dingen konfrontiert werden, ist es keine Überraschung, dass wir beim Visualisieren der meisten Dinge in Archetypen denken. Die natürliche Umgebung wird zum Beispiel oft als die monochrome Welt eines Anselm Adams’ oder als das übersättigte Farbuniversum eines Galen Rowell in unseren inneren visuellen Bibliotheken katalogisiert. Es macht also Sinn, dass wir von gewissen Szenen erwarten, auf bestimmte Weise fotografiert zu werden, und dass wir die Arbeit berühmter Fotografen nachahmen.

Ein eigener Stil oder das Aufgreifen von etwas Neuem ist natürlich erfrischend und etwas, das geschätzt werden sollte. Wenn das Resultat jedoch ein Foto ohne jeden Höhepunkt ist, kann es durchaus empfehlenswert sein, seinen Lieblingsfotografen zu imitieren, um eigene inspirierende Bilder zu machen.

Für jeden, der an Landschaftsfotografie interessiert ist, ist Galen Rowells Arbeit eine gute Ausgangsbasis. Rowell hatte, was die technische Seite der Fotografie angeht, einen sehr hohen Wissensstand und hatte stets die Leidenschaft, den Mehraufwand zu betreiben, den es brauchte, um das Bild seiner Vision nach zu gestalten.

In Rowells Fotos sind die Kompositionen ausgewogen und führen unseren Blick zu einem bestimmten Punkt oder Objekt. Sogar in schwierigen Lichtverhältnissen sind seine Bilder selten unter- oder überbelichtet, und er wusste genau, wie er Effekte erzeugen konnte, die am besten zur jeweiligen Szene passte (Silhouetten, ein gebogener Horizont, Hyperfocus). Rowell plante viele seiner Fotos im voraus, indem er Orte auskundschaftete und perfekte Blickwinkel ausfindig machte.

Dein Foto scheint ein schneller, spontaner Schnappschuss eines ruhigen Moments zu sein. Ich finde es jedoch nicht übermäßig interessant, weil das Licht keine ansprechende Farbe hat, der Himmel überbelichtet ist, und es nicht klar ist, wo Du uns hinführen möchtest, oder was das Hauptobjekt ist.

Schöneres Licht (am frühen Morgen oder am Abend), ein schärferer Hintergrund und eine klares Hauptobjekt hätten Dein Foto grundlegend verändert.

Du schreibst über die Bäume: „Das Bild wird von den Bäumen gerahmt und führt in die Tiefe.“ Das ist ein gutes kompositorisches Stilmittel, das in diesem Fall effektiver wäre, wenn der Vordergrund weniger, und der Hintergrund dafür absolut scharf wäre.

Zu lernen, was die Profis tun und sie zu imitieren kann Dir helfen, großartige Fotos zu machen. Und mit nur ein paar kleinen Veränderungen werden vielleicht auch bald andere Deine Bilder imitieren.

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Menschliche Szenen aus dem völllig normalen Leben.

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Foto-Magazine im Test

Ein bisschen Marktgeschrei darf ja wohl sein, und so sehen wir über den inhaltlichen Schwerpunkt “Akt” hinweg, den die Sommer-Doppelnummer des Magazins “Photographie” präsentiert.

Einen Hinweis auf seine Klasse liefert das Blatt nämlich auch hier, indem das Titelblatt nicht eine der üblichen umsatzsteigernden Kiosk-Nackedeien in Kriegsbemalung ziert, sondern eine sensationelle Inszenierung von Gisele Bündchen im “Wasserkleid” des brasilianischen Werbefotografen Fernando Zuffo.

“Photographie” hebt sich nicht nur in der Schreibweise von den andern Produkten im Zeitschriftenhandel ab, die beanspruchen, sich mit Fotografie zu befassen:

Schon das Inhaltsverzeichnis setzt einen klaren Massstab.

Bilder und Geschichten

heisst die erste und wichtigste Abteilung des Hefts im ungewöhnlichen Hochformat, und mit zehn Geschichten ist dieses Ressort das gewichtigste. Natürlich werden auch in “Photographie” Kameras und Gadgets vorgestellt, natürlich gibt es einen Objektiv-Ratgeber und mindestens einen theoretischen Fachartikel aus der Kategorie “Fototheorie”.

Aber bereits beim Durchblättern machen seitenlange Bildstrecken mit grossformatigen Aufnahmen, sorgfältigem Layout und meist erklärenden Legenden deutlich, dass sich das Blatt an Leute wendet, die lieber etwas über die neuen Realitäten in der Werbefotografie lernen, faszinierende Resultate perfekter Ausleuchtungstechnik bewundern und zwischen umwerfenden Autorennsport-Bildern noch ein wenig über die Arbeitsweise der Fotografin erfahren.

Ich greife dem Fazit vor, aber das ist gerechtfertigt, denn “Photographie” ist das erste einer ganzen Reihe von angeblichen Foto-Magazinen die ich in Händen gehalten habe, das sich wirklich mit Fotografie befasst und nicht zwischen mehr oder weniger ansprechenden Bildern möglichst viel Technikkram unterbringt, um die Werbekunden zu befriedigen.

Das mag auch daran liegen, dass das Heft das offizielle Organ des Deutschen Verbands für Fotografie und damit der künstlerischen Fotografie verpflichtet ist.

Faszinierende An- und lesbare Einblicke

Entsprechend lesen sich die Beiträge, die im Verhältnis zu den Bildstrecken zwar relativ kurz, aber dabei angenehm zu lesen und weitgehend von Klischees, technischen Details und “trendiger” Sprache frei sind: In einfacher, auch für Laien verständlicher und dabei für Fachleute keineswegs langweiliger Art werden in den Textblöcken meist die Fotografen, ihre Arbeitsweise und die Spezialfakten zu den einzelnen, gezeigten Bildern vorgestellt.

Dabei passt sich die Kategorisierung meiner Ansicht nach unnötig den andern Blättern an: Der Beitrag über den Topfotografen Marco Gross und seine Inszenierungen mit hartem Licht, eingereiht unter “Praxis und Knowhow”, wird angepriesen wie ein Lehrgang, ist aber vielmehr ein spannend zu lesender, gut auf die gezeigten Bilder abgestimmter Einblick in die wesentlichsten Merkmale der Arbeitsweise von Gross, angereichert mit einigen bemerkenswerten Zitaten.

Das gleiche gilt für den überaus grosszügig aufgemachten Artikel über die Autofotografin Anke Luckmann, deren spezielle Ästhetik die Menschen am Pistenrand in einem seltsam farbarmen Licht als Protagonisten des Zirkus zeigt, als den die Fotografin den Rennsport nach ihren Schilderungen erfahren hat.

Das unterscheidet sich wenig von den Beiträgen über die Diesel-Werbekampagne des Punk-Fotografen John Scarisbrick oder das auf “Authetizität” ausgerichtet Hochgebirgs-Shooting von Stefan Schütz mit den Huber-Buam in den Dolomiten: Es sind allesamt Einblicke in die Profi-Fotowelt in Wort und vor allem Bild, die Lust machen, im Rahmen der eigenen Möglichkeiten das eine oder andere auszuprobieren und die Charakteristik der jeweils ganz unterschiedlichen Bildsprache zu entdecken.

Die Vorteile von Papier gekonnt ausgespielt

Die Produzenten von “Photographie” machen dabei von einer Eigenschaft des Papierprodukts ausgiebigen Gebrauch, welche den Kauf eines solchen Magazins im digitalen Zeitalter rechtfertigt: Die Bilder sind immer recht grossflächig und vielfach doppelseitig gedruckt, was angesichts des Überformats der Zeitschrift selbst meinen 24-Zoll-Bildschirm übertrifft.

Dabei ist die Gestaltung sorgfältig-zurückhaltend auf den jeweiligen Stoff angepasst; selbst auf einer Doppelseite mit Objektiv-Empfehlungen wurde der Kasten mit den Produktbildern mit einer Farbe hinterlegt, die dem vorherrschenden Ton des faszinierenden Beispielbilds einer Wendeltreppe in der Hamburger Speicherstadt entspricht; Die Serie über die Gewinner der Sony-Awards aus dem News-Teil gönnt nicht nur jedem Preisträger-Bild eine Seite und einen kurzen Text, sondern umrahmt die Fotos passend in einem neutralgrau und so weiter.

Abgesehen von der bedachten Gestaltung ist der Teil “News und Szene”, der sich mit den neusten Kameramodellen befasst, recht konventionell und inhaltlich wie sprachlich eher den übrigen Fotoblättern angepasst. Wenn etwa ein Autor im Vergleich der drei neuen Sony-”Schwestern” nicht von Sätzen wie dem Abstand nehmen kann “Selten haben Kurven so stark unterstrichen, dass das Wort Kamera im Deutschen weiblich ist”, schlage ich kurzzeitig zurück zur Frontseite, um zu sehen, ob ich noch im gleichen Heft bin – aber abgesehen vom krampfhaft originellen Stil der Technik-Schreiber sind auch diese Berichte erträglich und vor allem verständlich und liefern einige Anhaltspunkte, was von der neuen Ausrüstung mich interessieren könnte.

Ein Vergnügen zum Umblättern

Und vor allem vermögen sie nichts daran zu ändern, dass jedes Umblättern einem Vergnügen wird, weil auf der nächsten Doppelseite neue fotografische Glanzleistungen prangen.

Selbst das Heftthema “Akt” ist nicht nur in verschiedene Artikel übers ganze Magazin, sondern auch auf sehr verschiedene Stilrichtung vom fast-pornografischen des Aufmerksamkeitshaschers Petter Hegre bis zum beinahe Abstrakten von Solve Sundsbo verteilt. Dass Mittendrin dann auch noch die Gewinner des Leserwettbewerbs ihre Akte zeigen dürfen, kann man dem Magazin ebenso verzeihen wie eine ganze Seite an Lehrmeinungen zum Tamron 18-270 Megazoom, die sich liest wie die Feedback-Spalte unter einer Amazon-Produkt-Seite.

“Photographie” ist deswegen ein erfreuliches Produkt und seinen Preis von 5 Euro / 9.80 CHF jedenfalls wert, weil es sich auf die beste Art mit dem Medium befasst, die es gibt: Mit grossen, starken Bildern und einem durchwegs künstlerischen Anspruch, der die Technik den Katalogblättern und Testwebseiten überlässt. A propos Website: Da ist bei “photographie.de” nicht zu viel los, und Layout und Übersicht passen zum Design des Hefts wie die Faust aufs Auge. Aber so ist das nun mal mit den meisten herausragenden Printprodukten. Und “Photographie” gehört zu denen, die ihre Vorteile gekonnt ausspielen.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild ist während des Sonnenaufgangs im Sept. 2007 auf Rügen am Thiessower Strand gemacht worden, es ist ein Fischerboot, das zu Fang ausfährt. Bearbeitung in Photoshop mittels Tonwert- und Gradationskurve. Die Stimmung des Lichts und der Morgendunst haben im Wesentlichen zu dem Ergebnis beigetragen.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Günter Kutschke:

Was hier die Blicke anzieht, ist ohne Zweifel der Morgennebel vor dem Leuchtturm in der Ferne, der sich in der Luft über dem Wasser spiegelt und zu der keulenförmigen Erscheinung über dem Horizont führt.

Das einfache Bild hat aber weit mehr zu bieten:

Die Komposition führt über die Nebelwalze wie durch einen Fingerzeig zum Fischerboot, das, durch den hohen Kontrast nicht klar vom Wasser abgehoben, auf Wolken in die Ferne zu tuckern scheint, die sich links ausserhalb des Bildes ausbreiten dürfte.

Spannend wird das ganze zudem durch den über der Szene hängenden Morgendunst, welcher im Kontrast zum Schattenriss im unteren Bilddrittel einen weichen, wattigen Verlauf und eine gelbliche Wärme generiert.

Ich habe versucht, mit einer Umkehrung der Gradationskurve (verkehrtes S: Anhebung der dunklen, Absenkung der hellen Werte) der ursprünglichen Szene auf die Schliche zu kommen: In Deinem Bild sind die Distanzen nämlich nicht mehr erfassbar, der Vordergrund, der das Bild ausmacht, scheint aus einer einzigen Ebene zu bestehen – was durchaus reizvoll ist.

Nach der Werteanhebung wird deutlich, dass das Fischerboot nicht auf der Horizontlinie, sondern näher am Standort des Fotografen in die See hinausfährt, und dass die eigenartig flockige Horizontlinie, die wie eine Verlängerung des Morgennebels wirkt und das Boot quasi auf Wolken fahren lässt, entweder hinter dem Horizont liegende Nebelschwaden oder Bäume der gegenüberliegenden Küstenlinie sind.

Die eigenartige Mischung von Härte und Weichheit, Kontrast und Verlauf, monochromer Buntheit und den klischierten, aber in ihrer hier gezeigten Komposition verträumt anders wirkenden Motive ergibt insgesamt ein faszinierendes Bild, das sich an wenige Regeln hält und nicht zuletzt deswegen den Blick zu bannen vermag und den Betrachter zur Ergründung der Inhalte bewegt.

In der Rubrik “Bildkritik” analysieren Profi-Fotografen im Auftrag von fokussiert.com montags bis freitags jeweils ein Foto aus der Leserschaft.
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Die Daten beeindrucken schon beim Lesen: Ein 16-bit Rohdatenbild aus dem Digitalen Rückteil der Hasselblads, das von Adobe-Produkten gelesen werden kann, benötigt 50 MB – und als Tiff-Datei mit nur 8-bit gespeichert sogar rund 117 MB pro Bild.

Da sind selbst große CF-Speicherkarten schnell voll. Um das zu umgehen, kann auch direkt per Firewire800 auf eine Festplatte im angeschlossenen PC gespeichert werden.

Das Rückteil beherrscht zwei verschiedene Aufnahmeformate: 4:3-Verhältnis mit 39 Megapixel und Seitenlängen von 5.412 x 7.212 Pixeln oder quadratisch mit “nur” 29 Megapixeln und Kantenlängen von 5.412 Pixeln. Der Sensor ist mit 36,7 x 49 mm fast ein Drittel größer als ein Sensor im Vollbildformat. Unterstützt werden die ISO-Stufen 50, 100, 200, 400 und 800 und bis zu 0,7 Bilder pro Sekunde in voller Auflösung können geschossen werden.

Ein 2,5 Zoll Display für die direkte Kontrolle der Aufnahme erscheint mir bei 29 respektive 39 Megapixeln etwas klein, aber ich denke, die meiste Zeit wird die Kamera sowieso mit dem PC bedient, und der zeigt die Bilder dann sofort an.

Die Abmessungen 91 x 90 x 61 mm und das Gewicht von 510 Gramm sind nichts besonderes. Ein Preis wurde vom Hersteller (leider) noch nicht genannt.

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Kommentar des Fotografen:

Das Foto ist vor nicht allzu langer Zeit am frühen Abend auf dem Weg irgendwo hin entstanden. Ich schleppe meine Kamera eigentlich immer und überall hin mit . . . Weil ich noch auf der Suche nach meiner eigenen visuellen Sprache bin kopiere ich (natürlich nicht ausschliesslich!) gerne meine Vorbilder. In diesem Falle William Eggleston. Obwohl Mr. Eggleston, für mein Empfinden mehr “Raum” in seinen Fotos hat, finde ich, dass Lichtstimmung, Farbigkeit und die “Banalität” des Inhalts an ihn erinnern. Meiner Meinung nach ist das nachahmen von Vorbildern eine ziemlich gute Lernmethode, von der man sich, meint man es denn ernst, später ganz automatisch löst. Was denkt Ihr darüber?

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Nicolas Bruckmann:

Ich denke, Du bist in beiderlei Hinsicht auf dem richtigen Weg. Das Nachahmen von Vorbildern ist eine ziemlich gute Lernmethode, und Dein Bild hat etwas vom Geist William Egglestons.

Egglestone schafft Werke, die an der Gesellschaft Maß nehmen, und uns zur Auseinandersetzung mit der Frage „Wer sind wir?“ zwingen können.

Obwohl Dein Bild weniger Raum aufweist, als es seine Bilder gewöhnlich tun, verfügt Dein Foto in ähnlicher Weise über Aspekte, die für Interpretation offen sind und als Kommentar zur Gesellschaft gewertet werden könnten.

Metaphorisch gesehen repräsentieren Autos offene Straßen, Freiheit und Flucht aus dem Alltag.

Das Auto auf diese Weise einzufangen, nämlich den Häusern abgewandt und aus dem Rahmen hängend, könnte andeuten, dass der Besitzer, der vielleicht sogar am Steuer sitzt, bereit ist, loszufahren, um diese kleinkarierte Szene für immer hinter sich zu lassen. Dies ist ein wirksamer Kontrast zwischen der Sicherheit des eigenen Heims und der Vertautheit der Außenwelt und dem Ungewissen.

Weil der Lufterfrischer das einzige knallfarbene Objekt in der ansonsten neutral gehaltenen Szene ist, wird unser Blick sofort von ihm angezogen. Ohne dieses (siehe Beispiel) sehr einfache, banale, und gewisserweise kitschige Element wäre das Foto nicht annährend so interessant, und es gäbe weniger Grund zu Spekulation.

Doch fragen wir uns wegen ihm, ob der Wagen nicht zu einem der Anwohner mit diesem gewissen Sinn für Style gehört, oder einen auswärtigen Besitzer hat, dem die üblichen kleinstädtischen Charaktere und Klischees fremd sind. Zugleich zeigt es, wie wir alle unsere Umwelt nach unserem jeweiligen Geschmack formen wollen, um sie für uns bequemer zu machen.

Es war ein Glück, dass Du Deine Kamera dabei hattest und diese Szene bemerkt hast, denn dieses simple Foto ist sehr interessant.

William Eggleston (Affiliate Link)

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