Pilgerfahrten und Frühlingsfest, Volkskongress und Ehrung der Elefanten.

In der Rubrik “24 Stunden” veröffentlichen wir die besten Pressebilder der vergangenen 24 Stunden, ausgewählt nach fotografischen Kriterien.

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Auffällige Bilder von einem Freitag aus aller Welt.

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Kommentar der Fotografin:

Ich möchte Eure Meinung zu meinem Aktportrait hören. Bildausschnitt, Lichtführung und Haltung des Models sind bewusst so gewählt. Ich selbst liebe dieses Portrait, ein sehr “frauliches” Model, ich habe versucht, ihre Weiblichkeit, Natürlichkeit und Vorzüge hervorzuheben.

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Cäcilia Todte:

Eine junge Frau, in Lowlight fotografiert. Dadurch werden ihre Konturen auf das Minimale reduziert, und wir erahnen den Rest des Körpers.

Die Beleuchtung läßt das Foto spannend erscheinen, denn der Betrachter wird zum Nachdenken gezwungen, es wird nicht alles sofort offenbart. Eine insgesamt gute Idee, und so, wie das Modell aufgenommen wurde, eine gelungene Pose.

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Ich hätte vielleicht sogar noch etwas aufgehellt, aber das ist hier Geschmackssache.

Dieses Foto lebt durch seine minimalistische Komposition. Es sind keinerlei störenden Elemente vorhanden, wie das von Robert Kneschke in einem anderen Fall angesprochen wurde. Es verrät im großen und ganzen gute Planung.

Da Du aber das Foto auf das Wesentliche reduziert hast, muß hier auch wirklich alles hundertprozentig stimmen. Gut, das muß es für ein außergewöhnliches Foto immer, aber es fällt bei einer Komposition wie dieser noch mehr auf, wenn es das nicht tut. Wovon ich rede, ist hier die rechte Brust des Modells.

Ihre linke ist gut in Szene gesetzt, man erahnt die volle Kontur. Die rechte dagegen sieht aus, als wäre sie teilamputiert. Sie wirkt deutlich kleiner als die andere, man sieht die Brustwarze nicht, und hat daher den Eindruck, als wäre sie irgendwie unter den rechten Arm geklemmt worden.

Das hätte durch eine Korrektur der Beleuchtung oder der Pose leicht verhindert werden können. Denn insgesamt hast Du recht: es ist ein sehr frauliches Modell, und sehr schön inszeniert. Wenn nicht die Sache mit dem Busen rechts wäre, es wäre ein durch und durch gelungenes Bild.

In der Rubrik “Bildkritik” analysieren Profi-Fotografen im Auftrag von fokussiert.com montags bis freitags jeweils ein Foto aus der Leserschaft.
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Manchmal sieht alles plötzlich und nur für Sekundenbruchteile ganz anders aus.

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Kommentar des Fotografen:

Das Foto entstand spontan gegen Abend. Es war schon ziemlich dunkel und die einzigste Lichtquelle hier sind orangfarbene Scheinwerfer die das Hafenbecken beleuchten.. Die besonderheit hier: Hinter der Person steht ein seperater Blitz, der mit Skyports ausgelöst wurde.

Profi Jan Zappner meint zum Bild von Andreas Ochsenreither:

Ein Bild wie aus einem Kinofilm. Das liegt nicht nur an der Letterbox, wie das eingepasste Format mit den schwarzen Balken genannt wird, sondern vor allem an der gewählten Szenerie.

Die Dunkelheit gibt dem Hafen etwas Mysteriöses, man sieht nur Schatten und vereinzelte Lichter. Da passt die gleissende Korona des Portraitierten sehr gut hinein, die ihn vom Hintergrund deutlich abhebt.

Vor allem der Einsatz des Blitzlichts von hinten gefällt mir gut.

Einmal ist es ganz wichtig, mit den technischen Möglichkeiten der Fotografie zu experimentieren, da man damit auch lernt, besondere Punkte in einem Bild zu schaffen, die Aufmerksamkeit erregen. Und zusätzlich lernt man, seine eigenen fotografischen Wünsche auszuweiten und mit Hilfsmitteln zu perfektionieren.

Hier wurde ein externer Blitz mithilfe eines Infrarot-Auslösers hinter der Person positioniert und ausgelöst. Dadurch erhält die Person den hellen Schein des Blitzes in den Haaren und an den Körperrändern.

Damit wiederum wird die Kontur der Person klarer und das Mysteriöse der Situation wird noch verstärkt, da der Mann aus einem hellen Licht zu treten scheint. Es wurde also eine Technik gewählt, die der Situation entsprach.

Auch die Wahl einer offenen Blende, die den Hintergrund unscharf abzeichnet und damit nur den Portraitierten scharf zeigt, ist gut gewählt. Ich bin nur über das Licht im Gesicht des Mannes erstaunt, das so blau ist, dass es nicht von den orangen Scheinwerfern kommen kann.

Auf jeden Fall kann man mit dem Skyport viele schöne Ideen umsetzen. Für mich ist das Bild in jeder Hinsicht gelungen.

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Die großformatigen Stillleben der deutsch-amerikanischen Fotografin werden aktuell zusammen mit Mercers Porträts von Künstlern wie Andy Warhol, Marcel Duchamp und Niki de Saint-Phalle in Berlin gezeigt.

Obwohl beide Themen auf den ersten Blick gänzlich verschieden zu sein scheinen, so seien sie bei näherer Betrachtung doch eng miteinander verwoben.

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In den ehemaligen Pariser Markthallen begegnete die fotografische Autodidaktin Vera Mercer dann dem Thema, dem sie sich nun seit fast einem halben Jahrhundert widmet: Stillleben aus Nahrung – Früchte und Gemüse, Fleisch und Fisch oder Speisen in rohester Form. Für diese großformatigen Stillleben besorgt sie sich die Bestandteile von Jägern, aus Blumenläden und von den Gemüse-, Frucht- oder Fischmärkten. Die Arrangements entstehen vor der Kamera, sei es im heimischen Studio in Omaha oder ihrem Wohnatelier im Pariser Quartier Latin.

Mercers Stillleben zeichnen sich durch schrille und satte Farben aus, und ihre Blumenarrangements und Gemüsebildern mit bewusster Farbreduktion. Ein weiterer wichtiger Schlüssel zum Verständnis ihrer Bilder ist das Spiel der Größenverhältnisse; so wird Großes oftmals klein, Kleines wiederum viel größer dargestellt und die natürlichen Perspektiven sind verdreht. Der makabere Tierschädel im Bild ‘Naked Deer Head’ symbolisiert den Endpunkt eines jeden Lebens. Zusammen mit den verwelkten Blumen im Vordergrund liefert er eine barock anmutende Inszenierung. “Natura morta” – tote Natur – das ist der italienische Begriff für Stillleben, geprägt in der Renaissance.

Zur Ausstellung erschien im Februar ein zweisprachiger Bildband (Deutsch/Englisch): Vera Mercer: Photographs and Still Lifes (Affiliate-Link) , herausgegeben von Matthias Harder, Kehrer-Verlag Heidelberg.
Die Porträts und die Stillleben sind in der Kommunalen Galerie Berlin zu sehen. Ihre Blumenarrangements gibt’s gleichzeitig am “Photoplatz” im Hotel Bogota – ebenfalls in Berlin.

Vera Mercer – Porträts und Stillleben
Bis 25. April
Kommunale Galerie Berlin, Kulturamt Charlottenburg-Wilmersdorf, Hohenzollerndamm 176, D-10713 Berlin
+49 (0)30 902916704, info@kommunalegalerie-berlin.de
Geöffnet Dienstag bis Freitag 10 – 17 Uhr, Mittwoch 10 – 19 Uhr, Sonntag 11 – 17 Uhr

Blumen
Bis 27. April
Photoplatz, c/o Hotel Bogota, Schlüterstraße 45, D-10707 Berlin
+49 (0)30-8815001, photoplatz@web.de
Geöffnet täglich 11 – 23 Uhr

Kommunale Galerie Berlin
Photoplatz im Hotel Bogota

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Kommentar des Fotografen:

Bei diesem Bild gibt es viele Möglichkeiten der Interpretation, finde ich. Was diese Beiden verbindet….oder vielleicht nicht oder nicht mehr verbindet? Wer geht wohin? Bezüglich der Tonung fiel mir die Entscheidung zwischen s/w und dieser Tonung schwer. Bin auch jetzt nicht ganz sicher.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Rose – Marie Pawlitte:

Ein junger (?) Mann geht durch einen Torbogen im Gegenlicht auf einer Strasse auf einen zweiten Torbogen zu, der wie der innere Einlass eines Schlosses aussieht. Unser Blick fällt aus dem Dunkel des ersten Torbogens auf den Vorplatz, wo eine Frau auf das zweite Tor zugeht, ins dortige Dunkel und hinaus ins Licht dahinter.

Diese Aufnahme ist mir wegen der gelungenen Komposition in den Vorschauen aufgefallen:

Doppelt gerahmte “Durchblicke” wirken in Fotografien meistens gut, besonders, wenn dabei Kontrastwechsel stattfinden – von einem hellen Raum durchs Dunkel in einen andern oder wie hier aus dem Dunkel ins Helle und wieder ins Dunkel.

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Der dreifach aufgegriffene Torbogen schafft hier zusätzlich einen eindeutigen Tunnelblick, und die scharfgezeichnete Kontur des jungen Mannes bietet einen Haltepunkt, der gut im Goldenen Schnitt liegt.

Die Tönung in Sepia passt zur Motivwahl der Bauten und verleiht dem Bild etwas Nostalgisches – das ist indes Geschmackssache.

Allerdings habe ich in der kleinen Vorschau das Bild für eine gelungene Offenblenden-Aufnahme mit entsprechendem Schärfentiefen-Effekt gehalten.

In der Vollansicht erweist es sich dann als Vollschärfenbild mit Blende 10 – welches Du in der digitalen Dunkelkammer mit einem Unschärfefilter bearbeitet hast.

Dagegen ist grundsätzlich noch nichts einzuwenden, auch wenn man sich fragen kann, wieso Du in relativ heiklen Lichtverhältnissen mit einer solch kleinen Blende arbeitest, vor allem, wenn Du später die Unschärfe für die Bildgestaltung einsetzen möchtest.

Das Problem bei der manuellen Unschärfenmaskierung ist das Mass. Denn wenn Du es nur ein bisschen übertreibst, wirkt das Bild sofort wie eine Fake Tilt/Shift-Aufnahme mit dem bekannten Modellcharakter.

Schlimmer aber ist hier, dass Du nicht den effektiven Distanzverhältnissen im Bild entlang maskiert hast. Du hast hier sozusagen einen Anti-Scheimpflugeffekt eingebaut (Schärfenebene verläuft nicht parallel zur Sensorebene), der die Schärfenebene fast in einen rechten Winkel zum Betrachter stellt – aber nur fast: Alles um den jungen Mann ist scharf, dann kommt die unschärfe des entfernt liegenden zweiten Torbogens, und dann dahinter erneut eine Schärfenzone – das ist physikalisch schlicht unmöglich und vollständig verwirrend.

Es ist sehr aufwändig, wenn man den Schärfentiefeneffekt nachträglich sauber anwenden will, weil man im zweidimensionalen Bild die Ebenen der Tiefe der dritten Dimension erkennen und mit der Maske sauber erfassen muss – und das auch noch in korrekter Abstufung. Du hättest hier, um eine offene Blende zu simulieren, etwa die uns gegenüberliegende Fassade so unschärfen können, wie Du es getan hast, dann aber die Dinge im Durchblick des zweiten Torbogens noch viel stärker unschärfen müssen.

Trotzdem – ein ansprechendes Bild, das mit einem vielleicht etwas grosszügiger gewählten Vordergrund-Torbogen und behutsamerer Unschärfemaskierung noch besser geworden wäre.

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Drei Gesichter und einige Menschen.

In der Rubrik “24 Stunden” veröffentlichen wir die besten Pressebilder der vergangenen 24 Stunden, ausgewählt nach fotografischen Kriterien.

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Kommentar des Fotografen:

Hallo, das Bild ist bei einer Ausfahrt nach Brandenburg entstanden. Ich fand die Zusammenstellung aus untergehender Sonne im Hintergrund und dem Boot/Baum im Vordergrund wunderbar. Ich bin gespannt was die Kritiker zu dem Bild sagen. viele Grüße Andy

Peter Sennhauser meint zum Bild von Andy Reinboth:

Ein verlassenes Ruderboot liegt in dieser Aufnahme im untersten Bilddrittel in der linken Bildhälfte neben einem Baum. Der Blick über einen Fluss führt zu einem leicht bewölkten Himmel, die Sonne ist bereits untergegangen oder von Wolken verdeckt.

Dieses Bild ist leider radikal unterbelichtet. Zwar ist “korrekte” Belichtung ein relativer Begriff:

Zu den spannenden Eigenschaften der Kamera gehört ja auch, dass anders sehen kann als wir und beispielsweise Schattenrisse aus Gegenlicht-Anblicken macht, die wir ganz anders wahrnehmen.

Aber Du hast hier offensichtlich versucht, Boot und Sonnenuntergang in ein Bild zu kriegen. Das gelingt mit den “Bordmitteln”, die Du zur Verfügung hattest, nur schlecht.

Einerseits bieten Sonnenuntergänge das Problem, dass wir meist fast direkt gegen das natürliche Licht fotografieren. Um dabei zu einer spannenden Aufnahme zu kommen, brauchen wir viele Objekte in der Komposition, die das vorhandene Licht in einem anderen Winkel reflektieren – Wolken, unter denen die Sonne untergeht, eine Wasseroberfläche, die das Licht des Himmels spiegelt, oder aber einen markanten Horizont, der in einer Silhouette als Schattenriss belichtet werden kann.

Du hast hier versucht, mit dem Blitz – und ich nehme an, es handelt sich um den eingebauten Blitz – den Vordergrund so aufzuhellen, dass der Kontrast zwischen Himmel und ausgeleuchtetem Vordergrund abgeglichen wird.

Du hast zwar manuell belichtet, dabei aber trotzdem die Belichtungskorrektur mit +1EV, eine Blende von 9 und eine Sechzigstelsekunde eingestellt – was insgesamt und besonders mit zugeschaltetem Blitz kaum mehr Sinn ergibt: Die Belichtungskorrektur dient zwar dazu, Fehler der Matrixmessung (bei extrem hellem oder dunklem Vordergrund) auszugleichen – aber eigentlich in Kombination mit automatischer Belichtung (Zeit-, Blenden- oder Vollautomat).

Wenn Du ohnehin manuell belichtest, würde sich die Nutzung der Spotmessung anbieten. Sie misst nur einen ganz kleinen Bildausschnitt statt wie die matrixmessung den Durchschnitt der Helligkeit über fast das ganze Bild.

Dabei misst Du den hellsten Bereich des Bildes (den Himmel) und den dunkelsten, in dem Du noch Zeichnung haben willst (den Baum) und wählst eine Belichtungszeit zwischen den beiden Werten. Am Monitor der Kamera kannst Du jetzt anhand des Histogramms Deine Einstellungen der Testaufnahmen überprüfen. Bei einer Aufnahme wie dieser kannst Du dabei nicht auf die Faustregel der “Glockenform” im Histogramm gehen, sondern wirst ein umgekehrtes Profil erhalten.

Der Aufhell-Blitz schliesslich müsste ebenfalls händisch auf den Baum gemessen werden. Du hast mit Deiner Konfiguration allerdings ohnehin das Problem, dass der eingebaute Notblitz der D200 für eine Weitwinkel-Aufnahme mit 18mm (27mm) zu schwach und zu gebündelt ist – namentlich bei Blende 9 und einer Aussenaufnahme mit dunklen Flächen, die beleuchtet werden sollen. das Resultat ist hier, dass eigentlich nur die beiden Grasbüschel ganz im Vordergrund merklich vom Blitz aufgehellt wurden – die wir eher nicht heller haben wollen.

Ich habe Deine Aufnahme in Lightroom um volle zwei Blendenwerte “nachbelichtet” und zusätzlich mit der Funktion “Aufhelllicht” (welche nur die dunkleren Bildtöne anhebt) sozusagen den Aufhellblitz simuliert. Schliesslich habe ich in der Gradierungskurve die Mitteltöne leicht abgesenkt und die Tiefen noch etwas angehoben. In einem “normal” belichteten Bild sorgt das sofort für einen Kontrastverlust – und das ist ja just, was Du hier anstrebst.

Das Resultat ist noch immer nicht perfekt und aus Anschauungsgründen etwas übertrieben, aber es dürfte einem optimalen Ergebnis näher sein als das Ursprungsbild.

Zur Komposition liesse sich noch sagen, dass die Lücke zwischen Baum und linkem Bildrand oben eher zu vermeiden oder zu schneiden wäre. Ausserdem habe ich den Starkstrommast und die eine, vom Blitz überhellte Blüte unten links aus dem Bild geklont und den Ausschnitt etwas enger gewählt.

Fazit: Extreme Kontrastumfänge verlangen viel Übung, um zum gewünschten Ergebnis zu kommen, und das gleiche gilt für die Anwendung des Aufhellblitzes. Glücklicherweise erlauben uns die digitalen Kameras beliebige Experimente und liefern mit dem Vorschaubild und dem Histogramm ein Lerninstrument im Feld, von dem unsere fotografischen “Vorfahren” nur träumen konnten.

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Kommentar des Fotografen:

Dieses Bild habe ich im Novemer 2009 in Valencia/Spanien aufgenommen. Es ist eines der ersten Versuche, wieder mit der analogen Spiegelreflex zu arbeiten. Dieses Bild ist Teil einer Serie, die als Straßenfotografie bezeichnet werden kann. Gelungen finde ich an dieser Fotografie das Spiel zwischen Licht und Schatten.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Sven Schwinning:

Ich kann dem Fotografen Sven nur zustimmen, wenn er als Kommentar zu seinem Bild schreibt: “Gelungen finde ich an dieser Fotografie das Spiel zwischen Licht und Schatten.” Das ist es in der Tat.

Dieses riesige, fast monströse Schattenungetüm von Haus auf der kahlen, hellen Fassade eines anderen Hauses, mit all den Türmchen, Vorsprüngen und als i-Tüpfelchen noch die altmodische Straßenlaterne mit ihrem eigenen Schatten, das ist es, was das Foto sehenswert macht, dieses Indirekte, nicht Sehen, aber doch Erkennen.

Kritisch anzumerken bleibt, dass die Schärfe – nun ja – nicht richtig vorhanden ist und sich irgendwo zwischen Rücken und Rad verliert. Hier wird der Nachteil der Analogfotografie deutlich, indem die Bildergebnisse nicht sofort kontrolliert werden können.

Der Mann im Vordergrund verkommt fast zur Dekoration, allein um das Bild etwas menschlicher zu machen. Interessant wäre es, als Vergleich ein Foto ohne den Passanten zu sehen. Käme der Hausschatten noch imposanter rüber? Oder ist der Mann ein gelungener Kompromiss, um die hinter ihm stehenden Räder und Autos zu verdecken? Wir wissen es nicht.

Mir gefällt jedoch, wie der Schatten rechts am Bein den Eindruck zu erwecken versucht, der Mann würde gleichsam durch Nebel waten oder im nächsten Moment vom Boden verschluckt werden.

Vielleicht lehne ich mich etwas weit aus dem Fenster, wenn ich schreibe, dass mich der Bildstil stark an Henri Cartier-Bresson erinnert? Aber mal ehrlich: Wenn das Handy nicht wäre, hätte ich es für ein verschollenes Foto des berühmten Street-Fotografen halten können.

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Nachts fährt Todd Hido im Auto durch die Straßen und lässt sich inspirieren. “Househunting” nennt er die Jagd nach diesen nächtlichen Szenen. Die Serie ist aktuell zusammen mit seinen Frauenporträts – “Nudes” – in Köln zu sehen.

Todd Hido, Jahrgang 1968, lebt und arbeitet in San Francisco, Kalifornien. Für seine Nacht-Fotografien bezieht Hido einen großen Teil seiner Inspiration aus seiner eigenen Vergangenheit, den Erinnerungen aus der Kindheit.

‘Househunting’ versammelt Außenfassaden in amerikanischen Vorortsiedlungen, deren beleuchtete Fenster eine wie auch immer vorstellbare Bewohntheit signalisieren. Die Geschichten dazu entstehen in der Fantasie des Betrachters.

Die Porträts von Frauen in kargen Räumen verweisen auf Entwurzelung, Heimatlosigkeit, Isolation und Verlassenheit. Meistens sind es Zimmer in Hotels, die Todd Hido zur Inszenierung dieser traurigen Stimmungen herrichtet. Wir lernen weder den Namen seiner ‘Fotomodelle’ noch den Ort kennen – die Bilder könnten überall in der westlichen Hemisphäre gemacht worden sein.

Der aus Ohio stammende Fotograf ist viel im Auto unterwegs, besonders in Wetterlagen, bei denen man keinen Hund vor die Tür jagen möchte. Das zeigen uns auch die anderen Serien auf Todd Hidos Website. Ein Video auf Youtube zeigt uns Hidos Arbeitsweise (in englischer Sprache) – bei der nächtlichen Häuserjagd und bei den Porträts, wo die Porträts in Wirklichkeit manchmal dunkelhaarige Frauen mit Perücke sind.

Todd Hido – Househunting / Nudes
Bis 10. April
Galerie Kaune, Sudendorf, Albertusstraße 26, D-50667 Köln
+49 221 99 203-337, info@ks-contemporary.com
Geöffnet Dienstag bis Samstag 12 – 18 Uhr

Todd Hido
Todd Hido bei Youtube
Galerie Kaune, Sudendorf

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Die Berlinerin, die vor den Nazis in die Schweiz emigriert ist, fotografierte nur ungefähr zehn Jahre lang. Die Fotostiftung Schweiz zeigt aktuell ihr Werk aus diesen Umbruchjahren.

“Interessiert hat mich nur die Realität, und zwar die unwichtige, die übersehene, von der grossen Masse unbeachtete Realität“ – so lautet Marianne Breslauers Credo. Sie hinterließ nur ein kleines, dafür aber bis heute frisch anmutendes fotografisches Werk, das sie in der Zeit zwischen 1927 und 1938 geschaffen hatte – jener Zeit also, in der sich die Fotografie von einer “malerischen“ Salonkunst zur radikalen „neuen Fotografie“ wandelte, zu einem neuen künstlerischen Medium, das ganz auf die ihm eigenen Qualitäten baute.

Im Unterschied zu vielen Autodidaktinnen wie Gisèle Freund begann Marianne Breslauer, Jahrgang 1909, ihre Karriere als Fotografin mit einer professionellen Ausbildung. Danach zieht es sie nach Paris. Der Surrealist Man Ray ermuntert die junge Fotografin, ihren eigenen Weg zu gehen. Sie folgt seinem Rat und entdeckt mit ihrer Kamera die französische Metropole.

Vor allem interessiert sie sich hier für das Leben der Clochards am Ufer der Seine, lässt sich aber gleichzeitig auch von der exklusiven Atmosphäre um die Pferderennen in Longchamps fesseln. Wie viele junge zeitgenössische Fotografen schätzt Marianne Breslauer die Arbeiten von André Kertész und Brassaï und kommt ihren Vorbildern in ihren eigenen Fotografien sehr nahe. Doch auch die künstlerische Richtung des „Neuen Sehens“, die im Umfeld des Deutschen Werkbunds und des Bauhauses eine breite Aufmerksamkeit auf sich zog, lässt sie nicht unberührt.

Ihre Aufnahmen finden schnell den Weg in die Printmedien. 1930 setzt Breslauers fotojournalistische Tätigkeit ein. Sie findet eine erste Anstellung als Fotografin im Fotoatelier des Berliner Ullstein-Verlags.

Ihr persönlicher Blick gilt den Menschen und Details am Rande des urbanen Lebens. Nie setzt sie die Kamera als ein Instrument des Übergriffs oder der Überlegenheit ein, sondern beobachtet das Geschehen unbemerkt.

Bis 1937 ist sie in den Bereichen Mode, Porträt, Werbung, Reisen, urbanes Leben und auch inszenierte Illustrationen für Zeitschriften tätig.

Einer ihrer thematischen Schwerpunkte liegt auf dem Porträt – wie bereits in ihrem Gesellenstück, der Serie „Porträts“ von 1928/29, in der sie eine Gruppe von befreundeten Künstlern – allen voran Paul Citroen – inszeniert. Sie porträtiert immer wieder Freunde aus ihrem Berliner Umfeld sowie Kollegen und Bekannte aus der internationalen Kunstwelt in Aufnahmen, in denen die Grenzen zwischen klassischem Porträt, Modeaufnahme für Werbezwecke und filmischer Inszenierung verwischt sind.

Das Bild der selbstbewussten “neuen Frau“ der Zwanzigerjahre prägt Marianne Breslauer mit. Ihre Aufnahmen von Ruth von Morgen, Maud Thyssen oder Jeanne Remarque zeigen einige dieser neuen Frauen – zu denen sie selbst auch gehört.

Alleine, mit Freunden, Kollegen oder mit ihrem späteren Ehemann, dem Kunsthändler Walter Feilchenfeldt, reist Marianne Breslauer ab den frühen Dreißigerjahren durch viele Länder Europas und den Nahen Osten. 1931 zieht es sie nach Palästina, und die Welt des Orients nimmt sie gefangen.

Wie in Paris beobachtet sie auch hier die Einheimischen in den Straßen und Gassen Jerusalems oder porträtiert ihre schöne Freundin Djemila, zu deren Hochzeit sie gekommen war.

Im Frühling 1933 reist sie mit der Schriftstellerin Annemarie Schwarzenbach nach Spanien. Breslauers Fotografien dieser Reise sind keine sozialkritischen Aufnahmen, sondern sie konzentrieren sich auf die kulturellen Besonderheiten des Landes, die Architektur, erzählen von den Eigenarten seiner Bewohner.

Doch finden die Ergebnisse der Spanienreise in Deutschland keine Veröffentlichung mehr. Die Nationalsozialisten haben die deutsche Presse gleichgeschaltet, und Marianne Breslauer kann als “Nicht-Arierin“ nicht mehr unter eigenem Namen publizieren.

Die politischen Entwicklungen zwingen sie 1936 dazu, Berlin zu verlassen und erst nach Amsterdam, dann in die Schweiz zu übersiedeln. Dort widmet sie sich bis zu ihrem Tod 2001 ganz der Familie und dem Kunsthandel ihres Mannes Walter Feilchenfeldt.

Schon vor dem Zweiten Weltkrieg hatte sie ihre Laufbahn als Fotografin beendet – eine bewusste Entscheidung. Wie Marianne Breslauer selber erklärte, war das Medium Fotografie für sie ausgereizt: “Wenn ich weiter in dem Bereich gearbeitet hätte, wäre ich zum Film gegangen. Mit dem Fotografieren war ich fertig.“

Marianne Breslauers erste umfassende Retrospektive zeigt viele bisher unbekannte Originalfotografien sowie Neuabzüge von Originalnegativen aus dem Nachlass der Fotografin, der seit 2003 von der Fotostiftung Schweiz betreut wird. Weitere Leihgaben werden teils erstmals öffentlich gezeigt. Auf der Website zu Marianne Breslauer sehen wir noch mehr Bilder von ihr.

Zur Austellung erscheint diese Publikation: Marianne Breslauer – Fotografien (Affiliate-Link) . Hrsg. Kathrin Beer/Christina Feilchenfeldt in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz im Nimbus Verlag, Wädenswil 2010. Während der Ausstellung im dortigen Shop günstiger zu erwerben. Außerdem gibt es den Band Bilder meines Lebens. Erinnerungen von Marianne Feilchenfeldt Breslauer (Affiliate-Link) , ebenfalls im Nimbus-Verlag.

Marianne Breslauer – Fotografien

Bis 30. Mai

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, CH-8400 Winterthur (Zürich)

+41 52 234 10 30, Infoline +41 (0)52 234 10 34, info@fotostiftung.ch

Geöffnet Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr, Mittwoch 11 – 20 Uhr, Montag geschlossen

• Marianne Breslauer
• Marianne Breslauer bei Wikipedia
• Fotostiftung Schweiz

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Kommentar des Fotografen:

Das Holunderknabenkraut, früher eine weit verbreitete Orchidee, ist heute außerhalb der Alpen nur noch an wenigen Fundorten anzutreffen. Bei uns im Frankenwald gibt es noch einige Stellen mit teilweise über 100 Exemplaren. Besonderes Glück hatte ich dieses Jahr bei einer kleineren Population, die in ihrer Lage für mich einmalig ist, am Hang, mit der Chance, daß die Frühjahrssonne mit ihren letzten Strahlen die Orchideen, von denen es auch eine rote Variante gibt, illuminiert. Ein Makro mit langer Brennweite (200mm) bei offener Blende sorgte für die Vignettierung und die “Auflösung” der Umgebung.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Stephan Amm:

Eine wilde Orchidee im letzten Licht des Tages, fotografiert mit extremer Brennweite, steht in einer Wiese mit hohen Grashalmen, die im Vorder- und Hintergrund ind er Unschärfe verschwinden.

Diese Aufnahme könnte als Schulbeispiel für gut gemachte Blumenaufnahmen dienen:

Sie hebt sich in vielen Punkten von den üblichen Blumenfotos ab, die wir fast täglich erhalten, und die meist von oben formatfüllend die Blüte zeigen. Ich versuche aufzuzeigen, was Stephan anders gemacht hat und damit eine Aufnahme geschaffen hat, die wohl auch den Ansprüchen für Hochglanz-Publikationen oder Werbung genügen dürfte.

Die Perspektive: Nur weil wir Blumen – ausser wenn sie in einer Vase auf dem Tisch stehen – meistens von oben sehen, müssen wir sie nicht so fotografieren – schon gar nicht in ihrem angestammten Lebensraum. Stephan hat sich hier auf die Knie oder den Bauch herabgelassen und macht die Orchidee damit zu etwas aufragend-erhabenem.

Das Licht: Blumen sind bunt, und Buntes muss man möglichst hell anleuchten, um die Farben hervorzubringen? Falsch. Das weiche Licht am Abend kurz vor oder nach Sonnenuntergang dient nicht nur Landschaftsfotografen, um weiche Konturen und Kontraste zu kriegen, sondern kann auch bei solchen Detailaufnahmen für einen einzigartigen warmen Ton sorgen.

Die Komposition: Zumindest wilde Blumen oder solche, die in einem Umfeld stehen, das sich einzubeziehen lohnt, sollte man in ihre Umgebung integriert zeigen. Diese Orchidee wird durch ihren Standort im hohen, faden Gras emotional zum Fundstück, indem sie – im klassischen Drittelsschnitt – eingebettet gezeigt wird und uns nicht mit voller Tele-Wucht ins Gesicht gestreckt wird. Sie steht stolz in den Wogen der Grashalme, und wir haben etwas zu entdecken in diesem Bild.

Die Brennweite: Das Tele hier für eine Makro-Aufnahme in der Waagerechten zu verwenden sorgt erst für den Tiefeneindruck des Bildes. Die Orchidee wird aus dem Vorder- und Hintergrund isoliert – aber der Kniff besteht eben darin, dass es einen Vorder- und einen Hintergrund gibt! Die geringe Schärfentiefe verleiht der Blüte so die dritte Dimension, die es in einem zweidimensionalen Bild umzusetzen gilt.

Die Technik: Die sogenannte Vignettierung – die Randabdunkelung in der Fotografie, die bei weniger perfekt geschliffenen Linsen oder auch schon mal durch eine in den Bildausschnitt hineinragende Sonnenblende auftreten kann – hebt das Motiv fast unmerklich weiter heraus und lässt es erstrahlen. Wer ein “zu hochwertiges” Objektiv benützt, kann die Vignettierung heute mit den meisten Bearbeitungsprogrammen wie Aperture, Lightroom oder Photoshop nachträglich einfügen – und derzeit liegt das sehr im Trend, weshalb ich speziell zur Zurückhaltung aufrufen möchte. Hier ist der Effekt zweifellos gut angewandt.

Planung und Vorbereitung: Dieser Fotografie ist deutlich anzusehen, wie viel Zeit und Planung Stephan hineingesteckt hat. Darauf deutet auch seine Beschreibung hin und die Tatsache, dass er weiss, wie selten diese Pflanze inzwischen ist. Also hat er sie im richtigen Licht sehr sorgfältig in ein Bild komponiert, das allen Umstänmden Rechnung trägt, aber über eine schöne Dokumentation hinaus auch künstlerische Aspekte berücksichtigt – etwa die Verteilung der Schattierungen (links der dunkle Horizont oben und der dunkle Vordergrund, rechts der Bogen der Grashalme im Vordergrund und der Kranz der grünen Blätter der Orchidee selber).

Müsste ich ein Haar in dieser Suppe finden, ich würde behaupten, dass die Schärfentiefe einen Tick zu gering oder zu weit im Vordergrund gewählt ist, weil bereits der hintere Teil der Blüte in starker Unschärfe verschwindet. Möglicherweise handelt es sich dabei aber um einen zweiten Blütenstand, der in etwas grösserem Abstand vom vorderen steht. Und ausreissen geht ja wohl nicht…

In der Rubrik “Bildkritik” analysieren Profi-Fotografen im Auftrag von fokussiert.com montags bis freitags jeweils ein Foto aus der Leserschaft.
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