Não é minha pretenção escrever um post explicando detalhadamento a citação de Ansel Adams, e sim utilizá-la para lembrar a todos que a sua fotografia é o registro daquilo que a sua visão coloca nela. Quanto mais nos relacionamos com o mundo, e descobrimos os nossos sentimentos e pensamentos sobre ele, mais a nossa visão se revela e tornando-se mais fácil de ser expressada. Seja por meio de escolhas de lentes, composição, exposição,  pós-produção, etc.

A sua câmera é sua parceira no processo fotográfico, assim como o pincel é para o pintor. Vivemos uma relação vantajosa com ela no que diz respeito ao enquadramento e ao processo criativo, e apesar de todas as mudanças no processo e na tecnologia pela qual a fotografia passou, essa relação permanece constante.

Portanto, a sua fotografia é certamente também um reflexo do seu “eu”.  Tudo aquilo que você conhece e escolhe está inserido na sua imagem registrada.

* Direção
* Composição
* Linguagem
* Montagem de esquemas práticos de iluminação de estúdio
* Montagem de esquemas sofisticados para iluminação
* Fotografando em ambientes internos e externos
* Tipos de Luz
* Uso correto de equipamentos e acessórios
* Mercado e concorrência
* Fidelização de clientes
* Fotografia Fine Art
* Relacionamento com clientes
* Postura pessoal e profissional
* Como se tornar um fotógrafo de família
* Marketing Pessoal – sua grande ferramenta de trabalho

É também o autor da famosa foto de Muhammad Ali feita em Agosto de 1961  para a revista Life, onde o boxeador aparece calmo e resoluto embaixo d’água:

A icônica foto de Muhammad Ali embaixo d’água feita por Flip Schulke

Quando Schulke foi apresentado a  Muhammad Ali em 1960, mencionou que fazia fotos subaquáticas. Sabendo disso, Ali confidenciou que sua rotina de treinamento secreto envolvia treino debaixo d’água e que permitiria ser fotografado desde que as fotos fossem publicadas na revista Life. Somente depois de décadas Ali confessou que tudo tinha sido uma artimanha elaborada por ele mesmo para entrar na revista.

O fotojornalista morreu em 2008, na Flórida. No mesmo ano, em Londres, um amigo inglês me contou ser grande admirador de Ali e revelou se sentir inspirado pelo foto. Na madrugada do mesmo dia recebi uma mensagem desse amigo: “Muhammad Ali can’t swin’. Isso mesmo, Muhammad Ali não sabia nadar.

Em janeiro deste ano, a Time montou um álbum com fotos marcantes de  Muhammad Ali em comemoração ao seu 70º aniversário. São 75 imagens de fotógrafos como Elliott Erwitt, Neil Leifer e Thomas Hoepker. Clique aqui para ver o álbum de fotos.

Desta vez revelou uma nova objetiva para suas Lumix G, que tem a impressionante abertura fixa de 2.8, o que é bastante incomum, considerando que objetivas para compactas não mantêm abertura grande fixa em toda sua extensão, o que significa agilidade para quem optar por fazer uso, por exemplo, de uma Lumix GH2. E falando em extensão de zoom, ela é equivalente a uma 24-70mm, tipo de objetiva bastante utilizado por quem necessita de versatilidade, como fotógrafos de eventos.

A bem da verdade este modelo é tão interessante que deixa a Lumix GX1 no mesmo patamar de suas concorrentes mais afamadas, com um diferencial bem interessante que é esta Lumix GX Vario 12-35mm f2.8 ASPH / Power O.I.S. (H-HS12035), compensando até certo ponto com sua abertura de diafragma o nível de ruído, além de permitir aberturas maiores com o zoom mais estendido (bom para bokeh mais acentuado). Como se não bastasse, ainda possui ângulo de visão maior que ambas 14-42mm que a marca também oferece para os adeptos do sistema micro quatro-terços (m4/3) – o que é ótimo para quem é fã de cliques em grande-angular, seja em eventos, pela cidade ou, principalmente, paisagens.

Tudo isto com a qualidade óptica da série premium “X”, reconhecida por oferecer uma imagem de alta qualidade, com texturas realistas, e um bom contraste em todas imagens por causa de seu revestimento nanométrico que minimiza o tremor da câmara e os reflexos. Resultado: foto natural com uma nitidez excelente. Os tremores também são bem combatidos com o sistema Power O.I.S (Optical Image Stabilizer – Estabilizador de Imagem Óptico), que permite utilizar velocidades mais lentas e correção de movimentos do pulso.

Seguem os aspectos mais técnicos, mas igualmente interessantes:

A objectiva é formada por 14 lentes em 9 grupos – a UED (Ultra dispersão extra baixa) minimiza os excessos cromáticos, enquanto o UHR (Refração Ultra Alta) consegue obter um rendimento significativo de um lado ao outro da imagem. Tem um elevado contraste e uma excelente resolução a partir do centro para a margem da imagem ao longo de toda a focagem, permitindo assim captar detalhes de paisagens e retratos com grandes perspectivas. Inclusas no conjunto estão 04 lentes esféricas, que ajudam na redução do tamanho da lente, deixando-a excepcionalmente compacta: cerca de 73,8mm de comprimento e pesando meros 305 gramas, o que a torna muito portátil e controlável.

Incorpora um sistema de focagem interno melhorado, permitindo assim uma resolução e contraste impressionante a partir do aumento máximo até ao infinito, sem alterar o comprimento da lente. A inclusão do motor faz com que a ação de focagem seja mais suave e silenciosa tanto para foto quanto para vídeo. Além disso, quando integrado com uma câmara com sistema Lumix G de quatro terços, os utilizadores também podem tirar partido da velocidade do sistema AF avançado de alto contraste.

As sete folhas ou lâminas do diafragma proporcionam uma forma arredondada para um atraente efeito de desfoque, muito suave em áreas que estão fora de foco quando se fotografa com abertura de diafragma maior.
A lente é concebida em metal para garantir a longevidade do equipamento, projetado para ser resistente a respingos de água e poeira devido a um anel de borracha instalado na montagem de lente. Sua aparência foi concebida tendo em conta a sofisticação do estilo Lumix G para encaixar perfeitamente com o design da câmara.

É isso, meus caros, a Panasonic está aí mais uma vez provando que não é tão prima pobre na fotografia. Já a Tekpix…

Tenho uma visão sobre arte, de que ela deve possuir um conjunto de fatores, entre eles técnica, método, estética, relevância e criatividade.

Quando falo em técnica não uso o termo no sentido tradicional, de que as coisas devam ser feitas de forma acadêmica, mas no sentido de controle, do uso de ferramentas de forma razoavelmente consistente, o fazer algo que tenha suficiente grau de controle para que o autor possa repetir o processo e desta forma gerar outra obra que seja coerente com a primeira, e assim sequencialmente. A técnica seria por assim dizer a ferramenta que permite que algo seja feito e refeito ao longo do tempo. Isso exclui uma obra que seja originada no caos, em processos sem controle, fruto do puro acaso. Deste modo o termo técnica irá se mesclar no método, fará parte do mesmo, que é o sistema pelo qual o autor realiza sua obra. A repetição do método e da técnica irão gerar diversas obras, variando em tema, em criatividade, em estética, mas com uma base comum de realização.

A estética é mais problemática, ela foge da área mensurável e identificável da técnica e do método e entra na subjetividade, o que é estético para um pode não ser para outro, mas ainda assim, vejo a necessidade de uma estética que dê corpo a uma obra. Quando vejo diversas pinturas de Vermeer, há um parentesco estético entre elas, ao observar muitas fotos de Bresson novamente essa relação de uma coerência estética se faz notar, ao ouvir toda a obra de Mozart encontro novamente um traço que liga uma obra a outra. É esse traço que parece dar coerência ao conjunto de uma obra que chamo de estética.

Relevância traz a questão social da arte e perguntas como: essa arte muda alguma coisa? Quebra algum paradigma? Inicia um novo movimento? Desperta a fúria ou o amor na sociedade? Ela irá pautar discussões entre as pessoas? Relevância é isso, é nascer de uma sociedade e interferir nessa mesma sociedade, é se alimentar do mundo para voltar a alimentar o mundo. Uma obra que pareça vir do nada e que nada cause à sociedade parece estéril, inútil.

Por fim a criatividade. Apenas repetir o que alguém já fez, copiando, pode demonstrar técnica, estética e método, mas mostrará pouca relevância e muito menos criatividade. Não digo que tenhamos que fazer algo de novo o tempo todo, nem sei se isso é possível, mas tomarei de exemplo os filmes de Quentin Tarantino. Quase todas as cenas, enquadramentos, movimentos de câmera, e mesmo os personagens e muitos diálogos em seus filmes vieram de outros filmes, ele como grande fã de cinema busca referências e faz novas misturas com esses elementos criando algo que no final das contas é criativo, então se ele não inova na criação de novos elementos, sua criatividade está na nova mistura de elementos conhecidos, penso que essa lógica possa se aplicar a qualquer arte.

Desse conjunto de termos acima, e seus significados, tiro um conceito muito pessoal do que considero arte, e daquilo que opto por desconsiderar. Muito do que faço cai no lado desconsiderado, a maioria das fotos que fiz na vida não são arte, no máximo são artesanato bem feito, que tem técnica, estética e método, mas cairão ao pensarmos na relevância e na criatividade. Por outro lado vejo por aí exemplos de artes que até são criativas, mas que são de tal forma fruto de acasos que tenho dificuldade em chamá-las de arte e aqui entro num debate sobre as artes contemporâneas, tão fugazes e perecíveis (com exceções, é claro).

O problema das artes contemporâneas é que muitas são baseadas na idéia de que apenas a criatividade basta para ser arte, apenas uma idéia ser ou parecer nova basta, se é novidade é arte. Esse fator me incomoda pois dá origem ao qualquer coisa é arte e qualquer um é artista.

Esse raciocínio do qualquer coisa é arte talvez tenha nascido com Duchamp e seus “ready mades”, possivelmente tenha atingido seu auge com Piero Manzoni, um sujeito que conseguiu colocar em galerias de arte latas cheias de fezes, lacradas e rotuladas como “Merde D’Artiste”. Algumas dessas latas são leiloadas até os tempos atuais por altas somas.

Tenho grande dificuldade em aceitar que uma lata cheia de fezes seja arte, na verdade não aceito, direi até o fim de meus dias que isso não é arte. E tenho sérias tendências de achar que quem compra uma lata dessas por uma soma de dinheiro capaz de saciar a fome de centenas de pessoas seja alguém com graves problemas mentais. Mas isso, como eu disse, é uma questão minha, uma opinião.

Não é que eu não goste de arte moderna, gosto de muitas coisas produzidas hoje, muitas mesmo, mas precisa haver método, técnica, estética, relevância e criatividade, não pode ser fruto do nada, do acaso. E não é que não devamos refletir sobre a importância dos dejetos humanos, refletir sobre o tema etc., mas não precisamos chamar de arte.

Por isso sempre digo que Picasso era um gênio, mesmo que esteticamente eu não goste tanto de suas pinturas, mas a pertinência histórica, a influência, a metodologia apurada de quem estudou os acadêmicos para conscientemente romper com os cânones aceitos da arte, a técnica e a estética única de suas obras o diferencia do mundo e o coloca em um grande destaque, o destaque dado aos gênios.

Por isso fotógrafos como David LaChapelle e Annie Leibovitz, entre outros, são artistas. Eles não são obra de acaso, nem suas obras são resultado de esforços pequenos, ordinários, e sim fruto de todos os fatores que mencionei acima.

E se eu defendo que esses são artistas, tenho que rejeitar os chamados “ready mades” desde Duchamp, pois seria ofensivo aos outros em minha opinião. Como colocar no mesmo pedestal uma lata cheia de fezes e uma Guernica? E como colocar também no mesmo patamar uma foto de Annie Leibovitz e uma imagem qualquer captada de forma qualquer? Não posso fazer isso.

Isso em nada se relaciona ao mercado de arte, esta discussão é mais filosófica e não de valores financeiros. O mercado de arte é igual à bolsa de valores, não se baseia em valores reais ou filosóficos, e sim no que der mais lucro, e aí temos uma boa razão para a arte ter se tornado tão vazia, algo que não faz refletir ou pensar, o máximo que provoca é um superficial ”olha que legal, que bonito”. Ou no oposto despertará reações de nojo, horror etc., mas sem reflexão ou importância social. Estas coisas de efeito rápido mas sem profundidade andam vendendo bem no mercado de arte, pois assim se tornam obsoletas rápido para abrirem espaço para novas vendas, apenas dinheiro.

Estas foram minhas reflexões, muito do que penso sobre arte e que podia ser resumido em um artigo está aqui, agora espero as opiniões dos amigos, suas reflexões e idéias, para podermos debater o tema, não querendo chegar numa conclusão, acho que não é possível, mas apenas para ter o maior número de opiniões mesmo, um grande leque sobre o que fotógrafos e apreciadores de fotografia andam pensando sobre arte.

Ilustro este artigo com um vídeo de minha autoria, o No Fish. Muito do que meu trabalho ao longo dos anos com fotografia careceu de significado, simbolismo e criatividade, penso ter encontrado ao passar a produzir vídeos, este é um momento de mudança para este colunista, fotógrafo e professor de fotografia, o momento em que finalmente, depois de tantos anos de carreira, parece que estou me entendendo comigo mesmo enquanto autor.

Nos vemos em breve,
[]’s

Como alguns de vocês já devem saber, este ano comecei a ministrar workshops de Fotografia Infantil pelo Brasil. Já tivemos aulas em Belo Horizonte e São Paulo e agora chegou a vez dos fotógrafos do sul.

E, para a alegria dos leitores do Fotografia-DG, vamos sortear uma vaga para este de Curitiba!

O Workshop será no dia 23 de junho, com duração de 8 horas, manhã e tarde. Com aula teórica e prática!

Vocês podem conferir todo o conteúdo e cronograma aqui neste post do meu blog.

Para concorrer à vaga, tudo o que vocês devem fazer é curtir a página do Fotografia-DG e a minha página no facebook, ir aqui no link de promoções e clicar em QUERO PARTICIPAR!

Pronto, já estão concorrendo.  O sorteio será feito no dia 01/06, sexta-feira e o ganhador será comunicado lá mesmo no facebook.

Boa sorte a todos. Um beijo grande e até junho!

E-Book de Fotografia Infantil

O respeitado fotógrafo norte-americano David Beckstead, eleito em 2007 um dos 10 maiores fotógrafos do mundo pela revista American Photo, acaba de lançar seu primeiro livro, produzido especialmente para o Brasil, pela Editora Photos. O livro “Dynamic Wedding: Conceitos Inovadores na Fotografia de Casamento” reúne imagens dos mais de 16 anos de carreira de Beckstead e aprofunda temas que o fotógrafo mais domina, como composição e estilo.

O objetivo desta obra é conduzir o leitor a criar imagens de casamento mais dinâmicas. Não por meio de dicas e técnicas, como em tantas outras obras, mas através de conceitos e ideias.  “Dynamic Wedding” trata tanto da ‘psicologia’ do fotógrafo de casamentos quanto de elementos, conceitos de composição, estilo, atitude criativa e inspiração.

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Conhecido por suas belíssimas composições e pela habilidade em explorar a luz e elementos de forma inusitada, Beckstead convida o leitor a criar uma marca que seja dele, a fotografar com um estilo próprio e a atrair clientes que amem e respeitem sua liberdade profissional – ideia que o autor defende e persegue – pelo menos – desde 2001, quando passou a se concentrar apenas na fotografia de casamento, que sempre foi seu gênero preferido.

“Dynamic Wedding: Conceitos Inovadores na Fotografia de Casamento” possui 244 páginas, no formato 20x24cm e pode ser encontrado nas principais livrarias do país e na loja virtual do Fotografia-DG. Confira: http://loja.fotografia-dg.com/casamento/192-dynamic-wedding.html

Sobre o autor:

Aprender fotografia com facilidade, em pouco tempo é um desejo que se transforma em realidade para os alunos da Escola Focus, que comemora este ano o seu 37. Aniversário

“É um curso para todas as idades, com certificado e utiliza método exclusivo de aprendizado, com excelentes resultados, comprovados na sala de aula e aulas em campo”, diz Prof. Dr. Enio Leite, coordenador pedagógico e autor do livro: Fotografia Digital, Aprendendo a Fotografar com Qualidade, entre outros.  O aluno se forma em 4 meses e já compete em nível de igualdade com fotógrafos profissionais autodidatas que estão no mercado há mais de 20 anos.

“Abrimos turmas extras para atender aos interessados que não conseguiram se matricular nas turmas regulares, já que estas vagas se esgotaram nos primeiros dias de inscrição”, complementa o professor.

Os cursos são oferecidos a preços promocionais, com várias opções de horários: manhã, tarde ou noite. Aulas durante a semana ou somente aos sábados.

Além das aulas de fotografia, o aluno conta com plantão de dúvidas individual, uma aula particular opcional e gratuita.

“Recomenda-se aos interessados reservarem sua vaga com a maior brevidade possível” alerta Prof. Leite. É um curso muito concorrido! O certificado possibilita ao aluno formado a obter seu registro Mtb de fotógrafo profissional. Não confundir com Mtb de repórter fotográfico, uma especialidade dentro do jornalismo. “Este registro, com certeza aumentar suas oportunidades no mercado de trabalho”.

A localização da Escola Focus é privilegiada, de fácil acesso, no coração do centro de São Paulo, atrás da Faculdade de Direito São Francisco/USP, entre as Estações do Metrô Sé e Anhangabaú. Estacionamentos exclusivos para alunos.

“Além dos cursos presenciais em 7 módulos,  a Focus oferece cursos de fotografia a distância EAD, em 8 módulos e os cursos de fotografia Vips, com aulas individuais. Os três cursos compartilham o mesmo conteúdo programático, a mesma equipe de professores, as mesmas apostilas e material didático”, finaliza o professor. Os certificados emitidos são válidos em todo o território nacional e exterior. Basta consularizá-los.

Informações: De segunda a quinta-feira, das 8.00 as 20.00. Sextas e Sábados,  das 8.00 as 12.00 h. Tel (11) 3107 2219 – (11) 3104 69 51. Focus Escola de Fotografia www.focusfoto.com.br E-mail: cursos@focusfoto.com.br

Aqui estou eu de volta ao mundo fotodgniano com uma nova proposta de ensino de técnicas avançadas de iluminação com esquema gráfico e texto explicativo pormenorizado para que os mesmos resultados sejam alcançados por vocês logo na primeira tentativa. Esse tutorial vai te ajudar a apresentar fotografias mais criativas e adaptadas à industria da Moda, Agências de Modelos, Books, Novos Clientes, etc  (=MONEY!!!!! UHÚÚÚ!).

Vou começar com uma das luzes que mais gosto e que funciona super bem em trabalhos de Moda.  Como tenho uma perna no tempo do filme e a outra na era digital, acabo por levar uma certa vantagem na forma de fazer as previsões técnicas, já que na Era Analógica (ui … me senti um dinossauro agora) não tinha essa de clicar e olhar no monitor da camera, ou do computador, e, por mais anos de experiência que tivéssemos como fotógrafos, sempre tinha uma adrenalina até a hora de ver como tinha ficado o nosso trabalho. Quantas e quantas vezes o cliente trazia uma caixa fechadinha com 20 filmes no formato 120 e quando acabávamos ele mesmo juntava tudo e encaminhava para o laboratório dele sem termos como dar um jeitinho que fosse no Photoshop e tinha que estar tudo certinho para a impressão. Como era bom, depois de 3 ou 4 horas, receber um telefonema do director de arte dizendo:

“Meuuuuuuu, ficou du c*****!!!!! “

E prá que eu conto isso??? … prá dizer que essa luz que vou ensinar hoje foi “inventada” nos anos 90 e muitos dos feras só usavam filme numa construção de iluminação extremamente delicada e arriscada já que é tudo no limite em termos de relação (ratio) entre as cabeças de flashes.

O bom nisso tudo é que, hoje em dia, com os novos padrões da Era Digital (que eu adoro!!!) consegue-se ir fazendo acertos em tempo real através do lcd da câmera.

A seguir à cada imagem, vou explicar exatamente para que serve cada coisa … por isso, muita calma nessa hora que no final tudo vai dar certo, ok?!!  … nada é complicado!!!!

Então vamos lá?!!

Neste mês de abril ainda tivemos o sorteio do livro “Adobe Photoshop Vol. 3“, para os leitores que acompanham o projeto. Em breve teremos ainda mais sorteios, fiquem ligados e continuem acompanhando o projeto #DicaDG!

Um abraço!

Dia #1 #DicaDG – Ao utilizar a função de vídeo em DSLR use ISO com números multíplos de 160, eles provocam menos ruído do que os multíplos de 100.

Dia #2 #DicaDG – É quase impossível filmar e fotografar ao mesmo tempo com a mesma desenvoltura, priorize uma das duas atividades por vez

Dia #3 #DicaDG – A curta profundidade de campo das DSLR pode não ser vantagem ao filmar eventos, uma filmadora tradicional pode ser melhor

Dia #4 #DicaDG – Para filmagens com DSLR, ajuste o contraste e a nitidez da câmera para valores baixos

Dia #5 #DicaDG – O mercado de vídeo e foto vive tendo lançamentos de equipamentos, não se iluda, eles não mudam substancialmente sua arte

Dia #6 #DicaDG – Um dos maiores problemas de filmar com DSLR é o áudio, invista em um gravador externo.

Dia #7 #DicaDG – Ao usar gravador externo em filmagens, deixe o áudio interno também gravando para ajuder a sincronizar o áudio na edição.

Dia #8 #DicaDG – Para ajudar a sincronizar o áudio com o vídeo, na edição, utilize uma claquete ao filmar, ou faça o mesmo movimento só com as mãos.

Dia #9 #DicaDG – Uma sugestão de um bom gravador é o modelo Zoom H4n.

Dia #10 #DicaDG – Ao comprar luzes, dê atenção ao IRC (Índice de Reprodução de Cor) ou CRI (Color Rendering Index, em inglês).

Dia #11 #DicaDG – Luzes com IRC igual ou próximo a 100 são ideais. IRC abaixo de 75 a reprodução de cor é prejudicada.

Dia #12 #DicaDG – Lâmpadas com idades diferentes geram cores diferentes, tanto em temperatura de cor como em IRC.

Dia #13 #DicaDG – Ao criar um ambiente para fazer tratamento de fotos preocupe-se com a cor das paredes e iluminação do local.

Dia #14 #DicaDG – De preferência utilize paredes com cor cinza 18% e lâmpadas específicas como a Chroma 50.

Dia #15 #DicaDG – Se possível, também utilize monitores profissionais (com painel IPS) e calibradores de monitor.

Dia #16 #DicaDG – Uma boa sugestão de monitor com painel IPS, e com boa relação custoxbenefício é o monitor da LG LPS236V.

Dia #17 #DicaDG – Uma boa sugestão de calibrador de monitor é o Eye-one Display 2 da Coralis.

Dia #18 #DicaDG – A curva em S é a posição mais agradável para fotografar o corpo feminino.

Dia #19 #DicaDG – Ao posicionar uma modelo, evite que a coluna do corpo forme uma linha vertical.

Dia #20 #DicaDG – Da mesma forma que a coluna não deve formar uma linha vertical, evite manter os ombros em linha horizontal.

Dia #21 #DicaDG – Ao fotografar modelos, tenha muito cuidado com os pés e as mãos, eles são os maiores indicativos de que a modelo está tensa.

Dia #22 #DicaDG – Quando fotografar os pés, evite mostrar a parte inferior deles.

Dia #23 #DicaDG – Ao enquadrar uma pessoa, evite o corte nas articulações, para não gerar aspecto de amputamento.

Dia #24 #DicaDG – Quer aprender a dirigir modelos? Fotografe pessoas comuns e não modelos profissionais!

Dia #25 #DicaDG – Sempre que possível evite que os braços fiquem colados ao corpo da pessoa fotografada.

Dia #26 #DicaDG – Quer calibrar seu monitor LCD? Acesse este site e faça on-line: http://www.lagom.nl/lcd-test/

Dia #27 #DicaDG – Ao vender seu trabalho, conheça bem seus pontos fortes para poder valorizá-los na negociação.

Dia #28 #DicaDG – Ao negociar, estabeleça objetivos primários e secundários, negocie só os secundários.

Dia #29 #DicaDG – É mais vantajoso negociar “no campo do cliente”, a casa dele, o escritório dele, ele se sentirá mais a vontade.

Dia #30 #DicaDG – Ao negociar no campo do cliente, você tem condições de observar seus hábitos, gostos e padrões de consumo.

O fotógrafo fala que o gosto pela fotografia de animais nasceu com ele, o intitulando de: “fotógrafo nato”. Mas, e de onde veio essa inspiração para fotografar os bichos? Aqui cabe uma breve história… Os pais de Johnny foram para a Itália, onde se casaram e onde seu pai aprendeu fotografia, por dias ele não nasce em terras italianas. Alguns anos após o seu nascimento, o pai de Johnny passou a se dedicar exclusivamente a fotografia de cavalos; Johnny tinha uns 6 ou 7 anos, ou seja, cresceu “respirando fotografia”, como expressa. Aos 15 anos, o “fotógrafo nato” comprou sua primeira câmera SLR e aos 16 vendeu a sua primeira foto, um still de um equipamento equestre.

Ele trabalha profissionalmente desde 1996 e atualmente faz fotos externas e internas, por exemplo, no estúdio fotográfico que possui em Cotia, na Grande São Paulo.

Pai, fotógrafo…

É claro que dentro de casa o pai Johnny também vira fotógrafo, sua filha mais velha além de sua modelo também é sua assistente. Será que vai seguir os passos do pai? O fotógrafo é bem tranqüilo com relação a isso, deixa que o coração dela guie seu lado profissional, como aconteceu com ele, “pois tudo que fazemos com o coração, fica melhor do que simplesmente perfeito”, explica. Johnny diz a filha, o que também é um conselho para todos os fotógrafos e amantes da fotografia: “que tudo que fizermos “BEM FEITO” terá reconhecimento e sucesso…”.

Dianna (filha de Johnny) dormindo com a Pit Bull da família, Fiona.

Falando em reconhecimento, Johnny já ganhou diversos prêmios, como o Leão de Bronze em Cannes (2005) e Ouro em Gramado (2006). Esses são alguns, mas no site dele podem conferir outras premiações, que o fotógrafo chama de “presentes de Deus”, já que nunca teve esse tipo de aspiração.

Para conciliar família e profissão, Johnny procura não trabalhar aos finais de semana e nem em feriados, mas às vezes se faz necessário, conta ele. O expediente do fotógrafo começa cedo, às 7h15, levanta como “as galinhas”, brinca, pois a profissão exige isso. As sextas-feiras ele reserva para editar e tratar as fotos, mas isso não é exatamente uma rotina, já que o tempo meteorológico dita o seu trabalho também.

Além disso, desde 1997 Johnny se dedica a musculação, atualmente está corrigindo a sua disciplina para a atividade, pois o trabalho tem preenchido muito o seu tempo, já que trabalha como fotógrafo full time. Ele faz questão de se cuidar, “pois meu corpo deve se manter jovem para me acompanhar em minhas “caçadas” fotográficas”, esclarece.

Fotografando animais

Qual a principal dificuldade em fotografar animais? Segundo Johnny o segredo é saber dirigi-los, “pensar como eles…saber identificar o temperamento do animal para definir como irá dirigir a seção fotográfica”, completa.

Os principais clientes do fotógrafo são os proprietários de cães, e não tem espécie que mais lhe agrade, ele simplesmente gosta quando o animal é “expressivo, exibido e fotogênico” e acrescenta: “gosto de fotografar animal que gosta de ser fotografado”.

Setorização de mercado

Johnny assim como o pai decidiu se especializar em um nicho de mercado e por isso se sente na obrigação de estar inovando sempre, criando coisas novas, sempre “ditando as tendências” deste mercado, expressa.

Para o fotógrafo setorizar o mercado não é problema, o que para algumas pessoas é, pois ele acredita exatamente no contrário, que deve haver uma especialização em determinado setor, como ocorre com ele no ramo pet, pois como diz: “quem faz de tudo, não faz nada perfeitamente”. Para Johnny um fotógrafo tem que conhecer muito bem aquilo que se fotografa para que, por ignorância, não mostre defeitos ao invés de qualidades, por isso, acredita que o caminho é a especialização.

Johnny Duarte deixa uma dica para os leitores do Fotografia DG, especialmente para aqueles que querem investir na fotografia de pet: “Fotografar em abrigos de cães… é o local onde melhor se aprende principalmente sobre direção, pois há diferentes temperamentos, diferentes situações, diferentes pelagens e cores”.

Para conhecer mais sobre o trabalho do Johnny, acessem:

Johnny – site: www.fotoanimal.com.br
Johnny – facebook: https://www.facebook.com/JohnnyFotoanimal?ref=ts

Nesse mês a OLD lança seu décimo número online e comemora um ano de vida trazendo uma edição caprichada. O primeiro portfolio é de Guilherme Minoti. Ele apresenta seu trabalho sobre a Chapada dos Veadeiros, uma série de fotografias de uma de suas viagens para a região, com um clima de diário de bordo, narrando as aventuras da viagem.

A entrevista da edição de aniversário é com Iatã Cannabrava. O organizador do Paraty em Foco fala sobre o cenário de festivais nacionais, sobre sua produção fotográfica e sobre a sua militância política na fotografia.

O trabalho que fecha essa edição é de Mariana Leme, ilustradora e fotógrafa, aluna de artes plásticas na USP. Ela apresenta uma série de dípticos, compostos por espaços urbanos, dando um novo significado para cada uma das imagens registradas.

Veja em baixo a revista OLD nº 10 gratuitamente

O fotógrafo de casamentos Anderson Marcello, reconhecido pelas principais associações internacionais de fotografia de casamentos e colunista do Fotografia-DG, estará ministrando um Workshop de Fotografia de Casamentos no Rio de Janeiro.

O Workshop terá duas turmas, uma para 25/07 (quarta-feira) e outra para 28/07 (sábado).

É uma ótima oportunidade para quem deseja se aperfeiçoar e para quem deseja entrar no mercado.

Sobre o workshop

Conheça a forma como Anderson Marcello fotografa os casamentos de forma completa, desde o making of, a cerimônia e a festa. Aprenda as técnicas modernas da fotografia sem flash, dominando a luz ambiente e a luz contínua mantendo a naturalidade com imagens realmente impressionantes. Conceitos de gestão essenciais para alavancar seu negócio, como: vendas, marketing e administração financeira.

Conteúdo

• como fotografar um casamento passo-a-passo
• como captar a emoção e supreender
• lentes, equipamentos e suas aplicações no casamento
•  o uso da luz contínua em todo o casamento
• como fotografar na pista de dança sem o uso do flash
• técnicas de iluminação com leds
• acessórios que facilitarão sua vida
• marketing e vendas
• mídia impressa vs internet
• fluxo de trabalho e backup
• como elaborar um orçamento e estabelecer o seu preço
• contrato: evitando futuros problemas
• edição, álbuns e a entrega das fotos
• administração financeira e ferramentas de gestão

PÚBLICO: Fotógrafos iniciantes, amadores e profissionais.

DATA: 1ª turma: Quarta-feira, 25 de Julho de 2012 e 2ª turma: Sábado, 28 de Julho de 2012

HORÁRIO: 08hs as 17hs

LOCAL: Largo do Machado | Flamengo | Rio de Janeiro

INVESTIMENTO: R$ 700,00 -  em até 12x no cartão de crédito (via PagSeguro) ou R$ 670,00 – à vista via boleto ou depósito no Banco Itaú.

INSCRIÇÕES: http://www.andersonmarcello.com.br/blog/workshop/wokshop-fotografia-de-casamentos

Se não leu o artigo anterior considere ler antes de prosseguir. #RECOMENDO

Iluminação Para Moda e Beauty – Direção Da Luz – Parte 1

Eixo Horizontal

É importante lembrar que para se entender os efeitos relacionados à direção da luz temos que adotar um pensamento cartesiano, ou seja, determinar sua posição no eixo vertical e no eixo horizontal, simultaneamente, pois, toda fonte de luz estará posicionada em um determinado lado e a uma determinada altura. Já sabemos que no eixo vertical temos três possibilidades principais, a luz de cima, a de baixo e a luz na altura dos olhos (ou rosto) do modelo, agora vamos seguir adiante e entender os efeitos relacionados às posições na horizontal.

A série de imagens da cidade sitiada de Misrata, na Líbia, rendeu ao paulista o Robert Capa Gold Medal 2011, um dos mais importantes prêmios de fotografia do mundo. Liohn é o primeiro brasileiro – aliás, é o primeiro sul-americano – a ser contemplado pelo Prêmio que existe desde 1955.

Na sexta-feira passada, 27/04, o fotógrafo decidiu vir ao Brasil quando foi convidado a participar do programa Roda-Viva, da Tv Cutura. Aproveitou e fez contato com a Imã para fazer a palestra.

Com o prêmio, identificou a visibilidade que passaria a ter e com isso a possibilidade de ajudar o povo Líbio por meio de suas fotos. Mais do que retratar uma guerra, André quer ajudar o povo Líbio. Ele e os fotógrafos Lynsey Addario, Eric Bouvet, Bryan Denton, Christopher Morris, Jehad Nga, Finbarr O’Reilly and Paolo Pellegrin criam o projeto Almost Dawn In Libya, o ADIL.

O projeto consiste em uma mesma mostra exposta em quatro cidades da Líbia. Sobre o objetivo da exposição, Liohn explica “Em algum momento eu pensei que  talvez as fotos possam ajudar a promover a conciliação do povo de lá. Não sei se vamos conseguir, espero que sim”.  Serão 100 fotos as quais os fotógrafos abriram mão dos diretos autorais. A impressão e molduras serão feitas na Líbia. Mais informações sobre o projeto aqui

Enquanto o fotógrafo mostrava suas fotos e as do projeto, a conversa se desenrolou em torno de experiências da cobertura de guerra, jornalismo, a Primavera Árabe e até questões culturais do Brasil.

Ficou claro que o que importa para ele não é fotografia. “Eu não penso em fotografia, não estou ali fazendo arte. Eu estou ali para mostrar o que aconteceu com aquelas pessoas” disse ontem, assim como na entrevista do programa da TV Cultura, em que compara fotografar com dirigir. “Quando você dirige, não pensa ‘agora vou mudar de marcha’. O que importa é o objetivo, que neste caso é chegar do ponto A ao B. E a minha fotografia ou video tem o objetivo de contar aquelas histórias”. Sobre a decisão entre filmar e fotografar,  explica “As vezes eu sei que filmar vai contar melhor a história, vai mostrar melhor o começo, meio e fim”.

Quando questionado sobre equipamento, revelou que usa só uma lente 28mm.  “Não porque Cartier-Bresson disse isso, ou aquilo. Não importa o que ele dizia. Claro, o que ele disse é válido, mas o tempo dele foi outro”, diz gesticulando, para mencionar que passado e o presente são muito diferentes e hoje, o mundo é outro.

Além do projeto ADIL, Liohn não tem planos de novas coberturas, mas revelou seu desejo de ir para o Sul do Sudão, envolvido em combates na fronteira com a norte e vizinho Sudão desde março.

Egberto Nogueira, da Imã Foto Galeria, filmou tudo e vai disponibilizar o vídeo no Youtube em breve. Enquanto isso, você pode ver um teaser que a Imã publicou.

Sobre o prêmio

As imagens de  Liohn “são verdadeiramente o espírito de combate da fotografia de Robert Capa” diz a notícia que anuncia o vencedor no site do prêmio.

Abaixo o ensaio merecidamente vencedor. Não me surpreende que tenha sido contemplado com o prêmio. É fotojornalismo de alta qualidade. Mesmo que Robert Capa não o tenha influenciado, as fotos levam àquela famosa frase: ‘Se sua foto não está boa o suficiente é porque você não está perto o suficiente‘. Definitivamente Liohn estava perto, bem perto.

Rebeldes entram na cidade de Sirte, o último reduto principal de Kadafi. Durante a batalha,
Sirte ficou quase completamente em ruínas. Soldado pró-Kadafi mortalmente ferido é preso em Sirte.

Rebeldes entram em confronto com soldados do governo dentro de um prédio. A batalha de Misratah durou
quatro meses e se tornou um símbolo da revolta de nove meses de duração armada contra a ditadura da Líbia.

Rebeldes prontos para invadir uma casa que era base dos soldados das forças pró-Kadafi depois que os rebeldes
conseguiram tomar o controle da maioria das áreas controladas pelas forças militares, em 24 de abril de 2011.

Rebeldes em confronto com os soldados pró-governo em Misratah.

A batalha de Misratah durou 4 meses e se tornou uma das batalhas mais importantes e
mais simbólicas dos 9 meses de duração da revolta contra a ditadura da Líbia. Durante o cerco,
a cidade viu intensos combates e assaltos diários.

Em Trípoli, na sede da 32 º Brigada de Khamis, forças rebeldes encontraram 53 corpos carbonizados dentro
de um armazém utilizado como um centro de detenção por soldados leais ao coronel Muammar Kadafi.
Alguns corpos apresentavam sinais de execução. Rebeldes chegam ao armazém.

Um soldado pró-Kadafi gravemente ferido é capturado por rebeldes em Misratah.
Os motoristas de ambulâncias e médicos muitas vezes recebiam ameaças de rebeldes e
moradores em situações que tiveram de resgatar e tratar soldados pró-Kadafi.

Soldados feridos pró-Kadafi são presos em Misratah. Não havia na cidade uma instalação própria
para o tratamento de soldados pró-governo feridos. Neste local apenas um médico, sem suprimentos médicos,
era responsável por receber e tratar dezenas de feridos.

Rebelde Hamid Shwaili pede ajuda depois de ter sido mortalmente ferido em uma batalha
contra os soldados leais ao governo de Muammar Kadafi.
A batalha teve lugar em uma das últimas partes controladas pelo governo na Rua Tripoli, em Misratah.

Uma ambulância com um rebelde morto pronta para partir do Lanuf Ras Hospital durante os primeiros dias de combate.
Sem experiência de guerra, motoristas de ambulância, vários deles voluntários, arriscaram suas vidas
para resgatar pacientes nas linhas de frente de confrontos na Líbia.

Rebeldes entram na cidade de Sirte, o último reduto principal de Kadafi.
Durante a batalha de Sirte, a cidade ficou quase completamente em ruínas,
com muitos edifícios totalmente destruídos ou danificados.

Rebeldes posando em frente ao corpo de um soldado pró -Muamar Kadafi morto em Sirte.

Liohn foi entrevistado no programa Roda Viva por Mauricio Lima (fotógrafo freelancer do jornal New York Times), Eduardo Nicolau (editor de fotografia do jornal O Estado de S.Paulo), João Wainer (editor de fotografia do jornal Folha de S.Paulo), Leão Serva (jornalista e ex-correspondente de guerra e autor de livro e ensaios de jornalismo de guerra) e Roberto Cabrini (jornalista, apresentador do programa Conexão Repórter, do SBT). Abaixo o programa na ínegra.

Vale a pena assistir.

Nascido em Botucatu e de família pobre. Saiu do Brasil 1994 em busca de um futuro melhor. Depois de passar pela Suiça, se estabeleceu na Noruega onde trabalhadou como lenhador e depois de um curso, passou a trabalhar com comércio exterior. Hoje mora na Itália e tem dois filhos.

Frequentemente André Liohn tem suas fotos publicadas por veículos do mundo todo como Estado de São Paulo, Folha de São Paulo, The New York Times, The Guardian, El Pais, Time, entre muitos outros. Além disso, também atua como cinegrafista e suas imagens são transmitidas por redes como BBC, CNN e Al Jazeera english.

Ele já fotografou conflitos no Iraque, Afeganistão, Israel, Palestina e Líbia. Em 2010, foi eleito o melhor fotógrafo de agência do ano, pela revista TIME.

Depois de trabalhar 11 anos na Agence France Presse, Mauricio se tornou correspondente do jornal New York Times. De volta a São Paulo, ele conseguiu um tempo para conversar comigo sobre sua carreira e falou das dificuldades e desafios de fotografar guerras.

Algumas fotografias de Maurício Lima

De acordo com o blog oficial do Lightroom, estas bordas ou franjas, normalmente visíveis nas extremidades de objetos que apresentam um grande contraste, podem ser causadas por vários fatores:

• Aberração cromática lateral (bordas vermelhas e verdes, ou azuis e amarelas)
• Aberração cromática axial (bordas roxas ou verdes)
• Reflexos internos entre os elementos da lente e/ou o sensor (imagens fantasmas)
• Sobrecarga em sensores CCD (bordas roxas finas)

A remoção automática de aberrações cromáticas do Lightroom 4.0 e os ajustes correspondentes no Lightroom 3 foram projetados para eliminar as aberrações laterais.  O menu de defringe (remover bordas) dessas versões resolvia o problema de sobrecarga nos CCDs, porém para os outros problemas não havia solução no Adobe Lightroom até então.

Os novos controles nesta última versão do programa foram projetados para resolver os problemas ainda não abordados.

Os novos controles consistem em 4 ajustes deslizantes:

• Dois controles de intensidade (amount)
• Dois controles de matiz (Purple Hue e Green Hue)

A intensidade vai de 0 a 20, sendo que em zero a correção está desligada. Quanto mais alto o valor, maior será a remoção de bordas. Cuidado com valores muito altos para não afetar objetos que tenham cores similares a das aberrações.

Os controles de matiz limitam a faixa de cores que será afetada pela remoção de bordas. Deve ser ajustada de modo que a tonalidade das bordas a serem removidas esteja entre os valores minimo e máximo. É recomendado usar zoom de 100% (1:1) ao utilizar estes controles. Também pode ser usada a tecla ALT (Option no Mac) enquanto se ajusta os controles para ver apenas as áreas afetadas.

Para tornar o ajuste mais fácil, também existe uma ferramenta de conta-gotas. Seu uso é simples: basta selecionar a ferramenta e clicar na borda a ser removida. O conta-gotas vai detectar se a borda é roxa ou verde e definir automaticamente a intensidade e o matiz, ou ainda avisar o usuário caso clique em uma área inapropriada.

Também foi incluído um controle de “Defringe” no filtro graduado e no pincel de ajuste. Esse controle pode ser usado para proteger áreas para não serem afetadas pela remoção de bordas (usando valores negativos) ou intensificar a remoção de bordas em certas áreas (com valores positivos).

Apesar de estar muito estável, a versão RC2 do Lightroom 4.1 deve ser usada com o mesmo cuidado de uma versão beta: Bugs ainda podem existir e não há garantias de que o funcionamento seja perfeito. Esta versão está disponível gratuitamente para a avaliação no Adobe Labs, em várias línguas incluindo o Português.

Hoje foi um dia muito emotivo. Começamos com a palestra do Americano Cliff Mautner, que não é exagero dizer que é uma das melhores palestras que já assisti na vida!

O Cliff não só é um fotógrafo impressionante, como um excelente palestrante, muito carismático e que sabe passar conhecimento.

Sua fala foi completa, do início ao fim.  Seu tema era domínio da luz, mas nos ensinou muito mais do que isso.

Mautner contou histórias sobre seus clientes, sobre suas fotos, sobre como fotografa com sentimento. Deixou de lado as regras, as preocupações com histograma, velocidade… ficou na emoção. “It’s not depth of field, I’ts depth of feeling.”

Quando mostrou suas fotos, não focou em contar como foram feitas e sim na história delas, na história de seus clientes. Seu portfolio é maravilhoso.

Todos se emocionaram e aplaudimos Cliff de pé. Amazing!

Depois, assistimos ao mexicano Daniel Aguilar, que contou sua história de como trocou a mesa de escritório e a segurança de ser engenheiro, pela paixão pela fotografia.

Nos deu noções de negócios, de como nosso blog deve ser a nossa cara e prender a atenção de nosso cliente de imediato. “Quando olhei no Google Analytics, vi que o tempo que passavam em meu blog era de 27 segundos. 27 segundos! O que eu podia fazer para obter o WOW em menos de 30 segundos?”. É isso que devemos pensar.

Me surpreendeu em dizer que só fotografa em JPEG! Rsrs.

Para fechar, tivemos Fabio Laub falando sobre negócios, que definitivamente é seu forte. Fabio nos explicou o quanto um cliente está focado no “porquê” você faz e não no “o quê”. Temos que plantar o desejo. O desejo de ser fotografado por nós. Parte do segredo é fazer isso com amor.

Apesar das palavras sábias, o ponto alto, na minha opinião, foi a Naná, sua golden retriever, que entrou no palco toda charmosa. Amante dos animais, Fabio diz que Naná o ajuda nos negócios, pois humaniza a coisa, aproxima as pessoas. Muito interessante.

E foi isso, mais um congresso maravilhoso. 3 dias de muito networking, aprendizado e amigos queridos.

A todos que reencontrei e àqueles que pude “desvirtualizar”, muito obrigada! Foi um prazer!

Um beijo e até a próxima.

O primeiro fotógrafo a chegar à usina algumas horas após a explosão foi Anatoliy Rasskazov. O fotógrafo relatou que a qualidade da foto foi afetada após o contato do filme com as partículas radioativas no ar.

Anatoliy Rasskazov foi o primeiro fotógrafo a chegar ao reator. Foto: Anatoliy Rasskazov

Enquanto fotografava, Rasskazov recebeu cerca de 300 Roentgen, unidade de medida de exposição de radiação. Para ter uma idéia, 500 Roentgen é fatal. O fotógrafo morreu em 2010, aos 66 anos, de câncer.

Já Volodymyr Repik registrou o acidente dias após Rasskazov. Mas sua foto foi a primeira imagem publicada no jornal oficial do regime soviético, o Pravda. E foi capa.

Volodymyr Repik durante sobrevoo de helicóptero sobre a Usina Nuclear. Foto: AP

Imagem de Volodymyr Repik que ilustrou a capa de o Pravda. Foto:  Volodymyr Repik

Ano após ano a mídia mundial repercute as consequências deste acidente.  Além dos trabalhadores da usina e bombeiros que morreram no acidente, a população de Chernobyl e dos arredores, denominada Zona de Exclusão, ainda sofrem com o aumento da incidência de câncer, de doenças cardiovasculares e do número de malformações fetais e mutações cromossômicas causados pela radiação disseminada pelo ar.

Por muitos anos, o fotojornalista Gerd Ludwig tem registrado a região afetada pelo desastre. Fotógrafo da National Geographic desde 1989, Ludwig viajou para Ucrânia em 1993, 2005 e 2011. O fotojornalista documentou as vítimas, a usina, escolas e casas de cidades dos arredores, como Pripyat, e aqueles que voltaram o morar na Zona de Exclusão. O resultado é um trabalho primoroso. Algumas fotos chegam a ser sutis e selvagens ao mesmo tempo.

legenda: sala de controle do reator 4. Foto: Gerd Ludwig

Na evacuação, a maior parte dos pertences da população ficou para trás.  Foto: Gerd Ludwig

Cerca de 150 mil pessoas evacuaram uma área de 30km ao redor da usina.
Essa área foi denominada Zona de Exclusão. Foto: Gerd Ludwig

Escola em Pripyat, que faz parte da Zona de Exclusão. Foto: Gerd Ludwig

Casal em sua casa que fica na Zona de Exclusão.
Apesar dos alertas de contaminação, muitos retornaram às casas Foto: Gerd Ludwig

Em 2011, o governo abriu a Chernobyl para o turismo. Foto: Gerd Ludwig

Mais sobre o fotógrafo e suas fotos aqui www.gerdludwig.com

É interessante notar que um evento de tecnologia como esse se deu sem disponibilizar acesso à internet através de sinal WiFi aos participantes, bem como é possível mencionar que o Centro Rebouças não tem vagas de estacionamento suficientes, o que obrigou bastante gente a procurar estacionamentos na região. O mesmo pode ser citado sobre a lanchonete do local, pequena e sem condições de dar conta das enormes filas nos intervalos. São detalhes negativos em um evento que de forma geral se mostrou muito bem organizado e com palestras de bom ou ótimo nível.

O evento durou três dias, cada palestra com duração de uma hora. Foram diversas palestras por dia, o que por um lado permite uma quantidade enorme de informação, por outro nenhum tema pode ser visto em grande profundidade devido à curta duração de cada apresentação.

Ao longo do evento ocorreram palestras com nomes de peso nas áreas de fotografia e ilustração, bem como experts no Photoshop em si. Nomes como Alexandre Keese, Brasilio Willie, Daniel Xavier, Clicio Barroso, Getulino Pacheco, Leonardo Luz e Kauê Luz, entre outros, estiveram no palco tratando de áreas diversas, do fluxo de trabalho digital à impressão fine art, das montagens e fusões ao gerenciamento de cores, da ilustração à fotografia e ao 3D. Um mapa completo de temas pertinentes com palestrantes capacitados.

Um dos destaques do evento foi sem dúvida Daniel Xavier, um dos profissionais mais conhecidos do Brasil em tratamento de imagens, que apresentou a palestra Retoque Criativo. Nela Daniel mostrou de forma simpática e bem humorada que muitas vezes o trabalho de montagens e fusões no Photoshop é manual, cuidadoso e demorado, que muitas vezes não é possível com truques rápidos e que grandes resultados só são mesmo possíveis com muitas horas de dedicação, técnicas apuradas e um cuidado muito grande no acabamento. Ele exemplificou com uma propaganda de banco na qual o fotógrafo contratado clicou apenas dois dos diversos personagens presentes na imagem, os outros vieram de bancos de imagem, todos recortados, tratados e inseridos num cenário de um aeroporto, imagem esta também de banco de imagens, que por sua vez teve o céu trocado e um avião inserido através de montagem. Um trabalho final que reuniu diversas fotos de banco de imagem, algumas imagens clicadas para o trabalho e muito trabalho manual de Photoshop para unir tudo harmonicamente.

Outro destaque foi a correta e técnica palestra de Marcelo Copetti (que na verdade foi dividida em dois dias para ter mais tempo devido ao tema mais técnico), sobre gerenciamento de cores, incluindo as vantagens de uso do color cheker e da criação de perfis de cor para o ajuste de cor e ganho de produtividade na conversão de arquivos RAW, o uso de arquivos em 16bits de profundidade de cor para maior qualidade, perfis ICC, conversão RGB/CMYK, entre outras técnicas e dicas úteis. Nenhuma novidade foi dita, mas pelas perguntas dos participantes, deu para perceber que muita gente ainda tem dúvidas e dificuldades nesse assunto, fazendo com que mesmo uma palestra sem novidades tenha sua utilidade para a maioria das pessoas.

Um terceiro destaque que quero mencionar é a palestra de Flávio Eduardo falando de CGI, mais precisamente do software Modo e os processos que envolvem fotografia e pós produção unindo o trabalho de Photoshop e o de 3D no Modo, e embora 3D seja um tema complexo e repleto de detalhes, a palestra foi suficiente para ilustrar o potencial do software, muitas vezes com capacidade de substituir a fotografia com prazos melhores e potencialmente com custos inferiores ao da produção fotográfica.

A palestra de Clicio Barroso, nome amplamente conhecido entre fotógrafos trouxe mais informações sobre o Lightroom 4, inclusive Clicio lançou seu novo DVD Lightroom 4 Para Fotógrafos no evento, um produto altamente recomendado para quem usa o Lightroom em seu workflow.

A conclusão que tenho do evento é bastante positiva, mas além disso de alguma forma confirmei minha opinião de que cada vez mais os recursos de Photoshop são necessários para um fluxo de trabalho coerente e rápido, no entanto o ideal continua sendo que tratamentos complexos não sejam feitos pelo fotógrafo e sim por um tratador de imagens especializado que domine as técnicas e recursos sem ter que improvisar ou demorar demais para achar uma solução para um problema. O mesmo vale para a impressão, um printer especializado saberá detalhes do processo que são complexos para o fotógrafo dominar. Desta forma o mercado de fotografia deveria se portar como o mercado de vídeo, onde o cinegrafista filma, o editor edita e o finalizador dá o acabamento, essa lógica deve ser aproveitada pela fotografia dando ao fotógrafo a possibilidade de se especializar no que realmente importa, composição e luz, enquanto o tratador de imagens realiza fusões e acabamento, o printer fine art domina os papéis e tintas e assim por diante. Todos os profissionais envolvidos devem ter conhecimento das outras etapas do trabalho, mas cada um em sua especialização.

Por fim, para quem pensa que o Photoshop resolve tudo, penso que uma frase de Daniel Xavier resuma bem a necessidade de uma fotografia de alta qualidade: “se a foto for ruim, o resultado final fica mais ou menos”, reforçando a idéia de que por melhor que seja o trabalho de photoshop, boas fotos ainda são fundamentais.

Um último aspecto negativo que eu gostaria de ressaltar, entre tantos positivos do evento: falta alguém falando sobre vídeo, num tempo de equipamentos híbridos e softwares integrados, é uma falha grave este tema ter sido praticamente ignorado no evento, ficando aqui a sugestão para que isso seja corrigido para a próxima edição.

Resumo da ópera? Um ótimo evento, bem completo, cheio de informações úteis e que vale o ingresso, mas que teve pequenas falhas, que se não tiram o brilho do evento, ainda assim precisam ser corrigidas.

Nos vemos em breve.

Hoje tivemos só palestras internacionais, com fotógrafos incríveis.

Começamos o dia super bem, com palestra do David Beckstead. Eu que já havia visto a palestra dele no ano passado, sabia que coisas boas viriam. David é um cara super animado e muito, mas muito engraçado. Logo de início mandou um pessoal subir no palco e colocou todo mundo pra dançar.

A palestra de Beckstead foi sobre composição e retrato, mas foi um show de criatividade e inspiração. Ele nos mostrou nos slides diversos erros que cometeu ao longo da carreira, dizendo que devemos aprender com eles e também com os erros dos outros. Alguns álbuns que ele fez eram engraçadíssimos.  Mostrou seu primeiro website, seu cartão de visitas. Fez com que nos sentíssimos “menos pior” com alguns erros que cometemos no início de carreira.

Me fez refletir sobre como devemos sempre divulgar, como fotógrafos, o presente e esquecer o “passado sombrio”. Ele até contou uma história em que mandou um amigo queimar seus álbuns-portfólio antigos. Cruel! Hehe.

Sem contar que a filha dele é uma fofa e deu um showzinho à parte no palco.

A tarde, tentei bravamente assistir à palestra sobre newborn ministrada pela Fer Cacau Sanchez, mas estava tão tão tão lotado que foi impossível me aproximar. De longe ficou difícil de ouvir. Engraçado que ano passado tivemos o mesmo problema, achei que iriam melhorar a estrutura do núcleo de tecnlogia esse ano.

Para compensar, a primeira palestra da tarde foi uma das melhores. Dane Sanders comandou o palco, falando sobre negócios. O título da palestra já era legal como ele “Venda muito enquanto seu concorrente queima os preços!”. Aprendi muuuita coisa sobre como conduzir o meu negócio. O auge (pra mim) foi quando um dos congressistas subiu ao palco com ele, simulando uma situação de cliente pedindo orçamento via email. Ele conduziu a conversa, nos mostrando como deveríamos fazer com que o cliente venha até nós, para conhecer nosso trabalho, ao invés de simplesmente lançarmos o preço, como base.

Por ultimo, tivemos a palestra mais esperada do congresso, do australiano (que na verdade é africano rs), Yervant.

Realmente o estilo dele é inspirador. Achei uma fofura que ele tenha se preocupado em colocar os slides em português, embora estivesse ilegível hehehe, mas foi atencioso da parte dele.

O tema da palestra era tendências. Nos falou bastante sobre enquadramentos criativos, como conduzir os ensaios e até rolou uma prática, com alguns voluntários. Bem proveitoso!

E foi isso, que pena que já está acabando…

Amanhã conto tudinho para vocês sobre o terceiro e ultimo dia.

Um beijo.

Fotografar casamentos pode te exigir muitas habilidades que vão muito além daquele velho fotógrafo social, que apenas registrava o casamento de uma forma documental, apenas como registro de família.

Hoje os casamentos são festas super produzidas contando com bandas e DJ, exigindo assim um fotógrafo de shows, a festa é riquíssima em pequenos detalhes que merecem ser bem registrados por um fotógrafo de produto,  recheada de sentimentos que precisam ser percebidos pelo olhar atento de um fotojornalista, a noiva e os convidados com produções maravilhosas de beleza e figurino que precisam de um bom fotografo de moda, possuem locações lindas exigindo um bom fotografo de paisagens, e por aí vai…

O fotógrafo de casamento precisa conhecer todas as áreas da fotografia, e se quiser se destacar no mercado, ele precisa conhecer bem cada uma….

Veja alguns exemplos de imagens de fotografia de casamentos.

Fotografia de shows

Lentes luminosas e bom posicionamento são essenciais. Em alguns casamentos as bandas estão em palcos super iluminados e essas luzes geram fotos incríveis, fique atento e abuse da sua liberdade no palco para estar aonde quiser, pois em um show você não terá toda essa mobilidade.

A foto abaixo foi feita com uma 50mm 1.8 em cima do palco.

Fotojornalismo

Além de intuição, você precisa estar atento a tudo que acontece no casamento, e a pista de dança é o momento que mais lhe gera imagens impressionantes.

A foto abaixo foi feita com uma 50mm 1.4 no meio da pista de dança.

Esportes

Existirão diversos momentos, principalmente na festa, em que você precisa ser muito rápido, exatamente como na fotografia de esportes, o bom posicionamento, o ajuste rápido e a velocidade no raciocínio devem estar em sincronismo. Foto feita com uma 24-70 2.8 no meio da pista de dança.

Moda

Use uma 85mm 1.8 e uma 24-70mm 2.8, conduza a noiva para um clima de um ensaio editorial.

Social

Os registros casuais devem ser feitos, mas não precisam ter aquela cara formal não é? Fuja dos padrões e anime-se com a galera. Não se esqueça que essas serão as fotos da família, os registros oficiais, e que passarão de gerações em gerações. Uma luz perfeita e um enquadramento alinhado são essenciais.

Uma 24-70 ou uma 17-40 são perfeitas.

Produto (Still)

As alianças são as principais protagonistas deste tipo de fotografia nos casamentos, e como tratam-se de jóias, uma lente macro será perfeita para mostrar os detalhes.

Beauty

Use o retrato para enfatizar a beleza da noiva e  a perfeição da maquiagem, é exatamente com isso que deve se preocupar nesse tipo de fotografia.

Essencial usar a lente 50mm 1.8 ou uma 85mm 1.8,  elas são excelentes para retratos.

Fotografia de Paisagem

Boas composições e uma lente grande angular, são essenciais, tanto para fotografar paisagens comuns, como para fotografar o ambiente da casa de festas.

Uma 10-22(sensor com fator de corte) ou uma 17-40(sensor full frame) vai lhe ajudar muito, pois são muito versáteis e possuem uma grande profundidade de campo mesmo nas maiores aberturas.

Sensual

A noiva não é uma modelo para um ensaio sensual, mas você pode usar de alguns elementos para mostrar  a sensualidade de uma forma bem leve. As fotógrafas mulheres possuem mais facilidade para conseguir estes cliques por isso sempre recomendo que haja uma mulher na sua equipe, mas se o fotógrafo homem for sutil, basta conversar com a noiva e explicar exatamente o que pretende, com certeza haveráo lindos cliques, mas cuidado, não seja vulgar.

Eu, Huaíne, assim como no ano passado, estou aqui em São Paulo para contar para vocês tudinho o que está rolando por aqui.

Hoje tivemos palestra com Márcia Charnizon, com o tema inovação. Infelizmente tive problemas na chegada e perdi a palestra da manhã, quem viu aprovou!

Logo após o almoço, optei por assistir à fotógrafa Erika Verginelli, que falou sobre fotografia de família, no núcleo de tecnologia. Foi mais um bate-papo descontraído, mas que acrescentou bastante para quem é da área – como eu. Ainda assistimos a um slide show com fotos da Erika bem bonitas e que não foram divulgadas ainda. Serviu de inspiração.

Enquanto isso, rolava no auditório outro bate-papo, um debate com os novos talentos da fotografia, sobre marketing e tendências. Quem subiu ao palco foi o Braulio Delai (colega querido), Carolina Pires, Kaká Rodrigues, Rafael Benevides e Rafael Karelisky. É uma pena que não é possível estar em dois lugares ao mesmo tempo, queria mesmo ter acompanhado…

Uma palestra de tema importantíssimo e que foi muito útil para mim, foi a da Anna Quast. Eu não a conhecia, embora já conhecesse o trabalho do Fabio Laub. Falou sobre negócios, formação de preço, marketing e diversos assuntos sobre a carreira de modo geral. Algumas coisas que ela disse, sobre separar despesas pessoais das do studio, entre outras maneiras de gerenciar finanças me ajudaram bastante.

E para fechar, como sempre inspirador, Vinicius Matos sobe ao palco. Eu já havia saído muitíssimo satisfeita Criatividade. Vinicius começou mostrando que todos seguem uma referência, mostrou quais eram as inspirações de Pablo Picasso, Da Vinci e também de autores famosos na atualidade, como Romero Brito. Nos contou como faz para se manter inspirado e criativo, buscando na música, na arte, em museus e em livros, a inovação que procura em sua fotografia. É sempre ótimo escutá-lo falar.

E esse foi o primeiro dia. Ainda não tive notícias sobre o resultado do Prêmio Wedding, pois tive de sair mais cedo. O primeiro dia é sempre conturbado, mas tenho certeza de que para o dia 2 estarei renovada e trazendo novidades para vocês.

Não deixem de me seguir no twitter (@huaine) para acompanhar a cobertura minuto a minuto.

Um beijo em todos.

É importante lembrar que a escolha do tipo de enquadramento esta ligada a dois pontos principais. O primeiro é o sentido da própria imagem, pois, podemos privilegiar as linhas verticais ou horizontais através da moldura da foto, estabelecendo diferentes elementos na comunicação visual. O segundo é a necessidade do mercado, de acordo com o veiculo que irá publicar a imagem, teremos um sentido mais explorado, como por exemplo, as revistas de banca que são na grande maioria impressas em formato vertical, portanto, imagens nessa posição serão mais úteis, para essa mídia.

Mas afora a disputa em preços e peças publicitárias, a marca amarela e preta não está nada mal na foto: ganhou prêmios da Technical Image Press Association (TIPA) por três produtos e, além destes, o igualmente prestigiado título red dot award : product design por quatro de seus últimos equipamentos lançados no ano que passou. Seguem as criações agraciadas:

Pela TIPA:

- câmera D800: Melhor DSLR expert
Os megapixels a mais espantaram muitos fotógrafos, mas a Nikon provou que sabia o que fazia e hoje já há quem já vendeu/está vendendo o equipamento que possui para adquiri-la. É da segunda linha top da marca (a top das tops, ao menos em termos de denominação, é a D4).

- câmera D5100: Melhor DSLR de entrada
Depois de voltar a ser olhada com mais carinho pelos que buscavam uma reflex básica com o lançamento da D5000 (tempos após a criticada D3000). E a propósito, já estão concorrendo ao TIPA 2013, com a D3200!

- flash SB-910: Melhor sistema profissional de flash
Melhorando ainda mais o uso de flash Speedlight, a Nikon lançou seu SB-910, com recursos que o deixam ainda mais interessante e eficaz, e assim mais uma vez subiu ao pódio da TIPA.

Pelo red dot:

- câmeras Nikon 1 (J1 e V1) – nominadas como Melhor dos melhores na concorridíssima categoria “Entretenimento”. Primam pelo design (inclusive na cor das objetivas, que podem ser brancas, assim como a câmera) e na rapidez de foco e de disparo (queria eu que minha Canon G1X tivesse essa rapidez toda!).

- câmera Coolpix AW100

- câmera Coolpix P310

- telêmetro a laser Prostaff 5

E a Canon, como ficou nas premiações? É claro que eu como canonzeiro assumido não deixaria ela de fora ao citar a TIPA, e a marca definitivamente não foi mal: ganhou seis (!) TIPA e um selo Topten da Quercus, reconhecimento dado a soluções que se destacam pela eficiência em consumo de energia. Foram eles:

- câmera EOS 1D X: Melhor DSLR profissional
Lançada antes da aguardadíssima 5D mark III, essa câmera surpreendeu com seus disparos de até 14 fotos/segundo, três processadores e ótima versatilidade em ISO, além de ser otimizada para produção de vídeos com qualidade excelente.

- câmera PowerShot G1 X: Melhor câmera compacta expert
Essa é minha garotinha! No link está um artigo que escrevi explicando porque eu a queria, além do motivo de produzir arquivos RAW (esqueci-me deste na hora da escrita). Para resumir: o sensor dela não é de uma típica compacta, e isso muda tudo.

– objetiva EF 8-15mm f/4L USM fisheye: Melhor objetiva DSLR profissional

– impressora Pixma MG8250: Melhor impressora fotográfica multifuncional

– Canon EOS 5D Mark III: Melhor câmara DSLR para vídeo
Outra joia produzida pela marca rubra para aqueles que desejam utilizar câmera DSLR em produção de vídeo, ainda que por um erro de cronograma, tenha saído depois da 1D X, o que reduziu o efeito esperado no seu lançamento. No entanto, é evidente que a sucessora da por muitos adorada 5D mark II é uma boa evolução.

- EOS C300 Digital Cinema Camera: Melhor câmera de vídeo profissional
Simultaneamente ao anúncio de seu ingresso definitivo e em grande estilo em Hollywood com o sistema EOS Cinema, a Canon mostrou ao mundo sua C300, que hoje já tem até mesmo aprovação por parte da BBC, que tem uma série de pré-requisitos para utilização de câmeras em suas produções.

Neste campo a Canon já está adiantando-se e já anunciou a EOS 1D C (DSLR que também produz vídeos 4K) e a sucessora da C300, a C500. Não há como negar que queiram deixar uma marca absolutamente considerável no cinema.

Sobre a certificação da Quercus, disse o Gestor de Produto da Canon Portugal: “É com muito orgulho que a Canon recebeu da Quercus esta prestigiada distinção. A estratégia ambiental da Canon concentra-se em três objectivos principais: a eliminação de substâncias perigosas, a conservação de recursos e a poupança de energia. Ao certificarmo-nos que os nossos produtos cumprem as especificações estritas do programa Energy Star®, os nossos clientes podem estar seguros de que todos os equipamentos Canon cumprem os restritos padrões de eficiência energética desta norma internacional. O selo agora atribuído à Canon pela Quercus é mais uma prova disso.”

O selo Topten destaca os produtos mais eficientes do mercado em termos de consumo energético, em várias áreas. Conheça o site.

Início, Segunda-feira   dia 23/04 (das  19.00 as 22.00 h)
Início, Quinta-feira    dia 03/05 (das  09.00 as 12.00 h)
Início, Aos Sábados     dia 25/05 (das  09.00 as 16.00 h)

Módulo 3 – Retratos, Books e Fotografia de Moda – Quarta-Feira – dia 18/04 (das  9.00 as 12.00 h)
Módulo 4 – Fotografia Publicitária, Stll e Produtos – Quarta-Feira – dia 18/04 (das  9.00 as 12.00 h)
Módulo 3 – Retratos, Books e Fotografia de Moda – Segunda-Feira – dia 23/04 (das  19.00 as 22.00 h)

Veja mais informações sobre CURSOS PRESENCIAIS DE FOTOGRAFIA EM 7 MÓDULOS: http://focusfoto.com.br/?p=11328

2) CURSOS VIPS DE FOTOGRAFIA – AULAS INDIVIDUAIS – em 10 módulos – INICIO IMEDIATO!

Veja maiores informações: http://focusfoto.com.br/?p=11323

3) CURSOS DE FOTOGRAFIA A DISTANCIA EAD em 8 módulos – INICIO IMEDIATO!

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4) CURSOS DE PHOTOSHOP PARA FOTÓGRAFOS

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5) CURSOS DE FOTOGRAFIA PARA CÂMERAS COMPACTAS

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A EDUCAÇÃO NA FOTOOGRAFIA: http://focusfoto.com.br/?p=11230

A Nikon apresenta a D3200, uma nova câmara D-SLR para principiantes fácil de utilizar, equipada com um modo de guia de última geração com vídeo em HD total para proporcionar belas fotografias de elevada qualidade e vídeos de qualidade cinematográfica.

Marina Gurevich, Gestora de Produtos da Nikon Europe, afirma: “A D3200 vem na sequência da câmara D-SLR mais vendida da Europa, a D3100. É uma câmara potente que oferece uma qualidade de imagem superior, com uma contagem de megapixéis incrivelmente elevada, bem como vídeo em HD total. Para os principiantes na fotografia D-SLR, tornou-se mais fácil tirar fotografias espetaculares com o modo de guia, que conduz o utilizador passo a passo através do processo fotográfico com imagens e instruções claras. Esta é a câmara ideal para aqueles que pretendem captar facilmente imagens fantásticas daquilo que lhes interessa, como a família ou viagens espetaculares.”

A fotografia D-SLR tornada fácil

A Nikon D3200 é perfeita para aqueles que procuram captar fotografias e vídeo de elevada qualidade. Quer esteja a começar uma família ou prestes a embarcar numa grande viagem, as funções fáceis de compreender da câmara D3200 significam que pode tirar belas fotografias mesmo que nunca tenha utilizado uma câmara D-SLR anteriormente.

O modo de guia, já presente nas populares câmaras D-SLR D3000 e D3100, está agora também presente na sua terceira geração com melhorias significativas para ajudá-lo a utilizar as opções mais criativas, conduzindo-o passo a passo através de todo o processo. Executado paralelamente, Assist Images (Assistente de imagens) utiliza exemplos visuais para ajudá-lo a identificar a fotografia que está a imaginar. A captura de retratos de fundos bonitos desfocados ou fotografias nítidas dos seus filhos a brincar nunca foi fácil. Agora, foram adicionados novos itens ao menu Funcionamento avançado. Por exemplo, para ajudá-lo a aumentar o vermelho em pores do sol ou reduzir o efeito desfocado.

O sistema de reconhecimento de cenas automático da Nikon irá analisar meticulosamente a cena que está a captar e ajustar a focagem, exposição e equilíbrio de brancos para obter os melhores resultados. E, se quiser que a câmara faça o trabalho por si, ainda existe um grande número de funções automáticas, tais como Scene Auto Selector (Seletor automático de cenas) nos modos de cena e visualização em direto que irão aplicar a definição mais relevante.

Qualidade de imagem superior

Os 24,2 megapixéis incrivelmente elevados da câmara D3200 proporcionam imagens com pormenores bastante detalhados, o que significa que pode recortar ou imprimir as suas favoritas em tamanho grande, mantendo as memórias vivas sem perda de nitidez da imagem. O processador de imagem mais recente da Nikon, o rápido e potente EXPEED 3, proporciona um funcionamento de alta velocidade, gerando imagens extraordinariamente nítidas com uma excelente reprodução das cores, bem como gravação de filmes melhorada. A ISO 100-6400 (extensível a equivalente de 12800) ajuda-o a conseguir imagens nítidas, mesmo em condições de iluminação reduzida. O sistema de focagem automática extremamente exata de 11 pontos irá garantir que tudo está focado, proporcionando resultados nítidos, mesmo que o seu motivo não esteja centrado ou que seja completamente imprevisível, como o seu bebé a sorrir ou a rir. Ao fotografar a ação a quatro imagens por segundo, a câmara D3200 ajuda a captar objetos em rápido movimento, tais como crianças a andar de skate, exatamente no momento certo.

Caso se encontre a tirar fotografias em condições de alto contraste, tais como cenas em contraluz, o D-Lighting ativo da Nikon ajusta automaticamente a iluminação ao mesmo tempo que retém os pormenores tanto em zonas escuras como claras para obter imagens espetaculares com um contraste natural.

Filmes em HD melhorados

Se procura captar um momento importante, tal como os primeiros passos do seu filho ou o seu desempenho numa peça de teatro da escola, uma fotografia nem sempre é suficiente.

Grave os seus próprios vídeos espetaculares em HD total (1080p) para reproduzir no seu televisor de alta definição utilizando o botão de gravação de vídeo de fácil acesso da câmara D3200. O sensor de grande dimensões e ISO elevada da câmara oferecem uma qualidade de imagem excecional. Esta possui um microfone de elevada qualidade integrado, mas se pretender ir mais além na gravação do som, pode utilizar a entrada de microfone externo opcional. Pode editar facilmente os seus vídeos na câmara selecionando o ponto de início e de fim, bem como guardar imagens selecionadas para que nunca perca um momento. Quando adaptada a uma grande variedade de objetivas NIKKOR, pode criar efeitos cinematográficos fantásticos para dar vida aos seus filmes HD caseiros.

Ligar a câmara

A transmissão sem fios de imagens a partir da sua câmara para um dispositivo inteligente está agora disponível através da utilização do adaptador móvel sem fios WU-1a opcional. Isto significa que é fácil partilhá-las com os seus amigos e familiares imediatamente através de redes sociais e de e-mail ou guardá-las e fazer uma cópia de segurança quando está em movimento. Como não necessita de uma ligação Wi-Fi para transferir imagens da câmara para o seu dispositivo inteligente, o adaptador móvel sem fios WU-1a é um acessório ideal quando viaja. É até mesmo possível controlar remotamente a sua câmara a partir do dispositivo inteligente, de modo a poder fazer parte de fotografias de grupo, como um retrato de família, pré-visualizando a imagem antes de disparar. A câmara D3200 é compatível com dispositivos inteligentes Android.

Edição incorporada na câmara

Existe um grande número de funções de edição disponível para ajudá-lo a estimular a sua veia artística. A adição de efeitos criativos como o Efeito de miniatura, Cor seletiva, Desenho a cores e Efeitos de filtro, para adicionar um filtro de cores quentes ou um filtro suave, irá dar um toque pessoal à imagem final. Permite-lhe igualmente redimensionar as imagens, retocá-las rapidamente ou até mesmo endireitá-las se necessário, diretamente na câmara para melhorar a qualidade das duas fotografias de forma rápida e fácil.

Para além disso, o grande monitor LCD de 7,5 cm (3 polegadas) de alta resolução (921.000 pontos) torna muito agradável a revisão e edição dos seus vídeos e fotografias.

Funcionamento fácil

O seu corpo leve e pequeno, torna a câmara D3200 fácil de arrumar e de transportar consigo para que nunca mais perca aqueles momentos importantes. Quando utilizar a câmara, irá notar que os controlos foram dispostos intuitivamente para garantir um manuseamento seguro e confortável. As funções mais comuns, tais como modo de Obturação e Visualização em direto, possuem botões dedicados. Se pretender tirar uma fotografia a si próprio utilizando o controlo remoto ML-L3 opcional, a câmara D3200 possui um recetor posicionado na parte anterior e posterior para que consiga fazê-lo mais facilmente. O botão Informações também está situado num local acessível, caso de necessite de mais ajuda.

Outras funcionalidades importantes

- Focagem automática para filmes: desfrute de uma focagem automática (AF) contínua quando filma D-movies. AF de servo permanente (AF-F) e AF seguimento motivo mantêm a focagem quando capta objetos em movimento. AF prioridade ao rosto é ideal para filmar eventos em que pretende descontrair e deixar a câmara focar os rostos.

- Opções de filmagem alargadas: pode gravar em Full HD (1080p) e a câmara suporta a utilização de um microfone estéreo ME-1 da Nikon. As funções de edição na câmara permitem-lhe realizar tarefas como definir o ponto de início e de fim do seu vídeo. Uma mini saída HDMI permite a reprodução num televisor HD.

- Objetivas NIKKOR: tire partido das lendárias objetivas NIKKOR da Nikon para captar imagens com cores vivas, contraste surpreendente e pormenores nítidos ou faça experiências com efeitos cinematográficos. Utilize objetivas rápidas de distância focal fixa para retratos espetaculares, micro objetivas para grandes planos em tamanho real ou teleobjetivas para motivos distantes.

- Opções do sistema da Nikon: oferece oportunidades criativas infinitas com uma vasta gama de acessórios. Entres eles, encontra-se a unidade GPS GP-1 para que se lembre sempre do local onde a fotografia foi tirada. A câmara D3200 está equipada com um conveniente flash de elevação integrado, mas com flashes opcionais, a inspiração para tirar fotografias com flash torna-se ainda mais fácil e criativa. O SB-400 leve e compacto oferece um controlo inteligente de flash através da objetiva (i-TTL) e capacidade de flash refletido para um efeito de iluminação mais natural sem sombras fortes. O SB-700 multifuncional oferece o fantástico potencial de funcionamento sem fios com flashes múltiplos através do sistema de iluminação criativa da Nikon.

Vou tentar trazer à todos os fotógrafos leitores desse blog, um pouco da minha experiência de 30 anos em fotografia, já que comecei em 1982; e da minha visão do trabalho e arte fotográfica, já que atuei e atuo em quase todas as Revistas Brasileiras e principais Agências de Publicidade de todo país, em campanhas com modelos, estrelas, atores e atrizes.

O tema que escolhi para começar essa nova empreitada foi “Os novos fotógrafos”; e  porque?

- Porque como dou vários cursos, workshops e palestras, percebo na maioria, o caminho errado que eles estão seguindo na busca de aprendizado.

- Vejo todos muito preocupados com equipamentos de câmeras e lentes, como se fosse apenas adquiri-los e num passe de mágica, todos viram fotógrafos da noite para o dia.

Enquanto as grandes marcas de câmeras e lentes estão pesquisando e aperfeiçoando, buscando cada vez mais tecnologia para vender e ficar à frente na concorrência, os novos fotógrafos só estão consumindo esses produtos, mas não aproveitando e nem tirando 10% do que eles proporcionam. Isso porque acham que é apenas apertar o botão!

Essa nova geração, têm que entender, que é preciso muita dedicação para o aprendizado da fotografia e que da mesma forma que as marcas buscam e pesquisam aperfeiçoamento em tecnologia, o fotógrafo também por sua vez, têm que buscar a sua, para o seu nome que é a sua marca e para poder seguir a sua carreira com base sólida no mercado; senão ele nunca vai passar de um mero apertador de botão medíocre igual a qualquer outro.

E onde buscar a sua própria tecnologia?

- Na pesquisa do fator mais importante que é técnica de luz; (iluminação); sem luz não têm foto, nem com a melhor câmera do mundo!

- O que faz uma imagem ser maravilhosa e um fotógrafo ser reconhecido, pelo seu trabalho, não é a câmera que ele usa, mas sim como ele ilumina, como ele faz a captação da imagem, como ele dirige uma modelo, como ele equaciona uma produção, como ele dirige uma equipe de profissionais; porque ele é o dono do trabalho e qualquer coisa que não estiver legal no resultado final, é responsabilidade dele!

O conceito da fotografia não mudou; é o mesmo de antes; apenas a ferramenta mudou!

O fotógrafo, têm que saber o que está fazendo para poder repetir um trabalho se necessário; têm que saber enxergar a luz; têm que pegar uma imagem ou um layout e saber interpretar e destrinchar a parte técnica. Se ele não souber, não é fotógrafo; é a mesma coisa se um médico visse uma radiografia e não soubesse interpretá-la; como iria diagnosticar um problema???

Isso demanda dedicação e pesquisa em exercitar e testar luzes de todos os tipos, efeitos e características. Tudo isso aliado ao conhecimento técnico do que chamo da cartilha do fotógrafo que são as funções básicas e o que proporcionam “o obturador, diafragma, iso e temperatura de cor”.

Exemplo metafórico bem real e primário:

- um escritor literário, só chega lá, quando domina o alfabeto e depois as regras de concordâncias verbais e acentuação da língua; mas a base é o alfabeto!!!

- um matemático, físico etc… só chega lá, se primeiro tiver aprendido somar, multiplicar, subtrair e dividir, para depois avançar nas técnicas e teorias matemáticas para poder resolver grandes equações e problemas de álgebra etc…;mas sem ter aprendido a base, não chegaria nem na esquina!

O fotógrafo não é diferente; só vai ser reconhecido, virar grife, ganhar dinheiro, ser chamado por revistas e agências, se tiver técnica e talento; senão será apenas um mero apertador de botão e que depois de algum tempo vai vender o equipamento que comprou, de volta para a loja; porque não vai conseguir espaço no mercado e nem chegar a lugar nenhum!!!

Conselho: “Fotografar muito, tudo, de todos os jeitos, com todas as luzes, pesquisando a cartilha do fotógrafo, testando tudo, enxergando a luz”!!!

Essa é a minha primeira colocação para vocês.

Abraços

Desta vez o sorteio é de um livro “Adobe Photoshop Vol. 3“, que está disponível também para venda na loja do Fotografia DG.

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As regras do sorteio são as mesmas dos sorteios anteriores, ou seja:

- Seguir o perfil do @fotografiadg no Twitter, e dos autores do projeto #DicaDG: @VernagliaJr e @diogoframos

- Retuitar a seguinte frase: “#DicaDG premiada: Ganhe o livro Adobe Photoshop vol.3. Leia as regras,  dê RT e concorra http://kingo.to/13YW“

Para quem perdeu alguma dica, abaixo segue a lista do mês de março! Continuem acompanhando e compartilhando, teremos promoções até o final do ano! Um abraço!

Dia 1 – #DicaDG : A luz é mais suave quanto maior for a fonte de luz e mais dura quanto menor a fonte de luz.

Dia 2 – #DicaDG : As sombras são mais suaves e menos delineadas quando usamos fontes grandes de luz.

Dia 3 – #DicaDG : A rebater a luz em alguma superfície, a luz rebatida ganhará a cor da superfície.

Dia 4 – #DicaDG : Para ser fotógrafo, estude também o trabalho de pintores e diretores de fotografia do cinema.

Dia 5 – #DicaDG : O estilo do fotógrafo se define com o tempo, a cultura e a experiência, não surge de um dia para outro.

Dia 6 – #DicaDG : Ao iluminar em contra luz, cuidado com o flare, luz que incide na objetiva e pode prejudicar a imagem.

Dia 7 –  #DicaDG : Ao iluminar lateralmente, faça com que alguma luz ilumine também o olho que estiver na sombra.

Dia 8 –  #DicaDG : Iluminar em contra luz e/ou lateralmente ajuda a definir volumes e formas do que é fotografado.

Dia 9 –  #DicaDG : Iluminar de frente, como um flash montado sobre a câmera, deixa a luz sem volume.

Dia 10 – #DicaDG : Na hora de imprimir suas fotos, papeis brilhantes dão a impressão de maior contraste.

Dia 11 –  #DicaDG : Imagens com excesso de nitidez ficam feias quando impressas, cuidado no uso de filtros de nitidez.

Dia 12 –  #DicaDG : Imagens para exibição em tela tem resolução de 72dpi, já para impressão são 300dpi usualmente.

Dia 13 –  #DicaDG : Impressão em gráfica? Se você não é especialista em cor, entregue arquivos em RGB e não CMYK.

Dia 14 – #DicaDG: É a posição da câmera que determina a distorção de perspectiva, não a lente.

Dia 15 – #DicaDG: A direção da luz determina qual parte do objeto ou modelo será realçado e onde suas sombras cairão.

Dia 16 – #DicaDG: Ao utilizar luz de preenchimento procure sempre usar metade da potência da luz principal.

Dia 17 – #DicaDG: Rebatedores pratas refletem mais luz, porém podem causar reflexão direta não desejada.

Dia 18 – #DicaDG: Rebatedores brancos refletem menos luz, porém a reflexão causada é sempre difusa.

Dia 19 – #DicaDG: Noite americana é o nome da técnica de fazer imagens sub expostas e azuladas durante o dia para parecerem noturnas

Dia 20 – #DicaDG – Em cinema, o termo plongê significa apontar a câmera de cima para baixo e contra plongê, de baixo para cima.

Dia 21 – #DicaDG – Em cinema os planos recebem nomes, do + aberto ao + fechado: Grande plano geral, plano geral, plano médio, close e super close

Dia 22 – #DicaDG – Em cinema, a composição de um plano é como na fotografia, visa harmonia na distribuição dos elementos.

Dia 23 – #DicaDG – A luz de três pontos é das mais básicas e úteis em vídeo, luz principal, preenchimento e contra luz.

Dia 24 – #DicaDG – Em foto, vídeo ou cinema, pessoas devem ter brilho nos olhos, as faz parecerem vivas, mas um brilho só.

Dia 25 – #DicaDG – Algo que rende resultados agradáveis: fotografe ou filme da altura dos olhos da pessoa retratada, dá um ar natural.

Dia 26 – #DicaDG – O trabalho de foco em filmagens com câmeras DSLR é crítico, prefira utilizar um monitor externo do que o LCD da câmera

Dia 27 – #DicaDG – A ergonomia de uma câmera DSLR não é tão boa para filmar, use suportes de ombro e tripés para ter estabilidade.

Dia 28 – #DicaDG – Nos modos de filmagem, uma captura em 60fps permite baixar essa velocidade e ter efeito de slow motion.

Dia 29 – #DicaDG – É fotógrafo de casamento (ou pretende ser)? Então não perca o Wedding Brasil 2012 http://www.weddingbrasil.com.br/

Dia 30 – #DicaDG – Ao fotografar com flash, lembre-se que a velocidade do obturador é que controla a luz ambiente.

Dia 31 – #DicaDG – Se possível utilize sempre lentes fixas, além de mais nítidas elas te deixarão menos preguiçoso para compor.

A Canon anuncia o lançamento da EOS-1D C, uma câmara reflex digital SLR direccionada para as indústrias do cinema, televisão e produção de alta resolução. Oferecendo uma qualidade de vídeo excepcional, performance avançada em condições de luz fraca e gama dinâmica semelhante à da película, a compacta e leve EOS-1D C suporta gravação de vídeo 4K (4,096 x 2,160) com amostragem de cor 4:2:2, para proporcionar uma maior liberdade criativa aos profissionais do vídeo.

Sendo a primeira câmara SLR deste tipo, a EOS-1D C conjuga características únicas e extrema portabilidade para gravação de vídeo de alta qualidade. O suporte a uma variedade de resoluções e diferentes frame rate contribui para uma maior flexibilidade criativa. A EOS-1D C A suporta gravação de vídeo 4K a uma taxa de enquadramento de 24p com compressão Motion JPEG de 8-bits, e a captura de vídeo Full HD (1920 x 1080) está disponível a taxas de enquadramento até 1080/60p. A gravação interna para cartões CF em todas as resoluções até 4K, permite uma mobilidade melhorada. Os vídeos podem também ser gravados em dispositivos externos[1] através de um terminal HDMI integrado usando um sinal YCbCr 4:2:2 não comprimido.

A EOS-1D C também integra o Canon Log Gamma, que facilita a gravação de vídeo de alta qualidade, rico em termos de latitude de exposição e gama dinâmica. Ideal para profissionais de vídeo que pretendem armazenar a maior quantidade de informação em ficheiros não muito grandes, o Canon Log Gamma oferece uma gama dinâmica comparável ao filme, minimizando a perda de detalhe nas sombras e nas altas luzes para proporcionar uma maior liberdade de edição de cores na pós-produção.

“A EOS-1D C é uma adição fantástica ao Sistema EOS Cinema,” afirma Kieran Magee, Director de Marketing de Imagem Profissional, Canon Europa. “Desde a introdução do EOS Cinema temos tido uma excelente adesão por parte dos profissionais que estão muito entusiasmados com a qualidade de imagem e com a liberdade criativa que o sistema oferece. A nova EOS-1D C irá aumentar essas opções criativas – é uma câmara única, suportando gravação de vídeo 4K num corpo extremamente compacto que pode ser usado nas mais diferentes situações. Estamos ansiosos por ver o que a comunidade profissional irá fazer com ela.”

Performance avançada e flexibilidade criativa

Com as principais especificações da EOS-1D X, a EOS-1D C oferece uma qualidade de imagem e uma versatilidade excepcionais, com um sensor CMOS full-frame de 18.1Megapixels. Optimizado para gravação de vídeo de alta qualidade, o sensor oferece aos profissionais do vídeo a liberdade para ajustar a resolução da imagem de acordo com o sujeito ou com o resultado desejado. Durante a gravação a 4K os pixels são recortados para uma área equivalente a um sensor APS-H, evitando a necessidade de redimensionar a imagem, e assegurando uma qualidade de imagem máxima. Adicionalmente, um crop Super 35mm na gravação Full HD vai ao encontro dos cineastas que normalmente trabalham num campo de visão Super 35mm.

O sensor permite desempenhos de elevada qualidade em todas as condições, oferecendo capacidades de desfocagem criativa e de captação da luz avançadas quando usado em combinação com as objectivas EF Cinema da Canon. O seu tamanho permite aos profissionais obter uma profundidade de campo extremamente baixa com uma bonita desfocagem do fundo, e a sensibilidade do ISO até 25,600 oferece uma excelente qualidade e baixo ruído em condições de pouca luz.

Para além da gravação a taxas de enquadramento de 24, 25, 30, 50 e 60p em Full HD que oferece ampla flexibilidade para satisfazer as diferentes necessidades de gravação dos profissionais, o suporte de código de tempo e codec standard na indústria bem como diferentes métodos de compressão oferecem compatibilidade com os fluxos de trabalho estabelecidos, facilitando a edição imediatamente após a gravação.

A EOS-1D C integra um pacote de software exclusivo, incluindo uma especificação que permite gravação de vídeo 4K/Motion JPEG e Full HD/60p na câmara para reprodução num ecrã externo[2] sem perda de qualidade. Também permite gravação de vídeo com Gama Log da Canon para reprodução num televisor com vídeo gamma standard.

Aplicações avançadas adicionais como o Picture Style Editor e EOS Utility, permitem também ajustes nas várias definições da câmara a partir de um PC. Procedimentos em tempo real, como edição e registo de estilos de imagem ou verificação dos resultados num ecrã, podem ser efectuados comodamente no “set” usando um PC ou Mac – permitindo aos utilizadores fazer ajustes rapidamente e garantir gravação e pós-produção eficientes.

Objectivas EF e EF Cinema – liberdade para explorar

Fazendo parte do Sistema EOS, a EOS-1D C é compatível com mais de 60 objectivas EF da Canon capazes de suportar captação de imagem a 4K. A série de objectivas EF oferece uma liberdade criativa excepcional, com distâncias focais entre 8mm e 800mm. Desde o lançamento do Sistema EOS em 1987, a Canon produziu já mais de 70 milhões de objectivas EF – uma prova da sua incomparável qualidade e popularidade. Também no Sistema EOS Cinema, a Canon introduziu várias objectivas EF Cinema 4K, utilizando a herança óptica exclusiva da Canon para produzir objectivas de qualidade líder, optimizadas para a captura de vídeo de elevada qualidade.

Canon EOS-1D C – principais características:

• Vídeos a 4K
• 1080p a 50/60fps; Canon Log Gamma
• Saída HDMI sem compressão
• CMOS Full Frame de 18MP
• Fotos até 12fps; modo 14fps
• Sistema AF de 61 pontos
• Sensibilidades ISO 100-25600
• Processadores DIGIC 5+ Dual
• LCD Clear View II de 8,1cm (3.2”)
• Compatível com objectivas EF

A Canon anunciou hoje o desenvolvimento de quatro novas objectivas de zoom cinematográficas expandindo assim a sua gama de objectivas EF Cinema para oferecer um maior número de opções criativas para os profissionais do vídeo. Os novos modelos que se vão juntar às sete objectivas de gama alta anunciadas em 2011, suportam resoluções 4K (4,096×2,160) e são mais pequenas e leves para oferecer maior mobilidade e qualidade. Disponíveis com montagens EF e PL, estas objectivas vão apresentar preços competitivos para proporcionar desempenhos premium a um maior leque de utilizadores.

As novas adições à série de Objectivas Cinematográficas da Canon incluem duas objectivas grande angular, a CN-E15.5-47mm T2.8 L S (montagem EF) e a CN-E15.5-47mm T2.8 L SP (montagem PL), e duas teleobjectivas de zoom, CN-E30-105mm T2.8 L S (EF) e CN-E30-105mm T2.8 L SP (PL). Ideais para utilização com a próxima geração de câmaras cinematográficas 4K, os novos modelos vão juntar-se assim à actual linha de objectivas EF Cinema da Canon reforçando o portfólio do sistema Cinema EOS que inclui objectivas e câmaras cinematográficas e DSLR.

Para além da compatibilidade com câmaras equivalentes ao standard da indústria Super 35mm, as quatro novas objectivas cinematográficas oferecem também uma flexibilidade superior. Cada um dos modelos possui uma baioneta compacta e leve que suporta uma ampla gama focal, o que os torna ideais para gravações sem utilização de tripé. Em conjunto com as actuais objectivas EF Cinema de gama alta da Canon, os novos modelos vão proporcionar uma maior variedade de possibilidades criativas para os profissionais do vídeo.

Os protótipos das novas lentes cinematográficas da Canon serão apresentados na NAB 2012, uma das maiores feiras da indústria do vídeo, equipamento de broadcasting e media digital que se realiza de 16 a 19 de Abril, em Las Vegas.

A Canon anunciou hoje o desenvolvimento de uma câmara de cinema digital capaz de gravar vídeo com resolução de 4K (4,096 x 2,160 pixels). Destinada à indústria do cinema e produção de vídeo digital de alta resolução, a EOS C500 vai oferecer gravação RAW de 4K e estará disponível com encaixe EF para compatibilidade com objectivas da Canon e com encaixe PL, padrão da indústria.

PROTÓTIPO EM DESENVOLVIMENTO

Em Novembro de 2011 a Canon anunciou a EOS C300 – a primeira câmara do Sistema EOS Cinema a marcar a entrada da companhia no mercado de produção de filmes. Aclamada pelos profissionais do vídeo, a EOS C300 oferece uma qualidade de vídeo excepcional, mobilidade, durabilidade e capacidade de expansão, graças ao seu design modular e à sua compatibilidade com as objectivas EF da Canon e objectivas cinematográficas. A EOS C500/EOS C500 PL vai basear-se na mesma plataforma avançada adicionando captura de vídeo RAW a 4K, e amostragem de cor de 4:4:4 durante a captura a 2K.

Ao suportar captura de vídeo com resolução de 4K da próxima geração e gravação de dados em RAW, a EOS C500/EOS C500 PL vai proporcionar excelentes vídeos sem qualquer perda de qualidade. A gravação a 4K permite libertar o potencial da gama premium de objectivas EF Cinema da Canon, em combinação com o Canon Log Gamma, que proporciona a alta qualidade de vídeo e a ampla latitude de exposição exigida pelos profissionais do vídeo digital. Além disso, o sinal 4:4:4 RGB de 12-bits durante a captura de vídeo a 2K (2,048 x 1,080 pixels) irá proporcionar cores ricas e alta compatibilidade com processos de imagem, como a composição chroma key. O suporte de frame rate até 120p, em ambas as resoluções 2K e 4K, vai oferecer uma maior flexibilidade criativa permitindo gravação de vídeo de alta velocidade (slow motion) em alta resolução.

PROTÓTIPO EM DESENVOLVIMENTO

O protótipo da EOS C500 será apresentado na NAB 2012, uma das maiores feiras da indústria do vídeo, equipamento de broadcasting e media digital que se realiza de 16 a 19 de Abril, em Las Vegas.

As leis que regulam a disseminação da informação nasceram depois da invenção da imprensa. Antes dela, copiar um trabalho escrito era um processo complicado e demorado, sujeito a erros, feito pelos escribas, sob o controle e censura do rei ou da igreja.

A imprensa permitiu que o material escrito pudesse ser reproduzido indefinidamente, em cópias idênticas por um custo baixo. A informação passou a circular rapidamente e o monopólio dos escribas deixou de existir. Desta época data-se a primeira lista de livros proibidos pela igreja, uma maneira de tentar impedir a proliferação de ideias não aprovadas por quem detinha o controle da informação. Também por esta época, no início do século XVI, os governos começaram a decretar as autorizações para impressão, estabelecendo um monopólio para certos impressores e controlando a cópia de todo material. As coroas francesa e britânica estabeleceram regras e reprimiam as cópias não autorizadas.

Mesmo com o controle, a disseminação da tecnologia da impressão deu força às ideias renascentistas e também à reforma protestante. Estes eram os primeiros passos para a cultura da disseminação livre da informação.

A Cultura

Ao longo da história outros inventos somaram-se a imprensa, aumentando as possibilidades para uma ideia se disseminar. A fotografia permitiu reproduzir uma cena de maneira exata em escalas nunca antes imaginadas, o fonógrafo levou a música dos concertos para dentro das casas, e o cinema permitiu a duplicação e reprodução indefinida de imagem em movimento. Tudo isso acompanhado da facilidade de reprodução das obras, muitas vezes de mãos dadas com a quebra dos direitos autorais. Parte da fortuna de Thomas Edison veio de cópias de filme piratas e outra parte de patentes de invenções que não necessariamente eram dele.

Os avanços tecnológicos trouxeram o hábito de duplicar obras para a cultura popular. A invenção da fita cassete e do Walkman tornou comum nos anos 80 a cópia de músicas e a troca destas gravações entre amigos era corriqueira. O videocassete trouxe a possibilidade de gravar conteúdo da TV, a conveniência de assistir estas gravações no momento mais propício e a troca desse material entre amigos. Assim como a TV, o rádio era também fonte comum de material para as fitas caseiras.

Todas essas gravações e cópias caseiras são feitas sem o consentimento do autor, sem pagar royalties, e ferindo os interesses dos grupos que tentavam manter o controle da informação. Uma das investidas para manter o monopólio deste controle foi em 1984: O caso Betamax, onde estúdios americanos processaram a Sony alegando que a invenção do gravador de vídeo cassete tinha o principal propósito de violar o direito autoral. A corte foi favorável à Sony e ficou decidido que gravar uma transmissão para assistir em outro horário não era uma violação dos direitos autorais.

Sem essa decisão, a venda ao público de gravadores, máquinas de fotocópias, vídeo cassetes e afins poderia ser considerada ilegal e o fabricante dos aparelhos seria responsável por qualquer violação de um de seus inventos. O controle pelo fabricante do que seria gravado ou copiado por cada aparelho, além de ser um delírio tecnológico, nos remete a distopia de Orwell, e por mais que isso soe um completo absurdo, era a intenção da indústria que controla a informação.

Legislação atual

Os direitos autorais têm em sua essência a intenção de proteger os interesses do autor da obra, de maneira que seja possível a sua exploração econômica, o que serve de estímulo a novas criações. Além disso, o direito de ter a autoria reconhecida e o controle para garantir a integridade da obra são parte do conceito de direitos autorais, desde o Estatuto da Rainha Ana, promulgado em 1710 na Grã-Bretanha.

Desde então, o conceito criado para proteger obras impressas foi expandido para mapas, gravuras, pinturas, esculturas, obras arquitetônicas, música, fotografia, vídeo, programas de computador e demais frutos da criatividade humana, conhecidos pelo termo de propriedade intelectual. Cabe ainda explicar que as leis de direitos autorais não protegem uma ideia, mas apenas a sua manifestação em uma obra.

Os direitos autorais não são eternos, mas sim vigoram por um prazo determinado na lei de cada país. Expirado este prazo, as obras passam a ser consideradas de domínio público, e fica livre sua reprodução e utilização por qualquer pessoa. No Estatuto da Rainha Ana e na primeira lei americana de direitos autorais o prazo era de 14 anos após a primeira publicação, sendo possível renovar esse prazo por mais 14 anos, desde que o autor estivesse vivo. Ao longo da história, a intervenção dos grandes grupos de mídia fizeram com que o prazo fosse ampliado cada vez mais. Hoje, em vários países o direito autoral expira somente 70 anos após o falecimento do autor.

Essas leis, além de garantirem o direito à exploração financeira da sua obra, também garantem somente ao autor o direito a reproduzir, copiar, modificar, transmitir, adaptar, traduzir, distribuir, recitar, declamar, executar, e citando a lei brasileira “quaisquer outras modalidades de utilização existentes ou que venham a ser inventadas”.

A Liberdade

Se gravadores e videocassetes impulsionaram a cultura do compartilhamento, os computadores e a Internet foram o combustível para o crescimento exponencial da prática. Se antes para mostrar as peripécias de seu gato, filmadas em casa, era necessário copiar um VHS e entregar aos amigos, hoje com alguns cliques o vídeo está disponível no mundo inteiro. Da mesma forma bandas de garagem não precisam mais copiar suas fitas demo, basta usar a rede para divulgar sua criação. Um artigo como este, antes da Internet, dependeria de muito papel e fotocopiadoras para atingir uma fração ínfima do público possível na Web. Se a imprensa impulsionou séculos atrás a Renascença e a Reforma Protestante, hoje assistimos a queda de ditadores abastecidas com informações compartilhadas pela Internet.

As fitas cassete deram lugar ao formato MP3, e a prática de troca de músicas e vídeos que já era comum com a tecnologia de fitas magnéticas passou para uma escala mundial com os softwares de compartilhamento de arquivos. Não só músicas e filmes são objetos de compartilhamento, mas também séries de TV, programas de computador, livros, revistas e também fotografias.

O compartilhamento em si é algo inerente à rede. Foi com o propósito de compartilhar e facilitar o acesso à informações que a Internet começou a ser utilizada fora do âmbito militar, por universidades e centros de pesquisa ao redor do mundo. A cultura de compartilhar informação é constante e a liberdade de expressão nunca foi tão exercida. Blogs, Youtube, Facebook, Twitter, Flickr e tantas outras ferramentas sociais servem de solo fértil para a disseminação de ideias, textos, fotos, sons e vídeos. E como o avanço é constante, com os smartphones tudo isso pode ser feito de qualquer lugar.

A cultura de compartilhamento é contrária aos interesses de quem tradicionalmente controla a informação. Estes interesses pressionam por mudanças nas leis de direitos autorais, criando tantas restrições que o cidadão comum costuma infringir o direito autoral em situações do cotidiano. Uma roda de amigos com um violão e uma cantoria animada, não sendo, citando a lei, “realizada no recesso familiar” é uma violação aos direitos autorais. Declarar-se a sua amada usando uma poesia, para ser legal só com autorização do autor. Estacionar o carro e ouvir música na rua é execução pública, mesmo que esteja ouvindo o rádio. Xerocar um livro que você tenha comprado, mesmo que só um pedaço, também não é permitido. Usar uma foto como papel de parede no seu computador, sem prévia autorização é outra violação corriqueira.

Ao inserir a Internet nessa equação, a possibilidade de uma atitude do cotidiano ferir algum direito autoral é grande. Por exemplo, aqueles e-mails repassados como correntes, normalmente são ilustrados com fotos e música protegidas por direitos autorais. Cada vez que alguém repassa essa mensagem está transmitindo de forma não autorizada essas obras. Vários memes, encontrados diariamente nas redes sociais e blogs, são feitos em cima de imagens protegidas, que são copiadas, modificadas e distribuídas sem autorização. A todo instante vídeos são compartilhados contendo música ou imagens protegidas, e apesar de vários serem removidos após a violação ser identificada, grande parte segue online.

A troca de arquivos, mesmo sendo análoga à prática antiga e comum, passou a ser motivo de pesadelos das gravadoras e estúdios. Se nos anos 80 tentaram banir videocassetes, na era digital o alvo foi o compartilhamento de arquivos. Ao mesmo tempo em que sites são fechados e seus mantenedores processados, a pressão por leis mais severas aumenta.  No final dos anos 90 a lei DMCA passa a criminalizar não apenas a violação do direito autoral em si, mas também a produção de tecnologia que permita evitar proteções contra cópias. Na Austrália, em 2006, um projeto de lei tentou banir qualquer dispositivo que pudesse copiar conteúdo protegido, o que tornaria um crime a posse de um tocador de MP3 ou um smartphone. Em meados de 2011, após protestos organizados através da Internet, o governo britânico cogitou bloquear o acesso as mídias sociais, o que ironicamente foi uma ação utilizada contra protestos que ajudaram a por fim em ditaduras no Egito e Líbia. No início de 2012, nos Estados Unidos as leis SOPA e PIPA foram retiradas da pauta de votação devido a seu conteúdo controverso que ameaçava a liberdade de expressão. Na Europa a ACTA e no Brasil a Lei Azeredo também são alvos de polêmicas e controvérsias.

Percebe-se que há um grande conflito entre a cultura da informação livre e os direitos autorais, cada vez mais restritivos. Se por um lado os artistas precisam ter seus direitos resguardados, esses direitos devem estar em equilíbrio com os usos e costumes já impregnados na sociedade, de maneira razoável, afinal, a democracia em sua ideia básica é o governo para o povo, e não para os interesses de poucos grupos influentes. Nesse jogo de interesses e pressões, surgem absurdos como músicos sendo obrigados a pedir autorização para executarem suas próprias obras, blogs sendo cobrados por vídeos compartilhados de forma legal pelo Youtube, ou ainda a proibição de cantatas beneficentes.

O Futuro

A inércia da cultura da informação compartilhada é grande. Da mesma forma em que sites de compartilhamento de arquivos são fechados, outros são abertos. Cada vez que uma nova tecnologia surge para tentar coibir as cópias não autorizadas, surgem pessoas dispostas a quebrar estas proteções. Corroborando com esta inércia está o sentimento de que a informação deve ter acesso livre, principalmente após esta já ter circulado por transmissões públicas de rádio e TV. Denny Sullivan recentemente postou uma carta aberta ao presidente da Fox, detentora dos direitos de “Os Simpsons” explicando o porquê acredita ser obrigado a procurar o desenho por formas consideradas ilegais: Denny defende que já tem o direito de assistir o programa por se transmitido livremente pela TV através de um sinal público, concessão do governo, e portanto teria condições de ter gravado a transmissão legalmente. Também afirma que assina TV a cabo e, portanto, pagou para assistir a série pelo cabo. E ainda, mesmo assinando um serviço de streaming pela Internet, totalmente legal, não é possível assistir com o aparelho de TV. Por ter esquecido de gravar o programa, que lhe renderia uma cópia legal, para assistir o episódio que deseja, e pagou, ele se vê obrigado a buscar uma cópia na Internet, ou então com seus amigos, ficando à margem da lei.

A população cada vez mais conectada, acostuma-se a obter acesso fácil e irrestrito a informação. A possibilidade de ter qualquer pedaço de conhecimento na ponta dos dedos já é tida como garantida. Se imaginar um mundo onde gravadores e videocassetes não existem já é um exercício complicado, imaginar um futuro sem a Internet e uma ferramenta como o Google é muito mais difícil.

Cercear a circulação da informação por meios tecnológicos mostrou-se inviável: Engenheiros criam proteções e outras pessoas usam de engenharia reversa para burlar essas medidas. Do ponto de vista comercial, um produto cujas proteções contra cópia são demasiadas a ponto de torná-lo um incômodo, tem na alternativa pirata uma vantagem econômica e prática, acabando por incentivar a prática ilegal em vez de coibir. Ao tentar usar a lei em sua forma mais rígida, o impedimento passa a ser a quantidade massiva de material compartilhado diariamente, tornando a tarefa de investigar e punir todos os que usam material indevido inviável. Fechar sites que são usados como meio para esse compartilhamento, além de não surtir efeito, uma vez que novos são criados em número cada vez maior, corre-se o risco de serviços legítimos serem afetados, hipótese que motivou os protestos contra SOPA e PIPA.

Diante deste cenário, praticamente irreversível, algumas ações são tomadas tendo em vista a força desta cultura: Na Suíça foi decidido que o download para uso pessoal não constitui crime, e o estudo que embasou a decisão mostrou que a indústria não é prejudicada pela prática, já que descobriu-se que o dinheiro que não foi gasto com a aquisição do material baixado acaba sendo gasto em produtos da indústria do entretenimento. No Brasil, a Justiça de Mato Grosso do Sul, em decisão unânime, absolveu um vendedor ambulante de DVDs piratas. Segundo o tribunal, a decisão foi baseada na “difusão e aceitação da sociedade (em todos os níveis de organização socioeconômica) em comprar/vender CDs piratas”, além disso, “Diversos são os shoppings populares, autorizados pelo Estado, para a comercialização de artigos ditos ‘populares’, mas que, na verdade, são uma grande feira de pirataria”. Tanto o governo suíço quanto a justiça sul-mato-grossense perceberam que estas formas de compartilhamento de conteúdo já faz parte da cultura atual.

Alternativas

O avanço tecnológico também permite o florescimento de novos serviços e novos modelos de negócio que ao mesmo tempo vão ao encontro dos interesses dos artistas e das pessoas comuns.  Um dos exemplos mais bem sucedidos é a iTunes Store, que vende músicas avulsas por preços módicos. Apesar de existir uma alternativa ilegal disponível, a facilidade de obter o arquivo desejado, com garantia de disponibilidade e qualidade fazem os clientes preferirem a loja. Também gozando de sucesso, o Spotify conta com um vasto catálogo de músicas, disponíveis por streaming a vontade, mediante a uma pequena taxa mensal, que atrai clientes que buscam uma facilidade não encontrada no compartilhamento ilegal. Nos jogos eletrônicos a Steam se mostra alternativa vantajosa em relação às cópias piratas, com preços baixos e entrega imediata pela internet.

O que essas iniciativas têm em comum é a facilidade de obter e usar o conteúdo, de maneira imediata e praticamente irrestrita, o que as torna mais interessantes que recorrer a uma fonte ilegal, e justifica o custo para o consumidor. Prova-se que ainda é possível lucrar com a propriedade intelectual, mesmo nesse cenário onde a informação pode circular livremente. O que realmente mudou foi o controle da informação, que saiu das mãos de monopólios e passou para a sociedade, através das ferramentas criadas pela rede.

Artigo por Luiz Fellipe Carneiro com a colaboração de Armando Vernaglia Jr.

Imagens:

1. Gravura de Gutenberg: http://pt.wikipedia.org/wiki/Johannes_Gutenberg
2. Tapes, por Sarah Braun: http://www.flickr.com/photos/ataradrac/5168018665/
3. Equal Justice Under Law por SP8254: http://www.flickr.com/photos/sp8254/3891606586/in/photostream/
4. The Pirate Bay logo http://thepiratebay.se
5. Mascara de Guy Fawkes, usada em protestos contra SOPA e PIPA
6. Estrada, por Luiz Fellipe Carneiro: http://www.flickr.com/photos/fellipec/6217153654/
7. International Money Pile in Cash and Coins por epSos.de: http://www.flickr.com/photos/epsos/5394616925/in/photostream/

Fontes:

• open…: The End of Copyright’s Social Contract
• End the Copyright War | The Moderate Voice
• Why Arab revolutions signal the end of copyright – Games Brief
• Digital Pirates, 3D Printing and the End of Copyright | Endless Innovation | Big Think
• end of copyright – Google Search
• Juremir Machado e os (finados?) direitos autorais na internet « Baixa Cultura
• Folha.com – Cotidiano – Justiça em MS diz que pirataria é aceita pela sociedade e absolve ambulante – 14/10/2010
• 2.03: The Economy of Ideas
• Information wants to be free – Wikipedia, the free encyclopedia
• 9GAG – I know he’s dead…
• Artistas criticam Ecad por exigência de permissão para tocar suas próprias músicas – O Globo
• Dear Rupert Murdoch: Let’s Talk Piracy & “The Simpsons”
• U.K. Government Considers Blocking Twitter, BlackBerry in Wake of Riots | Techland | TIME.com
• Revista Galileu – NOTÍCIAS – Especialista explica como funciona a censura na web
• U.K. May Block Twitter, Blackberry Messaging Services in Future Riots – Bloomberg
• O AI-5 digital | Carta Capital
• Charity hit with carol copyright bill – Local News – Wigan Today
• Mais abusos nas taxas do Ecad geram desconfiança – Netmúsicos
• Swiss Govt: Downloading Movies and Music Will Stay Legal | TorrentFreak

O highlight (ráiláit) nada mais é do que uma ou mais áreas da imagem fotografada que ficaram com o brilho em destaque. Só isso. Procurando pela tradução da palavra highlight, chega-se em realce. Então highlights são os pontos onde há realce da luz na composição da foto (ou os pontos que ficaram mais brilhantes para simplificar). Esses pontos de realce da luz podem ser produzidos intencionalmente, como parte da linguagem fotográfica do autor, ou podem ser desastrosamente produzidos de forma involuntária. Na figura abaixo é possível identificar pontos de highlight, mas mesmo assim os detalhes do objeto fotografado são nitidamente identificados.

Por isso é preciso muita atenção, em uma imagem super-exposta, o brilho excessivo nas áreas de highlight ocasionam perda de informação. Ao fotografar composições com fontes de luz ou reflexos muito intensos, se não forem tomadas as devidas providências para evitar a superexposição, estes pontos podem se tornar highlights sem possibilidade de recuperação da imagem, principalmente na fotografia digital.

Nestes casos, o sensor é estimulado com intensidades de luz em níveis superiores ao que ele consegue ler e acaba reconhecendo todos esses variados níveis de luz como o máximo valor de branco, perdendo assim as informações de diferenças de tonalidade e contornos da área que sofreu highlight. Quando isso acontece, é comum escutar que a “imagem ficou estourada” ou “estourou a luz” em dada área da foto. O termo “estourar” é usado nestas situações. Abaixo vemos um exemplo em que a imagem ficou estourada, os contornos dos objetos se confundem com o fundo branco e detalhes são perdidos nas áreas de highlight.

Tá legal, e o tal do Hair Light? O que tem a ver com o highlight?

Já o hair light (rérrláit) é o ato de direcionar uma porção de luz para os cabelos da modelo fotografada (geralmente de cima para baixo) com intenção de criar um brilho, um reflexo, e desta forma realçar e definir os contornos do cabelo.

Então o hair light é quando criamos um highlight nos cabelos do modelo.

O que um tem a ver com o outro? Highlight refere-se a um fenômeno da luz na fotografia. O Hair light é uma técnica de iluminação que se utiliza do highlight. E você está PROIBIDO de confundir um com o outro a partir de hoje.

Não existe hair light no reflexo da luz do sol na superfície do mar, ok? Só existe highlight

Aproveitando o embalo, e os Darks… adivinha o que é?

Darks (se fala dárks mesmo…) ou sombras, são as áreas da imagem que recebem o mínimo de iluminação, gerando áreas escuras na composição. Da mesma forma que o highlight, uma área de sombras pode acarretar em perda de informação se possuir tão pouca luz, ou sofrer sub-exposição de tal forma que não seja suficiente para sensibilizar o sensor ou filme.

Na figura abaixo, é possível notar a área de sombras no rosto da criança que prejudicou a identificação dos contornos dos olhos, nariz e boca.

Sejam highlights ou darks, caso a luz disponível não esteja dentro da gama de intensidade de luz para a correta sensibilização do sensor ou filme, o que acontece é que aquilo que deveria ser representado em variados níveis de cinza são interpretados como tudo branco (highlights) ou tudo preto (darks). Em geral, o filme apresenta o efeito de forma mais suave, deixando a imagem “menos feia” caso ocorra um desses problemas. Já na fotografia digital, as áreas problemáticas se destacam mais ficando com os limites mais definidos.

A “gama de intensidade de luz para correta sensibilização do filme” tem nome e se chama latitude. Este assunto é lindamente discorrido no artigo do Queimando Filme, blog especializado em fotografia analógica, vale a leitura.

De maneira geral, se você estiver usando uma câmera digital, é preferível recuperar fotos sub-expostas. O sensor digital tem maior latitude nas áreas de sombras. Mas caso esteja usando filme, é preferível trabalhar com super-exposição pois estes possuem maior latitude nas áreas de highlight.

No processo de recuperação digital de uma imagem super-exposta ou sub-exposta, é importantíssimo que a imagem tenha sido capturada em RAW. RAW (wró) é o equivalente ao negativo em fotografia digital, é um arquivo que possui muito mais informações da imagem capturada do que qualquer outro tipo de arquivo, mesmo um JPEG gravado em super-fine sem compactação não chega nem perto de um RAW. Portanto se sua câmera permitir, fotografe em RAW!! E exercite a manipulação da imagem com este tipo de arquivo. Você vai notar uma diferença absurda. Leia um excelente comparativo sobre JPG vs RAW aqui no Fotografia-DG

Veja as diferenças abaixo num exemplo de recuperação de fotografia utilizando RAW e JPEG. Note como na recuperação do arquivo RAW ocorre menos distorção de cores.

Gostou? Não gostou? Tem alguma dúvida ou sugestão?
Deixe um comentário ou me procure nas redes sociais.
Ficarei feliz com o seu contato.

Um abraço, e até a próxima!

Assim como na edição do Nu Photo Conference, outro evento promovido pela iPhoto, eu estive presente neste para fazer a cobertura para o Fotografia DG.

Na primeira palestra de abertura do congresso Evandro Rocha falou sobre “Inovação no casamento”, trazendo um pouco do processo criativo das suas imagens e do fluxo de trabalho durante um casamento.

Seguindo na mês área, Marcelo Caetano (que trabalha com Evandro Rocha) palestrou sobre “Diagramação de álbuns”, exemplificando através de trabalhos realizados como fotógrafo e designer. Através desta experiência de atuar nas duas áreas, Marcelo deixou uma importante lição (que muitas vezes é esquecida) “É importante pensar na diagramação na hora do clique, fazer fotos em sequencia pode ser interessante, principalmente em momentos como making of, ensaio com os noivos e valsa”.

Marcelo Caetano e Evandro Rocha

Na sequência a brilhante palestra de Leandro Nunes, que trouxe o tema “Dominando a luz”, foi uma aula completa sobre iluminação e flashs remotos (assunto que o palestrante aborda em DVDs lançados pela Iphoto).

O fotógrafo Leandro Nunes falando sobre iluminação

Para finalizar o primeiro dia, o engenheiro e fotógrafo Ernesto Tarnoczy explanou sobre composição fotográfica na palestra “Como compor fotos incríveis”.

Ernesto Tarnoczy “Como compor fotos incríveis”

O segundo dia de palestras também foi mais direcionado à fotografia de casamentos, com palestra de três grandes fotógrafos da área: Vanessa Freire, Manolo Rodriguez e Anderson Miranda.

Enquanto Anderson Miranda e Vanessa Freire falaram sobre técnica e composição, fazendo uma prática ao vivo no palco, Manolo Rodriguez, com 5292 eventos fotografados no currículo, falou sobre “Ser fotógrafo, gestão de carreira”.

Os fotógrafos de casamento Vanessa Freire e Anderson Miranda em prática ao vivo

Na sequencia, o professor de marketing e fotógrafo Eduardo Trauer trouxe o excelente tema “O Marketing e o Olhar na Fotografia”. Uma das frases marcantes dita pelo fotógrafo (que também estava expondo suas fotografias durante o congresso) é “Somos únicos e responsáveis pela nossa diferenciação e conquista de um espaço no mercado”.

E para finalizar com chave de ouro o segundo dia da Semana da Fotografia, subiu ao palco o responsável por tudo isso: Altair Hoppe. O assunto, obviamente, foi o de tratamento profissional de imagens, e falou além sobre Photoshop mas também sobre os programas Lightroom e Adobe Camera Raw.

Altair Hoppe em ação

O terceiro e último dia foi voltado à fotografia de estúdio e books, trazendo como primeiro palestrante o grande mestre curitibano Brasílio Wille, que além de fotógrafo é também consultor da Mako para apoio técnico e desenvolvimento de novos produtos. Brasílio falou sobre “Como Montar um Estúdio Eficiente”, dando dicas importantes para os fotógrafos que já possuem estúdio e principalmente para os que estão planejando montar um.

Brasílio Wille

Na sequência, o fotógrafo paulistano Tyto Neves trouxe o tema “Retratos de Gestantes e Crianças”, realizando uma prática ao vivo com uma família e com uma gestante. Tyto enfatiza que é importante o fotógrafo passar pela experiência de estar do outro lado da câmera para saber como os seus clientes se sentem durante uma sessão. Outra dica do fotógrafo é começar a sessão mostrando referências de outros trabalhos, para deixar os clientes mais a vontade. Conversar, sorrir sempre e não ser invasivo também são aspectos fundamentais na hora de fotografar, segundo Tyto Neves.

Fotografia de família com o fotógrafo Tyto Neves

Iniciando a parte da tarde do último dia, o fotógrafo catarinense Primo Tacca Neto falou sobre “O Segredo de Fazer Books”. Considerado uma das revelações da fotografia nacional, Tacca falou sobre suas técnicas de direção e iluminação para books realizando uma prática ao vivo no palco, além de falar abertamente sobre suas estratégias de marketing e sobre a entrega do produto final para seus clientes. Considerada uma das melhores palestras de todo o congresso, o fotógrafo foi aplaudido de pé pelos congressistas.

Primo Tacca Neto demonstrando na prática o segredo de fazer books

E para encerrar com chave de ouro, a Semana da Fotografia trouxe o renomado fotógrafo Drausio Tuzzolo. Eu já havia visto o Drausio no Nu Photo Conference no ano passado, então já tinha a certeza que a palestra dele seria um sucesso. O assunto abordado por Tuzzolo não poderia ser diferente “Ensaios de Nu”. Com experiência de 25 anos na fotografia, Tuzzolo já fotografou para as principais revistas do país e é autor de diversas capas das revistas Playboy e Sexy.

Na prática ao vivo, Tuzzolo teve o desafio de realizar um ensaio sensual de duas gêmeas, e o resultado final foi fantástico!

Encerrando o congresso, Drausio Tuzzolo fotografando as gêmeas Nara e Naiara

A Semana da Fotografia foi um verdadeiro sucesso. Trazer um congresso de fotografia de grande porte para uma cidade fora dos grandes centros é realmente um desafio muito grande, por isso o empenho de toda a equipe da iPhoto Editora é louvável.

Um dos grandes responsáveis por todo esse sucesso é o coordenador do evento James Vitto, que falou sobre a consagração da Semana da Fotografia, os desafios de promover um evento longe dos grandes centros e ainda sobre alguns projetos futuros da Editora, confira:

“A iPhoto Editora é uma empresa de Balneário Camboriú que tem como missão elevar o conhecimento fotográfico e torná-lo acessível com os nossos produtos, tanto livros, dvd’s quanto os congressos. A empresa já realizou grandes projetos como o Graduation Brasil, em 2010 – o primeiro congresso brasileiro sobre fotografia de formatura; o Photo Show, em Florianópolis (2009), Belo Horizonte (2010), e Salvador (2009); o Photo Nu Conference, em 2011,primeiro congresso de fotografia de nu e sensual da América Latina, mas acreditamos ser do mundo, pois não encontramos nenhum relato de que alguém tivesse feito antes; o Congresso Brasileiro de Fotografia, em Chapecó, no ano de 2011 e a Semana da Fotografia que este ano foi a 3ª edição.

A Semana da Fotografia é um evento que como os outros valoriza os profissionais brasileiros, e o critério de seleção da cidade foi simples, é em Balneário que a empresa se localiza e como o objetivo seria fazer um evento local, a região é favorecida pela posição geográfica, facilitando deslocamento, proximidade de aeroportos, belezas naturais, clima agradável, pelo histórico do turismo e por termos universidades próximas. Levantando dados da primeira edição, o número de participantes de SC era aproximadamente 80% e os 20% restantes dividiram entre PR e RS. Já em 2011, de SC tinham 75% de participantes e um expressivo número de paulistas e paranaenses. Mas marcaram presença congressistas do Piauí, Brasília e outras regiões. Já no evento de 2012 recebemos participantes de 14 estados, sendo 54% de SC, e logo atrás vem PR, RS, SP, GO, RJ e MG, e os congressistas de mais longe foram do Pará, Piauí e Pernambuco. Estes dados mostram que o evento tomou proporções tão grandes que já está no calendário nacional de eventos de fotografia.

Qual a principal informação levantada com estes dados? Simples, o mercado fotográfico vem crescendo ainda mais no interior e principalmente em regiões que ainda não tem cursos, faculdades ou lojas de equipamentos. Estes profissionais são na maioria autodidata ou migraram dos grandes centros, onde a fotografia já está saturada de profissionais e de informação. Conheci vários fotógrafos que atuam em diversas áreas da fotografia e conseguem cobrir um raio de até 8 cidades próximas as suas devido a falta de profissionais que não querem migrar pro interior. Hoje com a internet ficou muito mais fácil terceirizar serviços, captar clientes e divulgar trabalhos. Diminuindo as dificuldades encontradas pela categoria.

Para a iPhoto Editora é um prazer enorme organizar um congresso, pois é gratificante ouvir dos congressistas que seu trabalho irá melhorar também como a valorização dos seus álbuns na visão comercial. Como temos muitos nomes bons na fotografia no Brasil, a maior dificuldade é conseguir selecionar excelentes profissionais que consigam expor seus trabalhos e façam um link com as demais palestras do congresso. Assim o congressista pode voltar ao seu estúdio e colocar em prática tudo o que aprendeu, desde como montar um estúdio, até trabalhar seu marketing, fazer um book de casamento, fidelizando estes clientes e futuramente fazer um book da gestante e dos filhos quando crescerem. E conseguir atender as demais áreas, como formatura, foto em estúdio, ensaios sensuais com pessoas comuns. Hoje a fotografia está mais democrática e acessível. Fazer um álbum é mais que guardar uma recordação, é guardar um pouco da sua vida, da sua história, é escrever um livro através de imagens.

Mas nossos projetos não param. Em breve estaremos realizando um congresso no RS e para o segundo semestre temos projetos para outras regiões do país, ainda não temos datas, locais ou temas definidos, mas estamos sempre procurando inovar, surpreender e satisfazer os nossos clientes, a maioria são profissionais e iniciantes, assim como acadêmicos ou pessoas que gostam da arte de fotografar.

A iPhoto tem o comprometimento com o mercado fotográfico brasileiro, investindo e acreditando nos profissionais nacionais, e não como parte do mercado faz, valorizando profissionais estrangeiros e esquecendo nossos talentos. E para mim, como coordenador de eventos, é gratificante poder colaborar com quem faz arte e vive dela, e me orgulha quando as pessoas me procuram para opinar seus trabalhos, querem dicas e sugestões ou me agradecem por ter as convencido de participar dos nossos eventos, pois eu sei que fiz a minha parte para melhorar o mercado levando junto do conhecimento um pouco de civilidade, para melhorarmos ainda mais a nossa sociedade”.

Ficamos no aguardo das novidades e da Semana da Fotografia 2013!

Crédito das imagens: Iphoto Editora

Baseada na especificações do modelo EOS 60D e sucedendo à EOS 20Da, a nova EOS 60Da foi concebida para captar cores avermelhadas ricas produzidas por nebulosas de emissão, com um filtro de baixa passagem modificado que a torna mais sensível aos comprimentos de onda da luz de hidrogénio-alfa (Hα).

A EOS 60Da é ideal para fotografar fenómenos astronómicos como nebulosas difusas – as favoritas dos astrofotógrafos devido à cor vermelha distinta provocada pela ionização do hidrogénio. Numa DSLR standard, um filtro de infravermelhos (IV) limita a quantidade de luz Hα que passa para o sensor da câmara, reduzindo a transmissão de sinais vermelhos para evitar efeitos de cor indesejados na imagem final. No entanto, a EOS 60Da possui um novo filtro modificado, que oferece três vezes mais transparência para a luz Hα do que a EOS 60D. Este, em conjugação com o sensor CMOS de 18 megapixels, processamento DIGIC 4 e a elevada sensibilidade do ISO oferece imagens nítidas de nebulosas de emissão de cor vermelha.

Alta resolução, elevada sensibilidade e baixo ruído

A EOS 60Da proporciona aos astrofotógrafos performance elevada e flexibilidade criativa. O seu sensor CMOS APS-C de 18 Megapixels é ideal para captar o detalhe de constelações e o avançado desempenho em sensibilidades do ISO elevadas até 6.400 de ISO (expansível até 12.800) assegura imagens com baixo ruído, reduzindo a necessidade de longas exposições e a utilização de suportes “star tracker”. Trabalhando em conjunto com o potente processador DIGIC 4 de 14 bits, o sensor também oferece uma excelente relação sinal-ruído nos dados finais, produzindo imagens com cores naturais e gradações de tom suaves – ideal para captar, por exemplo, a subtileza das transições de cor das nuvens de gás interestelar.

Controlo fácil

Com a mesma ergonomia da EOS 60D, a EOS 60Da foi desenhada para ser fácil de manusear e altamente personalizável. As suas linhas curvas integram um layout de botões fáceis de alcançar, com os controlos de uso frequente agrupados para um acesso mais fácil. Os controlos podem ser rapidamente ajustados e personalizados de acordo com as preferências de cada utilizador. O seu ecrã LCD retroiluminado proporciona uma flexibilidade adicional para monitorizar e ajustar os parâmetros da imagem a meio do disparo. Adicionalmente, um botão Quick Control dedicado, facilita o acesso instantâneo às várias definições da câmara durante o disparo.

A EOS 60Da possui ainda um ecrã LCD de ângulo variável de 7,7cm (3.0”) e suporte Live View – ideal para compor disparos usando um tripé. Este ecrã LCD articulado oferece maior flexibilidade, enquanto o modo Live View permite um controlo preciso e cómodo para ajustar a composição e as definições da câmara. A resolução do LCD de 1,040k-dot proporciona níveis excepcionais de detalhe no ecrã durante e após o disparo, permitindo aos astrofotógrafos compor e visualizar os seus disparos com total confiança.

Para maior flexibilidade, a EOS 60Da é compatível com o disparador remoto TC-80N3[i] opcional – um controlo remoto programável que permite o ajuste das definições sem alterar a posição da câmara. O TC-80N3 proporciona a flexibilidade para captar imagens remotamente em intervalos personalizáveis ou longas exposições, tornando-se ideal para gravar vídeos com lapso de tempo dos céus nocturnos. Um alimentador de corrente ACK-E6 AC fornecido, permite disparos contínuos– ideal para longas exposições – e o software EOS Utility permite aos utilizadores controlar as definições ou ver o enquadramento da imagem num PC ou MAC através de uma ligação USB a meio do disparo.

Fazendo parte do Sistema EOS, a EOS 60Da é compatível com a mais extensa gama de objectivas intermutáveis do mundo, desde 8mm a 800mm – proporcionando uma oferta criativa potente e excepcional aos astrofotógrafos.

EOS 60Da – principais características:

• Maior sensibilidade à luz IV
• Sensor CMOS APS-C de 18 megapixels
• Ecrã LCD Clear View de ângulo variável de 7,7cm (3.0”) e formato 3:2
• ISO 100-6.400 (expansível até 12.800)
• Disparos com lapso de tempo com EOS Utility ou Disparador Remoto TC-80N3 opcional

Imagine agora uma vida sem fotografia, sem registros de criança, nem as fotos históricas, os anúncios seriam apenas com textos. A televisão e a internet nem existiria e teríamos apenas o velho rádio. Seria totalmente sem graça.

O maior diferencial da fotografia é que ela retrata a realidade, pois as coisas precisam existir para serem reproduzidas. O momento é “congelado” no instante da foto. Por isso, você que gosta de registrar os mais belos momentos da sua vida ou faz da arte de fotografar uma profissão, encontrou o que precisava!!!

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• Modo de prioridade de abertura do diafragma;
• Obturadores das câmeras digitais;
• O obturador e a exposição;
• Os fatores que afetam a qualidade da imagem digital;
• A luz e a fotografia digital;
• Tipos de flash;
• Reprodução das cores sensor de imagem;
• Filtro fotográfico;
• Obtenção da profundidade de campo;
• Foco e bloqueio de exposição;
• Pré-estréia de imagem;
• Sensor de Orientação;
• Tipos de câmeras fotográficas digitais;
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O princípio

Os princípios da fotografia “pinhole” ou estonopeica remontam a 390 d.C quando foram observados pela primeira vez pelo filósofo chinês Mo-Ti. Este conceito viria a ser aprofundado por gregos eruditos, tais como Aristóteles e Euclídes, que desenvolveram a câmara obscura: uma caixa ou compartimento com um orifício num dos lados que projeta uma imagem do que a rodeia num ecrã. Inicialmente estas imagens eram esboçadas numa representação precisa do que fora “captado”.

Apenas em 1827 é que os fundamentos da primeira câmara fotográfica foram plenamente estabelecidos. Joseph Nicéphore Niépce, um inventor francês, desenvolveu experiências com “heliografia” ou “escrita do Sol” quando descobriu que não tinha uma mão suficientemente firme para lidar com as marcas exatas da câmara obscura. Fez experiências com várias substâncias que reagiam à luz – como o cloreto de prata – mas acabou por optar pelo betume dissolvido em óleo de alfazema, que foi então aplicado ao peltre, que agia como uma chapa fotográfica. Infelizmente, as suas primeiras fotografias demoravam oito horas a revelar, sendo que as imagens desapareciam por completo logo em seguida.

Das chapas ao filme e não só

Em 1829, Louis Daguerre juntou esforços com Niépce e aprofundou o desenvolvimento das suas experiências. Após uma década de pesquisas, Daguerre propôs um método no qual a imagem era “fixada” numa chapa de cobre prateada. A chapa era polida e revestida em iodo, tornando-a extremamente sensível à luz. Esta chapa era colocada dentro de uma versão primitiva da câmara fotográfica e era exposta. A luz “pintava” a imagem na chapa, que mais tarde era revelada através de um banho de cloreto de prata.

Durante os seguintes 60 anos, foram criadas variantes da chapa fotográfica desenvolvida por Daguerre, cada uma aperfeiçoando a acuidade e o foco da imagem. A maior evolução surgiu quando os solventes de prata sensíveis à luz começaram a ser utilizados para banhar vidro. Porém, é somente em 1889 que o primeiro filme de câmara fotográfica é desenvolvido: com uma base de nitrato de celulose que era flexível e podia ser enrolada. O filme eliminou a necessidade de câmaras escuras portáteis, abrindo caminho para a criação da primeira câmara fotográfica compacta, que mais tarde viria a ser produzida em massa e disponibilizada ao público.

Desde estes primeiros passos no mundo da fotografia, a câmara fotográfica tem vindo a evoluir. As fotografias a cores são agora comuns e, desde 1905, a ideia de reduzir o formato de negativos e desenvolver imagens maiores tem sido objetivo comum dos fotógrafos que utilizam filme. Porém, com o aparecimento da tecnologia digital, o filme passou a ser totalmente dispensável. Os sensores de luz e as unidades de “CCD” permitem descargas elétricas a cores, sombras e tons, que são apresentados através de pixéis num monitor integrado.

Apesar de a câmara fotográfica ser um artigo comum para a maioria das pessoas, ainda pode ser fascinante e divertido fazer uma câmara pinhole e recriar as experiências dos primeiros pioneiros no mundo da fotografia.

Efeitos da luz no eixo vertical

Para que possamos determinar a localização de uma fonte de luz, usamos um pensamento cartesiano, ou seja, definimos sua posição no eixo vertical e no eixo horizontal, simultaneamente. No eixo horizontal temos a principio três possibilidades, a luz frontal (em relação ao modelo), a luz lateral e a contraluz (luz de trás). No eixo vertical também temos três possibilidades, a luz de cima (que está acima do sujeito fotografado), a luz de baixo e a luz na altura do modelo (para alguns, isso significa luz na altura dos olhos, para outros, luz na altura da câmera). Nesse momento vamos nos limitar a tratar dos efeitos relacionados à direção da luz, apenas no eixo vertical, e posteriormente, vamos estudar as relações de iluminação no eixo horizontal.

obs: Antes de mais nada aviso que este artigo pode conter termos técnicos fontes de dúvidas entre iniciantes na fotografia. Para ajudá-los, existem links no fórum, em caso de necessidade – e podem perguntar lá!

Foi-se o tempo em que todo profissional empunhava uma câmera DSLR e todo amador tinha que se contentar com o investimento em uma singela compacta do tipo point-and-shoot (que há quem abrevie para PaS ou p&s). Os motivos são óbvios: as câmeras de lentes intercambiáveis (no tempo que eram as únicas chamadas assim) eram bem mais caras, não existiam celulares com câmera saindo a rodo e, por que não dizer, fotografia não era hype (a Apple que o diga…).

Hoje é bastante evidente que fazer fotografia é algo tão democrático quanto fácil, além de existirem inúmeros recursos, indo de câmeras de variados tipos a programas de manipulação e gerenciamento de imagens. Mais do que isso: existem modelos compactos que possibilitam produzir imagens com qualidade por vezes comparável à de câmeras “profissionais”^*, com várias vantagens.

As vantagens com as compactas ditas premium são:

- Pode-se andar com uma ótima câmera sem o peso e o tamanho por vezes incoveniente (e chamativo) das DSLRs. E elas ainda são mais fáceis de guardar (ou carregar no pescoço, no ombro), ainda que seja ainda mais bacana andar com uma câmera fininha ou um smartphone, como um iPhone;

- Produzir ótimas fotos, com nível de ruído bem controlado mesmo em ISO alto, coisa que até relativamente pouco tempo atrás era um sonho em qualquer compacta acessível (mesmo entre profissionais, não é qualquer um que pode comprar uma Leica). E sem perder a definição, o que é muito importante, já que por vezes as marcas lançam modelos que tem menor ruído, mas abrindo mão da definição de imagem, ou seja, a câmera processa as imagens para não evidenciar ruído simplesmente borrando-as! O resultado são fotos que parecem por vezes terem sido tiradas no vapor de um bom banho quente. Felizmente isso não ocorre com as premium;

- São mais ergonômicas do que as compactas desenhadas para serem carregadas no bolso da calça e outros locais estreitos, o que evita o desconforto de tentar segurar firme e sem pôr dedos onde não deve nas câmeras fininhas ou nos smartphones;

- Possuem modos de prioridade abertura, velocidade e totalmente manual (A, S, M ou Av, Tv e M, dependendo da marca), o que é ótimo tanto para quem já utiliza DSLR explorando tais modos (excluindo quem compra câmera maior para ter fotos melhores sem estudar);

- Em sua maioria têm sapata hot-shoe para flash externo. No caso da Sony NEX-5, não existe esse encaixe, mas há um local para ser encaixado um flash feito para as NEX-5 e NEX-3. A diferença entre ter este tipo de possibilidade e não ter (como num celular com câmera) na maioria das situações é a diferença entre uma foto “fantasmagórica” e uma foto com luz mais natural, que não torna o fundo trevas do porão de Drácula, nem seu retratado na encarnação de Gasparzinho;

- Permitem fotografia em RAW, o que na maioria das situações é mais interessante que fotografar em JPG (entenda os porquês aqui);

- Configurações detalhadas, seja no menu ou no LCD ao preparar-se para uma foto ou um vídeo, e elas são mais acessíveis, pensadas de forma a funções mais utilizáveis ficarem logo à vista ou num dos primeiros tópicos do menu. Assim podemos facilmente tirar bastante proveito das possibilidades que a câmera oferece, ajustando rapidamente desde a abertura do diafragma e o tempo de exposição até a compensação de carga do flash ou outro ajuste fino, passando por controle de nitidez, tipo de arquivo e outros;

- Ao contrário dos tão afamados smartphones, mesmo as câmeras compactas têm rosca para que a máquina possa ser utilizada num tripé ou monopé – o que as torna perfeitamente aptas para longas exposições. Não é impossível fazer uma longa exposição com um bom smartphone, mas a falta de rosca para tripé pode dificultar bastante a realização deste tipo de foto, a depender das circunstâncias;

- Outro aspecto em que os smartphones falham é o design feito para ser primordialmente de celular e, mais casual e/ou emergencialmente, uma câmera, o que torna o ato de apertar o botão disparador da câmera bastante suscetível a tremores, e assim as fotos borradas tão comuns entre quem porta câmeras que necessitam priorizar velocidades baixas. Verdade que as aberturas de diafragma de alguns bons aparelhos está melhorando, o que ajuda, mas de modo geral usar seu celular para tirar fotos ainda passa longe do ideal.

Seguem alguns modelos interessantes, com seus preços de kit nas lojas Amazon americana e europeias e na novaiorquina B&H:

- Fujifilm FinePix X100 – $1200 (Amazon e B&H)  / 895 € / £700

Com sensor de proporções APS-C e 12.3 megapixels, tem um nível de ruído consideravelmente baixo, definitivamente no mesmo patamar de boas DSLRs (obviamente não as topo de linha, mas as básicas e as médias, sim). A nitidez é impressionante, e o visual retrô dela encanta, incluindo na objetiva 23mm f/2, prateada assim como boa parte do corpo da câmera, lembrando a série M da afamada Leica.

Além disso, ainda tem um viewfinder híbrido (segundo a Fuji, é o 1º modelo com tal VF), modo de captura de panorama e 04 tipos de bracketing.

Os pontos contra este modelo são o preço e o monitor LCD de 2,8” (que pode desagradar a alguns acostumados com monitor de 3”).

- Canon PowerShot G1X – $800 (Amazon e B&H) /  660€ / £560

Aguardadíssimo lançamento da Canon para o mundo das compactas, a sucessora da G12, tão amada por profissionais para uso como segunda câmera, ela “botou pra torar” com maior ISO, nível de ruído consideravelmente menor que sua antecessora (graças ao sensor bem maior que o da G12 e poucos megapixels a mais), além de agora gravar vídeos full HD, e não apenas em HD simples. É minha escolhida, e até já comentei os motivos aqui no DG.

O ponto fraco é não ter lentes intercambiáveis, ao contrário das outras aqui citadas. E para quem adora produtos com belo design, é o mais do mesmo da G12, apenas um pouco maior (ou seja, nada de visual retrô, corpo prateado ou coisa do estilo).

- Panasonic Lumix GX1 – $780-950, a depender da 14-42mm^*2 (Amazon e B&H) / 695€ / £550

Quase homônima à câmera da Canon, mas lançada anteriormente, a Panasonic Lumix GX1 também tem nitidez muito boa e bom nível de ruído em ISO alto (em bora fique um pouquinho atrás da G1X neste último quesito). Tem como vantagens ser um pouco menor que o modelo da Canon e ser de uma marca mais difundida que a Fuji em câmeras compactas (embora este último aspecto possa ser alterado pela demanda do mercado).

Outro ponto muito interessante é que este modelo não é dependente de flash externo para ter luz rebatida/angulada: o flash embutido da câmera tem ângulo variável, e assim pode ser rebatido, dando muito mais naturalidade às fotos. Ótimo para quem quer investir logo numa boa câmera e quer ter já uma boa luz com ela, mas não tem orçamento para investir já num flash externo, ainda que pequeno.

Sendo uma micro quatro-terços (micro four thirds, MFT ou m4/3), pode ser usada com as variadas opções de objetivas já existentes no mercado para este sistema (incluindo uma incrível 25mmf/0.95). A desvantagem de adotá-la é que não é lá tão fácil encontrar objetivas para o sistema aqui no Brasil, embora não seja difícil encontrar ofertas de adaptadores para utilizar objetivas da Canon, por exemplo, em câmeras m4/3 (ainda que com perda do autofoco e do controle de diafragma).

- Sony NEX-5N e NEX-7^*3 – $700 (Amazon e B&H) / 700€ / £550  e  $1700 (Amazon) / $1350 (B&H) / 1340 € / £1095

 Por elas eu parei de dizer que toda compacta da Sony é nojenta, uma encarnação do termo cyberxula (o qual nem lembro mais quem criou). Ainda acho a maioria meio ruim (pra não dizer detestável), mas as NEX me fizeram começar a mudar de ideia.

Era realmente curioso que a marca que faz boa parte dos sensores de câmeras avançadas não fosse lá muito boa na hora de fazer suas próprias. Quer dizer, as DSLRs da marca andam muito bem faladas, mas a Sony parecia não querer se dedicar muito às suas compactas. Com a série NEX as impressões minhas e do mercado mudaram: eles podem sim ter boas câmeras mais portáteis!

Começaram com as NEX-3 e as NEX-5, e algum tempo depois lançaram a NEX-7, que tem até sapata hot-shoe para flashes da Sony e controles mais dedicados e acessíveis de abertura e velocidade. Obviamente há uma diferença de preço entre elas, mas adquirindo uma NEX-5N já se tem uma câmera muito boa em mãos, se considerar o sensor APS-C com definição muito boa e nível de ruído bastante aceitável (a principal reclamação contra as cyberxulas é do alto ruído ao subir o ISO), além de ter uma pegada melhor que as compactas comuns da marca.

O ponto fraco está nas objetivas, que apesar de boas em qualidade ótica e da possibilidade de adquirir adaptadores para utilizar até modelos feitos para as DSLR, têm tamanho considerável, bem mais avantajado que as câmeras em que elas se encaixam. Não estamos tratando aqui de câmeras para colocar num bolso da calça, mas a considerar as objetivas da Lumix GX1 e da Canon G1X, ambas zoom (desconsidero a 23mm da Fuji, que é fixa), as objetivas NEX podem ser citadas como ponto negativo por quem busca qualidade mas com uma portabilidade bem atraente.

- Samsung NX200 – $800 (Amazon) / $900 (B&H) / 670€ / £460

Outra empresa entrando com gosto do mundo da fotografia! Assim como a Sony, a Samsung nunca foi uma marca especializada em câmeras fotográficas, mas resolveu aproveitar a “onda” do mercado. Porém diferentemente de outras marcas como GE, Casio e afins, a Samsung está mostrando que quer levar a sério os amantes da arte do clique, e não apenas arrancar dinheiro de consumidores ingênuos que acreditam em “marca boa” e “marca ruim”, herança de um tempo pré-divulgação massiva de informações, em que um produto era classificado como bom mais pelas propagandas e a fama alcançada pela marca, e menos pelo produto em si.

Depois de uma tentativa interessante no terreno das compactas premium com a NX100, a Samsung se superou lançando a NX200, com melhor definição e um ruído que parece-me um pouco menor que o da antecessora (mesmo com o aumento dos megapixels de 14.6 a 20.3), além de agora possibilitar uso de maior ISO (lembrando que subir muito ISO tem suas consequências) e ter uma melhor fotometria (podem reparar que nas fotos mostradas no Comparometer feitas com a NX100 as cenas estão um pouco escuras).

O lado ruim é que a Samsung é uma marca ainda pouco difundida aqui no Brasil, em termos de acessórios e etc. Além do que, a NX200 tem vida útil de bateria mais curta que a da NX100: 420 cliques contra 320 da anterior. E as NX sofrem do mesmo problema de tamanho das Sony NEX: possui objetivas generosas em tamanho (felizmente a marca prioriza versões pequenas). Há também a leve “esquentada” que a mais nova dá nas imagens, mas isso é algo facilmente corrigível via software.

créditos das imagens:
imaging-resource.com

* profissional é quem empunha a câmera e ganha dinheiro com isso, mesmo que esteja sem sua ferramenta – que aliás, não passa disso (a despeito de marca, tamanho…).

*² existem duas objetivas 14-42 para a série G da Panasonic: a G Vario 14-42 e a G X Vario PZ 14-42.

*³ este modelos diferem-se mais entre si no design e nos megapixels – as imagens são basicamente no mesmo nível, e a diferença mais substancial é na sapata para flash na NEX-7.

Dizer que vendemos a fotografia é uma afirmação correta e incorreta ao mesmo tempo. Sim, entregamos a fotografia para o nosso cliente, seja em forma de álbum, fotolivro, foto avulsa, arquivo digital, etc. Mas tudo isso é apenas uma etapa, ou sendo mais exato, é a etapa final do nosso negócio, quando entregamos o material que produzimos.

O que o nosso cliente compra na verdade é a nossa “assinatura”, a nossa técnica, o nosso “olhar”. O cliente está adquirindo, então, uma possibilidade, uma perspectiva de ter imagens que vão agradá-lo, ou não.

Ora, se o cliente compra o nosso “olhar”, então como dizer que isso não existe? Ele na verdade está comprando um quadro em branco, a pintura desse quadro não existe (ainda). O cliente confia ao artista a obra, e cabe à esse artista fazer jus aquilo que vendeu e pintar da melhor forma, sendo condizente com seu estilo.

Eis que faço a seguinte indagação: como sermos fiéis aos nossos clientes e fazermos exatamente aquilo que eles estão comprando?

É uma pergunta difícil de ser respondida!

Para respondê-la temos que deixar um pouco de lado o ego natural do artista (hipocrisia seria dizer que não há) e aceitarmos que, mesmo sendo uma opção do cliente em nos contratar, nós estamos sendo pagos para fazer aquilo que eles compraram. Tudo bem, você não precisa fotografar exatamente como o seu cliente quer, por que isso seria abandonar a sua personalidade, mas sim, você precisa ser fiel àquilo que ele comprou.

É, parece óbvio, mas não é! Se fosse tão óbvio não haveriam tantos clientes descontentes, tantas reclamações e tantos problemas como vemos hoje em dia.

Não há uma fórmula, nem um segredo, mas listo abaixo algumas dicas que talvez possam ajudar nessa venda do “bem imaterial”:

Crie um estilo

Isso é determinante na vida de qualquer fotógrafo de sucesso. A fotografia precisa ter uma assinatura pessoal do artista. Embora nem sempre possamos empregar essa assinatura pessoal em todos os trabalhos (por exemplo, a fotografia stock, ou muitas vezes na fotografia publicitária), é importante que tenhamos um estilo definido.

Cito como exemplo dois grandes fotógrafos: um brasileiro e um americano. O brasileiro é o fotógrafo Marcio Rodrigues, de Belo Horizonte, que tive a honra de ver palestrando no Estúdio Brasil 2011. Marcio consegue assinar suas obras de fotografia publicitária de uma maneira muito singular, apesar de ser este um mercado em que nem sempre é possível criar ou fugir muito do briefing da agência que o contrata. Marcio criou o seu estilo, e hoje é contratado pelas agências justamente por esta característica, e não somente por que é um bom fotógrafo que sabe iluminar bem.

O americano é o fotógrafo Dave Hill, também do mercado publicitário, e que produz imagens surreais, que muitas vezes mais se parecem com ilustração. Também criou o seu estilo, e vende (imagino que muito) devido a esse estilo.

Tenha foco

Não adianta insistir, não dá para ser muito bom em tudo! Ou você será um grande fotógrafo de casamentos ou então será um grande fotógrafo de moda. Com a prática e o estudo você até conseguirá fotografar bem em diversas áreas, e poderá ser considerado um bom fotógrafo em todas elas (talvez até ganhe muito dinheiro com isso), mas o foco traz a possibilidade de você ser ótimo, e talvez o melhor, naquela área que escolheu.

Essa talvez seja a etapa mais difícil para um fotógrafo, principalmente no começo da carreira. Quando iniciamos é natural querer pegar qualquer tipo de trabalho que vier pela frente, e isso até é muito positivo para o aprendizado e para sabermos exatamente aquilo que gostamos e o que não gostamos de fotografar. Mas não se apavore, muitos fotógrafos passam algum tempo entre diversas aéreas até focar em uma, eu ainda não consegui focar (mas estou no caminho para isso).

Embora possa parecer tudo igual, foco e estilo são coisas distintas. Você pode criar um determinado estilo e usá-lo para um editorial de moda como pode usá-lo para um casamento, ou uma peça publicitária.

Qual o tempo necessário que leva para conseguirmos focar em uma área? Infelizmente essa é uma resposta que ninguém conseguirá dar. Há bons fotógrafos que passam a vidam inteira fotografando “de tudo”, assim como há fotógrafos que já iniciam a carreira mirando numa área só.

Mas isso também não significa que você tem que ficar preso só a uma área. Conheço fotógrafos extraordinários de casamento que passeiam às vezes pela fotografia de moda e fotógrafos publicitários que se aventuram pelo fotojornalismo. Experimentar novos desafios é sempre estimulante, mas aconselho que você tenha sempre o seu porto seguro.

Tenha um portfólio atualizado

Da mesma forma que criamos um estilo, a nossa percepção sobre a fotografia é constantemente alterada. Há uma frase muito conhecida de Sebastião Salgado que diz que “você fotografa com toda sua cultura”, e nossa cultura é constantemente alterada. É claro que nossa essência permanece, mas eu considero que a fotografia reflete também muito do nosso estado de espírito, que também muda constantemente.

Se nossa cultura, estado de espírito, nossa percepção sobre as coisas, tudo isso muda, é natural que nossa fotografia também venha a mudar. Podemos manter nosso foco, manter nosso estilo, mas a experiência (a da vida profissional e pessoal) faz com que a maneira como captamos as imagens também seja alterada.

Por esta razão, é importante que você mantenha sempre um portfólio do seu trabalho atualizado, para que seu cliente conheça sempre a sua fase mais atual.

Lembro-me que o fotógrafo Vinicius Matos mostrou no Wedding Brasil de 2011 as fotos do primeiro casamento que ele fotografou. As fotos, obviamente, são completamente diferentes do trabalho atual do fotógrafo (e mais óbvio ainda que não são as fotos do portfólio atual dele), e com certeza as fotos que ele estará mostrando daqui algum tempo não serão as mesmas de hoje. O motivo? A natural mutação do fotógrafo e de sua fotografia.

Seja fiel ao seu trabalho e com o seu cliente

Muito bem, você tem um foco, criou o seu estilo e mantém seu portfólio atualizado com aquilo que faz. Seu cliente está comprando exatamente este pacote! Ele está comprando aquilo que viu no site e está comprando o seu atendimento, obviamente.

Se o seu cliente comprou essa possibilidade de ter fotos tão boas quanto ele viu no seu portfólio, então nada mais justo que você seja extremamente fiel a isso.

O que isso significa? Não experimente com o seu cliente! Lugar de experiência é quando você não está sendo pago para isso, quando você pode fazer algo sem o compromisso de acertar.

Isso não quer dizer que você tenha que ficar preso na zona de conforto, de fazer somente aquilo que pode dar certo na hora de fotografar. Fotografia é uma arte livre que nos permite criar, que por sua vez implica em errar também. Mas isso não significa que é válido fazer experimentos de técnicas que você não domina quando você precisa acertar.

Portanto se seu cliente comprou o seu estilo, mantenha o seu estilo. Se você quer mudar, ótimo, vá em frente, mas então volte até o quesito “portfólio atualizado” e faça tudo novamente, e aí então conquiste novos clientes.

Saiba o que mostrar e como mostrar o seu trabalho

Quando eu comecei a fotografar profissionalmente a fotografia digital já estava muito avançada, e pude experimentar toda a “pseudo facilidade” que um fotógrafo iniciante tem para entrar no mercado.

Digo “pseudo facilidade”, pois no começo parece ser muito fácil mesmo: você compra uma câmera, começa a ler os sites de fotografia, compra uma revista especializada, faz sua conta no Flickr e nas redes sociais e começa a divulgar o seu trabalho. Pronto!

Devido à falta de regulamentação profissional, uma simples alteração de status no Facebook e já há a autodenominação de “fotógrafo profissional” ou como está na moda hoje em dia “photographer” (sim, isso é uma crítica). Mas o caminho das pedras não é bem por aí!

A autodenominação de fotógrafo profissional (quando não se é) é um perigo para o cliente e para a imagem do próprio fotógrafo. Denominar-se fotógrafo profissional não implica imediatamente estar fazendo fotografias que tenham qualidade profissional, são coisas muito distintas.

Se para o cliente é um perigo, por estar sendo lesado e contratando algo que não condiz com o título, para o fotógrafo é um risco maior ainda, pois ter sua imagem denegrida no mercado por um trabalho mal executado pode ser irreversível.

Há um momento certo para que possamos “vender nosso peixe”, e este momento se inicia a partir de quando temos a segurança e confiança de que nosso trabalho pode ser vendido (você arriscaria tocar um concerto de piano depois de ter feito apenas algumas aulas? O princípio é o mesmo).

Além deste momento certo, que não é simplesmente dizer-se fotógrafo, há a maneira certa de mostrarmos aquilo que queremos vender.

A maneira certa de mostrarmos o nosso produto não é uma receita de bolo. Cada fotógrafo possui as suas estratégias de marketing e isso é muito pessoal. Mas há algumas dicas que se forem seguidas possuem maior chance de êxito, são elas:

- direcione o seu portfólio: aí entra o foco que falei acima. Se você é fotógrafo infantil então não adianta mostrar fotos de casamento para o seu cliente, a não ser que você ainda esteja fotografando de tudo um pouco;

- faça fotolivros: muito embora hoje tenhamos a facilidade de colocar as fotos num iPad para mostrar para o cliente, o bom e velho livro de fotografia ainda é muito mais encantador (e mostrar as fotos num tablet já não é mais uma ferramenta inovadora), o contato com o papel aproxima o espectador da imagem;

- publique poucas imagens: esse é um conselho que sempre ouvi nas palestras que fui. O questionamento que sempre ouvi dos grandes fotógrafos foi “seu cliente vai contratar você por causa de 20 imagens ou por causa de 100?”. Eu acho que isso explica tudo;

- mostre o que você tem de melhor: seguindo o conselho acima, é muito mais válido você postar 20 das suas melhores fotos do que publicar 50 fotos entre boas e medianas (e deixar seu cliente na dúvida se você é bom ou é mediano). Mas atenção: se você é fotógrafo de casamentos, por exemplo, é importante também que tenha um portfólio completo de um só trabalho, mostre para o seu cliente como você “conta a história”.

Cuidado com a sua imagem

Num mundo cada vez mais virtualmente social esse é um conselho crucial. E este conselho liga-se umbilicalmente ao primeiro, sobre criar um estilo. Você não precisa deixar sua autenticidade de lado, mas demonstrar ser condizente com o estilo que você se definiu é muito sensato!

Por exemplo: se você é um fotógrafo de casamentos não é muito bom para sua imagem postar fotos ou frases machistas no seu Facebook. Você até pode ser um chauvinista, mas precisa se conter se diversas noivas (e possíveis clientes) estarão lendo e vendo aquilo que você publica. Não precisa parecer o mais sensível dos homens, mas também não precisa demonstrar ser o pior dos trogloditas.

É, esse conselho também parece bem óbvio, mas o cuidado com a imagem tem que ser diário e é muito fácil negligenciar esse conselho. Lembre-se: seu cliente está comprando seu estilo, seja condizente com ele.

Essas são as minhas dicas, baseadas na minha própria experiência e estudos e também naquilo que eu aprendi com diversos grandes fotógrafos nos congressos que tenho ido.

Espero que possam funcionar com vocês também, e como eu falei: não é uma receita de bolo, mas os ingredientes são mais ou menos esses!

Se tiverem sugestões, críticas, comentários, fiquem a vontade, a casa é de vocês!

Um abraço!

Antes vou contar uma história, a minha. Quando comecei a fotografar elegi meus ídolos, entre eles estavam Philippe Halsman com sua espetacular foto Dali Atomicus ou seus belíssimos retratos em capas da revista Life, ali estavam as pinturas de Salvador Dali e seu surrealismo que para mim era como mágica pintada em tela, também estava um filme que até hoje é meu mantra visual, 2001, de Stanley Kubrick, e suas composições que conseguiam ser planas e profundas ao mesmo tempo, com sua luz que conseguia ser chapada e contrastada ao mesmo tempo, entre outras referências.

Em todas as minhas referências eu não questionava se Kubrick filmava com 35 mm, Super 35 mm, com uma Arri ou Panavision. Pouco me importava se Dali pintava com óleo ou acrílica e tão pouco ligava para se Halsman iluminava com flash ou luz contínua, se era médio formato ou 35 mm. Minhas dúvidas se relacionavam às idéias, como elas tinham surgido, como foram possíveis, como aquela estética surgiu, de onde vinha a criatividade.

A técnica sempre me pareceu algo dentro do reino das obviedades, algo que com treino, tentativas, erros e um pouco de estudo, cedo ou tarde seria dominada. Saber os diafragmas, os filmes, o ISO, os formatos de câmera, as funções de cada botão do equipamento etc., isso existe em livros, em manuais etc., mas a estética e a idéia, onde elas estavam?

Essa era minha inquietação quando comecei e ainda é hoje. Ela me faz ir a museus e ficar olhando pinturas, faz ir ao cinema para ver como textos, roteiros e falas viram imagens poéticas, me leva a ver o trabalho de outros fotógrafos e tentar compreender de onde surgiram as idéias. O como foi feito é detalhe, nada que treino, estudo e muitas tentativas não resolvam, mas o máximo que isso me traria seria conseguir copiar a técnica, mas jamais me traria uma idéia tão boa quanto a original. Esse sou eu, um sujeito inquieto e curioso sobre a estética, a harmonia, a criatividade e as idéias.

Além de atuar diariamente como fotógrafo e cinegrafista, sou professor de fotografia e vídeo nas escolas Riguardare, Instituto Internacional de Fotografia e Instituto Candela, e sou  colunista e colaborador aqui do FotografiaDG e da revista Digital Photographer Brasil.

Dentro desse mundo, o de quem ensina e escreve sobre o assunto, além de viver dele, considero que tenho uma responsabilidade imensa para com quem quer aprender, para com aqueles que entram em sites e compram revistas buscando conhecimentos dos mais diversos, sejam eles dentro do universo da técnica ou das idéias.

Essa responsabilidade é grande pois se falar ou escrever uma bobagem, terei de alguma forma feito muita gente acreditar que aquela bobagem tem valor ou pertinência, daí a necessidade de me manter atualizado, estudando, pesquisando, debatendo com alunos e colegas de profissão sobre tudo o que cerca nossa atividade, e de manter uma mente aberta para as artes, manifestações culturais, questões sociais e tudo aquilo que compõe o mundo ao nosso redor.

É verdade que manter a mente aberta não significa aceitar ou concordar tudo o que vejo, isso inclui muitos auto proclamados artistas que em minha opinião produzem muito lixo embrulhado em belos discursos, mas essa parte é assunto para outro artigo em outra oportunidade. Só devo dizer que em todos os tempos, inclusive os atuais, sempre há muita coisa boa sendo produzida, e muita porcaria.

Voltando ao ponto, dessa noção de responsabilidade, unida à minha natural inquietação sobre a criatividade, surgem vários questionamentos e inconformismos e colocarei alguns deles aqui:

1 – Não consigo me conformar quando fotógrafos sem experiência nem aprendizado em didática se propõe a oferecer cursos e workshops por aí, pois ensino não deveria ser apenas uma questão financeira e sim uma questão de responsabilidade social e cultural. Quem ensina o que mal sabe está fazendo um mal à sociedade e está ignorando as responsabilidades que assumiu como formador de opinião e propagador de informações.

2 – Igualmente não consigo me conformar quando escolas de fotografia aceitam oferecer cursos e workshops que apenas propagam obviedades que seriam encontradas gratuitamente na internet ou folheando o manual da câmera ou ainda perguntando para um colega mais experiente. Esses cursos apenas tiram dinheiro de pessoas desinformadas. Um curso básico ou uma publicação voltada a iniciantes nunca deveria se contentar em apenas dizer qual botão faz o quê e qual regrinha de composição deixa algo mais ou menos estético, desde o básico as pessoas deveriam ser incentivadas a ver além e buscar se aprofundar. Um bom curso básico ou uma boa revista voltado a iniciantes deve falar de regra dos terços sim, mas deve dizer de onde ela veio e mais importante, que existem milhões de outras formas de harmonizar uma imagem. Devem dizer qual botão faz o que? Sim, mas devem também falar das relações disso com a luz, com a arte e com a estética. Ditar regras é fácil, qualquer ditador faz isso, por outro lado fazer refletir, pensar e se inquietar com as coisas, essa é a função e responsabilidade de professores, escolas e publicações.

3 – Jamais vou entender as pessoas que buscam cursos querendo apenas saber qual botão faz qual coisa em suas máquinas sem sequer fazer testes para saber o efeito de tal botão numa imagem. Não sei se essas pessoas são vítimas de cursos e publicações equivocados como os descritos em minhas perguntas 1 e 2, ou se são apenas preguiçosos. Mas aí repito, a função do educador, orientador e de quem resolve escrever e publicar sobre o assunto é ir além para provocar a inquietação, se conformar com a preguiça ou com a falta de preparo alheia é errado.

4 – Por quais motivos tanta gente se ofende com um comentário negativo sobre uma foto na internet ou mesmo em sala de aula? Qual a razão de pessoas buscarem tanto elogios fáceis, maternais e se negarem a receber negativas sobre sua obra, mesmo que sejam iniciantes recebendo feedback de pessoas experientes? Faça um teste e critique educadamente mas severamente uma foto que você tiver achado muito ruim de alguém e veja a reação da pessoa. Sites como Flickr, Orkut e Facebook viraram um mar de elogios fáceis a absolutamente tudo que ali é publicado e quando alguém levanta a voz para uma crítica, por mais suave que seja, é confrontado com argumentos do tipo “isso é questão de gosto”. Não, não é questão de gosto, a crítica artística vai muito além do gostar e não gostar, qualquer um pode não gostar de algo e entender o valor artístico, ou gostar de algo que sabidamente não tenha valor nenhum, no entanto no mundo internético pare difícil o ato da crítica ser entendido sem que o criticado ache que é questão pessoal, ou de um simples gostar/não gostar.

5 – O que leva tanta gente a se preocupar se um fotógrafo fez uma foto com câmera de marca X ou Y, se ele usou um obturador assim ou assado, se usou ou não usou o photoshop, e tão pouca gente perguntar qual deve ser o histórico cultural daquele fotógrafo que o levou a ter aquela idéia?

6 – Por que é tão complexo para a maioria das pessoas entenderem que grandes obras só nascem de grandes esforços e não de coisas simples que um truque pronto resolva? Lembrando que Picasso chegava a fazer 300 esboços para um quadro e que Kubrck chegava a rodar uma mesma cena 100 vezes para tirar o máximo de seus atores, então por que tanta gente acha que fotografando uma vez por semana, tendo uma aulinha aqui e ali, usando um preset de Lightroom e postando suas fotos no Facebook estaria produzindo grande arte a ponto de não poder receber críticas ou não perceber que precisa ir mais fundo em seus estudos e pesquisas? O que impede as pessoas de ir além, estudar, ler, praticar mais e sofrer um pouco para poder colher resultados realmente satisfatórios?

A fotografia, como qualquer arte, para obter grandes frutos, necessita de grandes esforços, que incluem estudo e treino. Grandes fotos não nascem do acaso, não nascem do qualquer, e sim do preparo, do olhar aguçado, da soma de técnica e estética, do controle da luz, da interpretação da luz para que a mensagem seja levada adiante.

Não consigo pensar nessas perguntas sem lembrar da caverna de Platão e daquele único sujeito que conseguiu sair da caverna e ver a origem das sombras. Afinal, qual a razão para apenas um querer ver além da sombra?

Assim gostaria que meus amigos, leitores, colegas e alunos que passam por aqui, poderiam tecer seus comentários sobre as perguntas que fiz acima? E também à pergunta título, onde estão os inquietos?

Nos vemos em breve,

[]’s

Armando Vernaglia Jr.
www.vernaglia.com.br

Siga-me no Twitter @VernagliaJr

Sobre o enquadramento, teremos a principio, três possibilidades, o vertical, o horizontal e o corte quadrado. Cada um desses tem um sentindo fotográfico de maior relevância e uso de mercado mais comum. Entender esses pontos será fundamental para que o fotógrafo potencialize a visibilidade de seu trabalho e atenda de maneira adequada seus clientes.

As inscrições já estão esgotadas, então quem ficou de fora agora só ano que vem! Mas quem não for poderá conferir tudo o que acontece no evento através aqui do Fotografia DG. Eu estarei presente no evento fazendo toda a cobertura destes 3 dias de palestras e trazendo pra vocês tudo que acontece por lá!

E para dar um gostinho do que teremos por lá essa semana, o Fotografia DG entrevistou um dos fotógrafos palestrantes da Semana da Fotografia e que é considerado uma revelação dentre a nova geração: Primo Tacca!

Fotografia DG: Como foi a decisão de largar outra área profissional para se engajar somente à fotografia? E como foi depois a decisão de focar só em uma área?

Primo Tacca: A arte sempre me mostrou todos os sinais, na verdade eu é que não dei olhos para isso o tempo todo. Estava atrelado ao modelo de família tradicional de cidade pequena onde os pais esperavam que você fosse bem sucedido em uma profissão seguida de uma carreira sólida. Depois que eu sai de casa e conheci pessoas diferentes é que eu pude decidir por conta própria o que fazer. Tive uma breve passagem pela música, mas foi somente em 2008 aos 28 anos que eu senti que era com a fotografia que eu iria dar vazão a criatividade. Depois disso tudo começou a acontecer muito rápido. Um dia 8 outro 80, simplesmente decidi: Agora sou fotógrafo. A partir daí baixei a cabeça e estudei muito fotografia. O foco em uma área veio da vontade de fotografar o que eu mais me sentia bem. Eu acredito na setorização da fotografia. Fotógrafos de casamento tem seus trejeitos que são totalmente diferente dos trejeitos de um fotógrafo de gestantes, ou seja, ambos podem fazer a mesma coisa, mas nunca com a mesma excelência.

DG: Muitos fotógrafos tem a dúvida se compensa montar um estúdio ou fazer locação quando precisam. Você que já passou pelas duas situações, o que acha mais viável e qual conselho pode dar?

Primo Tacca: É só com estúdio que um fotógrafo pode atender seus clientes com excelência, então o fotógrafo precisa ter um estúdio sim, por mais que a maioria dos seus trabalhos sejam 90% em locações externas.

DG: Na sua palestra da Semana da Fotografia vai falar sobre “O Segredo de fazer Books”. Há algum conselho que possa dar para os nossos leitores que fotografam nesta área?

Primo Tacca: O meu melhor conselho é: Só uma equipe refinada pode garantir um trabalho diferenciado com um ótimo atendimento.

DG: Quais são suas principais referências e a literatura que mais recorre para estudar?

Primo Tacca: Por incrível que pareça as minhas referências a maioria vem dos filmes que eu assisto. Hoje em dia temos Oscar para melhor fotografia então temos filmes que são verdadeiras aulas de fotografia e iluminação. Cito alguns filmes preferidos para fotógrafos: O curioso caso de Benjamin Button e Sin City,

DG: Ainda falando dos books, como é feita a escolha do conceito para um ensaio?

Primo Tacca: Reunião com a cliente decide muito, ela precisa mostrar como ela quer se sentir e a nós transformamos essa vontade em ideias, então o conceito parte da cliente. Muitas vezes a cliente chega e prefere que a gente defina tudo, a partir daí nós fizemos um estudo de personalidade e combinamos isso com o perfil da modelo.

DG: Como você vê o futuro da fotografia publicitária e de moda? Acha que o mercado ainda é crescente ou já está saturado?

Primo Tacca: O mercado ainda tem muito o que crescer e melhorar. Hoje com a internet temos redes sociais focadas em apresentação de portfólio e troca de contatos, então nosso alcance passou a ser mundial e não mais local, não precisamos mais ficar limitados a clientes locais podemos levar nossos serviços e portfólio para qualquer lugar do mundo. O que eu vejo que falta ainda são trabalhos diferenciados e muitas pessoas esperando as oportunidades aparecerem quando o negócio está em criá-las.

DG: Você retomou o projeto chamado “Quando a fotografia se faz arte”, pode adiantar um pouco de como será essa nova etapa?

Primo Tacca: Na verdade eu ainda não retomei este projeto mas tenho planos para retomá-lo este ano. Eu fiz 17 imagens em uma primeira etapa. Durante a produção dessas imagens eu senti dificuldade em alguns pontos do processo criativo, então decidi congelar por um tempo para adquirir novos conhecimentos. Também conta o fato de que eu voltei a ter estúdio próprio.

DG: As inscrições para a Semana da Fotografia já se esgotaram, para quem ficou de fora, ou os fotógrafos de outras cidades, há Workshops já agendados para este ano?

Primo Tacca: Sim! No dia seguinte a semana da fotografia eu vou divulgar as primeiras datas dos workshops. O planejamento é para 12 cidades até o final do ano! O dobro dos workshops organizados no ano passado.

Conheça o trabalho de Primo Tacca no seu website pessoal em www.tacca.com.br

Engano meu! Já no começo do livro dá para entender por que o livro é um Best Seller mundial, com lançamento exclusivo no Brasil pela Editora Photos e que pode ser adquirido na Loja do Fotografia-DG por R$ 115,00 + Frete.

O livro escrito pelos experientes fotógrafos Fil Hunter, Steven Biver e Paul Fuqua é um verdadeiro manual sobre o comportamento da luz.

O livro divide-se em 10 capítulos, sendo:

Capítulo 1 – Como aprender a iluminar
Capítulo 2 – Luz: Matéria-prima da Fotografia
Capítulo 3 – O Controle da Reflexão e a Família de Ângulos
Capítulo 4 – Aparências de Superfície
Capítulo 5 – Revelando Forma e Contorno
Capítulo 6 – Metal
Capítulo 7 – O Caso do Vidro Desaparecido
Capítulo 8 – Um Arsenal de Luzes
Capítulo 9 – Os Extremos
Capítulo 10 – Traveling Light

Os dois primeiros capítulos são um estudo detalhado sobre a luz, seu comportamento e suas propriedades físicas. A partir do terceiro capítulo iniciam-se as lições mais práticas, trazendo conceitos de forma aprofundada,  sobre como a influência da aparência da superfície na reflexão e absorção da luz.

A maioria dos capítulos a seguir tratam a respeito da fotografia de objetos (conhecida como fotografia still), com análise de exemplos práticos clicados pelos autores do livro.

Dentre as superfícies citadas pelos fotógrafos estão aquelas de maior dificuldade encontradas pelos fotógrafos: vidro, metal, líquidos, objetos brancos sobre fundo branco, objetos pretos sobre fundo preto e superfícies brilhantes.

Os capítulos ainda destacam detalhadamente como iluminar corretamente para revelar forma e contorno, a diferença entre a iluminação Low-Key e High-Key, como aproveitar da iluminação ambiente para fotografar retratos, como escolher o flash certo, maneiras de melhorar a qualidade da luz e ainda sobre como fazer uma iluminação de estúdio numa locação.

Embora haja um capítulo específico para tratar da fotografia de retratos, os fotógrafos que forem em busca deste livro querendo aprender mais sobre estas técnicas talvez possam se decepcionar um pouco. Isso por que há pouco em todo livro abordando a fotografia de retrato, mas como este é um livro que fala sobre iluminação em geral, isso não chega a ser um problema.

E digo que não é um problema por que nós fotógrafos precisamos, antes de tudo, saber como a luz se comporta, precisamos dominá-la. E só saberemos isso se fizermos um estudo aplicado sobre iluminação. Aprendendo a iluminar bem qualquer superfície ou objeto, fica muito fácil aplicar os conceitos a qualquer tipo de fotografia, seja ela a própria fotografia publicitária, a fotografia de moda e até mesmo de casamento.

Portanto, quando digo que talvez os fotógrafos que buscam a fotografia de retratos como tema principal talvez possam se decepcionar, é que o livro não aborda qualquer conceito sobre direção ou conceito de retratos, e sim uma abordagem profunda sobre iluminação.

Para os fotógrafos iniciantes talvez o livro possa parecer um pouco complexo, devido à conceitos e termos que já são comuns a quem está um pouco mais de tempo estudando fotografia. Eu recomendo que, para estes fotógrafos,  comecem pelos outros livros que citei no começo do post, ou seja:  Guia de Iluminação para Fotógrafos – A luz perfeita e o livro Iluminação em Estúdio (que apesar do nome não se restringe à fotografia de estúdio, podendo ser os conceitos aplicados também à fotografia em locações externas).

Para os que buscam também aprender sobre fotografia de retrato, além da iluminação, recomendo os livros Fotografia de Retrato e o ótimo livro Book – Direção de Modelos (todos da Editora Photos que podem ser comprados na Loja Fotografia-DG). Estes livros complementam todas as informações contidas no livro em análise neste post.

Em suma, o livro Luz, Ciência e Magia, com suas 340 pagínas, é altamente recomendado e faz jus ao sucesso mundial entre os fotógrafos. Não é um livro para ser adquirido, lido e guardado na estante, mas sim um guia de estudos para consulta constante.

Para os fotógrafos mais experientes, e já acostumados com os conceitos, o livro também é uma ótima fonte de informação e referência, além de ser uma boa maneira de relembrar aprendizados as vezes esquecidos (ou não praticados, que também nos leva ao esquecimento).

A busca pelo aprendizado aliado com a prática faz com que possamos nos destacar no concorrido mercado de fotografia, portanto vale a pena cada centavo investido!

Abaixo um pouco de informação sobre os autores do livro:

Fill Hunter, Virginia, USA, é um fotógrafo comercial altamente respeitado especializado em still e fotografías com efeitos especiais para anúncios e ilustração de editorial em uma carreira que atravessa três décadas. Trabalhou para clientes como US News& World Report, Time Life Books e National Geographic. Leciona fotografía em Universidade e têm prestado consultoria técnica em varias publicações fotográficas. Recebeu por três vezes o premio Virginia Professional Photographer.

Steven Biver, Virginia, USA, tem mais de vinte anos de experiência como fotografo comercial especializado em still, retratos, fotomontagem e manipulação digital. Sua lista de clientes inclui DuPont, Johnson & Johnson, IBM, entre outros. Foi homenageado com prêmios do Communication Arts, Graphis, Addy, AR100, Print Magazine e Adobe, que incluiu seu trabalho em “extras” do Photoshop para inspirar outros fotógrafos.

Paul Fuqua, Virginia, USA, iniciou com sua empresa de produção audiovisual em 1970. Dedicação ao ensino através do visual, Fuqua escreveu e produziu material educacional e de treinamento em uma variedade de campos, incluindo direito, ciência e natureza. Sua fotografia o leva ao mundo todo.
Até a próxima! Boa sorte e muita luz para todos!

Neste mês de fevereiro tivemos ainda o sorteio de um vale comprar no valor de R$ 50,00 no Banana Foto, para os leitores que acompanham e compartilham as dicas do projeto.

Para quem ainda não conhece o projeto, vale a pena seguir os autores: @diogoframos e @VernagliaJr, além é claro do próprio perfil do @fotografiadg, e acompanhar diariamente as dicas postadas, além de poder participar dos sorteios que teremos até o final do ano!

Dicas de Fevereiro

Dia 1 – #DicaDG: Aprenda a dizer não, se você não é o profissional adequado ao trabalho, não aceite fazê-lo.

Dia 2 – #DicaDG: Não tenha medo de indicar, se há outro profissional mais indicado para um trabalho, indique.

Dia 3 – #DicaDG: fotografia é mais sobre resultado do que sobre processo, o que se vê é mais importante do que o como foi feito.

Dia 4 – #DicaDG: iluminação pressupõe pensar em 3 luzes: principal, preenchimento e contra luz, mesmo que não use todas.

Dia 5 – #DicaDG: Infelizmente a compra de um novo equipamento não melhora nossa fotografia, sendo assim, estude e pratique.

Dia 6 – #DicaDG: com luz, lembre que a intensidade aumenta ou diminui conforme a distância da luz ao objeto fotografado.

Dia 7 – #DicaDG: luz mais próxima ao modelo fica mais suave, luz mais distante fica mais dura e projeta sombras delineadas.

Dia 8 – #DicaDG : para desfocar o fundo da imagem, use aberturas de diafragma
amplas, como f2 e f2.8

Dia 9 – #DicaDG : Sombrinha é um difusor de luz barato e super eficiente que você pode encontrar facilmente em lojas e sites especializados.

Dia 10 – #DicaDG : fotos que tenham contrastes, linhas e grafismos marcantes
funcionam bem ao ser convertidas para PB

Dia 11 – #DicaDG : Quer fotografar paisagens? Invista em um bom tripé e em um cabo disparador (ou controle remoto).

Dia 12 – #DicaDG : Muitos vídeos online sobre fotografia? No Youtube, busque
por “Digital Photography 1 on 1″ São + de 200 episódios!

Dia 13 – #DicaDG : estudar fotografia e artes, todos os dias 4hs por dia não é
muito se você quer se profissionalizar na área.

Dia 14 – #DicaDG : em fotografia de ambientes, aproveite ao máximo a luz
existente no ambiente, ela dá o clima da foto.

Dia 15 – #DicaDG : o fotômetro da câmera erra sempre que você tentar medir
objetos muito claros ou muito escuros.

Dia 16 – #DicaDG: Leia a série: A Câmera, A Cópia, O Negativo, de Ansel Adams. Embora escritos há mais de 50 anos serão sempre contemporâneos.

Dia 17 – #DicaDG : busque referências em outras artes além da fotografia,
estude cinema, pintura, música etc.

Dia 18 – #DicaDG : um bom curso de história da arte vale mais para o fotógrafo
que muito cursos de fotografia

Dia 19 – #DicaDG : se você não sabe qual é a melhor lente ou câmera para fazer
um trabalho , não aceite o trabalho e invista em cursos.

Dia 20 – #DicaDG : Flash de Estúdio (tochas) x Flash Remoto: flashs remotos são mais leves e portáteis, mas não possuem luz de modelagem.

Dia 21 – #DicaDG: evite fotos tremidas, ajustando tempo de obturador num
intervalo numericamente igual ao comprimento de sua lente.

Dia 22 – #DicaDG : Quer ganhar dinheiro com fotografia? Não deixe de ler o E-book http://www.fotografia-dg.com/ebook-ganhar-dinheiro-na-fotografia-disponivel-para-download/

Dia 23 – #DicaDG : Na composição fotográfica as linhas horizontais transmitem a sensação de tranquilidade e estabilidade.

Dia 24 – #DicaDG : A iluminação lateral enfatiza a textura das superfícies, enquanto a luz difusa faz com que a textura seja suavizada.

Dia 25 – #DicaDG : o para sol da lente é a melhor proteção que existe contra
impactos, use sempre.

Dia 26 – #DicaDG : mesmo sob luz abundante, o flash pode ser usado para tirar
sombras e dar brilho aos olhos.

Dia 27 – #DicaDG – Ao fotografar shows e espetáculos prefira a fotometria pontual (Spot) e faça o cálculo de luz nos personagens e não cenário.

Dia 28 – #DicaDG – Não tenha vergonha de ter pouco equipamento, algumas das melhores fotos foram feitas com equipamento mínimo.

Dia 29 #DicaDG – As sombras definem a forma do que foi fotografado, uma luz totalmente sem sombras fica “chapada” e sem vida.

1) CURSOS PRESENCIAIS EM 7 MÓDULOS:
Início, Terça-feira     dia 20/03 (das   9.00 as 12.00 h)
Início, Segunda-feira   dia 26/03 (das  19.00 as 22.00 h)
Início, Aos Sábados     dia 14/04 (das  9.00 as  16.00 h)

Módulo 5 – Fotojornalismo
Início, Segunda-feira     dia 19/03 (das 19.00 as 22.00 h)

Veja mais informações sobre cursos presenciais: http://focusfoto.com.br/calendario-de-cursos-presenciais/

2) CURSOS VIPS DE FOTOGRAFIA – AULAS INDIVIDUAIS – em 10 módulos – INICIO IMEDIATO!
Veja maiores informações: http://www.escolafocus.com.br/workshop.htm

3) CURSOS DE FOTOGRAFIA A DISTANCIA EAD em 8 módulos – INICIO IMEDIATO!
Veja mais informações: http://www.escolafocus.com.br/curso.de.fotografia.a.distancia.htm

4) CURSOS DE FOTOGRAFIA PARA CÂMERAS COMPACTAS
Veja mais informações: http://focusfoto.com.br/cursos/curso-de-cameras-compactas-para-fotografos-amadores/

Fotógrafos mais iniciantes tendem a ficar imediatamente nervosos e ansiosos: fotografar estes pequeninos seres exige muita prática e paciência. Mas existem coisas que podem ser feitas para ajudar sua sessão a transcorrer tranquilamente.

Fotografia de recém-nascidos é geralmente o tipo de evento em que só se tem uma chance, e para que ela seja a melhor possível o bebê não deve ter mais de 20 dias de idade. Quanto mais novo, melhores serão as fotos pois eles ainda são muito maleáveis e possuem o sono muito pesado. Por isso, é necessário que seus clientes sintam-se completamente confortáveis  e confiem em você. Estas sessões são uma via de mão dupla: você vai preparado com suas ideias, câmera, todo equipamento, etc. Seu cliente também tem a responsabilidade de ajudar a sessão a ser o máximo que ela pode ser. Eu envio a meus clientes toda a informação antes do agendamento e peço que leiam novamente conforme o dia se aproxima, coisas como: a temperatura da casa, o andamento da sessão e principalmente a flexibilidade dos horários da alimentação do bebê. Este último geralmente é o motivo de uma sessão dar certo ou errado; se o bebê não estiver completamente saciado será muito difícil coloca-lo em sono profundo.

Eu sou uma fotógrafa que trabalha ‘on-location’ e com luz natural. Na maioria das vezes, eu vou à casa das pessoas e peço que me confiem seu mais valioso bem. Nada mais justo que eu haja de forma a tornar tudo o mais tranquilo possível. Se tiver uma pilha de sapatos próxima à porta e ambos os pais não estão calçados, tire seus sapatos! Após terminar de arrumar seu equipamento, lembre-se de parar e lavar suas mãos antes de pegar o bebê.  Pequenas atitudes demonstram profissionalismo e preocupação genuína.

Muitos clientes escrevem para eu e meu marido procurando por fotos de recém-nascidos em ambientes externos, algo que me deixa sempre muito satisfeita. No entanto, muitas precauções devem ser tomadas antes de aceitar este tipo de trabalho: sempre procuramos locais calmos e sem qualquer tipo de interrupção, seja ela qual for. Esta procura e escolha do local devem ser feitas dias antes das fotos, para que você não fique andando por aí com um bebê recém-nascido e seus pais preocupados. Tenha em mente algumas opções de locações caso alguma dessas não esteja disponível por algum motivo, imprevistos acontecem. As fotos externas são feitas no menor tempo possível, e com o dobro de cuidado. Toda área deve ser inspecionada anteriormente para a total ausência de perigos como animais, insetos, etc. O horário é extremamente importante, e as fotos só devem ser feitas em horário de sol baixo, seja bem no comecinho da manhã ou no final da tarde, por isso as lentes claras são de grande valia. É impraticável, perigoso e anti-ético levar um bebê recém-nascido para o sol da tarde, mesmo com o consentimento dos pais.

Se você não se sentir seguro para realizar externas com crianças tão pequenas, seja sincero e sugira uma sessão indoor. Lembre-se que você foi escolhido para realizar este trabalho, por isso faça valer a confiança em você depositada.

Bebês em geral possuem um guarda roupa maior do que o de todo o resto da família, e as mães não têm medo de usá-lo. No entanto, as fotos ficam muito melhores com eles de maneira natural sem roupas, que tendem a amassar, juntar e formar montanhas de panos e distrações. Talvez alguma roupa muito significativa (usada por algum dos pais/irmãos, por exemplo) possa refletir uma excelente lembrança, porém não deixe que sua sessão transforme-se em um desfile de moda: o bebê irá se irritar com muita rapidez e tudo estará perdido pelo dia.

Às vezes sinto que levo toda minha casa para uma sessão de recém-nascido. Lembre-se que muitas coisas podem dar errado no que diz respeito a materiais, não tenha medo de levar muitos cobertores e mantas extras. É sempre melhor sobrar do que faltar: bebês fazem xixi, golfam, e toda a enorme gama de técnicas que eles possuem para sujar. Após cada sessão todos os seus materiais devem ser lavados com sabão específico para bebês e guardados separadamente em local seco e limpo à espera do seu próximo pequenino.

Quando eu chego à casa do cliente, sempre pergunto qual o cômodo com mais luz natural. Tome cuidado com a hora do dia e a direção para onde o sol irá girar, você não vai querer perder o sol ou que ele caia diretamente onde você está fotografando (caso não tenha uma cortina para suaviza-lo). Eu tento utilizar meus arredores o máximo possível para limitar o entra e sai do cômodo, mas se não tiver uma cadeira ou outro móvel onde eu possa prender meus cobertores, eu utilizo um stand.

Não espere que o melhor cômodo também terá a melhor mobília esperando por você. Não espere sequer que qualquer cômodo da casa terá a mobília disponível para que você trabalhe. Leve sempre todo o necessário para realizar sua sessão, e isso inclui almofadas, pufes, móveis específicos, cestos, baldes, etc. Uma vez montado o cenário desejado, lembre-se de tirar fotos em diversas orientações (retrato/paisagem) e posições. O que parece o ideal no momento talvez não seja o melhor na sala de edição, e assim evitam-se arrependimentos.

O andar das sessões é sempre diferente: se o bebê estiver agasalhado e saciado, geralmente será o bastante e ele cairá no sono o suficiente para tirar as roupas e ser colocado na pose. Se o pequenino ainda estiver lutando contra o sono, faço as fotos de família primeiro: o bebê estará confortável no colo da mamãe e do papai para uma série de fotos e geralmente cai no sono, que ainda durará o bastante para mais uma hora de fotos sozinho. Aqui é onde a importância da alimentação entra: quando um bebê está cansando e lutando para dormir, 99% das vezes basta apenas um pouco de leite. Isso pode fazer toda a diferença nas fotos dormindo.

Antes de começar a fotografá-lo sozinho, tenha em mente as fotos que deseja fazer. Já saia de casa com uma pequena lista mental do que pretende fazer, para não correr o risco de ter um bebê dormindo tranquilamente e nenhuma foto.

Faça estas  ‘fotos de segurança’ nos primeiros momentos e quando tiver a seleção pronta comece a ficar mais criativo com ideias e ângulos. Para que o bebê fique calmo e continue dormindo ainda que sem roupas é necessário que o cômodo esteja quente. Quando eu digo quente, é realmente quente. Se você estiver suando mesmo em roupas frescas, provavelmente o bebê estará feliz e continuará colaborando.

As melhores lentes a serem usadas são as de grande abertura (número f pequeno), pois elas permitirão trabalhar em ambientes de pouca luz.  Como qualquer retrato, você quer uma luz por igual por isso evite usar o flash a qualquer custo. Além de comprometer o resultado final do trabalho, dando uma aparência lavada à imagem, o flash causa uma interrupção da atmosfera calma e tranquila que você vem tentando criar.

Eu amo todos os lindos acessórios, toucas, laços, etc, porém não se esqueça de fazer imagens sem eles, que tenham o bebê como o único ponto focal. Não se esqueça de capturar os detalhes, as crianças crescem rápido e logo mudam quase que completamente: mãos pequeninas, pés delicados, orelhas, cílios, lábios, fios de cabelo, são todos pequenas partes de um registro completo. Não deixe de capturar os pais com o bebê entre uma foto e outra, e pegue momentos espontâneos e descontraídos: nem toda foto precisa ser minimamente preparada.

Para enfatizar as pequenas proporções dos bebês, não deixe de registrá-lo perto de algo que possa mostrar  seu tamanho: um urso, os pais, algum objeto significativo para a família.

Muito cuidado com a criatividade, ela sempre termina onde a preocupação com a segurança começa. Tenha certeza de seus limites como fotógrafo e de maneira alguma use o filho dos outros como cobaia. Ao coloca-lo em posições diferentes, saiba de antemão o que é ou não seguro e se for necessário faça um composite no photoshop. Para chegar a determinadas posições, peça sempre a ajuda da mãe para posicioná-lo deitado de forma simples e vá modificando aos poucos a pose, respeitando os limites do bebê. Nem todos colocam as mãos sob a cabeça, nem todos gostam de ficar de bruços e nem todos sorriem. Quanto mais novos forem, maiores as chances de não terem ainda uma predileção por alguma posição.

Caso não consiga fazer nenhuma foto totalmente inovadora e complexa, não se preocupe! A beleza está na simplicidade das pequenas coisas.
Caso o bebê demore a dormir, aproveite para fazer fotos com ele acordado e assim registrar a cor dos olhos e as expressões.

Começando por cobertores, quando estão devidamente colocados eles podem emoldurar lindamente o rostinho do bebê.

Muitas vezes fazemos somente as fotos com os bracinhos do bebê bem enrolados no cobertor, e acabamos esquecendo que eles também podem fazer coisas fantásticas. Sempre que possível, deixe-os soltos e veja o que pode acontecer.

Ainda sobre braços, use os braços ou mãos dos pais para estruturarem uma foto.

Brinque com os ângulos e veja o que funciona. Tire fotos de todos os ângulos, e deixe para decidir qual o melhor quando estiver editando. É sempre melhor ter fotos demais do que se arrepender por não ter tentando algo de outro lugar.

Que tal utilizar os móveis e acessórios cuidadosamente escolhidos para sua casa/estúdio ou para a casa do seu cliente? Lembre-se sempre da segurança em primeiro lugar e não tente algo que pareça perigoso.

Paciência é a chave para que seu trabalho transcorra tranquilamente. Durante uma sessão de recém-nascido você provavelmente irá parar mais de 10 vezes para que o bebê mame, troque fraldas, pare de chorar ou volte a dormir. Procure não marcar outras sessões para horários próximos, pois as chances são que você não conseguirá chegar nela a tempo.

Bebês crescem rápido, e ao ser escolhido para fotografar este momento tão especial na vida de uma família lembre-se que estas devem ser as melhores lembranças de uma época que não volta. Faça com que tragam sempre um sorriso no rosto de quem as vê.

Fotografia DG: Como você começou na fotografia?

Luringa: Foi bem moleque ainda… Só para dar um panorama, eu sempre gostei de música e fiz parte de bandas. Queria viver da música, me identificava com isso. Só que minhas bandas nunca deram certo. Lá por 2000/ 2001 fui num show de uns amigos para ajudar a vender camisetas e nesse dia levei a minha câmera fotográfica. Foi bem no início das câmeras digitais, eu tinha uma dessas câmeras simples e não entendia nada de foto. Os caras me pediram para fotografar o show e isso acabou sendo o meu start, quase sem querer. As fotos ficaram tão legais que até eu me surpreendi. Comecei a ir a todos os shows. Nessa época não tinha quem fizesse isso no cenário underground.

Fotografia DG: E você foi se especializando depois?

Luringa: Entrei na faculdade em 2001 e tive aulas de fotografia, mas não cheguei a ter câmera analógica, já ingressei direto nesse lance digital. Fiz uns cinco shows com aquela minha câmera. Nesta altura eu já trabalhava no Jornal esportivo “O Lance”, com edição de imagens e um amigo que trabalhava comigo me emprestou uma Cannon Rebel 300D. Paralelamente ao meu trabalho no jornal, continuava fotografando bandas. Comecei a trabalhar com o Dead Fish, que era bem conhecido no meio underground. Através deles conheci o pessoal do NX Zero.

Fotografia DG: Você levava os dois trabalhos, como decidiu trabalhar somente com a fotografia?

Luringa: Fiquei quatro anos no Jornal e depois fui para o site “O Fuxico” por mais um ano e meio. Por fora fotografava as bandas, ganhava um cachezinho, mas nada muito profissional. Fui aprendendo fotografia, estudei muito por minha conta, pela internet, livros e adquiri o conhecimento básico e entendi os fundamentos da fotografia. Até que chegou num ponto que começou a valer mais a pena fazer foto do que meu emprego fixo. Em 2007 larguei o trabalho no site e fui viver só de bandas. Já tinha conhecido o pessoal do Glória, do Strike, do Fresno e passei a estar com eles direto. Já tinha conhecido os caras dessas três bandas, me identificado muito com os eles…

Fotografia DG: Você vem de um universo musical underground, se identificava com os caras… E com o som?

Luringa: Com o som nem tanto porque eu tenho um gosto musical estranho. Eles são uma galera mais nova. Gosto muito de hardcore, de rock, rap ou jazz. Todos os outros gêneros como forró, por exemplo, não rolam. Sou maloqueiro tatuado, sempre fui e não gosto dessas coisas. Mas também aprendi a respeitar. Antes de trabalhar com estas bandas eu tinha muito preconceito. Tinha meus conceitos musicais, sempre fui muito ligado em música e me considero hardcore, mas aí comecei a ver que os caras são ótimos músicos, melhores que todos os que eu já toquei na minha vida, de todas as bandas que eu já tive. A partir disso eu comecei a respeitar o trabalho de todo mundo. Não só no meio da música como da fotografia, em qualquer área. A partir do momento que eu perdi esse tipo de preconceito tudo começou a deslanchar. Foi uma projeção muito grande de uma vez na vida de todos nós.

Fotografia DG: Foi uma oportunidade ímpar para a sua carreira, não?

Luringa: Sou formado em publicidade, sempre fui um marqueteiro nato, então aproveitar este momento não foi difícil. Pensei: ‘vou aproveitar o boom da coisa e fazer meu nome’, independente de bom ou ruim, melhor ou pior. Porém, um monte de gente me critica por me ver trabalhando na noite. Dizem que eu estou aí só porque as bandas são famosas, e não vêem o esforço que faço, sabe? Os caras têm mais de 10 anos de experiência, ralaram muito para conseguir chegar aonde chegaram e eu também. Quando você está em evidência, as pessoas aproveitam para te atacar muito.

Fotografia DG: E como lida com a inveja e o assedio?

Luringa: Atualmente muito bem. Eu não fiz nada pensando em ser famoso e nem acho que eu seja famoso também.  Acontece que hoje eu sou amigo dos caras, fiquei amigo por causa da fotografia, por causa do meu trabalho, e acredito que fiquei lá dentro pelo que eu sou e pelo que eu faço, tenho meu mérito.

Mesmo quando tinha banda eu queria que desse certo, não pra ser famoso e comer um monte de mulher. Queria ter banda para viver de música, para não ter que trabalhar e acordar cedo. Não consegui com banda, mas consegui com foto. Acho isso demais, sabe? Demais, demais, demais! E isso acabou trazendo um assédio. Quando você é amigo de um cara famoso, muitas pessoas chegam a você para chegar nele. Num período curto de tempo as pessoas passaram a me tratar  de um moleque que tirava fotos para o cara que pode dar acesso ao camarim. São coisas que temos que aprender a lidar para não enlouquecer. Hoje eu encaro o assédio como reconhecimento do trabalho, mesmo sabendo que tem um monte de gente interesseira, querendo mais outras coisas do que estar na primeira proposta.

Fotografia DG: Qual área ainda não atuou, mas que gostaria de atuar?

Luringa: Várias na verdade. Acho que nunca estive em muitas outras áreas, alem de música que, querendo ou não, é 90% do meu trabalho, tanto em foto como vídeo. Atuo também com moda. Sou fotógrafo de uma marca da Wella, chamada Sebastian, de produtos profissionais para cabeleireiros. Faço fotos dos eventos deles.

Já fotografei modelo, garota, book. Já fiz até o casamento de um amigo, mas não achei tão legal. Sinceramente não tenho pretensão de fazer outra coisa, a não ser fotografar bandas. É o que consegui e o que gosto de fazer, é o meio que gosto de estar.  Eu tenho um estilo de foto voltado para bandas, tenho uma linguagem pra isso. Já recebi propostas de outras coisas para fazer e até neguei.

Fotografia DG: Quais equipamentos usa?

Luringa: Estou com uma Cannon 7D, Cannon T2I, lente 70×200 Cannon, uma 24×70 Cannon, as duas são da serie L. Tenho uma 10x22mm e uma 50mm 1.8. Flash 580 EX2. Com equipamento de iluminação trabalho com três cabeças, duas de 800 e uma de 1600, são equipamentos bem magrinhos.

Fotografia DG: Como você resolve a luz em show?

Luringa: Luz de show a gente resolve tendo um bom diálogo com o iluminador. Raramente uso flash em show. Na verdade, não me ligo em regra nenhuma. Acho péssimo ficar dizendo que isso pode e isso não pode. Acredito que na situação de arte eu posso fazer o que eu quiser. Então não tem regra. Claro que tem vários conceitos da fotografia que temos que saber. Para quebrar as regras você precisa conhecê-las, mas não precisa segui-las. Quando você trabalha com uma banda profissional, que tem iluminador e toda estrutura, você aproveita a luz do cara. Se você achar que não está bom, pode trocar uma ideia com ele, assim como já fiz várias vezes, em muitas bandas que trabalhei. Estou sempre em comunicação direta com o iluminador.

Fotografia DG: Você faz videoclipes também?

Luringa: Hoje em dia 60% vídeo e 40% foto. O vídeo já toma mais tempo do que a fotografia em minha vida. Tenho uma empresa, a Pexera Produções, que acabou de completar um ano de vida e, só em 2011, fizemos 14 videoclipes. Não poderia fechar os olhos para este mercado, além de fotógrafo sou empresário e não teria porque não aproveitar este momento. Eu poderia ter tido uma projeção para outros lados da fotografia no momento em que as bandas deram uma baixada, mas escolhi o mercado musical, sou fascinado por ele, então, outra forma de sobreviver foi fazendo vídeos.  Isso acabou me trazendo mais projeção e até ganhei um VMB em 2011.

Fotografia DG: Acha que a fotografia e o vídeo vão se fundir?

Luringa: Sim com certeza. Eu sou dessa vertente que usa câmeras fotográficas para filmar. Se as câmeras filmam muito bem e são boas, então vamos usá-las para fazer cinema. Acho que isso mexeu com muita gente.

Antigamente você não gravava um clipe com menos de 50 mil reais, porque o equipamento era muito caro. Eram câmeras de 5, 10, 15 mil reais a diária de aluguel. Isso encarecia demais o orçamento de um clipe. Hoje em dia se pode fazer um clipe de 10 mil reais e ainda ganhar uma grana. E estamos falando de um clipe bom, melhor que muito clipe de 100 “paus” que se fazia há cinco anos. Muita gente dessa época não aceita isso.  O que quero dizer é que usar uma 5D, por exemplo, viabiliza para mais pessoas poderem pensar em fazer um vídeo clipe bom, não aquelas coisas caseiras feitas com VHS, de qualquer jeito.

Fotografia DG: Qual a dica do Luringa para quem está começando?

Luringa: Estudem bastante e saibam o que estão fazendo. Não saiam por aí dizendo que são fotógrafos se não são. Antes disso, tenham base na vida, entendam de assuntos gerais. Não fiquem o dia inteiro na internet falando mal da vida dos outros e lamentando que nada na vida rola, que não têm dinheiro. Se mexam, usem a internet para estudar e para aprender.

Conheça melhor o trabalho de Luringa, acesse www.flickr.com/photos/luringa

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É interessante que você leia os o último artigo publicado aqui no site DG. Depois, defina alguns pontos para que suas ideias fiquem mais claras:

Publico alvo: cidade, faixa etária, renda, nível de escolaridade;

Instituição que receberá o projeto: ONG, Universidade, centro cultural;

Proposta: o que você pretende alcançar com o projeto. Objetivos a serem alcançados, conteúdo a ser trabalhado;

Tempo destinado: quantas horas por semana você destinará ao planejamento de aulas, reuniões com coordenadores, aulas efetivas, mostras, exposições;

Remunerado ou não: se você adotara o projeto como voluntário ou não.

Com todos os pontos acima acertados e bem definidos, vamos para a parte mais interessante do artigo: como desenvolver o planejamento do projeto, conteúdo a ser ministrado, cronograma de aulas, estrutura necessária nas salas, dinâmica e metodologia.

Antes de começar, vale lembrar duas coisas: esta série de artigos não visa criar fórmulas, e todas as dicas aqui postadas são baseadas em experiências em um público específico, idade, cidade, renda.

Conteúdo

O conteúdo a ser ministrado depende, essencialmente, do seu objetivo com o projeto. Como estou fundamentando este artigo em minha experiência, vou colocar aqui para vocês o conteúdo com o qual trabalho.

Quando definimos um público alvo, entendo quais são suas necessidades e suas expectativas com seu projeto. Se eu entendo que é um projeto voltado à – terceira idade, classe média, portadores de câmera compacta e sem nenhum conhecimento na área da linguagem fotográfica digital, entendo alguns pontos importantes para o desenvolvimento da oficina:

- utilizam o curso como estímulo para sair de casa, conhecer outras pessoas e se socializarem – por isso a importância das aulas práticas, que falaremos mais adiante também;

- querem fotografar melhor as viagens, a família, e outros temas que remetam a laço afetivo e preservem a memória;

- interesse na técnica para que se tornem mais autônomos e não precisem mais da ajuda de outros para manusear o equipamento;

- dificuldade no aprendizado – mais detalhes em metodologia;

Diante estas constatações, planejei um conteúdo que estimulasse três grandes frentes:

1).  Desenvolvimento do olhar criativo: luz e composição como elementos fundamentais do processo criativo. A meta é fazer com que eles descondicionem o olhar, se permitindo a novas experiências sensoriais, repensando o conceito estético. Entender o processo da linguagem fotográfica em nível mais profundo, desenvolver senso crítico diante fotografias publicadas na mídia, e como imagens podem transmitir opiniões.

2). Conhecimento do equipamento e da técnica: nessa segunda parte, compreenderemos a linguagem da câmera, ou seja, como se dá a interação entre a terceira idade e seu equipamento fotográfico. Cabe lembrar que cada máquina se dialoga de uma determinada forma, pois cada equipamento tem seus botões que as diferenciam. Dessa forma, uso uma câmera modelo na abordagem teórica, mas sempre recorro a outros modelos usados pelos alunos em sala de aula. A idéia dessa segunda frente é permitir ao aluno o conhecimento do equipamento, dos modos automáticos – e qual a melhor maneira de usá-los, da qualidade e tamanho de imagem, uso do flash, fazer vídeos, transferir imagens para um computador, entre outros recursos. O aluno se torna assim mais independente ao se relacionar de forma efetiva com essa tecnologia.

3). Aplicação direcionada da fotografia: como sobrepor olhar e técnica de forma prática sobre um tema específico. Crianças, animais, paisagem, arquitetura, retrato, objetos estáticos, entre outros.

De forma mais clara e resumida, o planejamento inicial das minhas aulas é mais ou menos este:

Aula 1: Luz e Composição
Aula 2: Conhecendo o equipamento e suas funções
Aula 3: Técnicas fotográficas: como utilizar os recursos disponíveis
Aula 4: Como fotografar pessoas, animais, objetos, arquitetura
Aula 5: Descarregando e armazenando as fotografias
Aula 6: Aula prática

Se alguém ainda tiver dúvidas quanto a conteúdo a ser trabalhado, me mandem um email em paulamachadofoto@gmail.com. Tenho todo este planejamento detalhado e bem desenvolvido.

Aula prática de fotografia no Jardim Botânico

Formato

É interessante distribuir esse conteúdo em aulas curtas, entre 50 a 1h30 de duração, uma ou duas vezes por semana – dependendo da disponibilidade dos alunos. Sugiro aulas de 1h30, que é o formato de aula que uso atualmente. Não é pouco tempo, nem muito. Dá tempo de apresentar o conteúdo teórico, exemplificar com recursos de diversos gêneros (vídeo, música, fotos, filme) sem que os alunos se cansem. Os idosos se cansam mais rápido que nós na absorção dos temas. Não é legal fazer com que eles fiquem sentados por muito tempo, muitos têm problemas de saúde, e estes incômodos podem interferir na qualidade e aproveitamento da oficina.

Diante essas três grandes frentes, é possível desenvolvê-las em 6 aulas de 1h30, em 10, em 12. Trabalhei estes temas tanto em oficinas rápidas, de 4 aulas, tanto em oficinas prolongadas, de até 16 aulas.  É claro que em oficinas com poucas horas, você acaba deixando de falar muita coisa, o que não é interessante. Mas tudo depende de como você irá abordar cada assunto, se irá passar trecho de filmes, vídeo, slides; se os alunos são participativos; se aquele assunto interessou mais que outros. Para quem ainda não tem idéia de quantas aulas ministrar, experimente este planejamento:

Cinco aulas teóricas
Uma aula prática
1h30 de duração
Uma vez por semana

Com essa primeira experiência, você entenderá com quem está trabalhando, entenderá se aquela turma grande, de 30 alunos, debate mais os assuntos que a turma pequena, de 15. Ou se a turma com mais mulheres esticam pra mais ou pra menos seu cronograma. Se a turma com homens debatem mais, exigem mais conhecimento de vocês. É interessante perceber tudo isso na prática.

Dinâmica/metodologia

Para dar aulas para um público tão específico, é preciso compreendê-los, antes de tudo. Entender com quem você irá trabalhar é compreender o outro: como pensa, como enxerga as coisas, como vive, como se relaciona, quais são seus medos, seus anseios. Enfim, como se estabelece diante o mundo. Se você realmente conseguir abrir o corpo e o coração para entendê-los, tudo ficará mais fácil. Intuitivamente, você passará a desenvolver uma oficina genuinamente voltada para a terceira idade. E isso acontece por um motivo: eles se vêem parte do processo, dentro do todo a ser construído. Ao se reconhecerem, se esforçam mais para permanecerem ali, e por isso o maior interesse, maior a participação, o ânimo com seu trabalho.

O ensino deve ser horizontal, permitindo a participação efetiva dos alunos na construção do saber – porque o conhecimento é inacabado, já diria Paulo Freire. O ensino horizontal é honesto, e toca não só aos alunos, bem como o professor também. Aliás, o professor-agente cultural deve ser o elo mais consciente da relação aluno-professor. O professor deve saber e adotar essa postura com os alunos, permitindo que o conhecimento caminhe por vias multidirecionais. O que isso significa? Permitir que o conhecimento não parta só de você mesmo, mas abrir espaço para outros alunos dedicados, que trazem material, outros temas, outros assuntos a ser desenvolvido em aula. Significa ouvir o que eles tem a dizer, deixar com que eles coloquem um pouco de si ali. É claro o tempo será um problema, sempre teremos tempo, cronograma, planejamento. O professor deve funcionar como um mediador, mas nunca como um opressor. Esqueçam o formato professor fala, aluno escuta. Esqueçam mesmo, não funciona, e nem é interessante para ambas as partes. Você ainda não sabe, mas irá aprender muitas coisas com eles, se você se permitir a isso. Esteja lá para aprender também!

Concluindo essa primeira idéia, é interessante haver participação efetiva dos alunos – estimular a participação na escolha dos temas, dos locais das aulas práticas, e assim por diante.

Outro ponto importante é: como apresentar este conteúdo. A terceira idade é uma geração que tem suas limitações, como as crianças no começo da aprendizagem. Eles precisam de carinho, atenção, paciência. Como a absorção desse conteúdo é mais lenta, utilizo muito da repetição das idéias, recursos audiovisuais e táteis. Vamos lá, vou explicar um por um:

A cada ideia concluída, repita de forma sucinta o tema abordado. Posso apenas repetir o conteúdo, ou apresentar fotos, vídeos ou outros recursos que irão te ajudar nisso.

Utilize slides com texto e foto. Textos curtos sobre o tema que está sendo visto, e fotos para exemplificar.

Utilize recursos audiovisuais. O youtube tem vídeos excelentes, que podem ajudar muito na fixação do conteúdo. Na aula sobre pixel e tamanho de imagem, por exemplo, utilizo um vídeo muito legal que encontrei por lá. Esse vídeo mostra um grupo de fotógrafos que registraram uma panorâmica da cidade de Budapeste, com excelente qualidade de imagem e impressão. O vídeo mostra como tudo isso é feito: a panorâmica, as aproximações, o detalhe da imagem. Com isso, toda a teoria apresentada na aula se torna mais real, mais palpável.

Material impresso contendo os temas desenvolvidos é uma boa alternativa também. Isso deixa os alunos mais tranqüilos, acabam com aquela ansiedade deles anotarem tudo. Faça esquema, utilize gráficos, letras grandes, linguagem fácil.

Seja criativo, leve tudo que você tiver em casa para deixar a aula mais divertida. Nas aulas sobre luz, levo uma luminária e uma laranja para mostrar como a rotação da terra influencia na direção da luz. Leve fotos que você tiver em casa, faça com que eles revelem fotos e compartilhem com os colegas também. Lembre-se sempre de utilizar exemplos que incluam a realidade da terceira idade: um trecho de novela, uma fotografia que saiu no jornal, fotos de viagem. Enfim, sejam criativos.

Nem sempre você terá tempo de programar aulas práticas. Porém, nada impede de você fazer isso dentro da sala mesmo. Se você puder, peça uma sala bem iluminada com luz natural, com grandes janelas e portas.  Peça que eles façam exercícios práticos em casa também, e que tragam na próxima aula. Na faculdade em que ministro as aulas, há um jardim lindo que sempre usamos para nossas aulas práticas. Marque um encontro em outros locais, explore sua cidade. Eles adoram isso! E com certeza é a parte mais esperada do curso. Se você tiver tempo, marque estes encontros sempre – a cada três semanas de aula teórica, uma de prática em algum lugar assim.

Faça uma exposição dos trabalhos dos alunos toda vez que finalizo um curso. É lindo ver todos se ajudando para tirar as melhores fotos, escolher, revelar. Dá trabalho, mas o resultado fica maravilhoso. É uma maneira de reconhecer todo o esforço que eles tiveram durante o curso, e mostrar isso para outras pessoas. É uma maneira interessante também de divulgar seu trabalho para a comunidade.

Disponibilize a classe em semicírculos, que permitem maior autonomia do professor, além de permitir também que todos os alunos se vejam. Isso traz o aluno mais para a aula, permitindo a participação de todos.

Trabalhe com assistentes. Os idosos precisam de uma atenção maior que outros grupos específicos. Trabalhando com assistentes, é possível um trabalho mais próximo, suprindo as dúvidas individualmente. Eles só aprendem quando você mostra os botões os quais eles devem apertar. Lembrando que essa tecnologia não é dessa geração, há dificuldades nesse aprendizado. É freqüente a repetição das ações, das idéias, das técnicas; dependendo da quantidade de alunos, se torna impossível um professor só fazer o passo a passo individualmente com todos.

Se você leu até aqui, é porque realmente se interessa no assunto e está disposto a trabalhar com este público. Trabalhar com a terceira idade é mágico, é muito gratificante. Só não se esqueça que eles são muito carinhosos, sensíveis, e criarão laços afetivos muito estreitos com você. Não os decepcione!

Espero que este artigo tenha ajudado vocês de alguma forma. Qualquer dúvida, não hesitem em me escrever. Que a sementinha seja plantada, regada, colhida e semeada. Grande abraço a todos, e até a próxima!