Casi 30 euros por 10 juegos que han sido a lo largo de su historia finalistas y ganadores del festival IGF. La lista, impresionante, es:

World of Goo
Puzzlegeddon
Gish
The Maw
Braid
Cogs
Aaaaa!
Osmos
Machinarium
Crayon Physics Deluxe

Es posible que ya poseas algunos de estos, pero sólo para tener el resto merece la pena. De todos ellos voy a destacar Machinarium, Aaaaa!, Braid y Crayon Physics Deluxe, unas novedades de menos de 2 años que no han estado tan disponibles en ofertas de este tipo, y sin duda, merecen la pena.

La oferta es de tiempo limitado, hasta el 3 de agosto, próximo martes, lo suficiente para hacer indagaciones y decidirse. No lo dudes, googlea por todos los juegos a ver si una buena cantidad de ellos son de tu interés. Personalmente te puedo decir que la lista es ciertamente impresionante.

Dentro de la página de Direct2Drive puedes ver vídeos de cada uno de los juegos.

¿Te gusta jugar a las aventuras gráficas tanto como a mi, y deseas aprender más sobre ellas? El libro de las Aventuras Gráficas es la historia, en su mayor parte correcta, de los juegos de aventuras de Lucasfilm, Sierra y otros, extraido de las páginas de la Wikipedia. El libro contiene las historias detrás de juegos como Loom, Labyrinth, Mystery House, Maniac Mansion, Space Quest, The Secret of Monkey Island, King’s Quest, Myst, Zork Nemesis y Leisure Suit Larry.El libro está basado en las páginas y artículos de la Wikipedia, usados como fuente y posteriormente editados y añadidos al libro. Muchos autores de juegos, tales como Al Lowe, David Fox y Peter Langston, son entrevistados y proveen de un contexto histórico adicional a estos juegos. El libro tiene unas 500 páginas, montones de pantallazos de los viejos juegos, y cuesta 29 dólares. Creado por los autores de la Wikipedia, compilado y editado por Phillipp Lenssen, con entrevistas originales y más. La mitad de los beneficios van para la Fundación Wikimedia. (ISBN: 978-0-557-41207-5)

Se puede comprar desde Amazon, o Lulú, o descargar una versión gratuita compilado en formato web descargable; todo ello desde la web oficial.

Una iniciativa estupenda, que con todo el material extra, supone una lectura interesante e imprescindible.

Más información y otro trailer tras el salto…

Además del trailer, EA ha desvelado parte de la historia de la secuela:

“Alice: Madness Returns toma lugar 10 años después de la conclusión del juego original, con Alicia luchando por recuperarse del trauma emocional de haber perdido a toda su familia en el fuego fatal.

Tras pasar una década institucionalizada en un manicomio, ella, finalmente consigue salir bajo la tutela de un psiquiatra que pretende ayudarla a conquistar sus alucinaciones de pesadilla que aún la acechan. Alicia se embarca en la misión de encontrar la verdadera razón de la misteriosa muerte de su familia. Saltando desde un sombrío y lúgubre Londres, a un rico y provocativo País de las Maravillas.“

El retorno ha creado tanta expectación, que hay muchos trailers falsos sobre la continuación, pero hay uno en concreto que es espectacular, realizado por amor a la franquicia, de una calidad tal que consiguió engañar a todos, hasta que finalmente el propio American desmintió la oficialidad del trailer en su blog de desarrollo.

Desde la web oficial puedes descargar fondos de escritorio y ver las primeras imágenes de este esperadísimo título programado para el 2011.

Nos pone en la piel de una especie de explorador enfundado en un traje estanco y con un aparato que lee los pensamientos de la gente. El tiempo está congelado, salvo para el explorador y su compañero, en un momento importante de la historia de la humanidad. El explorador se lanza al vacío por la fachada rota de un edificio y… vuela. Se puede posar en las superficies y escanear así las ideas de la gente. Se obtiene un inventario de humanidad en ese momento histórico. Esto se puede hacer incluso mientras se vuela, pero el juego no responde a esta característica como debería. Sería fenomenal poder volar en rasante escaneando por encima de las cabezas de los ciudadanos y crear una estela de salpicaduras de pensamientos.

La experiencia permite cierta exploración y un pequeño puzzle, con un par de finales. La música no tiene una calidad de grabación acorde con la calidad de juego, pero la temática es acorde y es un buen tema para volar entre rascacielos. Un gran concepto, que esperemos Molleindustria desarrolle en más profundidad, o que otros diseñadores recojan el testigo.

Pulsa aquí para volar.

Para saber más de Molleindustria y sus controvertidos juegos, te invito a leer un comentario de otra obra suya que hice en la revista sobre literatura digital, Literactiva, donde hago, además, un breve resumen de su trayectoria.

El certamen busca la originalidad, creatividad e innovación de empresas profesionales del sector de los videojuegos. Deberán ser trabajos relativamente nuevos, desde el 1 de enero de 2009, hasta la actualidad, pudiendo presentarse trabajos en desarrollo aunque al menos con una fase jugable.

Dos de los puntos de las bases me parecen excesivos:

“1.2. El tema y el género son libres. No se admiten juegos que inciten a la
violencia, a cualquier tipo de discriminación o que puedan resultar
ofensivas para algún colectivo.”

Y el plazo de entrega es el 31 de Julio de este año.

El primero, siendo este, por lo general, un medio violento, me parece una regla demasiado limitadora.  ¿Quién decide si un juego incita a la violencia o no? ¿Es Mario un genocida o un pacificador? Además, esa regla previene que se presenten trabajos críticos, en el sentido del arte contemporáneo. Una obra de arte crítica con la sociedad siempre “puede resultar ofensiva para algún colectivo.” Por ejemplo no se podría presentar un juego que fuese una crítica contra la doble moral de la iglesia Católica (preservativos vs pederastia). Y la fecha de presentación es demasiado, 31 de Julio del año que viene estaría mejor.

Aún así les deseo suerte, y estaremos atentos al 31 de agosto cuando se anunciarán los juegos seleccionados.

Los premios, relativamente modestos son los siguientes:

Premio mejor idea original, 6.000 €
Premio mejor diseño creativo, 6.000 €
Premio mejor sonido/música, 6.000 €
Premio mejor jugabilidad, 6.000 €
Premio especial del público, 6.000 €
Premio mejor videojuego vasco, 6.000 €

Más información en la web de Alhóndiga.

El talento de Black Cat Games no pasó desapercibido y fueron contratados por Valve, donde han estado trabajando en Left 4 Dead y Portal 2. En sus ratos libres han retomado Alien Swarm para el motor Source; y Valve lo ha publicado gratis. Además, el juego viene con el código fuente disponible a modo de ejemplo de programación con Source y demostración de las características del motor.

Tras el salto el trailer promocional. Para descargar, debes tener instalado Steam en tu ordenador. Pulsa aquí para ir a la ficha del juego en Steam.

Clica aquí, y no te molestes en descargar la demo, ve a por el juego directamente. Pero dejemos el mal rollo aparte y celebremos esta maravilla que tenemos entre manos…

Aunque se llame The Spirit Engine 2, con un 2 al final, no hagas caso, The Spirit Engine fue un RPG gratuito del 2003 con un sistema de combate táctico en tiempo real, aunque por tiempo de reacción (el tiempo va pasando, y cuando un personaje está preparado, lanzará su acción o ataque), pero que padece de los síntomas de un autor novel, como dice el mismo Mark Pay, aunque mucha gente lo ha disfrutado.. De esos cimientos surgió The Spirit Engine 2, misma filosofía de juego, pero mejorando todas las mecánicas hasta la perfección. A eso le puedes añadir una historia profunda e importante, un diseño de arte original, un universo propio muy rico, y una banda sonora de Josh Whelchel inmensa y evocadora.

El juego transcurre en 2D con un scroll lateral sin plataformas, en un mundo vibrante con un diseño artístico que no sabría definir bien: es un estilo propio del autor, que no llega a ser manga, aunque sus personajes son cabezones, sin llegar a ser estilo chibi. Donde más destaca el arte visual es en la composición de escenarios, y en el diseño de los monstruos y seres que pueblan el mundo de Medea: una fauna y flora exuberante y original. Aún así, el tiene un cierto aire retro, gracias a las animaciones simples. Se dice que el mínimo de fotogramas para realizar una animación son 3, y efectivamente, todas las animaciones de andar, correr, o permanecer en el sitio esperando, tienen tan sólo 3 fotogramas. Esto no desmejora la experiencia, sencillamente es una decisión estética de diseño que encaja perfectamente con el resto del juego. Además, la resolución es relativamente baja, por lo cual se ve y se siente algo pixelado. Aunque en este caso, una definición mayor mejoraría la calidad visual del juego.

El diseño de audio es normal sino fuese por la increíble banda sonora. Son más de 3 horas de música variada, en sintonía con cada capítulo, o ambientes, desde melodías muy arcade que acompañan en las luchas con los monstruos finales de fase, a canciones contemplativas de exquisita delicadeza. Excelentes trabajos vocales, cuerdas sintetizadas, todo muy inspirado y evocador. Mi capacidad como crítico musical no puede hacer justicia a tan magna obra, así que es mejor que lo escuches por ti mismo. A continuación una de las canciones de la excelente banda sonora del juego, compuesta por Josh Whelchel.

Una vez terminada la canción puedes seguir escuchando partes de la banda sonora clicando en los accesos directos que proporciona youtube, te servirá de ambiente para continuar leyendo el artículo. La banda sonora está a la venta en la web personal del compositor. Son 4 cds, con más de 3 horas de música, y contenidos adicionales que finalmente no entraron en el juego. Todo a un precio de “paga lo que quieras”, incluso puedes obtenerla gratis en calidad sin pérdida FLAC (alta definición, alta fidelidad de audio) introduciendo 0$ en el precio.

Al iniciar la partida, permite elegir tres de entre nueve personajes distintos para formar el equipo. Serán tres personajes que se encuentran al azar en un bosque oscuro del país de Lefertain, y que se ven obligados a formar equipo al presenciar el asesinato despiadado de un niño indefenso a manos de un miembro de un culto llamado The Keepers. Deciden partir para descubrir los motivos de estos Keepers para así poder defender mejor a otra superviviente del ataque, una niña llamada Charlotte. En el camino se verán inmersos en una intriga política que amenaza con llevar a la guerra el país con su vecino más inmediato, Yaegara.

La historia es muy profunda, y aparte de los temas más habituales en las relaciones de los miembros de un equipo, toca temas de elevada importancia moral y trascendental para la humanidad. Temas como el terrorismo, los motivos tras él, la guerra, el genocidio, hacer el  mal para evitar un mal mayor, la oligarquía de los mejores sobre el pueblo, el control mental de la población, ser feliz en la esclavitud, la propaganda de estado, etc. Temas tratados en profundidad por los personajes que discuten sobre estos con un nivel de discusión filosófica elevado. No es que los personajes hablen pedantemente o hablen de filosofía con un alto nivel de cultura, sino que los temas son tan importantes, ellos están en medio de la situación, que les afecta directamente, de modo que los diálogos están magníficamente escritos, con una plausibilidad real, sin blancos o negros, donde la mayoría de las veces, la cordura humana se preserva en una incómoda niebla de grises donde al menos hay que actuar para no cometer el error amoral de la no-acción.

Aún así, el autor ha introducido tópicos de las historias de los videojuegos, como por ejemplo, la ciudad aislada y sitiada por un mal, un culto muy cercano al universo de Lovecraft, no-muertos y zombies, y además la inclusión de un conde vampiro. Este último está algo fuera de lugar, casi totalmente prescindible, pero la habilidad de Mark Pay como escritor consigue dar a su historia un rasgo humano que lo salva del tópico manido.

He dicho antes “temas habituales en las relaciones de los miembros de un equipo”… bueno, seamos sinceros, pocos juegos de rol desarrollan las relaciones de los miembros de un equipo; de hecho, la mayoría pasa pasmosamente por encima del hecho de que un grupo de humanos deben de convivir durante días y días, encerrados en una mazmorra, codo con codo. Pocos lo hacen (han tenido que pasar años para que algo como Dragons Age, lo intente), y pocos lo hacen bien. Incluso, el género más habitual en explorar más este tema, los RPG japoneses, las relaciones quedan en lo anecdótico, en el chascarrillo y en los chistes fáciles sobre la tensión sexual no resuelta. The Spirit Engine 2, tiene unas relaciones entre personajes sólidas, algo impresionante para los 9 personajes a elegir, para formar el grupo de 3. No nos exige que seleccionemos uno de cada clase, de modo que podemos ir a la aventura, en un ejemplo extremo, con 3 guerreros, o 3 sacerdotes (tipo hechicero), aunque lo ideal es ir con uno de cada clase (caballero, sacerdote y tirador). Por tanto surge una amplia variedad de relaciones. Sólo contando las relaciones directas salen 9 x 8 =  72 relaciones posibles, algo abrumador para un escritor, y eso sin contar con las relaciones de uno al resto del grupo, por ejemplo, cuando uno hace una observación sobre la relación de la otra pareja. Pues bien, el autor consigue desarrollar las tramas personales de forma ejemplar. La historia y el juego en sí, se adaptan perfectamente a la elección de tu equipo. De hecho, en la pantalla principal, tus tres héroes se muestran en un primer plano combinando muy bien. Da la sensación de que el juego está hecho en exclusiva para tu grupo de héroes.

La calidad de la literatura de Mark Pay se demuestra en los textos de humor, muy hábilmente integrados; en un momento puedes estar sumido en la preocupación por la gravedad de los hechos planteados, y en la siguiente frase puedes sonreír incluso soltar una carcajada, por un chiste muy bien colocado. Una propiedad que se agradece a veces para romper la tensión del momento. Por contra, a pesar de la gran calidad literaria, la única pega que le encuentro a la escritura de The Spirit Engine 2, son los soliloquios. Los personajes tienen una cierta tendencia a hablar solos, evidentemente, para comunicarse cierto trasfondo o contexto al jugador. Es algo que no queda del todo bien y que desde luego, se podría haber solucionado con el lema “muestra, no cuentes” (show, don’t tell). No me cuentes que el personaje está cansado y que tiene hambre, muéstramelo con el propio juego, con un aspecto desaliñado y un rugido de tripas se transmite lo mismo sin tener que romper tan a la ligera la credibilidad de la historia. Además, cada personaje lleva un diario personal que sirve como recordatorio de cual es la próxima misión. Esa herramienta hubiese sido perfecta para la necesidad del autor de contar cosas acerca de los personajes. El diario está infrautilizado, está ahí entre el menú de estadísticas e inventario, pero pasa totalmente desapercibido, sin ningún recuerdo o evento dentro del juego que recuerde su existencia. Una pena, pues está igual de bien escrito que los diálogos, incidiendo en la diferencia de personalidad entre personajes y su postura para con los eventos que les acontecen.

Su desarrollo es completamente lineal, aunque permite cierta rejugabilidad al poder seleccionar un grupo totalmente diferente de héroes en otra partida (ya sabes, misma historia, aunque diferente desarrollo de personajes y relaciones personales). Además se puede cambiar el nivel de dificultad de los combates, incluso en mitad de la partida. Los mapeados si admiten cierta bifurcación de caminos o exploración de zonas extras; esto permite mejorar la experiencia o conseguir mejores armas y equipo explorando el mapa en profundidad, sobre todo si te quedas atascado una zona o monstruo final de fase.

La dificultad del juego merece una mención aparte. La dificultad normal es muy difícil. Incluso la dificultad fácil es de por sí todo un reto. Este es el “casi” del “casi perfecto RPG” de la crítica de Playthisthing. Es un argumento que comprendo pero no comparto, si bien, sí detecto una cierta desigualdad en la progresión de dificultad del desarrollo del juego. Tiene sus altibajos.

Esta percepción de que el juego es demasiado difícil tiene su origen en que, al inicio, el jugador no domina el sistema de combate, y los primeros enemigos son lo suficientemente condescendientes como para permitir al jugador limitarse a atacar, cubrirse y curar. Posteriores enemigos en capítulos avanzados requieren de estrategias y combinación de ataques más profundas, con lo cual el jugador morderá el polvo una y otra vez, percibiéndose como un pico de dificultad muy elevado, obligando a bajar la dificultad a fácil . Con eso, la cosa se vuelve a poner tolerable, permitiendo avanzar con mediocres estrategias… pero entonces llega una fase,  que… menuda fase… nos dará necesidad de un nivel extra-fácil, cosa que no existe: el nivel requiere del jugador moverse rápidamente por un terreno que se está desmoronando a nuestras espaldas, y a la vez derrotar los encuentros habituales con los enemigos, bajo la presión de una cuenta atrás inexorable que indica lo cerca que estamos de una muerte segura. Esta no se detiene ni para luchar. En ese punto es cuando se produce un punto de inflexión en las estrategias del jugador, donde comprende que tendrá que sacar el máximo partido del sistema de combate, de las características de los personajes y de las debilidades de los enemigos. Por tanto, aunque se percibe como un nivel de dificultad mal balanceado, el juego consigue obligarnos a aprender a usar el sistema de combate con eficacia.

Por ejemplo, una de las propiedades del sistema de combate que se aprenden bajo esa situación, es el control de velocidad y el control de pausa o ataque de los personajes. En batallas duras, es conveniente, parar la acción para poder administrar, paso a paso la estrategia de ataque; pararla o ponerla en paso de tortuga. Además cada personaje tiene un control de play o pausa, que permite hacerse reservar su ataque para cuando nosotros decidamos. Esto permite administrar a la perfección los ataques y hacer combos de los personajes que sometan al enemigo.

El sistema de rol dentro del juego va por puntos de experiencia a repartir como nos convenga entre las características y ataques de cada personaje. Además se van ganando puntos de redistribución de puntos de características. Estos permiten quitar puntos de un lado para redistribuirlos a nuestra elección. En un principio, no es un sistema con el que esté muy de acuerdo, pero que es necesario para contrarrestar el problema que hemos comentado con la dificultad (si un enemigo te rechaza una y otra vez, quizás es hora de considerar en redistribuir los puntos para una estrategia muy diferente). Y por otro lado puede llegar a sentirse como natural, pues con el tiempo, conoces mejor tus tipos de ataques y quizás consideres que uno no te gusta, y lo dejas en deshuso. Este sistema permite quitarle importancia para dársela a otras habilidades que practiques más. Esto es algo más natural y cercano a los sistema de progresión del personaje que me gustan, tipo Ultima o Tibia, y alejado de D20, la más moderna iteración de Dungeons & Dragons. Pero repito, esto permite redistribuir de forma poco realista todos, o la gran mayoría de los puntos entre las habilidades, características y ataques, lo cual puede suponer un atajo fácil aunque laborioso ante los picos de dificultad (en vez de estrujarse el cerebro elaborando una estrategia mejor de ataque).

La interfaz del juego es excelente, eficaz, rápida y cómoda. Se puede controlar sólo con ratón, o con ayuda de los accesos rápidos de teclado. Pero el diseño de iconos y el potencial de los combos programables a medida, permiten controlar todo, incluso en mitad de una batalla, cómodamente con el panel táctil de un portátil: tan sólo con un dedo. Por eso encajaría perfectamente en un sistema portátil táctil como la Nintendo DS o el IPhone.

En conclusión, The Spirit Engine 2 se ha ganado por derecho propio un lugar entre los mejores juegos de rol de la historia; tiene un estilo original propio y una interfaz y sistema de combate táctico novedoso y eficaz. Gracias a su calidad literaria puedo situarlo sin titubear junto a grandes como Planetscape Torment, y su historia épica no cae en el manido tema de convertirse en el ser más poderoso del mundo, y los temas que trata son realmente importantes, sin caer en la telenovela exagerada de los Final Fantasy. Le acompaña una banda sonora excepcional; y la recientemente adquirida categoría de gratuito lo equipara al lado de los grandes del movimiento indie como Cave Story, La Mulana, o el reciente Hydorah; cada uno en su categoría; como muestras de infinito amor de los autores al medio de los videojuegos, y a los fans. En definitiva es un juego imprescindible, seminal, excelente, que roza la perfección y que NO te puedes perder.

Ultima IV está considerado como uno de los pilares fundamentales de los juegos de rol por ordenador. Supuso el cambio de la serie, desde el hack and slash y exploración de mazmorras de los 3 primeros, a un juego con elecciones morales y un desarrollo de partida conducido por la historia; piezas claves que fueron bandera a partir de ahí, de toda la saga. Y fue inicio de la trilogía sobre la Era de la Iluminación. La acción se representa en un mapa esquemático del mundo con personajes como iconos, muy típico de los juegos de estrategia de la época. Del juego sorprende la gran importancia aún del texto, algo que resultará extraño a alguno de los jugadores de hoy en día, pero que en la década de los 80, el texto suplía las carencias gráficas con soltura, y calidad literaria. Hoy día se puede observar este legado literario en juegos como la saga Elder Scrolls, donde la literatura forma parte importante del universo, como en Morrowind o Oblivion, donde las bibliotecas rebosan de historias, poemas, tratados de magia o de combate. El remake es muy fiel. Es idéntico en jugabilidad, gráficos y sonido, salvo que mejora ciertas características para hacerlo más jugable a los estándares de hoy día. Como una ayuda integrada, o un enlace directo al libro en pdf oficial de la historia de Bretaña.

Al estar realizado en flash, te ahorras todo el sufrimiento de descargas, emuladores y demás, y la grabación de la partida estará totalmente integrado en tu navegador.

Ve y descubre una parte importante de la historia de los videojuegos, aprende sobre los orígenes del Avatar; ve y juega a Ultima IV: Quest of the Avatar.

El remake de Ultima 6: The Phalse Prophet, está realizado con el engine del Dungeon Siege, una buena oportunidad para desempolvar ese título. Esto hace que el aspecto del juego mejore notablemente con respecto al original, que tiene el aspecto típico de juego de rol visto desde arriba con gráficos creados en perspectiva isométrica. De hecho, la versión masiva online de Ultima usó, durante muchos años un aspecto similar, o el popular juego Tibia, comentado aquí en Under Game, se ve similar a Ultima 6. Pero la mejora no alcanza la calidad de juegos en 3D actuales, pues Dungeon Siege ya ha quedado algo anticuado; aún así, la mejora innmersiva y de calidad gráfica y sonora, mejora con creces la versión original (aunque esta última se puede jugar perfectamente con DosBox). En el caso de que no poseas una copia de Dungeon Siege, está disponible en numerosas tiendas online a un precio muy asequible. Para jugar al remake necesitarás instalarlo y tener el parche actualizado, disponible desde la web del proyecto del remake.

Las historia cuenta que (extraido de la Wikipedia): “Varios años después del retorno de Lord British, el Avatar descubre un portal rojo detrás de su casa en la tierra. Desconcertado entra en él, pero es capturado por criaturas rojas con apariencia de demonios y atado sobre un altar de sacrificio. Cuando está a punto de ser sacrificado, los Guerreros del Destino aparecen para salvarlo. Durante la lucha recogen el texto sagrado que el sacerdote gárgola llevaba consigo. En el Castillo de Lord British, el Avatar descubre que sus captores son seres conocido como gárgolas, las que han capturado los santuarios de las Virtudes, embarcándose en una aventura para rescatar a Britannia de estos invasores.”

El juego destacó por conseguir introducir todo el mundo de Britannia en un sólo mapa. Habitualmente los juegos tienen múltiples mapas, de forma que al entrar en un castillo, se cargaba una nueva zona en memoria. En Ultima 6 no, el entrar en un castillo es una experiencia continuada sin nuevas cargas ni mapas adicionales. Esto otorgaba a su mundo de una solidez sin precedentes, en la saga y en el resto de videojuegos.

Mas información sobre la saga Ultima, en la wikipedia; y tras el corte, un vídeo sobre Ultima 6 Project.

Aunque el engine no esté a la altura, los diseños y arte añadidos son impresionantes.

Finalmente han podido incluso iniciar compañía: Phoenix Online Studios, que de la misma forma que Tell Tale Games han retomado la saga Monkey Island, aspiran a retomar el legado de Sierra y poder resucitarlo con aventuras gráficas de calidad y episódicas. Han tenido que luchar contra viento y marea, esto es: abogados, que pararon el proyecto por dos veces hasta que lograron el permiso de Activisión para terminar el proyecto, e incluso su apoyo para los futuros episodios, así como el beneplácito de Roberta Williams.

El episodio uno se titula “What is Decreed must be” (lo que Decreto debería de ser), en el que Rosella y Alexander caen malditos por las malas artes de una figura misteriosa en túnica negra. Graham parte para descubrir al misterioso villano y esclarecer los enigmas que le permita salvar las vidas de sus hijos.

Corre a descargar The Silver Lining, y mientras esperas puedes ver el trailer oficial tras el corte.

• Los artefactos brillan momentáneamente, eso te ayudará a descubrirlos.
• Los artefactos rondan los caminos y monumentos, así que, no te salgas de los caminos y deambules por la nada, a menos que persigas una pista.
• Hay un monumento que permite interactuar con él, así que prueba a descubrir “puntos calientes” para pulsar X y ver que pasa. Ese monumento sirve para 2 puzzles.
• Los pedestales secretos se encuentran bajo tierra y se descubren al pulsar X cuando esta aparece en una zona del terreno. Los pedestales te guían con pistas de unos a otros… si te pierdes, vuelve a un pedestal, relee, la pista, e inténtalo de nuevo. El pedestal secreto estará cerca de otra característica del paisaje, como un pináculo, por ejemplo.
• Lo difícil es descubrir cual es el primer pedestal, bien, al menos hay 2 de ellos en círculos de tierra fácilmente distinguibles. Si deambulando por el paisaje, ves un círculo de tierra, o característica que rompe la monotonía de tierra yerma, no lo dudes, acércate tranquilo y mira a ver si sale la X.
• Por último, en cada esquina de esta tierra, hay 4 pedestales ocultos que se refieren a 4 estrellas. Sirven para el segundo puzzle y último final.

Aún así, tanto en el blog del autor, como en Jayisgames, los jugadores han destripado a fondo el juego, de forma que es relativamente fácil buscar la solución a todos los misterios de Looming.

La saga Diablo es de esos juegos que enganchan de forma tal, que rompen parejas (o la arrastras contigo al infierno), suspenden exámenes, y repercuten negativamente en el trabajo diario. Recuerdo una anécdota, no de Diablo II, sino de Diablo I, jugando con un amigo para ver el “final”, llegamos al fin al infierno en el piso 12 o 13 de la mazmorra. Creíamos que el final estaba cerca, así que, continuamos jugando con prisa y avidez. 6 horas después, ya de madrugada, y dios sabe cuántos pisos más abajo sucumbimos ante una oleada de demonios… bajamos rápidamente a recuperar el equipo, pero era imposible… la perspectiva de tener que recorrer de nuevo los niveles desde el inicio del infierno y tener querearmarnos no era muy alentadora, y ese día, Diablo, nos venció. Eso sí al día siguiente mordió el polvo.

En Blizzard han preparado una portada en su web para darte las gracias a ti, por tu fidelidad y porque tus interminables horas matando demonios son las que han catapultado a Diablo 2 y a Blizzard en la posición privilegiada en la que están. Para muchos, la web es un golpe emotivo de nostalgia, y va acompañado de un dibujo para conmemorar el evento. Ve a…

El décimo cumpleaños de Diablo II en Blizzard.

Y después únete al resto de internet y comparte tus experiencias vividas en Diablo II.

El objetivo del juego es recorrer un laberinto generado aleatoriamente, plagado de los míticos Maziacs, para conseguir un tesoro y volver más rico a la salida. En el camino habrá que obtener comida, blandir espadas para sobrevivir a los encuentros con los Maziacs, y usar la ayuda de los prisioneros que nos indicarán el camino a seguir (será interesante ver cómo ha logrado Jorge implementar esta mecánica en el juego de tablero). La cosa se complica cuando se consigue el tesoro, hay que volver con vida, y no se puede portar el tesoro mientras se lleva una espada, se necesitan ambas manos.

Tras el salto un vídeo que muestra el juego original de Spectrum, y más información para conseguir el juego de tablero, y los print and play.

Maziacs es un juego ideal para usar con un emulador de Spectrum en tu consola portátil o terminal móvil, con partidas cortas pero muy intensas. Puedes probarlo directamente desde la web de WOS, en la zona de descargas, a la izquierda de cada una de ellas, hay un icono con el símbolo de java, clica sobre él. Sus controles son algo toscos, y quizás sea conveniente mejor un remake. Hay tres disponibles, accesibles desde su ficha en WOS.

Para poder disfrutar del juego de tablero, sólo tienes que ir a la web oficial a modo de ficha en BoardGameGeek.com (sencillamente la web de juegos de tablero más importante y mejor documentada, repleta de recursos muy interesantes) y descargar el paquete con todos los PDF para imprimir.

El autor de esta original adaptación es músico y además en su blog desarrolla su interés por los juegos de tablero, con otros juegos creados por él, o comentarios, orientados a la comunidad de entusiasta de BoardGameGeek.com

Imprimir juegos de tablero es un hobby muy saludable para estos tiempos de crisis, sino tienes impresora, no te preocupes, ve a una imprenta y que te hagan el presupuesto usando un papel de cierta calidad para que el juego te dure; suele salir barato. Y dependiendo del juego, si es color o blanco y negro, podrás tener un juego nuevo en torno a los 2 euros. Si el precio se alarga otra opción es imprimirlo en papel común, y luego recortar y pegar sobre cartulinas o cartón, para más consistencia. Si deseas adentrarte en este fascinante mundo, desde BoardGameGeek puedes visualizar todos los print and play que existen bajo la etiqueta printandplay. Además, el blog Playthisthing ha recomendado unos cuantos de estos, también bajo las etiquetas board, print and play o free. No están uniformemente etiquetados así que mira la etiqueta board y busca los que sean gratis. Hay algunos preciosos ahí fuera.

Locomalito: Pues tengo 28 años, trabajo como diseñador gráfico.

¿Cómo se inició Locomalito en el arte de hacer videojuegos?

Locomalito: Los videojuegos me llamaron la atención desde pequeño, me hice adicto a la furia y la tensión de los juegos de arcade y las primeras consolas, así que empecé dibujando sprites en los libros de matemáticas y pasé a un Amiga 500 en cuanto aprendí a manejar un ratón.

Hydorah bebe de todos los juegos de naves épicos y gloriosos de la década de los 80, y quizás de principios de los 90. ¿Podrías comentarnos referencias claras y guiños a esos juegos?

Locomalito: Las más visibles son Gradius, por la pequeña escala de las naves y enemigos, la segunda fase “Cyclades liberation” tiene claramente el estilo de la primera fase del primer Gradius. R-type, por los decorados entramados y estrechos, queda claro con las dos estructuras metálicas a la entrada del templo de “Dunarys”. Y Realmente hay muchos más, menos visibles supongo que por ser juegos menos conocidos, como Turrican (y otros juegos de Manfred Trenz), del que hay dos guiños clarísimos, el arma especial “Turriwall”, y el puño mecánico en “No mercy”. También se puede ver cer el esqueleto del primer demonio del Maze of Galious en la fase “Verminest”. El arma secundaria Scort, que es una mezcla entre las armas en Thunder Cross y los tentáculos de X-Multiply…

Homenajeando a Gradius

Otra influencia posible en cuanto a la dificultad, que creo haber observado, es Tetris… No puedo confirmarlo pues el juego me supera y no he podido pasármelo en su totalidad (sigo intentándolo), pero la segunda fase es horrorósamente difícil, y tras ella viene Deep Space, que es un paseo para mejorar el armamento, y luego viene la primera bifurcación, con el mundo de las plantas, y el mundo del culto de Hydorah, con un jefe final, que es un NO-jefe-final. Por tanto parece que la dificultad funciona como en el tetris, va subiendo de dificultad hasta un pico álgido, que tras superarlo, se vuelve a
relajar por unos momentos. ¿Ando equivocado, o hay algo de cierto en esta comparación?

Locomalito: El juego está dividido en tres partes, la segunda parte como dices, empieza en “Deep space” y termina en “Galactic Inferno”, el punto central del mapa. Hasta ahí el juego está diseñado como un juego completo, y la tercera parte es como una secuela más enfocada a jugadores habilidosos.

De todas formas, siguiendo la línea iluminada en el mapa se pueden evitar las fáses más difíciles (salvando las que son obligatorias), así que la curva de dificultad en cierta forma también es elegida por el jugador.

¡Ja, ja! Entonces no tiene nada que ver con el Tetris :) Es lo que tu dices, el diseño del juego permite elegir las fases deseadas para volver con mejor armamento a las fases más difíciles. Háblanos del sistema de guardado, tan cruel, tan despiadado, sólo 3 oportunidades para guardar la partida de 16 niveles. Háblanos de la filosofía de diseño de este, es evidente que es necesario, por la dificultad del juego, pero por otro lado es tan limitado que obliga a los jugadores a formarse una estrategia de vuelo.

Locomalito: Bueno, en total hay 5 oportunidades para grabar. Empiezas con 3 y recibes 2 más a lo largo del juego, después de dos de las fáses más difíciles (Galactic Inferno y No Mercy).

La idea del juego era ser tipo arcade, con lo que no debería haber ningún punto de grabación, pero es un juego largo, y con cierto interés en despertar el sentido “guerrero” de los nuevos jugadores. Los puntos de grabación y checkpoints aseguran la partida y dejan tranquilo al jugador, con lo que gran parte de la tensión se desvanece. Limitando el número de grabaciones, el jugador tiene la oportunidad de salvar su progreso y practicar en los nuevos niveles, pero al ser limitados, la decisión de grabar pasa a formar parte del juego, y se convierte en algo estratégico. En las primeras partidas lo normal es grabar cada vez que terminas un nivel, pero una vez que el jugador ha masterizado varias fases, puede empezar desde el principio y grabar en un punto avanzado, con todo el equipamiento y vidas que lleve en ese momento.

Una de las características de los arcade es ese factor de “rejugabilidad”, por el que cada fase se diseña para seguir siendo interesante de jugar aunque se juegue en ella una y otra vez, por eso en los arcades no hay puntos muertos ni parones durante el juego. Todo es como un chorro de acción continua.

Infierno Galáctico

¿Cuáles son, para ti, los juegos de naves más importantes de la historia? Imagino que por el desarrollo de Hydorah, te habrás documentado profusamente, así que te considero un experto en el género, y quiero aprovecharme de tu sabiduría.

Locomalito: He jugado y visto bastante, aunque siempre me sorprende algún titulillo olvidado. Por lo que he visto hay como tres clases, pilares claros: Los Gradius, que requieren habilidad con los mandos, maniobras espectaculares y un juego agresivo; Los R-Type, que requieren memorización y calma; y los Thunder Force que requieren un juego rápido y unos reflejos de águila. Casi todos los juegos que he visto siguen alguno de estos tres patrones, así que yo considero estos tres como los más influyentes.

¿Y actuales? Sigues el género en sus nuevas encarnaciones? ¿Alguna recomendación reciente?

Locomalito: Para mí lo más interesante hoy en día son los juegos echos por fans, el último gran juego comercial que entró en mi corazón fué el Ikaruga, pero de eso hace ya bastante. Desde hace un tiempo a esta parte tengo la sensación de que todo lo que salen son Danmakus (Nota: juegos de naves pero dentro del subgénero Bullet Hell, esto es, extremadamente difíciles donde la cantidad de balas enemigas es tal, que ocupan más espacio en pantalla que el espacio libre para esquivarlas. Las balas siguen un patrón que los jugadores deben aprender para poder “navegar” a través del infierno de fuero enemigo), y Arena shooters (Nota: juegos de disparos que suelen tener una pantalla fija donde el juagdor esquiva y mata numerosos enemigos, en distintos ambientes, por ejemplo Geometry Wars o Smash TV entran dentro de este subgénero), con demasiados efectos visuales que emborronan la jugabilidad y con poca personalidad propia. No es que no me gusten este tipo de juegos, es que realmente no he tenido ningún título en mis manos que me halla llenado aún.

Ruber: Desde el principio me chocó la influencia explícitia de Castlevania en Hydorah. Verás, recientemente he jugado a toooooooodas las iteraciones de Castlevania así que me he convertido en un pequeño experto de la saga. ¿Cual es esa influencia, concretamente?

Locomalito: Los secretos, los templos, y el nivel “Black Grotto” de principio a fin, con la “ceremonia” de encender los fuegos y la espada fantasmal. Las orbes a final aunque son recurrentes en muchos juegos, pero también pueden recordar a los primeros Castlevania. También han influido en la banda sonora, y en las diferentes muertes de los enemigos y bosses, que resultan muy adictivas en los castlevanias a partir del Symphony of the night.

Efectivamente, hubo momentos en la banda sonora que me decía, ¡vaya! esta canción pega perfectamente en los recientes Castlevania de Nintendo DS. Y efectivamente esos orbes… que he decir a tu favor que los orbes en algunos Castlevania, casi no sirven para nada, son una mera formalidad, y tú has hecho unos orbes en Hydorah plenamente satisfactorios.

El corazón de uno de los tres templos

Háblanos del desarrollo. Cómo decides hacer un juego de naves, y cómo te planteas mes a mes: “esto necesita seguir creciendo hasta que esté terminado” y que pasen tres años creando por amor al arte, nunca mejor dicho.

Locomalito: Si hubiese pensado en que me iba a tirar 3 años currando en las horas libres, no estaríamos hablando ahora, hehehe. Lo cierto es que le he ido dedicando un poco cada día hasta que las cosas han ido teniendo un pelo aceptable, y acorde con mis limitaciones.

La herramienta de creación, imagino que es “GameMaker”, háblanos de tu experiencia con esta.

Locomalito: GameMaker es una herramienta para novatillos, a la que le debo el poder hacer realidad los juegos que desde siempre he querido hacer. Lo cierto es que con el tiempo he aprendido bastante de GML, y prácticamente podría hacer cualquier cosa que se haya visto en un juego de 8 o 16 bits, que es todo cuanto necesito.

NOTA: GML es el lenguaje de programación de GameMaker. GameMaker tiene un entorno visual de “drag and drop” para gente que no sabe programar, que funciona a base de iconos y formularios, pero también un lenguaje de programación que permite hacer cosas a un nivel más avanzado.

Interesante, ¿No permite Game Maker realizar alta definición? ¿Sería esta en 32 bits? O directamente, ¿el esfuerzo técnico lo hace inviable?

Locomalito: Lo permite, pero el esfuerzo en mi caso consiste en no emplear efectos “palomiteros” que queden fuera de lugar, por eso limito el estilo a los 16 (Aunque algunos de los efectos en hydorah no podrían hacerse realmente en un 16 bits, pero el estilo es ese). Muchas veces el abuso de efectos de nueva generación hace que los juegos parezcan pretenciosos y pobres, es una cuestión de la “división” en la que quieras jugar.

En el aspecto visual… Es evidente la influencia para los gráficos y es clara la filosofía de fondos oscuros, balas claras. Pero aún así, coméntanos la filosofía de diseño de los gráficos, las fases, los estilos, etc.

Locomalito: Bueno, yo suelo utilizar siempre una de dos paletas de colores cerradas, una de 64 colores para hacer juegos tipo 8bits, y otra de 256 para este tipo (aunque en el fondo más lejano uso más colores, fuera de paleta). Esta limitación es lo que hace que el color parezca brillante y poderoso, algo que contrasta con la decoloración que se usa hoy en día para conseguir un efecto cinematográfico.

Esos objetos brillantes y fondos oscuros vienen marcados por la cultura de las máquinas de Arcade y las “tragaperras” de los casinos, que de alguna forma afectan al cerebro con sus parpadeos rápidos y colores, volviéndose adictivas. Creo que la máxima expresión en esto son los juegos de SNK, con esas explosiones que tienen un parpadeo rapidísimo, que te llena de felicidad cuando haces explotar todo lo que encuentras a tu paso :-D

En fin…

Con respecto a los diseños, son un punto perdido entre lo que me gusta de los juegos y mi estilo propio, aunque finalmente quien manda es el juego como juego. La mayoría de los sprites y fondos han sido construidos y modificados muchas veces hasta que han casado bien en las partidas de prueba. Lo importante siempre ha sido el conjunto final.

La belleza de Dunarys

La música y efectos sonoros forman una parte muy importante de Hydorah, tanto que consideras que es un juego de dos, tuyo y de Gryzor87, o al menos así lo muestra la pantalla de inicio. Háblanos de la música. Para empezar de donde sale este fantástico Gryzor87, porque he tratado de buscar su web o algo, pero no he encontrado.

Locomalito: Gryzor87 es un amigo personal con grandes ideas y recursos para la composición, tenemos mucho en común en lo que a juegos se refiere y muchas veces le he pedido consejo para tomar decisiones.

La música ha sido construida sobre cada nivel como si fuese una banda sonora de película, por eso se pueden ver golpes de efecto (como la nave que es destruida en mitad del galactic inferno por un láser gigantesco) en los que imagen, juego y música encajan como un guante. Este tipo de efectos no sería posible sin ese aporte musical, y de hecho, algunos niveles han sido remodelados para estar más acorde con la propia música. El ejemplo más sobresaliente es el caso de la última pantalla (Meropticon), que tiene un diseño inspirado por el sonido de un teclado virginal construido por el propio Gryzor87 (el que puede escucharse en los tracks de meropticon, no es sampleado, sino grabado directamente con micrófonos).

NOTA: Para más información sobre la banda sonora, descargar el Making of, disponible en la web oficial. (Ver enlaces al final de la entrevista). Además, la banda sonora está disponible en su carpeta particular, con su lista de reproducción y portada en formato CD, al descargar el juego. Merece la pena leer el Making of, escuchando las canciones sobre las que se escribe en él.

¿Que tipo de directrices y filosofía pediste a Gryzor87?

Locomalito: El pilar de la música, como de todo el juego es “Fantasía espacial”, en la música como en los gráficos buscamos algo oscuro pero colorido, con partes heroicas y partes misteriosas.

¿Y el doblaje? Las voces, increíbles que nos transportan a los arcade de los 80. ¿Qué tal fue el proceso de digitalizar las voces? ¿quién las hizo?

Locomalito: Las voces han sido grabadas por Gryzor87 y personas cercanas a nosotros. Se hicieron muchas tomas hasta que encontramos el punto deseado, que pareciesen japoneses intentando parece ingleses. No se si lo hemos conseguido, muchos ven el acento español detrás de todo, pero aún así han sido bien vistas y nos lo hemos pasado bien haciéndolas :-)

¿Acento español? Bien os podrían haber contratado en los 80 para doblar todas las máquinas arcade, Están perfectas como están.

En cierta manera, los juegos de estilo retro actuales tienen un diseño sonoro superior a los clásicos, debido a la capacidad de potencia actual. La banda sonora actual es digitalizada, mientras que los antiguos tenían que tirar de procesador sonoro.

Locomalito: No lo creo. Realmente los juegos actuales tienen una producción espectacular, que muchas veces supera a Hollywood, pero a nivel composición no está tan claro. Escuchando las notas más allá de los sonidos chip, se puede ver como algunos juegos antiguos tienen comoposiciones impecables, dignas de estudio, mucho más abiertas y complejas que las cerradas fórmulas de éxito comerciales de hoy día. Posiblemente si se tocaran en una orquesta en igualdad de condiciones una gran variedad de temas actuales y de la vieja escuela, la balanza se inclinaría hacia el pasado.

Háblanos de la fase de testeo… porque, no quiero ni imaginar que tipo de masocas tienes por betatesters que te pidan: “más, más difícil, ¡más difícil!”, es que la dificultad roza lo intolerable para mi.

Locomalito: Jeje, a unos pocos todavía nos gusta la belleza de lo inaccesible, y la sensación de victoria cuando superamos partes difíciles por nuestros propios medios. Lo cierto es que los juegos hoy en día están creados como entretenimiento, y son como una línea por la que vas avanzando sin gran dificultad, la mayoría están enfocados a los jugadores casuales y son largos y fáciles. Algunos jugadores como yo nos sentimos “engañados” cuando nos aparece un monstruo del tamaño de un edificio, gritando a horrores, y nos lo cargamos sin apenas esfuerzo, es como cuando tu hermano mayor te deja ganarle en una pelea para hacerte sentir bien, y tu sabes que es así. Es como un: “No quiero que me digas que soy bueno, quiero ser bueno de verdad”

Pero, ¿realmente tus testers son capaces de navegar el juego con soltura?

Locomalito: Cuando pasé la beta a los testers, sólo habían visto la demo. Dos días después tenía en mi correo las impresiones de todo el juego nivel por nivel. El juego realmente no es tan difícil, nosotros nos pasábamos juegos mucho más complicados cuando éramos niños, es sólo que hoy en día estamos acostumbrados a que los juegos te pasen la mano.

¿Cuánto duró la fase de testeo del juego?

Locomalito: Entre uno y dos meses, no recuerdo exactamente.

Como en la vida misma, todos los imperios del mal les gusta expoliar a otras civilizaciones

¿dónde se quedó el multijugador? ¿Te lo planteaste?

Locomalito: Al principio me lo planteé, pero al irse convirtiendo en una aventura, no tenía mucho sentido mantenerlo. Sería algo raro con los mapas, eligiendo armas en cada fase y grabando partidas… Los dos jugadores los veo más para algo más puramente arcade, más corto y consecutivo.

La calidad de Hydorah es innegable. Te estás planteando dar el salto a una forma comercial de ser indie? Quizás, como Nikalis, o 2D Boy, buscar una forma de publicar a través de Steam y consolas para maximizar público y beneficios? (No es una cuestión monetaria, te lo digo porque, creo que os lo merecéis, creo que tenéis talento y creo que merecéis ser pagados por vuestro trabajo, de la misma forma que por fin, Cave Story verá beneficios tras tantos años de amor regalado).

Locomalito: No me importaría sacar el juego en otras plataformas si puedo mantener la versión gratuita para PC. Pero lo cierto es que me da una pereza horrible volver a trabajar en algo que ya he terminado.

Pero me refiero a proyectos futuros, o futuro lejano. O quizás no te planteas trascender tu hobby a una forma profesional…

Locomalito: Realmente no. Si lo hiciera convertiría mi hobby en un trabajo, y si realmente hay algo interesante en ir por libre es que puedes renunciar a un proyecto si ya no te interesa, involucrarte más o menos en el según tu estado de ánimo, cambiar cosas sobre la marcha, etc. Por no hablar de que el “alma” inyectada en los juegos se volvería más difusa al estar obligado a considerar las peticiones de jefes y jugadores.

Ummmm, Hydorah tiene un diseño clásico, y quizás esté fuera de lugar, pero, ¿te has planteado pasearlo por algunos festivales y eventos? Quizás por la convención Retro Madrid…

Locomalito: No creo. Si voy a algún evento será como visitante :-) Yo mis horas de curro las he echado ya, jajaja

Tu anterior juego fue 8-bit Killer, que aunque afirmas, tiene un estilo de NES, evidentemente, no existieron juegos de disparos en primera persona en la NES. Esto me lleva a recordar una reflexión que legitima el estilo retro y el pixelado de baja resolución, como lienzos viables para expresarse artísticamente. Esta tesis dice, parafraseándola, que “se usan el pixelado y técnicas antiguas para hacer juegos totalmente novedosos que no tienen nada que ver con los que jugabamos en los 80″. ¿Qué opinas?

Locomalito: Es totalmente cierto, hoy en día el píxel se utiliza como el óleo o las acuarelas, incluso para animaciones e historias que no tienen nada que ver con los videojuegos. Me parece genial que sea así porque significa que se han convertido en una técnica, más que en una tecnología obsoleta. Sólo me entristece ver que el hardware moderno muchas veces no da soporte a estos estilos (como por ejemplo las bajas resoluciones que están desapareciendo de monitores y tarjetas gráficas aunque se
usen ahora más que hace 10 años).

La puerta oscura

¿Cuál es tu proyecto más inminente, tras terminar Hydorah?

Locomalito: The Curse of Issyos.

Vale, pero de ese no hay nada más que la sinopsis en la web, el otro proyecto, Grialia, sí hay pantallazos, ¿Quizás este último esté más avanzado?

Locomalito: Grialia está como al 50%, pero tengo que reempezarlo desde el principio. Es el proyecto eterno, lo empecé mucho antes que Hydorah, pero dejé de creer un poco en él y pasé a otra cosa. Posiblemente lo retome el año que viene, pero es algo muy grande y trabajoso, por eso no me lo planteo por ahora. Después de 3 años me apetece parar un poco, jugar a juegos Indie, trabajar en Issyos que es un proyecto más humilde, etc.

Comentas en la web que Yssyos estará basado en ambiente griego. No puedo dejar de pensar en “Myth: History in the Making“, que tenía diversos ambientes mitológicos y tenía toques de exploración. ¿Será de ese estilo o inspiración? (Mira, Myth, un juego adelantado a su tiempo, con un arte pixelado bello, y una filosofía rompedora).

Locomalito: Si, recuerdo el Myth en Amiga. Tenía una ambientación y gráficos excelentes, pero una jugabilidad tosca, muy lejos de los arcade.

Realmente el nuevo juego no es de exploración, aunque habrá secretos y objetos que recoger, será totalmente lineal, con un feeling entre Shinobi, Megaman, Castlevania y Ghost’n'Goblins. Controles simples, fases cortas y dificultad afilada, ya sabes…

—————–

Enlaces útiles:

• Web oficial de Locomalito: http://www.locomalito.com/
• Descarga Hydorah desde aquí: http://www.locomalito.com/juegos_hydorah.php
• No olvides descargar los materiales adicionales, incluido el espectacular Making Of.

Como Transformice es online, como es gratuito, no hay ningún tipo de control sobre los jugadores, así que espera ver insultos, abusos y maldiciones (en inglés, alemán, ruso, o griego) por parte de los otros jugadores (sobre todo si eres chamán, te lloverán las sugerencias sobre lo que debes hacer e insultos si lo haces mal). A veces hay dos chamanes en pantalla, lo cual suele desembocar en una irremediable guerra de chamanes. Sino tienes experiencia como tal, serás expulsado pronto de la pantalla por un ratón sin escrúpulos. De hecho, los ratones normales no suelen tolerar muy bien a un Chamán inepto, y a la menor oportunidad lo tirarán al abismo. A veces, el Chamán torpe se matará a sí mismo, con lo cual dejará a todos los ratones sin guía, ayuda o protección, no pasará mucho rato que al grito oficial de “SPAAAAARTAAA!!!” todos se suiciden saltando al vacío como sus antepasados Lemmings.

El juego se basa en un motor de físicas 2D muy pobre, y completamente lleno de bugs, pero eso, junto con el gran número de ratones/jugadores en pantalla, hará que surgan situaciones hilarante o especiales, tales como wall-jumping (saltar y trepar en una pared vertical), doble salto en el aire (no es una caraterística, es un bug que te salvará la vida de ratón muchas veces), y un clipping atroz que te mandará al abismo las más, y te permitirá salir de las jaulas las menos. En resumen, los errores añaden más diversión al juego.

La versión original es en francés. Además hay una disponible en Inglés.

Es difícil explicar con palabras lo divertidísimo que es Transformice, cómo mínimo deberías probarlo, aunque se está haciendo extremadamente popular y sus servidores andan sobrecargados, con lo cual, entrar con éxito requiere tiempo y paciencia. Pero para ayudarte a decidir sólo tienes que ver el siguiente vídeo que muestra el juego en toda su divertida gloria. ¿El multijugador del año? Probablemente el más divertido.

OnLive es tan revolucionario, y tan adelantado a su tiempo, que es probable que aquí no podamos disfrutarlo hasta que pase mucho tiempo, quizás años. De momento, imagino, tendrán sólo servidores en USA, con lo cual, cualquier conexión desde Europa podría ir fatal. Más aún, la plataforma requiere unos 700 k/segundo para el vídeo en alta definición… eso son unos 5.5 Mbits por segundo de conexión fluida, sin cortes, ni latencia, ni picos a la baja, etc. Algo que, por ejemplo, en España, aún estamos lejos de lograr (hablando claro, no todo el territorio disfruta de 20 Mb de ADSL con más del 70% del servicio dado, y a una velocidad constante de calidad). Sólo países como Japón o Corea disponen de tales conexiones. De todas formas, uno de los requerimientos es estar dentro de los Estados Unidos, así que de momento, sólo toca esperar.

Para más información, visitad el blog de Wolfire Games, que gracias a una cuenta beta, han realizado un análisis exhaustivo, muy interesante, de la plataforma. Por ejemplo, en el compara la calidad final de gráficos, de tener un juego instalado realmente, a jugarlo en OnLive, y claro, la compresión de vídeo degrada la calidad final gráfica, lo cual se nota algo en juegos 2D, pero en juegos 3D, la diferencia apenas se nota, pues ya de por sí, los renderizados en 3D hacen que las texturas se vean difusas.

Os dejo un video que muestra la plataforma en movimiento, es la demo de UT3 corriendo en un Mac, tan fácil, rápido e increíble como esto. La inmediatez de juego es pasmosa, se acabaron las descargas largas de gigas y gigas, la búsqueda eterna de demos en la red, la instalación engorrosa… sólo clicar y jugar, directamente.

El futuro, ya está aquí.

Knight Lore originariamente es un juego de la era de los 8 bits, publicado para Spectrum, MSX y Amstrad en 1986. Supuso un hito porque su perspectiva isométrica en 3D era algo nunca visto. Esta técnica fue nombrada Filmation, por sus desarrolladores, que automáticamente fueron elevados a la categoría de genios, y de hecho, es una de las compañías más importantes de la historia, como bien refleja su currículum. Ellos son: Ultimate Play The Game; que, seas un jugador de aquellos tiempos o no, los conoces realmente bien.

Y es que en la década de los 90 Ultimate pasó a llamarse Rare, autores de juegos legendarios tales como Donkey Kong Country, GoldenEye 007, Perfect Dark,  Banjo-Kazooie o Viva Piñata. Juegos visualmente rompedores en la linea de innovación de la compañía desde tiempos remotos como hemos visto. De los juegos que realizó en la era de los 8 bits, están algunos tan importantes como Jet Pac, Pssst, Atic Atac, y su serie más notoria donde está el juego que nos ocupa: la saga de Sabreman; un aventurero de sombrero salacot, sable y traje khaki. Es tal el cariño que le tienen como personaje, que en la época de Rare, lo han usado como personaje secundario en diversas ocasiones.

La historia cuenta que Sabreman ha caido presa de una maldición que le convierte cada noche en hombre lobo. Viaja a un castillo remoto, para recoger y entregar ingredientes que permitan al mago Melkhior deshacer el maleficio. Antes de 40 días, o el cambio será irreversible.

En el juego, hay que recorrer dicho castillo y alrededores, un mapeado plagado de trampas mortales, localizar al mago, donde estará su caldero que nos mostrará los ingredientes, uno cada vez, que le tenemos que traer para conseguir la poción. Los elementos están repartidos en sitios fijos, pero aleatoriamente por el mapa. El paso del tiempo es implacable, y el día y la noche se alternan con rapidez, convirtiendo a nuestro protagonista en un hombre lobo, con una transformación brillante y graciosa que le hacen vulnerable en ese delicado momento. Además, el mundo alrededor reacciona de forma diferente ya seas humano o lobo, por ejemplo, el mismo caldero nos atacará de forma fulminante si entramos transformados en lobo.

Existen varios remakes de Knight Lore (tres en total, creo), pero el creado por Peter Hanratty y alojado en el portal Retrospec, es sin duda el definitivo. Mantiene su jugabilidad intacta, la agiliza, pues las nuevas plataformas no caen en frames por segundo como el original de Spectrum (aunque por contra, el paso de los días parece más frenético debido a esa ausencia de ralentización), y le añade un componente multimedia espectacular, con un ambiente tétrico, repleto de luces dinámicas y sombras. Y unos modelos en 3D que encajan a la perfección en el estilo isométrico de la era Filmation, a pesar de tener una calidad alta para los estandares actuales. El sonido no se queda atrás, aunque el efecto de convertirse en hombre lobo sigue siendo mucho más carismático en el original de Spectrum.

La dificultad sigue siendo la misma: alta, pero no desfallezcas, recuerda, cada partida cambia los elementos de posición, por tanto si una trampa y objeto se te resisten, es posible que en otra partida la suerte se ponga de tu lado. Sigue intentándolo.

Este remake atmosférico de Knight Lore está disponible gratuitamente, y además, traducido completamente al español, en Retrospec:

http://retrospec.sgn.net/game/kl

Si tu que me lees, te iniciaste en los videojuegos tardíamente, no conoces la era de los 8 bits, este remake de Knight Lore es una oportunidad única para descubrir ese tipo de jugabilidad alejado de los estándares actuales de juegos de dificultad baja para contentar a todos, y que una vez terminados no le quedan aliciente para volver a retomarlos. Los juegos de 8 bits están diseñados con ciertos elementos aleatorios, unas mecánicas simples de juego y una dificultad elevada, que permite infinitas partidas, sin que decaiga el aburrimiento.

El video… tras el salto.

Este es un auténtico juego hardcore. Hardcore no significa que te guste el gore y los juegos de violencia, hardcore significa que llevas toda una vida jugando, que los estándares de dificultad de hoy en día se te quedan pequeños, y que Hydorah está hecho para ti. Mejor explicado, unos extractos del manifiesto/filosofía del autor:

Los videojuegos son más que simples juegos, son una forma de vida, transmiten valores e inspiración para muchos, son una cultura

Creo en las partidas cortas e intensas, en jugar un poco cada día y disfrutar cada minuto jugado hasta terminar la partida.

Creo que cada juego debería tener un nivel de dificultad único, acorde a las situaciones planteadas. Por ejemplo, el final de un juego de aventuras debería estar reservado a los aventureros, el final de uno de guerra a los guerreros… de modo que como jugador puedas sentir que los has conseguido gracias a tus propias habilidades y gustos.

La gloria del jugador sólo se siente al derrotar a los monstruos más duros

La cultura de Arcade debe renacer !

Con 3 años de desarrollo, música integra compuesta por Gryzor87, en Hydorah te esperan 16 niveles con un total de 27 pantallas; 30 jefes finales con un total de 70 enemigos diferentes. Múltiples caminos, diversas armas, todas actualizables a más potencia, y un diseño cristalino alejado de las tendencias lisérgicas, confusas, donde es difícil distinguir las balas.

No puedo dejar de subrayar el nivel de dificultad único y elevado. Hydorah no es un juego para principiantes, es sólo para expertos, aunque altamente adictivo. Su lema “Coge los controles de tu nave y ¡preparate para morir!” no lo dice por decir.

La distribución del juego se completa con 2 posters, una portada, y el  manual del juego, todos imprimibles. Efectivamente, al igual que otros hitos de los juegos independientes como Cave Story,  Hydorah es un acto de amor, de Locomalito, hacia ti.