Kommentar des Fotografen:

Die Idee war es, eine nicht mehr vorhandene Grenze zwischen Realität und Spiegelwelt zu schaffen. Mit Schwarz-Weiss habe ich versucht durch die farbliche Reduktion den Blick nochmal auf das wesentliche zu lenken.

Profi Douglas Abuelo meint zum Bild von Christoph Hellmuth:

Dies ist eine Art Foto, das mich nun schon eine ganze Weile mehr interessiert, als ich je für möglich gehalten hätte. Obwohl es wegen seiner Einfachheit und Thematik zunächst dumpf wirken mag, gibt es jedoch noch sehr viel mehr zu bedenken:

Das Thema sind ein paar einfache Papierflugzeuge, Kinderspielzeug sozusagen. Indem der Fotograf uns jedoch eine gelungene visuelle Interpretation der Flugzeuge liefert, legt er uns eine Reihe von möglichen Auslegungen ihrer Symbolik nahe.

Selbst im Zeitalter der Skeptiker wird Spielzeug als ein Symbol spielender Kinder, vielleicht sogar einer unbekümmerten Welt, verstanden.

Da es sich hier jedoch um Flugzeuge handelt, die auch noch auf eine solch fragende und irgendwie bestimmte Weise im Bild platziert sind, werden wir gezwungen, über die negativen Seiten des Fliegens nachzudenken: Abstürze, Bomben, Krieg.

Was auch immer der Einzelne hier sehen mag, es ist die leichte Abstraktion in diesem Bild, die es provozierend und damit bemerkenswert macht. Die Abstraktion rührt von den weichen Grautönen, dem weichen Fokus, sowie von der Kompositionsstruktur der Schatten und Linien her.

Die Nahaufnahme tut ihr übriges. Das Bildrauschen, das durch das Verwenden eines höheren ISO-Wertes entsteht, erinnert an die Körnung von Negativen, was dem Bild eine organische, historische Stimmung verleiht, die bei digitaler Fotografie oft verloren geht. Die abstrakte Darstellung in diesem Foto macht es sowohl dauerhaft als auch vergänglich.

Um mit Picassos Worten zu umschreiben: man sollte nicht das fotografieren, was man sieht, sondern was man denkt. In diesem Fall hat der Fotograf seine Gedanken sehr gut umgesetzt.

Jetzt, wo der Fotograf ein so einfaches und dennoch faszinierendes Bild geschaffen hat, könnte er überlegen, es Teil einer größeren Serie oder eines Projekts werden zu lassen.

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Wellen, Wasser, Wolken. Und Herbst rund um Neuschwanstein.

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Wer hat die Giraffen vor dem dramatischen Himmel so perfekt aufgestellt, fragt man sich unwillkürlich. Und denkt an die Möglichkeiten von Photoshop. Aber Nick Brandt fotografiert die Tiere Ostafrikas tatsächlich vor Ort und analog auf Film dazu.

Nick Brandt, 1966 in London geboren, studierte ursprünglich Malerei und Film. Mit der Regie von Videoclips begann seine Laufbahn. Mitte der Neunzigerjahre führte er für Michael Jackson Regie – für das Video des “Earth Songs”. Der Clip brachte Brandt nicht nur eine Grammy-Nominierung ein, sondern führte ihn zu den Dreharbeiten auch nach Ostafrika. Das war der Beginn einer neuer Leidenschaft für die Tiere und die Landschaften des schwarzen Kontinents.

“Die Tiere und Landschaften Ostafrikas haben sie etwas Mythisches an sich”, sagte Nick Brandt der Zeitschrift Schwarzweiss.

Und: ” Die Tiere sind ikonisch. Seit Jahren versuche ich, meine visuelle Kreativität mit meiner Tierliebe zu verschmelzen.

Als ich nach Afrika reiste und diese Tiere sah, wurde mir bewusst, dass man sie auf eine Weise fotografieren kann, auf die es noch kein anderer Fotograf getan hat.”

Nick Brandt, der in Kalifornien lebt, verzichtet auf Teleobjektive und versucht, möglichst nahe an die Tiere heranzukommen.

“Ich versuche, die Tiere so, wie sie sind – ihre Persönlichkeit, ihre Seele – einzufangen und sie genau so zu fotografieren, wie ich es bei Menschen tun würde, und das macht man auch nicht aus großer Distanz mit einem Teleobjektiv”, so Brandt zu Schwarzweiss.

So sind Nick Brandts Tierbildnisse von einer Emphatie geprägt, wie man sie üblicherweise von menschlichen Porträtaufnahmen kennt. Ruhe und Respekt und eine vorsichtige Annäherung prägen seine Arbeitsweise: “Oft hilft dabei nur eins; warten, warten, warten”, sagte er. Ganz ungefährlich ist diese Arbeit auch nicht.

Brandt fotografiert ausschließlich auf Schwarzweiss-Film mit Mittelformatkamera. Die Bilder entstehen meist bei bewölktem Himmel – dann ist das Licht sanfter, die Schatten werden nicht so hart und die Konturen weicher. Die Negative scannt er ein und bearbeitet die Bilder in der digitalen Dunkelkammer. Er druckt seine Bilder auf Büttenpapier aus.

Die aktuelle Ausstellung in der Berliner Galerie Camera Work zeigt eine ganze Reihe von neu entstandenen Bildern: neben einem Panorama einer mächtigen Elefantenkarawane, die durch die afrikanische Savanne zieht, kolossalen Nashörnern und stolzen Löwen zum Beispiel auch eindringliche Porträts von Gorillas. “A Shadow falls” heißt die Ausstellung und auch das neue Buch dazu. Wir können uns diese Bilder auf Nick Brandts Website anschauen.

Die ersten Abbildungen im neuen Buch mit dem deutschen Titel Schatten über der Wildnis (Affiliate-Link) zeigen eine fruchtbare grüne Welt – bevölkert von einer Vielfalt von Tieren.

Als Gegensatz dazu zeigt die letzte Aufnahme eine kleine Gruppe entkräfteter Geschöpfe, die durch eine ausgetrocknete, staubige Welt zieht. Nick Brandt porträtiert ein mystisches Afrika, das gegen unerbittliche Gewalten ankämpft. Die Trauer über ein zunehmendes Verschwinden dieser Tierwelten prägen Nick Brandts Blick darauf.

Nick Brandt – A Shadow Falls
Bis 16. Januar 2010
Galerie Camera Work, Kantstraße 149, D-10623 Berlin
Tel: +49 30 31 00 77 – 3, info@camerawork.de
Geöffnet Dienstag bis Samstag 11 – 18 Uhr

Nick Brandt
Galerie Camera Work

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Fernsehen, Protest, Trockenheit und Sensationsnews.

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Kommentar des Fotografen:

Auf dem Flug von Frankfurt nach Chicago hatte ich rechtzeitig einen Fensterplatz reserviert um ein paar Luftaufnahmen machen zu können. Leider saß ich direkt hinter dem Flügel, sodass ein Teil der Sicht verdeckt war. Beim Überfliegen von Grönland konnte ich dann doch einige Bilder machen. Diese karge, menschenfeindliche und vermeintlich unberührte Landschaft hat mich beeindruckt. Mit den Reglern in Lightroom habe ich die Farbe aus diesem Bild gezogen und die Kontraste erhöht, um die Wirkung zu erhöhen.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Jakob Adler:

Eine Landschaft auf Felsklötzen in einer Schneeebene – oder sind es Bergspitzen in einem gigantischen Nebelmeer?

Die Fotografie scheint eine tief verschneite Ebene zu zeigen, aus der im Vordergrund unten links einige Felsklippen aufragen und ab der Bildmitte bis zum Horizont, wo Wolken und Gebirge in einem dunklen Grau ineinander übergehen, eine mächtiger werdende Gebirgskette.

Bisweilen lohnt es sich auch im Charter- oder sonstigen Urlaubsflieger, die Kamera aus dem Handgepäck zu holen und sich mit der Landschaft zu befassen, die zehn Kilometer weiter unten vorbei fliegt – ich habe zu Ferien-Flugaufnahmen hier schon einmal was geschrieben.

Grossartige Kunst wird dabei eher selten entstehen und wenn, dann eher aus Zufall. Aber spannende, ungewohnte und manchmal auch verhältnismässig spektakuläre Fotos können durchaus gelingen.

Dir ist hier eine solche Aufnahme geglückt, denn die Landschaft kommt kaum jemandem bekannt oder gar vertraut vor, der Himmel und der Horizont sind verwachsen und das ganze Bild hat etwas Ausserirdisches.

Es macht wenig Sinn, bei einer Aufnahme über Komposition zu reden, die durch das winzige Fenster eines Passagierflugzeugs aufgenommen wurde, aus dem kaum vernünftig geknipst, geschweige denn irgendwas bewusst gestaltet werden kann.

Das muss demnach alles nachträglich mit dem angestellt werden, was halt grade so durch die Guckluke hindurch auf den Sensor gebannt werden konnte. Du sagst, Du habest in Lightroom mit den Reglern dem Bild die Farbe entzogen, was man durchaus tun kann, für eine Schwarz-Weiss-Aufnahme allerdings besser die dedizierte Funktion verwendet, weil sie aus den drei Farbkanälen ein “korrektes” S/W-Bild berechnet.

Du sagst auch, Du habest den Kontrast erhöht, und davon kann ich nun gar nichts feststellen, im Gegenteil: In deiner Version gibt es weder Weiss noch Schwarz, es spielt sich praktisch alles zwischen dunkelgrau und weniger dunklem Grau ab.

Am besten lässt sich der Kontrast in den Tonwertkurven erhöhen, indem Du mit einem leichten “S” die dunklen Bildwerte noch dunkler und die hellen Bildwerte heller machst. Das habe ich in diesem Beispiel, ebenfalls in Lightroom, gemacht, ausserdem den Schwarzwert und die “Klarheit” erhöht und mit einem Verlauf im obersten Drittel des Bildes die Verdunkelung via Senkung der Belichtungswerte um einen halben EV eingeführt.

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Kommentar des Fotografen:

Nikon D3, Nikor 105/2.8 Micro, Blitz SB800 gegen die Wand, Blitz SB-R200 am Objektiv für das “Augenlicht”, CS2 mit Filter Nik Silver Efex

Profi Sofie Dittmann meint zum Bild von Dierk Topp:

Dierk Topps Porträt eines älteren Mannes besticht durch die Art, wie dieser in die Kamera schaut. Offen, natürlich, und schon fast etwas herausfordernd blickt er uns an. Das Gesicht ist gut in Szene gesetzt, die Augen leicht geneigt, so daß Bewegung in das Bild kommt.

Laut Angaben des Fotografen wurde das Foto in Photoshop CS2 mit Nik Silver Efex nachbearbeitet. Allerdings ist mir nicht genau ersichtlich wie:

Es ist wesentlich zu dunkel für meinen Geschmack. Dadurch werden dem Betrachter die doch an sich so sehr interessanten Gesichtszüge des Modells vorenthalten.

Ich gehöre zu den Leuten, die nach und nach davon abgekommen sind, daß Fotos unbedingt so, wie sie aus der Kamera kommen, „gut“ oder „perfekt“ sein müssen. Auch Fotografen mit einer professionellen Studioausrüstung verbringen einen Gutteil ihrer Zeit mit retouchieren. Gott sei Dank ist das nicht mehr so schwierig wie zu den Zeiten von Ansel Adams, welcher Tage im Labor verbracht haben soll, bis seine berühmten Landschaftsaufnahmen einfach makellos waren.

Nik Filter sind ein sehr guter Weg, relativ schnell und non-destruktiv ein Foto nachzubearbeiten, um aus ihm das Beste herauszuholen, was es zu bieten hat. Selbstverständlich kann man auch zuviel des Guten tun – oder, wie hier, zu wenig. Ich habe das Foto in Nik nocheinmal „unters Messer“ genommen, und lediglich den Kontrast nochmals erhöht, dabei auch das Bild aufgehellt. Dann habe ich die Augen selektiv nachbearbeitet.

Nun sieht man die Facetten dieses extrem interessanten Gesichtes besser, man möchte auf ihm verweilen. Ein, mit etwas mehr Nachbearbeitung, meines Erachtens sehr gelungenes Foto.

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Trümmer, Agavenernte, erster Schnee und ein Hinterhalt.

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© Matthias Schaffner – Canon EOS 350D – 1/400s – f/11 – ISO 100 – 58mm (90mm)

Kommentar des Fotografen:

Diese Bild entstand eher zufällig. Auf dem Weg um die 3 Zinnen in Südtirol läuft man (in diesem Falle morgens) um die kleine Zinne und der Blick öffnet sich ins Ansiei-Tal. Mir gefielen vor allem die unzähligen Horizonte, die durch den Morgendunst sichtbar geworden sind. Das Foto wurde zugeschnitten und die Tonwerte wurden angepasst.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Matthias Schaffner:

Wer sich bisweilen fragt, woher die Redewendung von einer “Fahrt ins Blaue” rührt, bekommt mit solchen Bildern eine Antwort.

Ein Bergpanorama-Foto im entsprechenden Schnitt, das einen vielfach geschichteten Blick entlang einem Tal zum fernen Horizont öffnet. Die Ebenen der einzelnen Berge heben sich voneinander durch Farbsättigung ab, die jeweils durch einen Hauch von Nebel zwischen den einzelnen Gipfeln besonders kontrastreich erscheint.

Die Fotografie bleibt monochrom in verschiedenen Blautönen und bietet ausser ein paar gezackten Bergspitzen keine Details – bis man im fernen Himmel einige Schleierwolken entdeckt.

Ausser “herzlichen Glückwunsch” gibt es zu diesem Bild wenig mehr zu sagen. Ich schätze, es ist in einem jener Momente entstanden, in denen man mit offenem Mund darüber staunt, wie perfekt die Bedingungen manchmal sein können, um einen ganz bestimmten Aspekt von Naturschönheit zu betonen. Es ist Dir gelungen, diesen Moment einzufangen, und Du bist mit einem Bild belohnt worden, das eben so grafisch reduziert wie emotional ausdrucksstark ist.

Diese extreme Schichtung der Horizonte ist ja nicht an jedem beliebigen Morgen gleich gut sichtbar. Zu den Faktoren, welche für die Abgrenzung der einzelnen Horizonte führen, gehört neben dem Lichteinfall vor allem die Luftfeuchtigkeit: Sehr dramatische Bilder entstehen, wenn zwischen den Bergen sich die letzten Nebelschwaden der Nacht verziehen – das führt zu romantischen Landschaftsfotos.

Hier aber handelt es sich nicht um Nebelschwaden, sondern um genau jenes gleichmässige Mass an Feuchtigkeitsgehalt der Luft, das für eine sich durch das ganze Bild und über die ganze Distanz von vielleicht zehn, fünfzehn Kilometern hinziehende Kontrastverstärkung für die Landschaftskanten sorgt. Weil diese feuchte Luft zudem in den tieferen Lagen liegt, verstärkt sich die Intensität jeder Tiefenebene nach oben in einem gleichmässigen Verlauf.

Du hast Dich hier zu recht vollkommen auf diese Flächen und Verläufe konzentriert und mit einer schönen Linienführung der beiden Bergketten im Vordergrund und dem Tal, das sich von links vorne nach rechts hinten in die Bildtiefe zieht, den plastischen Eindruck verstärkt.

Ich frage mich einzig, ob es sich lohnen würde, den Himmel, der jetzt doch ein bisschen sehr von Schleiern durchzogen ist und die schlichte Flächen-Wirkung stört, der übrigen zeichnungslosen Struktur anzupassen – sprich die Wolken und den Dunst in der Höhe wegzuretuschieren. Das bliebe vielleicht auszuprobieren und ist Geschmackssache.

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Offizielles Händeschütteln, Auftritte bei Pressekonferenzen, Absprechen hinter Konferenztischen – mit solchen Bildern illustrieren die Zeitungen ihre Berichte zum Beispiel über die jüngsten schwarz-gelben Koalitionsverhandlungen. Aber wie wahrhaftig sind diese Bilder? Oder: wie hinterhältig?

Michael Schäfer setzte sich schon wiederholt mit den politischen Bildern aus unseren alltäglichen Nachrichten auseinander.

Wir können uns diese Serien auf Michael Schäfers Website anschauen. Er untersucht ihre Konstruktion und das, was sie möglicherweise bei uns auslösen.

Damit stellt er Fragen nach der politischen Macht. Auf Schäfers Bildern sind weder die Bundeskanzlerin Angela Merkel noch andere bekannte Politiker oder Wirtschaftskapitäne in persona zu sehen, auch wenn sie mehr oder weniger deutlich wie Schablonen durchzuschimmern scheinen.

Michael Schäfer nennt seine aktuelle Bildserie “Vorbilder”. Zu sehen sind großformatige Figuren, jeweils zwei Personen in einer dieser typischen symbolischen Handlungen begriffen, die uns aufdringlich bekannt erscheinen.

Weil sie aber aus dem wirklichen Kontext gestellt und die Gesten überdeutlich gezeichnet sind, wird der Betrachter mit einer Ungewissheit konfrontiert.

Michael Schäfer stellt seine Bilder ihren “Vorbildern” nach. Er arbeitet mit namenlosen Statisten, die er so fotografiert, dass sie sich fast deckungsgleich mit diesen Vorbildern verbinden. Dabei lässt er Ecken, Kanten und Fehler zu, so dass der Trick öffentlich und damit der Betrug zum Thema wird.

Die Statisten erscheinen genauer, fast wirklicher als das Bild, das vielleicht ein Pressefotograf an den Schaltstellen der Macht aufgenommen hat. Durch Isolierung, Vergrößerung und mediale Überarbeitung im Sinne einer Collage bekommen die Figuren verallgemeinerbare Züge.

Michael Schäfer, Jahrgang 1964, hat in Dortmund und Leipzig Fotodesign studiert und sein Diplom bei Joachim Brohm abgelegt.

Michael Schäfer – Es wird nie wieder sein wie es einmal war
Bis 13. November
Galerie Hübner & Hübner, Grüneburgweg 71, D-60323 Frankfurt am Main
+49 (0)69-721281, info@galerie-huebner.de
Geöffnet Dienstag bis Freitag 13 – 18:30 Uhr, Samstag 10 – 14 Uhr
3. bis 13. November nur nach telefonischer Vereinbarung

Michael Schäfer
Galerie Hübner & Hübner

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Kommentar des Fotografen:

Neulich auf dem Berliner Höhenweg in Tirol, beim Überqueren eines Gipfels, sah ich dieses Kreuz zwischen den Felsen. Ich mag die Perspektive, das Spiel zwischen Nähe und Weite. Das Foto ist eher intuitiv entstanden, ich hatte nicht die Zeit, um x verschiedene Dinge auszuprobieren. Die Bildwirkung entstand dann eher durch die farbliche Nachbearbeitung.

Profi Robert Kneschke meint zum Bild von Tobias Schmidt:

Dieses Bild wirkt in groß. Als ich es zuerst im kleinen Vorschau-Format sah, ahnte ich, dass hier mehr verborgen liegt als eine schlichte Berglandschaft:

Ich sah ein winziges Männlein und wusste, dass es dem Bild zu einer stärkeren Wirkung verhelfen würde, da es bei solchen Landschaftsaufnahmen immer gut ist, einen Orientierungspunkt für die Größenverhältnisse zu haben.

In der Großansicht wird deutlich, dass auch eine Person zu sehen ist, aber kein lebender Mensch, sondern eine Jesus-Skulptur am Kreuz. Wäre die Person an der gleichen Stelle ein Bergsteiger gewesen, wäre es ein gutes Foto gewesen. So wird das Bild aber zu einem umwerfenden Foto.

Zum einen sind die Größenunterschiede noch deutlicher: Vorne das kleine Kreuz bis zu den monumentalen Bergen im Hintergrund reicht der Kontrast. Durch das christliche Symbol der Aufopferung an genau dieser Stelle, wo Gefahr und Tod ständige Wegbegleiter sind, bekommt das Bild eine religiöse Note.

Außerdem erweckt der Jesus hier fast im Gegensatz zu den meisten anderen Jesus-Darstellungen am Kreuz den Anschein, sich fast an das Kreuz zu klammern, damit er nicht in die Tiefe falle. Das gibt dem Bild sogar einen leicht humorvollen Anklang.

Der Blick des Betrachters geht sofort oben links zur Skulptur. Eher unbewußt, aber dennoch wirksam ist der Rest der Komposition. Denn danach ziehen die Linien des Bergs den Blick zur Bildmitte, wo der dunkle Schatten die Augen wieder nach unten lenken und damit das ganze Bild nacheinander betrachtet wird.

Die künstliche Nachbearbeitung (leichte Kontrastreduzierung und Sepiatönung) verhelfen dem Bild zu einer zeitlosen Stimmung, so daß nicht erkennbar wird, ob das Bild gestern oder vor 50 Jahren aufgenommen wurde.

Die Randabdunklung ist bei dem verwendeten 12mm-Weitwinkelobjektiv sicher nicht zu vermeiden gewesen, ließe sich aber digital entfernen. Hier wirkt es fast so, als sie sie absichtlich verstärkt worden. Das und die abgerundeten Kanten sind Geschmackssache, wirklich störend sind sie bei dem Motiv nicht, sondern betonen die etwas nostalgische Note.

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Kommentar des Fotografen:

Hallo, das Bild entstand im letzten Herbst im großen Bazar von Istanbul. Der ganze Bazar teilt sich in verschiedene Bereiche in denen es dann immer nur eine Sorte von Waren gibt. Unter anderem auch einen mit diesen verzierten Glaslampen. Die abgebildeten habe ich genommen da meiner Meinung nach die Anordnung die Verschieden Muster gut Darstellt und das Licht die linke Lampe gut umspielt.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Kegel Felix:

Zwei von vielen runden Glaslampen in Orange und Gelb, mit leichter Tele-Brennweite in einem Aushang im grossen Bazar von Istanbul fotografiert.

Man muss nicht in Istanbul gewesen sein, um sich bei dieser Fotografie an andere Bilder erinnert zu fühlen – der Bazar und der Lampenmarkt im speziellen sind wunderbare Motive und entsprechend oft fotografiert.

In in diesem Beitrag über eine Panorama-Website findet sich zum Beispiel auch eine 360-Grad-Ansicht aus einem der Lampengeschäfte. Sehenswert!

Du hast Dich für einen Ausschnitt entschieden und dafür, die Lampen mit dem Tele – mit einer mässigen Brennweite von rund 130 Millimetern – zusammenzuziehen.

Das ist eine gestalterische Methode, die sich bei Sammlungen von ähnlichen Dingen, bei Massenveranstaltungen und dergleichen anbietet, um gleichzeitig die grosse Zahl als auch die Individuen in der Ansammlung herauszuarbeiten.

Am besten geht das zudem mit einer verhältnismässig grossen Blende, weil sich ausser dem besonders hervorzuhebenden Individuum die umgebende Masse in Unschärfe tauchen lässt.

Du hast hier zwei der Lampen herausgegriffen. Kompositorisch könnte man daran bemängeln, dass sie das Bild in praktisch zwei gleiche Hälften teilen. In der rechten oberen Ecke hängt ausserdem der Abschluss einer dritten Lampe ins Bild, die noch näher am Betrachter ist. So, wie dieser Lampenteil jetzt ins Bild ragt, trägt er nichts bei, sondern stört eher.

Aber er lässt auch sogleich vermuten, dass diese dritte Lampe teilweise hätte ins Spiel gebracht werden können und zwar so, dass die Tiefe des Raumes noch besser spürbar würde.

Du hast explizit auf das Licht der linken Lampe geachtet, das in der Tat gleichmässiger verteilt ist als das in der rechten. So, wie die linke Lampe jetzt aber im Fokus liegt, wirkt die Unschärfe beliebig und wie zufällig: Das Bild hat keinen Vordergrund, das Hauptmotiv ist der Vordergrund, nämlich die Lampe in der schärfe vorne links.

Ihr fehlt ein Gegengewicht im Bild. Das hättest Du mit einem bewussten Einbezug der beiden andern Lampen – ich rede immer noch von derjenigen rechts vorne oben – beheben können: Mit einem etwas höheren und etwas nach links verschobenen Standpunkt hätte die orange Lampe mehr Raum im Bild erhalten; die gelbe wäre in der Bildtiefe und die dritte, jetzt nicht sichtbare Lampe im Vordergrund in der rechten Bildhälfte in der Unschärfe gelegen.

Diese Komposition würde die Zahl der Lampen (zwei sind ein Paar, drei sind eine ganze Menge…) besser ausdrücken und zugleich das Hauptmotiv in den Schärfebereich zwischen Vorder- und Hintergrund schieben. Das würde dem Bild deutlich mehr Tiefe verleihen.

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Kommentar des Fotografen:

Das Bild wurde vor 2 Jahren im Winter aufgenommen, eigentlich wollte ich im Garten nur Bilder vom Mond machen. Bis mir diese klasse Scene auffiel.

Peter Sennhauser meint zum Bild von Sascha Quell:

Der Mond in einem leicht bewölkten Himmel, vor dem ein Gewirr an Ästen zweier Bäume in der Bilddiagonalen von oben rechts nach unten links für eine zweite Musterebene sorgt.

Ein Mondbild – da kann ich nicht anders als zuzugreifen. Das Bild fesselt auf den ersten Blick durch mehrere Komponenten.

Die gewundenen Äste vor allem des Baums von unten Links sachaffen ein dynamisches Muster, das sich fordernd nach oben rechts erstreckt, die Blicke mitzieht und unterwegs in der Bildmitte auf dem Mond ruhen lässt.

Erst dort kippt das Auge gewissermassen in die zweite Ebene des Bildes, den Himmel vor dem Mond, der leicht bewölkt ist und hinter den natürlich-chaotischen !asten und ihrem Muster ein ebenso natürliches, zweites Zufallsgeflecht entstehen lassen. Durch die weit geöffnete Blende wird trotzd er kurzen Brennweite der Hindergrund leicht unscharf, was im gegenzug dem Astgewirr vor Mond und Wolken zu einer knackigen Schärfe verhilft. Zugleich scheinen sich die Äste rechts am Bildrand in einer Bewegungsunschärfe zu verwischen, die dem statischen Bild auf den zweiten Blick zusätzliche Dynamik verleiht: Der Betrachter sieht die Wolken förmlich ziehen und die Äste sich leicht in der Brise bewegen.

Sehr schön und stimmungsvoll und dank des weichen Kontrasts und der beschriebenen zwei Ebenen extrem raumtief, ist das Bild ausserdem mit der Diagonale von unten links nach oben rechts und dem sich in den freien linken oberen Bildteil erstreckenden Wolkenschleier gut komponiert.

Man könnte sich wünschen, dass vom fast vollen Mond auch die Oberfläche erkennbar wäre – aber das ist belichtungstechnisch kaum zu schaffen. Hier war die Aufnahme so ja bereits nur wegen der relativ dichten Bewölkung möglich, die den Mondschein streut – und natürlich die Oberfläche verdeckt.

Ich würde das Bild allenfalls noch ein wenig beschneiden, um den Mond aus der Bildmitte zu kriegen. Dabei liesse sich auch gleich die Dachkante unten rechts aus dem Ausschnitt kriegen. Und das Vogelhaus in der unteren Mitte würde ich wegretuschieren.

Aber zu Halloween ist das ein sehr passendes und spannendes Bild.

In der Rubrik “Bildkritik” analysieren Profi-Fotografen im Auftrag von fokussiert.com montags bis freitags jeweils ein Foto aus der Leserschaft.
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