frontmusic

TARAWANGSA

noreply@blogger.com (hell) — Tue, 3 Oct 2017 18:38:00 +0700

Tarawangsa merupakan salah satu jenis kesenian rakyat yang ada di Jawa Barat. Istilah "Tarawangsa" sendiri memiliki dua pengertian: (1) alat musik gesek yang memiliki dua dawai yang terbuat dari kawat baja atau besi dan (2) nama dari salah satu jenis musik tradisional Sunda.

Tarawangsa lebih tua keberadaannya daripada rebab, alat gesek yang lain. Naskah kuno Sewaka Darma dari awal abad ke-18 telah menyebut nama tarawangsa sebagai nama alat musik. Rebab muncul di tanah Jawa setelah zaman Islam sekitar abad ke-15—16, merupakan adaptasi dari alat gesek bangsa Arab yang dibawa oleh para penyebar Islam dari tanah Arab dan India. Setelah kemunculan rebab, tarawangsa biasa pula disebut dengan nama rebab jangkung (rebab tinggi), karena ukuran tarawangsa umumnya lebih tinggi daripada rebab.

Sebagai alat musik gesek, tarawangsa tentu saja dimainkan dengan cara digesek. Akan tetapi yang digesek hanya satu dawai, yakni dawai yang paling dekat kepada pemain; sementara dawai yang satunya lagi dimainkan dengan cara dipetik dengan jari telunjuk tangan kiri. Kemudian, sebagai nama salah satu jenis musik, tarawangsa merupakan sebuah ensambel kecil yang terdiri dari sebuah tarawangsa dan sebuah alat petik tujuh dawai yang menyerupai kecapi, yang disebut Jentreng.

Kesenian Tarawangsa hanya dapat ditemukan di beberapa daerah tertentu di Jawa Barat, yaitu di daerah Rancakalong (Sumedang), Cibalong, Cipatujah (Tasikmalaya Selatan), Banjaran (Bandung), dan Kanekes (Banten Selatan). Dalam kesenian Tarawangsa di daerah Cibalong dan Cipatujah, selain digunakan dua jenis alat tersebut di atas, juga dilengkapi dengan dua perangkat calung rantay, suling, juga nyanyian.

Alat musik tarawangsa dimainkan dalam laras pelog, sesuai dengan jentrengnya yang distem ke dalam laras pelog. Demikian pula repertoarnya, misalnya tarawangsa di Rancakalong terdiri dari dua kelompok lagu, yakni lagu-lagu pokok dan lagu-lagu pilihan atau lagu-lagu tambahan, yang semua berlaraskan pelog. Lagu pokok terdiri dari lagu Pangemat/pangambat, Pangapungan, Pamapag, Panganginan, Panimang, Lalayaan dan Bangbalikan. Ketujuh lagu tersebut dianggap sebagai lagu pokok, karena merupakan kelompok lagu yang mula-mula diciptakan dan biasa digunakan secara sakral untuk mengundang Dewi Sri. Sedangkan lagu-lagu pilihan atau lagu-lagu yang tidak termasuk ke dalam lagu pokok terdiri dari Saur, Mataraman, Iring-iringan (Tonggeret), Jemplang, Limbangan, Bangun, Lalayaan, Karatonan, Degung, Sirnagalih, Buncis, Pangairan, Dengdo, Angin-angin, Reundeu, Pagelaran, Ayun Ambing, Reundeuh Reundang, Kembang Gadung, Onde, Legon (koromongan), dan Panglima.

Lagu-lagu Tarawangsa di Rancakalong jauh lebih banyak jumlahnya daripada lagu-lagu Tarawangsa di Banjaran dan Cibalong. Lagu-lagu Tarawangsa di Banjaran di antaranya terdiri dari Pangrajah, Panimang, Bajing Luncat, Pangapungan, Bojong Kaso, dan Cukleuk. Sementara lagu-lagu Tarawangsa di Cibalong di antaranya terdiri dari Salancar, Ayun, Cipinangan, Mulang, Manuk Hejo, Kang Kiai, Aleuy, dan Pangungsi.

Sebagaimana telah disinggung di atas, alat musik pokok kesenian tarawangsa terdiri dari tarawangsa dan jentreng. Menurut sistem klasifikasi Curt Sachs dan Hornbostel, Tarawangsa diklasifikasikan sebagai Chordophone, sub klasifikasi neck-lute, dan Jentreng diklasifikasikan juga sebagai Chordophone, sub klasifikasi zither. Sedangkan menurut cara memainkannya, tarawangsa diklasifikasikan sebagai alat gesek dan jentreng diklasifikasi sebagai alat petik. Alat musik tarawangsa terbuat dari kayu kenanga, jengkol, dadap, dan kemiri. Dalam ensambel, tarawangsa berfungsi sebagai pembawa melodi (memainkan lagu), sedangkan jentreng berfungsi sebagai pengiring (mengiringi lagu).

Pemain tarawangsa hanya terdiri dari dua orang, yaitu satu orang pemain tarawangsa dan satu orang pemain jentreng. Semua Pemain Tarawangsa terdiri dari laki-laki, dengan usia rata-rata 50 – 60 tahunan. Mereka semuanya adalah petani, dan biasanya disajikan berkaitan dengan upacara padi, misalnya dalam ngalaksa, yang berfungsi sebagai ungkapan rasa syukur kepada Tuhan atas hasil panen yang melimpah. Dalam pertunjukannya ini biasanya melibatkan para penari yang terdiri dari laki-laki dan perempuan. Mereka menari secara teratur. Mula-mula Saehu/Saman (laki-laki), disusul para penari perempuan. Mereka bertugas ngalungsurkeun (menurunkan) Dewi Sri dan para leluhur. Kemudian hadirin yang ada di sekitar tempat pertunjukan juga ikut menari. Tarian tarawangsa tidak terikat oleh aturan-aturan pokok, kecuali gerakan-gerakan khusus yang dilakukan Saehu dan penari perempuan yang merupakan simbol penghormatan bagi dewi padi. Menari dalam kesenian Tarawangsa bukan hanya merupakan gerak fisik semata-mata, melainkan sangat berkaitan dengan hal-hal metafisik sesuai dengan kepercayaan si penari. Oleh karena itu tidak heran apabila para penari sering mengalami trance (tidak sadarkan diri).

(Source : wikipedia)

KARINDING

noreply@blogger.com (hell) — Tue, 3 Oct 2017 18:28:00 +0700

Karinding merupakan salah satu alat musik tiup tradisional Sunda. Ada beberapa tempat yang biasa membuat karinding, seperti di lingkung Citamiang, Pasirmukti, (Tasikmalaya), Lewo Malangbong, (Garut), dan Cikalongkulon (Cianjur) yang dibuat dari pelepah kawung (enau). Di Limbangan dan Cililin karinding dibujat dari bambu, dan yang menggunakannya adalah para perempuan, dilihat dari bentuknya saperti tusuk biar mudah ditusukan di sanggul rambut. Dann bahan enau kebanyakan dipakai oleh lelaki, bentuknya lebih pendek biar bisa diselipkan dalam wadah rokok. Bentuk karinding ada tiga ruas.

Cara Memainkan

Karinding disimpan di bibir, terus tepuk bagian pemukulnya biar tercipta resonansi suara. Karindng biasanya dimainkan secara solo atau grup (2 sampai 5 orang). Seroang diantaranya disebut pengatur nada atau pengatur ritem. Di daerah Ciawi, dulunya karinding dimainkan bersamaan takokak (alat musik bentuknya mirip daun). Secara konvensional menurut penuturan Abah Olot nada atau pirigan dalam memainkan karinding ada 4 jenis, yaitu: tonggeret, gogondangan, rereogan, dan iring-iringan.

Fungsinya

Karinding yaitu alat buat mengusir hama di sawah. Suara yang dihasilkan dari getaran jarum karinding biasanya bersuara rendah low decible. Suaranya dihasilkan dari gesekan pegangan karinding dan ujung jari yang ditepuk-tepakkan. Suara yang keluar biasanya terdengar seperti suara wereng, belalang, jangkrik, burung, dan lain-lain. Yang zaman sekarang dikenal dengan istilah ultrasonik. Biar betah di sawah, cara membunyikannya menggunakan mulut sehingga resonansina menjadi musik. Sekarang karinding biasa digabungkan dengan alat musik lainnya. Bedanya membunyikan karinding dengan alat musik jenis mouth harp lainnya yaitu pada tepukan. Kalau yang lain itu disentil. Kalau cara ditepuk dapat mengandung nada yang berbeda-beda. Ketukan dari alat musik karinding disebutnya Rahel, yaitu untuk membedakan siapa yang lebih dulu menepuk dan selanjutnya. Yang pertama menggunakan rahèl kesatu, yang kedua menggunakan rahel kedua, dan seterusnya. Biasanya suara yang dihasilkan oleh karinding menghasilkan berbagai macam suara, diantaranya suara kendang, goong, saron bonang atau bass, rhytm, melodi dan lain-lain. Bahkan karinding bisa membuat lagu sendiri, sebab cara menepuknya beda dengan suara pada mulut yang bisa divariasikan bisa memudahkan kita dalam menghasilkan suara yang warna-warni. Kata orang tua dahulu, dulu menyanyikan lagu bisa pakai karinding, Kalau kita sudah mahir mainkan suara karinding, pasti akan menemukan atau menghasilkan suara buat berbicara, tetapi suara yang keluar seperti suara robotik.

(Source : wikipedia)

MUSIK COUNTRY

noreply@blogger.com (Hell) — Tue, 10 Jul 2012 02:31:00 +0700

Musik country adalah campuran dari sejumlah unsur musik Amerika yang berasal dari Amerika Serikat Bagian Selatan dan Pegunungan Appalachia. Musik ini berakar dari lagu rakyat Amerika Utara, musik kelt, musik gospel, dan berkembang sejak tahun 1920-an. Istilah musik country mulai dipakai sekitar tahun 1940-an untuk menggantikan istilah musik hillbilly yang berkesan merendahkan. Pada tahun 1970-an, istilah musik country telah menjadi istilah populer. Istilah lain untuk genre musik ini adalah country and western, namun sudah semakin jarang dipakai kecuali di Britania Raya dan Irlandia. Karier Elvis Presley berawal dari musik berirama country sebelum menjadi raja rock and roll. Salah satu julukan baginya adalah The Hillbilly Cat. Elvis juga pernah menjadi bintang tamu tetap di acara radio milik Louisiana Hayride Salah seorang penyanyi country, Garth Brooks tercatat sebagai artis solo terlaku dalam sejarah industri rekaman AS. Ia telah menjual lebih dari 200 juta rekaman. Taylor Swift adalah musisi country yang paling dikenal di Dunia & Indonesia saat ini.

ASAL MULA

Imigran yang tiba di Amerika Utara dan menetap di selatan Pegunungan Appalachia membawa serta alat musik dari Eropa berikut irama musik yang telah dikenal mereka selama 300 tahun. Orang Irlandia membawa fiddle (biola), orang Jerman membawa alat musik petik dulcimer, orang Italia membawa mandolin, orang Spanyol membawa gitar, dan orang Afrika membawa banjo Interaksi antarmusisi dari berbagai kebangsaan menghasilkan musik khas Amerika Utara. Di awal abad ke-20, grup musik Appalachia menggunakan alat musik seperti fiddle, gitar, dan banjo. Bentuk awal musik country dan rekaman musik jenis ini sering disebut musik rakyat Amerika Utara (old-time music). Sepanjang abad ke-19, sejumlah kelompok imigran di Amerika Serikat yang berasal dari Eropa, terutama Irlandia, Britania Raya, Jerman, Spanyol, dan Italia pindah ke Texas. Kelompok dari berbagai bangsa tersebut berinteraksi dengan orang Spanyol, orang Meksiko-Amerika, penduduk asli Amerika Serikat, dan pemukim Amerika Serikat yang sudah lebih dulu menetap di Texas. Sebagai hasilnya, di Texas berkembang kebudayaan dengan ciri-ciri khas yang berakar dari kebudayaan negara asal pemukim. Pemukim dari wilayah yang sekarang disebut Jerman dan Republik Ceko mendirikan aula dansa yang besar di Texas. Petani dan orang kota menggunakannya sebagai tempat berkumpul, menari, dan menghabiskan waktu santai bersama. Di antara irama musik yang dimainkan adalah musik waltz dan polka. Alat musik yang dimainkan untuk meramaikan aula dansa adalah akordion.

REKAMAN PERTAMA
Rekaman yang bisa dianggap sebagai rekaman pertama musik country adalah lagu "Sallie Gooden" oleh pemain fiddle A.C. (Eck) Robertson yang dirilis tahun 1922 oleh Victor Records. Perusahaan rekaman Columbia Records sudah mengeluarkan rekaman berisi musik "hillbilly" (seri 15000D "Old Familiar Tunes") pada tahun 1924. Setahun sebelumnya, Fiddlin' John Carson mengeluarkan "Little Log Cabin in the Lane" pada 14 Juni 1923 di bawah label Okeh Records. Vernon Dalhart adalah penyanyi country pertama yang lagunya menjadi hit di Amerika Serikat, "Wreck of the Old '97" pada bulan Mei 1924. Sisi B piringan hitam tersebut berisi lagu "Lonesome Road Blues" dan ikut menjadi populer. Di awal perkembangan musik country terdapat musisi seperti Riley Puckett, Don Richardson, Fiddlin' John Carson, Al Hopkins, Charlie Poole and the North Carolina Ramblers, dan The Skillet Lickers. Steel guitar mulai dipakai untuk memainkan musik country sejak tahun 1922, setelah Jimmie Tarlton bertemu dengan gitaris Hawaii Frank Ferera di Pantai Barat AS. Asal usul musik country modern berasal dari pengaruh Jimmie Rodgers dan Carter Family. Keduanya dianggap sebagai pendiri musik country dan lagu-lagu mereka direkam pertama kali dalam sesi bersejarah di Bristol, Tennessee/Bristol, Virginia, 1 Agustus 1927. Pada waktu itu, Ralph Peer bertindak sebagai pemandu bakat dan teknisi perekam suara. Rodgers mencampur unsur-unsur hillbilly country, gospel, jazz, blues, pop, cowboy, dan folk. Sebagian besar dari lagu-lagunya, termasuk "Blue Yodel" (Victor 21142) terjual lebih dari satu juta keping, dan sekaligus menjadikannya sebagai penyanyi utama di era awal musik country. Selama 17 tahun berturut-turut sejak tahun 1927, grup Carter Family merekam sebanyak 300 lagu balada old time, lagu tradisional, lagu country, dan himne gospel yang merupakan peninggalan budaya dan folklor Amerika Serikat Bagian Tenggara.

1930-an sampai 1940-an

Setelah Depresi Besar terjadi penurunan dalam angka penjualan piringan hitam. Radio tampil sebagai hiburan populer di kalangan rakyat. Musik country diputar dalam berbagai acara radio yang disebut barn dance. Mulai dari Amerika Serikat Bagian Selatan hingga ke utara sampai di Chicago dan ke selatan sampai di California, stasiun radio menjadi sering memutar musik country. Salah satu acara yang patut dicatat adalah acara mingguan musik country bernama Grand Ole Opry dari radio 650 WSM di Nashville, Tennessee. Di antara bintang-bintang yang hadir di acara Opry terdapat musikus seperti Uncle Dave Macon, Roy Acuff, dan pemain harmonika Afrika-Amerika bernama DeFord Bailey. Pemancar WSM yang kuat sebesar 50.000 watt pada tahun 1934 membuat radio ini sering kali bisa didengar di seluruh AS.

Lagu koboi, western swing, dan hillbilly boogie Sepanjang tahun 1930-an dan 1940-an, lagu-lagu koboi (musik western) yang sudah sering direkam sejak tahun 1920-an menjadi populer berkat film-film Hollywood. Di antara koboi bernyanyi era 1930-an dan 1940-an terdapat musisi seperti Gene Autry, Sons of the Pioneers, dan Roy Rogers. Bob Wills adalah penyanyi "country" yang membintangi film koboi Hollywood. Campuran musik "country" dan jazz yang dimainkannya sebagai musik aula dansa, nantinya dikenal sebagai western swing. Spade Cooley dan Tex Williams juga memiliki band yang populer dan main film. Setelah irama musik ini dimainkan di Aula Carnegie, musisi country mulai merekam irama boogie pada tahun 1939. Johnny Barfield merekamnya sebagai boogie woogie. Sejumlah kecil rekaman yang mulanya disebut hillbilly boogie atau okie boogie (atau nantinya country boogie) akhirnya membanjiri pasaran sekitar akhir tahun 1945. Salah satu country boogie yang menonjol asal era tersebut adalah "Freight Train Boogie" dari Delmore Brothers. Lagu "Freight Train Boogie" dianggap sebagai bagian dari tahapan evolusi musik country dan blues menuju terbentuknya rockabilly. Pada tahun 1948, lagu "Guitar Boogie" dan "Banjo Boogie" dari Arthur "Guitar Boogie" Smith sampai di urutan 10 teratas tangga musik country di AS. "Guitar Boogie" bahkan sampai di tangga lagu pop AS. Penyanyi berirama country boogie yang lainnya termasuk Merrill Moore dan Tennessee Ernie Ford. Periode Hillbilly Boogie terus berlanjut hingga ke tahun 1950-an, dan bertahan hingga abad ke-21 sebagai subgenre musik country. Di akhir Perang Dunia II, musik "pendaki gunung" dari band alat petik yang dikenal sebagai musik bluegrass muncul ke permukaan. Perintisnya adalah Bill Monroe bersama Lester Flatt dan Earl Scruggs, di bawah pimpinan Roy Acuff di Grand Ole Opry, Nashville, Tennessee. Jenis lain musik coutry yang hanya memakai gitar, bass, dobro atau steel guitar (dan nantinya drum) menjadi populer di kalangan orang kulit putih kelas menengah ke bawah di Amerika Serikat Bagian Selatan. Irama yang nantinya disebut honky tonk ini berasal dari Texas. Definisi irama honky tonk adalah "sedikit dari sini, sedikit dari sana, sedikit hitam, sedikit putih...cukup keras agar engkau tidak banyak pikir-pikir dan langsung memesan wiski." Al Dexter dari Texas Timur sukses mencetak lagu hit "Honky Tonk Blues", dan beberapa tahun kemudian dengan "Pistol Packin' Mama". Lagu-lagu honky tonk erat hubungannya dengan bar dan rumah minum. Di antara artis yang membawakannya terdapat musisi seperti Ernest Tubb, Ted Daffin, Floyd Tillman, Maddox Brothers and Rose, dan Hank Williams yang nantinya disebut musisi country "tradisional". Sejumlah musisi country juga merekam lagu-lagu dalam irama lain. Moon Mullican yang memainkan western swing juga merekam lagu-lagu yang bisa disebut rockabilly. Bill Haley menyanyikan lagu-lagu koboi, dan pernah menjadi peneriak yodel. Haley akhirnya terkenal sebagai perintis rock and roll. Lefty Frizzell memainkan honky tonk dengan gaya Jimmie Rodgers. Hasilnya adalah lagu yang sangat khas Lefty Frizzell. Di antara tahun 1947 dan 1949, raja musik country Eddy Arnold berhasil menempatkan 8 lagu di 10 teratas tangga lagu Billboard.

Tahun 1950-an dan tahun 1960-an
Nashville sound

Sejak pertengahan tahun 1950-an hingga puncaknya pada awal tahun 1960-an, irama yang dikenal sebagai "nashville sound" mengubah musik country sebagai industri jutaan dolar. Irama musik ini disebut nashville sound karena berasal dari industri rekaman di Nashville, Tennessee. Di bawah pengarahan produser seperti Chet Atkins, Owen Bradley, dan kemudian Billy Sherrill, mereka mengantarkan nashville sound ke berbagai kalangan, sekaligus menghidupkan kembali musik country. Lagu-lagu berirama nashville sound bisa dikenali dari ciri-ciri khas yang dipinjam dari musik pop tahun 1950-an: vokal yang "lembut" dan dominan dengan pengiring berupa alat musik gesek dan paduan suara. Musisi country yang tergolong ke dalam genre nashville sound adalah Patsy Cline, Jim Reeves, Floyd Cramer, dan kemudian Tammy Wynette serta Charlie Rich.

Rockabilly

Tahun 1956 bisa disebut sebagai tahun rockabilly untuk musik country. Peringkat ke-2, ke-3, dan ke-4 tangga Billboard waktu itu ditempati oleh Elvis Presley dengan "Heartbreak Hotel", Johnny Cash dengan "I Walk the Line", dan Carl Perkins dengan "Blue Suede Shoes". Pada tahun 1958, Johnny Cash dan Elvis kembali menempatkan lagu-lagunya di 5 teratas Billboard, masing-masing dengan "Guess Things Happen That Way/Come In, Stranger" di urutan ke-3 dan "Don't/I Beg Of You" di urutan ke-5. Elvis mengakui dipengaruhi artis rhythm and blues. Sementara itu tentang gaya bermusiknya, Elvis berkata, "Orang kulit berwarna sudah lama menyanyikan dan memainkan musik seperti yang aku mainkan sekarang, sudah lama sekali daripada yang kutahu." Ia juga menambahkan, "Musikku hanyalah musik country yang melompat-lompat." Genre yang sekarang disebut rockabilly mencapai puncak kepopuleran di kalangan penggemar musik country pada tahun 1950-an dan lagu-lagunya direkam oleh pemusik country. Di akhir dekade 1950-an, musisi country tradisional seperti Ray Price, Marty Robbins, dan Johnny Horton mulai menjauhkan diri pengaruh rock and roll. Musik country mendapat perhatian pendengar di seluruh Amerika Serikat melalui acara musik Ozark Jubilee. Acara ini disiarkan secara langsung dari Springfield, Missouri, dari tahun 1955 hingga 1960. Musisi yang tampil adalah pemusik country yang top, termasuk pemusik beraliran rockabilly.

ACRASSICAUDA : Iraqi Thrash Metal Band

noreply@blogger.com (hell) — Mon, 9 Jan 2012 02:17:00 +0700

Acrassicauda

Acrassicauda is an Iraqi thrash metal band formed in 2001. It is often credited as being the first heavy metal group to emerge from Iraq. The band consists of three Arab members and one Assyrian (Tony Aziz Yaqoo). The band formed and played concerts under the regime of Saddam Hussein. It became well known outside of the local Iraqi metal scene after Vice magazine did a profile of the band. It received even greater coverage when it was profiled in a feature-length documentary about the band and its troubles in Iraq called Heavy Metal in Baghdad. The band's first album was released on March 9, 2010.

Because of it increased fame after the Iraqi regime change, the band started to receive death threats from Islamic militants who thought that the band was worshiping Satan. Due to this and the increasing violence in Baghdad the members of the band fled first to Syria and then Turkey before being granted refugee status in the United States of America. Most of the band settled in New Jersey, but Tony Aziz decided to live with family in Michigan, before moving to Richmond, Virginia. They now reside in Brooklyn, New York.

HISTORY
Iraq
Born out of a basement rehearsal space in Baghdad, Acrassicauda consists of lead vocalist–guitarist Faisal Talal, guitarist Tony Aziz, bassist Firas Al-Lateef, and drummer Marwan Riyadh. The band was formed after Riyadh and Talal met Aziz in a Baghdad school where they were studying fine arts in 2000. The four members worked as journalists and translators before the American invasion. The band name is derived from the Latin name of a species of black scorpion common in Iraq. In Saddam's Iraq, the band was able to get inspiration from various bootleg tapes from heavy metal's 30-year history.

With original lead vocalist Waleed Moudhafar, the band performed under the Saddam regime, but because of censorship restrictions, it had to write a song that praised Saddam Hussein. Called "The Youth of Iraq," the song included the lyrics "Following our leader Saddam Hussein, we'll make them fall, we'll drive them insane!" Other restrictions on the band included the banning of headbanging because of its similarities with the head movement of orthodox Jews (davening) while praying. In early stages of the American presence in Baghdad Vice magazine (Vice 2004 Vol 11 no1) did a profile on the band that claimed that it was the only heavy metal band in Baghdad. Since that time, other bands have emerged from the Baghdad heavy-metal scene. Moudhafar left the group in 2003. After the overthrow of Saddam Hussein during the Iraq War, Acrassicauda staged a concert at the Al-Fanar Hotel amid heavy security in the summer of 2005. After stringent security, the concert was able to go on, but several power cuts interrupted the show. The band members would practice in a basement of a store complex until 2006, when the building, basement, and all the band's equipment was destroyed when it was bombed. Due to threats against their lives and increasing violence in Baghdad the band members individually moved to Syria.

Syria and Turkey
The band members fled Iraq to Syria because of the violence in Baghdad. They, like most Iraqis, were forced to use the dangerous 16-hour bus route from Baghdad to the Syrian border. During the voyage, there were buses that had been hijacked and passengers kidnapped along the side of the road. While the group was in Syria, over 3,000 Iraqis were entering the country every day as refugees.

While in Syria, the band was able to hold a concert for metal fans in the basement of a Damascus hotel. Because of Syrian government restrictions, the band wasn't allowed to call its concert heavy metal and, therefore, used rock music on concert advertising. At the concert, the band performed mostly cover songs because the Syrian audience wasn't familiar with the Acrassicauda sound. In Syria, the members of the band lived in a small room in an apartment basement with no windows.

During the taping of Heavy Metal in Baghdad in 2007, it was revealed that the Syrian government did not intend to extend the visas of the band. The country had changed its immigration policies, forcing Iraqis to apply in Baghdad instead of the Syrian border. The filmmakers campaigned to raise funds to relocate the band in a safer country rather than having it return to Iraq. The band members also sold their equipment to make the trip and for living expenses. The members of the band fled to Turkey when the visa change took place to apply for refugee status and wait for a third country to accept them. While on the move, Vice magazine tried to resettle the members in Canada and Germany while also providing money from the Vice corporation. Some $40,000 from Vice sponsors and donations collected online helped out with living expenses of the four band members, according to Suroosh Alvi, one of the founders of Vice and director of the film profiling Acrassicauda. Alvi went on to say, “We had outed them and endangered their lives. They were receiving threats from Iraq while they were in Syria. We had a responsibility.” It was with Vice's help that the band was able to use a Syrian recording studio to record three tracks for a demo recording that included “Between the Ashes” and “Massacre.” Turkish musicians also lent the band a fully equipped recording studio after hearing of the band's plight while in their country.

United States of America
After applying for asylum, the United States government granted the band refugee status, which allows it to apply for green cards after one year. Tony, Faisal, and Firas went first. Tony went to Michigan to handle some family business and started living there. Faisal and Firas settled into their new lives in New Jersey. A humanitarian relief and refugee resettlement agency, International Rescue Committee, placed them in an apartment in the town of Elizabeth. Then, in the early morning hours of January 30, 2009, Marwan arrived. On the band's second day in the United States, they were able to watch Metallica at the Prudential Center in Newark. Each band member met the group backstage and James Hetfield, Metallica’s lead singer, presented the band members with one of his guitars, a black ESP, after signing it Welcome to America. The Metallica concert was the band's second-ever stadium concert—the first being the band Testament, which the band saw a few months earlier in Turkey.

The band's first officially released album, Only the Dead See the End of the War, is a four-song EP Released on Vice Records on March 9, 2010. It was produced by Alex Skolnick of Testament at Spin Studio in Astoria, Queens. Acrassicauda followed the release with Cannibal Corpse, Voivod, and other metal bands at the Scion Rock Fest in Columbus, Ohio, on March 13.

In July 2011, Acrassicauda embarked on its 2011 "Make it or Break it" tour. The band lived in a music studio in Orange County, California, for about a month and a half prior.

Band members

Current members :

Faisal Talal Mustafa (born c 1983) – lead vocals (2003-present), rhythm guitar (2001–2011)
Tony Aziz Yaqoo (born c 1979) – lead guitar (2001–present)
Firas Al-Lateef (born c 1981) – bass (2001–present)
Marwan Hussain Riyadh (born c 1984) – drums (2001–present)
James Al Ansari - rhythm guitar (2011–present)

Former members

Waleed Moudhafar – lead vocals (2001–2003)

(source : en.wikipedia.org)

DIONISO AGUADO : Spanish Classical Guitarist and Composer

noreply@blogger.com (hell) — Mon, 9 Jan 2012 01:53:00 +0700

Dioniso Aguado

Dionisio Aguado (8 April 1784 – 29 December 1849) was a Spanish classical guitarist and composer.

Born in Madrid, he studied with Miguel García. In 1826, Aguado visited Paris, where he met and became friends with and for a while lived with Fernando Sor. Sor's duo Les Deux Amis ("The Two Friends") commemorated the friendship: one part is marked "Sor" and the other "Aguado".

BIOGRAPHY
Aguado's major work Escuela de Guitarra was a guitar tutor published in 1825. As of 2011, it is still in print, with Tecla Editions releasing a reprint in 2005. In the Escuela Aguado describes his use of fingernails on the right hand as well as his invention of a "tripodion": a device that held the guitar and thus minimized the damping effect of the player's body on the guitar's back and sides. Aguado's other works include Trois Rondos Brillants (Opus 2), Le Menuet Affandangado (Opus 15), Le Fandango Varie (Opus 16), as well as numerous waltzes, minuets, and other light pieces. The more extended works require a virtuoso technique and left-hand stretches that are almost impossible on the longer string lengths of modern guitars. (See Frederick Noad, "The Classical Guitar")

Aguado returned home to Madrid in 1837 and died there aged 65. Aguado's surname comes from the Spanish word for "soaked." (This is because an ancient relative of his, who was a knight, returned after a battle caked in mud. The nickname then eventually became the surname.

Instruments used by Aguado

Of the instruments used by Aguado, two which were built by

Pierre René Lacôte, (Paris 1838) and
Etienne Laprevotte, (Paris 1838)

are held at the Museo Arqueológico Nacional in Madrid. Aguado is known for having used a tripod to support his guitar.

List of works

1825 Rondo
Op. 1 : Douze Valses
Op. 2 : Trois Rondo Brillants
Op. 3 : Huit Petites Pièces
Op. 4 : Six Petites Pièces
Op. 5 : Quatre Andantes et Quatre Valses
Op. 6 : Nuevo Método de Guitarra
Op. 7 : Valses Faciles
Op. 8 : Contredanses et Valses Faciles
Op. 9 : Contredanses non difficiles
Op. 10 : Exercices Faciles et Très Utiles
Op. 11 : Les Favorites - Huit Contredanses
Op. 12 : Six Menuets & Six Valses
Op. 13 : Morceaux Agréables non difficiles
Op. 14 : Dix Petites Pièces non difficiles
Op. 15 : Le Menuet Affandangado
Op. 16 : Le Fandango Varié

(source : en.wikipedia.org)

ORPHANED LAND : Israeli Progressive Metal Band

noreply@blogger.com (hell) — Mon, 9 Jan 2012 01:40:00 +0700

Orphaned Land

Orphaned Land is an Israeli progressive metal band, formed in 1991, that combines Death/doom, Jewish and Arabic influences.

In 1992, the band changed its name from the original Resurrection to Orphaned Land. Orphaned Land fuse progressive, doom, and death metal as well as Middle-Eastern folk music and Arabic traditions in a form of Oriental metal. Each album has some concept related to two extremes: a meeting of east and west, past and present, light and darkness, and God and Satan.

The band’s first album was Sahara (1994) which was originally released as a demo. The second album, El Norra Alila (1996), had many eastern/oriental influences, such as "El Norra Alila" ("Illustrious God"), based on a poem sung during Yom Kippur as a plea of forgiveness. It also included songs with traditional oriental Jewish piyyut and Arabic melodies. The album explored the themes of light and darkness, as well as conveying the message of commonality between the three main Abrahamic religions (Judaism, Islam, and Christianity).

The third album, Mabool: The Story of the Three Sons of Seven (the Hebrew name for the Deluge, depicted in the Bible and Noah’s story), released in 2004, was seven years in the making. It tells the story of three sons (one for each Abrahamic religion) who try to warn humanity of a flood coming as punishment for their sins. Musically, the album contains oriental instruments, two choruses, traditional Yemenite chants sung by Shlomit Levi, and quotes of Biblical verses from the story of the deluge, read by vocalist Kobi Farhi. After Mabool, Orphaned Land released an EP, Ararat (2005) named after Mount Ararat. Despite their songs drawing on biblical themes, the band have said that they are not religious.

On January, 2010, Orphaned Land released the follow-up to Mabool, entitled The Never Ending Way of ORWarriOR. OrWarrior means "Warrior of Light," and the concept is the battle between light and darkness. The album has a different sound than Mabool, and was mixed by Steven Wilson of Porcupine Tree. The first single from the CD was entitled Sapari and was put on MySpace with two other tracks, Vayehi OR and Disciples of the Sacred Oath II. In early 2011 ORWarriOR was rated the Metal Storm #1 progressive metal album of 2010 by users with 421/1130 total votes.

In 2008, Orphaned Land was featured in the documentary Global Metal, a film by the creators of Metal: A Headbanger's Journey.

On May 22, 2010, Orphaned Land performed as the opening act to Metallica's show in Israel. Following this, the band went on a festival tour in the summer of 2010, promoting their latest album The Never Ending Way of ORWarriOR with appearances at such festivals as Wacken Open Air, Summer Breeze Open Air, Sonisphere Festival, Gods of Metal, Rock Hard Festival and more. After the summer festival tour, the band will go on a North American tour in support of Katatonia, along with Swallow the Sun. This will be followed by a tour of Europe supporting Amorphis along with Ghost Brigade.

They performed on June 19, 2011, at the French Metal Festival Hellfest held in Clisson, near Nantes.

(source : en.wikipedia.org)

Gitar akustik

noreply@blogger.com (hell) — Sun, 18 Dec 2011 16:41:00 +0700

Gitar akustik adalah jenis gitar dimana suara yang dihasilkan berasal dari getaran senar gitar yang dialirkan melalui sadel dan jembatan tempat pengikat senar ke dalam ruang suara. Suara di dalam ruang suara ini akan beresonansi terhadap kayu badan gitar. Jenis dan kualitas kayu serta jenis senar yang digunakan akan memengaruhi suara yang dihasilkan oleh gitar akustik.

Karateristik

Suara senar diperkuat oleh bagian resonansi.
Gitar akustik memiliki enam senar. Namun beberapa gitar memiliki tujuh senar atau lebih.
Beberapa gitar menggunakan senar yang terbuat dari nilon dan yang lainnya terbuat dari baja. Gitar yang menggunakan senar nilon sering pula di sebut sebagai gitar klasik
Seluruh bagian gitar terbuat dari kayu. Hal ini tentunya membuat suara gitar menjadi lebih kuat dan lebih baik.

Bagian Gitar

"Headstock" (kepala) (1)
"Nut" (2)
Alat Pemutar (3)
Frets (4)
"Neck" (Leher) (7)
Heel (Penghubung) (8)
Badan Gitar (9)
"Bridge" (12)
Bagian Belakang (14)
"Soundboard" (Bagian Penghasil Suara / kotak resonansi) (15)
Bagian Sisi (Samping) (16)
Lubang suara (17)
Senar (18)
"Saddle" (19)
"Fretboard" (Fingerboard) (20)

Setiap gitar rata-rata memiliki setelan nada yang berbeda. Hal ini bergantung kepada penggunaan gitar serta keinginan oleh pengguna gitar itu.

Nada yang paling umum digunakan adalah: E-B-G-D-A-E

Senar	Notasi Saintis	Notasi Umum	Frekuensi
Pertama	E₄	e'	329.63 Hz
Kedua	B₃	b	246.94 Hz
Ketiga	G₃	g	196.00 Hz
Keempat	D₃	d	146.83 Hz
Kelima	A₂	A	110 Hz
Keenam	E₂	E	82.41 Hz

Nada di atas berurut mulai dari senar pertama hingga senar keenam. Senar pertama memiliki nada paling tinggi, lalu hingga senar keenam yang memiliki nada paling rendah. Nada tersebut dapat dihasilkan dengan melakukan penyetelan pada gitar.

Apabila senar ditekan pada bagian frets, maka akan menghasilkan nada yang berbeda - beda. Berikut ini adalah tabel yang menunjukkan urutan

0	1	2	3	4	5	6	7	8	9	10	11	12
E	F	F♯	G	A♭	A	B♭	B	C	C♯	D	E♭	E
B	C	C♯	D	E♭	E	F	F♯	G	A♭	A	B♭	B
G	A♭	A	B♭	B	C	C♯	D	E♭	E	F	F♯	G
D	E♭	E	F	F♯	G	A♭	A	B♭	B	C	C♯	D
A	B♭	B	C	C♯	D	E♭	E	F	F♯	G	A♭	A
E	F	F♯	G	A♭	A	B♭	B	C	C♯	D	E♭	E

(source : id.wikipedia.org)

Musical Acoustics

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 13:39:00 +0700

Musical acoustics or music acoustics is the branch of acoustics concerned with researching and describing the physics of music – how sounds employed as music work. Examples of areas of study are the function of musical instruments, the human voice (the physics of speech and singing), computer analysis of melody, and in the clinical use of music in music therapy.

Methods and fields of study

Frequency Range of Music
Frequency analysis
Computer analysis of musical structure
Synthesis of musical sounds
Music cognition, based on physics (also known as psychoacoustics)

Physical aspects

Whenever two different pitches are played at the same time, their sound waves interact with each other – the highs and lows in the air pressure reinforce each other to produce a different sound wave. As a result, any given sound wave which is more complicated than a sine wave can be modelled by many different sine waves of the appropriate frequencies and amplitudes (a frequency spectrum). In humans the hearing apparatus (composed of the ears and brain) can usually isolate these tones and hear them distinctly. When two or more tones are played at once, a variation of air pressure at the ear "contains" the pitches of each, and the ear and/or brain isolate and decode them into distinct tones.

When the original sound sources are perfectly periodic, the note consists of several related sine waves (which mathematically add to each other) called the fundamental and the harmonics, partials, or overtones. The sounds have harmonic frequency spectra. The lowest frequency present is the fundamental, and is the frequency at which the entire wave vibrates. The overtones vibrate faster than the fundamental, but must vibrate at integer multiples of the fundamental frequency in order for the total wave to be exactly the same each cycle. Real instruments are close to periodic, but the frequencies of the overtones are slightly imperfect, so the shape of the wave changes slightly over time.

A spectrogram of a violin playing a note and then a perfect fifth above it. The shared partials are highlighted by the white dashes

Subjective aspects

Variations in air pressure against the ear drum, and the subsequent physical and neurological processing and interpretation, give rise to the subjective experience called sound. Most sound that people recognize as musical is dominated by periodic or regular vibrations rather than non-periodic ones; that is, musical sounds typically have a definite pitch). The transmission of these variations through air is via a sound wave. In a very simple case, the sound of a sine wave, which is considered to be the most basic model of a sound waveform, causes the air pressure to increase and decrease in a regular fashion, and is heard as a very pure tone. Pure tones can be produced by tuning forks or whistling. The rate at which the air pressure oscillates is the frequency of the tone, which is measured in oscillations per second, called hertz. Frequency is the primary determinant of the perceived pitch. Frequency of musical instruments can change with altitude due to changes in air pressure.

Pitch ranges of musical instruments

*This chart only displays to C0, though the Octocontrabass clarinet extends down to the B♭ below that C. Also some pipe organs, such as the Boardwalk Hall Auditorium Organ, extend down to C-1 (one octave below C0).

Scale of harmonics

Harmonics, partials, and overtones
The fundamental is the frequency at which the entire wave vibrates. Overtones are other sinusoidal components present at frequencies above the fundamental. All of the frequency components that make up the total waveform, including the fundamental and the overtones, are called partials. Together they form the harmonic series.

Overtones which are perfect integer multiples of the fundamental are called harmonics. When an overtone is near to being harmonic, but not exact, it is sometimes called a harmonic partial, although they are often referred to simply as harmonics. Sometimes overtones are created that are not anywhere near a harmonic, and are just called partials or inharmonic overtones.

The fundamental frequency is considered the first harmonic and the first partial. The numbering of the partials and harmonics is then usually the same; the second partial is the second harmonic, etc. But if there are inharmonic partials, the numbering no longer coincides. Overtones are numbered as they appear above the fundamental. So strictly speaking, the first overtone is the second partial (and usually the second harmonic). As this can result in confusion, only harmonics are usually referred to by their numbers, and overtones and partials are described by their relationships to those harmonics.

A half-wave symmetric and asymmetric waveform.

Harmonics and non-linearities
When a periodic wave is composed of a fundamental and only odd harmonics (f, 3f, 5f, 7f, ...), the summed wave is half-wave symmetric; it can be inverted and phase shifted and be exactly the same. If the wave has any even harmonics (0f, 2f, 4f, 6f, ...), it will be asymmetrical; the top half will not be a mirror image of the bottom.

Conversely, a system which changes the shape of the wave (beyond simple scaling or shifting) creates additional harmonics (harmonic distortion). This is called a non-linear system. If it affects the wave symmetrically, the harmonics produced will only be odd, if asymmetrically, at least one even harmonic will be produced (and probably also odd).

Harmony
If two notes are simultaneously played, with frequency ratios that are simple fractions (e.g. 2/1, 3/2 or 5/4), then the composite wave will still be periodic with a short period, and the combination will sound consonant. For instance, a note vibrating at 200 Hz and a note vibrating at 300 Hz (a perfect fifth, or 3/2 ratio, above 200 Hz) will add together to make a wave that repeats at 100 Hz: every 1/100 of a second, the 300 Hz wave will repeat thrice and the 200 Hz wave will repeat twice. Note that the total wave repeats at 100 Hz, but there is not actually a 100 Hz sinusoidal component present.

Additionally, the two notes will have many of the same partials. For instance, a note with a fundamental frequency of 200 Hz will have harmonics at: (200,) 400, 600, 800, 1000, 1200, …

A note with fundamental frequency of 300 Hz will have harmonics at: (300,) 600, 900, 1200, 1500, …

The two notes have the harmonics 600 and 1200 in common, and more will coincide further up the series.

The combination of composite waves with short fundamental frequencies and shared or closely related partials is what causes the sensation of harmony.

When two frequencies are near to a simple fraction, but not exact, the composite wave cycles slowly enough to hear the cancellation of the waves as a steady pulsing instead of a tone. This is called beating, and is considered to be unpleasant, or dissonant.

The frequency of beating is calculated as the difference between the frequencies of the two notes. For the example above, |200 Hz - 300 Hz| = 100 Hz. As another example, a combination of 3425 Hz and 3426 Hz would beat once per second (|3425 Hz - 3426 Hz| = 1 Hz). This follows from modulation theory.

The difference between consonance and dissonance is not clearly defined, but the higher the beat frequency, the more likely the interval to be dissonant. Helmholtz proposed that maximum dissonance would arise between two pure tones when the beat rate is roughly 35 Hz.

Scales
The material of a musical composition is usually taken from a collection of pitches known as a scale. Because most people cannot adequately determine absolute frequencies, the identity of a scale lies in the ratios of frequencies between its tones (known as intervals).

The diatonic scale appears in writing throughout history, consisting of seven tones in each octave. In just intonation the diatonic scale may be easily constructed using the three simplest intervals within the octave, the perfect fifth (3/2), perfect fourth (4/3), and the major third (5/4). As forms of the fifth and third are naturally present in the overtone series of harmonic resonators, this is a very simple process.

The following table shows the ratios between the frequencies of all the notes of the just major scale and the fixed frequency of the first note of the scale.

C	D	E	F	G	A	B	C
1	9/8	5/4	4/3	3/2	5/3	15/8	2

There are other scales available through just intonation, for example the minor scale. Scales which do not adhere to just intonation, and instead have their intervals adjusted to meet other needs are known as temperaments, of which equal temperament is the most used. Temperaments, though they obscure the acoustical purity of just intervals often have other desirable properties, such as a closed circle of fifths.

(source : en.wikipedia.org)

Guzheng : Alat Musik Tradisional China

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 13:31:00 +0700

Guzheng atau kecapi Cina termasuk alat musik tradisional Cina yang paling populer. Guzheng mempunyai bentuk seperti kotak yang cembung dan terbuat dari kayu sebagai kotak suara, diatasnya terbentang 21 senar. Di tengah senar tersebut ditempatkan pengganjal yang dapat digeser untuk menaikan atau menurunkan frekuensi nada. Senar-senar tersebut di setel pada nada pentatonis China yang terdiri dari nada: do, re, mi, sol dan la.

Sejarah

Si Maqian—ahli sejarah zaman dinasti Han—menulis bahwa sebelum dinasti Qin, Guzheng sudah menjadi alat musik popular untuk mengiringi lagu. Guzheng pada awalnya hanya memiliki 5 senar. Pada zaman dinasti Qin dan Han jumlah senarnya menjadi bertambah menjadi 12. Pada zaman dinasti Ming dan Qing jumlahnya bertambah lagi menjadi 14 – 16 . Standar Guzheng sekarang ini digunakan sejak tahun 1970 terdiri dari 21 senar.

Cara Memainkan

Guzheng dimainkan dengan cara dipetik. Jari-jari untuk memetik memakai alat bantu berupa kuku palsu terbuat dari tempurung kura-kura atau plastik. Tangan kanan umumnya dipergunakan untuk memainkan melodi, sedangkan tangan kiri untuk memainkan chord.

(Source : id.wikipedia.org)

Maya Hasan : Pemain Harpa Wanita Indonesia

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 13:09:00 +0700

Maya Hasan yang memiliki nama lengkap Maya Christina Worotikan Hasan (lahir di Hong Kong, 10 Januari 1972; umur 39 tahun) adalah pemain harpa Indonesia. Ia juga sempat bermain dalam film layar lebar Koper. Selain itu Maya juga aktif berperan dalam pentas teater.

BIOGRAFI

Bungsu lima bersaudara buah hati pasangan Mohamad Hasan (alm) dan Sri Mulyati ini mulai tertarik dengan harpa sejak SMP dan belajar harpa dari Heidy Awuy. Memang saat itu di Indonesia hanya ada dua orang yang terbilang master harpa, yaitu Awuy dan Ussy Piters anggota TNT Orchestra. Di tahun 1990, Maya melanjutkan sekolah ke Willamette University, Salem, Oregon, Amerika Serikat, mengambil jurusan Harp Performance. Selama menuntut ilmu, Maya juga tergabung dalam The Salem Chambers Orchestra, Salem, Oregon, Amerika Serikat. Maya juga sempat mendapat beberapa penghargaan seperti The Music Talent Award, The Stannus Music Award, The Violet Burlingham M.P.E. Award.

Wanita berdarah Cina, Kalimantan, Madura, dan Jawa ini pun kembali ke Indonesia usai menyelesaikan pendidikannya di tahun 1993, meski di Indonesia tidak banyak tempat untuk bermain harpa. Namun hal itu tak sepenuhnya benar. Sekembalinya ke Indonesia, Maya kerap diundang tampil bersama dengan beberapa orkestra musik klasik seperti Nusantara Chamber Orchestra, Twilite Orchestra, Malaysia Philharmonic Orchestra, Surabaya Symphony Orchestra, Erwin Gutawa Orchstra, dan The World Harp Ensemble bersama empat harpis dari Kanada, Jepang, Puerto Rico, dan Amerika Serikat, selain beberapa resital solo harpa maupun gabungan.

Di tahun 2000, Maya merilis album rekaman Sea Breeze bersama kelompok musik bentukannya, Celtic. Sayang album ini tak terlalu meledak di pasar, namun cukup mengenalkan Maya pada publik Indonesia. Nama Maya mulai melejit kala mengisi "Kasih Tak Sampai" di album Sesuatu Yang Tertunda (2001) milik Padi. Maya juga pernah terlibat dalam pentas teater EKI Produciton memainkan lagu "Harp For Sale" yang masuk dalam album Gallery of Kisses (2002). Maya juga pernah sibuk melatih anak-anak dalam pementasan seni berjudul Bajak Laut Pulau Boli Boli.

PENGHARGAAN

The Music Talent Award
The Stannus Music Award
The Violet Burlingham M.P.E. Award
Golden Musician Award - PAMI
Perempuan Pilihan Metro TV
Indonesia Tattler Society

(source : id.wikipedia.org)

HARPA

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 12:52:00 +0700

Harpa atau dalam bahasa Inggris disebut dengan Harp adalah merupakan jenis alat musik petik. Seringkali alat musik ini diilustrasikan bersama dengan para malaikat. Bentuknya tinggi, umumnya berwarna emas, dan memiliki senar. Biasanya berbentuk dasar segitiga. Seringkali hadir bersamaan dengan orkestra simfoni, bersamaan dengan suara vokal, suara flute, atau bisa juga dengan jazz bass dan drum.

Sebuah harpa dapat dimainkan baik dengan tangan, ataupun dengan tangan dan kaki, seperti yang ditemui pada pedal harp. Harpa dapat dimainkan secara solo, atau bisa juga dalam bagian sebuah ensemble.

Namun lepas dari keseluruhan itu, baik dimana ataupun bagaimana harpa dimainkan, Harpa dapat menciptakan sebuah dentingan yang sangat indah.

Harpa memiliki berbagai jenis variasi bentuk, ukuran, dan berat. Namun kesemuanya itu tetap memiliki tiga bagian utama, yaitu:

Papan suara (Sound board)
Leher (Neck)
Senar (String)

Harpa Modern biasanya berbentuk triangular. Variasi ukuran sebuah harpa bisa mencapai dua kaki (60 cm) hingga enam kaki (180 cm) dan memiliki 22 sampai 47 buah senar. Harpa dengan ukuran yang lebih kecil bisa dipangku sambil dimainkan. Sedangkan yang berukuran besar biasanya diletakkan di lantai.

Harpa dapat ditemui dengan bentuk dan ukuran yang lebih variatif dibandingkan dengan alat musik/ instrumen lain. Harpa merupakan salah satu intrument yang tertua, dan konon telah digunakan sejak zaman Mesir kuno, dan untuk jenis Harpa yang terbaru, adalah Harpa Elektrik.

(source : id.wikipedia.org)

Composer

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 00:30:00 +0700

A composer (Latin com+ponere, literally "one who puts together") is a person who creates music, either by musical notation or oral tradition, for interpretation and performance, or through direct manipulation of sonic material through electronic media. The level of distinction between composers and other musicians varies, which affects issues such as copyright and the deference given to individual interpretations of a particular piece of music.In the development of European music, the function of composing music initially did not have much greater importance than that of performing it.The preservation of individual compositions did not receive enormous attention and musicians generally had no qualms about modifying compositions for performance. Over time, however, the written notation of the composer came to be treated as strict instructions from which performers should not deviate without good practical or artistic reason. Performers do, however, play the music and interpret it in a way that is all their own. In fact, in the concerto form, the soloist would often compose and perform a cadenza as a way to express their individual interpretation of the piece.

Inasmuch as the role of the composer in western art music has seen continued solidification, in alternative idioms (i.e. jazz, experimental music) it has in some ways become increasingly complex or vague. For instance, in certain contexts - the line between composer and performer, sound designer, arranger, producer, and other roles - can be quite blurred.

The term "composer" is often used to refer to composers of instrumental music, such as those found in classical, jazz or other forms of art and traditional music. In popular and folk music, the composer is usually called a songwriter, since the music generally takes the form of a song. Since the mid-20th century, the term has expanded to accommodate creators of electroacoustic music, in which composers directly create sonic material in any of the various electronic media. This is distinct from instrumental composition, where the work is represented by a musical score to be interpreted by performers.

DEBU

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 8 Dec 2011 00:19:00 +0700

DEBU

Debu adalah kelompok pemusik muslim Sufi yang anggotanya berasal dari berbagai negara. Pertama kali tampil pada tahun 2001 dan sekarang berbasis di Indonesia. Kelompok musik Debu saat ini beranggotakan 12 orang, masing-masing 6 orang laki-laki dan 6 orang perempuan. Sebagian besar anggota Debu berasal dari Amerika Serikat, tetapi ada juga anggota yang berasal dari Swedia, Inggris, dan terakhir, bergabung juga anggota dari Indonesia. Musik yang dimainkan Debu kaya nuansa dengan dentaman rebana pada paduan alunan irama ala Timur Tengah, country, bahkan jazz dan world music. Berbagai alat musik dari berbagai negara turut melengkapi keragaman musik mereka, seperti santur dari Iran, tambura dari Turki, gendok-gendok dari Sulawesi Selatan digabungkan dengan harmonis bersama harpa, biola, bass dan berbagai jenis perkusi. Sedangkan lirik-lirik lagunya sufistik, mistis, lahir dari kalbu yang mabuk cinta dan kerinduan pada Allah SWT.

Kelompok musik ini lahir di Amerika Serikat di bawah bimbingan Syekh Fattaah, pendiri Debu sekaligus guru tasawwuf mereka. Saat di Amerika Serikat, nama kelompok musik mereka adalah Dust on the Road atau Debu di Jalanan. Personel Dust on the Road adalah orang tua sebagian besar personel Debu yang sekarang. Mereka hijrah ke Indonesia pada tahun 1999. Setelah di Indonesia mereka mengubah nama mereka menjadi Debu dengan perubahan formasi. Beberapa personel terdahulu adalah pengajar di pesantren milik Universitas Muslim Indonesia di Makassar.

Album pertama Debu adalah Mabuk Cinta (2003) dalam dua bahasa, bahasa Indonesia dan bahasa Arab. Album perdana ini berisi 10 lagu termasuk single pertama, "Cinta Saja". Setahun kemudian mereka merilis album kedua bertajuk Makin Mabuk (2004) dalam dua bahasa, bahasa Indonesia dan bahasa Inggris. Album ini berisi 13 lagu, antara lain "Pesta Asyik", "Angin Sepoi-sepoi", "Astagfirullah", "Ayolah Jiwa yang Tenang", "Biduan IstanaNya", "Gerbang Tol", "Mabuk-Mabuk", "Salawat Buat Ahmad", serta "Ucapkanlah Bersama".

Pada tahun 2006, Debu kembali merilis album ketiga bertajuk Nyawa dan Cinta (2006). Tak seperti dua album sebelumnya, album ini hanya berisi lagu dalam bahasa Indonesia saja. Sepuluh lagu dalam album ini yaitu "Agama", "Babun Nikmat", "Dendang Sufi", "Harta Dalam Puing", "Jangan Duduk", "Kami Tak Keluar", "Kemerdekaan", "Tobat Berkali-kali", "Sallallahu Sallallahu", serta lagu "Nyawa dan Cinta". Setahun kemudian Debu kembali merilis album bertajuk Gubahan Pecinta (2007) yang yang berisi 13 lagu dalam bahasa Indonesia, bahasa Turki, bahasa Arab, bahasa Inggris, bahasa Cina, dan bahasa Italia. Pada tahun yang sama, Debu juga merilis album yang menjadi album dalam bahasa Turki pertama mereka. Album ini bertajuk Hep Beraber (Ucapkanlah Bersama).

(Source : id.wikipedia.org)

Ilmu Bentuk Musik

noreply@blogger.com (hell) — Wed, 7 Dec 2011 14:26:00 +0700

Bentuk Musik atau Ilmu Bentuk Musik adalah bagian dari Teori Musik, dibedakan dengan ilmu musik lainnya seperti Ilmu Kontrapun, Ilmu Harmoni, Ilmu Orkestrasi, Ilmu Cipta Lagu.

Lingkup Pembahasan Ilmu Bentuk Musik

Struktur Lagu

Suatu lagu,seperti halnya karangan terdiri atas Bab, kalimat, anak kelimat, kata, dst., maka lagu juga dibagi dalam: Kalimat (verse atau bridge), segmen, dan yang terkecil adalah pola (motif).

Kalimat: Kalimat awal dan Kalimat akhir

Dalam suatu karangan buku dikenal Praragraf, dan ini adalah yang disebut Kalimat dalam musik. Umumnya suatu kalimat terdiri atas 8 birama, di mana dibagi menjadi: Kalimat awal (4 birama) dan Kalimat akhir (4 birama). Bisa juga terdiri atas: Kalimat awal, Kalimat tengah, dan Kalimat akhir.

Proposta dan Riposta

Proposta (tanya) atau kalimat awal (4 birama) dan Riposta (jawab) atau kalimat akhir (4 birama), sering menjadi ungkapan yang berpasangan, artinya suatu pertanyaan selalu dijawab. Jadi dapat diartikan, bahwa Proposta dan Riposta sebagai pasangan pantun, yang satu bertanya dan yang satu menjawab.

Sebagai contoh lagu ANAK KAMBING SAYA (NN, NTT):

Proposta : Mana di mana anak kambing saya (seolah-oleh menyatakan)

Riposta : Anak kambing Tuan ada di Kampung saya (seolah-oleh menjawab)

Contoh lain, lagu MAJU TAK GENTAR - C. Simanjuntak:

Proposta : Maju tak gentar (seolah-olah menyatakan)

Riposta : Hak kita diserang (seolah-olah menjawab)

Contoh lain, INDONESIA RAYA - WR Supratman:

Proposta : Indonesia tanah airku (seolah-olah menyatakan)

Riposta : Tanah tumpah darahku (seolah-olah menjawab)

Bentuk Komposisi Musik

Musik Polifoni

Dalam musik Polifoni, maka Tema = Proposta, dan Jawab = Riposta

Kanon
Kanon adalah bentuk sederhana dari musik polifoni, dengan struktur: Tema Jawab Kontrapun Kontrapun

Tema Jawab Kontrapun Kontrapun

Fuga
Fuga mempunyai struktur sbb :

* Fuga Dua Suara adalah sebagai berikut :

Tema Kontrapun
Jawab

* Fuga Tiga Suara adalah sebagai berikut :

Tema Kontrapun Kontrapun
Jawab Kontrapun
Tema

* Fuga Empat Suara adalah sebagai berikut :

Tema Kontrapun Kontrapun Kontrapun
Jawab Kontrapun Kontrapun
Tema Kontrapun
Tema

Invention
Invention artinya saling mengisi, misalnya dalam invention untuk piano maka tangan kiri saling mengisi dengan tangan kanan.

Praeludium
Praeludium atau Prelude adalah satu ciptaan yang disusun tidak dengan tema dan kontrapun, namun disusun atas pola irama atau struktur irama. Misalnya PRELUDE in C Minor - J S Bach.

Musik Homofoni

Bentuk Lagu
1. Satu Bagian: terdiri atas satu kalimat misal Verse A
2. Dua Bagian: terdiri atas dua kalimat misal Verse A-Verse B
3. Tiga Bagian: terdiri atas tiga kalimat misal Verse A-Bridge B-Verse A atau Verse A-Verse B-Verse C

Bentuk Rondo
Rondo (Perancis: Roundeau) adalah suatu nyanyian bergantian yang lahir pada Abad XII-XIII di Perancis. Sekarang merupakan bentuk ciptaan.

Pola dasar adalah:
Refrain - Couplet - Refrain - Couplet - Refrain

Kalau dengan Pengolahan menjadi :
Refrain - Couplet - Refrain - Pengolahan - Refrain - Couplet - Refrain

Kalau dengan Pengolahan dan Coda menjadi :
Refrain - Couplet - Refrain - Pengolahan - Refrain - Couplet - Refrain - Coda

Tema dan Variasi
Tema dan variasi adalah suatu ciptaan memakai dasar suatu Tema yang sederhana dan mudah diingat polanya, umumnya lagu rakyat atau lagu 16 birama.
Strukturnya : Tema - Var1 - Var2 - Var3 - Var4 - Var5 (dst) - Coda - Penutup

Bentuk Sonata
Bentuk dasar adalah:
1. Eksposisi
2. Pengolahan
3. Repetisi

Bentuk Campuran
Bentuk Campuran (Belanda: Meng-vorm; Inggris: Combine Form) adalah campuran bentuk musik, misalnya:
1. Campuran SONATA dan RONDO
2. Campuran SONATA dan VARIASI
3. Campuran LAGU dan RONDO
4. Campuran SONATA dan LAGU
Frederic Chopin dalam ciptaannya sering memakai bentuk campuran.

Musik Konser

Sonata
Sonata adalah karya musik untuk alat musik tunggal atau duet, umumnya dipentaskan pada suatu ruangan, bukan panggung konser.
Bentuk umum:
Bagian 1. Gerakan Cepat (Sonata Form)
Bagian 2. Gerakan Lambat (Bentuk Lagu Tiga Bagian)
Bagian 3. Gerakan Cepat Sekali (Bentuk Rondo)

Konserto
Konserto adalah karya musik untuk alat musik tunggal atau lebih dengan iringan orkestra.
Bentuk umum:
Bagian 1. Gerakan Cepat (Sonata Form)
Bagian 2. Gerakan Lambat (Bentuk Lagu Tiga Bagian)
Bagian 3. Gerakan Cepat Sekali (Bentuk Rondo)
Cadenza adalah bagian yang disediakan oleh komponis untuk soloist untuk memamerkan kepandian teknis maupun komposisi, yaitu berupa permainan solo berimprovisasi. Namun pihak ketiga kadang-kadang yang membuat cadenza ini.

Simfoni
Simfoni adalah karya musik untuk orkestra dan dipentaskan dipanggung,
Bentuk umum:
Bagian 1. Gerakan Cepat (Sonata Form)
Bagian 2. Gerakan Lambat (Bentuk Lagu Tiga Bagian)
Bagian 3. Gerakan Tarian (Bentuk Lagu Tiga Bagian dg Trio)
Bagian 4. Finale - Gerakan Cepat Sekali (Bentuk Rondo)

Syair Simfoni
Sangat populer di Era Romantik (1825-1910), berupa karya simfoni dengan alur cerita, bentuk bebas tidak mengikat dengan berbagai bentuk2.

Musik Nyanyian/Vokal

Nyanyian Tunggal
Lagu atau Nyanyian Tunggal (Jerman: Lied; Inggris: Song) adalah sajian nyanyian dengan iringan piano. Misalnya lagu seriosa.

Paduan Suara
Biasanya berupa Paduan Suara iringan orkes, misalnay MISA, REKUIM, KANTATA, ORATORIA, dlsb.

Opera
Opera adalah Sandiwara Nyanyi atau Pentas Musik. Dalam opera terdapat: Overtur (Pembuka) - Nyanyian Tunggal (Aria, Bel Canto) - Nyanyian Paduan Suara - Nyanyian Duet - Nyanyian Trio - Recitative (setengah deklamasi) - Tarian (balet) - dlsb. Pada Era Romantik (1825-1910) Opera berkembang pada masa keemasan, komponis antara lain Verdi, Wagner, Puccini, dlsb.

Musik Polka dan Walsa Wina, serta Mars
Polka dan Walsa adalah musik khas Wina. Sedangkan Mars ada di semua negara, namun contoh yang baik adalah dari USA.

Polka
Polka Wina adalah suatu tarian atau dansa yang cepat seperti jingkrak-jingkrak, ciptaannya juga dikuasai oleh ciptaan keluarga Strauss (lebih dari 400 buah)
Bentuk Umum: Polka - Trio - Finale - Coda

Walsa
Walsa Wina umumnya diciptakan oleh keluarga Strauss lebih dari 800 buah (Johan Strauss)
Bentuk Umum: Intro - Walsa1 - Walsa2 - Walsa3 - Walsa4 - Walsa 5 - Coda

Mars
Mars berkembang di USA, dengan tokoh John Pillips Su(USA), seorang Amerika keturunan Portugis.
Bentuk Umum: Intro - Mars1 - Mars2 - Coda

(source : id.wikipedia.org)

Italian Opera Composer : Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini

noreply@blogger.com (hell) — Fri, 15 Jul 2011 20:23:00 +0700

Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini

Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (3 November 1801 – 23 September 1835) was an Italian opera composer. His greatest works are I Capuleti ed i Montecchi (1830), La sonnambula (1831), Norma (1831), Beatrice di Tenda (1833), and I puritani (1835). Known for his long-flowing melodic lines, for which he was named "the Swan of Catania," Bellini was the quintessential composer of bel canto opera.

LIFE

Born in Catania, Sicily, Bellini was a child prodigy from a highly musical family and legend has it he could sing an aria of Valentino Fioravanti at eighteen months. He began studying music theoryat two, the piano at three, and by the age of five could apparently play well. Bellini's first five pieces were composed when he was just six years old. Regardless of the veracity of these claims, it is certain that Bellini grew up in a musical household and that a career as a musician was never in doubt.

Bellini spent the next years, 1827–33 in Milan, where all doors were open to him. Sparking controversy in the press for its new style and its restless harmonic shifts into remote keys, La straniera (1828) was even more successful than Il pirata, and allowed Bellini to support himself solely by his opera commissions. The composer showed the taste for social life and the dandyism that Heinrich Heine emphasized in his literary portrait of Bellini (Florentinische Nächte, 1837). Opening a new theatre in Parma, his Zaira (1829) was a failure at the Teatro Ducale, but Venice welcomed I Capuleti e i Montecchi, which was based on the same Italian source as Shakespeare's Romeo and Juliet. The next five years were triumphant, with major successes with his greatest works, La sonnambula,Norma and I puritani, cut short by Bellini's premature death.

Bellini died in Puteaux, near Paris of acute inflammation of the intestine, and was buried in the cemetery of Père Lachaise, Paris; his remains were removed to the cathedral of Catania in 1876. The Museo Belliniano housed in the Gravina Cruyllas Palace, in Catania, preserves memorabilia and scores. Having learned from his grandfather, Bellini left provincial Catania in June 1819 to study at the conservatory in Naples, with a stipend from the municipal government of Catania. By 1822 he was in the class of the director Nicolò Zingarelli, studying the masters of the Neapolitan school and the orchestral works of Haydn and Mozart. It was the custom at the Conservatory to introduce a promising student to the public with a dramatic work: the result was Bellini's first opera Adelson e Salvini an opera semiseria that was presented at the Conservatory's theatre. Bellini's next opera, Bianca e Gernando, met with some success at the Teatro San Carlo, leading to a commission from the impresario Barbaia for an opera at La Scala. Il pirata was a resounding immediate success and began Bellini's faithful and fruitful collaboration with the librettist and poet Felice Romani, and cemented his friendship with his favored tenor Giovanni Battista Rubini, who had sung in Bianca e Gernando.

WORKS

In 1999, the Italian music publisher Casa Ricordi, in collaboration with the Teatro Massimo Bellini in Catania, embarked on a project to publish critical editions of the complete works of Bellini. ===Operas===

Title	Genre	Acts	Libretto	Première (date)	Première (place)
Adelson e Salvini	opera semiseria	3 acts	Andrea Leone Tottola	12 (?) February 1825	Naples, Teatro del Conservatorio di San Sebastiano
Bianca e Gernando	melodrama	2 acts	Domenico Gilardoni	30 May 1826	Naples, Teatro San Carlo
Il pirata	melodramma	2 acts	Felice Romani	27 October 1827	Milan, Teatro alla Scala
Bianca e Fernando (revision of Bianca e Gernando)	melodramma	2 acts	Felice Romani	7 April 1828	Genoa, Teatro Carlo Felice
La straniera	melodramma	2 acts	Felice Romani	14 February 1829	Milan, Teatro alla Scala
Zaira	tragedia lirica	2 acts	Felice Romani	16 May 1829	Parma, Teatro Ducale
I Capuleti e i Montecchi	tragedia lirica	2 acts	Felice Romani	11 March 1830	Venice, Teatro La Fenice
La sonnambula	opera semiseria	2 acts	Felice Romani	6 March 1831	Milan, Teatro Carcano
Norma	tragedia lirica	2 acts	Felice Romani	26 December 1831	Milan, Teatro alla Scala
Beatrice di Tenda	tragedia lirica	2 acts	Felice Romani	16 March 1833	Venice, Teatro La Fenice
I puritani	melodramma serio	3 acts	Carlo Pepoli	24 January 1836	Paris, Théâtre-Italien

Songs

The following fifteen songs were published as a collection, Composizioni da Camera, by Casa Ricordi in 1935 on the centenary of Bellini's death.

Six Early Songs:
- "La farfalletta" - canzoncina
- "Quando incise su quel marmo" - scena ed aria
- "Sogno d'infanzia" - romanza
- "L'abbandono" - romanza
- "L'allegro marinaro - ballata
- "Torna, vezzosa fillide" - romanza

Tre Ariette:
- "Il fervido Desiderio"
- "Dolente immagine di Fille mia"
- "Vaga luna, che inargenti"

Sei Ariette:

"Malinconia, Ninfa gentile"
"Vanne, o rosa fortunata"
"Bella Nice, che d'amore"
"Almen se non poss'io"
"Per pietà, bell'idol mio"
"Ma rendi pur contento"

(Source : en.wikipedia.org)

Middle Romantic era composers (born 1820-1839)

noreply@blogger.com (hell) — Fri, 15 Jul 2011 19:55:00 +0700

Henri Vieuxtemps (1820–1881), Belgian composer and violinist
Giovanni Bottesini (1821–1889), Italian conductor, composer and double bass virtuoso
Emilie Hammarskjöld (1821–1854), Swedish composer, consert pianist and organist
Joachim Raff (1822–1882), Swiss-born German composer, best known for eleven symphonies, most of them program music
César Franck (1822–1890), Belgian-born French composer, noted for his Symphony, also a significant composer for the organ
Édouard Lalo (1823–1892), French composer remembered for his Symphonie Espagnole for violin and orchestra and his Cello Concerto
Anton Bruckner (1824–1896), Austrian composer of nine large-scale symphonies (one incomplete) and two more unacknowledged
Bedřich Smetana (1824–1884), Czech nationalist composer, perhaps best known for his cycle of symphonic poems, Má vlast and his opera The Bartered Bride
Carl Reinecke (1824-1910), German composer, conductor and pianist, best known for his attachment to classical forms and conductedGewandhausorchester for nearly 35 years
Jean-Baptiste Arban (1825–1889), French virtuoso cornetist, wrote the "Grande méthode complète pour cornet à pistons et de saxhorn" now referred to as the "Trumpeter's Bible"
Johann Strauss II (1825–1899), Austrian composer known as "The Waltz King", composed The Blue Danube and opera Die Fledermaus, son of the composer Johann Strauss I and elder brother of Josef Strauss and Eduard Strauss
Ivar Christian Hallström (1826–1901), Swedish opera composer
Josef Strauss (1827–1870), Austrian composer and younger brother of Johann Strauss II
Adolphe Blanc (1828–1885), French composer of chamber music
Anton Rubinstein (1829–1894), Russian conductor, composer and pianist
Louis Moreau Gottschalk (1829–1869), American composer famous for performing his own romantic piano works
Karl Goldmark (1830–1915), Hungarian composer
Hans Guido Freiherr von Bülow (1830–1894), German conductor, composer and virtuoso pianist
Jan Gerard Palm (1831–1906), Curaçao born composer, best known for his mazurkas, waltzes, danzas, tumbas, fantasies, and serenades.
August Söderman (1832–1876), Swedish composer, best known for his lieder and choral works
Alexander Borodin (1833–1887), Russian chemist and nationalist composer, wrote the opera Prince Igor
Johannes Brahms (1833–1897), German composer, one of the leading musicians of the Romantic period, famous for his working under and of being compared to Beethoven, and his most influential works include the four symphonies, Violin Concerto (Brahms), two piano concertos, and Double Concerto in A minor for Violin, Cello and Orchestra (1887), aside from his other orchestral works, numerous chamber music and piano music pieces and lieder.
Amilcare Ponchielli (1834–1886), Italian opera composer known for La Gioconda
Julius Reubke (1834–1858), German piano and organ composer, known for Sonata on the 94th Psalm
Camille Saint-Saëns (1835–1921), French pianist and composer, renown for his Organ Symphony, as well asDanse Macabre and The Carnival of the Animals
Henryk Wieniawski (1835–1880), Polish composer and violinist, famous for two concertos and character pieces of exceptional difficulty
Eduard Strauss (1835–1916), Austrian composer and younger brother of Johann Strauss II and Josef Strauss
César Antonovich Cui (1835–1918), Russian army officer, music critic, composer in Russian Five
Friedrich Baumfelder (1836–1916), German piano, choral, and orchestra composer, in his day known for his 'Tirocinium musicae' and today known for his 'Melody in F major'
Léo Delibes (1836–1891), one of the first significant ballet composers since the Baroque music, known for Coppélia, Sylvia, and Lakmé
Bertha Tammelin (1836–1915), Swedish composer, consert pianist and opera singer
Julius Weissenborn (1837–1888), German bassoonist, composer and music teacher, famous for his Practical Bassoon School
Émile Waldteufel (1837–1915), French composer of light music
Mily Balakirev (1837–1910), Russian nationalist composer and leader of the Russian Five
Georges Bizet (1838–1875), French composer of the opera Carmen
Max Bruch (1838–1920), German composer, known for his Violin Concerto No. 1, Scottish Fantasy, and Kol Nidrei for cello and orchestra
Modest Mussorgsky (1839–1881), Russian nationalist composer known for his intensely nationalist works including his opera Boris Godunov, and Pictures at an Exhibition, part of Russian Five
John Knowles Paine (1839–1906), first native-born American composer to acquire fame for his large-scale orchestral music

(Source : en.wikipedia.org)

Bon Jovi

noreply@blogger.com (hell) — Fri, 15 Jul 2011 19:46:00 +0700

Bon Jovi adalah kelompok musik rock dari New Jersey, Amerika Serikat. Mereka telah menjual lebih dari 40 juta album di Amerika Serikat dan lebih dari 120 juta keping album di seluruh dunia sejak berdirinya pada tahun 1984.

Anggota sekarang

Jon Bon Jovi - vokalis, gitaris
Richie Sambora - gitaris, backing vocal
Tico Torres - drummer, pemain perkusi
David Bryan - keyboardis, backing vocal

Mantan anggota

Alec John Such - bassis

Sejarah

Awal mula
Kisah Bon Jovi bermula dari daerah Sayreville, New Jersey. Ketika itu Jon Bon Jovi (vokalis dan gitaris Bon Jovi) dan kedua saudaranya diangkat oleh Carol dan John Bongiovi. Sejak umur 10, Jon kecil sering ke klub lokal. Ia yakin suatu hari ia akan menjadi bintang rock. Panggungnya sangat dekat dengan rumah Jon. Saat berusia 16 tahun, Jon bermain dari satu klub ke klub lainnya. Namun, tak perlu waktu lama untuk menggaet David Bryan (keyboardis Bon Jovi). Bryan memainkan lagu-lagu R&B, dan bandnya adalah Atlantic City Expressway. Jon juga bermain bersama The Rest, The Lechers, dan John Bongiovi And The Wild Ones. Sementara itu, Richie Sambora (gitaris Bon Jovi) bergabung dalam band Extreme, band dengan sedikit sentuhan funk dan fusion outfit, sebelum menggaet Alec John Such (mantan bassis Bon Jovi) ke dalam band bernama The Message. Setelah The Message pecah, Alec bergabung bersama Tico Torres (drummer Bon Jovi) dalam Phantom's Opera. Namun formasi inti Bon Jovi belum terbentuk sampai Maret 1983. Pada suatu saat yang tepat, tempat yang tepat, dan orang yang tepat, Jon bekerja sebagai penyapu lantai pada sebuah studio rekaman. Jon telah menulis Runaway, dan dengan back-up orang studio yang disewa sepupu Jon, Tony Bongiovi, Jon merekam Runaway. 5 orang yang membantu Jon merekam Runaway adalah : Dave "The Snake" Sabo (gitaris), Tim Pierce (gitaris), Hugh McDonald (bassis), Roy Bittan - (keyboardis), dan Frankie LaRocha - (drummer). Stasiun radio lokal memperkenalkan Runaway pada pita kompilasi. Segera lagu itu sering diputar di radio karena diminta pendengarnya. Kesuksesan dari Runaway membuat Jon berfikir, ia harus punya personil inti jika ingin sukses dengan melakukan perjalanan antar klub untuk mendukung singelnya itu. Mulanya, Jon menarik Alec dan Tico, lalu David Bryan (sebelumnya sudah masuk), lalu gitaris Dave "The Snake" Sabo, yang kemudian masuk ke Skid Row, dan akhirnya, Dave diganti oleh Richie. Mereka memulai pertunjukan di New York. Band ini akhirnya bergabung dengan perusahaan rekaman Derek Shulman dengan PolyGram-nya. Band ini mulanya bernama Victor, John Lightening, Jon Bongiovi's, dan akhirnya berubah nama menjadi Bon Jovi.

1980-an
Album pertama mereka dinamai sesuai nama band mereka, yaitu Bon Jovi. Album ini dirilis tanggal 21 Januari 1984. Ciri khas Bon Jovi adalah musik rock ballad, memberikan tune-tune dan mendahulukan riff-riff gitar serta menciptakan melodi yang baik. Hasilnya album ini meraih gold karena berhasil terjual sebanyak 500 ribu keping. Album yang terasa berat dan penuh penjiwaan ini bercerita tentang bagaimana menjadi seorang anak remaja. Album ini menelurkan 2 hit, yaitu Runaway dan She Don't Know Me. Pada tahun 1985, Bon Jovi merilis album 7800° Fahrenheit, yang terjual kurang lebih sama seperti album sebelumnya. Album ini memperkenalkan hit singles berjudul Hardest Part Is The Night, Only Lonely, Tokyo Road, dan Silent Night. Setahun kemudian, lagi-lagi Bon Jovi mengeluarkan album. Kali ini berjudul Slippery When Wet, yang menghasilkan hits Livin' On A Prayer dan Wanted Dead Or Alive. Album ini telah terjual sebanyak 26 juta copies di seluruh dunia sampai sekarang. Album Slippery When Wet menduduki tangga album teratas di Amerika Serikat. Tahun 1988, Bon Jovi kembali dengan album berjudul New Jersey. Album ini mencetak singles Lay Your Hands On Me, Bad Medicine, I'll Be There For You, dan Born To Be My Baby. Album ini juga meraih peringkat album teratas di Amerika Serikat. Prestasi sama juga ditorehkan di Inggris. Album ini sudah terjual sebanyak 18 juta keping.

1990-an
Selama 6 tahun Bon Jovi tidak merilis album. Tidak heran kalau berkembang rumor bahwa Bon Jovi sudah bubar. Lagipula, vokalis sekaligus gitaris Bon Jovi, Jon Bon Jovi, memiliki proyek solo yaitu album Blaze Of Glory yang merupakan sountrack film Young Guns II, yang berhasil meraih predikat "The Best Sountrack Album". Album ini berhasil menghasilkan hits Blaze Of Glory. Untuk menuntaskan rumor itu, pada tahun 1992, Bon Jovi mengeluarkan album yang kali ini diberi tajuk Keep The Faith. Album ini mencetak hits berjudul Keep The Faith, In These Arms, Dry Country, dan Bed Of Roses. Peringkat no.1 tangga album di Inggris berhasil diraih album ini. 2 tahun kemudian, Bon Jovi merilis album Cross Road. Materi album ini adalah lagu-lagu hits dari tahun 1984-1992 ditambah 2 lagu baru, yaitu Always dan Someday I'll Be Saturday Night. Track 10 dirilis berbeda-beda di beberapa wilayah. Di Jepang Track 10 adalah Tokyo Road dari album 7800° Fahrenheit. Di Amerika Serikat, ada Prayer'94 (remix dari lagu Livin' On A Prayer dalam album Slippery When Wet). Di negara-negara lain adalah In These Arms (Keep The Faith). Album ini juga meraih peringkat album nomor wahid di Inggris. Pada bulan Juli 1995, Bon Jovi kembali dengan album These Days. Lagi-lagi album ini laris-manis karena hits berjudul This Ain't A Love Song dan Lie To Me. Namun, posisi sang pencabik bas, Alec John Such, diganti oleh Hugh McDonald (anggota tidak resmi) karena ketergantungan kepada obat terlarang. Album ini juga berhasil menduduki tangga album teratas di Inggris. Pada tahun 1997, Jon Bon Jovi mengeluarkan album solo keduanya yang berjudul Destination Anywhere.

2000-an
Setelah 3 tahun vakum, Bon Jovi kembali pada tahun 2000 dengan album Crush. Album ini meledak di seluruh dunia dengan hitsnya yaitu It's My Life, Thank You For Loving Me,Next 100 Years,One Wild Night,Just Older. Album ini terjual 15 juta keping di seluruh dunia dan meraih peringkat tangga album teratas di Inggris. Tahun 2002, Bon Jovi merilis album Bounce yang berhasil mempopulerkan hits Everyday, Misunderstood, dan All About Lovin' You. Album ini nuansa rocknya tidak terlalu pelan, juga tidak terlalu keras. Pada November 2003, Bon Jovi merilis album This Left Feels Right. Materinya adalah lagu-lagu lama yang diaransemen ulang dari tahun 1984-2002. Pada September 2005, mereka merilis album Have A Nice Day. Hitsnya adalah Have A Nice Day, Last Cigarette, I Want To Be Loved, Welcome To Wherever You Are, I Am, dan Who Says You Can't Go Home. Pada pekan pertama, album Have A Nice Day terjual sebanyak 202 ribu keping. Lagu Who Says You Can't Go Home meraih penghargaan Grammy, yaitu "The Best Country Collaboration With Vocal". Bon Jovi kembali membuat album terbaru pada tahun 2007, yang berjudul Lost Highway. Hitsnya adalah (You Want To) Make A Memory. Walaupun enak didengar, hanya satu lagu yang melodinya kuat, yaitu Til We Ain't Strangers Anymore. Lagu lainnya berunsur rock yang ditambah dengan musik country di sana-sini. Nuansa rock dalam album ini serba tanggung, karena tidak terlalu keras, juga tidak terlalu pelan. Dalam album ini, Bon Jovi berkolaborasi dengan 2 musisi country, yaitu Big & Rich dan Le-Ann Rimes. Album ini mencatat prestasi penjualan album Bon Jovi terbanyak dalam sepekan yang berjumlah 292 ribu.

situs resmi : http://www.bonjovi.com/

(sumber : id.wikipedia.org)

Early Romantic era composers (born 1800-1819)

noreply@blogger.com (hell) — Fri, 15 Jul 2011 19:42:00 +0700

Vincenzo Bellini (1801–1835), Italian opera composer, known for I Puritani, Norma and La sonnambula among others
Jean-Baptiste Duvernoy (1802–1880), French composer and pianist
Eliza Flower (1803–1846), English composer
Adolphe Adam (1803–1856), French composer best known for his ballet score Giselle
Hector Berlioz (1803–1869), French composer famous for his programmatic symphony, the Symphonie Fantastique
Henri Herz (1803–1888), Austrian composer and pianist
Franz Lachner (1803–1890), German composer and conductor, brother of Ignaz Lachner
Mikhail Glinka (1804–1857), Russian nationalist composer, wrote operas such as A Life for the Tsar
Johann Strauss I (1804–1849), Austrian dance music composer famous for the Radetzky March
Fanny Mendelssohn (1805–1847), sister of Felix Mendelssohn, German composer and pianist, remarkable for her vocal compositions and chamber music
Johann Friedrich Franz Burgmüller (1806–1874), German composer and pianist, brother of Norbert Burgmüller
Ignaz Lachner (1807–1895), German conductor, composer and organist, a prolific composer, notable for his chamber music
Michael William Balfe (1808–1870), Irish conductor and composer, remembered for his opera The Bohemian Girl
Felix Mendelssohn (1809–1847), brother of Fanny Mendelssohn, German conductor, music-director, composer and pianist, known for hisViolin Concerto and the Wedding March from A Midsummer Night's Dream, also wrote five symphonies including the Symphony No. 4'Italian', and several short lyrical piano pieces or Songs without Words.
Frédéric Chopin (1810–1849), Polish composer and virtuoso pianist, his output includes nocturnes, ballades,scherzos, etudes, and a number of Polish dances such as mazurkas, polonaises, and waltzes (including theMinute Waltz)
Ferenc Erkel (1810–1893), Hungarian composer of grand opera
Norbert Burgmüller (1810–1836), German composer, praised by Robert Schumann
Robert Schumann (1810–1856), German composer and pianist, husband of Clara Schumann, a significantlieder writer, a prolific composer, wrote many short piano pieces, four symphonies, concerti and chamber music
Wilhelm Taubert (1811-1891) German Pianist, Composer and Conductor whose early works received praise from Felix Mendelssohn
Franz Liszt (1811–1886), Hungarian composer and a virtuoso pianist, wrote a number of tone poems and extended piano technique, famous for his Hungarian Rhapsodies and other solo piano works, one of the most influential and distinguished pianist composers of the Romantic era
Ferdinand Hiller (1811–1885), German composer, conductor, writer and music-director, close friend of Felix Mendelssohn
Ambroise Thomas (1811–1896), French composer, best known for the operas Mignon and Hamlet
Sigismond Thalberg (1812–1871), Swiss composer and one of the most distinguished pianists of the Romantic era
Louis Antoine Jullien (1812–1860), French eccentric conductor and composer of light music, king of promenade concerts in England
Friedrich von Flotow (1812–1883), German composer, chiefly remembered for his opera Martha
Stephen Heller (1813–1888), Hungarian composer, highly effected the late-Romantic composers
Alexandre Dubuque (1812–1898), Russian-resident French composer, known for teaching
Charles-Valentin Alkan (1813–1888), French composer and virtuoso pianist
Ernst Haberbier (1813–1869), German composer of brilliant piano music
Giuseppe Verdi (1813–1901), major Italian opera composer, best known for Nabucco, Rigoletto, La Traviata and Aida
Richard Wagner (1813–1883), major German opera composer (Der Ring des Nibelungen, Lohengrin, Tristan und Isolde, Parsifal among others), also famous for the widely-used Bridal Chorus in marriages.
Adolf von Henselt (1814–1889), German composer and pianist
Robert Volkmann (1815–1883), German composer, companion of Johannes Brahms
William Sterndale Bennett (1816–1875), English composer, conductor, and editor
Émile Prudent (February 3, 1817 – May 14, 1863), French pianist and composer
Károly Thern (1817–1886), Hungarian composer, conductor and teacher
Niels Gade (1817–1890), Danish composer, violinist and organist
Charles Gounod (1818–1893), French composer, best known for his operas Faust and Roméo et Juliette
Jacques Offenbach (1819–1880), French opera and operetta composer, known for The Tales of Hoffmann andOrpheus in the Underworld
Franz von Suppé (1819–1895), Austrian composer and conductor notable for his operettas
Clara Schumann (1819–1896), German composer and pianist, wife of Robert Schumann, one of the leading pianists of the Romantic era

(Source : en.wikipedia.org)

Rengkong : Seni Tradisional Banyumasan

noreply@blogger.com (hell) — Wed, 13 Apr 2011 12:26:00 +0700

Rengkong adalah kesenian yang menyajikan bunyi-bunyian khas bagai suara kodok mengorek secara serempak yang dihasilkan dari permainan pikulan bambu. Pikulan bambu tersebut berukuran besar dan kuat tetapi ringan karena dibuat dari bambu yang sudah cukup tua, biasanya menggunakan bambu tali dengan panjang sekitar 2,6 meter.

Pada kedua ujung bambu dibuat lobang persegi panjang selebar 1 cm, sekeliling bambu melintasi lobang tersebut diraut sekedar tempat bertengger tali penggantung ikatan padi. Dua ikat padi seberat ± 15 kg digayutkan dengan tali ijuk mengalungi sonari (badan rengkong bambu di tempat yang diraut). Di tengah masing-masing ikatan padi ada sunduk (tusuk) bambu sepanjang hampir 2 meter. Ujung atas sunduk bambu dimasukkan ke badan bambu rengkong dekat gantungan tali ijuk. Cara memainkannya, pikulan bambu rengkong yang berisi muatan padi diletakkan pada bahu kanan (dipikul). Pemikul mengayun-ayunkan ke kiri dan ke kanan dengan mantap dan teratur. Tali ijuk dengan beban padi yang menggantung pada badan bambu rengkong pun bergerak-gerak, gesekan tali ijuk yang keras inilah yang menimbulkan suara berderit-derit nyaring. Kalau ada beberapa rengkong yang dimainkan serempak maka akan timbul suara yang mengasyikan, khas alam petani, terlebih bila dimainkan dengan berbaris berarak-arakan maka suasananya akan lebih semarak. Kesenian tradisional para petani ini biasanya diadakan pada pesta perayaan panen atau pada hari-hari besar nasional.

(Source : id.wikipedia.org)

Korean Traditional Musical Instruments : Geomungo

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 16 Dec 2010 18:12:00 +0700

Geomungo

Geomungo atau hyeon-geum ("kecapi hitam") adalah sebuah kecapi tradisional dari Korea. Geomungo dimainkan sambil duduk. Senarnya dipetik menggunakan tongkat bambu kecil suldae dengan tangan kanan, sementara tangan kiri menekan senar untuk menghasilkan nada. Tipe nada yang dimainkan untuk musik tradisional Korea adalah D#/Eb, G#/Ab, C, A#/Bb, A#/Bb, dan A#/Bb satu oktav lebih rendah daripada nada tengah. Geomungo dimainkan pada saat pementasan solo (sanjo) atau dengan alat musik lain. Suara nada yang dihasilkan Geomungo dianggap lebih "maskulin" dibanding alat musik petik gayageum yang dianggap lebih feminin; namun keduanya dimainkan baik oleh pria maupun wanita.

Awal mula alat musik ini berasal dari zaman Goguryeo, karena jika dilihat namanya merujuk pada Goguryeo dan kadang diartikan sebagai "kecapi Goguryeo". Berdasarkan babad Samguk Sagi (Sejarah Tiga Kerajaan), yang ditulis tahun 1145, geomungo ditemukan oleh perdana menteri Wang San-ak dari Goguryeo yang dimodelkan dari alat musik tradisional Cina, guqin (di Korea disebut chilhyeon-geum, harfiah "kecapi tujuh senar"). Setelah kematiannya, alat musik ini diwariskan ke Ok Bogo, Son Myeong-deuk, Gwi Geum, An Jang, Cheong Jang, dan Geuk Jong, lalu disebarluaskan ke seluruh negeri.

Alat musik serupa dengan Geomungo terlukis di dalam kuburan Goguryeo, yakni pada Makam Muyongchong dan Makam Anak Nomor 3. Geomungo memiliki ukuran panjang 162 cm dan lebar 23 cm, dan memiliki kaki-kaki "Anjok" dengan badan yang terbuat dari kayu paulownia dan memiliki 6 buah senar sutera tebal.

(source : id.wikipedia.org)

Chinese Traditional Musical Instrument : Erhu

noreply@blogger.com (hell) — Thu, 16 Dec 2010 17:57:00 +0700

Erhu (Hanzi: 二胡 er4 hu2) merupakan alat musik tradisional Tiongkok yang paling populer disamping Guzheng dan Dizi.

Secara umum, keluarga alat musik gesek ini dikenal juga dengan istilah huqin yang berarti "alat musik orang barbar", dinamakan demikian karena diperkenalkan oleh orang barbar yang berasal dari Asia Tengah.

Huqin telah berumur sekitar 500 tahun. Mulai populer pada zaman dinasti Sung (960-1279 AD), yang kemudian berlanjut ke zaman dinasti Ming (1368-1644) dan dinasti Qing (1644-1911) dimana dalam kurun waktu tersebut huqin telah berkembang menjadi bermacam-macam jenis, termasuk yang kita kenal sekarang sebagai erhu.

Erhu

Pada mulanya, erhu menggunakan dua senar yang terbuat dari sutra, tetapi sekarang erhu menggunakan senar dari logam. Erhu biasanya menggunakan membran dari kulit ular piton, tetapi ada juga yang menggunakan bahan lain. Kotak suara dapat berbentuk segi enam, segi delapan, atau bulat. Kotak suara ini juga bervariasi ukurannya, semakin besar ukuran kotak suaranya maka bunyi bass yang dihasilkan semakin besar dan begitu pula sebaliknya.

Erhu digesek dengan busur yang terbuat dari bambu dan rambut ekor kuda, ekor kuda itu ditempatkkan diantara kedua senar sehingga memudahkan perpindahan menggesek antara kedua senar. Rambut ekor kuda tersebut digosok dengan damar (gondorukem) sehingga terasa kesat waktu digesek.
Erhu biasa disetel dengan nada D - A atau C - G.

(source : id.wikipedia.org)

Instrument Musik Tiup Kayu

noreply@blogger.com (hell) — Sat, 4 Dec 2010 17:54:00 +0700

Instrumen musik tiup kayu (Bahasa Inggris: woodwind instrument) merupakan instrumen musik yang menghasilkan suara dari getaran pada celah sempit yang terdapat pada tepi instrumen saat ditiup oleh pemainnya. Kebanyakan instrumen musik ini dulu dibuat dari kayu, namun beberapa diantaranya, seperti saksofon dan hampir semua jenis flute, umumnya terbuat dari bahan lain seperti logam atau plastik.

Jenis instrumen musik tiup kayu

Reed tunggal, instrumen musik ini menggunakan sebuah reed-resonator penghasil suara, biasanya terbuat dari kayu tipis, rotan, ataupun plastik yang diikat pada mouthpiece khusus. Saat udara ditiupkan diantara reed dan mouthpiece, reed akan bergetar dan getaran itulah yang menghasilkan suara. Instrumen dengan reed tunggal diantaranya adalah klarinet dan saksofon.
Reed ganda, instrumen musik jenis reed ganda menggunakan dua buah reed yang menjepit satu sama lain, saat ditiup ke dua sisi tersebut akan menghasilkan getaran yang menimbulkan suara pada instrumen. Instrumen yang termasuk dalam kategori ini contohnya adalah oboe. Ada dua jenis sub kategori:
- Double reed exposed, reed terletak pada bibir pemain. Termasuk ke dalam jenis instrumen musik ini adalah oboe, bassoon.
- Double reed capped, reed diletakkan pada lubang dan ditutup dengan penutup khusus, Untuk memainkannya pemain meniupkan udara ke dalam lubang tersebut. Termasuk dalam jenis ini contohnya adalah jenis-jenis bagpipe, yaitu instrumen musik tradisional Inggris dan Skotlandia.
Flute, jenis instrumen musik ini menghasilkan suara saat udara ditiup pada sisi dari dari lubang khusus yang terdapat pada badan instrumen. Terdapat dua sub kategori pada jenis instrumen musik ini:
- Open flute, kebanyakan jenis flute yang umum dikenal merupakan instrumen yang termasuk dalam kategori open flute. Saat dimainkan, bibir pemain membentuk suatu aliran udara pada sisi sehingga menimbulkan resonansi suara. Contoh yang paling mendekati dalama hal ini adalah cara yang umum dilakukan untuk menghasilkan bunyi saat meniup sebuah botol.
- Closed flute, Saat instrumen ini dimainkan, udara yang ditiupkan oleh pemain akan dibentuk oleh instrumen dan mengarahkan pada celah khusus sehingga menghasilkan bunyi. Contoh jenis ini yang umum dikenal adalah peluit dan rekorder.

(source : id.wikipedia.org)

Indonesian Traditional Music : Dongkrek

noreply@blogger.com (hell) — Sat, 4 Dec 2010 17:41:00 +0700

Seni dongkrek lahir sekitar tahun 1867 di Kecamatan Caruban yang saat ini namanya berganti menjadi Kecamatan Mejayan, kabupaten Madiun. Kesenian itu lahir di masa kepemimpinan Raden Ngabehi Lo Prawirodipuro yang menjadi demang (jabatan setingkat kepala desa) yang membawahi lima desa.

Masa Kejayaan

Kesenian dongkrek hanya mengalami masa kejayaan antara 1867 - 1902. Setelah itu, perkembangannya mengalami pasang surut seiring pergantian kondisi politik di Indonesia. Pada masa penjajahan Belanda, kesenian dongkrek sempat dilarang oleh pemerintahan Belanda untuk dipertontonkan dan dijadikan pertunjukan kesenian rakyat. Saat masa kejayaan Partai Komunis Indonesia (PKI) di Madiun, kesenian ini dikesankan sebagai kesenian genjer-genjer yang dikembangkan PKI untuk memperdaya masyarakat umum. Sehingga kesenian dongkrek mengalami masa pasang surut akibat imbas politik.

Kegunaan

Konon rakyat desa Mejayan terkena wabah penyakit, ketika siang sakit sore hari meninggal dunia atau pagi sakit malam hari meninggal dunia, dalam kesedihannya, Raden Prawirodipuro sebagai pemimpin rakyat Mejayan mencoba merenungkan metode atau solusi penyelesaian atas wabah penyakit yang menimpa rakyatnya. Renungan, meditasi dan bertapa di wilayah gunung kidul Caruban. Ia mendapatkan wangsit untuk membuat semacam tarian atau kesenian yang bisa mengusir balak tersebut.
Dalam cerita tersebut wangsit menggambarkan para punggawa kerajaan roh halus atau pasukan gondoruwo menyerang penduduk mejayan dapat diusir dengan menggiring mereka keluar dari desa mejayan, maka dibuatlah semacam kesenian yang melukiskanfragmentasi pengusiran roh halus yang membawa pagelebuk tersebut.

Komposisi
Komposisi para pemain fragmen satu babak pengusiran roh halus tersebut terdiri dari barisan buto kolo, orang tua sakti dan kedua perempuan tua separuh baya. Para perempuan yang disimbulkan posisi lemah sedang dikepung oleh para pasukan buto kala dan ingin mematikan perempuan tersebut, maka muncullah sesosok lelaki tua dengan tongkatnya mengusir para barisan roh halus tersebut untuk menjauh dari para perempuan tersebut.

Selanjutnya, melalui peperangan yang cukup sengit, pertarungan antar rombongan buto kolo dengan orang tua sakti, dan dimenangkan oleh orang tua tersebut. Pada episode selanjutnya, orang tua tersebut dapat menyelamatkan kedua perempuan dari ancaman para buto kolo tersebut dan rombongan buto kolo itu mengikuti dan patuh terhadap kehendak orang tua sakti tersebut, kemudian orang tua yang didampingi dua perempuan itu menggiring pasukan buto kolo keluar dari desa mejayan sehingga sirnalah pagebluk yang menyerang rakyat desa mejayan selama ini dan tradisi ini menjadi ciri kebudayaan masyarakat caruban, dengan sebutan Dongkrek.

Bunyi
Masyarakat pada waktu itu mendengar musik dari kesenian dongkrek ini yang berupa bunyian ‘dung’ berasal dari beduk atau kendang dan ‘krek’ ini dan alat musik yang disebut korek. Alat korek ini berupa kayu berbentuk bujur sangkar, di satu ujungnya ada tangkai kayu bergerigi yang saat digesek berbunyi krek. Dari bunyi dung pada kendang dan krek pada korek itulah muncul nama kesenian Dongkrek.Dalam perkembangannya digunakan pula komponen alat musik lainnya berupa gong, kenung, kentongan, kendang dan gong berry sebagai perpaduan antar budaya yang dialiri kebudayaan Islam, kebudayaan cina dan kebudayaan masyarakat jawa pada umumnya.

Dalam tiap pementasan dongkrek, ada tiga topeng yang digunakan para penari. Ada topeng raksasa atau ‘buto’ dalam bahasa Jawa dengan muka yang seram. Ada topeng perempuan yang sedang mengunyah kapur sirih serta topeng orang tua lambang kebajikan. Dan kalau ditarik kesimpulan, maksud jahat akhirnya akan lebur juga dengan kebakan dan kebenaran sesuai dengan sesanti atau moto surodiro joyoningrat, ngasto tekad darmastuti. Dalam islam istilahnya, Ja’al haq wa zahaqal bathil. Innal Bathila kaana zahuqa.

(source : id.wikipedia.org, image source : mimimama.blogspot.com)

Rock Music : Soft rock, hard rock and early heavy metal

noreply@blogger.com (hell) — Sun, 28 Nov 2010 17:51:00 +0700

From the late 1960s it became common to divide mainstream rock music into soft and hard rock. Soft rock was often derived from folk rock, using acoustic instruments and putting more emphasis on melody and harmonies. Major artists included Carole King, Cat Stevens and James Taylor. It reached its commercial peak in the mid- to late- 70s with acts like Billy Joel, America and the reformed Fleetwood Mac, whose Rumours (1977) was the best selling album of the decade. In contrast, hard rock was more often derived from blues-rock and was played louder and with more intensity. It often emphasised the electric guitar, both as a rhythm instrument using simple repetitive riffs and as a solo lead instrument, and was more likely to be used with distortion and other effects. Key acts included British Invasion bands like The Who and The Kinks, as well as psychedelic era performers like Cream, Jimi Hendrix and The Jeff Beck Group. Hard rock-influenced bands that enjoyed international success in the later 1970s included Queen, Thin Lizzy, Aerosmith and AC/DC.

Led Zeppelin

From the late 1960s the term heavy metal began to be used to describe some hard rock played with even more volume and intensity, first as an adjective and by the early 1970s as a noun. The term was first used in music in Steppenwolf's "Born to be Wild" (1967) and began to be associated with pioneer bands like Boston's Blue Cheer and Michigan's Grand Funk Railroad. By 1970 three key British bands had developed the characteristic sounds and styles which would help shape the sub-genre. Led Zeppelin added elements of fantasy to their riff laden blues-rock, Deep Purple brought in symphonic and medieval interests from their progressive rock phrase and Black Sabbath introduced facets of the gothic and modal harmony, helping to produce a "darker" sound. These elements were taken up by a "second generation" of heavy metal bands into the late 1970s, including: Judas Priest, UFO, Motörhead and Rainbow from Britain; Kiss, Ted Nugent, and Blue Öyster Cult from the US; Rush from Canada and Scorpions from Germany, all marking the expansion in popularity of the sub-genre. Despite a lack of airplay and very little presence on the singles charts, late-1970s heavy metal built a considerable following, particularly among adolescent working-class males in North America and Europe.

(source : en.wikipedia.org)

Lirik Lagu Bengawan Solo

noreply@blogger.com (hell) — Sun, 28 Nov 2010 17:38:00 +0700

Bengawan Solo adalah sebuah lagu Indonesia berirama keroncong yang terkenal ciptaan Gesang. Diciptakan pada tahun 1940, lagu ini terinsipirasi dari sebuah sungai asli dengan nama yang sama di Jawa Tengah. Liriknya mendeskripsikan sungai tersebut dengan gaya yang nostalgia. Setelah Perang Dunia II, pasukan Jepang yang kembali ke negaranya membawa lagu ini bersama mereka. Di sana, lagu ini menjadi populer setelah dinyanyikan berbagai penyanyi, di antaranya Toshi Matsuda.

Lirik Lagu Bengawan Solo

Bengawan Solo
Riwayatmu ini
Sedari dulu jadi
Perhatian insani

Musim kemarau
Tak seberapa airmu
Di musim hujan, air
meluap sampai jauh

Ref:
Mata airmu dari Solo
Terkurung Gunung Seribu
Air mengalir sampai jauh
Akhirnya ke laut

Itu perahu
Riwayatmu dulu
Kaum pedagang selalu
Naik itu perahu

(source : id.wikipedia.org)