Un viaggio da Los Angeles a Vancouver, risalendo la West Coast in un itinerario alla ricerca dell’eredità dei grandi maestri che hanno contribuito a sviluppare e a definire il cosiddetto modernismo americano attraverso le abitazioni che hanno progettato, quei perfetti esempi di geometrie regolari e razionali, spazi aperti, vetrate che si tuffano sull’oceano o su verdi boschi, studio della luce e grande attenzione all’ambiente circostante che nel XX e XXI Secolo, attraverso il lavoro di tre generazioni di architetti, hanno ridefinito l’estetica architettonica e sociale di una macro-regione come la costa pacifica degli Stati Uniti.

Tutto iniziò con un manipolo di architetti austriaci—due su tutti: Rudolf Schindler e Richard Neutra—sbarcati in America tra gli anni ’10 e gli anni ’20 per lavorare alla corte di Frank Lloyd Wright. Furono loro, con progetti come la Schindler House (Schindler), la Lovell House (Neutra) e l’Ocotillo Desert Camp (Lloyd Wright, andato parzialmento distrutto da un incendio e poi abbandonato già nel ’29) a gettare le basi, per poi ampliarle, insieme ad altri grandi nomi come Charles and Ray Eames, Eero Saarinen, Pierre Koenig, Raphael Soriano e Craig Ellwood con un progetto sperimentale fortemente voluto dalla rivista americana Arts & Architecture che dal ’45 al ’66 chiese ai più interessanti architetti di quella generazione di progettare sulla costa ovest degli USA una serie di abitazioni a basso costo per fronteggiare il boom demografico dovuto alla fine della Seconda Guerra Mondiale. Il progetto, chiamato Case Study Houses Program (per approfondire segnalo un bell’articolo di Livio Sacchi su rappresentazione.it ed un volume della Tachen, mentre nei video qua sotto—a cura del Getty Research Institute—alcune immagini dei progetti, delle case, delle locations) diventò una pietra miliare nel campo dell’architettura residenziale.

Oggi, epoca di recuperi e nostalgie, il modernismo vive una seconda giovinezza attraverso tutta una serie di libri, riviste e mostre. Ed ora arriva anche un documentario, Coast Modern (che si sperà arriverà prima o poi anche in Italia), concepito e realizzato da due vecchi amici, Mike Bernard e Gavin Froome, entrambi film-makers e designers, che quasi per caso si sono ritrovati ad andare alla ricerca delle case riconducibili all’architettura modernista, andando a bussare a una quantità di porte, a volte semplicemente per godere di una vista mozzafiato, altre per farsi raccontare storie ed impressioni da chi, quelle case, ora le abita.

Il passo tra una ricerca fatta per pura passione ed un progetto che si sviluppa fino a diventare un vero e proprio lavoro spesso è breve ed i due hanno iniziato un vero e proprio tour lungo la West Coast fino ad arrivare in Canada, raccogliendo tantissimo materiale, sulle case ma anche e soprattutto su chi ci vive, arrivando ad una conclusione che se da una parte era facile aspettarsi, dall’altra non fa che ribadire la validità della filosofia modernista: un’architettura pensata su misura sia per chi poi la abita (e uno come Richard Neutra, che addirittura faceva compilare ai clienti dettagliatissimi questionari prima di iniziare un progetto, la sapeva lunga) sia per l’ambiente circostante, è il vero punto d’arrivo massimo per una disciplina che invece, troppo spesso, tende ad imporre dall’alto le proprie visioni artistiche, sociali ed urbanistiche.

A-Lab Milano è il brand italiano fondato da Simona Costa e Alessandro Biasi, che per il prossimo autunno/inverno ci propone abiti dalle stampe caleidoscopiche e completi colorati (urrà!) che, probabilmente, non siamo abituati a vedere nelle inevitabili giornate di pioggia/nebbia/vento/neve che ogni inverno ci propina.

La collezione segue, come sempre, l’idea base che è propria del brand: fondere gli elementi sartoriali maschili con quelli femminili, creando capi dalle forme scultoree e soprattutto, interamente Made in Italy.
Troviamo così abiti dalla linea svasata o fascianti, sia in total black, blu elettrico o resi particolari da pattern astratti e floreali, morbidi pantaloni a sigaretta, eleganti completi giacca-pantalone (io sono innamorata di quello rosso fuoco) e architettonici abiti dal taglio sartoriale.

Per saperne di più potete seguire A-Lab Milano sia su Facebook che su Twitter, e guardare il video A-day (qui sotto) creato da Domenico Principato ed incentrato sul mood “glitch” della collezione.

Federico Sarica, già tra i fondatori di Vice Italia, giornalista per testate come Rolling Stone, D, L’Uomo Vogue ed Il Foglio e da due anni direttore e co-fondatore, insieme ad Alessandro De Felice, di Studio, deve avere un problema con la categoria filosofica dell’esistenza.

Dopo l’efficacissima massima «il lettore medio non esiste», che campeggia fin dal primo numero in un angolino di ogni copertina di Studio, ora è la volta de «i giovani non esistono», che è poi l’argomento attorno al quale ruota la cover story del prossimo numero, in uscita domani, nonché il titolo del dibattito d’apertura della tre-giorni di incontri che la rivista di Sarica e De Felice organizza a Milano, in Triennale, dal 24 al 26 maggio, per parlare di cultura, di media e di innovazione: temi caldi—almeno finché Sarica non deciderà di decretarne la non-esistenza—per un format già sperimentato con successo durante la prima edizione di Studio in Triennale, lo scorso dicembre.

QUANDO: 24 – 26 maggio 2013
DOVE: Triennale di Milano | viale Alemagna 6, Milano | mappa | facebook

Freundenreich

Prova a chiedere a chi abita a Berlino da tanti anni se ha voglia di venire a Neukölln. Chiediglielo.
Chiedigli se dieci anni fa veniva in questo quartiere a far festa, se sognava qui una casa o se ricercava il localino, quello di cui ha letto una buona recensione sul giornale. Chiedigli se arrivato al Maybachufer proseguiva verso Hermannplatz.

Prova adesso a chiedere a un neoarrivato a Berlino se ha voglia di venire a Neukölln. Chiediglielo.
Ti dirà che non vede l’ora, che qui i prezzi sono ancora relativamente bassi per gli affitti e che c’è da sbizzarrirsi nella scelta quando si esce la sera. Da Hermannplatz ci passa sempre.
Chi anni fa non voleva mettere piede in questo quartiere, ma anche chi oggi ci pianterebbe le tende, ha una certa curiosità verso i luoghi nascosti di questa parte di Berlino. Perché se abita qui, sa che questa città può mostrare ogni giorno una faccia diversa, mentre se è solo di passaggio, di sicuro ne ha sentito parlare.

Così in sole due notti sono capitata in tre dei locali che dovevano venire spuntati col tempo da una lista scritta a penna. I loro nomi sono: The Zone, Freundenreich, Fuchs & Elser.
Si possono definire Kellerclub, veri e propri club sotterranei ricavati da cantine (Keller) non troppo ristrutturate. Come in un libro, l’introduzione apparentemente è uguale ma il finale sempre diverso.

Si entra in un ambiente da bar, a volte frequentato da avventori, altre palesemente “chiuso al pubblico”. Si attraversa il locale e ci si dirige verso una luce, si seguono banalmente altre persone. Poi si scendono scalette impervie tradizionalmente a chiocciola ed ecco la cantina.
E nella cantina decine di persone a ballare tra divani di seconda, terza e quarta mano con l’umidità che ti entra nel naso e nelle ossa. Il dj ad una estremità della sala mette la musica (dai ritmi balcanici alla disco music più raffinata), l’altra generalmente ospita il bar. I mattoni a vista si fanno notare nel buio dell’ambiente. In uno la scritta WC è ricavata dall’insegna del Mc Donald’s; l’altro sembra aver la struttura di una cripta; quell’altro ancora sembra un garage abbandonato.

Ma la gente balla. Balla fino alle sei, sette, otto del mattino. Balla anche se l’aria potrebbe girare di più, anche se ad una certa ora si rischia di rimanere soli in pista. La birra scende anche all’ora di colazione, anche se il sole alle 4.30 inizia già a farsi vedere.
Tanto sotto terra è tutta un’altra musica: si può sempre continuare a ballare in cantina.

Photos Fuchs & Elser by Familia Fuchsundelster.
Photos The Zone by The Zone.
Photos Freundenreich by Hell Dorado.

7 foto e 7 domande, alle 7 di mattina, a fotografi che si svegliano presto o non sono ancora andati a dormire.
Oggi è la volta di Paolo Massimo Testa.

Ciao Paolo, quanti anni hai e di dove sei? Da quanto scatti foto?
Ciao, sono vicino al mio compleanno e quest’anno vado per i 27 anni, sono di Bergamo.
Scatto foto da sempre, è sempre stato qualcosa di naturale per me, una sorta di gioco.
Con il passare del tempo è diventata un esigenza, poi un progetto ed ora è un tentativo di vita.
Ho iniziato a scattare seriamente, e per seriamente intendo la ricerca di un’estetica e la comprensione di cosa sia veramente la fotografia, da sette anni, anche se a tutt’oggi questa ricerca rimane totalmente incompleta e fuggevole.
Sai dietro una macchina fotografica ci sta un fotografo con tutti i suoi problemi ed i suoi cambiamenti, è difficile cercare di bloccare qualcosa che è in continuo movimento.

La tua attrezzatura?
Uso diversi attrezzi e tutto dipende dal periodo e dalla situazione in cui mi trovo.
Principalmente uso un Canon Mark2 con sole ottiche fisse: 50mm f1.2  35mm f1.4 e un 100mm f2. Sono solito scattare quindi per quanto suoni blasfemo adoro scattare anche con il mio I-phone, è piccolo e leggero e ti permette di scattare in situazioni nelle quali una reflex sarebbe ingombrante.
Ho poi una hasselblad quando sento il bisogno di grana e manualità arriva il suo periodo.
In ultimo sono un amante della polaroid, la uso spesso per fare portrait agli amici che passano da casa, sarebbe bello usarla di più ma il nostro caro amico ILFORD non è economico.

Cosa fai quando non fai foto?
Quando non faccio foto leggo o guardo film o faccio festa :)
Sono un grande amante delle arti che provano a raccontare la vita nei suoi diversi aspetti e che le fanno con gli occhi e le parole diversi dai miei. È solo grazie a una continua ricerca nel lavoro altrui che ci è possibile sviluppare e migliorare la nostra visione del mondo. Il segreto sta nell’alterità.

Descrivimi la tua stanza.
Nella mia stanza ho solo il mio letto, le pareti sono tutte disegnate da un amico pittore, Arcano (ragazzo che vale la pena seguire) su una mensola ho la foto di un nudo che ho scattato in formato 6×6 e due poster incorniciati di Shepard Fairey (Obey). Sul comodino libri in fase di lettura, questo mese c’è tropico del cancro di Miller.

La tua macchina fotografica pesa quanto…
Sicuramente lo zaino che mi porto appresso è pesante, ma insomma ci fai l’ abitudine, se è questo che vuoi fare.

Se il tuo immaginario fosse un film? O un libro?
Quando sono allegro vorrei vivere in un film di Will Ferrell, quando sono triste vorrei stare in un film di Spike Jonze.
I libri sono una lingua, vorrei che tutti parlassimo con la voce di Joyce in Finnegans Wake.

Un fotografo/a che mi consigli di tener d’occhio?
In questi giorni sono totalmente affascinato dallo scatto di Javier Manzano.
Lo scatto si chiama Siege of Aleppo, e’ incredibile che lui si riuscito a trovarsi in una situazione tale e scattare una foto di tale bellezza.
Per quanto riguarda gli italiani direi assolutamente Fabio Bucciarelli!

Se qualche anno fa per uno dei casi della vita ti ti fossi trovato a lavorare nella zona industriale di Jesi (oggi le possibilità che tu lo faccia, già tenui, si sono ridotte all’osso visto che in un solo anno il numero di disoccupati nella ex-ridente Vallesina è cresciuto dell’8% e tra un po’ i miei compagni di bisbocce adolescenziali si trasformeranno in zombie divora-cervelli e massacra-politicanti e hai voglia a mandare l’esercito quando ti trovi davanti a manipoli di gente incazzata e cresciuta a Verdicchio, che com’è noto rafforza lo spirito, infuoca gli animi e rende immuni al dolore).

Chiusa la parentesi social-etilico-rivoluzionaria…. se ti fossi trovato lì tra i capannoni e le rotatorie spuntate come funghi e le strade vuote, nel 2002-2003 o giù di lì, avresti visto un povero mentecatto appostarsi fuori i cancelli di una fabbrica. Non parlo di Alan Sorrenti ma del sottoscritto, intento a mettere a frutto il corso in Storia della Fotografia appena frequentato all’università—di lì a poco abbandonata—provando invano a rifare con l’occhio del provinciale e circondato dall’ambiente a me più familiare, quel mix tra metalmeccanico e agreste (Mariooo, scenni da quel diaolo de carello e viè qua a damme na mano, comjombero) che ha caratterizzato la valle dagli anni ’70 in poi, la prima vera folgorazione fotografica avuta sulle pagine di un libro: l’opera dei coniugi Becher.

il moodboard della lampada Bergwerk

Ai digiuni di fotografia basti sapere che i Becher erano un’allegra coppia di artisti tedeschi—lui morto qualche anno fa a 75 anni, lei 79enne e ancora nel mondo dei vivi—divenuta celebre per un lavoro di catalogazione fotografica delle vecchie aree industriali che i due portarono avanti praticamente per tutta la vita, fotografando in bianco e nero e con stile assolutamente, quasi roboticamente neutro, torri di raffreddamento, silos, impianti di ogni tipo, utilizzando altissime scale ed altrettanto alti cavalletti in modo da raggiungere il centro esatto della prospettiva.

Considerati tra i più grandi maestri della fotografia di tutti i tempi, i Becher influenzarono e continuano ad influenzare tutta una serie di artisti che lavorano con la fotografia, tanto che quando si parla di scuola tedesca o scuola di Düsseldorf (dove tra l’altro Bernd, il marito, insegnò fino al ’96) si citano sempre Bernd ed Hilla come i fondatori di uno stile, estetico e concettuale, che in realtà si può benissimo dire iniziato con gli esperimenti di fotografia botanica di Karl Blossfeldt (altro tedesco, altro maniaco della catalogazione) degli anni ’20 e proseguito fino a giorni nostri, ispirando non solo fotografi ma anche la pittori, digital artists, musicisti ed ovviamente architetti e designer.

Recentemente una delle loro foto si è addirittura trasformata in un kit per costruirsi da soli una lampada da interni: l’idea è di Francesco Pace e di Francesco Forcellini, di cui ho già parlato recentemente per un altro splendido progetto che li vede coinvolti: Progetto Pronto Intervento.

Partendo proprio dalla silhouette di una delle opere dei Becher, una foto del ’77 di una miniera di Bövinghausen, nei pressi di Dortmund, Pace e Forcellini hanno realizzato una lampada (chiamata Bergwerk, che in tedesco significa appunto miniera) in in polimetilmetacrilato tagliata al laser e componibile a incastro.
Se tenuta in verticale la luce, quasi nascosta all’interno della lampada, è tenue e dall’effetto raccolto—una sorta di lanterna. Quando invece l’oggetto viene posizionato in orizzontale il fascio di luce si allarga e proietta sulla parete dei motivi geometrici che rimandano all’estetica delle foto dei due artisti tedeschi.

Ne avessi avuta una al tempo dei miei esperimenti fotografici forse sarei rimasto a casa e avrei evitato gli strombazzamenti di chi passava sfrecciando per le strade dritte tra i capannoni e gli sguardi tra il sospettoso ed il poliziesco di chi lavorava sui piazzali delle fabbriche e si trovava ‘sto poco più che ventenne fricchettone a inquadrarli col suo obiettivo.

La prima volta che ho incontrato dal vivo Marco Bressan—dopo anni di io-so-chi-sei-e-cosa-fai e tu-sai-chi-sono-e-cosa-faccio, l’uno da una parte e l’altro dall’altra di uno schermo—è stata a Firenze, in un piovoso giorno in bianco e nero passato tra scale, corridoi, passerelle, pozzanghere e stradine di ghiaia, con Marco che mi accompagnava in uno strano viaggio nel dietro le quinte del Pitti (viaggio che presto avrò modo di condividere su queste pagine), raccontandomi con una pazienza ed una disponibilità davvero rare a trovarsi quello che è il suo day job, il lavoro che paga le bollette, quello che c’è stampato sul biglietto da visita e che, consapevolmente o meno, ti “disegna” pure l’uniforme. Lavoro nel quale Marco mette esattamente la stessa energia e lo stesso entusiasmo che riesce a dare alle altre sue due attività: quella di papà—e non di uno né di due ma di ben quattro figli!—e quella di fotografo, che negli ultimi due anni l’ha condotto attraverso un lungo percorso di ricerca e di esplorazione. Percorso che ha dato vita prima ad un blog ed una Ritratti in pelle ed ora ad un libro, Ritratti in Pelle.

Ma partiamo dall’inizio.
Nell’aprile del 2011 Bressan inizia, quasi per caso, ad appassionarsi alle storie che tutti i tatuaggi (o quasi: c’è sempre chi se ne fa uno in preda alla sbornia del giorno prima ma dopotutto non è anche questa una storia?) si portano dietro, o meglio sotto. Sotto… pelle, ovviamente.

Sara & Riccardo — 28 aprile 2011

«Ho sempre pensato che le persone quando decidono di dipingersi il corpo per sempre, compiano un atto che va al di la della moda, quasi un atto di fede. Il tatuaggio oltre a essere ”eterno” è sofferto e non parlo della sofferenza legata all’ago, ma la sofferenza nel decidere cosa avere sul proprio corpo e la sofferenza del ricordo al quale magari è legato il segno. Sono altrettanto convinto che un tatuaggio sia un ”ritratto in pelle” dell’anima stessa, un racconto di chi si è di chi si era e di chi si sarà. Chi si tatua spesso ha una visione del proprio corpo è come se i tatuaggi ci fossero da sempre ma nascosti da strati di pelle» scrive Marco sul suo blog ritrattinpelle.tumblr.com che da quel momento diventa una sorta di diario di viaggio, un’esplorazione alla scoperta del mondo interiore di chi si tatua, inizialmente attraverso i ritratti degli amici e poi amici di amici e giù giù per i famosi “gradi di conoscenza” fino ad andare a trovare a casa dei completi sconosciuti, per farsi raccontare storie e ritrarli, da soli o in coppia, in situazioni di assoluta intimità.

Ecco, è proprio l’intimità la categoria che lega tutte le foto che fanno parte del progetto. Bressan ha la capacità non comune di mettere a suo agio i suoi soggetti e ad umanizzare l’occhio meccanico dell’obiettivo, rendendolo espressivo e complice, a volte mimetico e nascosto come quello di uno spettatore invisibile, altre partecipe e compiacente come lo sguardo di un amico, altre volte ancora spettatore curioso di un scena in fieri.

Luciano & Valentina — 28 marzo 2012

«Mi feci quei segni per ricordarmi di un grosso dolore» dice Stefano, fotografato, chitarra in mano e cappello, seduto sulla sua poltrona di pelle. Sullo sfondo un mucchio di libri. La data dice 22 marzo 2012.
Ilaria & Riccardo, invece, sono sdraiati sul loro letto, l’uno sull’altra. I corpi nudi riempiti di segni e di immagini. 15 maggio 2012. E l’istante decisivo (Cartier-Bresson docet) ad immortalarne la complicità attraverso un semplice sguardo e le mani strette le une alle altre.

Poche parole ad accompagnare le foto. A volte nessuna. Frasi semplici, racconti. Ma la forza del progetto sta nelle immagini, che hanno la capacità di non esaurirsi su pagina ma di lasciarti immaginare l’incontro, il racconto, il momento dello scatto e tutto quello che viene prima e verrà dopo. Entrare intimamente nelle vite degli altri e saperle scrivere con una foto è un dono raro.

Leonardo — 15 settembre 2011

In questi due anni Marco ha scattato oltre 80 foto, le prime 40 delle quali sono state raccolte nel volume cartonato uscito qualche giorno fa—in un’edizione limitata di 200 copie e prefazione di Stefano Bernardoni, fotografo che Bressan considera come suo maestro—a cui probabilmente seguirà (visto il sottotitolo volume I) una seconda parte.
Nel frattempo comunque il progetto va avanti e Marco continua la sua ricerca di soggetti (ci si può anche autocandidare).
Il prossimo 25 maggio, invece, le foto di Ritratti in Pelle saranno le protagoniste di un’esposizione presso il museo di Chiari (Bs).

Si può fare impresa con la creatività? Si possono “fare i conti” con la cultura?
Parliamo di ICC (Imprese Culturali e Creative) e lo facciamo con Giorgia Boldrini , responsabile del progetto Incredibol! (Dipartimento Economia e Promozione della Città) del Comune di Bologna ed esperta del settore.
Incredibol! è un esempio illuminato, nato nel 2010, che premia con contributi in denaro, spazi in comodato gratuito, servizi e consulenze professionali chi – nell’ambito ICC – ha al contempo un buon progetto d’impresa e la voglia di portarlo avanti.
In due sole edizioni, con 32 vincitori selezionati e più di 240 progetti pervenuti, Incredibol! si è affermato come uno dei motori migliori che la regione Emilia-Romagna ha a disposizione per intercettare e sostenere professionisti e talenti che altrimenti avrebbero difficoltà ad emergere.
Chi ha un progetto d’impresa (inerente uno degli ambiti specificati nel bando che trovate su incredibol.net) ha ancora qualche giorno a disposizione per presentare il proprio progetto e partecipare all’avviso pubblico, giunto alla sua terza edizione ed in scadenza il 24 maggio.
Noi intanto, con otto domande veloci riguardo il progetto, facciamo con Giorgia il punto della situazione circa lo stato del settore culturale e creativo ad oggi.

Ciao Giorgia, innanzitutto: come sei arrivata a lavorare al progetto Incredibol!, come è nata questa idea e di cosa si tratta?

L’idea di Incredibol è nata dalla mia esperienza con il lavoro di promozione dei giovani artisti al Comune di Bologna.
La città è da sempre un punto di riferimento per i creativi, grazie all’università, al DAMS, alla fama di città vivace e accogliente di cui ancora gode… ma ci siamo resi conto lavorando con i giovani artisti che i migliori, quelli che vogliono fare della loro creatività una professione, spesso non hanno gli strumenti per farlo, oppure devono andare a cercare fortuna altrove. Da qui nasce nel 2010 l’idea di una rete di partner pubblico-privati e di un ‘bando’ per sostenere le professioni creative.

Qual è lo stato del settore delle ICC in Italia? Siamo davvero così indietro come ci sentiamo ripetere o si sta recuperando, anche nel nostro Paese, una “cultura della cultura”?

Quando abbiamo iniziato nel 2010 in Italia il tema delle ‘creative industries’ era ancora poco indagato; oggi per fortuna sembrano esserci maggiore attenzione e opportunità dedicate al settore creativo, anche se il rischio che diventi una ‘moda’ è alto. Occorre pensare strategie e progetti concreti, a partire da una formazione in grado di dare ai creativi maggiori possibilità sul mercato.

Quali sono i progetti premiati da Incredibol! che nel tempo hanno avuto un buon riscontro? Quali invece, a prescindere dai risultati ottenuti, i tuoi preferiti?

Questo è il terzo ‘bando’ che lanciamo; abbiamo alle spalle due edizioni, in cui il numero dei partecipanti e il bacino di utenza si sono allargati, il che è senz’altro un segnale positivo. D’altro lato, il settore creativo si conferma fortissimo sui contenuti ma ancora carente sul piano della struttura, con una miriade di piccole realtà molto interessanti che faticano a crescere.
I progetti di maggiore successo sono naturalmente i miei preferiti! In particolare, cito spesso Apparati Effimeri per il mapping architetturale; Vicolopagliacorta per il design autoprodotto; le borse realizzate con materiale di riuso di Giorgia Palmirani per Saisei e,  per citare esempi dell’ultima edizione, l’atelier di moda per bambini Les Libellules e il portale per mettere in rete designer e produttori Youtool.

Come hai detto, quest’anno Incredibol! è alla sua terza edizione e l’avviso pubblico scadrà tra qualche giorno: in che modo è possibile partecipare e fino quando possono essere presentate le domande?

L’avviso è in scadenza il 24 maggio alle 13; per chi ha già un progetto ‘d’impresa’ chiaro, i moduli sono semplici. Possono partecipare associazioni, liberi professionisti  o imprese, purché attivi in Emilia-Romagna da non più di 4 anni e con un’età media non superiore ai 40. I materiali e la modulistica si trovano su sito nell’area download.

Tra i servizi che offrite, oltre ai contributi in denaro, figurano consulenze personalizzate ed un vero e proprio percorso di affiancamento mirato per le startup selezionate, un aiuto imprescindibile per i giovani imprenditori; l’impressione è che le neo-imprese culturali e creative abbiano bisogno quasi sempre di una “guida” che le aiuti a concretizzare quella che spesso è solo un’idea.
È davvero così? In Italia mancano così tanto delle competenze “tecniche” a livello di formazione?

Decisamente sì.

Più in generale, qual è l’errore più comune in cui incappa chi vuole mettere su un’impresa culturale e creativa?

Pensare che dalla qualità del contenuto proposto derivi il successo della futura impresa.

Tornando al progetto, Incredibol! non è solo un bando ma anche – e soprattutto – una rete. Da qualche settimana è nata inoltre emiliaromagnastartup.it/creative, una sezione del sito dedicata al settore delle ICC che offre servizi online per startup e non solo. In che modo questo strumento può essere utile per il territorio e come pensate di gestirlo in futuro?

Pensiamo di lavorare attivamente attraverso il portale alla creazione di una community regionale, e alla sensibilizzazione degli enti pubblici e del settore privato al tema delle ICC. La nuova frontiera da raggiungere, che può portare davvero a innovazioni di sistema, è il fatto che il settore tradizionale ‘prenda sul serio’ i creativi, come già accade nel mondo della moda o del design industriale, e che i creativi non abbiano paura di ‘ibridarsi’ con i settori tradizionali.

Un’ultima domanda: c’è ancora chi dice che con la cultura e con la creatività non si mangia. Incredibol! ed in generale il settore delle ICC ci dicono il contrario?

Il fatto che le ‘creative industries’ siano sempre più ‘trendy’ rischia di portarci a conclusioni affrettate: esiste un settore creativo con ampio potenziale di crescita, che può essere protagonista dello sviluppo economico; allo stesso tempo esiste un settore culturale più tradizionale, in particolare in paesi come l’Italia, al quale non si può chiedere di ‘produrre’ quanto le ‘creative industries’, e che va tutelato per il suo valore intrinseco.

Conclusa la prima fase di Reemix, concorso rivolto ai giovani, italici producers alle prese coi remix di artisti come Congorock, Shablo, Elisa Bee, Digi G’Alessio ed i Crookers—è la loro la prima traccia sulla quale hanno lavorato i dj, Giga—è arrivato il momento di vederne i risultati. Tra tutti quelli che hanno remixato il pezzo è stato selezionato un giovane artista milanese, Nobel [quando parli con Nobel di musica ci rimani sempre bene (o male, dipende dai punti di vista) da quante ne sa, cit.] e giovedì sera il remixatore avrà l’onore di dividere il mixer col remixato—e sua volta remixante un mondo di roba—ovvero Phra, l’ex-½ dei Crookers quando i Crookers erano un duo ed ora un Crooker(s) per intero da quando il socio Bot l’anno scorso ha abbandonato il progetto.

L’appuntamento è al Dude Club di Milano e si entra gratis ma prima bisogna andare a prendere gli inviti a 4km tondi tondi da lì, da One Block Down, ma ad orario aperitivo, durante il pre-party.

Per chi volesse invece farsi la prossima tappa di Reemix da protagonista, sul sito si può già remixare la seconda traccia, che stavolta è di Shablo.

QUANDO: 23 maggio 2013 | dalle 18,00
PRE-PARTY: 18,00 – 21,00 | One Block Down | c.so XXII marzo 12, Milano | mappa
PARTY: 22,30 – 0,30 | Dude Club | via Plezzo 16, Milano | mappa

© Alberto Dal Lago

7 opere e 7 domande, alle 7 di mattina, ad illustratori che si svegliano presto o non sono ancora andati a dormire.
Oggi è la volta di Alberto Dal Lago (qui il suo portfolio e qui la sua pagina Facebook).

Ciao Alberto, di dove sei, quanti anni hai e da quanto fai l’illustratore?
Ciao!
 Ho 36 anni. Vivo a Vicenza e come illustratore lavoro professionalmente da sette anni.

Matita o penna grafica?
All’inizio, matita. Poi la svolta e il passaggio alla penna e alla tavoletta grafica.
Tendo comunque ad avere un approccio tradizionale quando creo le illustrazioni, al fine di ottenere un effetto pittorico (dipende anche da ciò che il cliente commissiona).

© Adriano Salani Editore

Cosa fai quando non disegni?
Disegno! Scherzi a parte… Leggo, annoto idee, ascolto e suono musica.
Mi piace passeggiare.

Cosa c’è sulla tua scrivania?
Il caos. Di tutto. Ciclicamente sento il bisogno di un “repulisti”; è fondamentale anche per un ordine mentale.

Un disegno pesa quanto…
I miei disegni hanno un peso virtuale. Dai megabyte ai gigabyte!
A volte rimpiango i canvas e le tele… ma il digitale rimane uno strumento versatile, comodo e veloce.

© Asengard Edizioni

Un libro di cui vorresti illustrare la copertina e un film di cui vorresti fare il poster.
Il mio “imprinting”, da bambino, l’ho avuto con il genere horror.
Senza indugio rispondo Dracula di Bram Stoker.
Film? Rimango sempre sull’horror: L’Esorcista di W.Friedkin

Un illustratore o un’illustratrice che mi consiglieresti?
In quest’ordine: Ale Giorgini, Paolo Barbieri, 
Dany Orizio e Luca Zontini.

© Privateer Press

© Wizards of The Coast

© Privateer Press

Edizioni Ambiente-Verdenero