Eine Vollformat DSLR aus dem Bilderbuche. Jetzt positioniert Canon die neue EOS 5D Mark III zwischen dem Erfolgsmodell 5D Mark II und der jüngst erschienenen EOS-1D X: Angetrieben von dem neuen Flagschiff-Prozessor, aus der ebenfalls brandneuen Canon EOS-1D X, dem leistungsstarken DIGIC 5+ Prozessor verfügt die EOS 5D Mark III über ein Autofokussystem mit 61 Messpunkten. Statt bislang 3 sind jetzt mit der EOS 5D Mark III Serienaufnahmen von 6 Bilder pro Sekunde möglich. Was der langersehnte Vollformat-Pendant für digitale Fotografen bieten lesen Sie in unserer Detailvorstellung dieser neuen DSLR…

EOS 5D Mark III für jetzt mit 22,3 Megapixel und 6 Bildern pro Sekunde

Ausgestattet mit einem Vollformat-CMOS-Sensor der über 22,3 Megapixel verfügt bietet die neue Canon EOS 5D Mark III auch ambitionierte Leistungsreserven für digitale Profi-Aufnahmen. Gerade für den Bereich der Stock-Fotografie ist in den letzten Jahren die Megapixeldichte ein Qualitätskriterium für die Aufnahme von Bildern als Stockfotos geworden.

Richtig rocken wird Fotografen aber vielmehr der verbaute Canon Bildprozessor Digic 5+ sowie das im Zusammenspiel verwendete Autofokussystem mit 61 Messpunkten. 36 Kreuzsensoren und 5 Doppelkreuzsensoren unterstützen Fotografen mit einer EOS 5D Mark III fortan auch in mitunter schwierigen Lichtsituationen. Der neue Vollformatsensor soll zusammen mit dem Bildprozessor Digic 5+ die Bildqualität verbessern.

Qualitativ noch hochwertigeres Bildmaterial mit der EOS 5D Mark III

Canon verspricht für die Aufnahmen der 5D Mark III sichtbar weniger Moiré und Farbartefakte als bei dem Vorgängermodell 5D Mark II. Bemerkbar soll dies vor allem in Szenen mit horizontalen Linien machen. Ein neues Mikrolinsendesign, die neue Struktur der Photodioden und ein erneut verbesserte Rauschunterdrückung im Chip liefert noch hochwertigere RAW- und JPEG-Bilder. Auch das mit der DSLR gefertigte Filmmaterial profitiert qualitativ von diesen Bildtechnologien. Durch eine Sensoranbindung mit doppelter Bandbreite an den Bildprozessor Digic 5+ schiesst die 5D Mark III jetzt ambitionierte Serienaufnahmen mit bis zu 6 Bildern/Sekunde. Diese Serienbildfrequenz wird in der Canon Vollformatklasse nur noch von der 1D X überboten.

Ihr echtes Können spielt die 5D Mark III bei geringer Lichtstärke aus, nicht nur Nachtfotografen und HDR-Enthusiasten profitieren von diesen Vorzügen. Auch schnellere und weitaus zuverlässigere Fokusiervorgänge in dunkleren Eventräumen werden Fotografen bei der Reportage- und Eventfotografie zukünftig begeistern. Hier unterstützt die Kamera standardmäßig Einstellungen zwischen ISO 100 und ISO 25.600, im erweiterten Modus sind es sogar zwischen ISO 50 und ISO 102.400.

Verbesserte RAW-Aufnahmen dank schnellem Digic 5+ Bildprozessor

Der Digic 5+ ist rund 17-mal schneller als der in der EOS 5D Mark II eingesetzte Digic 4 Bildprozessor. Die erhöhte Rechenleistung nutzt die neue DSLR 5D Mark III, um einige neue Funktionen zu realisieren. Dies sind eine verbesserte RAW-Verarbeitung, eine vergleichende Bildanzeige sowie die neu hinzugekommene automatische Szenenintelligenz. Besonders attraktiv: Die 5D Mark III unterstützt Compact-Flash-Karten mit UDMA 7 Standard, also einen leistungsgesteigerten Zugriff für aktuelle HighEnd-Speicherkartenmodelle.

Der Digic 5+ Bildprozessor bietet für RAW-Aufnahmen jetzt auch eine Option in verminderter Auflösung: M-RAW mit 10,5 Megapixeln und S-RAW mit 5,5 Megapixeln. Dabei bleibt das volle Sichtfeld erhalten. Insbesondere für die Produktfotografie speziell für das Web eine sehr interessante Option. Denn warum sollte man Bildmaterial immer stets in höchster Auflösung fertigen, wenn eine Verwendung ausschließlich für Web vorgesehen ist?

5D Mark III mit erweiterten Funktion für HDR-Fotografie

Der HDR-Modus der 5D Mark III bietet für Mehrfachbelichtungen jetzt die Option drei Bilder mit unterschiedlichen Belichtungsstufen in einer Aufnahme zusammenzufügen. Von dem auf diese Art erweiterten Dynamikumfang in den Aufnahmen profitieren vor allem für Landschafts- und Architekturfotografen. Einzelaufnahmen können wie gewohnt bis zu drei Belichtungsstufen voneinander abweichen. Neu sind die fünf HDR-Voreinstellungen die ab sofort zur Verfügung stehen, von natürlich bis extrem künstlich. Ambitionierte HDR-Fotografen werden allerdings von dieser Automatik eher selten Gebrauch machen.

Multiple Exposure ein echtes Highlight nicht nur für HDR Enthusiasten

Viel interessanter ist für HDR Fotografen die jetzt neu hinzugekommene Option Multi Exporsure. Im Modus “Multiple Exposure” hat die 5D Mark III  vom großen Bruder EOS-1D X geerbt. Bis zu neun Einzelbilder können hier zu einem Bild zusammengefügt werden, ohne dass es Nacharbeiten am Rechner bedarf. Fotografen haben die Wahl zwischen vier unterschiedlichen Methoden zum Zusammensetzen ihrer Bilder: Ergänzend, Durchschnitt, Hell und Dunkel. Die Ergebnisse können in Echtzeit auf dem 3,2 Zoll großen Display der Kamera betrachtet werden. Dabei kann das letzte Bild gelöscht und fortgefahren werden. Zudem kann ein zuvor aufgenommenes RAW-Bild als Startpunkt für eine Mehrfachbelichtung genutzt werden.

Bislang waren HDR Fotografen zur Erweiterung des Dynamikumfangs ihrer Fotografien darauf angewiesen manuell belichtete Einzelaufnahmen mittels Software wie z.B. Photomatix miteinander zu kombinieren. Die gesteigerten fotografischen Möglichkeiten gerade diesen Kameramodells werden nicht nur HDR- und DRI-Fotografen begeistern, sondern auch Studio- und Portraitfotografen wegen den gesteigerten Möglichkeiten bei geringerer Lichtstärke, z.B. in der Dunkelheit und sei es nur durch die intelligenteren Autofokus-Mechanismen.

DSLR EOS 5D Mark III mit stark verbesserter Videofunktion

Vor allem die erheblich verbesserte Videofunktion gegenüber der 5D Mark II dürfte die Herzen aller Videofilmer endgültig höher schlagen lassen!

Canon berücksichtigte die ausdrücklichen Wünsche der Filmemacher, mit der neuen EOS 5D Mark III können endlich deutlich längere und zudem rauschärmere Filme produziert werden. Überdies verfügt die 5D Mark III jetzt endlich über einen integrierten Audioausgang, somit wird die Tonkontrolle direkt an der DSLR möglich.

Nicht ohne Grund war bzw. ist die Canon EOS 5D Mark II eine der beliebtesten digitalen Spiegelreflexkameras, denn die Canon EOS 5D Mark II bot bislang zu einem relativ moderaten Budget echte Vollformat Qualitäten, beherrschte zudem Full-HD Videos und stand somit sogar für Profi-Film-Produktionen in unzähligen Einsätzen zuverlässig zur Seite. Somit zählte die Canon EOS 5D Mark II zu den leistungsstärksten und beliebtesten Spiegelreflexkameras überhaupt.

Yosemite HD from Project Yosemite on Vimeo.

Ab sofort fertigen Fotografen mit einer Canon EOS 5D Mark III HD-Filme in 1080p mit 24 (23,976), 25 und 30 (29,97) Bildern/Sekunde. In der reduzierten HD Auflösung 720p können DSLR-Filme fortan mit 60 (59,94) bzw. 50 Bildern/Sekunde aufgenommen werden.

Zukunftsweisen unterstützt die 5D Mark III jetzt endlich auch neue Video-Kompressionsformate wie H.264 Intraframe (ALL-I) und bietet somit Erleichterungen beim Videoschnitt, Performanceverbesserungen und mit Interframe (IPB) letztlich auch eine höhere Speichereffizienz. Wie der große Bruder EOS-1D X unterstützt die 5D Mark III zwei SMPTE-konforme Methoden für die Einbettung eines Video-Timecodes. Mit Rec Run und Free Run können Video-Aufnahmen mehrerer Kameras in der Postproduktion leichter kombiniert werden.

Ein gewichtiges Argument für digitale Videofilmer dürften die längere Videodauer mit bis zu 29 Minuten und 59 Sekunden der DSLR darstellen. Videos können jetzt auf mehrere 4 GByte große Dateien verteilt werden.

Zur direkten Kontrolle des aufgenommenen Tons hat Canon einen Audioausgang und eine manuelle Audiokontrolle mit 64 Stufen integriert. Es gibt auch einen Windfilter und die Tonaufnahme kann komplett abgeschaltet werden. Aufgenommen wird der Ton entweder mit dem integrierten Monomikrofon oder über einen Stereo-Klinkeneingang.

5D Mark 3 : Robust, schnell und sexy für ambitionierte Fotografen

Die EOS 5D Mark III steckt wie jedes der gehobeneren Canon DSLR Modelle in einem robusten Gehäuse aus Magnesium und Aluminium, das staub- und schmutzresistent ist. Die Kamera ist zwar natürlich nicht wasserdicht, soll aber mit Wasser besser klarkommen als die auch bereits nicht empfindliche 5D Mark II.

Der Verschlussmechanismus wurde optimiert und ist nun für rund 150.000 Verschlusszyklen ausgelegt. Die Auslöseverzögerung wurde auf 59 Millisekunden reduziert.

Das auf der Rückseite eingebaute Display ist 3,2 Zoll groß und verfügt über 1,04 Millionen Pixel. Auch der Sucher wurde verbessert: Er weist dasselbe 100-Prozent-Gesichtsfeld wie die EOS 7D auf, Gitternetzlinien sind bei Bedarf auf dem LCD einblendbar.

Gesteigerte Akkukapazität  für rund 950 Fotos

Die EOS 5D Mark III nutzt Canons Akku LP-E6, der auch in der 5D Mark II, 7D und 60D zum Einsatz kommt. Eine Akkuladung soll für rund 950 Bilder ausreichen, rund 100 mehr als bei der 5D Mark III.

Zwei Speicherkarten in der EOS 5D Mark III nutzbar

Zwei Speicherkarten gleichzeitg lassen sich in der EOS 5D Mark III nutzen: Eine Compact-Flash-Karte vom Typ 1 und eine SD-Karte, wobei die Typen SD, SDHC und SDXC unterstützt werden. Die Kamera kann wahlweise alle Aufnahmen auf beide Karten speichern oder auf jeder Karte eine andere Bildgröße ablegen. Alternativ können die Speicherkarten nacheinander genutzt werden, ist die eine voll, nutzt die Kamera die andere.

Preisdifferenz von rund 1500 EUR zwischen Canon EOS 5D Mark III und Canon EOS 5D Mark II

Extrem schnell dürfte sich die Canon EOS 5D Mark III jetzt am Markt für Fotografie durchsetzen. Die neuen Funktionen sind einfach zu verlockend und ambitionierte Fotografen wünschen sich stets Werkzeuge mit der neusten technischen Ausstattung. Dennoch ist es durchaus berechtigt zu überlegen, noch zu der bewährten Canon EOS 5D Mark II zu greifen. Eine Preisdifferenz von rund 1500 EUR müssen Interessenten für den Body einer Canon EOS 5D Mark III im Vergleich zu dem Vorgänger der Canon EOS 5D Mark II derzeit in Kauf nehmen. Zumindest für die Fotografen die von der Videofunktion kaum oder gar keinen Gebrauch machen stellt sich die Frage ob man vorerst nicht doch noch zu einer 5D Mark II greifen sollte, nicht nur Stefan Gross vom Traumflieger Blog vergab bereits Bestnoten im Test für die Canon EOS 5D Mark II. Erwartungsgemäß werden die Gebrauchtpreise – nach Abverkauf der Lagerbestände – solide anziehen. Extrem war dies bei den Kameramodellen Canon EOS 50D und Canon EOS 60D zu spüren. Hier waren schon sehr bald horrende Aufpreise für die allseits beliebte Canon EOS 50D zu bezahlen, was mehrheitlich auf den Magnesium-Body zurückzuführen war, den das Nachfolgermodel die Canon EOS 60D nicht mehr aufwies. Klar ist, dass jeder Käufer einer Canon EOS 5D Mark III sofort von deren Vorzügen profitiert. Ein entsprechend hochqualitatives Objektivsortiment vorausgesetzt! Wer hingegen noch eine geringe Anzahl hochwertiger Objektive in seiner Fotoausrüstung vereint, der sollte vermutlich zweimal überlegen ob nicht eine Investition in hoch vergütete und schnell fokusierende Optiken vorzuziehen ist. Für welche Variante enthusiastische Fotografen sich auch entscheiden, die besten Fotos fertigen Fotografen immer noch mit einem geschulten Auge…

planet5D video report from the Canon EOS 5D Mark III hands on from planetMitch on Vimeo.

Für mich persönlich steht fest die Canon EOS 5D Mark III ist mein nächster Shooting-Star

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Boris Mikhailov: Rote Serie , 1968 – 75, Copyright the artist, Courtesy Galerie Barbara Weiss, Berlin

Das„Alltägliche“ war für den Fotografen in den 1990er Jahren vor allem das Existentielle, das Bedrohliche. Nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion wendete er sich den Verlierern dieses sozialen Wandels zu, porträtierte sie, zeigte sie in ihrer Not und Verzweiflung und damit als Resultat des erbarmungslosen, repressiven politischen Systems der Sowjetunion.

Für  die Fotografische Sammlung der Berlinischen Galerie konnte deren Leiter Ulrich Domröse im Jahr 2002 acht Arbeiten aus der Serie „Case History“ ankaufen. Wenig später folgten vier Arbeiten aus der in Berlin entstandenen Serie „In the Street“. Mikhailov, der im Rahmen des DAAD-Künstlerprogramms im Jahr 1996 in Berlin lebte, kehrte im Jahr 2000 in die Stadt zurück und pendelt seither zwischen Berlin und seiner Heimatstadt Charkow in der Ukraine.

Boris Mikhailov: Untitled, 1997-98, aus der Serie „Case History“,
Copyright the artist, Sammlung Berlinische Galerie

Anknüpfend an die Sammlungsbestände der Berlinischen Galerie wurde eine Ausstellung entwickelt, die nicht nur die Sammlungsaktivitäten im Bereich der Gegenwartskunst repräsentiert, sondern gleichzeitig den Bezug zur Stadt Berlin als künstlerischem Erfahrungshintergrund dokumentiert und anhand ausgewählter Werkgruppen das Schaffen Mikhailovs vorstellt. Seit seinen fotografischen Anfängen Mitte der 1960er Jahre hat der Künstler ein breites und beeindruckend vielschichtiges Werk geschaffen. Virtuos hat Mikhailov verschiedenste Möglichkeiten des Mediums ausgeschöpft und ein ebenso schonungsloses wie humorvoll-ironisches Bild seiner unmittelbaren Umgebung gezeichnet. Seine immer neue Auseinandersetzung mit fotografischen Techniken sowie die Arbeit mit unterschiedlichen Stilen, aber auch das Changieren zwischen konzeptuellen Arbeiten und dokumentarischen Herangehensweisen machen ihn zu einem der interessantesten Fotokünstler der Gegenwart.

Boris Mikhailov: Untitled, 1997-98, aus der Serie „Case History“,
Copyright the artist, Sammlung Berlinische Galerie

Die Ausstellung ist als Werkschau konzipiert und vereint eine Auswahl von Arbeiten, die ebenso die experimentellen Bilder früherer Jahre wie die zuletzt in Berlin entstandenen Werke umfasst. Es ist die bisher erste umfassende
Ausstellung des Künstlers in Deutschland.

Für die Ausstellungsarchitektur konnte wieder der Architekt David Saik gewonnen werden, der schon im Obergeschoss die ständige Sammlung der Berlinischen Galerie räumlich neu geordnet hat.

Fotografie galt in der Sowjetunion nicht als Kunst. Wer fotografierte, war entweder Amateur oder Journalist. Auch Boris Mikhailov (*1938 in Charkow / Ukraine) trat während der Zeit des Sowjetregimes als Fotograf öffentlich nicht in Erscheinung. Er verzichtete jedoch nicht darauf, seine künstlerischen Neigungen auszuleben:

So durfte er einen Kurzfilm über die Fabrik drehen, für die er als Ingenieur arbeitete. Als jedoch private Aktfotos wegen „pornografischen Inhalts“ konfisziert wurden, kostete ihn das die Anstellung. Doch ebneten jene „verbotenen“ Bilder zugleich seinen Weg jenseits der anerkannten Kunst hin zu einer künstlerisch freien Fotografie.
Mikhailovs Schaffen hat eine Vielzahl von Fotografien hervorgebracht, die von der ersten Serie „Überblendungen“ (1968-1975) über so berühmt gewordene Bildreihen wie die „Rote Serie“ (1968-1975) oder „Salt Lake“ (1986) bis hin zu den jüngsten, in Berlin entstandenen Arbeiten „In the street“ (seit 2000) reicht. Seine Arbeitsweisen sind ebenso vielfältig und umfangreich wie das Bildmaterial: Er experimentiert mit Diapositiven, verfremdet Fotografien durch Handkolorierung oder kombiniert sie mit Notizen. Mit stets neuartigen Herangehensweisen hat Mikhailov das Medium Fotografie konzeptuell weiterentwickelt. Sein Leben als international anerkannter Künstler begann erst mit dem Zusammenbruch der Sowjetunion, als er mithilfe von Stipendien im Ausland arbeiten und ausstellen konnte. Gefördert durch den Deutschen Akademischen Austauschdienst (DAAD) lebte er 1996 auch ein Jahr in Berlin. 2000 machte er die Stadt zu seinem festen Wohnsitz und pendelt seither zwischen Deutschland und der Ukraine, wo bis heute die meisten seiner fotografischen Arbeiten entstehen.

SUPERIMPOSITIONS – ÜBERBLENDUNGEN

Frühe Bildexperimente

Die Serie der „Superimpositions“ (Überblendungen, 1968-1975) war Boris Mikhailovs erste künstlerische Arbeit. Sie entstand zeitgleich mit der Serie „Red“, so dass manche Aufnahmen ebenso als Einzelbild in „Red“ wie als Teil der
Bildkombinationen in „Superimpositions“ auftauchen. Als Boris Mikhailov diese Arbeit vorlegte, wurde sie in den regimefernen Künstlerkreisen der Sowjetunion als künstlerische Neuheit gefeiert. Derartige Bildexperimente und eine so innovative Ästhetik hatten Kunstschaffende bis dahin selten gewagt. Doch die “Superimpositions“ begnügen sich nicht allein mit einem neuartigen Erscheinungsbild. Indem er unterschiedliche Aufnahmen zusammenführte, gelang es Mikhailov mit diesen Fotografien eine doppeldeutige und damit durchaus kritische Lesart der Bilder zu provozieren. Das ursprüngliche Bildmaterial besteht aus einer umfangreichen Ansammlung von Diapositiven. Boris Mikhailov zeigte sie – ebenso wie die Bilder der Serie „Red“ – in den Jahren der Sowjetunion immer wieder als Diashow. Diese unterlegte er häufig mit einem Soundtrack, beispielsweise der Musik von Pink Floyd. Erst in den 2000er Jahren entschied er sich, die Einzelbilder fortan als Abzüge, meist im großen Format, zu präsentieren.

Black Archive – Schwarzes Archiv

In der Serie Black Archive, die von 1968 bis 1979 in Charkow entstand, stellt Boris Mikhailov das private und öffentliche Leben einander gegenüber. Er fotografiert das Zuhause als einen Ort, an dem Späße getrieben werden und in dem man sich
nackt bewegen und nackt posieren darf. Das Heim steht mithin für persönlichen Freiraum.

Boris Mikhailov: Black Archive, 1968-1979,
Copyright the artist, Courtesy Galerie Barbara Weiss, Berlin

Es ist frei von regimebedingten Zwängen und Regulierungen. Diese Charakterisierung vom Zuhause als Freiraum wird umso deutlicher, wenn man daneben Mikhailovs Fotografien im öffentlichen Raum betrachtet: Hier scheint sich der Fotograf wie ein Spion zu bewegen; er fotografiert die Menschen von hinten der täuscht vor, seine Kamera auf ein Gebäude im Hintergrund statt auf die Menschen davor zu richten. Doch trotz der Kontraste zwischen privater und öffentlicher – das heißt: staatlich überwachter – Sphäre haftet dem Leben auf der Straße, so wie Mikhailov es in dieser Serie zeigt, nichts Beklemmendes an.

Boris Mikhailov: Selbstporträt aus der Serie Klebrigkeit (Viscidity), 1982,
Copyright the artist, Courtesy Galerie Barbara Weiss, Berlin

Das Schwarze Archiv bewahrt eine Stimmung und Atmosphäre, die das Leben in der Sowjetunion nicht als grau und bedrückend darstellt. Es öffnet vielmehr den Blick auf ein Leben mit Unzulänglichkeiten, an die sich die Menschen gewöhnt und mit denen sie umzugehen gelernt hatten.

SOTS ART – LURIKI – RED

Konzeptuelle und dokumentarische Fotografien der 1960er bis 1980er Jahre Boris Mikhailov gilt als Begründer der konzeptuellen Fotografie in der spätsowjetischen Ära. Erste konzeptuelle Arbeiten entstehen in den 1970er Jahren
mit den handkolorierten Serien „Soz-Art“ und „Luriki“. Darin verleiht er gefundenen oder eigenen Fotografien einen malerischen Akzent, indem er sie nachträglich koloriert.

Boris Mikhailov: Rote Serie , 1968 – 75,
Copyright the artist, Courtesy Galerie Barbara Weiss, Berlin

Mit dem Farbauftrag zielt Mikhailov nicht vorrangig auf eine ästhetische Veränderung ab. Vielmehr geht es ihm um eine Manipulation und Neuinterpretation der Bilder. Die Farbe, die Mikhailov auf das Foto aufträgt, ist vergleichbar mit einem Korrekturstift: Er kommentiert die standardisierte Bildästhetik und lädt den Betrachter ein, die Aufnahmen neu zu lesen. Der Einsatz von Farbe als visuellem Reizmittel sticht auch bei der Ende der 1960er Jahre entstandenen „Roten Serie“ ins Auge. Auch hier spielt der Künstler mit dem klassischen Sowjetbild der Militärparaden wie mit der Farbsymbolik: Welche Bedeutung bleibt für das Rot als Farbe der Revolution, wenn es sich im Alltäglichen verliert?

CRIMEAN SNOBBERY – SALT LAKE

Baden als Metapher

Die Serien „Crimean Snobbery“ (Krimeischer Snobismus, 1982) und „Salt Lake“ (Salzsee, 1986) vereint nicht nur das kunsthistorisch traditionelle Motiv des Badeaktes, sondern auch ihre bräunliche Sepia-Tönung. Mit dieser Einfärbung
verleiht der Foto-Künstler den Arbeiten einen historischen und zugleich nostalgischen Charakter.

Boris Mikhailov: Salt Lake (Salzsee), 1986 / 1997
Leihgabe der Kunststiftung Bernhard Sprengel und Freunde

So ruft die Ästhetik Erinnerungen an die Frühzeit der Fotografie wach und schreibt den historischen Moment bereits in die Aufnahmen ein. In „Crimean Snobbery“ wird der Badeausflug glorifiziert und das Strandleben an der Krim als Inbegriff von Ausgelassenheit dargestellt. Ein Ausbruch aus dem Alltag scheint an diesem Ort möglich. Ganz anders stellen sich die Badenden in „Salt Lake“ dar: Sie wirken wie ein Sinnbild für den Zerfall und die Unwirtlichkeit des sowjetischen Alltags. Im Kontrast zur Krim als berühmtem Kurort scheint die Ironie des Salzsee-Szenarios besonders bitter; denn gerade die Zuflüsse der Industrieanlagen sind es, die dem Wasser des Sees eine angeblich heilende Wirkung verleihen.

Viscidity – Klebrigkeit

Als Boris Mikhailov Ende der 1970er Jahre auf den Kreis der Moskauer Konzeptualisten und insbesondere auf Ilja Kabakow traf, entdeckte er dort erstmals die künstlerische Methode der Bild-Text-Kombinationen. Die Möglichkeit der Zusammenführung von Notiz und Bild, bei der beide Komponenten separat voneinander zu betrachten sind, so dass das Bild weder den Text illustriert noch dieser die Malerei beschreibt, faszinierte ihn nachhaltig und veranlasste ihn dazu, ab Anfang der 1980er seinen eigenen Fotografien handschriftliche Notizen hinzuzufügen. Die Arbeit „Viscidity“ entstand 1982 in einer Zeit, in welcher der ukrainische Normalbürger einer erhöhten staatlichen Kontrolle sowie Repressionen ausgesetzt war. Mit dem Amtsantritt des ehemaligen KGB-Vorsitzenden Juri Wladimirowitsch Andropow als Generalsekretär der KPdSU war an ein bohèmistisches Leben oder einen nichtkonformen Lebenswandel nicht mehr zu denken. Der Alltag wurde überwacht, die Ereignisse außerhalb der täglichen Arbeitsroutine auf ein Minimum beschränkt. In einer solchen Zeit halfen Mikhailov die Notizen auch, seine Bilder mit Geschichten und Poesie anzureichern und ihnen jenes Leben einzuhauchen, das er eigentlich darstellen wollte.

CASE HISTORY

Menschen am Rande der Gesellschaft
Als Boris Mikhailov nach seinem Berlinaufenthalt 1997 nach Charkow zurückkehrte, fand er eine Stadt vor, die zwar aufgeräumt aussah und anderen europäischen Städten zunehmend ähnelte. Die soziale Schere aber war seit dem Zusammenbruch der Sowjetunion aufgeklappt; eine Mittelschicht gab es praktisch nicht mehr. Dafür hatte sich die Zahl der Obdachlosen drastisch erhöht. Alte Menschen und besonders Kinder hatten alles verloren: ihr Zuhause, ihre Zukunftsperspektive und den Respekt ihrer Mitbürger.

Boris Mikhailov: Untitled, 1997-98, aus der Serie „Case History“,
Copyright the artist, Sammlung Berlinische Galerie

Boris Mikhailov und seine Frau Vita näherten sich den Ausgestoßenen an, porträtierten sie und ließen sich
von ihnen ihre Wunden und gebrochenen Körper zeigen. In den meisten Fällen bezahlten sie die Obdachlosen dafür. Die Drastik der Bilder der fast 400 Fotografien umfassenden Serie hat viele Betrachter verstört. Erste Präsentationen zogen eine Welle der Empörung nach sich. Boris Mikhailov jedoch wollte mit „Case History“ (Krankengeschichte, 1997-1999) nie provozieren. Ihm lag es vielmehr am Herzen ehrlich zu zeigen, in welchen Abgrund die ukrainische Gesellschaft nach dem Ende des Kalten Krieges gestürzt war und welches Leid jene erdulden mussten, die kein funktionierendes Sozialsystem auffing.

BY THE GROUND – AT DUSK

Die frühen 1990er Jahre nach dem Ende der Sowjetunion Die beiden Serien „By the Ground“ (Am Boden, 1991) und „At Dusk“ (Dämmerung, 1993) entstanden unmittelbar nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion in Kiew sowie in Boris Mikhailovs Heimatstadt Charkow. Ausgestattet mit einer Horizont-Kamera, die einen Radius von 120 Grad einfassen kann und damit panoramaartige Bilder entstehen lässt, durchstreifte Mikhailov die Straßen beider Städte. Er hielt die Kamera auf Hüfthöhe, um das alltägliche Treiben möglichst unauffällig zu dokumentieren. Während die Brauntönung der Serie „Am Boden“ laut Mikhailov „historische Assoziationen“ oder genauer, die Zeit des vorrevolutionären Russlands um 1910 heraufbeschwören soll, hat die Farbe Blau für den Künstler einen dramatischen Beigeschmack. Es ist die Farbe des Krieges, des Hungers und der Blockade. Diese Assoziation knüpfte Boris Mikhailov mit dem Erleben der Flakangriffe im Zweiten Weltkrieg während seiner Kindheit. Während sich in der Serie „Am Boden“ die schlechter werdenden Lebensbedingungen der Mittelschicht bereits ankündigen, scheint in „Dämmerung“ die Hoffnung auf bessere Zeiten gänzlich erstickt: Die Kamera zeigt erbarmungslos den Kampf im kapitalistischen Gesellschaftssystem auf.

IF I WERE A GERMAN … – IN THE STREET

Rollenspiele und Straßenfotografien

Schon bevor Boris Mikhailov Mitte der 1990er Jahre nach Berlin kam, hatte er sich 1994 einem Kapitel der ukrainisch-deutschen Geschichte gewidmet. In der Arbeit „If I were a German …“ (Wenn ich ein Deutscher wäre …) inszenierte Mikhailov mit jüngeren Künstlerkollegen sowie mit seiner Frau Vita ein burleskes Rollenspiel. Die Serie griff erstmals ein hochpolitisches, während der Sowjetära jedoch geflissentlich übergangenes Thema, auf: die Besetzung der Ukraine durch deutsche Wehrmacht- und Waffen-SS-Verbände. Die Künstlergruppe legte insbesondere das zwiespältige Verhältnis der ukrainischen Bevölkerung gegenüber der Besatzungsmacht offen. Die Berliner Straßenfotografien der Serie „In the street“ (In der Straße) hingegen, die entstanden sind seit Mikhailov im Jahr 2000 die Stadt zu seinem festen Wohnsitz gemacht hat, zeigen einen ganz anderen
Blick auf Deutschland.

Boris Mikhailov: In the Street, Berlin, 2001-2003
Copyright the Artist, Courtesy Galerie Barbara Weiss, Berlin

Hier schmunzelt der Fotograf über die Kuriositäten des deutschen Alltags. Ob am Checkpoint Charlie, am Ku’damm mit den Westberliner Rentnerpaaren oder mit Blick auf die Touristen – mithilfe der Kleinbildkamera, die Mikhailov stets bei sich trägt, zeichnet er ein Porträt der deutschen Charaktere und ihrer Hauptstadt.

If I were a German … – Wenn ich ein Deutscher wäre …

Mit dem Ende der Sowjetunion brach für Boris Mikhailov und die junge Kunstszene Charkows eine Zeit ungeahnter künstlerischer Freiheit an. Nun konnte mithilfe von Kunstperformances und künstlerischen Arbeiten auf die Politik der Zeit sowie auf Themen der ukrainischen Geschichte aufmerksam gemacht worden, die bis dahin stets verschwiegen worden waren. Boris Mikhailov gründete in den frühen 1990er Jahren zusammen mit seinen Künstlerkollegen Sergej Bratkow und Sergej Solonskij sowie mit seiner Frau Vita die Gruppe „Schnelle Reaktion“, die neben anderen Performances auch die burleske Fotosequenz „Wenn ich ein Deutscher wäre …“ hervorbrachte. Basierend auf den Interviews mit Ukrainern, die die Zeit der deutschen Besatzung selbst erlebt hatten, drehte die Gruppe die Fragestellung um und schlüpfte für ihre Fotoarbeit in die Rolle der Besatzer. Was wäre, wenn ich ein Deutscher wäre? Es geht den Akteuren um ein im Konjunktiv vorgetragenes Rollenspiel, in denen ihnen besonders Fragen auf der Zunge brennen wie: Wie hätte ich mich den Unterworfenen gegenüber verhalten? Was hätte ich (mit)gemacht und was unterlassen? Welche Privilegien hätte ich genossen? Was hätte ich verurteilt? Dabei stellen sich die Protagonisten in keiner Weise über das Unrecht, das ihren Landsleuten widerfahren ist. Im Gegenteil, sie versuchen gerade das Verhalten des einzelnen, des kleinen Soldaten nachzuvollziehen. Abseits der Generäle und Führer blicken sie auf denjenigen, der (vielleicht) durchaus in der Lage gewesen wäre, dem Anderen ein Stück Brot zu reichen oder es tatsächlich getan hat.

FOTOAUSSTELLUNG Boris Mikhailov – Time is out of joint – Fotografien 1966 – 2011

24. Februar – 28. Mai 2012

ERÖFFNUNG
Do. 23.02.2012, 19.00 Uhr

ÖFFNUNGSZEITEN
Mi – Mo, 10.00 bis 18.00 Uhr

Berlinische Galerie
Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur
Alte Jakobstraße 124-128, 10969 Berlin-Kreuzberg

FÜHRUNGEN
Kuratorenführungen: 05.03., 23.04., 28.05., jeweils 14:00 Uhr
Wochenendführungen: jeden Samstag und Sonntag, 15:00 Uhr
Führungen im Eintritt enthalten

VERKEHRSVERBINDUNGEN
U1 / U6 Hallesches Tor
U6 Kochstraße / U8 Moritzplatz
M 29, 248

EINTRITTSPREISE
Tageskarte: 8 Euro / erm.: 5 Euro
Jeden 1. Montag im Monat: 4 Euro
Freier Eintritt bis 18 Jahre

Ausstellung und Katalog werden durch die großzügige finanzielle Unterstützung des Fördervereins der Berlinischen Galerie e.V. ermöglicht.

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Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, um 1927
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Friedrich Seidenstücker: Von Nilpferden und anderen Menschen

Diese erste umfassende Retrospektive zu Friedrich Seidenstücker präsentiert über 200 Originalfotografien in der Berlinischen Galerie, dem Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur. Beinahe jeder Berliner kennt seine Fotografien. Diejenigen, die sich für die Geschichte ihrer Stadt interessieren, schätzen Seidenstückers atmosphärische Aufnahmen vom Berliner Alltagsleben der Weimarer Republik. Unter den Tier- und Zooliebhabern erwarb er sich mit seinen einfühlsamen Tierstudien einen geradezu legendären Ruf, und für die Historiker sind seine eindringlichen Aufnahmen des zerstörten Berlin eine kostbare Quelle.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, um 1927
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Auch wenn Seidenstücker als typischer Berliner Fotograf gilt, ist er doch auch weit über die Stadtgrenzen hinaus bekannt. Nicht zuletzt deshalb, weil er sich um eines ganz besonders verdient gemacht hat: Seine Bilder zeugen von Humor, und den findet man in der Fotografie selten. Aus dieser Haltung heraus hat sich das Werk von Friedrich Seidenstücker entwickelt. Es ist von Optimismus getragen, ohne die Zumutungen und Härten, ohne die Armut und das Elend der Zeit zu verschweigen.

Friedrich Seidenstücker
Montags früh Oberbaumbrücke, Berlin 1930
Fotografische Sammlung Berlinische Galerie

Neben einer kleinen Gruppe von späten Aktfotografien, die als Farbdiapositive vorlagen, gliedert sich die Ausstellung in vier weitere Kapitel: Straßen-fotografie, Tierfotografie, Landschaftsfotografie und Berlin nach 1945. Alle 226 ausgestellten Aufnahmen sind Vintage Prints bis auf 21 Neuprints.

Friedrich Seidenstücker verließ nie ohne Kamera seine Wohnung

Täglich durchstreifte der junge Fotograf die Straßen der aufstrebenden Metropole Berlin, immer auf der Suche nach unspektakulären, aber zeittypischen Motiven. Zentrale Themen waren der Alltag der Menschen in der Großstadt und ihre Freizeitaktivitäten im Zoo. Als Straßen- und Zoofotograf erlebte er zwischen 1928 und 1937 seine
erfolgreichste Zeit. Die wichtigsten deutschen Illustrierten veröffentlichten Bilder von ihm.

Friedrich Seidenstücker
Fledermaus, um 1935
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Seidenstückers Beschreibung des Alltäglichen ist bewusst unpathetisch und steht damit im Gegensatz zur Kunst der Avantgarde der 1920er-Jahre. Als Poet des Gewöhnlichen galt seine Aufmerksamkeit den unscheinbaren Ereignissen, in denen er immer wieder skurrile und humorvolle Momente zu entdecken verstand. Seine Protagonisten, ob Tier oder Mensch, sind Helden in einer unvollkommenen Welt.

Die Aktfotografien Seidenstückers

Junge sportliche Frauen waren ein sehr begehrtes Motiv für Friedrich Seidenstücker. So finden sich in seinem Nachlass Aktaufnahmen seit den 1920er-Jahren. Diese frühen Aufnahmen können noch als Studien für seine Skulpturen angesehen werden. Im Laufe der Zeit wurden die Fototermine mit seinen Freundinnen zu einem beiderseits genossenen erotischen Spiel.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, 1950er-Jahre
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Das vertrauensvolle, freundschaftliche Verhältnis aller Beteiligten war hierfür die Voraussetzung. Auch der überzogene Charakter der Requisiten und Posen spiegelt das von Spaß an der Inszenierung geprägte Verhältnis zwischen Modell und Fotograf wider. Die Farbfotografien, wie sie ab den 1940er-Jahren in seiner Wohnung entstanden, sind nicht nur aufgrund ihrer
Skurrilität so faszinierend, sondern auch, weil sie ausschließlich privat motiviert waren. Seidenstücker verwendete für die Aufnahmen das damals ganz neue Diapositivmaterial. Die Originale wurden für diese Ausstellung digitalisiert und als Inkjet Prints neu vergrößert.

Seidenstücker Stadtportraits von Berlin nach 1945

Eine Serie mit Bildern des zerstörten Zoologischen Gartens von 1943 steht am Beginn von Seidenstückers
Auseinandersetzung mit den Folgen des Krieges. Nach dessen Ende im Mai 1945 wurden für Seidenstücker, ebenso wie für zahlreiche weitere Fotografen, die gewaltigen Zerstörungen und das Leben in den Trümmern zu einem wichtigen Thema. Doch im Gegensatz zu seinen Kollegen, die ihrer Betroffenheit und Erschütterung durch die Darstellung der Verwüstungen
Ausdruck gaben, ist bei Seidenstücker ein optimistischer Ansatz nicht zu übersehen.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, 1945
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Selbst unter den apokalyptischen Umständen der ersten Nachkriegsjahre behielt er seinen spezifischen Blickwinkel bei und zeigte, wie der Alltag sich zu normalisieren begann. Die Menschen gingen spazieren, besuchten Veranstaltungen, Kinder spielten in den Trümmern. Obwohl Seidenstücker noch in den 1950er-Jahren regelmäßig fotografierte und auch seine Bildsprache die Gleiche geblieben war, konnte er nicht mehr an die erfolgreiche Zeit seiner ersten Fotografenjahre anknüpfen.

Friedrich Seidenstücker
Frühling 1948
© bpk/Friedrich Seidenstücker

Es fehlte nicht nur das für ihn so wichtige unbeschwerte öffentliche Leben, sondern in den Redaktionen der wenigen Illustrierten wohl auch das Verständnis für seinen etwas schrägen Blick.

Landschaftfotografie des Friedrich Seidenstücker

Seidenstücker fotografierte die Landschaft, weil sie ihn emotional berührte. Ein großer Teil seiner Landschaftsfotografie ist von einer pittoresken Ästhetik, die sich an der traditionellen Landschaftsmalerei des ausgehenden 19. Jahrhunderts orientiert. Daneben gibt es aber auch Bilder, in denen er die karge Märkische Landschaft mit einer ebenso kargen Ästhetik
dargestellt hat. Bei diesen Aufnahmen von mageren Kiefern und morastigen Seen ging es ihm – statt um die Idylle – um die sachliche Darstellung einer typischen Landschaft, der alles Romantische und Malerische fehlt.

Friedrich Seidenstücker
Gosener Berge, um 1938
bpk – Bildagentur für Kunst, Kultur und Geschichte

Bemerkenswert sind seine Bilder, in denen er die Verschmutzung der Umwelt zum Thema machte. Es sind Aufnahmen von weggeworfenem Müll, der Tümpel und Bäche zu Kloaken verkommen ließ und Ausflugsorte verunreinigte. Diese Sicht auf die Natur ist in der Fotografie dieser Zeit noch eine große Seltenheit. Aber auch die Lust am Skurrilen ist ihm in der Natur nicht abhanden gekommen, wenn er hier seltsame Fabelwesen und Fantasiefiguren entdeckt.

Straßenfotografien Seidenstückers

Friedrich Seidenstücker war ein fotografierender Spaziergänger. Von Frühling bis Herbst war er auf den Straßen Berlins unterwegs. Er reagierte spontan auf das, was ihm begegnete und gefiel: schöne Frauen, spielende Kinder, Straßenhändler und Arbeiter, Paare am Wannseestrand. Daneben gibt es aber auch Bilder von Arbeitslosenspeisungen und Bettlern, Streikposten vor der AEG und politischen Kundgebungen. Ihm ging es also durchaus um eine komplexe Stadtbeschreibung.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel (Pfützenspringerinnen), um 1930,
© bpk / Friedrich Seidenstücker

In der Darstellung des turbulenten Lebens der Großstadt, die aber noch immer auch dörfliche Strukturen besaß, suchte er nach Verlangsamung, nach Momenten authentischen Lebens. Mit der Veränderung des Straßenbildes in der Nazizeit, verlor er an dem Genre der Straßenfotografie zeitweise das Interesse.

Zoofotografie, ein Lieblingsthema Seidenstückers

Der Zoologische Garten war einer der Lieblingsorte von Friedrich Seidenstücker. Seidenstücker besucht den Zooglogsichen Garten Berlins bis ins hohe Alter fast täglich. Schon ab 1904 fing er an, fotografische Studien für seine Bildhauerei anzufertigen. Im Lauf der Zeit veränderte er seinen Blick und fotografierte den Zoo als sozialen Ort, an dem sich Menschen und Tiere in der Großstadt begegnen. Mit seinem feinsinnigen Gespür für das Komische beobachtete er die unterschiedlichen Formen der Kontaktaufnahme, wobei er häufig die Perspektive des Tieres einnahm. So konnte das Zootier menschliche Züge annehmen, und die Zoobesucher wurden zu exotischen Wesen.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, um 1929
© Stiftung Stadtmuseum Berlin

Durch seine tägliche Präsenz im Berliner Zoo war Seidenstücker nicht selten Zeuge besonderer Augenblicke. Hier lebte er sein fotografisches Jagdfieber aus und bediente seinen Kundenstamm bei Bildagenturen und Illustrierten.

Friedrich Seidenstücker
Ohne Titel, um 1927
© bpk / Friedrich Seidenstücker

Fotoausstellung Seidenstücker noch bis zum 06. Februar in Berlin

FOTOAUSSTELLUNG  “Von Nilpferden und anderen Menschen” bis zum 6. Februar 2012

ÖFFNUNGSZEITEN
Mi – Mo, 10.00 bis 18.00 Uhr

BERLINISCHE GALERIE

LANDESMUSEUM FÜR MODERNE KUNST, FOTOGRAFIE UND ARCHITEKTUR
ALTE JAKOBSTRASSE 124-128

Foto: Nina Straßgütl

VERKEHRSVERBINDUNGEN
U1 / U6 Hallesches Tor
U6 Kochstraße / U8 Moritzplatz
M 29, 248

EINTRITTSPREISE
Tageskarte: 8 Euro / erm.: 5 Euro
Jeden 1. Montag im Monat: 4 Euro
Freier Eintritt bis 18 Jahre

Eine Ausstellung der Berlinischen Galerie in Zusammenarbeit mit der bpk – Bildagentur für Kunst, Kultur und
Geschichte und der Stiftung Stadtmuseum Berlin. Ausstellung und Katalog werden durch die großzügige
finanzielle Unterstützung des Fördervereins der Berlinischen Galerie e.V. ermöglicht.

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Es ist Wochentag und die Boot 2012 präsentiert sich als eine eher entspannte Messe in äußerst gediegener Atmosphäre. Kein schallendes Tamtam wie auf der CeBIT, oder leicht bekleidete Damen, sondern eine vornehme Atmosphäre für seebegeisterte Enthusiasten beherrschen das Messebild. Mega-Yachten die bis an die Hallendecke reichen sucht am auf der boot 2012 allerdings ebenso vergebens.

Nach Bekunden der Messeaussteller sind die Mega-Luxus-Liner von den Ausstellungsflächen der boot 2012 vollends verschwunden. Hersteller und Repräsentanten solcher Multi-Millionen-Dollar Yachten präsentieren sich mittlerweile bevorzugt direkt auf Fachmessen in den Arabischen Emiraten und sonstigen lukrativen Märkten.

Dennoch und trotz Weltwirtschaftskrise können die Aussteller der boot 2012 über den Bootsabsatz nicht beschweren, auch wenn der Absatz für alle Beteiligten spürbar zurückgegangen ist.

Die boot 2012 hat weiterhin ausreichend Spektakuläres zu bieten. Dazu einige Impressionen von unserem Rundgang auf der Boot 2012:

Von PS-starken Speedbooten mit edlen Cockpit-Ständen…

und interessanten Einsichten in luxuriöse Unterdeck-Kabinen…

In einer solchen Ausstattung kommt der Bootsbegeisterte für rund 800.000 EUR – also noch unterhalb einer Schmerzgrenze einer Million nicht nur ein PS starkes Boot mit einer Länge von rund 16 Metern sondern dafür zugleich jede Menge Edles geboten.  Weniger gutsituierte Wassersportler können sich bei den Gebrauchtangeboten ab 250.000 EUR umschauen.

Bis hin zu historischen Leistensegelern im Classic Forum hat die boot 2012 für Besucher wie Fotografen jede Menge zum Staunen.

Dieser Leistensegler wurde in einem Zeitraum von rund 10 Monaten in feinster Handwerkskunst aus einem nahezu schrottreifen Segelliner aus den 1960er Jahren komplett neu aufgebaut.

Nicht nur, dass dieses Boot hollandischer Herkunft komplett neu ausschaut, der Eigner hätte sich für die Auftragskosten zweifellos ein neues Segelboot leisten können. Wer sich jedoch detailverliebt gibt und in solch harmonische Linienführung einer so gekonnt filigranen Handarbeit verguckt, der wird schnell erkennen, dass der stolze Bootsbesitzer wohlmöglich ein Schnäppchen mit dieser Restauration gemacht hat. Es gibt nur wenige Manufakturen die sich im Bootsbau so meisterlich verstehen und zweifellos ist dieser elegante Holzsegler ebenso ein Highlight wie die supermodernen Mega-Yachten.

Dennoch birgt dieses Schiff ein Geheimnis. Wer Hinweise zu diesem Segelboot, über seinen ursprünglichen Erbauer, also der ursprünglichen Werft oder den Schiffstyp geben kann, wird gebeten sich mit uns oder der Bootswerft Funger in Verbindung zu setzen. Die Renovierung erforderte eine komplette Entkernung des Bootes, nachfolgend die Überarbeitung des Innenrumpfes. Die Schotten wurden neu gesetzt, wie auch innere Einbauten. Die Aussenhaut des Segelbootes erhielt eine zusätzliche Funierschicht und wurde – wie alle Bootsteile – mit einem mehrschichtigen Anstrich versehen.

Die Ocean-Lounge lud zum verweilen ein und präsentiere mediteranes Flair und Shoppingwelten rund um den Wassersport.

Auch Abstrakte Ansichten gibt es auf der boot 2012 zu entdecken:

Diese komplett aus Aluminium und Edelstahl gefertigte Segel-Yacht war nicht nur für uns ein absoluter Hingucker und fazinierte mit ihrer schillernden Oberfläche und eleganten Formen und Linien.

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Ob ein Upgrade von Lightroom 3.0 zu Lightroom Version 4.0 lohnt bleibt eine Einzelentscheidung. Ich empfehle zunächst erst einmal abzuwarten. In der Regel folgen einer ersten, neuen Softwareversion meist eine Reihe Updates zur Fehlerbereinigung und weiteren Verbesserung. Auch Lightroom 4 wird hier kaum eine Ausnahme von dieser goldenen Softwareregel machen… Insofern ist man mit Lightroom Version 3.0 sicherlich keinesfalls schlecht bedient, zumal die Hauptfunktionen ohnehin dieselben bleiben.

Lightroom bietet künftig erweiterte Videofunktionen

Neuerungen in der Lightroom Version 4.0 sind vor allem verfeinerte Einstellungen für Schatten- und Helligkeitssteuerung. Auch die Videounterstützung für DSLR Kameras soll maßgebliche Verbesserungen aufweisen. Die neue Lightroom Version 4.0 soll unter anderem erweiterte Funktionen zur Videobearbeitung und die Möglichkeit zur Einzelbildextraktion aus hochauflösendem Videomaterial bieten. Dennoch wird auch die neue Lightroomversion keinesfalls mit spezialisierter Videosoftware konkurieren können. Desweiterung wurde die Veröffentlichung von Videomaterial in Social Media wie Facebook und Flickr ergänzt. Für diejenigen für die Videobearbeitung gegenwärtig ohnehin kein Thema ist oder zumindest keinen Schwerpunkt darstellt dürften solche Features allerdings nachrangig sein.

Vorschau der Möglichkeiten im neuen Lightroom 4

Das folgende YouTube Video veranschaulicht die Neuerungen in der Lightroom Version 4.0 an einem Praxisbeispiel:

Click here to view the embedded video.

Viele kleinere Funktionen sollen auch aufgrund des Feedbacks der Benutzergemeinschaft eingeflossen sein. Hierzu könnten die neu überarbeiteten Steuerelemente für die Tonwertkorrektur zählen mit denen sich künftig auf noch einfachere Art ein größtmöglicher Dynamikumfang aus Bildmaterial herauskizeln lässt.

Lightroom 3 JETZT besonders preisgünstig!

Für alle diejenigen denen heute wie morgen auch die soliden Hauptfunktionen der ausgereiften Lightroom Version 3 ausreichen: FOTOQUIP bietet Lightroom 3 als preislich besonderes attraktives Aktionsangebot, wobei die starke Preisreduktion von Adobe zeitlich bis zum 05. Februar 2012 begrenzt ist. Lightroom 3 bietet mit seinem letzten Update zur stabilen Lightroom Version 3.6 jedenfalls eine solide Grundlage zur Bildverwaltung und Bildbearbeitung. Dies bestätigt auch der Hersteller selbst, doch lest selbst:

Lightroom 3 holt das Optimum aus Ihren Fotos heraus

Wie heißt es bei Adobe so schön? Zitat: “Mit Adobe® Photoshop® Lightroom® 3 holen Sie das Optimum aus Ihren Fotos heraus. Leistungsstarke Funktionen erleichtern das Durchsuchen, Verarbeiten und Organisieren von Bildbeständen jeder Größe. Erstellen Sie atemberaubende Bilder, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Experimentieren Sie mit innovativen Werkzeugen zur verlustfreien Bearbeitung. Verwalten Sie alle Aufnahmen bequem von zentraler Stelle aus. Präsentieren Sie Ihre Arbeiten in ansprechenden Printlayouts, Diashows, Web-Galerien oder auf Online-Fotoplattformen. Photoshop Lightroom 3 vereint alle wichtigen Fotografiewerkzeuge in einer schnellen, intuitiven Anwendung.”

Ich wiederhole: “…Optimum…” Erwartungsgemäß wird die neue Lightroom Version 4 keinesfalls schlechter ausfallen. Seien wir einmal ehrlich, oder realistisch: Geht Bildbearbeitung, Bildgestaltung mit neuer Software tatsächlich immer besser? Dazu fällt mir die Analogie zur Waschmittelindustrie ein: Auch dort sollen die neuen Waschmittel unsere Wäsche immer weißer waschen? Seit Jahrzehnten!

Mir ist es wichtig fotografisch aktiv zu sein, meine Kenntnisse hinsichtlich Bildgestaltung und Bildbearbeitung zu schulen und zu trainieren. Vielleicht bin ich da auch altmodisch, oder durch meinen Beruf auch einfach vorbelastet, jedenfalls warte ich auch in diesem Fall einmal wieder geduldig auf die Bestätigung anderer Fotografen, dass das neue Lightroom tatsächlich bahnbrechende und innovative Neuerungen bietet. Dann wage ich vielleicht ebenfalls ein Upgrade einer sicherlich auch dann immer nicht betagten Version Lightroom 3.6… Wissen und Fakten zählen eben machmal mehr als pure Erwartungen, irgendwie war das vor gar nicht so langer Zeit mit meinem Mobiltelefon ähnlich…

Verratet uns Eure Meinung!

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Marc Godecke ist einer dieser leidenschaftlichen Winter-Fotografen. Marc hat dazu ein eigenes Foto-Projekt in’s Leben gerufen. Viele Fotografen wie Marc schätzen die Fotografie im Winter, mit ihrem Kristall-Zauber auf ganz besondere Weise. Die spannende Geschichte von Marc und seinem Projekt zur Fotografie im Winter lest ihr hier…

Ein Berg als Fotoprojekt im Winter

Mein kleines Fotoprojekt im Winter befasst sich mit dem “Steinberg” in Schwelentrup, das ist ein kleiner Ortsteil von Dörentrup. Dieser kleine Juwel voller Natur liegt direkt im Herzen der Region Ostwestfalen-Lippe. Der “Berg” ist gemessen an den Alpen eher ein Hügel und mit seinen knapp 400 Metern Höhe auch nicht viel größer als die anderen Hügel drum herum. Klingt nicht sonderlich spannend und wäre es auch nicht, wenn da nicht ein paar Besonderheiten wären: Die Hügelkuppe wurde  in der Zeit des kalten Krieges als Militärbasis genutzt auf der Raketenabwehrgeschosse in Stellung gebracht wurden. Dadurch wurde dort keine Forstwirtschaft betrieben und die Vegetation konnte sich abseits der Kasernen und Panzerwege natürlich entfalten.

Eine zweite Besonderheit ist der Boden dort oben. Direkt auf dem Bergrücken befindet sich ein kleines Hochmoor – eine kostbare Rarität, die durch ihre extrem nährstoffarme Ökologie ein einzigartiges Spektrum an Tieren und Pflanzen besitzt. Das Gelände wurde nach Abzug der Besatzungsmächte vom Naturschutzbund übernommen und fast vollständig renaturiert.

Natur bietet zu jeder Zeit fotografische Reize

Der Berg zieht mich seit Jahren magisch an. Auch schon bevor ich 2004 mit der Fotografie anfing, bin ich dort fast jeden Monat einmal hoch gewandert. Einfach um die Aussicht und die noch halbwegs unberührte Natur zu genießen. Später – mit meiner ersten eigenen Kamera – entwickelte er sich zu meinem bevorzugten “Jagdrevier”.

Bis daraus schließlich ein Projekt wurde, vergingen allerdings noch Jahre. Obwohl ich schon recht früh nach dem Einstieg in die Fotografie eine Menge positiver Rückmeldungen zu meinen Bildern bekam und sowohl der Naturschutzbund NABU, als auch die regionale Tourismusbranche Interesse zeigten, wollte ich erstmal die Fotografie in all ihren Facetten kennen lernen, bevor ich mich auf ein bestimmtes Gebiet festlege.

Naturfotografie zum Projekt machen

In den letzten Jahren hat mich der Bereich Naturfotografie zunehmend angelächelt. Von da an war es nur noch ein kleiner Schritt ein Projekt aus dem Berg zu machen. Hobbyfotografen sind ein geselliges Volk und da ich in den vergangenen Jahren einige hundert kennen gelernt habe, waren auch schnell ein paar gefunden, die Interesse an einer Jahresdokumentation zeigten. Diese ist gerade in der Vorbereitung und soll direkt im Wintermonat Januar starten.

Den Teil mit der Suche nach späteren Präsentationsmöglichkeiten (Ausstellungen, Multivisionsvorträge, etc.) werde ich wohl einigen befreundeten Fotografen vom Fotoforum OWL überlassen, damit ich mich auf die Arbeit vor Ort konzentrieren kann. Im Moment versuche ich einen Leitfaden für das kommende Jahr zu entwerfen und damit sind wir bei der Überschrift und der Frage: Was fotografiert man bloß im Winter?

Eine fotografische Reise in Monaten

Meine Idee ist es die Geschichte des Berges über Fotos in Monatsetappen zu erzählen und dabei jedem Monat einen fotografischen Schwerpunkt zu geben. Von April bis Oktober ist das einfach, weil dann immer irgendwelche Tiere unterwegs sind, Pflanzen blühen, oder der Herbst mit bunten Farben lockt. Der Monat November bietet hingegen bereits keine großen Insektenaufkommen mehr, die Pflanzen sind verblüht, die Blätter gefallen und der Schnee lässt noch auf sich warten. Also was tun? Raus gehen und probieren!

Wetter und Jahreszeiten als fotografische Mitspieler verstehen

Gestern hatte ich mich ein wenig zu sehr auf die Idee versteift Tiere zu fotografieren und war ohne zufriedenstellende Beute heimgekehrt. Heute hatte ich mich von dieser Vorstellung befreit und siehe da, es passierte etwas. Einer meiner Freunde hätte es vermutlich als “Jazz” bezeichnet – ein Musiker fängt an, der nächste greift mit seinem Instrument die Melodie auf und dann der nächste und so weiter, bis daraus eine stark improvisierte, aber sehr lebendig Melodie wird.

Meine fotografischen Mitspieler waren heute Nebel, Morgenröte, Raureif, Kälte, Licht, Schatten, Formen, Strukturen und Farbtupfer. Keine festen Vorgaben in meinem Kopf, nur eine Melodie aus Bildern, von der ich mich habe tragen lassen.

Und plötzlich ist sie da, die Geschichte des Novembers. Die Geschichte vom Monat der schon den Winter begrüßt, aber den Herbst noch nicht los gelassen hat. Die Geschichte von den letzten Zeugen der warmen Jahreszeit, die sich noch behaupten. Die Geschichte von der Zeit, in der das Licht schwindet und die Welt sich in Nebel hüllt. Die Geschichte von klaren, erstarrten Strukturen, die sich darauf vorbereiten unter dem weißen Gewand des Winters zu schlafen.

Vielleicht war das perfekte Bild noch nicht dabei, aber zumindest habe ich ein Gefühl dafür bekommen in welche Richtung es künftig gehen könnte.

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FOTOQUIP – Sascha Wichert: Regina, wir kennen uns seit Jahren vom Stammtisch der Fotofreunde OWL, Du prägst mittlerweile einen eigenen fotografischen Stil den ich besonders faszinierend finde. Wie ist es dazu gekommen?

Regina Hauke: Ich bin eine leidenschaftliche Hobbyfotografin. Die Fotografie begleitet mich schon seit meiner Kindheit. Angefangen habe ich mit der Kamera meines Vaters, eine Voigtländer Vito II. Damals musste ich noch mit einem Handbelichtungsmesser die Blende und Belichtungszeit bestimmen. Fotografiert wurde alles was mir vor die Linse kam. Ich hatte sogar eine eigene Dunkelkammer ich die Filme und Fotos selbst entwickeln durfte.

Regina Hauke – Naturfotografin mit einem Fable für Planzen, Blumen und Landschaften

FOTOQUIP – Sascha Wichert: Blumen, Pflanzen, Landschaften üben ganz offensichtlich eine besondere Faszination auf Dich aus. Was ist das besondere daran und wie kam es dazu?

Regina Hauke: Inzwischen sind Pflanzen jeder Art sind zu meinem Hauptthema geworden.  Früher hatte ich die Blumen meistens vor einem schwarzen oder weißen Hintergrund fotografiert und mit Fotolampen ausgeleuchtet. Durchgängige Schärfe war mir sehr wichtig. Damals konnte ich mit meiner Kompaktkamera den Schärfepunkt nicht so genau bestimmen. Als ich dann später die erste digitale Spiegelreflexkamera bekam, eine Nikon D70, begann das Spiel mit der Blende und Schärfe. Mit einem Makroobjektiv eröffnete sich mir somit die faszinierende Welt der kleinen Dinge.

Sascha Wichert: Hier seht ihr im “Making Of”, wie das obere Bild mit dem Titel “Zeitverschiebung” aus zwei unterschiedlichen Bildern entstanden und mit der weiteren Bearbeitung im Bildcharakter förmlich gewachsen ist.

Meine Experimentierfreudigkeit begann, als ich anfing meine Fotos mit verschiedenen Filtern zu bearbeiten. Photoshop ermöglicht mir heute weitere kreative Arbeitsweisen. Durch das Einfügen mehrerer Ebenen mit verschiedenen Texturen verwandle ich meine Blumenbilder in kleine Kunstwerke. Oft arbeite ich tagelang an einem Bild. Schon bei der Aufnahme habe ich den Hintergrund im Blick: er darf nicht zu unruhig sein, damit ich später Texturen einfügen kann. Am besten eignet sich dafür ein weißer Hintergrund. Zuhause habe ich mir ein kleines Fotostudio eingerichtet und ich arbeite dort mit zwei Blitzköpfen und verschiedenen Hintergrundsystemen.

Fotografie und Malerei verschmelzen in den Bildern von Regina Hauke förmlich zu einer neuen Kunstart

FQ – Sascha Wichert: Ich erinnere mich daran, dass Du schon frühzeitig Blumen in einer ganz speziellen Art und Weise betrachtet und fotografiert hast. Erzähl uns etwas mehr darüber…

Regina Hauke: Bei meinem Eisblumenprojekt  2009 habe ich auf den Einsatz der Bildbearbeitung gänzlich verzichtet. Es erforderte allerdings viel Vorbereitung. Dazu habe ich verschiedene Blumen in Gefäße eingefroren und sie dann fotografiert. Dabei war es mir wichtig, dass die Blumen nicht vollständig im Eis verschwinden, sondern dass die Blüten noch deutlich erkennbar sind. Auch die Konsistenz der Eiskristalle sollte man in den Bildern sehen können. Das erforderte viele Versuche und letztendlich gelang es mir durch den Einsatz von zwei Studioblitzen.

Brillante Fotografien von Früchten, Obst und Gemüse

FOTOQUIP – Sascha Wichert: Ich habe auch absolut brillante Fotografien von Früchten, Obst und Gemüse von Dir gesehen. Hast Du damit etwas Neues versucht?

Regina Hauke: Letztes Jahr habe ich für eine Website mit Kochrezepten Obst- und Gemüse fotografiert. Das war eine neue Herausforderung und hat mir sehr viel Spaß gemacht. Die Vorgabe war ein weißer Hintergrund und ein Bildformat von 622 x 300 Pixel. Durch das knappe Format ergaben sich einige Einschränkungen und so musste ich schon bei der Aufnahme die ungefähren Bildausschnitte im Kopf haben. Alle Bilder dieser Serie sind mit einem 60mm Nikkor entstanden und ich habe die Schärfe oft ganz gezielt auf einen Punkt gelegt um dem Bild Spannung zu geben. Zu sehen sind die Fotos bei  www.kulinarische-fantasien.de

Robert Mapplethorpe mit seinen Still-Leben von Blumen inspirierte Regina Hauke zu ihrer leidenschaftlichen Fotografie

FQ – Sascha Wichert: Welche Künstler und Fotografen zählen zu Deinen Favoriten? Haben diese Deine fotografische Arbeit geprägt?

Regina Hauke: Die Arbeiten von Robert Mapplethorpe inspirieren mich, besonders seine Still-Leben mit Blumen. Ebenso die Fotocollagen, Verfremdungen, Mehrfachbelichtungen und Überlagerungen von David Hockney. Er zählt zu meinen größten fotografischen Vorbildern. Besonders seine Fotocollagen aus Einzelbildern haben mich fasziniert. Zu analogen Zeiten habe ich damals mit Papierbildern ähnliche Collagen hergestellt.
Die frühen Arbeiten von Cindy Sherman finde ich sehr spannend. Irvin Penn, Karl Blossfeldt, Annie Leibovitz, Loretta Lux sind einige namhafte Fotografen, deren Arbeiten mich besonders ansprechen.

Für den Einstieg in die Welt der Fotografie reicht zunächst oft die Kompaktkamera

FOTOQUIP – Sascha Wichert: Welche Tipps hast Du für Neueinsteiger in den Bereich der digitalen Fotografie?

Regina Hauke: Als Neueinsteiger würde ich zunächst einmal mit einer Kompaktkamera die ersten fotografischen Versuche unternehmen. Die Aufnahmequalität ist heutzutage schon hervorragend. Wenn man damit dann an die technischen Grenzen kommt und neue fotografische Herausforderungen sucht, empfehle ich den Umstieg zu einer digitalen Spiegelreflexkamera.

Gute Fotografie verlangt zumindest zweierlei: Zeit und Geduld

FQ – Sascha Wichert: Du würdest mir also zustimmen, wenn ich behaupte, dass jeder von uns Fotografen seine Zeit braucht und sich diese auch unbedingt nehmen sollte um sich in seinen Ergebnissen langsam und beständig zu steigern? Weil ich Dich kenne, weiß ich dass Deine Bilder letztlich zu dem geworden sind was wir heute alle gemeinsam bewundern weil Du Dich im Lauf der Jahre ausgiebig diesem Bildthema beschäftigt hast.

Regina Hauke: Ja, absolut! Ich lerne mit jedem Foto und jeder Bildbearbeitung ständig dazu. Ich denke sogar ich mache durchaus noch einige Fehler. Nur wenn ich mir selbst gegenüber kritisch bin und auch offen für Neues bin, werde ich mich in der Fotografie weiterentwickeln. Und genau daran habe ich Spaß!

Fotokalender Blütenträume 2012 – Fotografie und Malerei zugleich

FOTOQUIP – Sascha Wichert: Was mich ebenso wie alle anderen vor allem unter Deinen fotografischen Arbeiten begeistert sind Deine mittlerweile außergewöhnliche kunstvollen und malerischen Blumenportraits. Hier hast Du wahrlich eine sehr bemerkenswerte Entwicklung vollzogen. Dazu hast Du auch einen Fotokalender in einer Kleinstauflage aufgelegt?

Regina Hauke: Seit 2006 mache ich jedes Jahr einen Fotokalender von meinen Blumenbildern. Aufgrund der Nachfrage von  Freunden und Bekannten habe ich mich entschlossen, für nächstes Jahr wieder einen Fotokalender drucken zu lassen.  Er heißt „Blütenträume 2012“. Diesmal habe ich versucht  Malerei und Fotografie miteinander verschmelzen zu lassen.

Zuerst wurden die Bilder auf Fotopapier in Form eines Fotokalenders bei Saal Digital bestellt. Die Abbildungsqualität war natürlich erwartungsgemäß gut, aber leider eignete sich das Fotopapier aufgrund der fehlenden Steifigkeit nicht für einen Fotokalender. Ich habe dann mit Pixelspeed einen regionalen Anbieter gefunden, der mir die Kalender auf einem speziellen 300g Fotopapier im Digitaldruckverfahren aufgelegt hat.

FOTOQUIP – Sascha Wichert: Ich bin von Deiner Art der Fotografie schlichtweg begeistert. Ich danke Dir für das informative Gespräch und wünsche Dir weiterhin viel Erfolg und vor allem einen lang anhaltenden Spaß an dieser Form der Fotografie…

Unter allen Kommentaren und neuen Facebook-Followern verlosen wir den neuen Fotokalender 2012 von Regina Hauke. Stichtag ist der 15. Dezember 2011, der Rechtsweg ist natürlich wie immer ausgeschlossen.

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Nikon nutzt einen als im CX-Format gekennzeichneten Sensor mit einer Sensorfläche von 13,2 mm x 8,8 mm. Der Sensor liefert eine Auflösung von 10,1 Megapixel und bietet eine Lichtempfindlichkeit zwischen ISO 100 und ISO 3.200 (Boost bis ISO 6.400). Fotos können die Nikon 1 V1 und Nikon 1 J1 im JPEG- als auch im RAW-Format aufnehmen.

Hybrid-Autofokussystem und Vielzahl von Fokusmessfeldern

Eine erste Besonderheit der Nikon 1 V1 und Nikon 1 J1 ist ein in den Bildsensor integriertes Hybrid-Autofokussystem mit extrem vielen Fokusmessfeldern: Bei Motiven in schneller Bewegung aktiviert das System einen Phasenerkennungs-AF mit 73 Messfeldern, bei unbeweglichen Motiven oder wenig Licht den Autofokus mit Kontrasterkennung und 135 Fokusmessfeldern.

Leistungsstärkster Bildprozessor Expeed 3

Brandneu ist auch der in der V1 und J1 verbaute Bildprozessor Expeed 3. Der Expeed nutzt zwei Leistungseinheiten um Bilddaten mit bis zu 600 Megapixeln pro Sekunde zu verarbeiten. Laut dem japanischen Unternehmen werden die Nikon-1-Modelle damit zu den schnellsten Kameras der Welt: Nikon verspricht bis zu 60 Bildern pro Sekunde mit voller Auflösung! Videos zeichnen sowohl die V1 als auch die J1 in Full HD auf. Beachtlich ist, dass sich während des Filmens sogar Fotos in voller Auflösung speichern lassen, die Filmaufzeichnung läuft ununterbrochen weiter.

J1 mit Ausklappblitz, V1 bietet Anschluss für externen Blitz + GPS-Modul

Während die J1 als Kompaktversion über einen integriertem Ausklappblitzgerät verfügt, bietet die V1 keinen eingebauten Blitz. An der V1 kann jedoch der Multifunktionsanschluss für einen externen Blitz genutzt werden. Nikon bietet hierfür das optional erhältliche Blitzgerät SB-N5, ideal weil es auch indirekten Blitzen erlaubt.

Statt des Blitzgeräts kann der Anschluss an der V1 auch zum Anschluss eines GPS-Empfängers dienen. Dann werden neben den üblichen Metadaten auch Längen- und Breitengrad und Höhenposition zum Geotagging in den Bilddaten mit gespeichert.

Nikon – Neuling im Marktfeld der Systemkameras

Es war absehbar, dass Nikon – weltweit neben Canon führender Hersteller professioneller DSLR-Kameras – jetzt auch im Marktsegment der Systemkameras mitmischt.

Nachdem vor allem Sony und Panasonic dieses Umfeld der Systemkameras bislang dominieren könnte sich dies durch die neuen Modelle  V1 als auch die J1 schon sehr bald ändern. Nikon beruft sich auf seine jahrzehntelange Erfahrung als Kameraspezialist und hat es auch nicht nötig seine Kunden mit extrem gepushten Megapixelwerten zu blenden.

Niedriges Rauschen, hohe Verarbeitungsqualität – typisch Nikon

Nikon ist bekannt für Kameramodelle mit geringem Rauschen und diesen Ruf wird der Japaner mit den neuen Modellen V1 und J1 auch weiterhin treu bleiben. Dafür trumpfen beide Nikon Modelle mit einem mega starken Bildprozessor ermöglichen wirklich innovative Funktionen. Auch in punkto Design überzeugen beide Modelle und erinnern stark an die von Leica geprägte Optik.

Mit der Magnesiumlegierung des V1 Gehäuses überzeugt die neue Nikon Systemkamera auch in der Verarbeitungsqualität. Ein Leichtgewicht sind beide Kameras zwar nicht, aber dafür robust und liegen mit ihrem Gewicht gut bedienbar in der Hand.

V1 und J1 sind die Kompakten für unterwegs

Nikon 1 V1 und Nikon 1 J1 sind weniger für ambitionierte Profifotografen gedacht, die Vorzüge eines manuellen Modus schätzen, sondern vielmehr auf ihren Automatikmodus spezialisiert.

Doch weder die J1 noch die V1 sind als ernsthafte Alternative zu etablierten DSLR-Kameras konzipiert. Jedoch nutzen viele Fotografen neben ihrer digitalen Spiegelrefelexkamera mitsamt umfangreichem Equipment parallel noch eine Kompakte für Schnappschüsse. Hier ist die Nikon 1 eine Alternative mit solider Leistung und bietet zudem die Nutzung von Wechselobjektiven.

Schließlich hat Nikon beide Kameramodelle vorrangig speziell für die Anfordernisse von Einsteigern und Umsteigern aus dem Markt der üblichen Kompaktkameras entwickelt. Doch egal aus welcher Richtung man sich für die neuen Nikon 1 Modelle interessiert, mit jede dieser beiden Systemkamera bietet hervorragende Eigenschaften für herausragende Bilder für unterwegs.

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Siegessäule und Trabant XXL Limo beim Festival of Lights

Meine erste Anlaufstation war die Siegessäule am Großen Stern. Inmitten des Tiergartens in Berlin wurde die Siegessäule von 1864 bis 1873 als Nationaldenkmal der Einigungskriege nach einem Entwurf von Heinrich Strack erbaut. Die Säule trägt eine von Friedrich Drake geschaffene Bronzeskulptur in Form einer weiblichen Figur Viktoria. Zur Rechten trägt die goldene Statue einen Lorbeerkranz, in der Linken ein Feldzeichen, ihr Helm ist mit Adlerflügeln geschmückt. Viktoria ist sowohl in der römischen wie in der griechischen Mythologie die Rolle der geflügelten Siegesgöttin zu Teil. Keine Frage, dass ein solches Motiv – noch dazu in solch beeindruckender Illumination nicht nur Fotografen begeistert!

Trabi XXL – Eine weltweit einzigartige Limosine

Nachdem ich dort erste Aufnahmen gemacht hatte, lernte ich dort Sebastian Schneier kennen. Sebastian parkte mit seiner außergewöhnlichen Limousine, einem Trabant in XXL Format, direkt vor meiner Nase. Auf meine Frage ob Sebastian sein Trabi-Unikat noch ein Weilchen parken würde, war das Objektiv schnell gewechselt. Mit meinem neuen Weitwinkel, einem Canon 10-22mm EF-S Objektiv, passte auch die über sieben Meter (!!!) lange Trabant Limo mitsamt Siegessäule auf das Bild.

Natürlich habe ich Sebastian versprochen ihm die entstanden Bilder zu mailen und wurde zum Dank von ihm darauf hin prompt zu einer Stadtrundfahrt eingeladen! Ein wahrlich einmaliges Erlebnis, dass ihr bei Eurem nächsten Berlin Besuch unbedingt selbst ausprobieren solltet! Berlin-Touren und Erlebnisfahrten der besonderen Art lassen sich unter www.trabi-xxl.de reservieren. Eine lobenswerte Idee des Jungunternehmers zum Umweltschutz ist, für jede gebuchte Fahrt einen Baum zu pflanzen. Ein äußerst begrüßenswerter Ansatz und ein Beweis dass es sich lohnt sich aktiv für Umweltschutz zu engagieren!

Festival of Lights – 12 strahlende Nächte voller Licht, Spaß und Emotionen

Wieder einmal sind 12 strahlende Nächte voller Licht, Spaß und Emotionen vorüber gegangen. Das Festival of Lights war ein voller Erfolg! Die Schar der Fotografen und Besucher die sich extra wegen des Festival of Lights auf den Weg nach Berlin gemacht haben erschien in diesem Jahr besonders groß zu sein. Wohin man in die Metropole auch kam, überall begegneten uns bestens gelaunte Berliner, Touristen und vor allem Fotografen. Der Umfang schwerer Fotoausrüstung, die zumeist auf Stativ in Position gebracht wurde, und höchst professionellem DSLR-Equipment war schier überwältigend.

Model Shooting vor illuminierten Kulissen und Schauplätzen in Berlin

Wir möchten Euch an dieser Stelle einen Eindruck in Bildern vom Festival of Lights und äußerst interessanten Ereignissen drum herum geben… Wie heisst es so schön? „Berlin ist immer eine Reise wert!“ und da ist in der Tat was dran! Vor dem Berliner Dom habe ich den Fotografen Hans-Joachim Sittnick kennengelernt. Hans war dort in ein Model-Shooting vor der Kulisse des beleuchteten Berliner Doms vertieft. Seine Arbeit hat mich derart fasziniert, dass ich ihn kurzerhand ansprach und zu einem Interview bei uns auf dem FOTOQUIP Blog einlud:

FOTOQUIP Blog, Sascha Wichert: Herr Sittnick, mit Ihrem professionellen Shooting zum begleitenden Festival of Lights am Berliner Dom haben Sie auch bei den umstehenden Besuchern des Festivals für ein reges Interesse für Ihre höchst professionelle Portraitfotografie geweckt. Wie kamen Sie auf die Idee das Festival of Lights als Kulisse für Ihr Shooting zu nutzen?

Hans-Joachim Sittnick, www.digiFotografBerlin.de: Seit längerer Zeit habe ich die Idee “Berlin bei Nacht” als Kulisse für meine Fotos zu nutzen. Das Festival of Lights bietet sich in der Hinsicht an um die beleuchteten Gebäude gezielt als Hintergrundmotiv zu nutzen. Gebäude die sonst bei Nacht eher unscheinbar wirken oder nicht zu den Outfits der Models passen zeigen sich beim Festival of Lights von ihrer besten Seite. Die farbliche Gestaltung und Inszenierungen der Gebäude gibt mir als Model-Fotograf Spielraum für die Umsetzung neuer Ideen und Techniken. Outdoor Shootings sind immer eine Herausforderung, da das Setting immer ein anderes ist. Insbesondere die illuminierten Hintergrundszenen sind eine besondere Herausforderung für jeden Fotografen, da die Langzeitbelichtung für den Hintergrund mit den Studioblitzen für die Ausleuchtung des Models in Einklang zu bringen ist.

FOTOQUIP Blog, Sascha Wichert: Ihr Equipment am Set war schon etwas umfangreicher als nur Blitz und Stativ, erläutern Sie bitte für uns welches Equipment bei Ihren Shootings notwenig ist.

Hans-Joachim Sittnick: Ich benutze eine Nikon D3s und eine Walimex pro Blitzanlage, VC 600 plus mit Strip-Softboxen 25x180cm als Führungslicht, VC 400 plus mit Softbox Pro 40x50cm als Aufhellung fürs Gesicht, VC 400 plus mit Reflektor und Tore als Lichtkante. Für die Studioblitze benutze ich 2 Tonix Explorer XT als Stromquelle. Als Fotostativ habe ich ein Manfrotto 504 HDV Stativ da ich auch Videos mit meiner Nikon drehe. Für Fotos im Hochkantformat verwende ich einen Winkelaufsatz.

FOTOQUIP Blog, Sascha Wichert: Sicherlich haben Sie bereits konkrete Pläne für zukünftige Foto-Projekte. Welche ausgefallene Fotoidee in Berlin möchten Sie am liebsten direkt verwirklichen?

Hans-Joachim Sittnick: Auf jeden Fall werde ich die Fotoreihe “Berlin bei Nacht” weiter im Auge behalten und nach passenden Locations Ausschau halten. Derzeit ist eine weitere Fotostrecke mit der Mode von Meike Deter in Vorbereitung. Für die Zukunft plane ich Aufnahmen im Stil des Barockzeitalters, Mode-Fotos in TV/Filmsets und Latexoutfits an ungewöhnlichen Orten.

Car-Shooting vor abendlicher Berliner Stadtkulisse

Und die Begleiterscheinungen rund um das Festival of Lights in Berlin wollten nicht enden: Während ich mich mit der Kamera in Richtung Obernbaumbrücke in Position gebracht hatte, fand direkt hinter mir ein äußerst spannendes Car-Shooting statt. Der Fotograf Thomas Stark vollendete dort vor atemberaubender Grossstadtkulisse das Portrait eines Grossraumvans und somit ein wirklich astreines Produktfoto.

Der professionelle Berufsfotograf Thomas Stark hat sich insbesondere auf die Präsentation von Auto-, Industrie- und Produktfotografie spezialisiert.

FOTOQUIP Blog, Sascha Wichert: Herr Stark, Sie zaubern hier mit einem Aufbau diverser gekoppelter Systemblitze ein wirklich beeindruckendes Motiv von einem Fahrzeug. Es handelt sich um ein geplantes Auftragsshooting und Ort und Zeit sind sicherlich gezielt von Ihnen ausgesucht?

Thomas Stark, www.thomasstarck.de: Die Kulisse nutze ich natürlich ganz bewusst. Wie lassen sich Emotionen besser in einem Bild festhalten als vor einer solchen Kulisse? Gute Produktfotos entstehen gezielt vor einem speziellen Hintergrund, einer ganz besonderen Umgebung. Berlin bietet hierzu vielfältige Möglichkeiten, auf die ich als Berufsfotograf natürlich immer wieder gerne zurückgreife.

Fotografen beobachtet Eure Umgebung!

Und da behaupte noch einer die Berliner seien unfreundlich! Wie ihr seht, lohnt es stets mit offenem Auge unterwegs zu sein und auch andere Fotografen und Menschen gezielt anzusprechen. Und dies gilt sicherlich nicht nur für Berlin oder andere Großstädte. Zu entdecken gibt es überall etwas! Die dabei entstehenden Erlebnisse und Begebenheiten sind es, was das Leben ausmacht und bereichert! Der aufmerksame Beobachter wird darüber hinaus nicht nur mit immer neuen Eindrücken und Erkenntnissen belohnt, sondern gelangt auch selbst zu sehenswerten Bildergebnissen…

Zeigt uns Eure Bilder vom Festival of Lights. Mailt uns dazu einfach Eure Fotos mit einem kurzen Kommentar an info@fotoquip.de.

Wer es in diesem Jahr nicht nach Berlin geschafft hat, der Termin für das Festival of Lights 2012 steht bereits fest: Vom 10. bis 21. Oktober 2012 wird Berlin wieder erstrahlen!

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Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Christian Kruppa – www.christiankruppa.de

Lichtkünstler und Lichtdesigner verzaubern die Wahrzeichen der Hauptstadt

Lichtkünstler und Lichtdesigner aus aller Welt verwandeln die Hauptstadt für rund zwei Wochen in ein einzigartiges Gesamtkunstwerk. Zum FESTIVAL OF LIGHTS 2011 erreichen die Veranstalter erstmals über 80 künstlerische Lichtinstallationen.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Christian Kruppa – www.christiankruppa.de

Darunter befinden sich Berlins weltberühmte Wahrzeichen und Schauplätze ebenso wie moderne Symbole und scheinbar unbekannte Winkel dieser einzigartigen Stadt.

FESTIVAL OF LIGHTS – Eröffnung „LightsOn“ am 12. Oktober

Mit der feierlichen Eröffnung „LightsOn“ beginnt das FESTIVAL OF LIGHTS am 12. Oktober um 19:30 Uhr mit einer spektakulären Inszenierung farbigen Lichts. Ort dieser Eröffnungsveranstaltung ist das offizielle Festival-Zentrum am Quartier Potsdamer Platz. Selbstverständlich ist das FESTIVAL OF LIGHTS während der gesamten Veranstaltungsdauer für alle Besucher kostenlos zugänglich. Den Startschuss gibt der Regierende Bürgermeister von Berlin, Klaus Wowereit gemeinsam mit Veranstalterin und Festivaldirektorin Birgit Zander.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Christian Kruppa – www.christiankruppa.de

Festival of Lights – bei Fotografen, Touristen und Berlinern gleichermaßen beliebt!

Nach monatelanger Planung und Vorbereitungszeit freuen sich alle Beteiligte gemeinsam auf diesen Moment. Das LIGHTS FESTIVAL hat sich in den vergangenen
Jahren zu einem Publikumsmagneten entwickelt. Nicht nur Fotografen aus aller Welt locken die bunten Farben des Lichts in seinen Bann.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Christian Kruppa - www.christiankruppa.de

Licht begeistert und fasziniert Menschen aus aller Welt gleichermaßen. Dazu bietet das FESTIVAL OF LIGHTS mit seinem allabendlichen Licht-Spektakel eine einmalige Atmosphäre in den Strassen Berlins.

Berlin wird somit für die zwei Wochen erneut zum Gesamtkunstwerk. Fast eine halbe Million zusätzliche Übernachtungen zählt die Hauptstadt zur Festivalzeit.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright FOL2010

So steigt auch die Zahl der Fotografen mit Stativen in den Strassen Berlins zu dieser dunklen Jahreszeit nochmals rapide an. Schließlich möchte jeder Fotograf sein ganz eigenes Bild vom FESTIVAL OF LIGHTS kreieren.

Festival Illuminationen in Berlin 2011

2011 bietet das FESTIVAL OF LIGHTS neue Lichtinstallationen wie etwa die Kunst- und Videoinstallation „Faces of Berlin“ sowie die Pinguinarmee „Die weis(s)en 61“am Potsdamer Platz. Erstmalige Projektionen gibt es auf das KaDeWe, die Amerikanische Botschaft, Stofanel am Pariser Platz und die Tempelhofer Freiheit. In der Siemensstadt werden allein sechs Installationen zu bewundern sein. und der Kurfürstendamm wird anlässlich seines 125-jährigen Jubiläums zur LightGallery, präsentiert vom Lichtdesigner Andreas Boehlke, mit über 25 Installationen, unter anderem bei Karstadt, BMW am Kudamm, Haus Königstadt oder auf dem KaDeWe.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright FOL2010

Kreativ-Szene Berlin meets LightGallery

Außerdem präsentiert sich die Berliner Kreativ-Szene in der LightGallery. Weltpremiere am Potsdamer Platz: Die Installation “Gesichter von Berlin” vor dem Kollhoff-Tower verleiht dem Potsdamer Platz ein neues Gesicht: Eine überdimensionale Maske des Bildhauers Erik Tannhäuser. Berliner und Berlin-Besucher können mit ihrem eigenen Gesicht ein Teil dieser Licht-Inszenierung werden.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright FOL2010

Das Brandenburger Tor erstrahlt in neuen Farben erstrahlen und bietet eine Plattform für Botschaften. Auf dem Festival Gelände der Humboldt-Universität lassen sich per Videoprojektion Fragen zum Wissenschaftsjahr der Gesundheitsforschung stellen. Die Gestaltung des Berliner Dom übernimmt 2011 die Wienerin Malerin und Mediendesigernin Teresa Margemeinsam mit dem kreativen Technikteam von PANI Projection and Lighting.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Christian Kruppa - www.christiankruppa.de

Festival of Lights – Erkundung zu Land, Luft und Wasser

Während der gesamten Festivaldauer kann die Stadt auf dem Land-, Luft- und Wasserweg erkundet werden.

Foto: FESTIVAL OF LIGHTS, copyright Frank Hermann - www.fotowahn.com

Zu den Möglichkeiten des LightSeeings bietet sich eine Tour mit dem LightLiner-Bus entlang der illuminierten Wahrzeichen Berlins an. Außerdem kann der Besucher an einer Spreefahrt auf dem beleuchteten LightShip teilnehmen. Auch mit LightSegways können die Illuminationen betrachtet werden. Startpunkt ist hier das Festivalzentrum Quartier Potsdamer Platz.

Alle Veranstaltungsorte des Festival of Lights 2011

Die 80 unterschiedlichen Light Festival Orte der Lichtinstallationen und Veranstaltungen in Berlin mit Straße, Hausnummer und Postleitzahl für Ihre direkte Anreise:

1. ARD Hauptstadtstudio, Wilhelmstr. 67a, 10117 Berlin
2. Bahnhof Alexanderplatz, 10178 Berlin
3. Bahnhof Hackescher Markt, 10178
4. Berliner Dom, Am Lustgarten, 10178
5. Berliner Fernsehturm, Alexanderplatz 1, 10178
6. Botschaft der Vereinigten Staaten von Amerika in Deutschland, Pariser Platz, 10117
7. Brandenburger Tor / Internationales Jahr der Wälder, Pariser Platz, 10117 20.-23.Oktober
8. Cosmo Hotel, Spittelmarkt 13, 10117
9. Deutscher Dom, Gendarmenmarkt, 10117
10. Elefantentor, Budapester Str. 32, 10787
11. Ernst-Reuter-Platz, 10587
12. Erstes Berliner DDR-Motorrad Museum, Rochstr. 14c, 10178
13. Französischer Dom, Gendarmenmarkt 5, 10117
14. Hauptbahnhof, 10557
15. Hotel Alexander Plaza, Rosenstr. 1, 10178
16. Hotel Hackescher Markt, Grosse Präsidentenstr. 8, 10178
17. Hotel Sol Melia, Friedrichstrasse 103, 10117
18. Humboldt Box, Schlossplatz 5, 10178
19. Humboldt Universität/ Wissenschaftsjahr
Gesundheitsforschung, Unter den Linden 6, 10117
20. IHK, Fasanenstrasse 85, 10623
21. Konzerthaus Berlin, Gendarmenmarkt 2, 10117
22. Laserline, Scheringstr. 1, 13355
23. Lichtdach für Entdecker, Bezirk Lichtenberg
LightGallery am Kurfürstendamm präsentiert von Andreas Boehlke, u.a.:
24. Anhänger der Kunst (Erik Tannhäuser), vor Kurfürstendamm 211
25. Aspria Spa Hotel & Sporting Club, Karlsruher Strasse 20, 10711
26. Bahnhof Zoo, Hardenbergplatz 8, 10787
27. Bendzko Immobilien, Kurfürstendamm 16
28. Berliner Volksbank, Kurfürstendamm 46, 10707
29. BMW Kurfürstendamm, Kurfürstendamm 31, 10719
30. Commerzbank, Kurfürstendamm 59
31. Europa Center/ City Stiftung Berlin, Budapester Str. 5, 10623
32. Haus Königstadt (Alessandro Carlini), Kurfürstendamm 33, 10719
33. H’Otello, Knesebeckstr. 8o, 10623
34. Hotel Palace, Budapester Strasse 45, 10787
35. Institut Francais (Lichtpiraten), Kurfürstendamm 211, 10719
36. Institut Francais (Maik Nowodworski)
37. Karstadt, Kurfürstendamm 231, 10719
38. Karstadt Sport, Joachimstaler Strasse 5-6, 10623
39. KaDeWe, Tauentzienstrasse 21-24, 10789
40. KU64, Kurfürstendamm 64, 10707
41. Kurfürstendamm 100, Baumillumination
42. Kudamm Karree, Kurfürstendamm 207, 10719
43. P.H.A.S. Lichtinstallation (Bernd Spieker) Kurfürstendamm
44. Lindner Hotel am Ku’damm, Kurfürstendamm 24, 10719
45. Neues Kranzler Eck, Kurfürstendamm 17, 10719
46. Rodan Lederdesign, Kurfürstendamm 73, 10709
47. Saturn, Tauentzienstrasse 9, 10789
48. Verkehrskanzel
49. Wächter der Zeit (Manfred Kielnhofer), wechselnde Orte
50. Zoofenster/ Walldorf Astoria, Kantstr. 2, 10623
51. LightShip, Abfahrt ab Kanzleramt und Hansabrücke
52. Malzfabrik, Bessemerstr. 2-14, 12103
53. Natur-Park Schöneberger Südgelände (Wasserturm), Prellerweg 47-49, 12157
54. Oberbaumbrücke, 10997
55. Parlament der Bäume (Ben Wagin), Schiffbauerdamm, 10117
Potsdamer Platz,10117 (Festival-Zentrum mit Lichtkunst), u.a.:
56. Kollhoff-Tower, „Faces of Berlin“
57. Piano-Haus, „Die Lichtwelle“
58. Alte Potsdamer Straße, „Platzgetwitter“
59. Marlene-Dietrich-Platz, Pinguinarmee „Die weis(s)en 61“, Jörn Hanitzsch
60. Piano-See, „DieSchiffchen“ Potsdamer Platz-Arkaden,10117, u.a.:
61. Lichtkunstausstellung von Jörn Hanitzsch
62. Video-Art von PMD, interaktive Videoanimationen
63. Fotostudio „Faces of Berlin“
64. FESTIVAL LIGHTS Infopoint
65. Rathaus Charlottenburg, Otto-Suhr-Allee 100, 10585
66. rbb Fernsehsendezentrum, Masurenallee 8-14, 14057 Siemens AG
67. Nonnendammallee 72, 13629
68. Nonnendammallee 101, 13629
69. Nonnendammallee 104, 13629
70. Rohrdamm 85, 13629
71. Siemensdamm 50, 13629
72. Siemensturm im Technopark Berlin, über den Eingang Wernerwerkdamm 5, 13629
73. Siegessäule, Grosser Stern, 10785
74. Staatliche Münze, Ollenhauerstr. 97, 13403
75. Stofanel Investment AG, Unter den Linden 78, 10117 (Pariser Platz)
76. Tempodrom, Möckernstr. 10, 10963
77. Tempelhofer Freiheit, Platz der Luftbrücke 5, 12101
78. Unter den Linden, 10117
79. ZDF Hauptstadtstudio, Unter den Linden 34-36, 10117
80. Zoo-Aquarium Berlin, Budapester Str. 32, 10787

Download aller 80 Veranstaltungsorte des Festival of Lights 2011

Hier können Sie die Liste mit allen Veranstaltungsorten zum Festival of Lights als PDF-Dokument zum Ausdruck herunterladen!

Alle Illuminationen des FESTIVAL OF LIGHTS sind öffentlich und können an allen Lights Festivalabenden jeweils von 19:00 bis 24:00 Uhr kostenfrei besucht werden.

Alle Informationen rund um die Aktionen und Standorte des FESTIVAL OF LIGHTS 2011 sind unter www.festival-of-lights.de zu finden oder über die Info-Hotline 030/25 00 25 abrufbar.

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