Fragmentos

A culpa é das estrelas

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 05 Jun 2014 23:40:00 +0000

Se você costuma acompanhar as últimas notícias a respeito dos próximos lançamentos cinematográficos de 2014, com certeza já deve ter ouvido falar, ou pelo menos ter visto na internet, alguma coisa a respeito do filme “A culpa é das estrelas”, o qual é uma adaptação do livro do escritor John Green - que levou 10 anos para completar a história inspirada em Esther, uma fã de seus livros, que ele conheceu em um hospital infantil e os dois acabaram se tornando grandes amigos.

O livro conta a história de Hazel Grace, uma jovem apaixonada por leitura e que se considera uma grande fã da obra “Uma aflição imperial” (confesso que fiquei terrivelmente desapontada ao descobrir que ela não existe), do escritor fictício Peter Van Houten – que anda no anonimato já a algum tempo e que raramente se comunica com seus leitores através de cartas, algumas delas mandadas por Hazel e que, até então, nunca foram respondidas.

Por ser tímida e não gostar muito da maneira distinta que a maioria das pessoas a tratam por ter câncer, Hazel prefere ficar em casa a ter que sair com seus amigos. Por isso - e após muita insistência de sua mãe, que acha que ela anda muito presa em casa assistindo séries de TV ~~America’s Next Top Model~~ -, a garota resolve ir a um grupo de apoio para tentar socializar. E é lá em que ela acaba conhecendo Augustus Waters. Um ex-jogador de basquete, viciado em videogames e que possui o hábito de colocar cigarros na boca, mas não fumá-los, como uma metáfora de vida.

“- Eles não matam se você não acender (...) É uma metáfora. Tipo: você coloca a coisa que mata entre os dentes, mas não dá a ela o poder de completar o serviço.”

Assim, à medida que os capítulos vão avançando, a proximidade entre eles vai aumentando. Ambos começam a trocar livros e Hazel apresenta a Augustus “Uma aflição imperial” e, a partir daí, os dois passam a compartilhar da mesma obsessão pelo livro de Peter Van Houten. Entretanto, como nem tudo são flores, a relação do casal enfrenta grandes dificuldades por conta da doença e, por esta já estar em estado terminal, não há muito o que se esperar.

Mas, enfim, em meio a tantos spoilers e tirando o lado depressivo da história ~~que é linda~~, o que realmente me fascinou nesse livro, além da linguagem mais humorada utilizada pelo autor para abordar o assunto, foi a maneira bem diferente que John retratou a realidade daqueles que tem câncer. Ele mostrou um lado que muitos não conhecem ou não conheciam.

Por exemplo, quando pensamos em alguém que possui uma doença como essa, logo temos, involuntariamente, a impressão de que elas devem ser tratadas de uma maneira mais romantizada, fazendo com que muitas vezes os olhemos com pena, quando na verdade, tudo o que elas querem é ser tratadas como iguais e não como se fossem super-humanos ou algo do tipo. No livro, Hazel costuma chamar de “privilégios do câncer” algumas preferências que são lhe dadas apenas por possuir a doença, fato que ela ironiza bastante.

“Senti que todos observavam nossos movimentos, imaginando o que haveria de errado conosco, e se aquilo nos mataria, e como minha mãe deve ser uma heroína e tudo mais. Essa, às vezes, era a pior parte do câncer: a evidência física da doença separa você das outras pessoas.”

Além disso, o escritor retratou fatos, conflitos e dúvidas cotidianas da adolescência, assim como problemas que ocorrem em muitas famílias, mostrando também que aqueles que possuem essa doença ou qualquer outra do tipo, também podem ter senso de humor e serem bastante irônicos.

Inclusive, o título do livro faz referência a obra de Shakespeare chamada “Júlio César” e foi explicado pelo próprio John Green em seu site oficial: “na frase de Shakespeare, “estrelas” significam “destino”. No texto original, o nobre romano Cássio diz a Bruto: 'A culpa, meu caro Bruto, não é de nossas estrelas / Mas de nós mesmos, que consentimos em ser inferiores.' Ou seja, não há nada de errado com o destino; o problema somos nós. Bem, isso é válido quando estamos falando de Bruto e de Cássio. Mas não quando estamos falando de outras pessoas. Muitas delas sofrem desnecessariamente, não porque fizeram algo de errado nem porque são más ou sei lá o quê, mas porque dão azar. Na verdade, as estrelas têm muita culpa, sim, e eu quis escrever um livro sobre como vivemos num mundo que não é justo, e sobre ser ou não possível viver uma vida plena e significativa mesmo que não se chegue a vivê-la num grande palco, como Cássio e Bruto”.

O livro me fez refletir bastante e chorar por horas ~~sou dramática~~. Mas é importante ressaltar que ele não se resume apenas a uma concepção de “romance clichê”, como muitos pensam. Ele evidência, sobretudo, que pessoas assim como Hazel também sentem e se expressam como nós - os “saudáveis” - e não devem ser enxergadas apenas como “doentes”.

A estreia nacional da adaptação cinematográfica está marcada para, hoje, dia 5 de Junho ~~UHUUUL \O/~~ . Caso você tenha se interessado pela história de Hazel e queira assistir ao filme, abaixo está o do trailer legendado:

Fonte das imagens (respectivamente): Dedevic, Intrinseca e Cinema10.

Todo dia é dia de futebol

noreply@blogger.com (Alice Martins Morais) — Wed, 28 May 2014 01:29:00 +0000

Brasil é o país do futebol. Ninguém pode negar. É mais que um esporte. É mais que entretenimento. É uma atividade cultural que faz parte da identidade do brasileiro, no geral, querendo ou não. Você pode não gostar do esporte (ou até mesmo de esportes em si), mas isso é algo visível. E não é de agora, não mesmo. São cerca de 120 anos de prática que marcaram intrissicamente a história deste país, dentre os quais 84 anos são de Copa do Mundo. Não é à toa que a nação para funcionalmente na hora das partidas. É esse espírito que Carlos Drummond de Andrade conta nas crônicas feitas entre 1954 e 1986, reunidas no livro “Quando é dia de futebol”, lançado neste ano pela Companhia das Letras.

Foi dado o apito inicial – A primeira bola de futebol foi trazida ao Brasil em 1894 pelo paulista Charles William Miller. O esporte era dominado pela elite branca, mas acabou driblando a aristocracia e tomando conta das várzeas, mesmo que clandestinamente, e se tornou a atividade esportiva mais popular do país.

A Copa do Mundo da Federação Internacional de Futebol Associado (FIFA), acredito, foi sempre um dos fatores que mais impulsionaram a paixão nacional pelo futebol, principalmente pelo fato de que o Brasil foi o único país a participar de todas as edições (começou em 1930) e também é o único pentacampeão. “A vitória no Mundial de 1958, com um time comandado pelos negros Didi e Pelé, o mestiço Garrincha e pelo capitão paulista Bellini, ratificou o futebol como principal elemento da identificação nacional, já que reúne pessoas de todas as cores, condições sociais, credos e diferentes regiões do país”. (Wikipédia)

“...há no futebol valores transcendentes, que nós, simples curiosos, não captamos, mas que o bom torcedor vai intuindo com a argúcia apurada em uma longa educação da vista”. (ANDRADE, Carlos Drummond, 2014, p. 19)

O passado é o presente – É essa mesma Copa do Mundo, tão importante para a construção da identidade cultural brasileira, que é sempre tão criticada por motivos políticos. Pode parecer que não, mas o movimento #NãovaiterCopa não é de hoje, ao menos não em sua essência. Algo que podemos percebemos no livro “Quando é dia de futebol”, que registra crônicas de Drummond desde a Copa de 1954 até a última que ele registrou, de 1986, passando pela redemocratização do Brasil (da década de 50), à ditadura militar (1964-1985) e ao início da (re)redemocratização (1985).

Falar que a Copa traz prejuízos ao país, por parar tudo na hora do jogo, e que é um exagero e desperdício, que se deveria concentrar toda a energia em questões políticas (como se uma coisa excluísse a outra), não é recente. Observe o pensamento de Drummond sobre, em 1958 (ano da vitória do Pelé):

“Não me venham insinuar que o futebol é o único motivo nacional de euforia e que com ele nos consolamos da ineficiência ou da inaptidão nos setores práticos. Essa vitória no estádio tem precisamente o encanto de abrir os olhos de muita gente para as discutidas e negadas capacidades brasileiras de organização, de persistência, de resistência, de espírito associativo e de técnica. Indica valores morais e eugênicos, saúde de corpo e de espírito, poder de adaptação e de superação. Não se trata de esconder nossas carências, mas de mostrar como vêm sendo corrigidas, como se temperam com virtualidades que a educação irá desvendando, e de assinalar o avanço imenso que nossa gente vai alcançando na descoberta de si mesma.” (p. 25)

Quando é dia de futebol – Explicar a emoção da primeira partida de futebol, mostrar a paixão nacional a quem não entende, fazer uma viagem pelo passado do país. O favoritismo da Seleção Brasileira e como é “crime” ao menos considerar a hipótese de o Brasil perder (inclusive, vamos mudar de assunto), o jogo bonito do futebol brasileiro “parecido com o balé”. Tudo isso e mais um pós-facio do Juca Kfouri, a cronologia de Carlos Drummond de Andrade e ainda uma listinha de leituras recomendadas.

“Quando é dia de futebol”, da Companhia das Letras, é um livro pra quem gosta de futebol se encontrar, pra quem não gosta entender essa paixão e pra qualquer um que aprecie uma boa escrita.

Imagem: Foto de capa do livro.

Vanguart

noreply@blogger.com (Tie Okajima) — Sat, 17 May 2014 23:30:00 +0000

Vanguart é uma banda de folk rock formada em Cuiabá, Mato Grosso, vencedora do prêmio MTV de melhor banda em 2012 e que começou a surgir dez anos antes, em 2002. De início, Vanguart era um projeto solo de um dos seus integrantes, Hélio Flanders, que tocava violão, teclado e cantava em seu quarto sem nenhum compromisso – até chegou a gravar alguns cds, mas que não foram de fato lançados. Seus integantes foram sendo acrescentados aos poucos, sempre dando um toque a mais nas suas músicas. Hoje, a banda conta com seis integrantes fixos: Hélio Flanders, Reginaldo Lincoln, Luiz Lazzaroto, Fernanda Kostchak, Douglas Godoy e David Dafré.

A banda possui três álbuns: Vanguart (2007), Boa parte de mim vai embora (2011) e Muito mais que o amor (2013). Cada um desses álbuns nos contam uma história, uma jornada, uma parte da vida, denominados de “diários de viagem do Vanguart”. No primeiro, é mostrado o início da jornada, a saída da cidade de Cuiabá a busca por um destino, os caminhos que se passam até a cidade de São Paulo. No segundo, nos damos de cara com algo mais maduro, entramos no quesito amor da vida. Podemos perceber que se trata de experiências, saudades e relatos daqueles que amaram e conheceram o fim. Por último, no disco lançado mais recentemente, como diz o título “Muito mais que o amor”, encontramos o além. O além da dor, do fim. É como um seguir em frente.

Vanguart é amor. Suas músicas transmitem os mais diversos sentimentos a quem ouve. Com seu último álbum lançado, eles revelam forte presença musical. São músicas de estrada, apaixonantes, por vezes melancólicas, mas conquistadoras. Há uma sinceridade sem igual. Claro, não posso garantir que irão conquistar a todos logo de cara, mas, acredite, em algum momento eles irão.

Infelizmente, eu não vejo Vanguart ter todo o reconhecimento de público que deveria, porque, pelo menos para mim, é uma das melhores bandas nacionais de hoje. Eles são nada mais nada menos que o rock rural brasileiro mesclado com um romantismo urbano e, com certeza, prometem ser uma grande marca no cenário musical do país.

Para finalizar, deixo o último single da banda, "Meu sol", do álbum "Muito mais que o amor":

Fonte da imagem: Suplemento Cultural.

A Guerra dos Tronos

noreply@blogger.com (Fragmentos) — Thu, 15 May 2014 23:30:00 +0000

Putz! Tentar explicar a ideia ou fazer um resumão das Crônicas de Gelo e Fogo, mais especificamente o livro um, A Guerra dos Tronos, da editora Leya Brasil, é uma tarefa muito árdua e complicada. Acho que eu precisaria da metade das páginas que George Martin escreveu para fazer um geralzão sobre o livro. Agora, tentar ler esse livro e não se encantar com a riqueza dos detalhes e o envolvimento emocional que a história cria, é praticamente impossível.

As Crônicas de Gelo e Fogo é um conjunto de cinco livros já escritos (e ainda esperamos ansiosamente mais dois livros e oramos arduamente para que o autor não morra antes de concluir a obra) que se passam numa época de reis, príncipes e bastardos, lordes e damas, capitães, soldados e mercenários. E, além disso, feiticeiros, magos e criaturas fantásticas, como lobos gigantes e manticoras.

O livro um, A Guerra dos Tronos (escrito originalmente em agosto de 1996 e traduzido para o português em setembro de 2010), se passa em Westeros, uma terra composta por oito grandes casas (responsáveis por outras dezenas de casas menores) governadas por lordes que se submetem ao Trono de Ferro (representado por uma casa), localizado em Porto Real, a capital do país. Este livro inicia com a misteriosa morte do conselheiro do Rei Robert Baratheon (o rei responsável por destruir a casa Targaryen e ocupar o Trono), Jon Arrin, e o convite real para que Eddard Stark, o melhor amigo do Rei, ocupasse o cargo na corte.

Numa miríade de intrigas, aventuras, romances e guerras, a história começa a se desenvolver sobre o conflito entre as casas que querem ocupar o Trono de Ferro ou se libertar do julgo do mesmo. É interessante notar que, no final, todos morrem (ou melhor, quase todos), por isso é uma solução bastante saudável que ninguém se apegue a nenhuma personagem, vai que...

Esse livro já foi adaptado para uma série exibida pela HBO – Game of Thrones, mas não vamos entrar em detalhes quanto a ela. Porém, é importante dizer que, se alguém pretende ler os livros, POR FAVOR, não assista à série até terminar de ler todos ou, pelo menos, mantenha-se um passo a frente da HBO. Existe uma série de detalhes que são, obviamente, abordados apenas nos livros, como certos personagens.

O livro, na minha opinião, serve para fazer uma grande (e bota grande) introdução ao cerne da história que é: quem vai ocupar o Trono de Ferro. De um lado estão Baratheons, amigos dos Starks e, do outro lado, os Lannisters, uma casa orgulhosa e traiçoeira que mantém seu vínculo real com o casamento de uma integrante com o rei.

Vale lembrar que o livro não é dividido em capítulos padrões, como outros tipos de livros, mas sim por personagens. Por exemplo, não existe Capítulo 1, mas sim o “Capitulo Eddard”. Essa divisão permite que nós, leitores, possamos observar determinado acontecimento sob a visão de uma personagem específica, assim, uma batalha pode ser vivida ou ouvida por tal personagem, sentimos suas dores, pensamos seus pensamentos, vivemos seus sonhos, somos, mesmo que por alguns minutos, as próprias personagens.

De um modo geral, A Guerra dos Tronos é um livro que te surpreende e te fascina a cada capítulo vivido e, é claro, o final é nada esperado. Juro que não queria dar nenhuma pista, maaaas deixarei uma pista através de uma charada marota: O que pode surgir da pedra, senão com a morte? O que pode ressurgir com a morte, senão a vida? O que pode voltar à vida, senão da pedra?

Boa leitura!

O livro “A Guerra dos Tronos” tem 592 páginas e custa cerca de R$49,90.

Texto escrito por: Leonidas Dias, colaborador do Blog Fragmentos.

Fontes das imagens (respectivamente): Bravoos e Leya Brasil

Imagine Dragons

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 14 May 2014 01:08:00 +0000

Se você, assim como eu, adora músicas do gênero indie rock e rock alternativo, provavelmente irá gostar de Imagine Dragons. A banda surgiu em 2008, em Las Vegas. O nome do grupo - atualmente composto por Dan Reynolds, Ben McKee, Wayne Sermon e Dan Platzman - todavia é um mistério, ninguém sabe o verdadeiro significado, somente os integrantes. O seu primeiro EP intitulado de Imagine Dragons EP, foi lançado em 2009, porém, o sucesso veio mesmo com os singles Radioactive e It’s Time. O álbum, denominado de Night Visions, foi lançado em 2012 e alcançou a segunda posição do Billboard 200, vendendo na primeira semana mais de 83.000 cópias.

O mais interessante é que cada uma de suas composições musicais apresentam um significado diferente e que, quando juntadas no CD, acabam formando uma “história”. Por exemplo, enquanto algumas músicas falam sobre decepções e dificuldades, outras falam sobre recuperação e um novo começo, mostrando os diferentes estágios emocionais que o eu-lírico enfrenta até chegar na fase de superação. Além disso, por serem fãs de Stanley Kubrick - diretor de filmes como Laranja Mecânica e O Iluminado – a banda resolveu homenageá-lo fazendo diversas referências a suas obras no clipe de On top of the world, o qual também aborda assuntos como alienação e manipulação.

A banda veio ao Brasil no início do ano e realizou dois shows: O primeiro na cidade do Rio de Janeiro, no dia 3 de Abril, e o segundo em São Paulo, no Festival Lollapalooza, que ocorreu nos dias 5 e 6 de Abril. Eles adoraram o país e pretendem voltar logo com novas turnês (ÊEEE \O/).

E para finalizar, encerro o texto recomendando a vocês duas das minhas músicas preferidas do Night Visions: Hear Me e Demons, esta última inspirada na luta de Tyler Robinson - um fã da banda - contra o câncer e que infelizmente faleceu em 2013. Ele aparece, inclusive, no final do clipe da música. Na verdade, eu recomendo o álbum inteiro ~~porque é MUITO bom,~~ mas isso cabe a você, caro leitor, decidir.

Fontes das imagens (respectivamente): inquirelive e standard.

A primeira visão do "descobrimento"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 07 May 2014 00:00:00 +0000

O descobrimento do Brasil ainda é um assunto muito confuso e complexo, possivelmente por só termos acesso a diferentes abordagens, que não sejam demasiadamente eurocêntricas, quando ingressamos na faculdade. Isso, é claro, se optarmos por cursar História. Afinal, quem aqui nunca teve que decorar o nome do "descobridor" do Brasil, mas, em contrapartida, nunca ouviu falar que a etnia encontrada por ele quando chegou em nossa terra foi a Tupi (mas índio não é tudo igual?)? Pois é, muitos de vocês, principalmente se forem um pouco mais velhos, tiveram a mesma infelicidade que eu.

Mas essa questão de idade é relativa, pois, ainda hoje, mesmo que tenham ocorrido pequenos avanços (aos quais não vou me prender por não ser o meu objetivo discutir o ensino de História) ainda é ensinado uma única versão desse descobrimento. Justamente por isso, resolvi escrever este texto, porque, honestamente, uma das piores sensações que já tive foi aquela quando vi, na faculdade, que as coisas não tinham sido como eu imaginava e que os professores simplesmente não fizeram questão de me mostrar. Afinal, o trabalho do historiador não consiste, como o de qualquer outro cientista, em compartilhar o conhecimento?

Primeiramente, é importante ressaltar que o próprio termo "descobrimento" é equivocado, já que, além das dúvidas que envolvem o fato de ter sido Pedro Álvares Cabral ou não o primeiro europeu a avistar o Brasil, esse continente já era habitado por outras pessoas, o que implica que ele não foi descoberto pelos portugueses, sendo esse termo usado por pura tradição eurocêntrica. Assim, o termo mais adequado seria algo como "conquista do Brasil", por exemplo.

Pois bem, dito isso, quero começar com a visão, a primeira, que os portugueses tiveram quando desembarcaram em terra brasileira em abril de 1500 -intencionalmente ou não- quando estavam a caminho das Índias. Nesse desembarque, Pero Vaz de Caminha chega ao Brasil com uma das funções mais importantes das novas descobertas a mando do rei de Portugal: relatar fidedignamente todo o processo de “achamento” do Brasil, mesmo que inicialmente tenha embarcado com uma função diferente: a de servir como escrivão da feitoria que os portugueses pretendiam montar na Índia.

Ao relatar suas impressões e reflexões sobre a “terra nova” em sua famosa carta ~~que a gente só lê porque pode cair no vestibular~~ enviada ao rei, todas as suas particularidades, ele nos revela também uma nova maneira de encarar esses acontecimentos. A começar, Portugal encontrava-se endividada, a Europa como um todo não possuía mais ouro, sendo necessário, portanto, ir em busca desse e de outros metais preciosos. Assim, o rei de Portugal enviou expedições rumo às Índias, com uma parada no Brasil, para averiguar que proveitos e que espécies de riquezas eles poderiam conseguir nessas terras “desconhecidas”.

Quando eles avistaram essa terra, portanto, esses navegadores pensaram ter atingido o verdadeiro paraíso terreal. Assim, já que haviam encontrado o Éden, trataram logo de agir como verdadeiros Adãos, conferindo nome a tudo que encontravam, como se tal coisa já não houvesse sido feita pelo os que ali moravam, e tomando, consequentemente, posse delas.

No entanto, esses portugueses também encontraram no Brasil, ao contrário do que eles esperavam, um lugar e um povo completamente diferente daqueles que já conheciam (africanos e orientais) e, devido a esse fato, viram-se em uma realidade de difícil compreensão. Assim sendo, eles se puseram logo a caracterizar esse povo de uma forma que eles aparentassem ser melhores e mais humanos que os já conhecidos e desprezíveis africanos, já que esses possuíam pele mais clara (parda), narizes mais finos e rostos mais bonitos que estes.

Além disso, e talvez o fator crucial da questão, esses índios tinham, diferente dos africanos, um enorme potencial de salvação e humanização, pois esses, embora não compartilhassem dos mesmos costumes dos portugueses, não eram cristãos pelo simples fato de não terem sido apresentados a Deus, sendo despossuídos de uma religião, estando, portanto, à espera da salvação e catequização dos portugueses.

Outro fator que contribui para esse potencial é o fato de esses índios possuírem uma inocência tão grande que chega à pureza, fato que faz com que os portugueses até os comparem com Adão. Em outras palavras, por exemplo, quando as mulheres de Guiné ficavam nuas e não escondiam suas vergonhas, era visto como algo bestial, no entanto, quando as índias mostravam suas vergonhas, era não mais que um exemplo de sua inocência, de sua não consciência da nudez.

O novo mundo, enfim, passou a ser visto como um grande laboratório ideológico, cujo objeto estava ao alcance dos homens que ali haviam chegado e que passou também a ser visto como um objeto de fácil manuseio e manipulação. Nesse sentido, os índios eram descritos como povos pacíficos e, mesmo sendo muitas vezes arredios, de fácil amansamento, que aceitavam tudo que lhes era dado em troca de seus arco e flechas, que ficavam cada vez mais amigáveis e até cooperavam junto com os portugueses para fins que beneficiariam somente a estes e que seria um prato cheio para que o rei enviasse clérigos para os batizar. Parecia, então, que as suas barbáries mais graves era a falta de compreensão na fala e a sua diferença de costumes.

Foi assim, então, somente a partir de 1500, que a história oficial do Brasil começou e também como a maioria dos livros didáticos, ainda hoje, começam. Tudo o que aconteceu antes pouco importa, não passa de uma era de barbárie. Mas isso é o que eu pretendo comentar no texto que segue este. Aqui, quero apenas deixar claro que os portugueses não chegaram matando e escravizando os índios logo de cara, até porque seria meio ilógico, já que eles queriam adentrar o território. Para isso, nada melhor do que "amansar" esses índios ao invés de travar guerra.

Além disso, eles eram bem úteis aos portugueses quando se tratava de escambo, proteção ou até mesmo quando precisavam de ajuda com os suplementos. De que forma? Bem, no primeiro meio-século os índios foram importantes parceiros comercias, pois trocavam o pau-brasil, que para eles era abundante, por foices, machados, facas ou, como disse Caminha, "tudo que lhes era dado", que era novidade.

Fonte das imagens: homorrealidade.

Mulher gosta de apanhar?

noreply@blogger.com (kiH) — Tue, 08 Apr 2014 23:30:00 +0000

Foi numa manhã de terça-feira, num rotineiro café-da-manhã que tomava com Creusa, diarista que trabalha no meu apartamento uma vez por semana, uma jovem senhora de cabelo loiro, pele branca que contrasta com as bochechas rosadas e um sorriso infantil, que ouvi a frase “eu sofri violência doméstica por vinte e oito anos”.

Tal confissão despertou não só minha indignação, mas minha curiosidade também. Por que alguém viveria num relacionamento abusivo por quase três décadas? Muitos simplesmente proferem a falácia que “mulher gosta de apanhar”, mas eu, principalmente como mulher, me recuso a acreditar nisso, e sei que é algo que vai muito além. Para mim, “mulher gosta de apanhar” é um reflexo de uma sociedade que sempre culpa a mulher – até pela violência que ela mesma sofre –, dita por pessoas que desconhecem o que se passa nesses relacionamentos. Filhos, dinheiro, medo, vergonha, religião e até mesmo amor se envolvem e, mesmo tendo a Lei Maria da Penha para a proteção feminina desde 2006, ainda é difícil se ver livre de um relacionamento abusivo.

Creusa começou a namorar o ex-marido em 1977. Na época, ela trabalhava e estudava. “A nossa relação era ótima”, conta. Depois que engravidou do primeiro filho, o marido exigiu que ela parasse de estudar e trabalhar, e garantiu que lhe sustentaria. “Daí já veio o ciúme exagerado”. Assim que teve o filho, veio a primeira agressão, que aconteceu quando ela pediu à sogra para ajudá-la com um curativo íntimo – resultado de complicações no parto – e foi flagrada pelo marido. Creusa, que chegou a se sentir culpada, naquele momento não imaginava que aquela seria só a primeira de tantas agressões que ela sofreria por 28 anos.

É comum que as vítimas não denunciem o agressor na(s) primeira(s) vez(es). Ivone de Assis Dias, que trabalha como coordenadora na Casa Cidinha Kopcak, um centro de apoio às mulheres vítimas de violência doméstica, diz que “em geral, [a denúncia só ocorre] depois de algumas vezes em que [a mulher] foi agredida ou quando chega no ponto das ameaças de morte”, e explica por que: “São vários os motivos: falta de autonomia financeira, vergonha de denunciar ou medo, acha que ele vai melhorar se parar de consumir álcool, acha que casamento é para sempre, às vezes por motivo religioso, ele ameaça tomar os filhos...”

Muitos desses motivos foram os de Creusa. O marido só a agredia quando estava sob efeito de álcool e/ou cocaína, e justificava que era porque a amava. Em seguida, chorava e implorava por perdão. Quando estava sóbrio, “era um marido maravilhoso, carinhoso com os filhos”. Creusa confessa que era muito apaixonada, e tinha esperança de que ele pudesse mudar. Chegou a sair de casa algumas vezes. Perdeu a conta do número de denúncias que fez contra o marido – “mais de dez e menos de vinte”, assegura –, mas nunca representou. Sentia pena. A reação de seus amigos, familiares e conhecidos em geral era de que ela estava exagerando, e que denunciá-lo era desnecessário. A mãe de Creusa, evangélica, defendia que o casamento deveria ser eterno. Além de tudo, Creusa se preocupava com os filhos, e diz que também se sujeitava àquilo para poder vê-los formados. “Hoje tenho um professor de geografia, um professor de matemática e um químico”, sorri.

Ivone de Assis Dias diz que algumas mulheres não reconhecem que são vítimas de uma violência. “Principalmente da violência psicológica e sexual, quando é forçada a ter relação sexual forçada no casamento”, ela ressalta. Creusa afirma que tinha consciência de que era vítima, mas ainda achava que tinha o dever de ajudar o marido no vício. Internou-o numa clínica de reabilitação e tentou fazê-lo frequentar desde os Alcoólicos Anônimos até igrejas evangélicas e centros espíritas, mas nada deu certo. Até que decidiu pedir o divórcio, e foi quando tudo piorou: o marido, sob efeito de álcool e cocaína, surtou. Agrediu a esposa e também um dos filhos do casal, que chegou a desmaiar. Creusa arrastou o corpo do filho inconsciente para um quarto, onde se trancou com ele e ligou para a polícia. O marido, do lado de fora, ficou batendo na porta de madeira com uma faca de cozinha até ser controlado pelos policiais. A primeira coisa que me veio à cabeça quando ouvi essa história foi o filme de terror O Iluminado, de Stanley Kubrik. Só que naquele caso, tinha sido real. E tinha acontecido com a mulher que estava sentada na minha frente. A coordenadora da Casa Cidinha Kopcak explica que, em casos de separação, os homens “quase sempre não aceitam. Acreditam que a mulher é propriedade sua.”.

Após a separação, mesmo existindo uma ordem judicial que impedia que o ex-marido chegasse muito perto de Creusa, ela foi perseguida por ele à distância. Para voltar para casa, tinha que pedir para alguém acompanhá-la a partir do ponto de ônibus. Ivone afirma que isso é algo comum. “Quando ele não aceita a separação, começa a ameaçar, perturbar e perseguir. Liga direto no celular dela, vai no trabalho dela, segue, agride na rua etc.”.

“Toda vez que eu falava que ia me separar, ele falava ‘você vai se separar e vai continuar sendo dependente de mim, porque você não é capaz de trabalhar e ter seu sustento’”, mas a resposta de Creusa foi firme: “A partir do momento que eu me decidi, eu falei ‘eu vou [trabalhar e conseguir meu sustento], sim’. Eu vou catar latinha na rua, vou catar lixo, trabalhar de doméstica, vou fazer qualquer coisa. Mas não vou na sua casa pedir um real.”

“Até hoje ele fala que me ama”, ri Creusa. “Hoje eu sou amiga dele”, conta. “Eu não precisava passar pelo que eu passei. O que ele fez foi muito, muito triste.”. Hoje em dia, conversam sobre o comportamento agressivo do ex-marido. “Ele fala ‘não, é só quando eu bebo’”, ri. “mas ele bebe sempre”.

Atualmente Creusa não só trabalha e é independente, mas também voltou a estudar aos 52 anos e nunca mais permitiu que algum homem a tratasse de forma possessiva ou violenta. “Em cinco anos [como divorciada] eu vivi o que eu não vivi em 28 anos”, sorri. “Nada de ruim. Tudo bom.”

Fontes das imagens (respectivamente):Tailor e Fotosparafacebook.

50 anos de Golpe Midiático

noreply@blogger.com (Alice Martins Morais) — Thu, 03 Apr 2014 02:24:00 +0000

“50 anos do Golpe Militar: como afeta a economia do Brasil até hoje?”- Foi assim que o Bom Dia, Brasil, jornal da manhã da Rede Globo, se referiu à data histórica de 31 de março de 2014, dia em que o Golpe Militar brasileiro completou 50 anos. A ditadura militar brasileira durou mais de duas décadas e deixou cerca de 400 mortos e desaparecidos. Diante de tudo isso, questiono: seriam os efeitos na economia o assunto de maior relevância para se colocar em um dos telejornais mais vistos no país? Será que não tinha nenhum aspecto de maior interesse público a se abordar?

Gostaria de iniciar falando um pouco de o que é interesse público. Esse é um conceito sociopolítico que serve como pilar ético do Jornalismo: exercer a profissão de forma a servir a sociedade que atinge e oferecer um serviço público, não apenas centralizando as atenções ao que supostamente dá audiência à empresa.

Diante disso, podemos verificar que há um grande desvio da Rede Globo, exemplificado no jornal de hoje citado acima, quanto ao pilar do interesse público, descumprindo, dessa maneira, o dever ético da profissão jornalística. Mas você pode estar se perguntando se eu não estou fazendo tempestade em copo d’água e enxergando coisa onde não tem. Pois bem, deixe-me explicar meu ponto de vista.

Primeiro, vamos fazer um levantamento dos assuntos debatidos nos principais meios de informação. Não é difícil de perceber que a temática do Golpe de 1964 está presente de forma assídua nos meios de comunicação e nas rodas de debate brasil afora. Nos jornais impressos e televisos, não achei um que não tivesse abordado o assunto. Agora, chegando a revistas, vejamos as capas desta semana:

Será coincidência que apenas a Veja e a Exame não falam da Ditadura? Será coincidência também que as duas revistas trouxeram como manchetes a economia, enfoque da matéria do Bom Dia, Brasil? Analisemos.

Seria perfeitamente compreensível que os três veículos abordassem essa temática se fossem todos declaradamente noticiosos econômicos. Mas não é o caso. Apenas a Exame se intitula dessa maneira. Poderia também ser uma coincidência se fossem veículos isolados. Mas não são. Veja e Exame fazem parte do mesmo grupo editorial, grupo esse que apresenta ligação tão direta com a Rede Globo que já existe um termo usado por parte da imprensa que se refere ao grupo Globo/Abril como um todo: PiG – Partido da imprensa golpista, criado pelo jornalista Paulo Henrique Amorim. Também seria aceitável isso tudo se não houvesse um contexto histórico por trás e se o tema escolhido para desvio não fosse o escolhido.

Rede Globo - Comecemos pela Rede Globo e seu caso com a Ditadura. O primeiro programa da emissora foi iniciado em 2 de maio de 1965, Santa Missa em Seu Lar, um programa católico. O Jornal Nacional iniciou quatro anos depois, em 1969, ano em que o General Médici assume a presidência do Brasil, dando começo ao que ficariam conhecidos como Anos de Chumbo. De acordo com o princípio ético de responsabilidade social, de interesse público, o dever desse telejornal (que, por acaso, seria o primeiro em rede nacional) seria assumir uma posição de investigação a respeito do que tivesse acontecendo no Brasil. Mas a rede optou por escolher o caminho mais fácil e economicamente mais sensato: o de compactuar com o regime, recebendo benefícios no lugar da cobertura omissa e manipulatória. A própria Globo reconheceu em editorial lido no Jornal Nacional, 49 anos depois e pressionada pelas manifestações de junho de 2013, que o apoio ao golpe militar de 1964 e ao regime subsequente foi um "erro".

Aqueles que consideram a ditadura como um bom período na História do Brasil ressaltam exatamente o boom econômico que as classes mais favorecidas ganharam durante o período militar. A Globo, inclusive, fez questão de focar nisso durante e após a época, e agora, num arrependimento minimamente convincente, tenta mudar seu discurso. Do que adianta Miriam Leitão falar que a Ditadura Militar estragou a economia do país se não falar dos problemas sociais e dos impactos nos próprios direitos humanos que a época causou? Que adianta mudar o discurso público se a linha editorial permanece a mesma? Qual é o sentido de se autointitular uma emissora parcial e compromissada com a população e com o país se dedica todas as suas forças para criminalizar aqueles que combateram a ditadura (como a própria presidenta Dilma) e tem como maior comentarista de todos os assuntos possíveis do jornal da manhã Alexandre Garcia, que trabalhou como secretário de imprensa (porta-voz) do governo militar de João Baptista Figueiredo.

Revista Veja – Passemos, então, à Revista Veja, uma revista autointitulada de imparcial (assim como a Rede Globo se nomeia) e nascida durante a Ditadura, em 1968. O principal a se falar da revista é que sua linha editorial é marcada pelo alinhamento à direita. Sua primeira edição trouxe como manchete “O grande duelo no mundo comunista”, mostrando, de primeira, sua cara. Entre outros artigos, trazia “Rebelião na Galáxia Vermelha”, “A Romênia quer resistir” e “Checos têm esperanças”, fazendo o possível para tornar o vermelho comunista em algo confuso, problemático e que não dá certo – lembrando que à época se vivia Guerra Fria no contexto internacional e o Brasil se ancorava nas decisões norteamericanas.

Quase 50 anos depois, a revista mantém a mesma linha editorial e vem perdido cada vez mais seu domínio na formação de opinião, pelos recentes níveis de apelação que o público em geral vem percebendo em relação a essa demonização do vermelho, agora representado no PT.

O que a Revista Veja fez na última edição é o que o sociólogo francês chamaria de “ocultar mostrando”, que é quando o jornalista desvia a atenção de um debate que se tem dado enfoque no momento (que muitas vezes está ligado ao interesse público e neste caso se refere aos 50 anos do Golpe Militar) através da exposição de outro assunto (que neste caso é a relação entre Dilma e a bolsa de valores). E por que a Dilma e a bolsa de valores foram os “personagens” escolhidos? Minha teoria é: Dilma tem uma ligação muito forte e direta com a Ditadura Militar, no sentido do combate a ela, tanto enquanto militante quanto como instituidora da Comissão Nacional da Verdade. A bolsa de valores é um fator que parte significativa da população não entende e, mesmo assim, dá bastante relevância, considerando um fator importante. Fazendo uma relação inversa entre a presidenta e a bolsa, há-se a tentativa de mostrar um conflito: Dilma seria um impendimento ao crescimento da economia do Brasil (mais uma vez, a economia está presente).

Revista Exame – Não vou me prolongar na história da revista Exame, até porque, por ser da mesma editora da Veja (Grupo Abril), suas linhas editoriais são bem semelhantes, com a diferença de a Exame ser declaradamente uma revista especializada em economia e negócios, com esse público-alvo claro. Vou, então, focar na razão de se falar na Petrobras na semana em que o Golpe Militar completa 50 anos.

A Petrobras nasceu de fato em 1953, ainda durante o Governo Vargas. Durante o Regime Militar, a empresa foi reguardada e monitorada pela ditadura, fato revelado pela Comissão Nacional da Verdade recentemente. A despeito de todas as liberdades econômicas e a garantia dos direitos humanos trabalhistas, nesse período a Petrobras se tornou líder na comercialização de derivados no país e garantiu destaque no plano internacional, mais um fato que os saudosistas reacionários afirmam como argumento para falar da Ditadura como época de ouro da política brasileira.

Quando a Exame pergunta ao consumidor em sua capa “Dá pra salvar a Petrobras?”, a primeira informação que o veículo fornece é: a Petrobras está em decadência, a ponto de ser quase impossível se achar uma solução. Mais afundo, a Petrobras, hoje não mais pertencente ao regime “organizado” dos militares, não funciona mais. Coincidência?

A Ditadura Militar - Regime ou ditadura militar brasileira foi o regime autoritário, militar e nacionalista que se instalou no governo do país entre 1 de abril de 1964 até 15 de março de 1985. A implantação da ditadura começou com um golpe de Estado em 1964, quando as Forças Armadas do Brasil derrubaram o governo do presidente eleito democraticamente João Goulart e terminou quando José Sarney assumiu o cargo de presidente, quando o país foi redemocratizado e teve início a Nova República.

A revolta militar foi fomentada por Magalhães Pinto, Adhemar de Barros e Carlos Lacerda, por governadores dos estados de Minas Gerais, São Paulo e Rio de Janeiro, respectivamente, e por grande parte dos grandes veículos de comunicação. O regime militar brasileiro inspirou o modelo de outros regimes militares e ditaduras por toda a América Latina, sistematizando a "Doutrina de Segurança Nacional", que justificava ações militares como forma de proteger o "interesse da segurança nacional" em tempos de crise. (Informações históricas em textos de Boris Fausto e Eduardo Gonzales, reproduzidos no site Wikipédia).

Aproximadamente 400 pessoas foram assassinadas ou desaparecidas, além de outras centenas exiladas e toda uma nação impactada por um golpe político marcado por uma das piores épocas da história da humanidade: o período dos regimes ditatoriais e totalitaristas.

Tudo isso e a grande mídia escolhe centralizar as atenções em como a economia está indo...

Levantamento das manchetes das revistas nacionais: Folha de S. Paulo.

Fonte das imagens (respectivamente): resistenciaemarquivo, abril e amalgama.blog.

Periférico

noreply@blogger.com (Romulo Ferreira) — Tue, 25 Mar 2014 23:30:00 +0000

Você conhece o MC Nego do Borel? Não? O Caetano Veloso sim, e até se amarra no cara. Eu estava zapeando pelos canais da TV certo dia e acabei me deparando com uma entrevista do MC Nego do Borel feita pelo Danilo Gentili - não sou fã do humorista, mas admito já ter rido de algumas de suas graças e, inclusive, já ter falado um pouco sobre humor há um tempo atrás - e acabei deixando no canal para ver no que dava.

O MC Nego do Borel é um dos precursores do Funk Ostentação no Rio de Janeiro. Em um de seus refrões, ele afirma: “Quem nasceu para ser cu, nunca vai ser pica!”, é machista, devoto de Deus e também adora se cobrir com pulseiras e cordões de ouro. Você pode achar que pela forma que o texto está tomando ele será algum tipo de crítica à sociedade e à mentalidade dos funkeiros, ou algo assim, mas não é bem o caso.

Com o decorrer da entrevista, um pensamento se tornou recorrente em minha cabeça: “Esse MC não é de todo mal”. Talvez seja um pouco de loucura da minha parte ou algo parecido, mas pude ver certa ingenuidade no jeito como ele se gabava pela quantidade mulheres que pegava e de quilates de ouro em seu pescoço. Era como a criança que acaba de ganhar um brinquedo que nenhum de seus amigos tem, sabe? Nunca fui para o Rio, muito menos para uma favela, mas posso imaginar a infância difícil que ele teve e o quão significativo foi conseguir dinheiro para ajudar a mãe e, claro, comprar joias.

Não estou dizendo que o MC Nego do Borel ~~onde esses caras arranjam esses nomes?~~ tem que ser eleito o homem do ano pela Rolling Stones, ou que eu acho lindo ele denegrir as mulheres. Só penso que o meio em que se é criado influencia completamente no caráter e personalidade de uma pessoa. Afinal, nem todos têm como pai um dos historiadores mais importantes do Brasil, feito Chico Buarque, ou são amigos íntimos de Gilberto Gil e João Gilberto, à la Caetano Veloso. Já ambição sim, isso todos podem ter.

Mas claro, o mundo não é tão simples assim, nascer pobre e vencer na vida não justifica humilhar ou jogar isso na cara dos que não tiveram a mesma sorte. Isso mostra que a cultura do consumismo está tão inserida em nosso dia-a-dia, que os próprios pobres tornam-se inimigos de si mesmos, diminuindo os seus semelhantes. Eu sei, prometi não fazer desse texto uma crítica social, e cumprirei a promessa. Quem estiver interessado em uma ótima leitura sobre a questão socioeconômica envolta do Funk Ostentação, pode conferir esse texto que o Oton indicou para mim. Vale a pena citar também, um texto meu publicado no início do blog.

Retomando, não gosto de Funk nem de Melody, mas não me acho superior a quem gosta - já disse isso antes e a Kih também já falou algo parecido. Mas o que esses ritmos têm em comum? Ambos surgiram em áreas pobres de cidades brasileiras - ainda que em regiões distintas, um no Sudeste, outro no Norte - e vêm sendo muito apreciados atualmente. Vide o sucesso estrondoso da música "Beijinho no Ombro", da Valesca Popozuda, Gaby Amarantos sendo garota propaganda da Coca Cola, Gang do Eletro fazendo show na França e MCs sendo convidados para programas de entrevista. E isso é bom, mostra que nem tudo que é produzido aqui é apenas a versão brasileira de algo vindo de fora, mostra que, nós brasileiros, ainda somos capazes de criar e surpreender - há até quem diga que o Melody é o novo MPB -. Da mesma forma é sempre bom lembrar, que ritmos hoje consagrados e fundamentais para a bilionária industria da música, como o Rap e o Rock, não surgiram na alta sociedade nem sempre justificam seu sucesso com poesias elaboradas e arranjos espetaculares.

Enfim, não vou comprar um ingresso para o show do Bonde das Maravilhas nem aprender a tremer, muito menos deixar de escutar artistas internacionais que, inclusive, também são obscenos e vendem sexo através de sua composição. Só quis refletir um pouco sobre essa nossa mania de menosprezar muito do que é criado em terras tupiniquins, de julgar sem entender e desmerecer suas origens.

Aos que não sabem, sou paraense, assim como o blog e, se é para dar valor ao que é feito nas periferias, por que não dar a algo daqui? Encerro com o mais novo clipe - por sinal, muito bem feito - da Gang do Eletro, uma versão de uma das músicas mais icônicas do Melody, "Galera da Laje".

Fonte das imagens (respectivamente): Youtube & Info.

Autênticos

noreply@blogger.com (Alice Martins Morais) — Sun, 23 Mar 2014 12:40:00 +0000

Autenticidade é difícil de descrever. Acho que está nos olhos de quem vê. Mas, para termos educacionais, podemos dizer que existem três formas de autenticidade: ineditismo, emocionalismo e posicionamento. Escolhi dois exemplos de vídeos do youtube que acredito que representem essas três formas.

Conheci esses vídeos através da indicação de um amigo (que, inclusive, é o Helder Lima, o mais novo surfista australiano que cuida da parte do design do blog). O primeiro é "Ég anda", de Sigur Rós, uma banda islandesa. Confira:

A autenticidade nesse vídeo é expressa no uso de diferentes animais como personagens principais. Outro ponto é que, ao longo do vídeo, você pode perceber uma relação entre esses animais e a modernidade. É como se esses animais estivessem acordando com os sons da modernidade. Com isso, eles começam a fazer parte dessa modernidade, como se pode observar no jeito pelo qual a textura das peles dos animais se combinam com o espaço apresentado logo após. O vídeo é quase sem letra e, nele, a harmonia da música vem primeiro e a letra em segundo. Isso também faz uma referência à História, porque começa com um meio rudimental (onde o peixe está) e vai para lugares mais modernos, mas, no fim, volta a esse local mais rudimental.

Acho que podemos concluir que é como se estivesse dizendo que, mesmo com toda essa modernidade, a humanidade continua um pouco rudimental, como na Era da Pedra. As três formas de autenticidade são identificadas em "Ég anda": o ineditismo vem desses personagens originais (os diferentes tipos de animais, ao invés de pessoas); o emocionalismo vem da forma como o vídeo e a música nos faz refletir, de uma forma introspectiva e filosófica; e o posicionamento "não comercial" porque não é uma música mainstream, é feita pela arte e não diretamente pelo dinheiro.

O segundo vídeo é "A take away", do Beirut, uma banda americana.

O vídeo é simples e comum, mas lindo, e as três formas de autenticidade são observadas assim: primeiramente, o ineditismo, pela escolha da banda em usar materiais e tecnologias comuns para produzir o vídeo e o uso de pessoas comuns (não artísticas) em locais comuns. Isso porque, normalmente, os videoclipes são feitos com pessoas famosas e foras do ordinário, em locais incríveis que nós, consumidores, nunca estivemos.

Em segundo lugar, vem o lado emocional que, neste vídeo, também é representado por esses elementos comuns que faz com que ele transmita uma sensação de "lar", de algo conhecido, confortável. É como se nós estivéssemos passado por esses locais, mesmo que não tenhamos. O posicionamento não comercial é que nesse vídeo, também, percebemos que a banda fez pelo puro prazer de se fazer música, como se fosse um acústico feito em uma cama, com apenas um círculo de amigos.

A autenticidade contribui para o poder da música porque esses vídeos "conversam" com o público. Essas formas de originalidade trazem o artista e sua artista mais próximos de nós, dando uma sensação de reconhecimento, que dão vontade de assistir a mais desses trabalhos, já que nós humanos gostamos de nos ver nas coisas dos outros.

Esses elementos nos atraem e fazem com que a música seja mais forte, porque o videoclipe deixa de ser apenas um vídeo para se tornar uma parte do público e uma arte belíssima, como um poema, não apenas uma música industrial.

Educações e racismos

noreply@blogger.com (Oton Luna) — Fri, 21 Mar 2014 01:53:00 +0000

Pensei bastante antes de falar sobre discussões historiográficas num blog mais "leve" como o Fragmentos. Sabendo que a leitura acadêmica fora das universidades ainda é muito restrita, imaginei que uma resenha desse tipo não agradasse aos internautas, leitores mais acelerados e multifuncionais. Por outro lado, gosto sempre de lembrar que o texto mais visualizado dessa coluna trata sobre o mito da democracia racial no Brasil, desconstruído justamente a partir de referências acadêmicas. Outrossim, se não fosse para ultrapassar os muros da universidade, como normalmente acontece, e socializar os conhecimentos produzidos ali, não faria sentido para mim estudar numa instituição pública. Na verdade, não faria sentido estudar.

Já escrevemos aqui sobre o racismo e o pensamento racialista no Brasil. Escrevemos também sobre um debate acerca das cotas raciais em que Demétrio Magnoli vê suas argumentações reacionárias e fragmentadas mostrarem-se quebradiças ante a minúcia e a perspicácia de Lilia Moritz Schwarcz. Por isso, considerei oportuno trazer considerações sobre "O Espetáculo das Raças", obra que projetou o nome da autora entre as historiadoras e antropólogas de maior relevância intelectual do país.

Publicado pela primeira vez em 1993, pela Companhia das Letras, o livro nos incita a aprofundar nossas reflexões em torno do racismo brasileiro, contextualizando o fortalecimento dessas ideias em fins do século XIX e início do XX. No estudo, seu objeto de análise é a questão racial no Brasil entre 1870 e 1930. Seus personagens são os cientistas, políticos e instituições diretamente envolvidos com o desenvolvimento desse modo de ver a humanidade.

No entanto, Lilia Schwarcz, autora de vários trabalhos sobre o passado imperial brasileiro, dissolve diferentes fronteiras temáticas no campo da historiografia, ultrapassando o que seria uma lacunosa análise das ideias daquele período, se dissociada da cultura e da sociedade enquanto redes inextrincáveis. Dessa forma, podemos afirmar que um dos trunfos de seu trabalho foi ter evitado uma concepção simplista do movimento e transformação das ideias, recusando-se a percebê-las como elementos independentes em relação a outras dimensões da realidade. Pelo contrário, a antropóloga procura entender o contexto sociocultural e os interesses políticos que permitem o surgimento e a ascensão dessas ideias. A riqueza do livro está exatamente em vasculhar os porões ideológicos que sustentam o pensamento social.

Nessa perspectiva, consegue elucidar, entre suas contribuições mais centrais, a estreita relação existente entre educação e ideologia, demonstrando a maneira pela qual instituições de pesquisa e/ou ensino daqueles tempos, como os institutos históricos e geográficos, os museus etnográficos e as faculdades de medicina e direito, disseminavam teorias que hierarquizavam as raças humanas: os brancos encarados como superiores, ponta de lança do progresso civilizatório; os demais, vistos como incapazes e degenerados física e mentalmente.

Assim, "O Espetáculo das Raças" nos ajudar a perceber que não mais podemos ser tão ingênuos a ponto de considerar a existência de um projeto cultural, artístico ou educacional alheio a convicções políticas. Portanto, não faz sentido reivindicarmos exclusivamente maiores investimentos econômicos na educação. Precisamos também problematizar nossas ideologias, questionar qual modelo pretendemos construir.

Nesse livro, que tão bem alcança a discussão sobre o branqueamento social proposto pelos "homens de sciencia" como estratégia de combate à degeneração racial provocada pela mestiçagem brasileira, Schwarcz realiza um dos trabalhos mais lidos entre as produções historiográficas brasileiras devido à complexidade de suas argumentações. Ao falar das influências europeias para a formação desse tipo de mentalidade, não se limita a reproduzir o fácil discurso de que o Brasil, assim como a América Latina, tende apenas a imitar os modelos e teorias que vêm de fora. Com sua escrita agradável, leve e democrática – considerando que o texto é produto de sua tese de doutoramento – a autora procura entender o emaranhado de referências históricas e culturais que ajudaram a formar um pensamento racialista próprio dos intelectuais brasileiros. Sendo assim, sua preocupação foi pensar uma história “na qual tenham lugar tanto a dinâmica de reconstrução dos conceitos e modelos como o contexto em que essas teorias se inserem, que lhes confere ainda novos significados”.

---

Posto que a noção de educação daquele período era profundamente influenciada pelas instituições e ideias racialistas investigadas por Lilia Moritz Schwarcz, podemos nos considerar isentos de outras amarras ideológicas próprias de nosso contexto? Se não, possuímos mecanismos intelectuais que nos permitam visualizar essas amarras? É possível alcançá-las solitariamente, sem interlocutores diretos e indiretos? Diante de tantas experiências sociais que alicerçam nossas escolhas e ações sem muitas vezes nos darmos conta, é responsável enchermo-nos de certezas frente à realidade? Qual deve ser nossa postura no enfrentamento do racismo?

Fonte das imagens (respectivamente): Paraty e Companhia das Letras.

Ligados pelo amor

noreply@blogger.com (Bruna Begot) — Tue, 11 Mar 2014 23:30:00 +0000

Em uma mistura de drama com comédia romântica, o filme que irei apresentar conta a história de uma família com problemas amorosos. Colocado desta forma, parece mais um dos milhares de filmes que falam de amor, bastante clichê. Mas talvez seja o fato de essa família ser uma família de escritores que faça a diferença. Ou ainda por tratar os problemas do coração sob várias perspectivas, através de um escritor famoso e premiado que ainda espera pela sua esposa que o deixou há três anos, sua filha às vésperas de publicar seu primeiro livro que não acredita no amor e seu filho sensível e apaixonado por uma garota problemática. Ou por trazer atores como Logan Lerman, Lily Collins e Greg Kinnear, entre outros, que fizeram um ótimo trabalho. Ou por trazer personagens com os quais nós nos identificamos bastante, principalmente para os escritores. Ou talvez, só talvez, seja tudo isso junto, aliado a inúmeros outros detalhes, a razão de Ligados pelo amor ser um filme incrível e extremamente cativante.

Sob a direção de Josh Boone, o longa narra um ano bastante conturbado vivido pela família Borgens. Bill (Greg Kinnear), autor de livros renomados, três anos após o divórcio, ainda espiona a nova vida de sua ex-mulher, Erica (Jennifer Connelly), pela janela e não consegue seguir em frente tanto na vida pessoal quanto na profissional. Ele é pai de Samantha (Lily Collins) e Rusty (Nat Wolff), que esfrutam de uma amizade entre irmãos admirável e compartilham o sonho de serem escritores. No entanto, além do fato de terem os mesmos pais, as semelhanças e afinidades acabam por aí.

Sam não acredita no amor e o evita a todo custo, fruto de ser traumatizada por um acontecimento familiar durante sua adolescência e, como consequência, não fala com a mãe há mais de um ano, simplesmente ignora a sua existência; seus relacionamentos não duram mais que uma noite; segue à risca o conselho de seu pai de que um bom escritor precisa ter muitas experiências; e expressa seus pensamentos em relação ao amor e ao casamento através da escrita, usando desta como uma barreira para os seus sentimentos.

Totalmente o oposto da irmã, Rusty a considera promíscua. Um jovem romântico, sensível e apaixonado por Kate (Liana Liberato), uma garota da sua classe de inglês que possui problemas com drogas. Grande fã de Stephen King, não é tão auto-confiante quanto a irmã no que diz respeito a sua escrita, apesar de possuir tanto potencial quanto. Mantem um bom relacionamento com a mãe, mesmo após o divórcio, e não a culpa pelo ocorrido. A escrita é o seu refúgio.

Apesar de a trama girar em torno dos três protagonistas sem dar ênfase especial a nenhum deles, sem dúvida, a história de Sam é a que mais se destaca, ela é a personagem que mais evoluiu durante o ano que se passa no filme. Tudo muda quando ela conhece Louis (Logan Lerman), um garoto com quem faz uma matéria na faculdade que também deseja ser escritor e que demonstra um interesse sincero por ela, alguém que inspira “romance e boas intenções” segundo Sam, o que ela logo descarta. Mas, para sorte de ambos, Louis realmente inspira boas intenções e não desiste fácil.

Com o desenrolar do filme, vemos Bill tentando seguir em frente sem deixar de ser o “paizão” que ele aparenta ser e é, enfrentando dificuldades para superar o sofrimento sem abrir mão da esperança de ter a sua esposa de volta. Rusty, amando e sofrendo, conquista Kate mas tem muito a aprender com isso. Além da complexa Sam que vai aos poucos vendo tudo em que ela acreditava mudar, suas opiniões e convicções, não só em função de Louis, mas também ao descobrir o motivo por trás da espera de seu pai, vivendo um drama com a exclusão da própria mãe da sua vida, enquanto Louis e sua mãe enfrentam juntos o seu próprio drama, o que, por sua vez, também ensinará grandes lições para Sam.

Em Ligados pelo Amor (Stuck in Love no original), os personagens não são os únicos que aprendem com o decorrer da história, o filme traz muitas reflexões para a nossa vida. Impossível não se deixar cativar pelos personagens, impossível não se emocionar, não sorrir e chorar junto. Eu, com certeza, não consegui exprimir aqui tudo o que senti ao assistir ao filme, talvez somente o assistindo seja possível entender o que quero dizer, mas a sensação que tive foi a de que eu queria estar ali, fazer parte daquela história, conviver com aquelas pessoas, aprender com elas. E não acho que eu tenha sido a única a ter esse sentimento. É um filme que com certeza deve constar na sua lista de filmes para assistir o mais rápido possível.

Trailer de Ligados pelo amor.

Fonte das imagens (respectivamente): Tom Hack e Wilmon Film.

Especial: Oscar 2014 - O Lobo de Wall Street

noreply@blogger.com (Oton Luna) — Mon, 03 Mar 2014 00:30:00 +0000

"O Lobo de Wall Street” concorre ao Oscar de hoje em cinco categorias: filme, diretor, ator, ator coadjuvante e roteiro adaptado. No caso, as figuras da disputa são Martin Scorsese, Leonardo Di Caprio, Jonah Hill e Terence Winter. Todos, sem dúvida, são merecedores de atenção do público cinéfilo, mas não vejo nenhum deles entre os favoritos pela Academia. Entre eles, Di Caprio talvez seja o mais distante da estatueta, mais uma vez.

Baseado na autobiografia de Jordan Belfort, o filme conta em ritmo acelerado a história de um dos mais notáveis corretores do mercado financeiro estadunidense nos anos 90. Segundo informações facilmente encontradas numa rápida busca em portais de cinema e revistas digitais, Terence Winter e Scorsese elaboraram sua versão cinematográfica de maneira bastante fidedigna em relação à visão de Belfort retratada no livro. A narrativa, portanto, não representa fatos simplesmente, mas interpretações pessoais daqueles acontecimentos. A história que chega até nós parte de referenciais limitados se quisermos conhecer o que realmente se passou na vida do protagonista durante os caminhos percorridos entre a ascensão e a derrocada financeira, pois se limita à memória de Belfort e aos juízos de valor que ele próprio aplicou sobre seu passado. Nesse sentido, o que vimos na telona não corresponde somente a fatos que embasaram a trama, mas a memórias cortadas, atualizadas e construídas como qualquer outra.

Reconhecer a memória como um ponto de vista forjado pela consciência do presente em relação ao passado torna o filme ainda mais interessante. Scorsese percebe essa sutileza e brinca com a memória do narrador em alguns pontos. O que de fato aconteceu? Isso só podemos conhecer a partir da narração em off de Di Caprio e de alguns flashes que revelam algo momentaneamente esquecido pelo personagem narrador. Mas até que ponto essas lembranças são verossímeis? As lacunas abertas pelo esquecimento dizem muito sobre a seletividade de nossa memória. Mas isso é papo de quem estuda história. A relação presente-passado é visível nos momentos em que Belfort se dirige à câmera como alguém que vende sua própria história e faz publicidade acerca de. No entanto, a discussão sobre memória não é largamente trabalhada ao longo do filme. O foco é outro.

Publicidade. Leão. Selva. Competição. “Estabilidade, integridade e orgulho”. Anões. Apostas. Sexo. Mulheres. Carros. Mansões. Iates. Drogas. Masturbação. Dinheiro. Sucesso. Silicone. Ejaculação precoce. Testosterona. Assédio moral. Corrupção. Bancos suíços. “Terra da oportunidade”. Estados Unidos da América. Bolsa de valores. Capitalismo.

São três horas de filme representadas numa velocidade que faz alusão à correria e ao estresse no cotidiano dos corretores, mas também aos inúmeros vícios dos membros da Stratton Oakmont, a empresa voltada para vendas de ações à frente da qual estão Jordan Belfort e Donnie Azoff (interpretado por Jonah Hill, que concorre relativamente bem ao prêmio de melhor ator coadjuvante). Corretores de bolsas como a de Wall Street e seu mundo financeiro são parasitas da parcela da sociedade que produz algo de fato. São especialistas em vendas de não-produtos. Como os bancos, fazem dinheiro fazendo o dinheiro rodar – a forma mais nefasta assumida pelo capitalismo.

Embora o filme discorra acerca de vários temas sociais, culturais, econômicos, políticos e psicológicos, a meu ver o cerne da trama pode ser analisado a partir das ideias do vício e da especulação financeira em si e como metáforas que alcançam mais diretamente os desdobramentos dessas questões de interesse público no âmbito das relações pessoais. As crises financeiras que assolam o capitalismo por meio do rápido esvaziamento das bolhas que são formadas em torno de um capital não produtivo e que estouram à medida que não conseguem mais alimentar esse ciclo provocam rápidos desmoronamentos de grandes fortunas por estarem ancoradas a verdadeiros fantasmas financeiros, sem sustentação material ou produtiva. Nesses casos, podemos dizer que a riqueza era ilusória, pois sem trabalho investido toda riqueza é instável e movediça. Desestabiliza-se o alicerce e toda a alegoria cai ao chão.

O mesmo acontece no nível das relações pessoais. Juntamente ao crescimento da bolha financeira, sem base real de produção, o alargamento das relações de amizade e parentesco infla em ritmo semelhante. Igualmente construídas sem bases sólidas, as relações desenvolvidas durante esse processo artificial de enriquecimento, também estabelecidas sobre castelos de areia, desvanecem da mesma forma que os rios de dinheiro em tempos de crise. É nesse momento que o protagonista perde tudo o que supostamente havia conquistado, desde os lucros exorbitantes até o amor de sua esposa e lealdade de um de seus sócios, os quais nos tempos de bonança formavam um time indissolúvel e extremamente coeso.

As derrotas e insatisfações em suas vidas pessoais são o motivo que levam as personagens a essa busca desenfreada pelo sucesso e pelo dinheiro, por drogas e sexo. Isso é muito bem explorado no trabalho de Scorsese, que escolhe, ao seguir a perspectiva do livro, desenvolver a vida e as decisões tomadas especificamente por aquelas pessoas. Sua história parece, então, limitar-se ao mundo de Jordan Belfort, mas existem alguns quadros, como, entre outros, o que fecha o filme (quando o foco deixa de ser Belfort e passa aos espectadores de sua palestra), em que Scorsese sutilmente sugere que essa é apenas uma possibilidade, uma dentre várias outras histórias semelhantes no mundo de Wall Street.

A questão, portanto, não diz respeito a casos individuais, excepcionais. Pelo contrário, a trama parte de um caso específico para tentar demonstrar os vícios mais estruturais da sociedade capitalista estadunidense. Logo, os vícios não são apenas pessoais, mas sociais, principalmente. São os vícios duma sociedade que alimenta o ciclo de artificialidades sobre as quais foi construída.

No filme, vemos que existe um cuidado com a observação e a análise para substanciar uma opinião que nunca se oculta, mas tampouco sufoca o texto. Assim é “O Lobo de Wall Street”, que deixa brechas para interpretações mais centradas sobre o caso individual, mas que parece advogar uma análise mais sistêmica.

Alguns podem assistir à obra de Scorsese, Winter e Di Caprio e reputar exclusivamente a indivíduos corruptos e imorais como Jordan Belfort e Donnie Azoff as responsabilidades pela crise financeira dos últimos anos, por exemplo. Por outro lado, é também muito fácil enxergar, para além disso, as contradições estruturais do capitalismo presentes na trama. A meu ver, Belfort e Azoff são indivíduos dotados de autonomia, reflexão e consciência, mas também representantes materializados da cultura capitalista, que tanto favorece os vícios, a depressão, o individualismo, a fuga, a ambição e a competição.

São cinco categorias. Algumas chances, afinal. Mas acredito que nem tantas devido à agressividade de algumas de suas cenas quando pensamos no conservadorismo da Academia e no falso moralismo da cultura hegemônica dos Estados Unidos. Outros concorrentes, como “Doze anos de escravidão” e “Trapaça”, são bem mais comentados. Scorsese já levou o dele como melhor diretor em 2007, e não deve ser interesse dos membros da Academia premiar novamente um nome relativamente alternativo dentro dos moldes da premiação. Em relação ao prêmio de melhor roteiro adaptado, tem o azar de disputar em mais uma categoria com a adaptação do livro de Solomon Northup, mas está entre os mais prestigiados. Jonah Hill está muito bem como ator coadjuvante, mas talvez não tanto quanto Jared Leto e Michael Fassbender. No caso de Leonardo Di Caprio, sinto que não será dessa vez devido às características de “O Lobo de Wall Street”, que, embora gire completamente em torno do protagonista, não exige muita versatilidade dos atores. O filme é rico pela forma como ilustra aquele mundo, mas seus personagens são relativamente simples, quase lineares.

Fonte das imagens: The Wolf of Wall Street

Especial: Oscar 2014 - Trapaça

noreply@blogger.com (Jean Sato) — Sat, 01 Mar 2014 23:30:00 +0000

Concorrendo ao Oscar de Melhor Filme e Direção, David O. Russell é um dos favoritos para levar a estimada estatueta neste ano. Sua obra Trapaça (American Hustle) conta com incríveis 10 indicações, incluindo as de Melhor Ator (Christian Bale), Melhor Atriz (Amy Adams), Melhor Ator Coadjuvante (Bradley Cooper), Melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Lawrence) e Melhor Roteiro Original.

O filme mostra dois golpistas e amantes - Irving Rosenfeld (Bale) e Sydney Prosser (Adams) - que, após vários golpes com empréstimo de dinheiro e tráfico de obras de arte falsificadas, foram pegos por um agente do FBI – Richard DiMaso (Cooper) - e, para se livrarem de penalizações, começam a ajudar o FBI a investigar e capturar golpistas. No entanto, o que começou com uma simples caçada a “peixes pequenos”, tornou-se uma investigação à corrupção política e à caçada de mafiosos.

Curiosamente o filme relata um caso do FBI que realmente ocorreu no final da década de 70 e início da década de 80, mais conhecido como “Abscam”, mas, claro, com mudança no nome dos envolvidos e um toque de cinema norte-americano.

O interessante do filme é ver como a história é “controlada” pelos coadjuvantes, foram eles os responsáveis pelos pontos principais da trama. DiMaso e sua personalidade louca e explosiva faz de tudo para tentar alcançar o seu objetivo: engana, seduz, agride companheiros e persuade autoridades acima dele. Já Rosalyn (Lawrence) é uma mulher apaixonada por seu marido infiel, Irving, e odeia a amante dele, Sydney, além de ser meio desleixada com seu próprio filho, Danny. Ela tem um papel crucial no meio das investigações.

Irving tem como qualidade seu poder de planejamento, mas se mostra inseguro em boa parte do filme, quando deixa suas emoções o controlarem, principalmente quando se trata de questões ligadas a seu filho Danny e seu amigo Carmine Polito (Jeremy Renner), entretanto, consegue se pôr nos eixos quando necessário. Já Sydney foi um mistério para mim durante todo o filme: tem como destaque a sedução - uma de suas principais armas na hora dos golpes, além dos vários contatos que ela possui -, fazendo seu “jogo” durante a trama, mas confesso que não absorvi muito da personagem.

Trapaça é um dos favoritos ao Oscar deste ano, tem um excelente elenco, ótima trilha sonora, um filme que pode ter sido o espetáculo do ano para muitos. Achei o filme muito bom, mas, de forma geral, superestimado. Vale a pena assistir? Com certeza! Vale as 10 indicações? Fica o mistério no ar.

Fique agora com o trailer do filme:

Fonte das imagens: Filmow.

Especial: Oscar 2014 - Clube de Compras Dallas

noreply@blogger.com (Gabriel Lemos) — Fri, 28 Feb 2014 23:30:00 +0000

Pense em uma época na qual uma doença misteriosa estava reduzindo a imunidade das pessoas drasticamente, ocasionando a morte de muitos. Em um congresso sobre doenças infecciosas na cidade de Nova Iorque, foram apresentados cinco casos clínicos de homens que eram aparentemente saudáveis, porém apresentavam uma grave deficiência imunológica. Outro ponto: esses homens eram homossexuais. A época: década de 1980. O nome da doença: AIDS.

Depois disso, vários outros casos foram relatados em comunidades gays dos EUA e Europa. Nos primeiros anos da epidemia, o meio científico chegou a falar em “grupos de risco” (homossexuais). Com isso, surgiu logo na imprensa a expressão “peste gay” ou “câncer gay”. Ora, esqueceram dos usuários de drogas injetáveis, receptores de transfusões de sangue e haitianos residentes nos Estados Unidos - ou seja, a expressão não passava de uma forma de preconceito contra os homossexuais. Contudo, esse termo colaborou bastante para a disseminação do vírus da imunodeficiência (HIV) já que criou o mito de que heterossexuais não eram infectados.

Clube de Compras Dallas se passa nesse período sombrio e conta a história real de Ron Woodroof (Matthew McConaughey). Caubói texano heterossexual de personalidade forte, Ron fazia bicos de eletricista, era homofóbico, viciado em apostas e cocaína. Ele vê seu mundo desabar quando descobre que é soropotivivo e tem apenas 30 dias de vida. Com isso, Woodroof decide buscar formas de sobrevivência, mesmo que ilegalmente. É assim que ele cria, em sociedade com a transexual Rayon (Jared Leto), o Clube de Compras Dallas, traficando para os Estados Unidos substâncias proibidas pela FDA (Food and Drugs Administration). A FDA estava ligada a indústrias farmacêuticas, as quais tinham como principal objetivo lucrar com a epidemia de AIDS vendendo elevadas doses de AZT , uma droga usada no combate ao vírus HIV, com efeitos colaterais devastadores.

O filme está concorrendo em seis categorias do Oscar 2014: Melhor Filme, Melhor Ator (Matthew McConaughey); Melhor Ator Coadjuvante (Jared Leto), Melhor Roteiro Original, Melhor Edição e Melhor Maquiagem.

Confesso que não conheço o trabalho do diretor Jean-Marc Vallée. Na verdade, o que me levou a ver o filme foi a sinopse e Jared Leto, ator e vocalista da banda 30 Seconds to Mars, cujas atuações em Réquiem para um sonho e Sr. Ninguém estão entre as minhas favoritas. No entanto, me surpreendi com a atuação de Matthew McConaughey, ator que, ainda que costume atuar como galã em comédias românticas, aceitou o desafio de atuar como Woodroof e, para isso, perdeu incríveis 20 kg. Nele, vi a determinação de um Daniel Day-Lewis, não é à toa que é favorito ao prêmio de Melhor Ator. ~~(Desculpe Leonardo DiCaprio, mas não é dessa vez.)~~ Jared Leto também surpreendeu ao representar o melhor papel de sua carreira, durante a gravação o diretor não viu Leto (heterossexual), mas sim Rayon (transexual). Jared realmente se transformou.

A impressão que Clube de Compras Dallas deixou em mim foi de um filme sem sentimentalismos, mas que, por incrível que pareça, consegue comover. Uma película que vale a pena ser vista. McConaughey e Leto merecem muito essas estatuetas.

Fonte das imagens: Cinema Uol.

Especial: Oscar 2014 - 12 Anos de Escravidão

noreply@blogger.com (Romulo Ferreira) — Thu, 27 Feb 2014 23:30:00 +0000

O que falar ~~dessa pessoa que mal conheço e já considero pacas~~ sobre Steve McQueen, esse diretor que com tão poucos filmes já me conquistou? É um longa-metragem incrível após o outro. E que neste ano, com 12 Anos de Escravidão, concorre em 9 categorias do Oscar, dentre elas Melhor Filme, Melhor Ator e, claro, Melhor Diretor.

Antes de eu convencer vocês de que se esse não for eleito o melhor filme do ano tem algo de muito errado no mundo, vamos conhecer um pouco mais os trabalhos do Steve. Primeiramente com Hunger (2008), no qual também se inicia a incrível parceria entre Steve e o ator Michael Fassbender (Bastardos Inglórios), o qual conta a história de uma greve de fome feita por prisioneiros na Irlanda do Norte, em 1981. A obra é uma verdadeira aula de como se fazer um filme, direção e atuações incríveis, além de ter uma enorme cena sem corte que realmente impressiona...

Michael Fassbender e Steve McQueen

Mais tarde, em 2011, novamente fomos presenteados com uma colaboração entre McQueen e Fassbender, foi a vez de Shame nos maravilhar e chocar ao retratar a vida de um viciado em sexo, Brandon, que precisa conviver com isso e ainda lidar com sua irmã, Sissy, interpretada por Carey Mulligan (Drive, O Grande Gatsby), e com seu chefe. Não vou me aprofundar, mas aviso que não é um filme indicado para ver com a família. Steve costuma colocar cenas bastante incômodas em suas obras, daquelas que fazem você se contorcer e pensar em virar o rosto, sabe? Pois é, mas para mostrar o quão surpreendente ele pode ser, eis a cena de Shame em que Carey Mulligan canta o clássico New York, New York em uma cena tão linda que chega a contrastar com o resto do filme. ~~Ai, como eu adoro câmeras estáticas!~~

Enfim chegou 2013, e Steve realmente se superou, 12 Anos de Escravidão é simplesmente um dos melhores filmes que já vi. O filme se passa no período anterior à Guerra Civil dos Estados Unidos, quando a escravidão ainda fazia parte do cotidiano sulista, e retrata 12 anos da vida de Solomon Northup, interpretado por Chiwetel Elijofor (Salt, O Gângster), fazendeiro e violinista nascido em Nova Iorque, homem negro livre, mas que é sequestrado e vendido como escravo no sul dos EUA, prática comum na época. O filme é baseado no livro do próprio Solomon Northup, que o escreveu após finalmente conseguir recuperar sua liberdade. Ao se ver livre, Solomon se tornou um abolicionista ativo até desaparecer misteriosamente anos mais tarde. (Calma, isso não foi spoiler, justamente porque o título do filme já revela o tempo que ele passa como escravo.)

O filme é uma obra-prima, atuações impecáveis, direção primorosa e a fotografia, meu Deus, que fotografia! Mas o que faz Fassbender em um filme sobre escravos negros? Ele não é o ator principal, lógico, mas foi responsável por um dos papéis mais odiáveis e impressionantes que já vi, o de Edwin Epps, um escravocrata extremamente cruel e instável. O filme ainda conta com a presença de Brad Pitt (Clube da Luta, Seven), o qual também é produtor do filme, Paul Dano (Pequena Miss Sunshine, Sangue Negro), o sempre excelente Benedict Cumberbatch (Sherlock, Desejo e Reparação), entre outros, que mesmo com pequenas participações, são excelentes.

Acredito que finalmente o Oscar de Melhor Diretor será concedido a um negro, que, apesar de ser britânico, foi o que melhor retratou a escravidão nos Estados Unidos, a qual, inclusive, tem bastante semelhança com a que tivemos em nosso país. É isso, ~~admitam que esse é o melhor filme do ano e pronto~~ não percam a oportunidade de ver este filme e os demais indicados ao Oscar 2014!

Fonte das imagens (respectivamente): Cinema e Tudo Isso, Retrospettive e JS Online.

Especial: Oscar 2014 - Blue Jasmine

noreply@blogger.com (Bruno Miranda) — Wed, 26 Feb 2014 23:30:00 +0000

Em Blue Jasmine, Woody Allen dirige Cate Blanchett e Alec Baldwin.

Ainda que tenha deixado a desejar em comparação com as suas últimas grandes obras, como Meia-Noite em Paris (2011), Vicky Cristina Barcelona (2008) e Ponto Final - Match Point (2005), com seu filme mais recente o veterano Woody Allen concorre ao Oscar de Melhor Roteiro Original e suas atrizes principais - Cate Blanchett e Sally Hawkins - aos de Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante, respectivamente.

O fato de o roteiro de Allen ter sido saudado pela academia de cinema americana deve-se talvez à relação que muitos críticos têm estabelecido entre Blue Jasmine e o clássico de Elia Kazan Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire, 1951). O filme de Kazan, adaptação da peça homônima de Tennessee Williams protagonizada por Marlon Brando e Vivian Leigh, retrata a chegada de Blanche, mulher de ar aristocrático e modos refinados, à casa de sua irmã Stella, casada com o rude e sensual Stanley. Buscando esquecer seus problemas, Blanche choca-se com a situação financeira desfavorecida da irmã e a personalidade antagônica do cunhado.

Entretanto, ao contrário da tensão sexual entre cunhados de Uma Rua Chamada Pecado, o que move Blue Jasmine é a tentativa de Jeanette (ou melhor, Jasmine, já que, para ela, esse é um nome sem brilho) ascender socialmente a todo custo. Observando ocorrer um revertério em sua vida após a perda do marido Hal, Jasmine passa de importante socialite nova-iorquina à mulher desapossada da noite para o dia. Inconformada com a situação e sem escolhas, ela é obrigada a viver em São Francisco com sua irmã Ginger. Acostumada a uma vida de compras e eventos beneficentes, Jasmine considera intolerável vivenciar a realidade simples de sua irmã, caixa de supermercado e mãe de dois filhos recentemente divorciada, e começa a sofrer surtos psicóticos nos quais vivencia cenas de seu passado idílico.

Como recordar o seu passado não é suficiente para trazê-lo de volta, Jasmine, a contragosto, passa a trabalhar como assistente de dentista para pagar aulas de informática para que, após aprender a utilizar o computador, possa fazer um curso de decoração de interiores (aparentemente, seu único talento) pela internet - e isso tudo sem deixar de buscar, no meio desse caminho, um homem rico que possa devolver o glamour à sua vida.

Blue Jasmine pode ser resumido basicamente em uma pessoa: Cate Blanchett. Interpretando uma socialite em crise, a atriz superou a si mesma ao roubar absolutamente todas as cenas do filme de Allen e, merecidamente, é tida como a favorita para o Oscar de Melhor Atriz deste ano.

Construindo uma "dramédia" sobre a crise econômica que há pouco assombrou os Estados Unidos, Woody Allen conseguiu mais uma vez surpreender seus fãs com a originalidade de suas histórias, a maestria na direção e, principalmente, a fantástica escalação de elenco.

Fonte das imagens: Filmow.

Especial: Oscar 2014 - O Hobbit: A Desolação de Smaug

noreply@blogger.com (Alice Martins Morais) — Tue, 25 Feb 2014 23:30:00 +0000

"Já acabou?". Foi isso que falei quando as luzes do cinema acenderam depois de assistir a O Hobbit: A Desolação de Smaug. Foram quase 3 horas de uma aventura incrível pela Terra-Média que passaram correndo e deixaram um gostinho de "quero mais", além de uma experiência única de som e imagem que tornou o longa-metragem merecedor de três indicações ao Oscar deste ano: Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem de Som e Melhores Efeitos Visuais.

Primeiro, deixa eu lhe contar um pouco do enredo de O Hobbit. A trilogia é uma adaptação do livro homônimo do escritor britânico J.R.R. Tolkien. The Hobbit, or There and Back Again (publicado no Brasil como O Hobbit, ou Lá e de Volta Outra Vez) é um livro que precedeu a trilogia de O Senhor dos Anéis, do mesmo autor. O Hobbit foi publicado pela primeira vez em 21 de setembro de 1937. À época, teve uma recepção muito boa, tanto pela crítica quanto pelo público, chegando a ser nomeado à Medalha Carnegie (um importante prêmio para livros infantojuvenis da Grã-Bretanha) e recebeu o prêmio do jornal norte-americano New York Herald Tribune de Melhor Ficção Juvenil.

Passando por várias gerações de leitores, o livro nunca parou de ser vendido, mas voltou ao pico de vendas apenas há treze anos, quando foi lançado o primeiro filme de O Senhor dos Anéis e houve uma explosão de novos membros nos fãs-clubes de Tolkien. Tanto uma obra quanto a outra (O Senhor dos Anéis e O Hobbit) se passam no mesmo mundo e têm personagens semelhantes (alguns até aparecem nas duas histórias). A grande diferença é que O Hobbit é bem mais leve, mais voltado para o juvenil.

O Hobbit se passa antes da história de O Senhor dos Anéis, em uma época "entre o Alvorecer das Fadas e o Domínio dos Homens". A história começa na casa do hobbit Bilbo Bolseiro (que, inclusive, é o tio do personagem Frodo Bolseiro, protagonista de O Senhor dos Anéis), quando sua vida calma e rotineira é impactada pela visita do mago Gandalf e dos anões liderados por Thorin Escudo-de-Carvalho, que estão em busca da retomada do tesouro do Povo de Durin (dos anões) que foi roubado pelo dragão Smaug há muito tempo. O livro é uma obra única, mas o diretor Peter Jackson decidiu transformá-lo em uma trilogia, para não perder um detalhe sequer da história nas telonas - na verdade, ele até incluiu coisas que não estão presentes no livro.

Filmagem de O Hobbit: A Desolação de Smaug. Jackson tenta tornar a cena o mais verídica possível.

O primeiro filme, O Hobbit: Uma Jornada Inesperada, conta o começo dessa jornada. Eu diria que ele é incrivelmente bom, mas já era de se esperar que fosse impecável ao se tratar de Peter Jackson. Muito fiel ao livro, fotografia maravilhosa e trilha sonora nostálgica O filme foi bem voltado aos fãs da trilogia de O Senhor dos Anéis, tendo como convidado especial na primeira cena o hobbit Frodo. Já em O Hobbit: A Desolação de Smaug, o filme foi voltado para o já então formado fã-clube de O Hobbit, dando continuidade à história. Outra obra-prima de Jackson: envolvente, emocionante e que deixa uma ansiedade para assistir ao próximo filme até bem maior do que a deixada pelo primeiro.

Como eu disse, os filmes foram muito bem adaptados, não ficou uma cena do livro sequer de fora e um detalhe que achei bem interessante foi a recriação dos cenários que Tolkien desenhou em seu livro no ambiente do filme. Podemos perceber uma grande preocupação de Peter Jackson em explorar os cenários e torná-los o mais verídicos possível (muitas cenas não são feitas no computador, mas, sim, filmadas na Nova Zelândia, assim como em O Senhor dos Anéis.

A experiência de assistir a O Hobbit no cinema - Não foi à toa que O Hobbit recebeu as indicações ao Oscar 2014 que recebeu (Edição de Som, Mixagem de Som e Efeitos Visuais). Assistir ao filme nas telonas foi uma experiência única, em todos os sentidos. A diferença começa na tecnologia. Os filmes foram filmados em 3D usando câmeras Red Epic. Um equipamento especial fabricado pela 3ality Technica foi utilizado nas filmagens dos três filmes; duas câmeras e um espelho são usados para atingir um efeito intraocular similar ao de um ser humano (a distância entre os olhos). Isto é como a profundidade necessária para um filme ser visualizado em 3D.

Super 3D - Uma das cenas que mais marcaram o filme em questão de imagem: as borboletas azuis e as folhas da árvore voavam e balançavam no que parecia ser a um palmo do rosto do espectador.

A Desolação de Smaug foi filmado em 48fps (quadros por segundo) em vez do normal, que é 24fps. Além disso, os filmes estão sendo filmados em uma resolução de 5K. Isso é substancialmente maior do que a resolução convencional de HD 1080. Tá, tudo bem, essas informações técnicas eu peguei da Wikipédia, mas é só pra vocês terem uma noção do que foi na hora. Sabe o impacto que A invenção de Hugo Cabret e As aventuras de Pi causaram no cinema? Foi tipo isso. O segundo filme de O Hobbit é dotado de som e imagem "super HD", com detalhes beirando a perfeição e uma profundidade incrível, como nenhuma outra produção antes. Tão bom que foram quase três horas que passaram voando e, no final, me fizeram querer que o ano seguinte se passasse mais rápido para poder ver a continuação o quanto antes. Vamos torcer por esses Oscars.

Fique agora com o trailer do filme:

Fonte das imagens (respectivamente): The Trades, Ruxyn e Listener.

Especial: Oscar 2014

noreply@blogger.com (Fragmentos) — Mon, 24 Feb 2014 23:30:00 +0000

A mais famosa premiação do mundo passou a ser oficialmente conhecida como “Oscar” somente em 1939, mas o evento já acontecia em Hollywood desde a década anterior. Idealizado como “prêmio de mérito” pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, surgiu em 1929, alguns meses antes da quebra da Bolsa de Nova Iorque (resultado de uma crise de superprodução que desencadearia uma das maiores depressões econômicas provocadas pelo avanço das relações capitalistas). O objetivo da Academia era homenagear os últimos destaques cinematográficos como forma de estímulo para o desenvolvimento artístico e tecnológico do cinema.

Na época, pouco mais de duzentas pessoas compareceram àquele evento que ainda contava sua duração em minutos (não em horas, como hoje). Não havia estrelas nem tapetes vermelhos, tampouco transmissão internacional ao vivo. Os vencedores eram divulgados anteriormente, deixando ao espetáculo somente a entrega da estatueta. Mas rapidamente aconteceram mudanças. No ano seguinte, já havia transmissão via rádio e os vencedores eram anunciados durante a premiação. A partir de 1931, a entrega dos prêmios não mais voltaria a ocorrer duas vezes no mesmo ano, como acontecera em abril e novembro de 1930.

De lá para cá, muito ainda seria modificado. Hoje, o regulamento não é o mesmo. A repercussão não é a mesma. Os tombos não são os mesmos. Em 1952, por exemplo, Shelley Winters e Vittorio Gassman caíram juntos no chão. Ansiosa, Winters apressou-se em se levantar antes do esperado anúncio do prêmio de melhor atriz, quando o marido a puxou de volta, temendo um vexame ante uma possível derrota. Resultado: chão. Após o tombo, que deixaria Jennifer Lawrence no chinelo, Winters ainda teve de ouvir o nome de Vivien Leigh ser chamado por sua atuação em “Uma Rua Chamada Pecado”. Mas poderia ser pior. Se o tombo fosse no ano seguinte, ele seria televisionado. Em 1966, a cores. E em 1969, as gargalhadas seriam internacionais.

Assim, talvez a primeira grande protagonista das cerimônias transmitidas internacionalmente não tenha sido uma cena embaraçosa como um tombo, mas uma postura ideológica inesperada, quando, em 1970, George C. Scott rejeitou o prêmio de melhor ator por seu elogiado papel em “Patton”. Para Scott, o que seria um “estímulo para o desenvolvimento artístico e tecnológico do cinema”, não passava de mais um espaço em que a competição era supervalorizada. Brilhante como ator, parecia repudiar o caminho individualista que o mundo já preferia cingir.

Embora na realidade em que vivemos sejam importantes enquanto meios de divulgação para obras que talvez não dispusessem de outra maneira para alçar seu nome entre os mais procurados, premiações que envolvem competições dificilmente escapam à injustiça em relação às obras consideradas menores por determinado júri. No caso do Oscar, é preciso perceber que a “noite” não é apenas uma festa para celebrar o “melhor” do cinema estadunidense. É preciso perceber que escolhas dessa proporção jamais serão puramente técnicas, pois o político terá sempre uma presença contundente. Pensando assim, são louváveis atitudes de resistência como a de George C. Scott, bem como a de Marlon Brando, quando, em 1973, também recusou o prêmio de melhor ator (na ocasião, por conta de sua atuação em “O Poderoso Chefão”, que lhe daria o segundo e último Oscar de sua carreira).

Vídeo do momento em que Marlon Brando recusa Oscar de melhor ator, em 1973.

Nos últimos dez anos, em oito edições, o vencedor como melhor diretor foi premiado também como melhor filme. O resultado foi diferente apenas em 2006 e 2013. Em ambos os casos, Ang Lee foi eleito melhor diretor, mas não levou a estatueta pelo melhor filme. Seria Ang Lee muito simpático e popular entre os membros eleitores da Academia ou sua discussão sobre homossexualidade em “O Segredo de Brokeback Mountain” não era conservadora o suficiente para a cultura hegemônica dos Estados Unidos? Isso poderia indicar que relações homossexuais sendo retratadas em telas grandes afetam mais os EUA do que discutir as implicações sociais dos racismos, como vemos em “Crash”, que se sagrou vencedor em 2006? Afinal, “Crash” denuncia a violência da discriminação a partir da perspectiva dos ambientes públicos principalmente, mas não se aprofunda nas outras dimensões do cotidiano daquelas personagens. Em “Brokeback Mountain”, as imagens são mais intimistas e acontecem em ambientes mais privados, o que a meu ver causa maior repulsa entre aqueles que sentem necessidade de controlar a vida alheia. "Crash", então, seria mais "tragável" para a maioria das culturas "modernas".

Alguns anos mais tarde, em 2013, vimos como Ang Lee não goza de muita "sorte".

Como entrar numa disputa contra “Argo”, que possuía toda a receita do bolo estadunidense, e sair vencedor? Segundo o jornalista e cineasta Harold von Kursk, “Affleck fez um filme de propaganda, uma auto-felação que inverte e distorce os fatos”. Em texto intitulado “A história real por trás de Argo”, Paulo Nogueira, fundador do Diário do Centro do Mundo, contextualiza a história representada no filme e demonstra como “Argo” é superficial e tendencioso. Enfim, são várias as lacunas encontradas nesse filme que, aliás, nem teve seu diretor como um dos indicados ao prêmio de melhor direção. Na história do Oscar, apenas três filmes haviam ganhado na categoria principal sem que os respectivos diretores tivessem sido indicados: "Asas" (premiado, em 1929, na categoria "melhor filme, produção" ao lado de "Aurora", que venceu o prêmio de "melhor filme, produção artística e singular"), "Grande Hotel" (1932) e "Conduzindo Miss Daisy" (1990). Em relação ao filme de Ben Affleck, os motivos dessa discrepância foram evidentemente políticos.

O Oscar não é apenas um evento cultural, mas político também. É a celebração da cultura hegemônica dos Estados Unidos. Este ano, veremos um pouco mais disso, o que não significa dizer que a premiação não leva em conta critérios técnicos nem estéticos. Ao defender o que expomos nesse breve histórico sobre o Oscar, pretendemos simplesmente chamar atenção para as variadas dimensões que um único evento pode assumir, pois a face artística e cultural da realidade social não se faz independentemente da política - e vice-versa. Em outras palavras: somos isso e aquilo simultaneamente.

A discussão não é recente nem o ponto de vista inovador, mas é importante que não deixemos escapar à mente a complexidade do mundo cultural. Pensando nisso, o Fragmentos disponibilizará nos próximos dias uma série de textos acerca dos títulos de maior destaque entre os indicados para o Oscar 2014. Acompanhem e deixem suas sugestões e análises.

Interpol

noreply@blogger.com (Romulo Ferreira) — Sat, 22 Feb 2014 23:30:00 +0000

Você está tendo um dia alegre e prefere mantê-lo assim? Se sim, acho que a banda sobre a qual falarei hoje não é uma boa pedida. Talvez seja melhor deixar para conhecê-la em um momento mais cinza ou frio de sua existência. Eu sei, soei um pouco dramático demais, mas não é bem assim, Interpol não chega a ser um Joy Division, tanto que o seu vocalista, Paul Banks, já sobreviveu a bem mais CDs do que Ian Curtis, talvez por conta de a melancolia ser melhor distribuída entre os membros da Interpol e não ser quase que toda vinda apenas de seu frontman, como no Joy Division – o New Order que o diga.

Então, para quem não conhece Interpol, imagine que os Strokes tiveram um dia ruim e resolveram fazer algumas músicas bem sombrias, isso dá uma ideia do que lhe espera. Interpol não é necessariamente triste, suas músicas não chegam a deprimir, acredito que insatisfação seja um adjetivo mais adequado para suas composições. As faixas da banda muitas vezes remetem a desilusões, aflições e sentimentos afins. Ao menos para mim, já que Paul - vocalista e principal compositor da banda - tem uma verdadeira alma poética e nos permite interpretar suas composições de forma livre e única para cada um.

A Interpol foi formada no fim dos anos 90, mas foi só em 2002 que a banda lançou seu primeiro álbum de estúdio, Turn On The Bright Lights, o qual foi um sucesso absoluto de vendas e de crítica e mostrou o quão promissor eles eram. O grupo ainda lançou mais três CDs, Antics (2004), Our Love to Admire (2007) e Interpol (2010), e recentemente foram divulgadas no Twitter oficial da banda imagens dos ensaios para a gravação de mais um álbum, o qual, particularmente, estou muito ansioso para escutar.

A banda foi, juntamente com The Strokes, The White Stripes, The Vines e diversas outras, uma das precursoras do movimento musical que ocorreu no início dos anos 2000, no qual bandas indie com influências do gênero Post-Punk - pode-se dizer que é uma espécie de Punk mais sofisticado, por adicionar mais instrumentos musicais e melodias elaboradas ao Punk original - obtiveram um sucesso comercial estrondoso nos quatro cantos do mundo. Inclusive, prefiro acreditar que você não ficou completamente alheio a hits como Get Free, Last Nite e Seven Nation Army.

Após diversos anos imersos nessa rotina de gravação de CDs e turnês exaustivas, levando também em conta saída de um dos fundadores da banda - o baixista, Carlos Dengler -, a banda decidiu entrar em hiato em meados de 2011, para que seus membros pudessem se dedicar a outros projetos. Dentre esses projetos, destaco o ótimo álbum solo de Paul Banks lançado em 2012, que tem como título seu sobrenome, e nos presenteia com faixas um pouco mais experimentais do que as feitas pela banda completa.

Talvez meu texto tenha soado melodramático demais, mas é que minha relação com Interpol teve início em um momento não muito alegre da minha vida e, querendo ou não, suas músicas ainda me remetem àquele período de tempo, lamento dizer. Mas, sem mais melancolia, indico piamente que você dê mais essa chance a uma de minhas indicações, pois ~~eu tenho um gosto impecável~~ a banda realmente tem seu valor. E é isso, despeço-me com a música que fez eu me interessar por Interpol e continua sendo uma das minhas músicas prediletas deles: No I In Threesome.

Fonte da imagem: Project Revolver.

Supernatural: uma road trip pelo sobrenatural

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 20 Feb 2014 23:30:00 +0000

Você é daquelas pessoas que gosta do tipo de série de TV que a cada final de temporada te deixa louco para saber como vai ser a próxima? Aquela série que você não cansa de especular com os seus amigos sobre o que poderá acontecer na próxima temporada? Aquela que mistura terror, fantasia e drama, com uma pitada de comédia? Se a sua resposta para essas três perguntas forem “sim”, meu caro leitor, recomendo-lhe fortemente assistir à série Supernatural (no Brasil, Sobrenatural), criada por Eric Kripke, produzida pelo canal norte-americano The CW e protagonizada pelos atores Jared Padalecki e Jensen Ackles.

A série narra a história dos irmãos Sam e Dean Winchester, os quais foram criados por seu pai, John, que os ensinou a caçar e matar seres sobrenaturais depois de ter perdido sua esposa, Mary, morta por um demônio, quando Sam e Dean ainda eram crianças. Depois de 22 anos, os irmãos unem-se em um Chevy Impala 67 para percorrer os Estados Unidos atrás de seres sobrenaturais – que vão desde vampiros, objetos amaldiçoados e bruxas até entidades satânicas e deuses mitológicos.

Quando o seriado se inicia, os irmãos já se encontram na idade adulta. Sam (Jared Padalecki), o irmão mais novo, racional e que sempre almejou ter uma vida normal, estuda Direito na Universidade de Stanford até que Dean (Jensen Ackles), irmão mais velho que faz tudo por sua família e é apaixonado por mulheres, tortas e seu Impala 67, aparece com a notícia de que seu pai havia desaparecido durante uma caçada – ao contrário do irmão, Dean, depois de adulto, continuou ao lado de pai para ajudá-lo nas caçadas ao sobrenatural. Sam, depois de muito relutar, concorda em juntar-se ao irmão para encontrar John. A busca acaba levando os garotos a uma nova caçada, que, após resolvida, mostra-se infrutífera quanto à localização de seu progenitor. Após fracassarem na procura pelo pai, Sam retorna para casa e vê sua namorada, Jessica, ser morta por um demônio da mesma forma que sua mãe. Depois disso, Sam decide juntar-se mais uma vez ao seu irmão, em busca de vingança, solucionando, pelas cidades por onde passam, os casos sobrenaturais que aparecem em seu caminho.

Kripke queria dar um aspecto estadunidense para a série, logo, teve a ideia de fazê-la ao estilo road trip, por isso a série se passa em várias cidades dos Estados Unidos, nas quais os irmãos solucionam casos extraordinários e vão embora ao fim do dia. Outra preocupação de Kripke era fazer com que o terror acontecesse em um ambiente familiar (para uma maior interatividade com o telespectador) e não em lugares isolados, como castelos e florestas intocáveis. Afinal, qual seria o sentido de viajar o país inteiro visitando lugares isolados para combater monstros que não oferecem ameaça à pessoa alguma? Sam e Dean são como justiceiros, que lutam contra o mal e, consequentemente, salvam pessoas.

Porém, o que mais chama a atenção em Supernatural é a preocupação com a família. Em toda a série, você percebe que tudo acontece em torno disso: o irmão mais velho que cuida do mais novo, o pai que desaparece, o irmão que vai, literalmente, para o inferno... A série bota a lealdade à família acima de qualquer outra coisa, seja uma namorada ou mesmo a felicidade pessoal, e isso foi um dos pontos principais para o sucesso da série com o público.

Apesar de muitos fãs acharem que a série perdeu o foco depois que Kripke deixou o cargo de showrunner ao final da 5ª temporada, Supernatural continua a ser uma série que carrega uma legião de fãs. Supernatural é aquele programa que faz você se assustar, emocionar e rir – isso tudo ao mesmo tempo –, talvez por isso seja tão aclamado por seus expectadores. E, para encerrar, termino este texto ao estilo da série:

Fonte das imagens (respectivamente): Entenda sobre Tudo e Quoteko.

Uma vela no escuro

noreply@blogger.com (Gabriel Lemos) — Tue, 18 Feb 2014 23:30:00 +0000

“Esperamos pela luz, mas contemplamos a escuridão.” – Isaías 59:9

Eu devia ter uns 14 anos quando descobri, na TV Escola, a série Cosmos, realizada por Carl Sagan e sua esposa Ann Druyan. Lembro que fiquei fascinado com a forma como Sagan mostrava as maravilhas do Universo: quasares, buracos negros, galáxias e planetas. Sagan, através da série, transmitiu o conhecimento sobre o cosmo - antes restrito ao meio acadêmico - a mais de 500 milhões de pessoas. Por isso, ganhou o titulo de “maior divulgador das ciências de todos os tempos”.

Carl Sagan, nascido em 1934, em Nova York, filho de pais humildes (o pai era operário, a mãe dona de casa), foi um cientista, astrobiólogo, astrônomo, astrofísico, cosmólogo, escritor e cético, autor de centenas de artigos científicos e mais de 20 livros sobre ciência e ficção cientifica, sendo um de seus livros mais conhecidos O mundo assombrado pelos demônios, publicação que reúne alguns de seus ensaios.

Considero esse livro uma espécie de ferramenta para desmistificar qualquer coisa que seja considerada sobrenatural ou que não consiga passar pela rigorosa avaliação do método científico de Descartes, ou seja, pela comprovação empírica. Nele, Sagan nos mostra que a humanidade desde seus primórdios é assombrada por demônios que nós mesmos criamos: superstições, lendas, pseudociências, misticismo e credulidade (a aceitação fácil e ingênua de tudo).

No decorrer do livro, Sagan apresenta vários mitos que foram desmistificados pela ciência, como OVNIs, energias místicas, desaparecimentos misteriosos, casos de círculos em plantações, entre outros, e se mostra muito preocupado com os rumos que a humanidade está tomando. Na época em que o livro foi escrito, 55% da população estadunidense acreditava em astrologia, sendo que até o presidente Ronald Reagan tomava decisões baseadas nos astros. Com isso, me pergunto, por que as pessoas se deixam ser enganadas por pseudociências, como a astrologia, a alquimia e a homeopatia?

Isso acontece, em geral, porque os relatos desonestos, que enganam os ingênuos, são mais acessíveis. As abordagens céticas são bem mais difíceis de se entender. O ceticismo não vende bem, prova disso é o sucesso dos vários programas, que tanto na TV aberta como na TV a cabo, mostram fenômenos sobrenaturais. Aliás, uma das causas desse fenômeno é a pouca divulgação que recebem os programas de desmistificação de mitos por parte dos meios de comunicação. Além disso, as superstições e pseudociências estão sempre fornecendo respostas fáceis, já que a realidade é dura demais. Como nos diz Francis Bacon:

“A compreensão humana não é um exame desinteressado, mas recebe infusões da vontade e dos afetos; disso se originam ciências que podem ser chamadas 'ciências conforme a nossa vontade'. Pois um homem acredita mais facilmente no que gostaria que fosse verdade. Assim, ele rejeita coisas difíceis pela impaciência de pesquisar; coisas sensatas, porque diminuem a esperança; as coisas mais profundas da natureza, por superstição; a luz da experiência, por arrogância e orgulho; coisas que não são comumente aceitas, por deferência à opinião do vulgo. Em suma, inúmeras são as maneiras, e às vezes imperceptíveis, pelas quais os afetos colorem e contaminam o entendimento.”

Afinal de contas, como é confortante acreditar que estamos aqui só de passagem ou que existe um paraíso nos esperando. Como é fascinante a ideia de podermos conversar com os nossos entes queridos que já se foram; ou que, se as coisas estão ruins, na próxima reencarnação tudo pode melhorar. Como é fantástico acreditar que é possível que algumas pessoas tenham o “dom” de prever o futuro ou que os astros podem nos ajudar a resolver problemas do dia a dia. Talvez seja por isso que a ciência seja tão criticada, pois ela não dá as respostas que queremos ouvir e nem tem resposta para tudo. Porém, como nos diz Einstein: “Toda a nossa ciência, comparada com a realidade, é primitiva e infantil - e , no entanto, é a coisa mais preciosa que temos”.

Sempre vejo pessoas reclamando que as coisas deveriam ser melhores, que a ciência não resolve nada. Essas são as pessoas que costumam mergulhar nas ilusões da pseudociência. Porém, é importante frisar que somos uma espécie com aproximadamente 100 mil anos e só descobrimos o método científico há alguns séculos. Por isso, que tal deixarmos de contemplar a escuridão (misticismo, pseudociência etc) e começar a ver a ciência como descrita por Carl Sagan em O mundo assombrado pelos demônios: uma vela no escuro?

Fonte das imagens: Wikicommons.

Dessa vez, vai (?)!

noreply@blogger.com (Alice Martins Morais) — Sat, 15 Feb 2014 22:30:00 +0000

Gilbert Grape. Diário de um adolescente. Romeu + Julieta. Titanic. Gangues de Nova York. O aviador. Diamante de sangue. Foi apenas um sonho. Ilha do Medo. A origem. J. Edgar. Django Livre. O grande Gatsby. Todos grandes filmes, comentadíssimos e bem aclamados pela crítica e pelo público. Nenhum Oscar. É, assim que muitos lembram do Leonardo DiCaprio, um grande ator que, na minha opinião, é completamente injustiçado pela Academia.

A história dele começa quase 40 anos, no dia 11 de novembro de 1974, quando o norte-americano de olhos azuis Leonardo Wilhelm DiCaprio nasceu na cidade que marcaria para sempre, Los Angeles. Com descendência alemã, italiana e eslava, o garoto Leo nunca foi um aluno de muito destaque na escola mas cedo iniciou na carreira, aos 16 anos, na série de TV Parenthood e um ano depois estava nas telonas. Não demorou muito também para receber sua primeira ~~decepção~~ indicação ao Oscar, com o filme ~~lindo maravilhoso perfeito queria assistir agora inclusive~~ Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador. Neste, Leonardo interpretou Arnie Grape, o irmão mais novo do personagem de Johnny Depp. Arnie era autista e um sinal muito claro do grande ator que Leonardo seria/é. A veracidade com que Leo, com apenas 19 anos, representava não tem como passar despercebida a qualquer um que assistisse ao filme, nem mesmo a Academia, que indicou o jovem ator a melhor ator coadjuvante. Mas ele não venceu. Normal, é claro, primeira indicação, um garoto que não tinha nem vinte anos. Tudo bem.

Dois anos depois, em 1996, Leo protagonizou mais um papel importante, sendo Romeu no filme Romeu + Julieta. Por esse não recebeu nenhuma indicação ao Oscar, mas ganhou muitas e muitas fãs adolescentes apaixonadas ~~até hoje~~ pelo rostinho bonito, o jeito doce e os olhos azuis cativantes do ator.

Mas foi um ano depois, no dia 19 de dezembro de 1997, que Leonardo DiCaprio ganhou o mundo por completo, quando interpretou o apaixonante artista pobre Jack Dawson, no filme Titanic ~~TAMBÉM CONHECIDO COMO~~ ~~MELHOR FILME DE TODOS OS TEMPOS~~. Desde a primeira cena ao último suspiro de Jack, o público foi se interessando e cativando pelo personagem e principalmente pelo romance do enredo de Titanic. O personagem de Leonardo foi tão importante na história e para o público que muitos não lembram do nome da protagonista (Rose) e há uma grande parcela dos fãs do longa que preferiam que ele tivesse sobrevivido ao invés de sua amante. Titanic ganhou 11 prêmios do Oscar. Nenhum para DiCaprio. A revolta dos fãs começava.

Diferente do que acontece com a maioria dos atores que estrelam um filme tão grande como esse, Leonardo não ficou marcado pelo personagem. Sua carreira só cresceu trabalho após trabalhou. Atuou em filmes de alguns dos maiores diretores do cinema: Christopher Nolan, Quentin Tarantino, Sam Mendes, Steven Spielberg, Woody Allen, Martin Scorsese e James Cameron. Hoje ele é o ator mais poderoso e influente de Hollywood, título que já pertenceu a lendas como Marlon Brando, Jack Nicholson e James Stewart. Mas ainda não ganhou nenhum Oscar.

É por tudo isso que o Oscar de 2014, que vai acontecer no dia 2 de março, é um dos dias mais esperados dos fãs de DiCaprio. Ele recebeu uma indicação ao Oscar de melhor ator para o filme O lobo de Wall Street e as esperanças que dessa vez ele ganhe é muito grande, já foi motivo de muitos comentários nas redes sociais e a fã-base criou até uma macumba online para trazer essa vitória ao artista.

Não é para menos: o ator está fantástico no filme, como se fosse uma reunião (consistente, é claro) de todos os fatores que já me fizeram ficar impressionada com sua atuação antes. Há momentos intensos de drama, de discussão, de ataques físicos etc. Uma atuação tão boa que até alguém que é apaixonada pelo jeito DiCaprio de ser conseguia esquecer de lado o ator e se concentrar no canalha (genial, por outro lado) que Jordan Belfort podia ser.

Por fim, deixo essa entrevista (em inglês) que Leonardo DiCaprio fez ao programa de auditório norte-americano The Ellen Show, na qual tem uma pequena retrospectiva de sua carreira e um levantamento sobre O lobo de Wall Street:

Fonte da imagem: Wakpaper.

Os igarapés e uma literatura do Pará

noreply@blogger.com (Oton Luna) — Thu, 13 Feb 2014 22:30:00 +0000

Não sei qual amigo uma vez disse que paraense se reconhece no igarapé.

Que rede, que nada. Nem círio. Tacacá, muito menos.

Mais do que o amazonense, que talvez seja mais ligado no rio grande e caudaloso, ou que qualquer outro amazônida, o paraense de modo geral sente-se em casa quando banhando num igarapé. Era a tese desse amigo que nunca conheceu nenhum outro estado da Amazônia a não ser o mais nordestino deles, o Maranhão.

Meu amigo, sensato como deve ser, não quis dizer que não é paraense quem não curte igarapé, mas que mesmo estes o têm como importante referência. (E ele fala assim mesmo, cheio de “nãos” no meio das frases. Afirmo isso, embora não lembre exatamente de quem se trata, porque existem determinadas peculiaridades humanas que por mais que tentemos jamais conseguimos esquecer.) Toninho – chamemo-lo assim para evitarmos os pronomes desnecessários – nunca soube a dimensão que o igarapé figura junto ao imaginário e aos sentidos dos amapaenses ou roraimenses nem pôde constatar empiricamente a veracidade de sua afirmação nos diferentes e distantes cantos do estado do Pará, mas o dizia com a maior das convicções: seja cá pras bandas de Santa Isabel ou lá para o lado de Santarém, o igarapé está na cabeça do paraense como na de nenhum outro.

Toninho, que a partir de agora passa a ser uma personagem, gosta muito de ler, adora a literatura regional. Curte Milton Hatoum e Salomão Larêdo, entre os mais recentes.

Tem paixão, no entanto, pelas raízes dessa literatura.

Vira e mexe, considera o padre Antônio Vieira como sendo um pouquinho nosso, uma vez que por tantos anos por aqui viveu, dedicando-se política e religiosamente ao Estado do Maranhão e Grão-Pará nos idos do século XVII. Mas a principal referência de Toninho, aquela que vem da planta de seus pés, que sustenta sua visão de mundo, são as obras de Inglês de Sousa, em que os diferentes braços e caminhos do rio são pintados como a definitiva força cultural e biológica do Pará, mais especificamente do Baixo Amazonas (aquela região em torno de Santarém).

Nascido Herculano Marcos Inglês de Sousa em 1853, suas histórias têm no trecho fluvial entre Óbidos e Santarém a maior parte de seus cenários e personagens, mas dificilmente o Rio Amazonas, em torno do qual depende diretamente a vida daquelas pessoas, aparece como proscênio do enredo. Embora o Amazonas esteja sempre presente, devido à sua condição de principal via de transporte daquela região, essas histórias geralmente acontecem em meio a rios menores e igarapés, onde se encontram pequenos sítios de pescadores e cacaulistas – a vida do caboclo no que há de mais íntimo entre os recônditos fluviais. Em Inglês de Sousa, o Rio Amazonas é uma passagem – obrigatória, mas, ainda assim, passagem.

Nos colégios de ensino básico, aquele lugar onde, seja você paraense, normalmente estudamos os “Contos Amazônicos” (publicado integralmente pela EDUFPA e parte pela PAKA-TATU, duas das principais editoras do estado), nos é apresentado o mundo selvagem, político e melancólico criado por Inglês, que escreveu sobre a região sem mais conviver com sua gente, já distante de sua terra. Seus escritos foram desenvolvidos com base em suas memórias de infância e nas experiências narradas por seu pai quando já moravam no estado de São Paulo.

Lembro-me de ter lido, durante os anos escolares, “Acauã”, “Voluntário” e “A Quadrilha de Jacó Patacho”, analisados como representantes da estética naturalista, movimento literário que normalmente é associado a visões deterministas próprias das últimas décadas do século XIX na Europa e no Brasil. Para os estudiosos do Naturalismo, os seres humanos dessa literatura seriam o resultado inexorável do contato entre o meio e a hereditariedade. Mas é pouco, muito pouco, ler Inglês de Sousa pensando apenas a partir desses referenciais escolares. Da forma como muitas vezes somos orientados a estudar literatura no ensino básico, ficamos excessivamente presos às características gerais dos grandes movimentos, perdendo de vista as sutilezas estéticas, os cuidados na forma da escrita e as referências psicológicas e culturais ativadas no ato de escrever, que são manuseadas de maneiras tão singulares e próprias de cada autor. Ainda que o contexto histórico seja indispensável para uma melhor compreensão de qualquer obra literária (pois nos permite observar os alicerces culturais e os limites ideológicos do texto e do respectivo autor em relação a seu tempo), não podemos aniquilar a subjetividade dos indivíduos enquanto atores sociais dotados de autonomia criativa.

“O Missionário”, publicado em 1891, é considerado sua obra-prima, sendo para alguns, devido à riqueza de seu descritivismo, o romance mais maduro do Naturalismo brasileiro. O restante de sua nem tão extensa obra, no entanto, acabou sendo relegada ao esquecimento. Para o resto do Brasil, mesmo para especialistas da área, Herculano Marcos Inglês de Sousa foi daqueles autores de uma obra só. Tamanho contrassenso é completamente injustificável, uma vez que, sob o pseudônimo “Luiz Dolzani”, o autor publicou um ciclo muito rico em termos estéticos e sociológicos. Chama-se “Cenas da vida do Amazonas”.

O ciclo, que Toninho prefere não chamar de “trilogia”, compreende três livros relativamente independentes entre si, todos publicados nos anos 1870, inaugurando o Naturalismo no Brasil, essa “radicalização” do Realismo: “O cacaulista”, “História de um pescador” (ambos de 1876) e “O coronel sangrado” (1877). No afã de promover a literatura regional, sempre se reitera que a obra naturalista de Inglês é anterior à publicação de “O mulato”, lançada ao público pelo maranhense Aluísio Azevedo em 1881, mas não vejo maiores relevâncias nessa questão. De qualquer forma, sendo este ou aquele o pioneiro, o Naturalismo não surgiu no Centro-Sul como normalmente acontece entre os movimentos literários legitimados nacionalmente, mas na Amazônia. Aliás, foi a partir do Naturalismo que a literatura paraense começou a ganhar corpo. Esse movimento, pois, representa enormes conquistas para a região, que hoje vem retomando sua leitura. Toninho já dizia: "Naturalismo é raiz no Pará".

Cenas da vida do Amazonas

De vez em quando parava o rapaz, e levava a contemplar as casinhas da cidade que tinha diante de si, absorto em melancólicos pensamentos. O seu olhar, em que brilhava por vezes um fogo estranho, parecia querer abranger a cidade toda, e corria constantemente da boca do igarapé ao depósito da lenha, como se uma febril impaciência não lhe permitisse observar detidamente os diversos pontos de vista.

Esse é um trecho de "O coronel sangrado", livro que fecha a série. O rapaz mencionado é o protagonista do primeiro livro, "O cacaulista". Os "pensamentos melancólicos" e a "boca do igarapé" são alusões onipresentes na literatura de Inglês de Sousa. São várias as referências sobrepostas e reelaboradas em sua escrita, mas a que talvez seja menos citada em análises literárias sobre o autor é essa preocupação em capturar o olhar do caboclo amazônico. Melancólico ou ameaçador, real ou fantástico, o olhar aparece com muita força em suas histórias. Como não lembrar os calafrios provocados em "Acauã" pelo olhar demoníaco de Vitória, "olhar frio que parecia querer pregá-la [Aninha, sua irmã] no chão"? O grito agourento do acauã é outra figura recorrente nesses enredos lúgubres de Inglês.

No meu caso, sou mais fascinado pelo que o autor tem para dizer e como o faz. Por uma natural dificuldade de concentração, não sou muito atento a tantos detalhes e reminiscências, mas Toninho sempre pede para que eu volte e releia algumas passagens. Graças a ele é que pude fotografar um dos trechos mais representativos do imaginário ativado por Inglês de Sousa sobre a personalidade dos povos ribeirinhos da Amazônia oitocentista: "o caboclo não ri, sorri apenas", dizia em "Voluntário". Nas "Cenas da vida do Amazonas", o caboclo permanece "absorto em melancólicos pensamentos", lacônico e contemplativo. Muito embora seja trabalhado de formas diferentes em cada texto, esse é um dos principais elementos que dá coerência e linearidade à sua interpretação da vida social no Rio Amazonas, sempre representada crítica e melancolicamente em meio aos desmandos políticos e ao autoritarismo daqueles que são ligados ao poder político-militar e à capital.

Em "O cacaulista", o caboclo é oprimido pela inexperiência e pela ausência de contatos diplomáticos com a cidade. Na "História de um pescador", pela ignorância e pela falta de instrução formal. Em "O coronel sangrado", a opressão é percebida mais a profundo, no sistema eleitoral e nas amarras das instituições políticas.

Os três livros podem ser encontrados na livraria da Editora da UFPA.

As fotografias são de Araquém Alcântara. Representam, respectivamente, cenas de Tefé (AM), Óbidos e Santarém (PA).

Fonte das imagens: Blog Olhar Sobre o Mundo, do Estadão.

Casal 20

noreply@blogger.com (Bruno Miranda) — Tue, 11 Feb 2014 22:30:00 +0000

A irmã dele fazia aulas de jazz. Ela fazia aulas de jazz com a irmã dele. Ele foi assistir a uma performance da irmã. Ela apresentou uma performance da Alanis Morissette com a irmã dele. Ele achou que elas dançavam muito mal. Ela percebeu que a dança não era o negócio dela. Ele era ator. Ela não era dançarina. Ele foi até a casa de um amigo produtor para discutir uma peça. Ela era filha do produtor da peça. Ele a viu comendo miojo na sala de estar. Ela comia miojo na sala de estar quando ele chegou. O nome dele é Gregorio. O nome dela é Clarice. Eles se reconheceram. Seus olhos se encontraram. Foi amor à segunda vista. A partir daí, nunca mais se separaram e formam um verdadeiro casal 20.

A expressão "casal 20" é usada para designar um casal perfeito: um par de pessoas famosas, inteligentes, bonitas, bem-sucedidas e, acima de tudo, apaixonadas. Essa expressão teve origem na tradução do título do seriado de TV americano da década de 1980 Hart to Hart (uma espécie de jogo de palavras, já que "Hart", em inglês, soa como "heart", que significa "coração") para o português. O seriado, criado pelo romancista Sidney Sheldon, contava as aventuras do simpático casal Jonathan e Jennifer Hart e, na época, foi um sucesso de audiência. Como a nota máxima que uma pessoa pode receber, em uma escala de 0 a 10, é 10, na matemática do amor, o casal perfeito seria o 20 (10 + 10). Sendo assim, nada mais adequado do que utilizar a expressão para definir o casal Gregorio Duvivier e Clarice Falcão.

Clarice Franco de Abreu Falcão nasceu no Recife, em 1989, filha dos roteiristas João e Adriana Falcão. De acordo com ela, sua criação foi algo do tipo: "Como assim você quer ser médica, filha? Que profissão mais instável, diferente. Já pensou em pintar, escrever?". Logo, como em casa de ferreiro nem sempre o espeto é de pau, Clarice iniciou sua carreira artística aos 16 anos, atuando em curta-metragens. E foi justamente protagonizando um curta-metragem roteirizado pela sua mãe que ela conquistou seu primeiro grande sucesso: Laços. Em 2007, o curta foi vencedor do Project Direct, um concurso internacional de curtas promovido pelo Youtube, e entrou para a seleção oficial do Festival Sundance de Cinema, evento norte-americano conhecido por divulgar jovens talentos do cinema alternativo.

Após a repercussão de Laços, Clarice foi convidada a entrar com o pé direito no mundo da TV: estreou na Rede Globo em horário nobre, na novela A Favorita, em 2008. A jovem, entretanto, afirma não ter apreciado tanto o seu trabalho na telenovela, pois, além de ter tido que se distanciar da família e dos amigos em decorrência de um trabalho pela primeira vez, ela considerava sua atuação na novela, de certa forma, bem "mais ou menos". Depois dessa experiência (nem tão) boa, ela deu continuidade a seu trabalho com curta-metragens, além de trabalhar com seus pais, como roteirista, e fazer, ao longo dos anos, participações no teatro e no cinema.

Em 2012, Clarice alcançou seu segundo grande trabalho como atriz nas telonas: estrelou Eu não faço a menor ideia o que eu tô fazendo com a minha vida, segundo filme do jovem cineasta Matheus Souza. O filme, que naquele ano abriu o Festival de Cinema de Gramado e foi vencedor do prêmio do júri popular da Mostra de Cinema de São Paulo e do Festival do Rio, acompanha a vida de Clara, uma garota que, como o próprio título do filme indica, não sabe exatamente o que fazer da sua vida e acaba aceitando cursar Medicina, cedendo à pressão de sua família, que é composta por vários médicos. A garota, entretanto, percebe que realmente não sabe ainda o que quer fazer, mas que com certeza a carreira médica não é o que deseja para o seu futuro. Então, ela passa a faltar às aulas da faculdade e esconder dos pais e do namorado o que realmente anda fazendo. Com uma bela fotografia e trilha sonora composta apenas por músicas de jovens artistas brasileiros, o filme tem recebido críticas às vezes positivas e às vezes negativas, tanto do público quanto da crítica especializada (nada mais adequado para um filme que trata, em suma, da indecisão).

Mas, para quem pensava que o único talento de Clarice era atuar, a jovem lançou em 2013 seu primeiro CD: Monomania. Há muitos anos Clarice já compunha músicas, principalmente em inglês, mas, em geral, não ousava mostrar suas músicas a mais ninguém que não fosse sua mãe ou seu namorado. Talvez cansados de serem os confidentes musicais de Clarice, eles a aconselharam a gravar suas músicas e publicar o resultado no Youtube. Logo, suas canções de ritmo sossegado e letras simples e bem-humoradas conquistaram o público. Em decorrência da boa recepção de suas músicas na internet ela lançou, de forma independente, Monomania - primeiro disponibilizando-o apenas na versão de álbum digital, no iTunes, e depois vendendo-o, com a ajuda de parentes e amigos, durante seus shows. O título do CD faz referência à mania de Clarice de ficar pensando em apenas uma coisa, ou melhor, pessoa: seu namorado Gregorio. E, assim como 99% das músicas já compostas, as canções de Clarice, quase em sua totalidade, falam sobre um único tema: o amor.

Monomania pode ser ouvido, de certa forma, como a história de um casal. Ela começa o CD jurando que esqueceu seu amado; já na segunda faixa "Macaé", ela revela todo o seu lado stalker; em "Eu Me Lembro", em dueto com o cantor Silva, o casal conta, ao mesmo tempo (e de formas bem diferentes), como foi o dia em que se conheceram; na décima primeira faixa, "A Gente Voltou", ela pede, romanticamente, aos pacientes à beira da morte que reparem a sorte do casal, que no início do CD encontrava-se separado; na penúltima música "Capitão Gancho", Clarice faz um elogio à sua infância e tudo aquilo que foi importante para a sua formação; por fim, ela fecha seu disco com a apaixonada "Fred Astaire", versão em inglês da quinta música do álbum.

O álbum de Clarice deu tão certo que foi um sucesso de vendas - seja na versão física ou digital -, lotou shows Brasil afora e emplacou em diversos rankings de melhores CDs do ano. Além disso, a jovem chegou a concorrer ao prêmio de Artista Revelação no Grammy Latino 2013.

Já Gregorio Byington Duvivier nasceu no Rio de Janeiro, em 1986, filho do músico Edgar Duvivier e da cantora Olivia Byington. Influenciado pelos pais, ele foi iniciado no meio artístico, assim como Clarice, ainda na adolescência, construindo ao longo dos anos uma carreira sólida no teatro, no cinema e na televisão. Sua primeira peça de teatro Z.É., Zenas Improvisadas, na qual contracenou ao lado de humoristas como Fernando Caruso, Rafael Queiroga e Marcelo Adnet, fez tanto sucesso que, em turnê pelo Brasil, chegou a ficar em cartaz por 6 anos ininterruptamente.

Após o sucesso de Zenas Improvisadas, além de algumas participações em peças, filmes e programas de TV, Gregorio foi convidado, em 2008, a protagonizar a comédia romântica Apenas um fim, filme de estreia de Matheus Souza (o mesmo diretor de Eu não faço a menor ideia do que eu tô fazendo com a minha vida, citado anteriormente). No filme, Gregorio interpreta Antônio, jovem universitário cuja namorada pretende fugir de casa e recomeçar a vida em outro lugar. Não simpatizando com a ideia, ele tenta convencê-la a abandonar seus planos: o resultado é um encontro no qual os jovens relembram o passado e planejam seu futuro juntos. O filme, realizado completamente por estudantes da PUC-Rio, venceu o prêmio de Melhor Longa de Ficção pelo júri popular e recebeu Menção Honrosa do júri oficial no Festival do Rio. No mesmo ano, o filme conquistou do público o prêmio de Melhor Longa Brasileiro de Ficção na 32ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo e foi exibido em festivais de cinema de diversos países.

Entretanto, Gregorio tornou-se conhecido pelo grande público apenas em 2012, após a criação do canal de humor Porta dos Fundos. Ao lado de nomes como Fábio Porchat, Marcos Veras, Letícia Lima, Rafael Infante, Antonio Pedro Tabet e, claro, Clarice Falcão, Gregorio foi responsável por dar um re-up na comédia brasileira, que se encontrava em condições sofríveis, tendo em vista a baixíssima qualidade de programas como o Zorra Total e A Praça é Nossa, além do "humor" politicamente incorreto de Rafinha Bastos e Danilo Gentilli (leia mais sobre o assunto em "Uma graça", do Romulo Ferreira, e "Procura-se inteligência no humor", da Alice Martins Morais). O Porta dos Fundos foi o primeiro programa da internet a vencer o prêmio da Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA) e, em 2013, foi saudado pelo jornal The New York Times. Como resultado do sucesso do canal, Gregorio ganhou um reality show baseado em sua vida, O Fantástico Mundo de Gregorio, no canal de TV a cabo Multishow.

Reconhecido como talentoso ator, uma outra (e talvez ainda mais fantástica) face de Gregorio ainda é pouco difundida: a do Gregorio poeta. Para quem não sabe, Gregorio é formado em Letras pela PUC-Rio desde 2008, é colunista da Folha de S.Paulo e já escreveu dois livros. Seu primeiro livro, A partir de amanhã eu juro que a vida vai ser agora, ainda que pouco conhecido, foi elogiado por nomes como Millôr Fernandes, Heloísa Buarque de Hollanda e Ferreira Gullar. Já seu segundo livro, Ligue os pontos - poemas de amor e Big Bang, lançado pela Companhia das Letras em 2013, reúne alguns de seus poemas publicados na Revista Piauí, além de outros inéditos, e tem tido bastante repercussão no meio literário.

Dedicado, nas palavras dele, "para a Clarice, é claro", Ligue os pontos é dividido em duas partes: "Cartografia afetiva" e "Aprender a gostar muito". Em seu livro mais recente, Gregorio, digno da tradição de Vinicius de Moraes, escreve sobre o Rio de Janeiro de sua infância, a sua geração, a qual ele denomina poeticamente de Geração Bug do Milênio, e sobre as pequenas grandes coisas da vida. Isso tudo sem deixar de lado o humor, afinal, de acordo com ele: "O humor é a melhor maneira de se dizer algo que surte efeito. Sem humor, a literatura vira panfleto político ou bula de remédio. Meus autores preferidos são muito engraçados: Machado de Assis, Tchekov, Cervantes, Eça de Queiroz, Vinicius de Moraes".

ligue os pontos

enquanto você dormia

liguei os pontos sardentos das suas

costas na esperança de que

a caneta esferográfica revelasse

a imagem de algum ser mitológico

de nome proparoxítono o mapa

detalhado de algum tesouro

submerso formasse quem sabe

alguma constelação ruiva oculta

na epiderme e me deparei

com o contorno de um polígono

arbitrário que não me fornecia

metáforas não apontava direções

simplesmente dizia: você está aqui.

Depois de conhecer esse casal, faço das palavras de Renato Russo as minhas: e quem um dia irá dizer que não existe razão nas coisas feitas pelo coração?

Fonte das imagens: Wikicommons.