MUTEK Mag

MUTEK à travers le monde

info@mutek.org () — Fri, 08 Dec 2017 00:24:10 -0000

2017 fut une année d’expansion internationale importante pour MUTEK qui compte trois nouveaux arrivants parmi ses rangs. Buenos Aires a effectivement été relancé en septembre doté d’une nouvelle équipe et d’une nouvelle vision à la suite d’un hiatus de plusieurs années, MUTEK.AE a conclu sa première édition MICRO à Dubaï le 18 novembre avec un festival prévu pour 2018 et finalement, San Francisco inaugurera une première aux États-Unis en mai.

Plus qu'une simple marque, la philosophie de MUTEK s'est avérée être un cadre modulable de valeur pour de nouvelles initiatives à travers le monde. De nombreux organisateurs d’événements se voient attirés par l'engagement du festival envers une culture et une communauté artistique globale qui rassemble sous un même toit diverses disciplines artistiques numérique et électroniques. Toujours soucieux de créer des échanges et des liens entre les talents locaux et des projets internationaux en plus de créer un circuit à travers lesquels ce travail puisse circuler, chaque nouveau maillon transporte des valeurs communes tout en exprimant une identité unique, avec comme dénominateur commun l'intention de favoriser de nouveaux publics et de nourrir la créativité naissante.

Avec l'arrivée de ces impressionnantes évolutions dans le développement international du festival, il semble opportun de se pencher sur les motivations derrière l’implantation de toutes ces éditions ailleurs dans le monde et sur ce que cela signifie de devenir un MUTEK.

Barcelona
Créé en 2009

MUTEK est dirigé à Barcelone par Alberto Nerone depuis 2010, mais sa première rencontre avec le festival fut à travers son label dès 2005. Nerone identifie les qualités spéciales de MUTEK comme étant « la découverte, l’innovation, la communauté, l’entraide, la guérison intellectuelle et spirituelle, et la famille ! »

En tant que seule maison européenne du festival, et dans une ville connue pour ses festivals de musique électronique, Nerone a vu une opportunité à travers MUTEK de faire valoir et de prendre soin des artistes locaux et de la communauté souvent laissés de côté dans les événements à Barcelone. Dans ce lieu culturel aux nombreuses richesses telles que l’architecture, l’art et la gastronomie, il a travaillé à connecter la communauté avec des espaces et des endroits non conventionnels afin de réinventer et de recontextualiser la musique électronique.

L'objectif est ainsi d'utiliser le festival comme un portail pour introduire un genre de performances audiovisuelles et immersives normalement sans débouché, et de s'appuyer sur les activités pédagogiques et technologiques du Digi Lab pour stimuler la création et rassembler les communautés.

Photos de MUTEK.ES 2017
Site Web

San Francisco
Première édition du 3 au 6 mai 2018

Mené par deux codirecteurs ayant une grande expérience dans le milieu de la musique électronique, Miroslav Wiesner, fondateur de l'agence Surefire et Gabrielle de Villoutreys, organisatrice d’événements internationaux d’envergure, MUTEK s'installe à San Francisco du 3 au 6 mai 2018.

Wiesner découvrit MUTEK à travers son agence et sa première visite remonte à 2008 : « Je n'avais jamais assisté à un festival si méticuleusement organisé, si bien conçu et si cohérent dans sa programmation. Je savais que je serais un dévot dès le début, mais je ne m'attendais pas à une ambiance aussi familière et conviviale. » San Francisco, une ville de technologie et d'innovation, où l'immigration, l'intellectualisme et le futurisme se rejoignent, est une candidate de choix pour MUTEK. Il ajoute : « le croisement de l'art, de la musique et de la technologie combiné à la nature adaptative de la ville, à sa taille accommodante et à son afflux constant de voyageurs curieux font de San Francisco un lieu idéal pour la première édition du festival aux États-Unis. L’objectif est pour nous d’offrir un lieu de rencontres et d’expression pour la communauté. »

Détails
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Dubai
Créé en 2017

Une visite à Montréal en 2013 a enflammé l'imagination du directeur de MUTEK.AE, Mehdi Ansari, qui a souhaité créer une plateforme au Moyen-Orient pour le talent important qui en émerge et le mettre en dialogue avec le reste du monde.

Considérée comme la ville la plus dynamique du Moyen-Orient, Dubaï offre un saut dans un futur ultramoderne pour les jeunes de la région. Une métropole au développement effréné axée sur la technologie et le dynamisme, MUTEK offre un lien crucial et un contexte qui modifie les idées préconçues sur ce que peuvent être la musique électronique et l'art numérique. Il affirme : « nous amenons MUTEK à Dubaï parce que nous y voyons un profond potentiel et nous ressentons l'intérêt des citoyens à enrichir la musique, l'art et la culture numérique de la ville, qui en est encore à ses débuts. » Ansari ajoute, « nous aimerions ainsi détourner l'attention du public qui porte principalement sur les clubs et offrir une nouvelle perspective sur la façon dont la musique électronique et les pratiques audiovisuelles peuvent être profondes, inspirantes et révélatrices. Le format et la philosophie de MUTEK, avec ses engagements envers les communautés artistiques locales dans chaque ville, coïncident parfaitement avec cette mission. »

Photos de MICRO MUTEK.AE 2 017

Buenos Aires
Rétabli en 2017

Le premier contact de Gonzalo Solimano avec MUTEK remonte à 2005, avec le tout premier événement du festival en Argentine. Avec son équipe, il a réintroduit avec succès le festival à Buenos Aires. Cette édition pris place en septembre dernier avec un programme de plus de 70 artistes et fut hébergée au colossal édifice CCK. Il affirme : « la graine qui a été plantée entre 2005 et 2010 est en train de germer et nous assistons littéralement au début d'une nouvelle ère. À l’époque je n'aurais jamais imaginé que j’en ferais partie. »

Comme toutes les équipes qui ont approché Montréal pour monter une version de MUTEK, celle de Buenos Aires considère le festival comme un outil de recontextualisation, non seulement de la culture musicale électronique en tant que forme artistique, mais aussi comme un moyen d'engager le public avec des expériences immersives et audiovisuelles contemporaines.

Photos de MUTEK.AR 2017

Mexico
Créé en 2003

Promoteur et producteur d'événements à Mexico, le directeur Damian Romero a été séduit par ce qu'il a vécu à Montréal en 2003. Désormais partie intégrante de son identité, il décrit son travail avec MUTEK comme « le plus puissant vecteur de passion de ma vie ».

Démographiquement l'une des villes les plus jeunes du monde, et comme le souligne Romero, « une mégapole haute en énergie, remplie de contraste et de diversité avec une architecture inspirante qui mélange le contemporain et l'historique, Mexico crée la toile de fond parfaite pour concevoir de nouvelles expériences pendant le festival. »

Au cours de la dernière décennie, la région a été témoin d’une véritable explosion de créativité de la part d'artistes mexicains travaillant dans des domaines numériques de pointe et se taillant une place à l'échelle internationale. MUTEK.MX a définitivement joué un rôle important dans la présentation, l'exportation et le développement de la scène électronique et numérique au Mexique. Alors que le festival se dirige vers son 15ème anniversaire, Romero voit le succès de la récente édition de novembre comme un prélude crucial pour consolider sa réputation et se projeter dans le futur.

Photos de MUTEK.MX 2017

Tokyo
Créé en 2016

Dirigé par le réalisateur Shuichiro Iwanami, MUTEK.JP fut d’abord inspiré par un voyage à MUTEK.MX en 2013 et s'est ensuite concrétisé à Montréal lors de l'édition 2015.

Le Japon et Tokyo ont toujours été au cœur de l'interaction entre la musique et la technologie, ayant été un pays précurseur dans l’invention des synthétiseurs modernes et des boîtes à rythmes, mais les festivals de musique électronique en milieu urbain n'ont jusqu’à maintenant pas eu de place importante au sein de la culture.

À la recherche de formats adaptés à leurs intérêts et à leurs goûts, MUTEK offrait le type de plateforme que les organisateurs recherchaient. Et comme le souligne le chargé de projet, Maurice Ortega Jones, « il est surprenant que des tentatives similaires n'aient jamais été faites et c'est pourquoi nous avons senti que nous touchions quelque chose de sensible en tentant d’implanter MUTEK au Japon. Le Japon est encore un pays inconnu pour beaucoup de gens, et de la même manière, les japonais ont aussi des conceptions très spécifiques du monde extérieur. C'est pourquoi nous nous sommes intéressé à l’idée de faire d’une culture globale quelque chose de local et inversement faire prendre à la culture locale une expansion globale. »

Vidéo

Photos : Oscar Villanueva, Marianne Harmony Zammaria, MUTEK Argentina, Antje Larsen, strorobo.

Artistes canadiens et québécois à l'affiche de MUTEK Japon et Mexico

info@mutek.org () — Wed, 18 Oct 2017 18:07:21 -0000

Depuis ses débuts, MUTEK est une organisation tournée vers l'avenir et le monde ayant pour but de connecter Montréal et les créateurs étrangers ainsi que d’encourager la créativité en offrant aux artistes locaux une plateforme d'expression et de développement. L’internationalisation du festival s’est affirmée cette année avec notamment la série Inter_Connect pendant le festival, qui a relié Montréal aux capitales culturelles de Berlin, Barcelone, Londres et Mexico. Elle s’est aussi concrétisée par l’expansion des éditions MUTEK à l’étranger qui touchent maintenant 4 continents différents, avec une première édition à Buenos Aires et Dubaï, ainsi que des récurrences à Barcelone, Mexico et Tokyo.

Le circuit international consolidé par MUTEK au fil des années permet de diffuser et de mettre en valeur l'ingéniosité et le travail des artistes d’ici aux quatre coins du monde. Ainsi lors des éditions MUTEK.JP et MUTEK.MX du festival, un total sans précédent de 19 artistes canadiens et québécois présenteront 15 performances grâce au soutien du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Ministère des Relations internationales et de la Francophonie du Québec.

Performances canadiennes et québécoises à MUTEK Japon et à
l’Université d’Art et Design de Kyoto
du 3 au 6 novembre 2017

De retour à Tokyo pour une deuxième édition, le festival MUTEK.JP accueillera plusieurs artistes canadiens cette année. Parmi eux, le montréalais Metametric présentera le fruit de sa nouvelle collaboration avec l'artiste japonais Kazuya Nagaya, rencontré lors de sa première participation à MUTEK.JP l’an dernier, collaboration qui incarne parfaitement la philosophie du développement soutenu par MUTEK. Un VR Salon faisant écho aux 3 éditions montréalaises du même nom, fera également partie de la programmation avec la présence de Myriam Achard représentant le Centre Phi et Alexandre Auché la Société des arts technologiques [SAT]. Parmi la dizaine d’œuvres de réalité virtuelle présentées, on retrouve le travail de Felix & Paul Studios et de l’ONF.

Les artistes canadiens qui participeront au festival grâce au soutien du Conseil des arts du Canada sont :
Myriam Bleau — Soft Revolvers
Maotik
Kazuya Nagaya & Metametric — Constellations
Woulg & Push 1 stop — Interpolate
Nicolas Bernier — Frequencies
Guillaume & The Coutu-Dumonts

Plus d'informations sur les projets présentés ici.

Le 6 novembre, Myriam Bleau et Woulg & Push 1 stop feront la démonstration du savoir-faire canadien lors d’une classe de maître suivie de performances gratuites à l'Université d'Art & Design de Kyoto grâce au soutien du Ministère des Relations internationales et de la Francophonie du Québec dans le cadre du projet DIGI CAMPUS.

Performances canadiennes et québécoises
à MUTEK Mexico
du 22 au 26 novembre 2017

MUTEK.MX s’installe cette année dans de nouveaux espaces et promet une aventure unique pour rassembler sa communauté et le monde. La 14ème édition du festival, devant se tenir en octobre mais reportée du 22 au 26 novembre suite au tremblement de terre qui a touché récemment le Mexique, sera porteuse d’un vent d’espoir et de renouveau.

Les artistes canadiens et québécois qui participeront au festival grâce au soutien du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec, ainsi que du Ministère des Relations internationales et de la Francophonie du Québec dans le cadre du projet Diversités sont :
Baya
Julien Roy & Alexandre Burton (artificiel) — Three Pieces With Titles
Lucas Paris — AntiVolume IN/EXT
Magnanime
Maotik & Max Cooper — Hyperform
Musique Nouvelle (aka Simon Chioini & Félix Gourd)
Diagraf, Ewerx & Wiklow — Liquid Architecture
Would & Push 1 stop — Interpolate
Tim Hecker

Plus d'informations sur les projets présentés ici.

Visionnez un court documentaire sur l’histoire et la vision du festival.

Making Stages and Venues Sing

info@mutek.org (Robyn Fadden) — Mon, 21 Aug 2017 18:17:48 -0000

In MUTEK venues, nothing is static. Just as the music changes constantly within sets and from one artist to the next, so does the scenography, in subtle shifts and dramatic directions. From real-time manipulation of light on custom-built screens to interactive live video installations, MUTEK's scenography seeks to redefine a term more often applied to theatre.

For a festival focused on the intersections of electronic music, digital art and technology, scenography naturally becomes a fully integrated, floor-to-ceiling audiovisual experience. Here, MUTEK 2017 designers Arnaud Belley-Ferris, Jimmy Lakatos and Guillaume Arseneault of Artificiel, and Dan Irregui let us in on their concepts for transforming Montréal venues Métropolis and the SAT into immersive spaces for music to live and sing, amplified by their experiential environments.

Mirror mirror
Expect nothing less than iridescence and altered perceptions at Métropolis as light surges into every corner or quietly glimmers in the shadows. Lighting designer Arnaud Belley-Ferris reflects light in limitless angles in Echoes, a site-specific project featuring hand-built reflective panels and lights that approach laser-like precision. Similar to all of MUTEK's designers, his goal is to craft scenography that not only accentuates the music but enhances the entire festival experience.

In a scenography devoid of traditional screens, Belley-Ferris can focus entirely on his milieu of lighting rather than on projected images (though a video surprise or two may be in store). Each of the 30 reflective panels in Echoes is a small-scale geography of multiple folds—against this backdrop, the designer controls the lighting in real time, echoing each artist's sonic environment in a symbiotic rhythm and changing the positions of the panels as the sets progress.

“I'll play with the architecture of the space over the four nights,” he explains. “With mobile mirrors everywhere on stage and in the horseshoe off stage, I can manage to bounce light everywhere.”

A musician with an architecture degree, Belley-Ferrise was drawn to Montréal for its steady supply of live music – he began working in lighting 10 years ago as a technician at Métropolis, a decision that quickly turned into a life-changing passion for lighting design, a creative arena where he could fuse architectural thinking, technical know-how and more than a few wild creative ideas. Since then, he's worked with festivals and artists on international tour and at Montréal's Osheaga, Igloofest, Nuit Blanche as well as with the Moongarden design team on Matt Holubowski's otherworldly Montréal International Jazz Festival show.

While audiences might not even be aware of it while at the venue, Belley-Farris's attention to behind-the-scenes technical details translates into an atmosphere of singular creative vision and intensity, rigged to tap into the music's emotional core and radiate it across the room.

“At MUTEK people tend to pay a bit more attention to scenography, but sometimes they'll close their eyes and I'm totally fine with that,” he says. “I'm the visual guy, I don't look for attention—that's on the artist on stage, that's why people are coming.”

Surveillance, 90s-style
Meanwhile, the surveillance state—past, present and possible future—gets upended over at the SAT. Guilaume Arseneault and Jimmy Lakatos of digital creation group artificiel created scenography project Sentinelle based on closed circuit video retransmission, merging a late-80s/early-90s analog video aesthetic with cutting-edge HD tech and robotic cameras.

Walking into the first floor SAT space—equipped with 15 screens and more than a dozen cameras on and off stage—evokes a diverted sense of watching while being watched, simultaneous physical states of performers and audiences.

“As video technology emerged in the home and in commerce, we started to see our image retransmitted,” says Arseneault, whose work often hijacks technologies to create novel interactive experiences. “What we're doing is recreating that era, this phenomenon of experiencing that projection of yourself but with all the artifacts of the '90s. We're taking a step back from all the technological development that happened in video in the digital age and trying to grasp the physicality of that medium. There's a lot of technology that was developed as a way of being in motion with what you're producing—we have a great interest in that and the real-time medium.”

Though its concept sounds lo-fi, Sentinelle uses an array of technology—including video feedback, microscopic shots and motorized cameras—to breach with the conventional media representation while focusing on the performers on stage and emphasizing details in the space. Ten stage-facing cameras provide multiple angles on large HD screens for our viewing pleasure, a creative arrangement of raw and treated footage. Throughout the space, audience members may catch raw images of themselves out of the corner of their eye—and even purposefully transmit their own video to screen through the Airbeam phone app.
>Here Download AirBeam

“People who are moving become part of the scenography because we're transmitting them, but they can also take part in the filming process,” says Arseneault. “That's in rupture with the 90s concept, but we have that technology so why not connect it to these ideas around surveillance and points of view. That way people are being active and can see themselves differently.”

A MUTEK mainstay since the festival's inception, artist and designer Lakatos adds that though he and Arseneault have installed a controlled set-up, it's imbued with endless possibilities created through the combining of analogue and digital. “The music at MUTEK is more in an era of analogue instruments today,” he says. “It's become rare to see a computer-only show, and it's like that for us too, bringing back the old stuff with the news."

To the moon
Adding an outer-worldly aspect to the SAT scene is Moon, artist Daniel Iregui's interactive installation that lets us “touch” moonlight though a window and hear it sing in synthesized tones. As founder of Montréal-based studio Iregular, Iregui has created interactive visual experiences on grand scales and smaller installations like Moon for individual exploration, mining the infinite and random combinations produced when a system is open to being transformed by its audience.

Using projection as a light source and atmospheric smoke to make the beams visible in a more tactile way, Moon encourages people to explore the light, space and sound in a different way—there is no right on wrong way to go about it. Since creating Moon in 2016 and bringing it to Toronto's Chromatic festival, Iregui has made a few changes: “I constantly modify my work after seeing how people react to it,” he explains. “It's hard for me to say 'I'm done'—if I see something I can improve, I will improve it, whether the clarity of interaction, the instruction or reaction, the aesthetic of it, or the sound. With Moon I've been constantly working on the visual and audio, so for MUTEK it's brand new optimized sounds.”

Moon looks like a sideways pyramid floating in the space. Put your hands through the frame or be bold and step inside to control the light and manipulate sounds Iregui created with an analogue synthesizer, sounds inspired by the description of what astronauts heard while on the moon—their heartbeats, their blood flowing in their ears, the high-pitched sounds around them.

Though an enclosed, intense, even personal experience, somehow Moon fits perfectly in the festival setting, within a much larger space designed to teem with music, visuals and people. “MUTEK is a great place for Moon to be,” says Iregui. “When you're controlling the visuals you're creating sound, so it becomes this instrument that you can learn how to use. I can see people playing it that way; I'm curious to see how that happens.”

Pépites de l'équipe

info@mutek.org () — Mon, 14 Aug 2017 20:35:35 -0000

L’équipe de MUTEK nous partage ses artistes coups de coeurs et les perles à ne pas manquer au sein de la programmation 2017.

Alain Mongeau - Directeur général et programmateur

Driftmachine : Je les ai vu performer 3 fois déjà et à chaque fois c’était une expérience hypnotique à vivre en s’abandonnant à leur proposition. Leur musique prend tout son sens dans un contexte live, ils construisent le tout sur l’inspiration du moment, couche par couche. Pour les amateurs de Jan Jelinek notamment.
Michela Pelusio & Glenn Vervliet présentent SpaceTime Helix : Performance A/V mystérieuse où Michela manipule sur scène un dispositif de filaments lumineux qui pivotent dans l’espace. Encore là j’ai vu la performance à plusieurs reprises et il faut vivre la chose pour bien la saisir - les captations ne rendent pas justice au projet. Dans le rapport que l’artiste entretient avec son dispositif qui lui permet de sculpter la lumière (et le son) en direct, on a parfois l’impression d’assister à une performance de sorcellerie numérique.
Robert Henke présente Lumière III : J’ai le plus grand respect pour Robert Henke. C’est non seulement un artiste phare de la musique électronique (mieux connu sous le nom de Monolake pour sa production musicale), mais aussi un inventeur un peu fou (cocréateur de l’influent logiciel Live/Ableton, mais aussi ingénieur/concepteur de ses propres interfaces de composition et de performance, comme le Monodeck). Depuis quelques années il s’est intéressé à la technologie laser et explore son potentiel à la fois expressif et esthétique. Nous avions déjà présenté Lumière I en 2014 et avons le plaisir d’accueillir Lumière III en première et exclusivité nord-américaine. Cela nous permettra de constater l’évolution de son travail sur l’utilisation de lasers à des fins performatives.
Sinon dans les artistes que je n’ai pas vu, j’ai des attentes élevées pour les artistes suivants dont j’ai beaucoup écouté/apprécié la musique cette dernière année: Aurora Halal, Reginald Omas Mamode IV et Africaine 808.
En termes d’artistes locaux j’ai hâte de voir les premières mondiales des 2 projets d’Artificiel, dont celui entre Jimmy Lakatos et l’artiste Mexicain Murcof, les performances A/V d’Automatisme et de Racine/Wolski ainsi que le live de Christian Olsen.

Patti Schmidt - Programmatrice

Beatrice Dillon: une esthétique raréfiée qui traverse des formes d'avant-garde et contemporaines ; fascinante, unique, j'ai essayé de l'amener à MUTEK depuis quelques années maintenant. Et cette année nous obtenons un live et un DJ set !
Bambooman: un jeune producteur de style recombinant les codes musicaux de la musique basse, du hip hop, de l'IDM et des formes expérimentales et qui les transforme de manière singulière et extrêmement accrocheuse ; un peu protégé de Matthew Herbert's avec des sorties sur le label Accidental.
Kuniyuki : ostensiblement un artiste travaillant la musique dansante, mais il est beaucoup plus ; musicien méticuleux et talent technologique qui se déplace sans effort à travers le jazz, le monde, l'ambiance, la disco, l'acide, la maison et la techno. Un improvisateur, un interprète, un roi.
Harvey Sutherland : un joueur de clavier brillant avec un sens dynamique de l’accroche, de la house et de la disco et du charisme sur des kilomètres. Il a fallu quelques essais pour l'avoir au festival lui aussi.
Sculpture : comme tout le monde.
Graham Dunning : ma fascination de l'année ; ravie de partager son extrême ingéniosité et sa musicalité avec le public. Brute, fabriqué sur mesure, ciné-usiné,"techno" chambranlante.
Sarah Davachi : j'ai hâte d'entendre son monde sonore riche, harmonique, drone-tastic sur l'énorme système sonore du Metropolis. Ses compositions sont des écoutes profondes dans un timbre exquis, un ton, et un profond ressenti.
Demora : les gens d’ici qui font leur première mondiale avec une techno soigneuse, absorbante, trippy et immaculée. Devon Hansen (alias Stefan Jós) est la moitié du duo et parmi mes artistes préférés du rythme et du noise.
Et une mention spéciale pour : Space Afrika, Helm, Fred P, Reginald Omas Mamode IV, Sensate Focus, Kara-Lis Coverdale, Murcof, You're Me Band, Buffalo MRI, Aurora Halal, OSB, Loose Excursions, revlux... OK je m’arrête.

Vincent Lemieux - Programmateur

Sculpture : Pour leur psychédélisme, et la fusion parfaite entre musique et vidéo.
rRoxymore : Une artiste que je suis avec intérêt depuis quelques années, un beau mélange entre l’organique et le cérébral, entre rythme et expérimentation.
Imaginary Landscape : Une très courte performance qui risque d’être forte intéressante

Katharina - Développement stratégique

Driftmachine : C'est juste trop hot ce qu'ils font, c'est hypnotisant!
Anchorsong : Cette chanson, je l’ai dans la tête, d’où je la connais ? Comment se fait-il que je m’en souvienne si bien ? Que s’est-il passé ??

Bertrand - Directeur de production

Deathprod : C’est de la musique de petits chats perdus au fond du puits
Sculpture : Un de mes meilleurs souvenirs à vie de MUTEK

Oriane - Responsable des bénévoles

Anchorsong : J’ai eu un coup de cœur. Des mélodies variées, fluides et exotiques, qui te font voyager dans des endroits totalement différents à chaque nouveau morceau.
Bambooman : J’ai bien aimé dès la première écoute, dans une certaine mesure ça m’a rappelé Mount Kimbie. J’aime la manière dont ses morceaux évoluent de façon surprenante et inattendue.

Déborah - Responsable de la billetterie

Filastine : Des sonorités orientales et rythmées, c'est entêtant, envoûtant, et politique, on ajoute la performance live et les visuels, et je piétine déjà d’impatience.
Harvey Sutherland : Un concentré de tout ce que j’aime, c’est disco, c’est jazzy, c’est ensoleillé, bref parfait pour finir MUTEK en se dandinant.
Detroit Swindle : Groovy à souhait, un petit moment que j’attends de les voir en live, pour la nuit blanche de MUTEK au Métropolis, c’est juste immanquable.

Chloé - Directrice des communications

L’ouverture de la scène extérieure gratuite le mercredi signera pour moi le lancement du festival avec l’exquise Beatrice Dillon, Bambooman, Reginald Omas Mamod IV et mon chouchou local revlux. Techno expérimentale, garage, hip hop, downtempo accompagnés d’une fraîche MUTEK Pale Ale brassée spécialement par Harricana, it’s ON ! And sunny inchallah !

Sarah - Assistante au transport et à l’hébergement

Loose Excursions et Africaine 808 : Africaine car j'aime bien le beat marqué et Loose c'est une découverte sympa un peu chill d'après les sons que j'ai écouté !

Tommy - Partenariats technologiques

Nicolas Cruz, pour son son fusion unique, Beatrice Dillon parce que je viens de manquer sa performance avec un de mes artistes préférés, Kassem Mosse, Deathprod and Lumiere III.

Gabrielle - Responsable des contenus numériques

Fis, Deathprod, Murcof et Helm pour les sensations physiques, la densité des émotions et parce qu'ils parviennent à créer une musique qui est à la fois brute et raffinée.

Chloé Magdelaine - Assistante communications

Graham Dunning : Pour sa ‘mechanical techno’ et son setup bluffant composé de machines et d’objets détournés déclenchés en temps réel. Le plus : Son utilisation personnelle et audacieuse de balles de ping-pong pour créer des rythmes.
Polar Inertia : Pour la complexité du projet qui va au-delà du projet musical en se dirigeant vers la direction artistique contemporaine en incluant des photographes, auteurs, vidéastes. Pour l’univers post-apocalyptique de leur live techno dans lequel ils vont nous plonger à MUTEK. Le plus : la qualité de leur EP « Kinematic Optics » signé sur Dement3d qui oscille entre ambient et techno.

Alexandra - Assistante promotion

Jonathan Kawchuk: J’aime beaucoup la musique transcendante et organique de ce jeune artiste canadien qui a fait ses classes auprès des Islandais Valgeir Sigursson et Ben Frost (ce n'est pas rien quand même!). S'inspirant des différent lieux qu'il a visité, sa musique nous fait réellement planner dans ces univers qu'il a su si habilement capter.
JMII: JMII c’est un mélange de sonorités qui s’arriment parfaitement entre techno, basse, synthétiseur et vocaux. En première nord-américaine, JMII va sans aucun doute savoir charmer le public, mais surtout le faire danser sans relâche !

Aurélie Vial - Assistante aux contenus numériques

Lucas Paris : Il fait parti de la nouvelle vague d'artistes de Montréal. Productif et attentif dans les sonorités que dans les visuels. Sa musique accroche et ses installations qui sont totalement conçues par lui donnent une ambiance simple, efficace et élégante.
Sculpture : J'aime leur univers visuel rempli de graphisme de couleurs, de mouvements incontrôlés et de déconstruction sonore trippante et psychédélique. Sorte de sales gosses qui s'amusent de tout et ne prennent rien au sérieux ou alors le détourne.
Polar inertia : La finesse de leurs esthétiques et leurs musiques minimalistes, enivrantes. C'est comme un film, une histoire, une sensation qui se raconte délicatement.

Eloïse - Design graphique, Nouvelle Administration

Nicola Cruz, Ben Shemie, Marie Davidson et Zip !

Dreaming the Music City

info@mutek.org (Vincent Pollard) — Mon, 14 Aug 2017 18:46:16 -0000

The Music Cities Symposium @ MUTEK 2017 will take place on Tuesday, August 22, 2017, 1pm-6pm at Monument-National.

It is widely recognized that having a strong music scene can be beneficial to the health of a city and the quality of life of its citizens, but why are some cities more successful at this than others? Is there a sweet spot that a city needs to reach between a critical mass of people and infrastructure to nurture and develop a healthy music scene? How do the conflicting forces of gentrification, availability of resources such as music schools and transportation, accessibility and government policy play into the growth and protection of a city’s live music scene?

On Tuesday 22nd August 2017, the 18th edition of MUTEK Montréal will commence and to launch proceedings, MUTEK is hosting a special Music Cities Symposium in collaboration with Sound Diplomacy. Based across the cultural metropoles of London, Barcelona and Berlin, Sound Diplomacy is the leading global agency specializing in advising on the value of music in cities across the music sector.

To be held in Monument-National the Music Cities Symposium at MUTEK 2017 will feature three panels presented by Sound Diplomacy representatives: Under Pressure? Policy, Progress and Music-making in the Metropolis chaired by Rollo Maschietto from London; (Big) Data – Big Impact on the Music City? moderated by Lucas Knoflach from Berlin; and (Dis)Ability, Access and Architecture: Designing Inclusive Music Experiences curated by Barcelona-based Azucena Micó. Local and International guests from all walks of music life - including city officials, curators, musicians, venue owners and festival organizers will convene to discuss these three key topics on what creates the optimum parameters for creating and nurturing live music within an urban centre, how do festivals like MUTEK influence and benefit from the overall creative health of their base cities?

In the first of these three panels, Under Pressure? Policy, Progress and Music-making in the Metropolis, Rollo Maschietto will be starting the discussion on what factors need to be in place and what government policy can do to support the music culture. “The main point is that having a strong music ecosystem is beneficial to a city as a whole, so why aren't music infrastructures being protected in cities?” asks Maschietto. Invited guests including Mauro Pezzente (co-founder of Montréal’s legendary music venue Casa del Popolo and bass player for Godspeed You! Black Emperor), Marie McPartlin (Director at Somerset House Studios), Will Straw (Professor of Urban Media Studies at McGill University) and Sean Horton (Founder of Seattle’s Decibel Festival) will discuss issues such as what local authorities are doing to encourage and promote a healthy night time economy. Should Montréal follow the UK’s lead and appoint a Night Czar? What are the challenges for artists in a gentrifying city? Keen to hear the Montréal perspective both from guests such as musician and promoter Mauro Pezzente, and city representative Emmanuelle Hébert, Maschietto adds “It will be interesting to find out how the two cities are approaching the issue of gentrification, what the different challenges are and what Montréal and London can learn from each other.” Understanding the issues that musicians and venues face is the first step to making sure they persevere, “If you look at small cities like Austin or Nashville,” he adds “they are being talked about now as being the number one destinations for musicians in the world. If you look at the way they have helped their music venues, it’s something that needs to be developed and protected and to start with that means it needs to be understood.”

In his panel (Big) Data – Big Impact on the Music City? Lucas Knoflach will be exploring what impact the use of new technologies and specifically the collection of data can have in both planning and navigating festivals and city-based events. What privacy issues are raised and how effective is this data? “The basic idea is to look at how different companies and cities are using information such as NFC data,” says Knoflach “or more controversial topics like tracking data and how it can be used by brands to target people. It can also be used demonstrate the economic impact that live music has on a city.” As well as using this data to make better informed decisions about next year’s festival, collecting this data can also have real-time uses, as Knoflach explains. “Data could be used in decision making when it comes to venues. In a festival it could be used to control crowds, plan transport or even alert festival-goers which stages are becoming full.” This and more will be discussed with panelists including Renaud Legoux (Associate Professor at HEC and key player in data sciences research institute IVADO), Michael Rodrigues (Senior Manager of Digital Ticketing Development for Quebec-based music promoters evenko), Barry Threw (Gray Area Foundation for the Arts, San Francisco) and Anthony Palermo (CEO of Connect&GO, who specialise in RFID data-handling for hundreds of festivals and events such as Osheaga).

In the final panel (Dis)Ability, Access and Architecture: Designing Inclusive Music Experiences Azucena Micó will be joined by guests including musician and cultural researcher Daniel Granados (who is currently Director of Cultura Viva, a cultural program set up by Barcelona City Council), Matthew Ganucheau (a San Francisco-based composer and also Director of Gray Area Foundation for the Arts), Pierre Vachon (Communications Director, Outreach and Education, Opéra de Montréal) and Razia Begum (Associate Producer at London’s prestigious and long-running Barbican Centre in London). The panel will be investigating many aspects pertaining to access and inclusivity when it comes to music and culture. How can we design inclusive music experiences for citizens from all walks of life? As Azucena Micó explains “Not much is discussed about this topic, although it is acknowledged that participation in cultural activities, whatever the discipline, can contribute to wellbeing, social inclusion, help develop a sense of belonging and increase critical knowledge.” From music performances for deaf people, concert venues designed for ageing audiences, to ticketing systems that benefit low-income groups there are many aspects of accessibility to be explored. In the course of her research so far, Micó has found that more could be done to remove potential barriers to accessibility that can include other vulnerable people who may face risk of exclusion for very diverse reasons such as illiteracy, gender/class/sexuality and mental health.

As Sound Diplomacy’s Lucas Knoflach adds “For me, Montréal has an incredibly interesting music scene and it really sticks out in North America as a really diverse and unique scene. The question is: How do you keep it authentic? How do you deal with gentrification and keep cities affordable and not push people out? What is the role of artists within the gentrification process?”

Presented in collaboration with Sound Diplomacy, with the support of FACTOR, the Government of Canada, Canada’s private radio broadcasters and the British Council.

30$CAD in advance // 45$CAD after August 15 // Students 20$CAD (tax and fees included)
Tickets can be bought here.

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Sarah Davachi: Les espaces sont des instruments

info@mutek.org (Gabrielle Gagnon-Fréchet) — Thu, 15 Jun 2017 18:53:48 -0000

Sarah Davachi compose des expériences. Ses environnements sont basés sur une approche musicale à la fois minimaliste et englobante et une physiqualité psychoacoustiques. Ces mondes “irréels” évoluent lentement, et les drones précis de Davachi, son goût de l'harmonie, des tonalités implicites et des motifs décalés les font osciller entre motricité et immobilité, avec une expressivité et une force évocatrice intelligemment dissimulées dans les vibrations sonores.

Nous avons rencontré la jeune musicienne canadienne en vue de son apparition au festival.

Bien que minimaliste, les émotions que l'on peut éprouver dans ta musique sont complexes sans être forcées ou induites. Essayes-tu de t’éloigner de tes émotions lorsque tu composes ?

Je n'essaie pas de me retenir lorsque je produis, je n'essaie pas de faire quelque chose de précis en fait. Je n'espère pas non plus que les gens comprennent quelque chose en particulier. S'ils le sentent, c'est génial et sinon, c'est tout à fait correct. Que ce soit émotif ou autre chose, bien que cela puisse paraître égoïste, la musique que je produis est avant tout la musique que je souhaite entendre. C'est principalement ce qui me motive à continuer à faire de la musique et à essayer toujours de mieux transmettre ce que je veux exprimer.

Quelle est l'importance des transformations graduelles et minimales dans la musique, de quelle manière est-ce différent des changements brutaux et dramatiques?

Pour moi, c'est juste un choix esthétique. J'écoute beaucoup de différents types de musique, mais je préfère quand les choses bougent lentement et sont posées. Il faut de la patience pour écouter quelque chose pendant une longue période de temps et lorsque les transitions viennent lentement, il est plus facile pour notre cerveau de l'accepter comme un nouveau son, les choses qui se passent dans la transition elle-même cependant, sont tout aussi intéressantes.

Te spécialisant dans les synthétiseurs, dans quelle mesure considères-tu ta connaissance de ces instruments ?

J'aime beaucoup les synthétiseurs des années 70. Je pense que je connais ces premiers instruments très intimement, qu’ils m’appartiennent en quelque sorte. Ils ne sont vraiment pas aussi compliqués que cela peut paraître. Tous les synthétiseurs de cette époque sont construits autour des mêmes principes. Ils ont un clavier, des filtres, des oscillateurs, un amplificateur... Certains d'entre eux peuvent avoir une caractéristique particulière. Pour moi, ils sont beaucoup comme des instruments acoustiques, en termes de comportement, mais aussi en raison du fait qu'ils sont limités. Chaque type donne un son spécial, tout comme un piano Steinway et un Yamaha ne sonnent pas pareil.

Lorsque j’enregistre, j'enregistre habituellement du matériel de base que je le manipule plus tard. Il y a peu de différence entre les instruments acoustiques ou électroniques lorsque je travaille de cette façon. La texture du son sera différente, mais la façon dont je travaille avec elle est la même.

Tu parles de composer dans des emplacements spécifiques, dirais-tu que la musique te permet d’habiter un endroit ou dirais-tu que l'espace habite la musique ?

Ça tient certainement plus du dernier, l'espace est comme une autre version d'un instrument, il affecte le son comme n'importe quoi d'autre. Cependant, je pense que ça finit par être l'espace qui doit s'adapter au son, simplement parce que, habituellement, nous n'avons pas le luxe d'explorer un espace en détails avant d’y jouer. J'ai ce fantasme d’effectuer une tournée en Europe et de jouer simplement dans des églises et des cathédrales. Il serait étonnant d'avoir le temps d'en apprendre plus sur chacun d'entre eux et de les visiter à l'avance, de prendre le temps de comprendre comment le son se comporte dans ces endroits et de composer pour cet espace spécifique. Ce serait un rêve devenu réalité.

L'acoustique des églises fonctionne vraiment bien avec la musique que je fais. La musique détaillée est vraiment difficile à apprécier dans les églises en raison de la réverbération. Ils ont tendance à être trouble. Il est vraiment intéressant de savoir comment cela affecte le son, mais à la fois comment de nouveaux détails y apparaissent. Les églises sont de beaux endroits et ont cette ambiance d’écoute déjà intégrée. Je me demandais toujours s'il serait bizarre de jouer dans un endroit avec de telles connotations vu que je ne suis pas une personne religieuse, mais ça n’a jamais encore été le cas. Ces lieux m'attirent aussi parce que je suis vraiment intéressé par l'orgue. L'organe est construit dans l'église, vous ne pouvez pas l'enlever, par défaut on doit jouer dans une église. C'est ainsi une relation vraiment intéressante entre l'orgue et la salle. Je ne peux penser à aucun autre instrument qui soit aussi connecté à l'espace.

Comment les problèmes de contrôle (ou de laisser aller) se manifestent-ils en performant ?

Lorsque je compose, je suis toujours ouverte sur ce qui se passera. J’observe où les choses se dirigent et j'expérimente. Je ne prévois pas trop. Quand je performe, c'est beaucoup plus intellectuel et moins intuitif. Lorsqu’on produit, on a le luxe de couper des choses que l’on n'aime pas, mais lorsque je joue, je ne me sens pas à l'aise avec ce niveau de liberté. Une fois sur scène, je veux savoir comment ça va sonner et je ne vais jamais essayer quelque chose de complètement nouveau.

Performer vous oblige à laisser aller des attentes : les lieux varient, les ingénieurs du son varient, le public, etc. J’étais auparavant rapidement découragée si je jouais et je ne pouvais pas m'entendre ou si cela semblait vraiment différent qu’au test de son, ou si les gens dans la foule parlaient. Il s’agit de développer une carapace.

À MUTEK 2017, tu joueras dans une grande salle sur un gros système de son, as-tu déjà joué dans un contexte similaire ?

Je n'ai jamais mis le pied au Metropolis. Je sais que c'est énorme, mais j'ai déjà joué sur des gros systèmes et devant des plus grandes foules. Parfois, les espaces plus grands peuvent être agréables parce qu'ils ont tendance à avoir une meilleure sonorisation, mais la multiplication du nombre de personnes dans la foule peut être écrasante. Les autres artistes avec qui vous jouez peuvent également avoir un impact sur la façon dont les gens perçoivent l'événement. Cependant, le public de MUTEK est très respectueux. Les gens sont là pour écouter et recherchent cette expérience. Cela fait une grosse différence.

J'apprécie le fait que j'ai eue la liberté de jouer aussi longtemps que je le voulais. Normalement, les gens veulent savoir à quel point ma performance peut être courte ! J'aime avoir la possibilité de faire quelque chose qui peut se déployer sur une longue période de temps, qui ne se précipite pas. J'essaie de lutter contre le sentiment de toujours avoir besoin d’avancer lorsque je joue, le stress d'être sur scène peut me rendre beaucoup plus rapide. Je dois me rappeler que je sais ce que je fais. C'est un peu comique, mais j'utilise un chronomètre quand je joue. Quand j'ai commencé à jouer, je condensais tout, alors le chronomètre me force à attendre et à laisser couler la musique.

Tu as grandi à Calgary et habites dernièrement entre Vancouver et Montréal, de quelle manière ces villes ont-elles influencées ton travail ?

Je pense que j'ai reçu une expérience différente de Calgary que ce que les gens en retirent normalement. Cependant je ne pense pas qu'il serait satisfaisant pour moi d'y vivre aujourd’hui. C'est une ville calme et j'ai pu disposer de beaucoup de ressources en travaillant au National Music Center, si j'avais été dans une autre ville, je ne serais probablement pas sur la même trajectoire. J'y avais l'espace nécessaire pour faire ce que je voulais faire. Beaucoup de gens diront que Calgary continue de se développer, il y a ce sentiment que vous pouvez y construire tout ce que vous voulez faire. Il n'y a pas tellement de concurrence, vous pouvez simplement ralentir et essayer de faire quelque chose de nouveau.

Vancouver est également du côté calme, surtout en hiver. Les gens ont tendance à hiberner et on a presque l'impression de faire une résidence ou d'être dans une cabane dans les bois. Il y a certainement un sentiment d'isolement, et vous pouvez vous concentrer sur ce que vous faites parce qu'il y a moins de distraction sociale. C'est un endroit où je peux être très concentré.

Montréal est en quelque sorte l’antithèse de Vancouver. La ville peut être extrêmement sociale et cela a été un peu surprenant pour moi au début. C’est la scène musicale la plus incroyable que j'ai vue. Les gens que je rencontre à Montréal ont envie de faire des choses, ils aiment faire de la musique, ils aiment créer. Il y a tant de sites et de nombreux endroits où jouer de la musique. L'enregistrement en studio que j'ai fait là-bas à Hotel2Tango a été très inspirant et Montréal est la seule ville où ce genre d'expérience est accessible. J'ai l'impression que dans beaucoup d'autres villes, il faut être d'un certain calibre pour accéder à ces endroits. Les gens sont ravis de travailler, et c'est très précieux.

Tu commenceras bientôt un doctorat en Californie, quel sera ton focus là-bas ?

J’étudierais dans un programme de musicologie. Depuis quelques années, je travaille pour le National Music Center à Calgary. La recherche d'instruments et d'écrits à propos de ceux-ci a été une expérience des plus gratifiantes. Trouver tous ces petits détails sur les instruments est fascinant. Je voudrais pouvoir me concentrer sur cela. J'ai été intéressé par la musique ancienne, et je trouve qu'il existe beaucoup de parallèles avec la musique contemporaine. C’était en quelque sorte la même approche pour écouter de la musique, surtout si vous prenez une musique minimale ou une musique expérimentale, elle se concentre sur les détails et sur un autre type d'expérience d'écoute. Je prends des inspirations et des idées de la musique dont j'ai appris. Étudier les instruments de musique affecte les instruments avec lesquels je veux travailler et comment je veux les entendre, et cela me fait réfléchir à ce que je veux exploiter.

Sarah se produira à MUTEK 2017 le jeudi 24 août. Apprenez-en plus sur l'événement ici.

Consulter sa biographie complète ici.

Crédits photographiques

artificiel : luthiers numériques

info@mutek.org (Gabrielle Gagnon-Fréchet ) — Tue, 11 Apr 2017 14:58:35 -0000

Commissionnée par MUTEK et soutenue par une résidence au Banff Centre for the Arts et le Conseil des arts et des lettres du Québec, « Trois pièces avec des titres » est une toute nouvelle performance mettant en vedette un instrument audiovisuel personnalisé tiré du studio artificiel de Montréal. La pièce fera sa première mondiale à MUTEK en août dans le cadre du programme A / VISIONS. Nous avons rencontré l'un de ses créateurs, le « luthier numérique » Alexandre Burton, pour parler d’art médiatique, du processus de création et de la construction de potentiels.

Pourquoi vous être donné le nom d’artificiel ?

Le nom artificiel était à moitié une boutade pour appuyer le fait que la création artistique c’est forcément artificiel. À l’époque c’était le début des nouveaux médias, et en réponse à cela il y avait un retour vers des démarches « naturelles ». On pouvait ressentir cette tension entre la technologie et la non-technologie.

artificiel n’est pas une identité d’auteur, c’est le nom du studio, nous sommes plusieurs à y travailler, mais nous gardons nos noms pour signer nos oeuvres. Le but était de créer une structure qui pourrait nous accueillir, à l’image d’un label de musique. Au départ, nous avions besoin de cette structure, mais nous n’étions pas encore certains de la forme qu’elle prendrait. Et nous n’avions aucune idée qu’elle serait encore vivante 17 ans plus tard.

Qu’y faites-vous ?

On travaille sur différentes choses liées aux technologies dans les arts, ma pratique personnelle serait de travailler sur la manière d’émettre des sons ou de la lumière avec des mécanismes qui ne sont pas prévus pour cela. Je trouve cette recherche esthétique intéressante, de passer par l’exploration et la mise en scène de phénomènes plutôt que dans la production de média.

Nos projets d’installations sont très différents de nos performances à cause des limites du contexte. Ce n’est pas à défaut d’avoir essayé de faire différemment. La première version de POWEr, a été créée avec une bobine de Tesla coil qui produisait des éclairs, cependant le son n’était pas assez fort et il fallait l’amplifier. Avec l’aide d’une caméra, nous pouvions faire en sorte que les spectateurs arrivent à voir et à entendre, mais cela créait une distance avec le phénomène physique sur scène. Donc selon le type d’idée qu’on travaille on détermine si c’est approprié pour un contexte de scène ou de galerie.

Tu dis qu’il semblait y avoir une certaine réticence à l'égard des arts médiatiques, est-ce toujours le cas selon toi ?

Il y avait effectivement un discours revendicateur qui refusait la technologie. Cependant je pense qu’aujourd’hui on accepte de plus en plus le mélange des nouvelles technologies avec des formes d’art plus traditionnelles. Le but pour nous n’a jamais été de prouver qu’on puisse faire de l’art avec des machines.

Quel est l’intérêt d’utiliser les nouveaux médias à des fins créatives ?

Il s’agit d'amener la créativité ailleurs et de transformer les outils que l’industrie nous propose. Les outils viennent avec des préconceptions qui imposent leurs sillons de potentiel. En créant nos propres instruments et logiciels, on arrive à se libérer de ces contraintes. En tant que créateur il est très intéressant de se laisser mener dans des zones qui n’ont pas été encore cataloguées.

Quelle est la responsabilité de l’artiste qui travaille à développer des nouvelles technologies ?

Je dirais qu’il a les mêmes responsabilités que tout artiste. Nous travaillons selon une démarche, au niveau éthique pour nous il est important de toujours faire quelque chose d’incarné, de concret — à l’inverse d’une démarche qui serait basée sur l’effet. Dans les démarches qui entourent les nouveaux médias, le terme « live » est souvent ambigu, on voit des présentations qui se disent performances live, mais qui proposent des médias pré-enregistrés pour contourner le problème des limites du live (tant chez l’humain que la machine) et se retrouvent un peu à faire l’équivalent du « lip-sync », ou peut-être du karaoke. Ce n’est pas forcément mauvais, et c’est certainement « efficace », mais cela doit être explicite, et non un artifice de surface.

Tu te définis comme un « luthier numérique », peux-tu expliquer ce que cela signifie ?

J’ai commencé à utiliser ce terme vers 1999 au FNC (Festival du nouveau cinéma) lors d’un symposium sur les nouveaux outils créatifs. La conférence que j'avais alors donnée était basée sur le principe que lorsque qu’on crée avec des nouvelles technologies, il y a véritablement une étape de lutherie. C’est une réflexion qui va dans la construction d’un dispositif dont le destin est de faire de l’art, mais qui n’est pas une oeuvre en soi. Avec artificiel on construit des instruments que d’autres pourront ensuite utiliser. C’est une première étape de développement. Nous essayons de revendiquer cette étape antérieure à l’oeuvre. Par exemple le piano, c’est une accumulation de connaissances à travers le temps et le résultat de l’avancement des technologies et des matériaux (high-tech pour leurs époques). Il n’a pas été inventé d’un coup. Même chose pour les instruments à vent et cordes.

Qu’allez-vous présenter à MUTEK ?

Avec Julien Roy nous présentons cette année Trois pièces avec des titres à MUTEK, un descendant direct de deux de nos anciens projets. Cubing que nous avons présenté en 2006 et POWEr en 2009. Ce sont deux projets dans lesquels il y avait une caméra qui filmait en direct et contrôlait le son. Cubing était fait avec des cubes Rubik et on utilisait la couleur pour synthétiser le son. POWEr était créé avec une bobine Tesla, et un dispositif qui faisait du sampling audiovisuel live qui était réinjecté dans le dispositif médiatique. Dans ces deux cas, l’esthétique du rendu final était teintée des limites de qualité des caméras utilisées.

Cette fois il va s’agir d’un dispositif encore une fois avec une caméra et un micro, mais maintenant les technologies nous permettent de traiter l’image à un niveau transparent. Nous pouvons filmer en direct, traiter l’image et la rediffuser sans perdre au niveau de la qualité. Notre but étant ultimement de ne plus sentir la technique. Les univers de chaque pièce sont construits avant, mais le détail reste unique à chaque fois. Disons que c’est comme le jazz, on improvise à l’intérieur de certains barèmes.

Votre oeuvre semble être une pièce réflexive, en quoi est-il important que l’art réfléchisse à lui-même ?

Je pense qu'il s’agit de la seule fonction de l’art. Trois pièces avec des titres est une réflexion sur notre démarche. D’ailleurs le titre l’indique — au delà du conceptuel sans titre. Beaucoup de gens passent beaucoup de temps à réfléchir, et même si je réfléchis moi aussi (rires) je n’écris pas de la philosophie. Il est important pour moi de bâtir sur ce qui a été fait avant. Certains mouvements philosophiques ont eu des répercussions immédiates sur l’art de leur époque. Je pense à Umberto Eco ou à Deleuze, c’était des discours philosophiques directement connectés sur des pratiques artistiques. Ce que je vois dans les milieux académiques actuellement c’est une stagnation. Deleuze, Simondon continue d’être étudiés. Ce c’est pas mauvais, mais on n’est plus dans l’action du moment présent. J’essaye de trouver des penseurs d’aujourd’hui qui réfléchissent sur des choses qui — selon mon interprétation — ont un impact sur la pratique artistique d’aujourd’hui.

Tu cites The End of Time de Julian Barbour comme référence, en quoi ces principes se retrouvent-il dans l’oeuvre ?

Julian Barbour est un mathématicien qui propose une théorie du non-temps, ou la « réalité » est une séquence de moments-maintenants instantanés qui sont des configurations complètes et autonomes de l’univers.. Notre notion perceptive du temps est très formalisée par les horloges, le temps est pour nous une espèce d’évidence qui coule inexorablement, mais c’est en fait une notion très superficielle et très locale. Barbour s’est intéressé à la perception du temps au niveau cognitif et le définit comme un glissement à travers tous les moments-instantanées possibles. Il reste à comprendre comment le temps est réellement perçu au niveau neurologique, comment on peut expliquer cette sensation du temps qui passe. Mais sa proposition est une solution à l’impasse du temps au niveau quantique/relativité.

Ce que je trouvais intéressant de sa théorie c’était au niveau de la composition. Je vois la composition comme construire un potentiel qui devient un meta-cube de possibilités. Avec notre lutherie on se promène dans ce cube et le trajet devient l’expérience que nous sommes en train de vivre. L’expérience est potentielle jusqu’à exactement maintenant où elle devient mémoire. Ce rapport d’expérience du moment présent à l’intérieur d’une succession de configurations dans un système qui se tient, pour moi c’est un contexte intéressant pour la création. Tout ça n’est pas écrit dans la note de programme, mais ça alimente la réflexion.

Ton collègue Jimmy Lakatos présentera un autre projet en collaboration avec Murcof pendant le festival ?

Effectivement, le projet de Jimmy est un projet ou une tranche choisie de la composition sonore sera synchronisée avec les lasers de manière subtile; ce sera une structure imprévisible et abstraite, mais liant intimement et sensiblement le son et la lumière.

Quels sont les futurs projets d’artificiel ?

Je travaille en ce moment sur une installation basée sur des électroaimants qui tiendront en suspension magnétique un objet qui vibre et qui produit du son. Si tout va bien ça sera prêt à l’automne. Dans ce projet il n’y pas de contact entre l’objet et l’aimant, il flotte et cela requiert beaucoup d’énergie. Il faudra se battre contre la gravité avec un électro-aimant fait sur mesure. C’est de l’équipement utilisé pour les accélérateurs de particules.

Nous faisons aussi des projets d’intégrations dans des contextes culturels. J’ai une commande d'oeuvre pour un projet d’installation au Musée des Technologies d’Ottawa. Ils refont leurs expos et une partie est sur la recherche au niveau du son au Canada dans les années 60. R. Murray Schafer qui était professeur à Simon Fraser à Vancouver a écrit un livre qui s’appelle The Tuning of The World et il était un des premiers à parler de l’écologie sonore, et entrepris de documenter par le field recording des lieux-moments pour en préserver le son. Dans le Musée il y aura une installation électroacoustique basée sur ces notions. Ce sera un espace interactif qui créera des paysages sonores en fonction du mouvement et de la dynamique des gens dans la salle. La commande est de travailler autour des idées du field recording, mais le but n’est pas d’être documentaire; c’est pas encore fait mais je compte travailler sur des transitions entre des lieux reconnaissables comme « paysages », et des lieux impossibles (comme se retrouver « à l’intérieur » d’un synthé analogique). Et de rendre le tout intéressant pour le « grand public » tout en restant pertinent au niveau artistique.

Et j’ai un projet appelé Super Super avec la chorégraphe Line Nault qui sera présenté à l’Agora de la danse l’année prochaine. Il s’agit d’une performance pour deux danseuses, organisée en trois pièces. Chacune des pièces comporte une proposition audiovisuelle réactive qui interagit avec les danseuses par le biais d’un système de localisation 3D.

artificiel présenterons Trois pièces avec des titres au sein du programme A/VISIONS de MUTEK 2017. Plus d'informations sur le festival ici.

Biographie d'Alexandre Burton et Julien Roy.

Scene and Heard South of the Border

info@mutek.org (Robyn Fadden) — Tue, 31 May 2016 16:18:10 -0000

The last couple of decades have seen tremendous growth in the distribution and global profile of Mexican contemporary art, culture and influence. A confluence of virtual (Internet) and real (air travel) connectivities have propelled Mexican artists and musicians into new orbits. The country, and it’s capital city of about 10 million, boasts more people under the age of 30 than over. It is a place of enormous energies — and potential.

Mexican electronic music artists have certainly been asserting their place in the global conversation — not because they’re a novelty or a niche, but because their provocative sound comes straight out of an underground electronic scene they’ve built from the ground up.

This year, MUTEK Montréal is making a point of underlining several tantalizing talents from Mexico: Siete Catorce a.k.a. Marco Polo Gutierrez makes tripped out tropical meets tech; Alfredo Ramírez and Alan Aguilar known as And the End of Everything create make melodic, cinematic, glitchy ambient; White Visitation (Nicolas Guerrero) turns out densely textured underground techno; and Prague-based Mexican producer, musician and multimedia artist Laura Luna de Castillo experiments in emotive minimalist compositions using field recordings and bespoke circuitry.

Having its Moment

“Mexico is having one of its best cultural moments right now,” says Damian Romero, Director of MUTEK Mexico since its founding in 2003. He’s seen Mexico’s electronic music underground shift and change in the past two decades, since he founded collective and label Noise Lab (followed by label IMECA) in the late 90s, joined Canadian producer Mike Shannon on a trip to Montréal for MUTEK 2002, and a year later, made MUTEK.MX a reality that has turned into an influential and integrated entity.

“Electronic music and art here is getting healthier and noisier – and getting more international attention,” he says. “Festivals are growing up, searching for a solid identity, and offering artists genuine platforms. In my work I’m receiving a lot of new proposals that aren’t along a specific line or trend – everyone’s doing their own original thing, expressing their personalities.”

The perceived divide between festivals and established clubs persists, though underneath it all an underground community continues to do its own thing. “In the clubs, there’s a sense of exclusivity,” says Romero. “There’s nowhere people can join outside of a festival format to create community. So everyone has to create their own communities – which actually creates something very interesting, the subcultures, the real scenes, rather than clubs managed by owners for specific purposes and profits.”

Nicolas Guerrero, playing MUTEK Montréal as White Visitation, has releases on UK-based Opal Tapes and L.I.E.S., Blank Slate and Styles Upon Styles in New York, but he’s firmly planted in Mexico City. “I think the scene here is small enough that if you’re playing regularly, you’ll end up part of the community,” he says. “There’s really no escaping it – it’s not like New York where there’s a different community for every micro genre. Here everybody listens to everything, which is good and bad, but we’re all friends.”

Throwing parties in DIY venues and makeshift spaces is a fact of life in Mexico, and one of the reasons why the boundaries of underground music can easily blur into club music and art spheres. “If you’re a DJ or promoter for a party holding 200 to 300 people you’re going to have to look around for a space and rent it for that event,” says Guerrero. “Most of the spaces don’t have permits, but that’s kind of a non-issue here – you only consider it in passing, there’s always a work around here for that. This is life. I hate the club versus art binary because the most incredible experiences for me have been in party settings – the party setting can be as transcendent as anything else.”

At home, Guerrero has been one of a number of DIY promoters starting regular parties – his is called No Sleep – at shifting locations, and bringing in artists from outside Mexico. “That’s really picked up in the past couple of years and it’s very good news,” he says. “At No Sleep we’ve had M.E.S.H. from Berlin and [UK producer and DJ] Shifted, great people. As with being a DJ, as a promoter you can see the response from people immediately, not only in person but in numbers of how many more people are coming to your party.” So far, those numbers have only gone up.

Sound spaces

“All our lives we were so close to the music world because our parents showed us a lot of music, from progressive rock to synth pop, all that stuff,” says Alfredo Ramirez of And the End of Everything. “We create sounds and textures starting from a concept, sometimes a movie, a book, life itself and music too, obviously. We borrow a lot of our social environment, not in such a conscious way certainly, but we reflect what for us is important to transmit in sound.”

Ramirez recently co-founded Möeb, a platform to gather and promote collaboration in contemporary electronic music in Mexico, and both artists have released to great acclaim on Ensamble, a Mexican label with an ear for the local electronic music scene and A/V creators. “Mexico is a good place to get inspired, but we don’t use Mexican folklore or political situations,” Ramirez explains. “Our concept is more personal; we’re not looking to make something with an obvious political message.” On stage, And the End of Everything makes every show a unique one, crafting a different story and narrative in each performance.

Under the moniker Laura Luna, Mexican multimedia artist and producer Laura Luna de Castillo makes an introspective, memory-inspired music through acoustic and electronic instruments mixed with synthesizers, drone textures, the instruments’ own feedback or even sculptures or installations that she’s built herself from various materials and motors: “I start my compositions by going through every sound I have and fragmenting it into hundreds of loops – they become a sort of skeleton, in which I begin to compose and overlay them, and slowly a composition starts to emerge.”

A photographer and visual artist in Mexico, de Castillo found herself drawn further into music once in Prague – she says the local experimental music and performance community openly involved her in projects, collaborations and live performances in different venues. And while she’s been inspired and influenced by traditional Mexican instruments, sampling and using them in some compositions, she says she’s not directly influenced by traditional Mexican music. “It happens the same with European and American electronic music – I think I would fall in the middle,” she says. “I choose the instruments and samples that I feel fit in my compositions, according to what sounds I need to convey the atmospheres I have in mind.”

While some Mexican electronic artists do incorporate traditional cultural elements into their music, it often sounds contrived, says Guerrero. “I really try to avoid that in my music,” he says, “though I’ve done it before with a sample that was completely mangled beyond recognition – there are ways to go about it that isn’t about cashing in on a gimmick. A lot of these local musical cultures I’m not well versed in, it’s not mine, it’s not close to me – I like some of that music a lot but I don’t have a relationship to it yet, so I won’t incorporate it.”

Politics do come naturally into play in the edgy, tripped-out post-cumbia IDM of Mexico City-based producer Marco Polo Gutierrez – at MUTEK this year as Siete Catorce, though also known as den5hion and Sin Amigos. Born in Mexicali, brought up in Oakland and back in Mexico at 15, Gutierrez makes hybridized productions, interlacing his dark, decidedly urban electronics with ruidosón, a politically imbued Mex-Latin-electronic music that succeeds the Northern Mexican electronic movement nortec. Where that sound was ebullient in places, the new variation is decidedly a reflection of bad times in the country.

With releases on Mexican labels Cocobass and Enchufada, Gutierrez is also a collaborator with Mexico City-based NAAFI collective and label, co-run by producer and DJ Lao (who’s also responsible for Extasis, a more experimental, art-oriented label), Fausto Bahia, Mexican Jihad and Paul Marmota. The artists involved with these labels intentionally navigate away from the Latin American stereotypes of of DJ culture that surged in Mexico in the mid-2000s – their sphere is darker though not anti-dance floor, with ”peripheral rhythms” that defy genre and push boundaries.

Out from the Margins

While Mexican artists may be getting more international attention, Guerrero still feels lucky to have long-standing connections in the U.S. “The so-called global reach aspect will get you only so far – people are still very biased or predisposed or lazy about discovering new artists, this includes media outlets too,” he says. “They’ll more easily pick up an artist in one of the hotbeds, like Berlin or New York or LA, where it’s still much easier to be noticed. Marginal is what we are in Mexico City, or anywhere that isn’t one of these hotbeds. There’s this aspect of novelty in it that I’m really wary of – anybody would want to avoid being known as a novelty and I think it’s a real risk to be marketed that way.”

Romero observes that Mexican artists are reaching a level of unprecedented exposure in part due to online access and the international relationships artists – and labels, festivals and fans – are creating. “In the electronic music and contemporary art field, [minimalist electronic composer and producer] Murcof is now the most important Mexican artist on an international scale – he’s not a PR guy, he’s not surrounded by managers, he’s just making incredible music and connecting with incredible projects.” While it took Murcof years to establish his global presence, even as a co-founder of Nortec Collective, today’s underground collectives pool their resources and establish themselves online first to make connections with like-minded artists in far less time.

“When we started MUTEK.MX in 2003, it was a completely different environment in Mexico City,” says Romero. “The artists who produced edgy art that was related to music were frustrated in the pre-internet era because it was tough to get into a label, to get international attention, to create contacts. Now it’s very different; people don’t need anything but email and a Soundcloud or Bandcamp – that’s changed the game drastically and artists are signing to labels outside Mexico. They’re still part of a very small community here and they’re making noise in other very small communities around the world – that’s how underground music works.”

ACTE: Design the Future U Want

info@mutek.org (Kara Crabb) — Tue, 31 May 2016 13:35:07 -0000

Acte is a label and collective made by Simon Chioini, Gabriel Ladoux, Philippe Vandal, Devon Hansen, and Kara-Lis Coverdale. They make sound designs for many occasions, including: working, contemplating life, purposely not contemplating anything at all, dancing passionately, and walking around. I first met Kara-Lis in 2011 when she poured herring juice all over me and took pictures as I got ravaged by a pack of racoons. Since then she has helped me produce performance art pieces in Ottawa and Toronto, by composing original scores and just generally being supportive. In 2015 she introduced me to Simon Chioini and Devon Hansen at Brasserie Beaubien where I "fell asleep against the pool table and resembled a headless monster." I have been enjoying the fruits of Acte ever since and was delighted to meet up with them up on an unencrypted messaging platform to chat about their work for MUTEK.

Une minute néoclassique avec Kiasmos

info@mutek.org (Michael-Oliver Harding) — Mon, 25 May 2015 19:51:14 -0000

Traduit de l'anglais par Patrick Baillargeon

Kiasmos, c'est la rencontre de deux talents musicaux originaires d'une île nordique qui ne cesse d'étonner: le multi instrumentiste Ólafur Arnalds, primé aux BAFTA, et l'excellent producteur d'electro-pop Janus Rasmussen. Depuis 2007, ces deux compositeurs islandais ont sculpté un son symphonique qui se déploie lentement et qui mélange des touches de piano et d'instruments à cordes avec des synthés impétueux et des rythmes débordant de soul.

En ce qui concerne l'origine du nom du duo, précisons que toute correspondance entre Kiasmos et «chiasme» (disposition en ordre inverse de deux phrases syntaxiquement identiques, formant une antithèse ou constituant un parallèle) est le fruit d'un hasard total, bien que le binôme fusionne des approches musicales diamétralement opposées.

«Je pense peut-être que l'explication est venue après le nom», estime Arnalds, lors d'une récente entrevue avec MUTEKMAG. «Parfois le nom peut même influencer ce que vous faites. Je pense que nous avons tout simplement choisi ce nom parce que nous pensions que c'était cool. Lorsque nous avons commencé à faire de la musique, c'était vraiment de la techno pure. Il n'y avait pas ce contraste. Puis, progressivement, nous avons commencé à développer cette idée et fini par réaliser que la définition de notre nom s'accordait désormais avec notre musique!»

Bien avant qu'Arnalds et Rasmussen ne commencent à croiser leur hybridation avec leurs orchestrations électro-mélancoliques, le duo s'est d'abord formé autour d'une passion commune pour l'expérimentation techno. C'était en 2007, lorsque Arnalds était en charge du son pour les performances live de Bloodgroup, le projet électro de Rasmussen. Ils ne se sont donné aucun échéancier pour façonner la longue gestation de leur projet Kiasmos, étant donné que les deux musiciens récoltaient déjà un certain succès avec leurs autres projets: les œuvres de piano solo d'Arnalds l'ont rapidement conduit au rang des compositeurs de musique classique contemporaine les plus convoités, alors que les aventures rythmiques du quatuor Bloodgroup de Rasmussen et son autre duo electro pop BYRTA avaient vraiment décollé.

Après avoir lancé deux EPs liminaires de prouesses techno lancinantes en 2009 et 2012 sur Erased Tapes (le label londonien qui a soutenu plusieurs artistes se situant au confluent de l'électronique et de l'acoustique), le duo s'est consacré en 2014 à bonifier les atmosphères synthétisées de Kiasmos à grands coups de violoncelle, de piano à queue, de violon, d'alto et de batterie en live. Il en résulta un premier disque éponyme en 2014 qui est immédiatement devenu un incontournable de la musique classique-électronique. Et alors que cet album envoûtant oscille entre textures glitch-y à combustion lentes, cordes syncopées et mélodies de piano éminemment dansantes, il n'y a que le chant – présent dans les autres projets de Rasmussen – qui manque à l'appel. «Je pense que c'est juste parce que nous avons toujours envisagé cela comme un projet techno», explique Janus à propos de la décision de faire de Kiasmos une affaire exclusivement instrumentale. «Je ne dis pas que nous n'intégrerons jamais le chant dans nos productions, mais pas pour le moment. Ce n'est pas une chose à laquelle on pense quand on compose de la techno. Cependant, nous avons essayé de mettre en boucle ma voix au ralenti à un moment donné. Nous avons bien aimé, mais pas notre label...»

Au cours des dernières années, les musiciens de Kiasmos ont tissé des liens avec des habitués de MUTEK, tels que Jon Hopkins et Nicolas Jaar, dont le travail entre deux univers a réaffirmé la détermination du duo de construire des arcs dramatiques énergiques à partir de leurs arrangements élégants et méticuleux. Contrairement à leurs collègues d'Erased Tapes, Nils Frahm et Rival Consoles, Kiasmos a joué un rôle important dans cette collision fort appréciée de musique classique et électronique, ce qui ne leur a certes pas déplu!

«Lorsque j'ai commencé à faire ma musique il y a huit ans, il n'y avait peut-être pas plus de trois artistes qui mélangeaient le classique avec l'électronique que je trouvais intéressants», se souvient Ólafur, dont les propres compositions ont également contribué à cet engouement de la culture pop pour la musique néo-classique. «Maintenant, il y a d'innombrables exemples qui surgissent de partout. L'an dernier, nous avons tous été en mesure de remplir des salles de concerts énormes et je ne pense pas que ce soit parce que l'un d'entre nous est devenu soudainement populaire. C'est plutôt le genre dans son ensemble qui l'est devenu, résultant d'un travail d'équipe», dit-il, citant Erased Tapes comme un acteur clé de cette émancipation instrumentale.

Ce sont les nombreuses éloges du public et les critiques positives qui ont incité Kiasmos à se lancer dans une première tournée internationale, donnant aux fans le privilège de vivre l'électronica élégiaque du duo de manière plus viscérale, alors que les deux musiciens prolifiques s'occupent simultanément de leurs nombreux projets parallèles. «À certains égards, multitâche serait le bon mot», songe Janus. Ólafur, qui a couvert une énorme quantité de terrains mélodiques en peu de temps – création de la bande son pour une étrange série de télévision britannique (Broadchurch), batteur au sein du groupe hardcore Fighting Shit, production de musique pop – a récemment publiée The Chopin Project en collaboration avec la pianiste germano-japonaise Alice Sara Ott. Janus de son côté jongle avec tout autant de projets: il a produit un album disco, est parti en tournée avec un groupe de pop et a accumulé les gigs en tant que DJ.

Ceci dit, il ne faut pas penser que leur emploi du temps chargé les a empêché de concevoir une expérience totalement immersive concernant les concerts de Kiasmos. «Je ne pense pas qu'on doive se rendre à un concert en espérant ressentir les mêmes émotions ou entendre les mêmes choses que lorsqu'on écoute un disque, parce que c'est un environnement complètement différent et car nous concevons nos spectacles en tenant compte de cela», précise Ólafur. «C'est de la musique électronique, donc nous ne voulons pas faire une performance "non électronique", c'est-à-dire que nous ne voulons pas tourner avec un batteur ou avoir des instruments réels qui remplaceraient nos instruments électroniques sur scène. Mais on trouve d'autres façons de s'adapter à l'environnement du spectacle: beaucoup d'effets visuels, un jeu de lumières programmé et beaucoup de choses qui clignotent!"

Lors de la performance de Kiasmos, attendez-vous à des visuels à couper le souffle, abstraits, en slow-motion, qui sont coordonnés avec les éléments de cordes et de piano. Ceux-ci sont mis en contraste avec des lumières scintillant frénétiquement et qui agissent en tandem avec les éléments de percussion. Le clip de Burnt offre un aperçu révélateur du monde surréaliste et vaporeux que la paire a mis au point. «J'ai vu Jon Hopkins en spectacle à quelques reprises et j'ai toujours aimé la manière avec laquelle il parvient à donner l'impression de jouer sa musique en live alors qu'en réalité tout est électronique. Sa prestation sur scène apporte vraiment quelque chose de nouveau», s'émerveille Janus lorsqu'il est interrogé sur les efforts entrepris par Kiasmos pour rendre vivante leur performance sur scène et éviter que le duo ait l'air de deux gars plantés devant leurs machines. «Je pense que c'est toujours le danger avec ce genre de choses – les percussions ne sont pas jouées en live et les synthés sont programmés. Donc nous ajoutons des éléments à nos chansons et les améliorons au lieu de tout jouer live».