En Botanicula, un grupo de colegas plantiformes deben salvar la naturaleza de un oscuro enemigo, las arañas negras, cuya hambre, reproducción imparable y evolución descontrolada amenazan el delicado equilibrio de la naturaleza. Tanto, que puede llegar a la extinción del mundo tal y como lo conocemos… bueno, tal y como lo conocen estos simpáticos bichos-planta.

Tras el aspecto del entorno de naturaleza idealizada, hay una aventura gráfica bastante tradicional, con unas mecánicas típicas del género poco innovadoras: Poca motivación salvo la propia de explorar el entorno y ver que maravillas habrá después; diversas variaciones de los puzzle-llave (busca un objeto para abrir una puerta o superar un obstáculo y poder seguir adelante); una variedad de acciones (o verbos) muy limitada porque el modelo de mundo es mínimo.

No importa, sigue siendo una pasada. La maravillosa estética, diseño ambiental y sonoro, y la maravillosa música orgánica, hacen que lo limitadísimo de una aventura point and click sea irrelevante en este caso. Es un viaje alucinante a un mundo natural inverosimil, donde disfrutarás cada momento en ella. Además, las sensibilidades actuales impiden un diseño más hardcore, más duro; por tanto los puzzles son fáciles. Es un juego muy fácil, donde el avanzar está garantizado salvo algún que otro bloqueo, que por otro lado, siempre tienen su lógica dentro del universo creado.

Botanicula está compuesto de unos bocetos de ecosistemas autónomos, y por tanto, todo puzzle tiene su lógica, dentro de la simplicidad de la experiencia y de su diseño familiar (es un juego muy recomendable para jugar por niños, o con niños, o en familia).

Ahora hablemos de las opciones que hay a día de hoy para comprarlo. Se puede comprar en GOG, pero en realidad te recomendaría que fueses al Humble Bundle dedicado a él. Pagando más de 8,78 dólares americanos, obtienes además del juego: Machinarium, Samorost 2, Windowsill y Kooky. Además de las 3 bandas sonoras de los 3 juegos de Amanita. Windowsill… windowsill es una gozada de arte vectorial matemático en movimiento, es un pecado perdérselo (juega a la demo clicando el enlace). Y Kooky es una simpática película donde Amanita ha colaborado en el diseño, en la que un osito de peluche se embarca en una gran aventura por el universo escondido donde los humanos no miran. Básicamente se trata de eso, un juego de Amanita, hecho película, una gozada.

Como GOG ha salido perdiendo por la gran oferta del Humble Bundle, han tenido que contraatacar ofreciendo una serie de extras como suele ser su filosofía habitual: un libro de arte, la banda sonora completa, fondos de escritorio, bocetos, etc. Aunque, no te puedo garantizar que cuando lo compres lleve el libro de arte y la banda sonora completa, pues creo que sólo estarán disponibles durante el tiempo que dure el Humble, e ignoro si estará disponible para futuros compradores. Creo que ha sido sólo para compensar a los primeros compradores que lo hicieron sin conocer la existencia del Humble Bundle. Por otra parte, también me van a regalar Machinarium (de todas formas ya lo tenía) y The Witcher Enhaced Edition, lo cual me pone muy contento, pues es una compra que pensaba hacer.

En definitiva, hoy por hoy, mejor compra Botanicula desde el Humble Bundle. Y para terminar, el trailer de Kooky.

La jugabilidad es muy sencilla. La polilla se controla con AWSD, y el ESPACIO se usa para resucitar polillas y encender luces (el control está diseñado para mandos de Xbox, pero el teclado funciona fenomenalmente; tan sólo ten en cuenta que cuando te pida pulsar A en realidad tienes que pulsar ESPACIO). Una vez que tenemos un pequeño ejército de polillas, estas se controlan con los cursores para empujar objetos movibles y de peso discreto. El objetivo es ir recorriendo el escenario, repleto de cachivaches y recovecos encendiendo todas las luces que podamos a nuestro paso. Si entramos en una zona sin luz, la oscuridad se cernirá sobre la polilla mágica, haciendo que esta vuelva desesperadamente hacia una fuente de luz (reiniciando desde un punto de control cercano que será la última fuente de luz que has activado). Los objetos movibles tienen marcado el número de polillas necesarias para poder moverlos. Y por último, una serie de puntos brillantes están disponibles para recoger, a modo de monedas de Mario o anillos de Sonic, pero en el fondo no sirven para nada más que para guiar al jugador por el camino correcto, o sugerir pistas hacia donde podría haber una zona secreta o escondida, un método algo burdo y fuera de lugar de tan encantador juego, aunque cumple perfectamente con su misión de hacer que el jugador no se frustre (algo muy de moda hoy en día).

El motor de desarrollo usado: Unity; se comporta fenomenalmente, con un acabado visual impecable, la multitud de objetos del desván tienen una presencia tangible y se mueven de forma realista… todo mérito de Unity, que su engine de física es muy bueno. Y estos estudiantes han sabido aprovechar muy bien restringiendo apropiadamente la física para sus necesidades.

El final del juego es un buen momento (no diré gran momento, pero si un buen momento) de eureka. Sin desvelar nada, diré que el círculo se cierra, las aguas llegan a su curso, y tal y tal. Es un momento muy satisfactorio comprobar y tomar la medida al desván y lo bien que han disimulado estos estudiantes este hecho, en un aparente juego de tipo laberinto. Sin duda, el trabajo de los diseñadores y modeladores del entorno y la construcción del “mundo” es impecable. Gran diseño de niveles (de nivel en este caso).

Dust es un juego sin prisas, para disfrutar con tiempo (breve, de 15 a 20 minutos). Se puede jugar online, o descargar gratuitamente. Son 88 megas, por tanto, tarda bastante en cargar, mejor pilla la descarga.

Encuentra la luz en Dust.

El juego presenta un campo nevado tras el fragor de la batalla. Encarnamos a un soldado del bando vencido perdido en mitad de la nieve y a punto de morir por congelación. Un vistazo al rededor revelará que no estamos solos y que aún quedan esperanzas para la supervivencia.

Según los estudiantes la motivación tras el proyecto es la siguiente:

The Snowfield representa un intento de hacer un juego de simulación basado en narrativa acorde a un método especial para desarrollar esos juegos, un método diseñado para evitar la necesidad de complejas IA o generación masiva de contenidos. La idea era no depender de teorías narrativas codificadas o fórmulas – como la estructura en tres actos, etc. – sino asumir que “lo que hace a una buena historia” no puede ser sistematizado y en cambio hay que llegar allí vía un extensivo testeo del usuario.

Bla, bla, bla, lo que sea… The Snowfield es notable por 3 motivos: estética, historia e interfaz.

La estética muestra el campo nevado con un blanco inmaculado; más bien, es nieve sucia, como debe de ser, tras una batalla. El entorno, pintado en escala de blancos y grises, está repleto de soldados semienterrados por todas partes, árboles muertos, objetos tirados aleatoriamente, alambre y espino. Aparte, conforme el personaje se va congelando debido al frío, la pantalla va mostrando una costra de escarcha progresiva, como con venas de sangre congelada. Termina el cuadro un filtro de efecto de película vieja. El efecto final es de gran belleza desoladora. Belleza a pesar de que la geometría del escenario es muy simple: los objetos, los soldados, la casa. Como modelos gráficos son sencillos, apenas sin texturas, pero gracias al estilo visual, muy efectistas  (un tipo de arte visual que está prosperando en Unity, ignoro el porqué). De hecho, a los soldados se les nota las junturas donde deberían de estar los hombros, o las rodillas, y las animaciones no tienen transición entre una acción y otra, mostrando un parpadeo cuando se cambia de animación. A pesar de todo ello, no importa, porque el diseño de juego y estético hacen que el experimento funcione.

La historia presenta un aspecto de la guerra que en la práctica casi ningún juego de guerra ha mostrado: lo que ocurre tras la batalla, y además del bando perdedor. Los uniformes, el entorno y el idioma de los personajes delatan el retrato de unos de los grandes fracasados bélicos de la historia, los alemanes. Es un punto de vista muy moderno que sólo ha aparecido en las más recientes películas bélicas, la posibilidad de sentir empatía por los nazis, una vez que el fracaso hace de los soldados rasos, personas humanas abandonadas a su suerte.

Por último, la interfaz. Es muy sencilla, con los cursores WASD se controla al personaje, que camina lentamente, y gira suavemente. Con el ratón se puede interactuar con los objetos con muy pocas acciones, tomar, dejar y dar algo a otros soldados. Al acercar el ratón a los bordes de la pantallas la cámara pivota un poco lo cual permite mirar ligeramente hacia un lado sin cambiar de dirección. Un efecto tosco que no añade nada, pero que no deja de ser una buena idea.

La interfaz es equivalente a la de juegos com Resident Evil 4, salvo que cambias el punto de mira por el ratón para interactuar. Por supuesto, en un juego de acción, a pesar de la suavidad de la cámara, la acción requiere movimientos rápidos, con lo cual al final tienes el mismo problema (Girar 180 grados, o dejarse caer una altura en RE4 es muy vertiginoso). Pero para un juego tranquilo, de exploración, este tipo de control e interfaz es ideal. Lo que más me gusta es que es un juego libre de motion sickness, el término anglo que define al problema que padecen ciertas personas que se marean cuando juegan a FPS juegos en 3D muy vertiginosos. La cámara en The Snowfield se suave, evitando ese problema, y convierte a esta interfaz en ideal para juegos de exploración en 3D, un terreno que las aventuras gráficas apenas se han atrevido a explorar. Además, lo genial de la interfaz es que extrapolable a Ficciones Interactivas más complejas con mayor número de acciones, donde las teclas son para el control, y el ratón es para interactuar.

El resultado es muy interesante, como experiencia/como experimento, porque si esperamos de este un juego que completar, que sea satisfactorio de terminar y explorar todas sus opciones, entonces será muy frustrante. Su breve estructura con varios puzzles simples de adivinar qué objeto hay que darle a cada cual, y la imposibilidad de portar más de un objeto a la vez harán un tedio tratar de “terminarlo”, por tanto es mejor dejarse llevar, y ver hasta donde nos llevan nuestros pasos. Parece ser que la experiencia está limitada en tiempo, por tanto no hay peligro de quedarse atascado; al final, el juego premia con una preciosa animación donde se detalla cuántas almas hemos salvado de morir congeladas y en soledad. En definitiva, como juego y ficción interactiva, es muy limitado, pero como experimento es muy notable.

El juego está desarrollado en Unity, con lo cual podemos jugar online sin necesidad de descargar nada, aunque tarda un rato en cargar.

Piérdete en The Snowfield.

Cerca del inicio Jason (el avatar es una representación a 8 bits del mismísimo Jason Rohrer) encontrará el amor. Un amor para toda la vida que correrá detrás. Se puede decidir si afrontar los saltos de la vida junto a ella o en solitario. En solitario, los saltos son más fáciles. En pareja, mucho más arriesgados.

Echo de menos algunas características de los padres originales, por ejemplo, el corazón de amor cuando ambos se encuentra; los cofres con premio o sin él, se podría haber adaptado perfectamente a la mecánica de Canabalt, al igual que hicieron en su día otros clones como Robot Unicorn Attack  o Bit Trip Runner, que administraban eficazmente el factor riesgo vs premio en patrones reconocibles por el jugador (recuerda, los cofres de Passage tenían códigos de colores, que permitían identificar los “buenos” de los “malos” que no daban puntos). Por otro lado, la aceleración del personaje no aumenta de forma paulatina, lo cual hubiese sido un detalle si el personaje adquiere fuerza y velocidad en la madurez, pero pierde potencial en la vejez. Además cuando tu compañera muere víctima de una caída, el personaje no se pone triste visiblemente, como ocurría en el original (y tampoco queda tumba, pero eso… es irremediable). Y tampoco hay obstáculos, lo cual rendiría homenaje perfectamente tanto a Canabalt, como a las mecánicas metafóricas de Passage (esos obstáculos de la vida que te pueden poner de rodillas).

Pero sobre todo, no hay puntuación y esto es un fallo bastante gordo. La puntuación es inamovible del concepto de Passage, sin ella no hay forma de premiar la destreza del jugador, ni de evaluar las ventajas de una vida de casado respecto a una de sortero. En el original, cada paso dado en conjunto daba el doble de puntos que en solitario. Por tanto, en términos de juego, no hay aliciente directo con el cual decidir si ir solo o en pareja.

De todas formas, mis peros no son más que una reacción positiva al debate, porque este es un experimento que me ha encantado. Passagebalt demuestra que el movimiento de “la mecánica es el mensaje” (donde mecánicas de juego se usan para explicar o mostrar elementos importantes de la vida humana) puede aplicarse a un simple plataformas de scroll horizontal, aunando postmodernidad  ;) (guiño tonto a la bruja avería) y diversión.

Puedes descargar Passagebalt o jugar de forma online en baja o alta definición.

El engendro se llama MariO, (en vez de o, coloca un portal) y es una completa recreación del legendario Super Mario Bros, con todos los elementos jugables del clásico moderno Portal 2. Además incluye partidas cooperativas simultáneas de hasta 4 jugadores, que no he tenido ocasión de probar, pero que prometen ser la locura; editor de mapas, justo el mismo que se ha usado para forjar el juego, y opción de descargas mapas adicionales…

La publicación es multiplataforma e incluye a Windows, Linux y Mac, además de poder descargar el código fuente de esta maravilla de la tecnología.

Jugando en solitario… la sensación es extraña, por un lado los niveles de Mario hace posible ignorar la portal gun, pero ya que la tienes ¿cómo no usarla? De hecho mis partidas trascurren mucho más lentas que con el Mario original, ya que uno se para a pensar los movimientos y dónde colocar los portales; y me encuentro con que se me acaba el tiempo más a menudo (claro, los jugadores que gustan de hacer speedruns para superarse en tiempo, se lo pasarán pipa). Por otro lado a más mecánicas, mayores ocasiones de meter la pata, dejar desatendidos los portales puede hacer que los enemigos te surgan por sitios inesperados. Y cada maniobra arriesgada con portales requiere un tiempo extra, por ejemplo, ahora es posible asegurarse la máxima altura al bajar la bandera, usando el salto de inercia (speedy goes in, speedy goes out), ya sabes.

Esta maravilla es gratis, así que puedes expresar tu gratitud gustando de gustar su Facebook o siguiéndole en Twitter.

Consigue la última versión desde la web oficial: (no olvides echar un vistazo a su historial de desarrollo, que incluye unas fotos animadas en gif, geniales, y tampoco sus otros juegos y proyectos… estos desarrolladores son MUY interesante y habrá que seguirles la pista).

http://stabyourself.net/mari0/

Coge a un amigo, y disfruta ;)

Realm of the Mad God nace del minimalismo por naturaleza de los concursos muy breves de las jams y de Tig Source. En su día, el evento Assemblee Competition consistió en dos fases: un concurso inicial para elegir el mejor conjunto de recursos gráficos para hacer un juego, y luego se creaban los juegos a partir de esos recursos.

El paquete de gráficos ganador fue Lo-Fi Fantasy Tileset de Onyx. Una gozada de losetas gráficas de tan sólo 8×8 pixeles de altura, 16 para los monstruos más grandes. De hecho se usó ámpliamente en el concurso y los 3 primeros ganadores las usan; y de hecho podrías usar tu mismo para tus creaciones sin ánimo de lucro. Uno de los requisitos del concurso es que todas las aportaciones de recursos fuesen Creative Commons para trabajos no comerciales.

El juego se puede seguir disfrutando desde su web oficial y jugar online, pero ¿quién se puede negar a probarlo en Steam con todos sus servicios integrados, incluidos logros totalmente nuevos? Si aún eres de esos pocos humanos que no tienen Steam instalado… hazlo!

Aunque un MMO de rol y acción reducido a sus mínimos pudiera parecer que caería en la monotonía muy pronto, Real of the Mad God, hace algunas cosas muy bien, lo cual lo convierte en un juego muy interesante y entretenido.

Primero es la permamuerte (traducción que me permito de permadeath). Dicese de la regla rolera de los roguelikes donde una vez muerto no hay vuelta atrás, RIP, caput, no puedes cargar una partida, no puedes hacer UNDO, no hay vidas, una vez muerto sólo puedes comenzar de nuevo desde el principio. Esto, para quien no lo conozca, pueda parecer una barbaridad, sobre todo en un MMO, donde pasas meses desarrollando un personaje, si te lo matasen irremediablemente, pillarías un mosqueo de mucho cuidado. Pero para jugadores viejos como yo, es algo incluso deseable. La permamuerte proporciona una intensidad y una profundidad estratégica a los juegos de las cuales son ámpliamente famosos los roguelike; y de la que hace un muy buen uso Minecraft, por ejemplo. Por otro lado, el drama de morir se ve aliviado porque la subida de niveles, y en general el juego, en Real of the Mad God, es muy rápido, además que lo chorra de la temática, hara que morir no sea tan dramático.

Por otro lado, existe un tope superior al aumento de nivel, de 20. Por tanto, una vez pillado el vicio es fácil llegar al nivel deseado en unas pocas horas.

Al inicio sólo se puede elegir a un mago para jugar, pero al llegar a nivel 5, se desbloquea una nueva clase de personaje, el clérigo, y este a su vez al llegar a nivel 5 desbloquea otra clase, y esta otra y otra, así hasta un total de 13 clases.

Y por último, el juego se compone de misiones (si se pudieran llamar así), jefes o monstruos grandes, que hay que matar y que no se reponen para otros jugadores: si tu matas al monstruo X, lo has matado tu y no podrá venir otro jugador detrás ha “hacer una raid” y volverlo a matar. Una vez que todos los monstruos han sido matados, el dios loco Oryx invoca a todos los jugadores en el mundo (hasta un total de 85 jugadores a la vez por mundo), los transporta a su guarida para un enfrentamiento final consigo mismo. Si los jugadores consiguen derrotarle, el mundo se resetea, generando el terreno y los monstruos de forma aleatoria.

Este hecho hace que el juego no se sienta tan estático como la mayoría de MMO donde parece ser que mundo persistente es equivalente a mundo donde nunca ocurre nada y nada cambia, condenados los jugadores eternamente a esperar año tras año una actualización. En Real of the Mad God el impacto de un jugador se siente más importante, “puedes” matar al dios de este universo, y en ese caso este se destruye y se vuelve a crear desde cero.

La banda sonora repetitiva y machacona es una pasada, pero, siendo redundante, poco variada. Ojalá este impulso en Steam les permita a sus autores meter música nueva.

El modelo de negocio es FTP (Free to Play) e incluye una serie de mejoras pagadas con dinero real, como la posibilidad de tener 2 personajes a la vez en el servidor, la posibilidad de llevar mascotas y demás chucherías y cacharrerías variadas.

Real of the Mad God es un juego compulsivo excelente, y un gran matatiempo. Recuerda, puedes jugar desde la web oficial, o desde Steam.

Un terrorífico ejército de insectos del planeta Verminest para invadir el espacio. Defiende tu planeta y combate la plaga hasta alcanzar el nido de la reina Verminia.

Fiel a su espíritu arcade, Locomalito sigue…

• Aspecto y jugabilidad de Arcade tradicional
• 3 modos de video, incluyendo el modo de película antigua y el anaglífico para gafas 3D
• Variedad de situaciones a través de 5 planetas tropicales
• Un sistema de puntuaciones sólido, perfectos para competir
• Música y sonidos de FM, y gráficos en escala de grises

Eso sin olvidar que el juego es gratis. Ve a jugar directamente, o sigue leyendo para desvelarte todos los secretos de Verminest.

Cuenta Locomalito, tanto por su twitter como en la web, que Galaga es uno de sus juegos preferidos de todos los tiempos, y siempre quiso crear un Galaga añadiendo detalles de su propia cosecha. A finales del 2011, en un viaje, consigue jugar a una máquina arcade original del juego, lo cual despierta en él el impulso necesario para completar este proyecto.

Aunque es otro de sus proyectos de “descanso” entre el largo desarrollo de Maldita Castilla, They Came From Verminest consigue ganarse el corazón de los fans por sus raíces arcade, y por sus idiosincrasias, por ejemplo que los gráficos no tienen un ápice de color, están construidos desde cero en escala de grises; o por el excelente trailer.

El juego es en blanco y negro porque está ambientado en los años 50, y las películas de ciencia ficción tales como Them!, The Deadly Mantis, Black Scorpion, Tarantula o la favorita de Locomalito: Godzilla! Es por esto que Verminest sólo puede existir en una realidad alternativa donde se junta lo retro de las primeras máquinas arcade (finales de los 70 y principios de los 80), con lo retro de las películas en blanco y negro de los 50, dando vida a un engendro imposible, pero totalmente coherente consigo mismo.

Para ello el juego cuenta con 3 modos de visualización: el “normal”, con los gráficos en escala de grises; un modo de “película”, donde el aspecto tiene una pátina de película vieja trillada, y un modo en “3D” anaglífico, para ver con esas gafas 3D típicas de toda la vida, las de los filtros de papel de color azul y rojo. Los dos “estilos” extra son una pasada, y el hecho de jugar a un arcade de naves en 3D es algo que venía deseando desde que ví aquella imagen “falsa” de Turrican en 3D. Y parece que no soy el único que está disfrutando de este 3D “cutre”, en estos últimos años parece haber resurgido el interés por este que hasta Minecraft incluye un modo 3D anaglifo.

Hay un sentido adicional para la estética en blanco y negro de Verminest, y es que este 3D funciona MUY bien en escala de grises (sino, esperad a llegar al planeta Mugura), mientras que en color, el efecto de profundidad no es tan espectacular.

En cuanto a jugabilidad, Verminest es un perfecto clon de Galaga (como siempre, Locomalito lo ha clavado), con tributos a clásicos de la época. Por ejemplo hay una fase donde sale Centípede, o también salen los huevos de Phoenix, aquellos que oscilaban de lado a lado de la pantalla y eclosionaban en pajarracos, si rompías los huevos antes, evitabas una batalla más dura. Ahora los huevos dejan bonus de todo tipo, desde un tercer disparo adicional (como el II y el III de Castlevania), a protección o bonus de puntos.

El “toque” Locomalito del juego se expresa en unos gráficos pixelados preciosos, un sistema de puntuación que premia el riesgo y la lucha estratégica (¡mata a los cabecillas!), algunos toques modernos como el autodisparo, y monstruos finales y monstruos de fase. Por otro lado el final es algo especial, premiando al jugador con una mejor puntuación.

La temida dificultad de los juegos de Locomalito se ha suavizado en principio. Es posible que la percepción en comparación con Galaxian o Galaga es que es un juego MUY fácil. Pero la dificultad crece inexorablemente nivel a nivel, y es un juego asequible para un jugador no hardcore pero en el cual te costará varios intentos ver el final. Un viaje a través de los 5 planetas. Esto no quiere decir que se haga corto. 5 planetas significa salir de cada uno, viajar por el espacio combatiendo a las hordas Verminianas, llegar al siguiente destino y seguir luchando para poder bajar hasta el planeta para limpiarlo de todo bicho viviente. Y cada uno de estos tramos protegido por uno o más guardianes especiales. En total unos 45 minutos de viaje en dificultad creciente y con alguna que otra sorpresa.

Acompaña al juego los sonidos y músicas FM de Gryzor87, de los cuales ya hablamos extensivamente en la pasada entrevista. Que decir… suena a máquina arcade, ES una máquina arcade. Tan sólo faltan las pipas pisadas a los pies y el murmullo de la chiquillería abarrotando el salón recreativo. Aún así Gryzor se permite alguna que otra vacilada como por ejemplo la canción jazz en el planeta Mugura, que eleva la fase a la favorita de todo el juego.

Y todo esto se cierra con un paquete de lanzamiento sencillamente increíble. Probablemente el mejor lanzamiento de un juego que jamás presenciaron estos ojos. El juego precalentó a los fans con una serie de cartas coleccionables que fue publicando con cuentagotas vía twitter, las cuales muestran a los “protagonistas” del juego, dando pistas y claves para jugar en modo pro. El trailer del juego, extremadamente guay, simula al trailer de una película en blanco y negro de ciencia ficción de los 50, incluso con voz de narración americana, yo diría que de Texas; realizado con superficie marciana de cartón, chimeneas de humo y monstruos de goma. Luego está el arte de Marek Barek, que incluye 3 posters en 3D que básicamente, están increíbles, hay que verlos con las gafas para creerlos. Marek realizó también las cartas, la portada, la carátula para el DVD, etc. Y por último y no menos importante, las mini instrucciones. Todo ello disponible para descargar junto con el juego desde la web oficial.

Descarga They Came From Verminest.

A continuación la galería con los posters en 3D y las cartas coleccionables.

Penguin Adventure (夢大陸アドベンチャー Yume Tairiku adobenchā, literalmente. “La Aventura del Continente de Ensueño”) es un videojuego de plataformas de acción y aventuras publicado por Konami en 1986. Es una secuela de Antarctic Adventure y posee la distinción de ser el primer juego en que trabajó el diseñador de juegos Hideo Kojima, como diseñador asistente. Ha sido aclamado como uno de los mejores juegos de acción para MSX por su jugabilidad, profundidad, variedad y riqueza de sus gráficos sprites en pseudo-3D. La historia sigue a Penta, un pinguino que debe de retornar a casa la manzana dorada para poder curar a Penguette, la Princesa Pinguino.

La profundidad del videojuego lo demuestra la rica banda sonora tan maravillosamente interpretada por Gryzor87, la cual incluye, desde temas de fantasía arcade tipo Sonic, hasta orquestaciónes épicas con coros incluídos, pasando por el jazz o el reggae. Sin duda una banda sonora memorable que caló hondo en todos los fans. Y que caló hondo en Gryzor87 de forma que nos permite hoy día disfrutar de esta maravilla…

Así que he aprovechado para que nos comente personalmente el disco el mismo Gryzor87.

Gryzor87 nos cuenta lo que significó el juego para él, y cómo se embarcó en este proyecto:

“Compré el cartucho en su día y tengo unos recuerdos imborrables de este maravilloso juego. El año pasado, Kotai, un programador español me invitó a participar en su remake del juego, y a mí me sedujo la idea, incluso la de hacer un álbum entero abarcando todos los temas incluso algunos más.”

Por tanto, para los que conozcan su disco anterior Sounds & Shadows, dedicado a Shinobí, comprenderán que este nuevo disco no se trata de una mera reinterpretación de las canciones de Penguin Adventure, sino, como el anterior, sin un tributo en toda regla que incluye canciones de composición propia y rarezas varias. Continúa Gryzor detallando el tipo de canciones e instrumentación que encontraremos en el disco:

“…para componer el disco siempre he tenido en cuenta los temas originales, sus tonalidades y notas, que he respetado casi al 100%. Lo que he hecho es analizar el estilo de fondo y luego le he acoplado la banda/orquesta correspondiente y he tratado de realzar los rasgos. Por ejemplo, la fase 7 me sonaba a ‘reggae’, pues le he metido batería/bajo/guitarra/órgano Hammond todo en estilo muy reggae para que se acentúe el conjunto. Otras veces he optado por el hard rock (stage3) y otras más épico, como un coro inventado estilo ‘rusos siberianos’ en la stage 8 (de hecho es un bosque helado). Cada tema me ha ido pidiendo su estilo y yo lo he ido adaptando como he podido… También he vigilado mucho los tempos, para que no sonaran ni muy atropellados ni muy tirados, porque con el chiptune suena todo mucho más rápido (en su versión original) y esto no queda bien con las orquestas, que tienen que ir más reposadas….total, que he empleado casi más tiempo en el estudio y la observación que en la ejecución/grabación. Pero he disfrutado mucho recordando los momentos más intensos de mi niñez-adolescencia, cuando jugaba a este y a otros juegos del estilo (Metal Gear, Tha Maze of Galious, Nemesis, etc). He usado todo sintetizadores e instrumentos simulados. El tema de SCC ha sido programado en código puro y duro de MSX (MML) y he usado el emulador BLUE MSX por comodidad más que nada… Y el tema del final es una adaptación de la música original del ‘Antarctic Adventure’, el hermano pequeño del Penguin Adventure, que apareció en 1984. La música que tenía era a su vez un tema adaptado de una pieza de música clásica (el vals de los patinadores, de Emile Waldteufel, 1882).”

Ya conocéis el disco, ahora sólo queda escucharlo. Parece mentira que un pingüino pudiera dar tanto juego como para lograr este disco épico. Es lo que tienen los viejos tiempos, que en lo arcade, siempre fueron mejor.

Para conocer el juego ha dos formas, una jugando a Penguin Adventure Online, el proyecto de remake con multijugador incluído del desarrollador indie español Kotai. Y por emulación de toda la vida. Emuladores de MSX los hay para todas las plataformas imaginables, y la rom es fácil de encontrar. Aunque una opción pasando por caja es disfrutar del juego desde la fiel y estupenda emulación de la consola virtual de Wii.

Pero para disfrutar de la buena música, no es necesaria mayor complicación: Descarga hoy, Penguin Adventure Special, de la web de Gryzor87.

Dos de los juegos ya han aparecido en otros Bundles, así que la motivacion principal es poder tener estos 4 magníficos juegos disponibles para tu terminal móvil. Los dos únicos juegos nuevos a los Bundles son EDGE y Anomaly. Los otros viejos conocidos son Osmos y World of Goo.

Y recuerda, parte del dinero que des, se puede destinar a caridad.

World of Goo sólo está disponible si al comprar la oferta introduces una cantidad de dinero superior a 6,01 dólares, 4,55 euros al cambio. Una ganga igualmente aunque sean pocos juegos, sólo por World of Goo o el multipremiado EDGE ya merece la pena; y de paso podrás darle uso a ese terminal tan carísimo que te compraste por tontería, y podrás fardar ante tus amigos con juegos realmente buenos que no sean el mismo Angry Birds de toda la vida.

Para más información sobre los juegos ve a la web oficial del Humble Bundle. Tras el salto, el trailer.

Pero no sólo eso, además de poder ver el pasado, podemos traer un pequeño pedazo de este hasta el presente. Es una mecánica nunca vista, aunque, como siempre pasa con los grandes inventos, hay varias grandes mentes pensando lo mismo en el momento: como hemos visto en el trailer de Bioshock Infinite, la hermosa protagonista, Elizabeth, también es capaz de invocar un poder similar, creando burbujas de “otros momentos o realidades” en el espacio presente. Oh sí, el 2012 promete ser un año muy interesante.

El objetivo de Void consiste en recorrer el museo en ruinas y encontrar su salida con ayuda del visor, y el guante de poder para traer el pasado al presente, aunque sólo sea momentáneamente. Veamos un ejemplo de su uso. En un corredor, el avance del jugador se puede ver cortado abruptamente: el suelo está derruido y hay un foso insalvable en su lugar. Usando el visor podemos observar que en el pasado el pasillo transcurría sin mácula alguna. Usando el guante de poder lanzamos una burbuja que trae el pasado al presente. De esta forma los elementos destrozados del entorno se recuperan ante la mirada atónita, creando un puente sobre el agujero, y permitiendo avanzar en el obstáculo del camino. Además el guante de poder es capaz de traer objetos del pasado al presente para nuestro beneficio: llaves perdidas, interruptores que dejaron de funcionar, etc.

Es difícil expresar el asombro que saldrá de tu boca al verlo en movimiento, para apreciar lo innovador del concepto es mejor que lo juegues tu mismo.

La ausencia de historia es paradójica, pues por el contrario la estética visual está muy detallada: el museo en ruinas, los objetos y el visor del pasado, nos hablan de un universo de estética victoriana; mientras que el guante de poder del protagonista, es de corte futurista; todo ello denota un estudiado ambiente y un universo definido, donde un pasado de riquezas victorianas y quizás steampunk, han sucumbido ante un holocausto, quizás una distopia; con lo cual resulta extraño que no hayan aportado un atisbo de historia. Quizás se lo están reservando para una versión extendida, completa y comercial del juego.

El diseño del juego es muy notable, un gran trabajo de tan sólo seis estudiantes que ha consistido en la construcción y diseño de dos mundos, el pasado y el presente, con el objetivo de proporcionar una jugabilidad donde el jugador compara y usa las diferencias entre ambos mundos para superar los obstáculos.

El juego está realizado sobre el motor de Valve, Source, concretamente usan recursos de Source del 2006 y 2007, por tanto podríamos esperar un apartado visual algo obsoleto. Pero no es el caso, el juego luce muy bien y el entorno se percibe rico en detalles y hermoso en su decadencia. Quizás las zonas de juego donde hay que bucear debajo del agua requerirían un mejor trabajo, pero visualmente Void es espectacular.

La duración de esta “demo” es satisfactoria, aunque a la larga, los puzzles se hacen algo repetitivos y gastados, una demostración de que cuando estos brillantes estudiantes decidan forjar un juego completo, deberán de esforzarse mucho y traer una historia a la altura del concepto.

Puedes descargar Void gratis desde Digipen, necesitarás Steam como requisito para instalar el Source Engine de Valve, y se instala de forma algo rara, pero merece la pena, sólo para poder decir: “yo estuve allí en el nacimiento de una nueva mecánica de juego, brillante y gloriosa”.

Su equipo de desarrollo, Hitbox Team, de cuatro personas, ha estado trabajando duro para alcanzar la publicación de su plataformas de limpieza en Steam. El juego incluye 50 escenarios de dificultad variada, puntuaciones online, repeticiones online, y multijugador para cuatro jugadores en el mismo ordenador, que se lo pasarán pipa compitiendo y quitandose el polvo entre si.

El juego viene sin demo, aunque aún puedes decargar la antigua demo/prototipo y probar antes de decidirte. Pero ten en cuenta que es un motor viejo, y el juego actual corre mucho más fluido y mucho más bonito. Si te gustan los plataformas que necesitan de habilidad, créeme, Dustforce te encantará. Avisaré cuando tengan una demo más reciente.

Dustforce está disponible vía Steam for 6.29 euros (con un 10% de descuento), de momento sólo para Windows. Aunque hay planeada una actualización para Mac y Linux. Seguiremos informando de los progresos de Hitbox en cuanto a su distribución.

El trailer oficial, tras el salto.

Puedes ver más videos en la web oficial de Dustforce.

Algunas voces críticas indican que el “hype”, ese anglicismo que significa “bombo”, se le está dando mucho bombo, antes de que haya salido a la venta, que hay una gran anticipación de ese título; que la anticipación de Bioshock Infinite es exageradísima. Pero es una anticipación que se siente natural, no es hype artificial, como pudo haber sido el del Bioshock original, aunque al final cumplió las expectativas con creces. Bioshock es probablemente uno de los mejores juegos de la historia, sino el mejor (depende de las opiniones, para mi está el número 1), y por tanto es normal que el equipo de desarrolladores de Irrational Games, esté en disposición de igualar o superar la impresionante experiencia que es Bioshock.

Sólo hay que ver el último trailer realizado por completo con metraje de una partida para estar muy emocionado… tras el salto.

Gryzor87 y Locomalito han sido muy amables en estas últimas semanas de desarrollo en responder a unos emails para que así puedan presentar el juego ellos mismos. La entrevista sigue a continuación…

Ruber: Bueno chicos, ¿como os va la vida? en torno a los videojuegos y música?, ¿qué os contáis?

Gryzor87: Bueno, no estamos descansando ni un minuto. Locomalito anda metido en ‘Castilla’ y ‘They came from… Verminest’, y yo además de estos dos videojuegos también estoy desarrollando la banda sonora de otros dos: ‘Wizards’ para iphone, aún en desarrollo, y ‘Penguin Adventure Online‘, para Pc.

Locomalito: eso mismo, yo ando un poco a trompicones terminando Verminest, he tenido un diciembre complicado pero ya me falta poco para terminar :-)

R: Está claro que el proceso de sacar juegos cortos entre largos, os está funcionando muy bien. ¿cómo siente uno que hay que “aparcar” el juego ”largo” y hacer uno más “breve”?

L: hacer un juego largo supone muchísimo trabajo, y a veces llega un punto en el que el esfuerzo pesa más que los resultados o lo divertido del día a día, o simplemente a veces el tema deja de motivarte porque aparece una idea nueva que empieza a rondarte. En esos casos yo creo que lo mejor es parar y dar pie a esa otra cosa, que además de traer un poco aire fresco, ayuda a desconectarte del proyecto grande y hace que lo veas más claro cuando vuelves a el.

G87: En este caso Locomalito me propuso hacer un juego rápido inspirado en aquellos, ya míticos: Galaga/Galaxian/Space Invaders, y como a mí me gusta todo lo que sea clásico en materia de videojuegos, pues me ha hecho bastante ilusión que nos embarquemos en este pequeño paréntesis. A veces estos videojuegos son mucho más frescos y agradecidos que los proyectos ‘grandes’. Pero vamos, hay opiniones para todos los gustos. Yo disfruté muchísimo haciendo ‘HydoraH’ y por otro lado ‘L’abbayé des Morts’ también supuso un gran reto en su pequeña escala.

R: En ese caso, ¿como va el desarrollo de Maldita Castilla, tanto en juego como en música?

L: Cuando publiqué la demo apenas estaba hecho lo que sale en la propia demo, ahora hay casi dos fases completas más, además de muchos ajustes y mejoras en lo que ya había, tanto en el primer capítulo como a nivel de motor de juego. Este juego quiero que quede muy bien, por eso quizá me lleve más tiempo del esperado (de todos modos yo nunca me pongo fechas límite, es tontería porque el día a día es lo que cuenta).

G87: De momento tengo hechos unos 5 o 6 temas largos tipo ‘stage’  o ‘Boss fight’ y otros tantos cortitos tipo ‘game over’ o ‘stage clear’. Es toda una gozada contar con sonidos de FM para hacer este videojuego, pues nos acercan directamente a esos arcades de Capcom con sello sonoro propio. ‘Maldita Castilla’ contará con una banda sonora llena de momentos trepidantes y un sonido puro del chiptune más clásico, tal y como se escuchaban en los salones de juegos de los 80. Para ello estoy estudiando concienzudamente los sonidos y la programación del chip YM2203. Con esto podemos conseguir resultados ‘decentes’. Yo pienso que es algo interesante dar a conocer este tipo de juegos a día de hoy: más acción, más simplicidad, diversión inmediata y mucha adrenalina en cada partida.

R: Oye Gryzor, para los que se hayan perdido el hilo de las múltiples entrevistas que llevamos hechas, explicanos brevemente que es eso del ”sonido FM”.

G87: El sonido FM o modulación de frecuencias, fue un descubrimiento revolucionario que hizo un americano (John Chowning, en 1967) en la Universidad de Stanford, y al poco de desarrollarlo, la empresa Yamaha compró sus patentes y comenzaron la fabricación de chips y sintetizadores en masa. De ahí vino el famosísimo DX7 y todos los chips tipo YM2203 e YM2151 que se usaron en las máquinas de arcade. La FM produce un sonido con sello propio, al ser la única que emplea el sistema de algoritmos con ondas portadoras (carrier) y moduladoras (modulator), de forma que estas últimas que actúan sobre la portadoras y generan una gran variedad de sonidos sintéticos muy ricos en matices, armónicos, timbres y colores. Se podría decir que en materia de chiptune, o sonidos de los arcades antiguos, la FM sin duda ofrece un sonido único e inconfundible. Por esta razón lo hemos elegido para la banda sonora del juego ‘Maldita Castilla’, ya que responde perfectamente a las necesidades y características del juego.

G87: Bueno, yo creo que a Locomalito le encantan las pelis de monstruos gigantes de los 50-60 tipo ‘Tarantula’, ‘Godzilla’, ‘Black Scorpion’, etc, y a modo de homenaje me propuso hacer un arcade espacial vertical tipo Galaga, pero con un toque cincuentero. Además el juego tendrá un elemento sorpresa que muchos encontrarán interesante. Además de esto, hemos apostado por la simplicidad más absoluta: blanco y negro, sonidos de FM y algunas piezas cortas musicales como ‘el despegue’, ‘game over’, ‘boss’, ‘partida nueva’, ‘record absoluto’, ‘combate de monstruos’, etc. También habrá en algunas áreas determinadas una música continua de fondo, pero simple y directa.

L: Yo siempre he querido hacer un juego tipo Galaxian, aunque le tengo mucho respeto a los clásicos, y por eso me lo he querido llevar a un entorno distinto, el de esas películas antiguas donde la ciencia ficción era más ficción que ciencia. Como ha dicho Gryzor87, los insectos espaciales y los monstruos gigantes son algo por lo que no he perdido el gusto desde que era pequeño, y creo que son un buen contexto para hacer notar que se trata de un juego directo, simple y sin pretensiones: tópicos espaciales y jugabilidad sin más.

R: ¿Entonces, el feeling sonoro de donde proviene, Gryzor?

G87: Aquí te puedo contar que hemos limitado deliberadamente el tratamiento, para crear un ambiente ‘crudo’ tal y como tenían los arcades de princios de los 80. Juegos como Galaxian, Amidars, Pengo, Starforce, etc… son algunos elementos de referencia. No he echado mano de modulaciones complejas o arreglos aparatosos. El juego sonará simple pero con un sonido muy puro e inconfundible. Para cuidarlo bien y evitar el ’machine gun effect’, o efecto ametralladora, he probado sonidos que se usarán miles de veces (como el disparo del jugador) y los he suavizado con un filtro especial que les confiere un velo acústico-musical y no daña tanto el oído del jugador. A veces ciertos sonidos repetitivos ‘taladran’ la mente y producen fatiga auditiva. En otros casos producen placer y animan a seguir jugando. Como las máquinas tragaperras. Nuestro juego tendrá muchos elementos ‘tragaperreros’ y procuraremos que el jugador disfrute eliminando formaciones de insectos alienígenas una y otra vez.

G87: Pues supongo que algunas sí lo empleaban, sobre todo para hacer sonidos adictivos (los premios y multiplicadores de puntos). En los salones recreativos se experimentaba mucho con las reacciones de los jugadores, y teníamos máqunas de arcade, tragaperras y “pinballs”, que están en la mitad de unas y otras. Pero cualquiera de estos entretenimientos siempre contaban con sonidos adictivos que invitaban al jugador a repetir una y otra vez.

L: Ese feeling tan particular viene dado tanto por esos sonidos ‘tragaperreros’ como por ciertos elementos visuales como el parpadeo brillante de los objetos que dan puntos: monedas doradas que giran, o grandes sacos de dinero, y los llamativos displays textuales tipo “500″ o “2000″ que son parte de esa cultura heredada de las máquinas de juegos de azar. Todo eso estimula al jugador de una forma sencilla, sin argumentos complejos o valores cinematográficos, lo reduce todo a una persona jugando a un juego por diversión (que es lo que nosotros creemos que debe ser un videojuego)

R: ¿Llamándose el juego igual que una fase de Hydorah, ¿se podría decir que el juego está enmarcado en el mismo universo?

L: Está basado en el mismo universo, aunque está desvinculado como juego. Es decir, que no es necesario haber jugado a Hydorah para entender o saber jugar a Verminest, porque son cosas distintas aunque compartan algunos elementos.

G87: Bueno, yo creo que aunque no sea igual, algo tiene que ver. Los que estén familiarizados con Hydorah verán algunos pocos detalles reconocibles.

R: ¿Por qué un estilo en escala de grises? Sin un ápice de color ¿Qué motivación hay detrás de esa decisión?

G87: Esto tiene que ver con un ingrediente secreto que sera desvelado a su tiempo.

L:  ;-)

R: En ese caso, ¿los gráficos se crearon directamente en blanco y negro, o se convirtió después a escala de grises?

L: son directamente en blanco y negro. Cada sprite usa una paleta de 4 colores (blanco, gris claro, gris oscuro y negro), aunque existen distintas luminosidades para esos 4 colores en los elementos que están al fondo. No hay más misterio que reducir la paleta el mínimo que todavía permite representar volúmenes.

R: Hablando aparte del juego, Gryzor, cuéntanos que tal fue colaborar con el proyecto 25YEAROLDLEGEND, ese increible tributo a la música de Zelda.

G87: Bueno, unos señores que llevan una web llamada OC Remix se pusieron en contacto conmigo para realizar una versión libre de un tema relacionado directa o indirectamente con la famosa saga Zelda, y yo acepté encantado. Luego resultó que tambien participaban grandes artistas como Magnus Palsson (VVVVVV) o Laura Shigiara (Minecraft song Cube Land, Plants vs Zombies) y la verdad es que es un honor. Yo me centré en arreglar un par de temas con sonidos orquestales: ‘Ilia’s Theme’ y ‘Dark World’, y luego colgué el resultado en Youtube, para todos los fans de la saga.

R: ¿En qué fase del desarrollo está Maldita Castilla?

G87: Ahora mismo estamos en fase de descanso, pero muy pronto lo retomaremos con más fuerza que nunca :-)))

R: Por cierto, hecho de menos el Muselar, ¿aparecerá en la BSO de MalditaCastilla? ¿O va a ser absolutamente todo sintetizado? ¿Quizás un Muselar sintetizado XD?

G87:  Me temo que no aparecerá en Maldita Castilla, pues sólo usaré sonidos de FM. Pero tengo un proyecto a medio-largo plazo con el muselaar.

R: ¿Cómo de larga será la banda sonora de Maldita Castilla? ¿Tan monumental como la de Hydorah? ¿O quizás es un trabajo más fresco, y menos exhaustivo como los ambientes de Hydorah?

G87: Maldita Castilla contará con multitud de situaciones y circunstancias especiales que contarán con su propio ambiente sonoro, y así por encima podríamos estar hablando de 30 o 40 piezas, que sin llegar a ser tan extenso como el repertorio de Hydorah, cubre bastantes espacios en el desarrollo de la historia. Nos hemos planteado el juego como una serie de capítulos o pasajes tal y como sucede en las novelas de caballeros. Por ejemplo, cuando Don Ramiro -el protagonista- baja a las bodegas pues ponemos un ambiente de misterio/aventura con ciertos tintes de intriga, y cuando sale a la superficie por un castillo, pues empleamos algo más épico / de acción. La idea es ‘vestir’ el juego tanto con la música como con los gráficos de fondo para que todo resulte homogéneo.

L: En número de fases será más corto que Hydorah, aunque si habrá interludios y escenarios cortos que necesitarán su propia música. Aunque todo eso se irá viendo sobre la marcha, nunca se sabe como acabará siendo todo al final. No creo que vuelva a ocurrir, pero en principio Hydorah sólo iba a tener 5 fases :-X

R: Aunque no tengamos a Marek hoy con nosotros, sería una pena no mencionarle. ¿Qué tal la portada para el juego de la mano de Marek Barej? ¿Algo que comentar sobre tu manera de trabajar con él, si le dejas a su libre albedrío o le sugieres unas directrices? ¿Y de que van esas chulísimas cartas de coleccionista que han ido apareciendo en tu twitter?

L: Marek está liado ahora con la ilustración de la portada. Cuando le envié las primeras capturas del juego empezó a hacer de forma espontánea esas ilustraciones que luego hemos utilizado para las cartas de colección. En principio no tenían un fin, y como el manual va a ser muy sencillo, apenas hay espacio para ellas, por lo que me pareció buena idea hacer estar cartas para ir publicándolas y que se fuese entendiendo el contexto del juego un poco antes de que saliera, además de ir presentando algunos tipos de enemigos.

Normalmente para trabajar con Marek, lo que hacemos es que le envío unas capturas de pantalla, y unas imágenes conceptuales de películas o póstes antiguos, y el hace una interpretación a su manera, basandose
en el material del juego. Yo creo que es interesante que las cosas en la portada se vean desde otro punto de vista, le da más amplitud al juego.

En Maldita Castilla ha sido muy parecido, de hecho, además de la portada que hay subida, hay una posible versión alternativa para el juego final y una colección de imágenes de enemigos sueltos, que es posible que formen parte de una colección de pósters o de unas nuevas cartas de colección.

R: Estaremos pendientes de futuras noticias sobre Maldita Castilla y el muselaar. Gracias a los dos por vuestro tiempo.

G87: Bueno, vamos a ver cómo resulta el próximo juego y tras un breve descanso seguro que empezamos otro nuevo, cuando hayamos recuperado fuerzas. Gracias a vosotros por todo el apoyo que ofrecéis en vuestra web. Todo un honor.

L: ¡Gracias por el apoyo y un saludo!

En esta convocatoria los juegos disponibles son:

Jamestown, Bit.Trip Runner, Super Meat Boy, Shank, y NightSky HD.

Todos juegos indies de primer orden y muy recomendables. Algunos no necesitan ni presentación,  Super Meat Boy, mejor juego del 2010 (indie seguro y mainstream, no me acuerdo); Bit.Trip Runner, el juego de la serie Bit.Trip mejor valorado, que surgió originariamente para Wii y ahora está disponible para Steam; Shank, es un juego de acción en 2D con arte espectacular en HD; Night Sky, un juego de habilidad fenomenal aunque muy difícil de Nifflas, de fama mundial por Knytt Stories; y Jamestown es un shooter de naves de scroll vertical, pero con un arte visual excelente y muy original al estar ambientado en la época tras la colonización de América por parte de los españoles, sólo que está situado en la nueva frontera de la colonización marciana, en un universo alternativo Steampunk.

Las ONGs de caridad son American Red Cross (la cruz roja) y Child’s Play.

Además, Unepic está participando en los premios Indie of the Year 2011 organizado por IndieDB; ya ha superado los votos para los mejores 1000 del año de entre cinco mil y pico; y ahora la votación sigue actualmente abierta hasta el día 20 de Diciembre para votar a los mejores 100. Si opinas que Unepic es uno de los mejores juegos del año, o si sencillamente, quieres apoyar a este desarrollador español, clica en el siguiente enlace para dejar tu voto a Unepic como juego indie del 2011.

Una vez votado no olvides promocionar el juego entre tus amigos y asociados de redes sociales.

El trailer tras el salto…

Hyper Princess Pitch es una pasada arcade de la mano de uno de mis desarrolladores indies favoritos. Si aún no conoces a Daniel o aún no me has oído hablar de él, ve a su web y alucina con sus juegos.

El odio de la navidad por parte de Daniel es patente, ya que tiene otro juego de buen espíritu anti-navideño: Gnome Garden Carnage, donde un gnomo de jardín debe luchar contra hordas de seguidores de Papá Noel.

Se ve que no quedó del todo resarcido que ha vuelto a las andadas con esta maravilla de juego de disparos en arena. Un juego muy breve pero con mucha acción, excelente música chiptune y mucha rejugabilidad.

Hyper Princess Pitch, narra la incursión en el cuartel general de Papá Noel robótico de la homónima princesa. Con una perspectiva cenital (aunque los personajes lucen de perfil), Pitch va de sala en sala arrasando con su armamento de ladrillos, disparos arcoiris, y hielo; a todo elemento robótico navideño que se le ponga por delante. Sigue fielmente las mecánicas de los juegos de arena, desde tiempos inmemoriables como Smash TV, o más recientemente como The Binding of Isaac. En cada sala, todas las puertas se cierran, y oleadas de enemigos tratarán de impedir la merecida venganza. Al vencerles, sólo unas cuántas puertas se abren, pudiendo explorar semilibremente, pero siempre avanzando hacia el jefe de final de fase, y por último lugar al gran jefe de todos, Mecha Noel.

Los gráficos son resultones, sin llegar a ser brillantes, el apartado gráfico nunca ha sido el fuerte de Daniel Remar, pero ofrece una experienca excitante repleta de acción multicolor (aunque las animaciones son estupendas, Remar tiene un gran sentido de la acción y el movimiento). La música, de la mano de Niklas Ström, es un punto aparte, es demoledora, excelente música chiptune super-marchosa que  acompaña con precisión la acción en pantalla.

La jugabilidad es perfecta. Un perfecto juego de acción, aunque se le pueden achacar dos cosas: una que es un juego muy corto, y otra el control. El control sigue el esquema habitual añejo de que cuando disparas, la dirección del disparo se bloquea de forma que podemos movernos mientras barremos siempre para el mismo lado. Pero desde The Binding of Isaac, donde el movimiento y el disparo son independientes usando dos crucetas (AWSD para movimiento, cursores para disparar) o dos joysticks (de un pad), los fans de los juegos indies prefieren este esquema de control más avanzado, y no pueden dejar de sentir que el antiguo esquema de Hyper Princess Pitch o de Voxatron, están algo anticuados y necesitan de una actualización.

En cuanto a que el juego es muy corto… Bueno. Es puro arcade, casi le falta que le eches una moneda de 5 duros. Se llega muy rápido a vencer a Mecha Santa, pero el juego tiene diversos niveles de dificultad y diversos extras a modo de combos de llaves de combate al más puro estilo Street Fighter destinados a fomentar una nueva partida aún más difícil y con más recursos. Los combos se van desbloqueando conforme pasamos cada nivel de dificultad; eso unido a los diversos recorridos que hacen que dos partidas no sean iguales, convierten el volver a jugar en un verdadero placer.

Hyper Princess Pitch es puro Rock and Roll pixelado. Es puro arcade. Es una pasada. Awesome!

18 canciones por 18 artistas, entre los cuales se encuentran Disasterpeace (Fez), Laura Shigihara (Plants vs. Zombies), C418 (Minecraft), Souleye (VVVVVV), nuestro malagueño Gryzor 87 (Hydorah, Maldita Castilla), entre otros.

Roger Hicks, el músico que ha dirigido este proyecto comenta acerca del método de selección de los músicos:

“Contacté con todo aquel que era alguien en la comunidad indie que escribiese música. Tan sólo hice 3 preguntas; ha sido tu música influenciada por Zelda, eres un fan de la serie de Zelda, y estarías interesado en contribuir al álbum.”

Y menudo álbum. Es un estupendo viaje por la legenda, revisitando algunas de las muchas composiciones que a lo largo del tiempo han enriquecido la serie. Las bandas sonoras de Zelda se han convertido por derecho propio, en su propia leyenda, y este disco rememora algunas de las piezas más notables de una manera muy especial y con el sello personal de cada músico.

25YEAROLDLEGEND, como disco, viene muy completo, con textos introductorios, créditos completos y portadas en alta resolución para impresión, además de en formatos de alta calidad sonora, tales como mp3 320 K y FLAC. Descárgalo desde su página web oficial.

Tras el salto, el trailer.

Los juegos incluidos en este paquete son Darwinia, Multiwinia, Uplink y Defcon. Los extras son Cranyon Physics Deluxe y Aquaria.

Sigue leyendo para saber los detalles y ver el trailer.

Como siempre las reglas son:

• Paga lo que quieras.
• Sin DRM (ninguna protección anticopia intrusiva).
• Multiplataforma.
• Ayuda a caridad.
• Redimible en Steam.

Puedes pagar cualquier cantidad que desees, aunque hay unos precios recomendados: 100, 50, 25, 15 (todos en dólares). Con la posibilidad de elegir los porcentajes de lo que pagues entre cada uno de los participantes: entre los desarrolladores, 2 organizaciones de caridad, y una propina para los organizadores de los Humble Bundle.

Las ONGs son Electronic Frontier Foundation y Child’s Play. La EFF es una organización sin ánimo de lucro que aglutina a abogados, técnicos y voluntarios que velan por la privacidad y la libertad de expresión en internet. Child’s Play, se dedica a llevar juegos y sistemas de juegos hasta niños enfermos en hospitales donde más necesitan esos momentos de alegría y diversión que los juegos nos dan.

Si se paga más de la media, que en la actualidad va por 3,54, el bundle añade Aquaria y Cranyon Physics Deluxe, dos juegos, que de por sí, valen de sobra cualquier precio que puedas ofrecer.

La serie de Darwinia usa un argumento parecido a Tron, en cuanto a que el jugador es el creador de un mundo repleto de vida artificial, donde podremos entrar y guiar a sus diminutos seres a prevalecer sobre sus enemigos. Multiwinia, la continuación, es en principio, el modo multijugador en el universo de Dawinia.

Uplink, trata sobre hackers.

Y Defcon, es una excelente reproducción del “Guerra Termonuclear Global” de la película de culto Juegos de Guerra, para varios jugadores, donde se lo pasarán pipa lanzándose cabezas nucleares unos a otros en busca del nuestro destino final: el apocalipsis atómico.

No puedo expresar con magnitud y claridad qué grande oportunidad presenta esta oferta, tan sólo me queda deciros que vayáis a la web del Humble Introversion Bundle y clicando sobre cada juego podéis leer más detalles y ver sus correspondientes trailers. Además, en la web oficial de Introversion podéis encontrar las demos, por si queréis probar antes de comprar.

La oferta termina en 13 días, el día 6 de Diciembre.

]]> http://www.gameunder.es/nuevo-indie-humble-bundle/feed/ 2 http://www.gameunder.es/nuevo-indie-humble-bundle/ http://feedproxy.google.com/~r/gameunder/eRhl/~3/CzbVcS_eh-g/ http://www.gameunder.es/altcode-ascii-shump/#comments Tue, 22 Nov 2011 18:43:45 +0000 Ruber Eaglenest http://www.gameunder.es/?p=6410 Altcode es un juego de naves de scroll horizontal, donde oleadas de enemigos tras enemigos tratan de derribar nuestra nave, mientras avanzamos inexorablemente por el polvo cósmico con la ayuda de diversos objetos power-up.

La diferencia con el resto de juegos de naves comunes, es que está completamente renderizado con letras ASCII, en un espectáculo multicolor excelente, del cual no me molesto en poner pantallazos porque hay que verlo en movimiento.

Aparte de la virguería retro-visual, el juego proporciona 3 tipos de naves: una ligera y maniobrable, una pesada con gran poder destructivo, y una mediana como término medio. Todas ellas portan un escudo de energía como defensa pasiva, que se puede regenerar recogiendo el objeto adecuado. Además cada vez que se dispara la nave pierde velocidad, de modo que si se requiere un esprint para maniobrar, hay que soltar el dedo del gatillo. Una mecánica ligeramente original en el género de las naves. El juego se controla con los cursores y la tecla C para disparar.

Puedes descargar el juego gratuitamente desde la web del autor FrankieSmileShow; que tiene una banda sonora chiptune de infarto. El trailer tras el salto.

]]> http://www.gameunder.es/altcode-ascii-shump/feed/ 1 http://www.gameunder.es/altcode-ascii-shump/ http://feedproxy.google.com/~r/gameunder/eRhl/~3/0tCDi8HrsXQ/ http://www.gameunder.es/atom-zombie-smasher-2/#comments Thu, 17 Nov 2011 17:25:51 +0000 Ruber Eaglenest http://www.gameunder.es/?p=6377 Blendo Games es una compañía de un sólo hombre, Brandon Chung; un desarrollador independiente proveniente del mundillo de los mods. Tiene en su haber módulos para Half Life, Half Life 2, Quake 2, Doom, Doom 3, entre otros. Sorprendió al mundo con su aventura cómica de espías surrealista Gravity Bone, realizada integramente en el motor del Quake 2, con un estilo tan personal e innovador que consiguió un aspecto gráfico vanguardista para un motor ya desfasado. Gravity Bone es un clásico moderno, absolutamente imprescindible, hazte un favor y descárgalo.

Atom Zombie Smasher es su primer gran éxito comercial. Aunque tiene 2 juegos a la venta anteriores: un “Homeworld” llamado Flotilla, y un juego de aviones educativo, llamado Air Forte. Atom Zombie Smasher fue anterior en concepto y ambición. En él mataremos zombies (ZEDs de forma abreviada) pero desde una perspectiva privilegiada, a bordo del Zeppelin que es el Comando Orbital, encargado de transportar las tropas mercenarias a las zonas infectadas, y de dirigir sus órdenes. La perspectiva es cenital de la ciudad, los zombies son puntitos morados y los supervivientes puntitos amarillos. Por tanto estamos alejados del hiperrealismo y del triple AAA. Aún así, Atom Zombie Smasher es uno de los mejores juegos de zombies que he probado en mi vida, y posiblemente el más adictivo (a la par de Left 4 Dead); y no estoy exagerando.

Atom Zombie Smasher es un juego de estrategia táctica. Una simulación del apocalipsis zombie que transcurre en la ciudad ficticia de Nuevos Aires. El objetivo principal es volar hasta secciones de la ciudad y rescatar el máximo número de supervivientes usando un helicóptero de rescate marítimo. Se designa la zona de aterrizaje, y al llegar tocará su bocina atrayendo a los supervivientes (los puntitos amarillos). Mientras tanto por ciertas calles del área entrarán inexorables los ZEDs, los cuales al entrar en contacto con los supervivientes, extenderán la infección.

Tras evacuar cada zona, se vuelve al mapa global, donde se contratan nuevas unidades mercenarias (de forma aleatoria), o se aumentan sus capacidades. Desde infantería de a pié, hasta artillería pesada, pasando por minas, francotiradores o bombas de olor que atraen a los ZEDs. Una vez que se poseen todos los tipos posibles de unidades, el juego sólo nos permitirá abordar cada zona con un número muy limitado de mercenarios, y asignadas de forma aleatoria (el resto se suponen que están en misiones lejanas). Esto hace que la sencilla decisión de abordar una zona u otra, adquiera una profundidad estratégica mayor, ya que cada combinación de unidades será mejor para el tipo de misión que deseemos acometer.

La comodidad del sillón del Comando Orbital, hace posible el tomar decisiones difíciles cuando están en juego tantas vidas humanas. En más de una ocasión un ligero rastro de duda frenará nuestro dedo antes de hacer clic sobre una zona a bombardear para detener el avance ZED donde hay unos cuantos supervivientes en medio. Pero son daños colaterales despreciables ante el beneficio de la mayoría y el éxito de la misión.

Cada zona puede tener un nivel de infección desde 1 a 4, siendo 1, la infección menor, y 4 el “estallido epidémico”, donde no quedan supervivientes, y entonces la misión consiste en erradicar por completo a los ZED. Para más inri, cada día de trabajo (las misiones transcurren a la luz del día, con un cronómetro descendente que marca la llegada de la noche, cuando los ZEDs se desbordan por completo) ocurren sucesos aleatorios tales como “menor duración del día”, “mayor cantidad de ZEDs”, “problemas con el motor del helicóptero, irá más lento”, etc. Por tanto es imprescindible tomar una buena decisión teniendo en cuenta todos esos parámetros, teniendo en cuenta las unidades que tenemos, el nivel de infección y las circunstancias. El jugador puede optar en un territorio por tratar de erradicar todos los ZEDs antes de que caiga la noche, así la zona quedará “tomada” a nuestro favor, aportándonos puntos de victoria adicionales.

En definitiva, los eventos y asignación de tropas aleatorias hacen que cada fase deba de abordarse de forma diferente, poniendo a prueba la capacidad táctica y flexibilidad del jugador. Mucho más divertido que si siempre se dispusiese de los mismos tipos de tropas.

En el mapa global existe un “marcador de victoria”, en el cual se registran los progresos del jugador versus los puntos de victoria de los zombies. El crecimiento de estos y la infección de las zonas crece a ritmo exponencial, ya que por cada zona que evacuas o liberas, los ZEDs invaden dos. Además, las zonas con estallido epidémico se desbordarán invadiendo las zonas adyacentes en el mapa. Hacia la mitad de la campaña, se hace evidente que liberar Nuevos Aires de la epidemia ZED es una tarea imposible. Por tanto Atom Zombie Smasher es la historia de un fracaso. De un apocalipsis zombie inevitable. En términos de dificultad: es un juego imposible.

Pero esto está contemplado por el diseñador, una vez que se juega a toda la campaña terminando en fracaso, el juego desbloquea unos modificadores que permiten suavizar y hacer más asequible la partida. No se sienten como trampa, ya que el diseñador así lo ha querido. Pero cuidado con ellos, demasiados y será muy fácil. Por otro lado, es posible ganar con los ajustes originales si se tiene mucha suerte en la repartición de mercenarios.

El marco que rodea al juego, la interfaz, los menús, la portada y el contenido, son sencillamente asombrosos. Toda una lección de diseño de interfaces e integración de la web 2.0. El juego está repleto de enlaces al blog explicando los pormenores de su desarrollo, últimos tweets, enlaces a facebook, acceso directo a mods, formulario para enviar un reporte de bugs, e incluso un administrador de archivos de actualización. Así mismo, cuenta con una enciclopedia que sirve tanto de instrucciones del juego, como explicación del contexto e historia, todo interrelacionado con el universo creado.

A modo de extras desbloqueables, el juego nos va contando el contexto, una historia relacionada con El Presidente del país, sus gentes y algunos de los protagonistas directos. Esta historia se cuenta a través unos comics en un universo surrealista con toques de humor. Los cómics y el diseño gráfico en general, es simple, aunque efectivo y carismático. Y el surrealismo salpica las mecánicas de juego, por ejemplo, las unidades de infantería son inmunes a los zombies aunque pasen justico por su lado, ya que “portan perros híbridos, lo cual hace a la unidad de infantería prácticamente impermeable a la infección Zed“.

Durante la operación LIMPIEZA PRIMAVERAL, El Presidente avanza desbocado por Comando Orbital.

Dos ametralladoras gemelas está unidas a su “pulmón de hierro”. Estas disparan sin parar.

Al fin entra en la sala de guerra principal.

“… Caballeros!”

Uno de los apartados fuertes del juego es la música, dejando aparte los efectos sonoros, que son efectivos (un poco más de ruido de marabunta y gritos humanos le habría venido bien); la banda sonora es absolutamente alucinante. Estilo rock americano de los 60, como The Shadows pero tirando al estilo surfero. Es un placer matar zombies con este ambiente tan decadente propiciado por el universo surrealista y tan excelente banda sonora, que está a cargo de dos grupos,  The Volcanics y The Beechwoods.

Resumiendo. Atom Zombie Smasher es un imprescindible para todos los amantes del apocalipsis zombie. Ofrece una manera fresca y original de presentar el conflicto habitual con los “no-muertos” ya tan gastado por la ingente cantidad de juegos existentes. Con un estilo visual sencillo pero lleno de carisma, junto con el muy personal estilo del autor en cuanto a surrealismo humorístico, es sin duda, uno de los juegos más adictivos… del género iba a decir, si es que se pudiese encasillar tan fácilmente. Su precio ronda los 10 euros en Steam, y suele ser un juego habitual de ver en descuentos y promociones indies varias, habiendo participado en el Indie Humbe Bundle hace tiempo. Sólo tienes que probar la demo para quedar prácticamente enganchado.

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Disfruta ahora con esta exclusiva camiseta con un diseño único de Game Under representando el protagonista huyendo, en llamas, de un Ghast enfadado. La camiseta es unisex, hecha 100% de algodón orgánico de alta calidad de 165g/m².

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Disfruta ahora con esta exclusiva camiseta con un diseño único de Game Under representando el protagonista a punto de ser víctima de un Creeper. La camiseta es unisex, hecha 100% de algodón orgánico de alta calidad de 165g/m².

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Se presenta en una caja de gran lujo y acabado.

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Además, cada figura posee cuatro diferentes modelos de brazos y dos pares de piernas, permitiendo combinar la pose en hasta 18 posturas diferentes.

En la base de las figuras, en los pies, cuenta con imanes para que estén perfectamente sujetos a sus peanas de metal. Además, como cada figura de ARTFX, son ensambables con facilidad: no se necesita pegamento: con un poco de presión, haces click y listo.

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