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"Feito Pipa", de Allan Deberton, vai representar o Brasil na disputa por uma vaga no Oscar® 2027

2026-09-16T16:33:43.602-03:00

A Academia Brasileira de Cinema anunciou hoje, quarta-feira, 16 de setembro, o longa-metragem que representará o Brasil na disputa por uma vaga na categoria de Melhor Filme Internacional na 99ª Premiação Anual promovida pela Academy of Motion Picture Arts and Sciences – Oscar® 2027. Feito Pipa, de Allan Deberton, foi escolhido pela Comissão de Seleção, eleita pelos sócios, e inteiramente composta por membros da Academia Brasileira de Cinema.

A Comissão de Seleção deste ano é formada pelo diretor André Pellenz; a produtora Bárbara Cariry; a produtora Clélia Bessa (presidente da Comissão); a produtora Deborah Osborn; o diretor Guilherme Coelho; o produtor João Vieira Jr.; a produtora Juliana Vicente; a diretora Lô Politi; a produtora Kátia Adler; a atriz Maria Gal; o músico Plínio Profeta; o distribuidor Rodrigo Saturnino; a atriz Suzana Pires; a curadora Tatiana Carvalho Costa; e o diretor Walter Lima Junior.

Feito Pipa disputou com outras 14 produções, inscritas e habilitadas a concorrer à vaga e, na semana passada, passou para o segundo turno com outros cinco títulos: "100 Dias", de Carlos Saldanha; "A Fabulosa Máquina do Tempo", de Eliza Capai; "A Natureza das Coisas Invisíveis", de Rafaela Camelo; "Nosso Segredo", de Grace Passô; e "Vicentina Pede Desculpas", de Gabriel Martins.

O filme "Feito Pipa", de Allan Deberton, tem uma narrativa sensível que comunica universalmente e, ao mesmo tempo, traz uma forte identidade brasileira a partir de uma cidade do interior do Ceará. É sobre a família, a cumplicidade entre avó e neto, infância, finitude e já foi premiado em festivais internacionais importantes”, disse Clélia Bessa, presidente da Comissão de Seleção.

Longa-metragem mais premiado da 54ª edição do Festival de Cinema de Gramado, Feito Pipa, de Allan Deberton, narra a história de Gugu (Yuri Gomes), um menino apaixonado por futebol e dança que vive com a avó Dilma (Teca Pereira) no sertão cearense. Criado de maneira livre e afetuosa, ele se vê diante de um grande desafio quando precisa encarar a possibilidade de deixar a vida com a avó para morar com o pai, Batista (Lázaro Ramos).

O filme, que tem estreia nacional nos cinemas em 5 de novembro com distribuição da Paris Filmes, teve première mundial em fevereiro no Festival Internacional de Cinema de Berlim, onde conquistou o Urso de Cristal de Melhor Filme, concedido pelo Júri Jovem, e o Grande Prêmio do Júri Internacional da mostra Generation Kplus. No Festival de Cinema de Gramado, em agosto, o filme ganhou quatro Kikitos (Melhor Direção, Melhor Atriz para Teca Pereira, Melhor Ator Coadjuvante para Lázaro Ramos e Melhor Filme pelo Júri Popular), além de uma Menção Honrosa para Yuri Gomes.

Feito Pipa também participou do Festival Internacional de Cinema de Cartagena das Índias (FICCI), na Colômbia, com Yuri Gomes conquistando Melhor Interpretação na mostra competitiva Cine de los Barrios; e do Festival Internacional de Cinema de Guadalajara, no México, sendo laureado com o Prêmio Maguey de Melhor Filme e o Prêmio Maguey de Melhor Interpretação para Teca Pereira e Yuri Gomes. A produção também será exibida no Giffoni Film Festival, na Itália; no Frameline, em São Francisco, nos Estados Unidos; e no Shanghai International Film Festival, na China.

Produzido pela Deberton Filmes e Biônica Filmes, “Feito Pipa” também traz no elenco Carlos Francisco (“O Agente Secreto”) e Georgina Castro (“O Céu de Suely”), além de apresentar as crianças Luan Vasconcelos, Beatriz Carwile, Nathyel Martins, Manuela Paulino, Pablo Vinícios e Enzo Uejo.

A cerimônia do Oscar® será realizada no dia 14 de março de 2027.

Yu-Gi-Oh! ganha animação especial para exposição de Kazuki Takahashi

2026-09-15T17:01:08.168-03:00

Três décadas depois de Yugi colocar seu Enigma do Milênio na mesa, Yu-Gi-Oh! continua encontrando maneiras de fazer os fãs sacarem o baralho — e agora com uma nova animação especial.

A franquia Yu-Gi-Oh! ganhou uma nova animação curta produzida especialmente para promover a exposição “Kazuki Takahashi Original Art Exhibition: YU-GI-OH! ART WORKS”, primeira grande mostra dedicada às artes originais do criador da série, Kazuki Takahashi.

O material foi divulgado oficialmente em setembro e coloca novamente personagens clássicos da franquia em cena, funcionando como uma espécie de reencontro com o universo original que conquistou uma geração inteira de fãs.

Yugi e Kaiba estão de volta

Ambientada em Domino City, a animação especial reúne personagens e elementos diretamente associados ao primeiro Yu-Gi-Oh!. Entre os destaques estão Yugi Muto, Seto Kaiba e o gigantesco Dragão Branco de Olhos Azuis.

O curta tem aproximadamente 90 segundos, mas usa esse pequeno espaço para entregar justamente aquilo que os fãs esperam: personagens clássicos, a estética de Yu-Gi-Oh! e aquela sensação de voltar para uma época em que qualquer discussão podia terminar com alguém gritando “É HORA DO DUELO!”.

A produção ficou a cargo da KONAMI animation. A direção é de Eri Osada, enquanto Hiroko Utsumi participou do storyboard. Takahiro Kagami, que trabalhou no anime Yu-Gi-Oh! Duel Monsters, ficou responsável pelo design dos personagens e pela direção de animação 2D. Já Haruka Taira assumiu a direção de arte.

Uma homenagem ao legado de Kazuki Takahashi

Mais do que simplesmente promover uma exposição, a animação funciona como uma homenagem ao legado de Kazuki Takahashi, responsável por criar Yu-Gi-Oh! e transformar uma história publicada originalmente em mangá em uma das maiores franquias multimídia do Japão.

O mangá começou sua publicação na Weekly Shonen Jump em 1996 e posteriormente deu origem a diversos animes, jogos, produtos e, obviamente, ao gigantesco jogo de cartas que ajudou a transformar a franquia em um fenômeno mundial.

Takahashi morreu em 2022, mas sua criação continua extremamente presente na cultura pop. Por isso, uma exposição dedicada diretamente às suas ilustrações possui um peso diferente: não é apenas uma mostra de Yu-Gi-Oh!, mas uma oportunidade de observar o trabalho artístico por trás de personagens e monstros que se tornaram reconhecíveis até por quem nunca colocou uma carta de Duel Monsters na mão.

Exposição terá mais de 370 peças

A exposição YU-GI-OH! ART WORKS será realizada no CREATIVE MUSEUM TOKYO, em Tóquio, entre 12 de dezembro de 2026 e 21 de fevereiro de 2027.

O evento reunirá mais de 370 peças originais de Kazuki Takahashi, incluindo manuscritos, ilustrações coloridas e materiais relacionados ao processo criativo de Yu-Gi-Oh!. A visitação será dividida em dois períodos: de 12 de dezembro a 17 de janeiro e de 18 de janeiro a 21 de fevereiro.

E, como se uma exposição com centenas de artes originais já não fosse suficiente para fazer qualquer fã perder completamente o controle financeiro, novos produtos também foram anunciados para acompanhar o evento, incluindo adesivos, quebra-cabeças, pins da Kaiba Corporation e outros itens colecionáveis.

30 anos de Yu-Gi-Oh!

A iniciativa chega em um momento particularmente simbólico para a franquia. Em 2026, Yu-Gi-Oh! celebra 30 anos desde o início da publicação do mangá.

E talvez seja justamente isso que torne o novo curta tão interessante.

Em vez de simplesmente lançar uma arte comemorativa, a franquia decidiu colocar seus personagens novamente em movimento. É uma forma de lembrar que, antes de toda a expansão envolvendo jogos de cartas, torneios, diferentes protagonistas e inúmeras séries de anime, existiam Yugi, Kaiba, Joey e companhia correndo pelas ruas de Domino City.

Para quem acompanhou Yu-Gi-Oh! desde os primeiros anos, é quase como abrir aquela velha caixa de cartas guardada no armário e encontrar um Mago Negro ou um Dragão Branco de Olhos Azuis no meio dela.

Só que agora eles estão animados novamente.

Um pequeno vídeo com uma baita carga nostálgica

O novo curta pode durar pouco, mas sua importância está justamente na proposta. Yu-Gi-Oh! não está apenas comemorando uma data: está revisitando visualmente a obra de seu criador em um momento em que a franquia olha diretamente para sua própria história.

Confira:

E convenhamos: depois de 30 anos, Yugi e Kaiba ainda conseguem aparecer juntos e fazer o fã imediatamente voltar para a infância.

Talvez essa seja uma das maiores provas do legado de Kazuki Takahashi.

Porque algumas franquias envelhecem.

Yu-Gi-Oh! simplesmente coloca outra carta na mesa.

E é hora do duelo.

Fontes:

Crunchyroll News — Yu-Gi-Oh! Manga Original Artwork Exhibition Unveils Special Anime Clip

Site oficial de Yu-Gi-Oh!

ANMTV — Yu-Gi-Oh! ganha curta especial para exposição de Kazuki Takahashi

Crunchyroll anuncia animes da temporada de outubro com Black Clover e Diários de Uma Apotecária

2026-09-15T14:27:59.663-03:00

A temporada de outubro promete ser movimentada para os fãs de anime. A Crunchyroll anunciou nesta terça-feira (15) parte dos títulos que chegam à plataforma durante a nova temporada, incluindo retornos bastante aguardados e várias estreias.

Entre os principais destaques estão Black Clover Temporada 2 e Diários de Uma Apotecária Temporada 3, além das novidades Firefly Wedding, Overgeared, Psyren e The Vermilion Mask.

Ou seja: se a sua lista de animes já estava grande, a Crunchyroll resolveu dar aquela ajudinha básica para ela ficar completamente fora de controle.

Black Clover e Diários de Uma Apotecária estão de volta

Entre os retornos mais aguardados está Black Clover Temporada 2, que finalmente volta ao catálogo para continuar a história de Asta e seus companheiros.

Outro grande destaque é Diários de Uma Apotecária Temporada 3, que dará continuidade à história de Maomao e suas investigações envolvendo os mistérios e intrigas da corte imperial.

A nova temporada chega justamente depois de uma fase especialmente movimentada para a franquia, que também recebeu recentemente o anúncio de uma adaptação live-action para o Prime Video, prevista para 2028.

Quatro estreias chegam ao catálogo

A temporada de outubro também terá espaço para novas produções.

Entre os títulos anunciados estão:

Firefly Wedding
Overgeared
Psyren
The Vermilion Mask

As quatro produções fazem parte da nova leva de animes que a Crunchyroll pretende disponibilizar aos assinantes durante a temporada.

Ainda não foram divulgadas, neste anúncio, todas as informações de horários e datas individuais de cada título, que devem ser apresentadas pela plataforma posteriormente.

Alguns animes de julho continuam

Nem tudo muda quando uma nova temporada começa.

A Crunchyroll também confirmou que alguns dos animes lançados durante a temporada de julho continuarão sendo exibidos em outubro.

Entre eles estão:

Red River
The Exiled Heavy Knight Knows How to Game the System
Please Excuse My Younger Brothers
Case Closed
Star Detective Precure

Assim, a temporada de outubro não será apenas composta por estreias e novas temporadas. Alguns dos títulos que já conquistaram espaço na programação continuarão recebendo episódios.

Outubro promete uma lista recheada

Com Black Clover e Diários de Uma Apotecária entre os grandes retornos e quatro novos títulos entrando no catálogo, a Crunchyroll prepara mais uma temporada bastante movimentada.

E ainda estamos falando apenas dos títulos destacados neste primeiro anúncio.

Para quem acompanha anime semanalmente, fica aquele velho problema: “Vou assistir só um episódio.”

Corta para algumas horas depois: “Por que estou com 14 abas abertas e três animes atrasados?”

Animes anunciados pela Crunchyroll para outubro

Novas temporadas:

Black Clover Temporada 2
Diários de Uma Apotecária Temporada 3

Estreias:

Firefly Wedding
Overgeared
Psyren
The Vermilion Mask

Continuações da temporada de julho:

Red River
The Exiled Heavy Knight Knows How to Game the System
Please Excuse My Younger Brothers
Case Closed
Star Detective Precure

Harry Potter da HBO escala Arthur Weasley, Murta-Que-Geme e Colin Creevey

2026-09-15T12:57:57.373-03:00

A série de Harry Potter da HBO continua aumentando o elenco da segunda temporada. A produção escalou Rafe Spall como Arthur Weasley, Molly Hewitt-Richards como Murta-Que-Geme e Jasper Ambrose como Colin Creevey.

Os três personagens farão parte da segunda temporada, baseada em Harry Potter e a Câmara Secreta.

Rafe Spall será Arthur Weasley

Conhecido por trabalhos como Trying, A Vida de Pi e A Grande Aposta, Rafe Spall assumirá o papel de Arthur Weasley, patriarca da família que acolhe Harry como praticamente mais um filho.

O personagem trabalha no Ministério da Magia e é pai de Ron, Ginny, Fred, George, Percy, Bill e Charlie.

A escalação ainda tem uma curiosidade: Rafe Spall é filho de Timothy Spall, ator que interpretou Pedro Pettigrew, o Rabicho, nos filmes originais de Harry Potter.

Ou seja, a família Spall continua circulando pelo mundo bruxo — só que agora Rafe saiu do lado dos vilões e foi parar na Toca dos Weasley.

Murta-Que-Geme também está de volta

Molly Hewitt-Richards interpretará Murta-Que-Geme, a fantasma que assombra o banheiro feminino do segundo andar de Hogwarts.

Nos filmes, a personagem ficou marcada pela interpretação de Shirley Henderson.

Murta tem um papel especialmente importante em A Câmara Secreta, já que sua história está diretamente ligada aos acontecimentos envolvendo a Câmara Secreta e o diário de Tom Riddle.

Colin Creevey completa as novidades

O terceiro novo nome é Jasper Ambrose, que interpretará Colin Creevey, o aluno da Grifinória que rapidamente se torna um grande fã de Harry.

Colin é conhecido por carregar sua câmera para todos os lados e tentar registrar praticamente cada momento do protagonista em Hogwarts.

O personagem apareceu no filme de A Câmara Secreta, interpretado por Hugh Mitchell, mas acabou tendo uma participação bastante pequena na franquia cinematográfica.

A série da HBO terá a oportunidade de explorar novamente personagens que foram reduzidos ou deixados de lado nas adaptações para o cinema.

Segunda temporada está recheada de novidades

Os três novos integrantes se juntam a nomes já anunciados para a segunda temporada, incluindo Kit Harington como Gilderoy Lockhart, Bonnie Hill como Ginny Weasley, Lenny Rush como Dobby e Billy Barratt como Tom Riddle.

A série também terá Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger e Alastair Stout como Ron Weasley, além de John Lithgow como Dumbledore, Janet McTeer como McGonagall, Paapa Essiedu como Snape e Nick Frost como Hagrid.

A primeira temporada estreia na HBO Max em 25 de dezembro de 2026, adaptando Harry Potter e a Pedra Filosofal. A segunda temporada será dedicada a A Câmara Secreta e ainda não possui data de estreia definida.

E olha... com Arthur Weasley, Dobby, Tom Riddle, Ginny, Murta e Lockhart chegando, a segunda temporada está começando a ficar com uma cara bem específica.

A Câmara Secreta vem aí — e Hogwarts definitivamente não vai ter paz.

Fonte:

Deadline: HBO escala Arthur Weasley, Murta-Que-Geme e Colin Creevey

TheWrap: Detalhes do novo elenco de Harry Potter

HarryPotter.com: Perfil oficial de Murta-Que-Geme

Review: The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline — Um Inferno Bonito Demais Para Durar Tão Pouco

2026-09-15T10:51:59.367-03:00

Existe uma coisa perigosíssima na indústria dos games: uma ótima ideia.

Porque uma ótima ideia cria expectativa. E expectativa, meus amigos, é um bicho danado. Quando funciona, temos um clássico. Quando não funciona, ficamos olhando para os créditos pensando: “Era só isso?”

The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é exatamente esse tipo de jogo.

Desenvolvido pelo estúdio italiano ONE-O-ONE Games, conhecido por The Suicide of Rachel Foster, e publicado pela Entalto Publishing, o título parte de uma premissa deliciosa para qualquer fã de literatura, terror psicológico e histórias sobrenaturais: e se a Divina Comédia de Dante não fosse apenas uma obra literária?

E se Dante tivesse escrito aquilo porque realmente conheceu o Inferno?

Melhor ainda: e se seus descendentes fossem obrigados, geração após geração, a impedir que esse Inferno chegasse ao nosso mundo?

É daí que nasce uma aventura curta, atmosférica, visualmente belíssima e cheia de puzzles inteligentes.

Mas também nasce uma pergunta inevitável: por que diabos isso acaba tão rápido?

Dante escreveu uma história. Sua família vive dentro dela.

Em The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline, assumimos o controle de Gabriele Alighieri, descendente do famoso poeta italiano.

Mas carregar o sobrenome Alighieri não é exatamente motivo para comemorar.

A família possui uma obrigação ancestral: a cada 33 anos, um descendente precisa realizar um ritual para manter fechadas as portas que conectam nosso mundo ao Inferno.

E chegou a vez de Gabriele.

O ano é 1993.

Gabriele retorna à propriedade da família e precisa cumprir o ritual. Só que, obviamente, entrar no Inferno nunca é tão simples quanto abrir uma porta, dizer algumas palavras e voltar para casa para assistir televisão.

O ritual exige um preço.

E esse preço envolve aquilo que Gabriele mais ama.

A ideia é imediatamente interessante porque o jogo não tenta simplesmente adaptar Inferno, primeira parte da Divina Comédia, para os videogames.

Ele faz algo mais esperto.

Transforma Dante em parte da mitologia do próprio jogo.

A Divina Comédia passa a ser uma espécie de relato codificado de uma realidade que realmente existe.

A família Alighieri sabe disso.

E Gabriele está prestes a descobrir.

O Inferno não precisa de fogo

Talvez a decisão mais interessante de The Alighieri Circle esteja justamente aqui.

Esqueça aquele Inferno clássico cheio de rios de lava, demônios gigantes, esqueletos, fogo para todos os lados e um sujeito vermelho segurando um tridente.

Aqui, o Inferno é chamado de The Dive.

E ele funciona muito mais como uma manifestação psicológica.

É um lugar construído a partir dos medos, lembranças e traumas de quem o atravessa.

Ou seja: o Inferno não é necessariamente um lugar.

É você.

Essa abordagem permite que os desenvolvedores criem ambientes extremamente estranhos, distorcidos e desconfortáveis sem precisar ficar presos à iconografia tradicional de Dante.

E visualmente isso funciona muito bem.

O mundo infernal mistura tons dessaturados, preto, branco, cinza e vermelho, criando uma identidade visual muito própria. Objetos ligados à vida de Gabriele aparecem incorporados ao cenário, fazendo com que aquele espaço pareça menos um "mapa do Inferno" e mais uma viagem para dentro da cabeça do protagonista.

É uma interpretação bastante interessante.

E, em determinados momentos, bonita pra caramba.

Uma mansão que parece esconder muito mais do que realmente esconde

Antes de mergulharmos no Inferno, existe a mansão da família Alighieri.

E aqui o jogo consegue criar uma das suas melhores atmosferas.

A casa é detalhada, silenciosa e carregada daquela sensação clássica de: "tem alguma coisa muito errada aqui."

Você explora os ambientes procurando objetos, documentos e pistas que ajudam a compreender a história da família.

Diários e documentos revelam fragmentos das gerações anteriores e mostram como outros membros dos Alighieri lidaram com a maldição.

O problema é que a mansão também é vítima de uma velha doença dos videogames: ela parece maior e mais importante do que realmente é.

Existem espaços que dão a impressão de esconder grandes segredos, mas acabam tendo pouca utilidade narrativa ou servindo apenas como áreas secundárias e locais para coletáveis.

A maior parte do problema aponta justamente essa sensação de desperdício: há áreas interessantes na residência que poderiam ter recebido mais exploração e puzzles.

É como entrar numa mansão gigantesca e descobrir que o dono só usa a sala, a cozinha e o banheiro.

O resto está ali para pagar IPTU.

Puzzles: aqui o jogo dá um belo tapa na mesa

Se existe um elemento que realmente diferencia The Alighieri Circle, são os puzzles, e eles não são aqueles quebra-cabeças de videogame que basicamente dizem: "Pegue a chave vermelha e coloque na porta vermelha."

Não.

O jogo quer que você observe.

Quer que você conecte informações.

Quer que você leia.

Quer que você olhe para o cenário.

E, principalmente: não quer ficar segurando sua mão.

Praticamente não existe sistema de dicas e alguns puzzles exigem bastante raciocínio para serem solucionados. Ao mesmo tempo, a maioria deles oferece aquela deliciosa sensação de satisfação quando finalmente entendemos a lógica por trás da solução. Podemos considerar os puzzles ambientais um dos grandes destaques do jogo, especialmente pela maneira como diferentes informações precisam ser cruzadas para chegar à solução.

E isso é importante.

Porque The Alighieri Circle não é um jogo de ação.

Não tem combate.

Não existe um arsenal.

Não existe árvore de habilidades.

Não tem personagem subindo de nível.

A experiência está fundamentada em explorar, interpretar e solucionar problemas.

Portanto, se os puzzles fossem ruins, o jogo estaria praticamente condenado, felizmente, não são.

O problema: alguns puzzles parecem mais inteligentes do que realmente são

Mas existe uma pequena pegadinha.

A ausência de dicas pode ser ótima quando o puzzle é bem construído.

Quando não é...

Bom.

Você começa a questionar suas escolhas de vida.

"Será que eu deveria ter feito Direito?"

"Será que eu realmente preciso descobrir qual estátua olha para qual?"

"Por que estou resolvendo um enigma às 2h da manhã?"

Alguns desafios funcionam muito bem.

Outros podem transformar raciocínio lógico em tentativa e erro.

Ainda assim, no conjunto, os quebra-cabeças são provavelmente a maior virtude de The Alighieri Circle.

Walking Simulator? Sim. E daí?

Vamos resolver uma questão logo de cara.

The Alighieri Circle é um walking simulator.

E não existe absolutamente nada de errado nisso.

O problema é que muita gente ainda ouve "walking simulator" e imagina cinco horas andando em linha reta enquanto alguém lê um texto sobre depressão.

Calma.

Aqui existe exploração, investigação e puzzles, embora o jogo inicialmente parecesse mais difícil de classificar, a estrutura caminhava claramente para o gênero walking simulator.

A diferença é que The Alighieri Circle entende que, nesse gênero, o ambiente precisa ser protagonista.

E ele é.

O verdadeiro protagonista talvez seja a atmosfera

Se existe um elemento em que praticamente todas as impressões convergem, é a atmosfera.

O jogo é bonito.

Muito bonito.

A mansão possui iluminação cuidadosamente trabalhada, interiores detalhados e uma estética que ajuda a construir o isolamento de Gabriele.

E quando chegamos ao Inferno, a direção de arte muda completamente.

Não é apenas "uma versão vermelha do mundo real".

O cenário parece quebrado.

Distorcido.

Como se alguém tivesse pegado as memórias de Gabriele, colocado tudo dentro de um liquidificador e apertado o botão. Destacando iluminação e texturas e descrevendo o jogo se apresenta como um verdadeiro showcase técnico, a atmosfera e exploração são pontos fortes.

E isso é importante porque o jogo depende muito mais da sensação de estar naquele lugar do que de sustos baratos.

E o terror?

Aqui precisamos colocar o pé no freio.

The Alighieri Circle não é Resident Evil.

Não espere sair correndo de um demônio durante meia hora.

Também não espere uma chuva constante de jumpscares.

Existem alguns sustos pontuais, mas o foco está muito mais no suspense psicológico e na estranheza do ambiente.

E, para mim, essa escolha combina muito melhor com a proposta.

O verdadeiro terror não está em saber que alguma criatura pode aparecer atrás da porta.

Está em descobrir que o próprio Inferno conhece seus medos.

Isso é muito mais interessante.

A história é onde o Inferno começa a pegar fogo

E aqui chegamos ao maior problema do jogo.

A narrativa não acompanha o potencial da premissa.

Essa talvez seja a crítica mais recorrente entre as análises.

A GameSpew sentiu falta de desenvolvimento de Gabriele e de sua família, apontando que existe pouco tempo para construir os personagens e fazer o jogador realmente se importar com o destino deles.

A Gamesurf foi ainda mais contundente ao considerar que a experiência termina justamente quando parece que a história finalmente começaria a desenvolver todo o seu potencial.

E essa é uma descrição perfeita.

Porque The Alighieri Circle parece constantemente estar preparando alguma coisa.

A família.

O ritual.

A maldição.

Dante.

O Inferno.

O sacrifício.

Os antepassados.

Gabriele.

Delilah.

Tudo parece apontar para um grande momento.

E então...

acabou.

Gabriele precisava de mais tempo

O protagonista é uma das maiores vítimas da curta duração.

Gabriele deveria ser um personagem extremamente interessante.

Imagine carregar nas costas o peso de uma tradição familiar que atravessou séculos.

Imagine saber que você será obrigado a entrar no Inferno.

Imagine descobrir que o ritual exige um sacrifício.

Agora imagine ter que escolher entre sua família e o resto da humanidade.

Isso deveria ser devastador.

Mas para funcionar emocionalmente, o jogador precisa conhecer Gabriele.

Precisa entender seus medos.

Precisa criar vínculo com sua família.

Precisa sentir o peso daquela escolha.

E é justamente aí que o jogo corre.

A relação entre Gabriele e sua esposa, Delilah, é apontada como uma das partes mais humanas da história, especialmente através das ligações e das cenas que mostram a vida do casal.

Só que faltou tempo.

Muito tempo.

Três horas? Cinco? Depende de você

Aqui existe uma pequena diferença entre as análises.

A GameSpew afirma que é possível terminar o jogo em menos de duas horas caso o jogador não fique preso nos puzzles.

A Pfangirl estima algo em torno de cinco horas, dependendo do ritmo e da exploração.

Outras análises ficam na faixa de aproximadamente três a quatro horas.

Ou seja:

é um jogo curto.

Muito curto.

Mas duração não é automaticamente um problema.

Journey é curto.

Inside é curto.

Firewatch não é exatamente uma maratona.

A questão é outra:

The Alighieri Circle termina antes de desenvolver completamente sua própria ideia.

E isso é muito mais grave do que simplesmente ter poucas horas.

O jogo parece um prólogo de algo maior

Essa talvez seja a melhor maneira de explicar a experiência.

Você começa a compreender a família.

Começa a entender o ritual.

Começa a entender o Inferno.

Começa a entender Gabriele.

Começa a enxergar as possibilidades narrativas.

E então os créditos aparecem.

É quase como assistir ao primeiro episódio de uma série maravilhosa e descobrir que a emissora cancelou a temporada inteira.

A Gamesurf resume essa sensação de maneira muito semelhante: o jogador termina a experiência com a impressão de ter chegado ao ponto em que a jornada finalmente poderia começar a dizer algo mais.

E isso dói porque há potencial aqui.

Muito potencial.

Dante está presente, mas não exatamente como você imagina

Um dos maiores méritos da proposta é justamente não tentar transformar o jogo numa versão videogame de Dante's Inferno.

Você não vai necessariamente encontrar todos os personagens clássicos da obra.

Não existe obrigação de reproduzir literalmente os nove círculos.

O próprio conceito estabelece que o Inferno é uma experiência pessoal.

Isso dá liberdade para os desenvolvedores criarem uma interpretação própria.

E essa liberdade funciona.

O problema é que ela também cria uma expectativa enorme.

Porque, quando você anuncia:

Dante + descendentes + Inferno + ritual + terror psicológico

o jogador começa a imaginar possibilidades.

E o jogo entrega apenas uma pequena parte delas.

A Pfangirl observa justamente essa sensação: considerando a existência dos nove círculos de Dante, três Trials e três páginas acabam parecendo pouco.

Tecnicamente, existe beleza... e alguns tropeços

A direção de arte é excelente.

Mas a performance não é perfeita.

A Vulgar Knight já relatava problemas de desempenho durante o preview, inclusive em um Steam Deck e em um PC intermediário, sendo necessário recorrer a uma máquina mais potente.

A análise da OutNow também menciona travamentos e stutters capazes de quebrar a imersão.

É uma pena.

Porque um jogo tão dependente de atmosfera precisa justamente que o jogador fique completamente imerso.

Você está entrando no Inferno...

A música começa...

A iluminação muda...

O cenário fica estranho...

Você está concentrado...

TRAVOU.

Inferno desbloqueado.

Mas não exatamente o planejado.

O som sabe fazer silêncio

Outro ponto que merece elogio é o trabalho sonoro.

A trilha e o sound design ajudam bastante a construir a sensação de isolamento e tensão.

E isso é particularmente importante porque o jogo não precisa ficar berrando no ouvido do jogador o tempo inteiro.

Ele sabe trabalhar com silêncio.

Com passos.

Com ruídos distantes.

Com ambientes vazios.

Com aquela sensação maravilhosa de que talvez exista alguma coisa onde você não consegue enxergar.

É uma abordagem muito mais coerente com o thriller psicológico que o jogo pretende ser.

Afinal, vale a pena jogar The Alighieri Circle?

Sim. Mas sabendo exatamente o que você está comprando.

Se você procura:

combate;

ação;

monstros para enfrentar;

progressão de personagem;

dezenas de horas de conteúdo;

passe longe.

Agora, se você gosta de:

walking simulators;

puzzles ambientais;

suspense psicológico;

narrativas sobrenaturais;

literatura;

ambientes atmosféricos;

jogos experimentais;

a conversa muda completamente.

Porque existe algo genuinamente interessante aqui.

A combinação entre a mitologia de Dante e uma interpretação psicológica do Inferno é excelente.

Os puzzles, na maior parte do tempo, são inteligentes.

A direção de arte é uma das grandes estrelas.

E a atmosfera consegue carregar boa parte da experiência nas costas.

O veredito

The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é um jogo com uma ideia maior do que sua própria duração.

E talvez essa seja a frase que melhor define tudo.

Ele não é ruim.

Muito pelo contrário.

Ele possui alguns dos ingredientes necessários para ser algo realmente especial.

Mas parece ter sido comprimido.

Como se os desenvolvedores tivessem uma história de oito horas e alguém tivesse dito:

"Vocês têm quatro."

Então cortaram.

Cortaram personagens.

Cortaram desenvolvimento.

Cortaram exploração.

Cortaram encontros.

Cortaram conteúdo.

E mantiveram a essência.

O resultado é um jogo que impressiona pelo que é, mas também provoca uma certa frustração pelo que poderia ter sido.

E talvez seja justamente por isso que uma continuação faria tanto sentido.

A própria Pfangirl considera uma sequência bem-vinda, enquanto outras análises deixam evidente que o universo criado possui muito mais espaço para ser explorado.

Porque existe uma pergunta que fica martelando depois dos créditos:

e se eles tivessem ido mais fundo?

No fim das contas, The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é como uma porta para o Inferno.

Você abre.

Entra.

Resolve alguns enigmas.

Descobre segredos.

Olha maravilhado para o abismo.

E justamente quando começa a se perguntar o que existe depois...

a porta fecha.

🎮 Nota do Papo Blast

Categoria Nota

🎨 Gráficos/Direção de arte 9,0

🧩 Puzzles 8,5

🎧 Som e atmosfera 8,5

📖 História 6,5

👤 Personagens 6,0

🎮 Gameplay 7,5

⏱️ Duração 5,5

🔄 Rejogabilidade 6,0

Nota final 7,5/10

VEREDITO: 7,5/10 — O Inferno que merecia mais tempo

The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline não é uma obra-prima, mas é um daqueles jogos independentes que merecem ser observados com carinho.

Ele tem identidade.

Tem personalidade.

Tem uma direção artística excelente.

Tem puzzles que fazem o cérebro trabalhar.

E tem uma premissa que daria facilmente uma aventura muito maior.

Seu maior pecado não é ser curto.

É nos fazer desejar que fosse mais longo.

E convenhamos: para um jogo sobre o Inferno, não existe punição mais apropriada.

🔥 Recomendado para quem gosta de:

The Suicide of Rachel Foster, Layers of Fear, What Remains of Edith Finch, Firewatch, puzzles ambientais, terror psicológico e histórias sobrenaturais.

❌ Não recomendado para quem procura:

ação, combate, terror tradicional ou uma aventura longa.

Todo Mundo Conhece um Homem Perigoso: livro questiona o machismo sustentado pelo silêncio

2026-09-15T08:35:11.351-03:00

“O machismo não começa no homem que bate. Começa no homem que vê, que ri, que fica quieto.”

É a partir dessa provocação que o jornalista e escritor Pipo R. Ananias constrói Todo Mundo Conhece um Homem Perigoso, livro publicado pela Pipo Edições que utiliza experiências pessoais para discutir como comportamentos machistas podem ser naturalizados no cotidiano.

Morador de Carapicuíba, na Grande São Paulo, o autor parte da perspectiva de um homem comum criado na periferia para analisar situações que muitas vezes passam despercebidas: desde a infância, quando meninos são pressionados a provar que são “machos”, até as conversas entre amigos nas quais comentários sobre mulheres são tratados apenas como brincadeira.

Quando ficar calado também faz parte do problema

Para Pipo, a violência de gênero não começa necessariamente em uma agressão explícita.

Ela também pode ser alimentada por quem presencia comportamentos abusivos e decide não interferir.

No livro, o autor revisita situações envolvendo objetificação feminina, consentimento, ciúme, abuso psicológico e a diferença entre amor e possessão, além de questionar a maneira como homens conversam entre si sobre mulheres.

A proposta é desconfortável justamente porque não coloca o problema apenas no “homem perigoso” que todo mundo consegue reconhecer.

Ela pergunta o que acontece com os homens que estão ao redor dele.

Um livro escrito como conversa

A obra utiliza uma narrativa em primeira pessoa e aposta em uma linguagem próxima de uma conversa entre amigos.

Os capítulos podem ser lidos independentemente e já apresentam no título os temas que serão discutidos.

Entre eles estão “O que os homens falam entre si”, sobre a objetificação das mulheres nas conversas masculinas; “O homem que ninguém enfrenta”, que aborda a tolerância a comportamentos inconvenientes para preservar amizades; e “Essa conversa não é sobre vestido curto”, dedicado aos efeitos do ciúme excessivo e do abuso psicológico.

Em um dos trechos, Pipo resume a ideia central do livro ao mostrar que, seja em um bar, em uma roda de amigos ou durante uma conversa familiar, diferentes comportamentos podem esconder a mesma lógica: alguém ultrapassa limites enquanto outras pessoas permitem que aquilo continue.

Todo mundo conhece um homem perigoso?

O título funciona justamente como uma provocação.

Para o autor, esse homem pode estar em qualquer ambiente: pode ser o amigo que insiste mesmo depois de ouvir um “não”, o colega que desvaloriza mulheres no trabalho ou aquele conhecido cujas atitudes são constantemente justificadas pelo grupo.

A reflexão proposta pelo livro, portanto, não se limita a identificar o agressor.

Ela também olha para quem ri da piada, quem prefere não se envolver e quem escolhe fazer vista grossa.

Mais do que apontar culpados, Pipo R. Ananias tenta transformar essas situações aparentemente pequenas em oportunidade de reflexão sobre comportamentos que foram tratados como normais durante gerações.

Do debate sobre masculinidade à desconstrução

Todo Mundo Conhece um Homem Perigoso é o segundo livro de Pipo R. Ananias.

O autor estreou na literatura com Os Homens Não Conhecem o Amor, romance contemporâneo que aborda a vulnerabilidade masculina e a pressão para que homens escondam seus sentimentos.

Agora, a discussão ganha outro caminho: em vez de olhar apenas para aquilo que os homens sentem, Pipo questiona aquilo que os homens fazem — e, principalmente, aquilo que permitem que outros homens façam.

A proposta pode incomodar.

E talvez seja exatamente essa a intenção.

Ficha técnica

Título: Todo Mundo Conhece um Homem Perigoso

Autor: Pipo R. Ananias

Editora: Pipo Edições

ISBN: 978-65-976506-0-6

Páginas: 146

Preço: R$ 59,90 (físico) | R$ 14,90 (e-book)

Onde comprar: Amazon | site oficial do autor

Sobre Pipo R. Ananias

Pipo R. Ananias é jornalista e escritor, morador de Carapicuíba, na Grande São Paulo. Sua estreia literária aconteceu com Os Homens Não Conhecem o Amor, publicado pelo selo LC Books e aprovado pela Lei de Incentivo à Cultura.

O e-book permaneceu entre os 100 mais vendidos de sua categoria na Amazon Brasil durante oito semanas.

Em Todo Mundo Conhece um Homem Perigoso, o autor volta a abordar questões relacionadas à masculinidade, desta vez colocando no centro da discussão o machismo, os comportamentos normalizados e o silêncio que pode permitir que eles continuem.

Ranma ½ 3ª temporada ganha novo trailer com abertura e encerramento

2026-09-14T17:24:32.550-03:00

A confusão está prestes a voltar! A 3ª temporada do anime Ranma ½ ganhou um novo trailer nesta segunda-feira (14), revelando pela primeira vez trechos das músicas de abertura e encerramento da nova fase.

A nova temporada estreia no Japão em 3 de outubro de 2026 e terá transmissão pela Nippon TV, chegando à Netflix logo após a exibição japonesa.

Novas músicas e muita confusão

A abertura será “Sunao Miman”, interpretada pela cantora Fumino, enquanto o encerramento será “Kawaikunai”, de Yuika. As duas músicas aparecem pela primeira vez no novo trailer.

O vídeo também dá uma prévia dos acontecimentos da nova temporada, colocando Ranma, Akane e Ryoga novamente no centro da confusão — além de apresentar personagens que farão sua estreia na nova fase.

E, pelo que o trailer entrega, o tradicional caos romântico da obra de Rumiko Takahashi continua firme e forte.

Confira o trailer:

Novos personagens chegam à história

A terceira temporada também contará com novos nomes no elenco de voz, incluindo Masako Nozawa, Jun Fukuyama e Minami Tanaka. Mayumi Tanaka e Saori Hayami também integram o elenco, mas seus personagens continuam em segredo.

A produção permanece nas mãos do estúdio MAPPA, com Konosuke Uda na direção, Kimiko Ueno responsável pela composição da série e Hiromi Taniguchi no design de personagens.

Quando estreia Ranma ½ 3?

A 3ª temporada de Ranma ½ estreia em 3 de outubro de 2026, com novos episódios exibidos pela Nippon TV e disponibilizados posteriormente pela Netflix, que mantém a exclusividade internacional do anime.

E considerando que Ranma continua sendo Ranma, já sabemos o que esperar: artes marciais, romance, água quente, água fria e uma quantidade completamente desnecessária de confusão.

Basicamente, mais uma temporada normal na vida do Saotome.

Fonte:

Crunchyroll News: Ranma ½ 3ª temporada ganha novo trailer com abertura e encerramento

Site oficial de Ranma ½: informações da 3ª temporada

Look Back: live-action do mangá de Tatsuki Fujimoto conquista 94% no Rotten Tomatoes

2026-09-14T16:26:45.608-03:00

Parece que Look Back nasceu para continuar sendo a exceção quando o assunto é adaptação de mangá.

O novo live-action baseado no mangá de Tatsuki Fujimoto, criador de Chainsaw Man, estreou no Japão em 11 de setembro e já chega com uma impressionante aprovação de 94% no Rotten Tomatoes, considerando 16 críticas registradas.

E olha que a missão não era exatamente fácil: a obra já havia recebido uma elogiada adaptação em anime em 2024, que atualmente mantém 100% de aprovação da crítica no Rotten Tomatoes.

De mangá para anime e agora live-action

Publicado originalmente em 2021, Look Back acompanha Fujino e Kyomoto, duas jovens apaixonadas por desenhar mangás.

O que começa como uma espécie de rivalidade artística rapidamente se transforma em uma amizade profunda, acompanhando as duas ao longo de 13 anos, enquanto enfrentam os sonhos, as dificuldades e as perdas que surgem pelo caminho.

O novo filme é dirigido por Hirokazu Kore-eda, cineasta conhecido por trabalhos como Assunto de Família e Monster.

No elenco estão Natsuki Deguchi como Fujino e Aju Makita como Kyomoto, além das versões mais jovens das personagens interpretadas por Furi Nanase e Rokka Okada.

A crítica aprovou

A recepção inicial tem sido bastante positiva, especialmente em relação à sensibilidade de Kore-eda ao adaptar uma história tão ligada à criação artística, amizade e amadurecimento.

A Variety, por exemplo, destacou o trabalho do diretor ao transformar a história em um drama essencialmente centrado na relação entre as duas protagonistas. Já outras críticas elogiaram a abordagem humanista do cineasta.

Nem todo mundo, entretanto, saiu completamente convencido. Algumas avaliações apontam que o filme pode manipular emocionalmente o público em determinados momentos.

Mas, considerando que estamos falando de Look Back, talvez tentar assistir sem preparar o coração seja uma missão tão complicada quanto desenhar um mangá sem tomar nenhum café.

Uma história que já provou seu valor

O mais curioso é que Look Back já chega ao live-action carregando uma responsabilidade considerável.

A versão animada de 2024 foi extremamente bem recebida, conquistando 100% no Rotten Tomatoes com 26 críticas e também 98% de aprovação do público.

Agora, a versão de Kore-eda precisa encontrar seu próprio caminho sem simplesmente tentar copiar o anime.

E, pelo que as primeiras críticas indicam, a estratégia parece ter funcionado.

Quando estreia?

Look Back chegou aos cinemas japoneses em 11 de setembro de 2026, depois de sua passagem pelo Festival de Veneza, onde foi exibido em competição.

Ainda não há uma data brasileira anunciada.

Por enquanto, o que temos é um cenário bastante curioso: um mangá de apenas 143 páginas, duas adaptações em pouco mais de dois anos e duas versões recebendo avaliações excelentes.

Tatsuki Fujimoto, aparentemente, escreveu pouco e acertou muito.

Fontes:

Tá Pipocando: matéria original sobre a avaliação de Look Back

Rotten Tomatoes: Look Back (2026)

JBox: Look Back ganha novo trailer do live-action

GamesRadar: Live-action de Look Back estreia com alta aprovação

One Piece 1194: veja quando será lançado o próximo capítulo do mangá

2026-09-14T14:02:20.482-03:00

Os fãs de One Piece terão que esperar mais uma semana para continuar acompanhando a batalha em Elbaf.

O capítulo 1194 do mangá será lançado oficialmente em 27 de setembro de 2026, após uma pausa na publicação na próxima semana. A informação foi confirmada pelo Geekdama.

A pausa acontece depois do capítulo 1193 e não é uma folga de Eiichiro Oda. Desta vez, o intervalo está relacionado ao calendário da Weekly Shonen Jump, revista responsável pela publicação do mangá no Japão.

Quando sai One Piece 1194?

O calendário fica assim:

13 de setembro: capítulo 1193
20 de setembro: pausa
27 de setembro: capítulo 1194

Para os leitores internacionais, incluindo o Brasil, o capítulo estará disponível oficialmente pelo MANGA Plus, da Shueisha, em 27 de setembro. No Japão, por causa do fuso horário, a publicação acontece já na madrugada de 28 de setembro.

O que esperar do capítulo 1194?

O capítulo 1193 deixou várias situações importantes em aberto.

Zoro terminou seu confronto com Sommers mostrando que ainda está aperfeiçoando o uso do Haki do Rei em seus ataques, enquanto Luffy ficou exausto depois de gastar suas forças na batalha.

Além disso, Loki está prestes a revelar uma nova transformação, e Gunko voltou à ação.

Também existe a história envolvendo Biblo, Robin e Chopper na biblioteca, que pode trazer novas informações importantes sobre os mistérios de Elbaf.

Ou seja: Oda deixou o tabuleiro cheio de peças justamente antes da pausa.

Próxima parada: Elbaf

Agora é respirar fundo, fugir dos spoilers e esperar até 27 de setembro.

Porque depois de Zoro mandar um “ainda estou praticando” para um Cavaleiro Sagrado, Luffy apagar de cansaço e Loki preparar uma transformação que ainda não foi completamente revelada... uma semana parece tempo demais.

Fonte:

Geekdama: One Piece 1194 — calendário e data de lançamento

MANGA Plus: publicação oficial dos capítulos de One Piece.

Netflix prepara filmes e séries de Crazy Taxi, Sonic e Stranger Than Heaven

2026-09-14T13:45:36.275-03:00

Roteiristas de 'Crazy Taxi', Dan Gregor e Doug Mand

A Netflix e a SEGA decidiram acelerar de vez a transformação dos games da empresa em produções para o streaming. As duas companhias anunciaram novos projetos envolvendo três franquias: Crazy Taxi, Sonic e Stranger Than Heaven.

A novidade amplia a parceria entre Netflix e SEGA, que já vêm investindo pesado em adaptações de jogos. A promessa é levar essas propriedades para diferentes formatos, incluindo filmes e séries.

Crazy Taxi vai virar filme

A principal surpresa é Crazy Taxi, clássico dos arcades da SEGA.

A franquia ganhará uma comédia cinematográfica, embora detalhes sobre elenco, direção, roteiro ou data de estreia ainda não tenham sido revelados.

E, convenhamos, a premissa praticamente se escreve sozinha: táxis, passageiros completamente malucos, trânsito e motoristas que aparentemente confundiram uma corrida comum com uma prova de Fórmula 1.

Enquanto isso, nos games, a SEGA continua preparando Crazy Taxi: World Tour, previsto para 2027.

Stranger Than Heaven também está na fila

Outro projeto envolvido é Stranger Than Heaven, novo jogo do Ryu Ga Gotoku Studio, responsável pela franquia Like a Dragon.

A produção será adaptada para uma nova mídia pela Netflix, embora os detalhes ainda sejam mantidos em segredo.

O jogo chega em 15 de janeiro de 2027 para PS5, Xbox Series X|S e PC, além de estar disponível no Game Pass.

A história acompanha Makoto Daito em uma narrativa que atravessa cinco décadas e cinco cidades, misturando ação, drama e elementos musicais.

E Sonic continua correndo

Obviamente, Sonic não poderia ficar de fora.

A Netflix também anunciou um novo projeto baseado no ouriço azul, ampliando a presença da franquia no streaming.

A SEGA já vem explorando diferentes formatos para Sonic e a nova produção faz parte da estratégia da empresa de expandir suas principais propriedades para além dos videogames.

SEGA está apostando pesado em Hollywood

A estratégia faz parte de uma movimentação maior da SEGA para transformar suas franquias em propriedades multimídia.

Além de Sonic, que já possui uma bem-sucedida franquia cinematográfica, a empresa vem trabalhando para revitalizar marcas como Crazy Taxi, Jet Set Radio, Golden Axe e Streets of Rage.

Agora, Netflix e SEGA querem levar ainda mais desses universos para o público que talvez nunca tenha colocado as mãos nos controles.

E se tem uma coisa que Hollywood já aprendeu nos últimos anos é: se existe um jogo famoso, alguém provavelmente está pensando em transformá-lo em filme.

Desta vez, pelo menos, tem Crazy Taxi no meio.

E isso já promete alguma coisa bem... crazy.

Fontes:

Deadline: Netflix prepara adaptações de Crazy Taxi, Stranger Than Heaven e Sonic

SEGA: Detalhes de Stranger Than Heaven

SEGA: Stranger Than Heaven — site oficial

Sydney Sweeney é criticada por atletas após propaganda de apostas esportivas

2026-09-14T13:36:22.902-03:00

Sydney Sweeney entrou novamente no centro de uma polêmica publicitária. A atriz protagoniza a nova campanha da Novig, plataforma de previsão esportiva, mas o comercial acabou provocando uma reação forte de atletas mulheres, incluindo nomes olímpicos.

O motivo? A campanha coloca Sweeney em poses extremamente provocantes e com pouca ou nenhuma roupa enquanto ela aparece cercada por equipamentos esportivos para divulgar o conceito “Just Sports” da empresa.

A ideia da Novig era destacar que sua plataforma é focada exclusivamente em esportes, diferentemente de outros mercados de previsão que também trabalham com política, acontecimentos geopolíticos e outros temas.

Só que a campanha acabou discutindo outra coisa: o corpo feminino no esporte.

O comercial que virou polêmica

No anúncio, Sweeney aparece simulando diferentes modalidades esportivas, utilizando bolas e equipamentos para cobrir o corpo enquanto apresenta a proposta da Novig.

Em determinado momento, ela aparece sobre uma cesta de basquete e reforça que a plataforma trabalha apenas com esportes.

A campanha foi lançada em setembro e rapidamente ganhou enorme repercussão nas redes sociais.

E, como costuma acontecer na internet, a publicidade conseguiu aquilo que toda agência de marketing sonha: ninguém parou de falar dela.

Confira:

O problema é que boa parte dessas conversas não foi exatamente positiva.

Atletas dizem que campanha sexualiza o esporte feminino

A reação mais forte veio de mulheres que efetivamente trabalham e competem no esporte.

A ginasta americana Gracie Kramer foi uma das primeiras a responder publicamente. Ela publicou imagens e vídeos de sua própria carreira esportiva e questionou a representação de mulheres no comercial.

A mensagem foi seguida por diversas outras atletas, que passaram a compartilhar registros de treinamentos e competições para mostrar justamente aquilo que consideram estar ausente da campanha: força, dedicação, habilidade e desempenho esportivo.

A crítica central não é simplesmente o fato de Sweeney aparecer sem roupa.

O argumento das atletas é que utilizar a sexualização feminina para vender uma plataforma esportiva reforça justamente um problema que mulheres atletas enfrentam há décadas: serem avaliadas pelo corpo e pela aparência em vez de suas conquistas.

Ariarne Titmus entra na discussão

Entre as críticas que ganharam maior repercussão está a da nadadora australiana Ariarne Titmus, quatro vezes campeã olímpica.

Titmus afirmou que ficou profundamente incomodada com a campanha e argumentou que a publicidade desrespeita mulheres que dedicaram anos de suas vidas para alcançar excelência esportiva.

Outras atletas também se manifestaram, incluindo a velocista Gabby Thomas, além de esportistas australianas e americanas.

A reação acabou criando uma espécie de campanha espontânea nas redes sociais.

Em vez de reproduzir o anúncio, atletas começaram a publicar imagens de seus próprios treinamentos e competições para mostrar o que, para elas, representa uma mulher no esporte.

A mensagem era basicamente: “Isso aqui também é esporte feminino.”

Mas Sydney Sweeney não é apenas o rosto da campanha

Aqui está uma das partes mais importantes da história.

Sydney Sweeney não foi simplesmente contratada para aparecer durante 30 segundos na propaganda.

A atriz é parceira estratégica e acionista da Novig.

Segundo informações divulgadas pela empresa, Sweeney participou diretamente do desenvolvimento da campanha, incluindo decisões relacionadas ao conceito e à mensagem do comercial. O CEO da Novig, Jacob Fortinsky, afirmou que ela teve participação significativa no processo criativo.

Isso muda um pouco a conversa.

A discussão não é apenas:

“Por que colocaram Sydney Sweeney nessa propaganda?”

Mas também:

“Por que Sydney Sweeney, que participa do negócio, escolheu fazer essa campanha dessa maneira?”

A atriz defende a ideia por trás do comercial

Sweeney descreveu a campanha como uma ideia divertida e disse que o objetivo era cortar o excesso de informação e colocar o foco exclusivamente nos esportes.

A Novig também defendeu a proposta, afirmando que a campanha pretendia apresentar sua mensagem com confiança, humor e uma abordagem provocativa.

Ou seja, aparentemente a empresa sabia exatamente que estava produzindo algo capaz de chamar atenção.

E funcionou.

Muito.

O problema vai além da sexualização

A polêmica também trouxe outra discussão: a publicidade de plataformas de apostas e mercados de previsão utilizando celebridades.

A Novig se apresenta como um mercado de previsão focado em esportes. A empresa tenta se diferenciar de plataformas como Polymarket e Kalshi justamente por limitar sua atuação ao universo esportivo.

Mas, para parte do público, a questão continua sendo essencialmente a mesma: estamos falando de uma plataforma na qual pessoas colocam dinheiro em previsões sobre resultados esportivos.

A presença de uma estrela de Hollywood pode tornar esse tipo de serviço muito mais atraente para o público.

E é exatamente por isso que a participação de Sweeney como investidora torna a campanha ainda mais relevante.

A estratégia de marketing deu certo?

Se medirmos apenas pela capacidade de gerar atenção, a resposta provavelmente é:

sim.

A campanha colocou a Novig no centro de uma discussão internacional poucos dias depois de seu lançamento.

Segundo análise divulgada pelo consultor Clayton Durant, as menções à marca teriam saltado de uma média de 392 por semana para 4.633 após o lançamento da campanha — um aumento de aproximadamente 1.180%.

É aquele velho dilema da publicidade moderna: é melhor ser amado ou ser impossível de ignorar?

A Novig definitivamente conseguiu a segunda opção.

E essa não é a primeira polêmica publicitária de Sydney Sweeney

A atriz já havia experimentado algo parecido em 2025, quando estrelou uma campanha da American Eagle que também provocou enorme discussão nas redes sociais.

Agora, novamente, Sweeney aparece no centro de uma campanha que mistura sexualidade, provocação e uma mensagem comercial deliberadamente chamativa.

A diferença é que, desta vez, a controvérsia ganhou uma dimensão específica envolvendo representação das mulheres no esporte.

E isso tornou a discussão muito maior do que simplesmente avaliar se o comercial é “bom” ou “ruim”.

Afinal, é liberdade ou sexualização?

É justamente aqui que a discussão fica mais complicada.

Sweeney tem liberdade para decidir como quer utilizar sua imagem. Mulheres atletas também podem posar nuas ou participar de campanhas sensuais — e muitas já fizeram isso.

O problema levantado pelas críticas é outro.

Para as atletas, existe uma diferença entre uma mulher escolher conscientemente utilizar sua sensualidade e uma campanha publicitária usar a sexualização como principal ferramenta para vender algo relacionado ao esporte feminino.

E esse debate não possui uma resposta simples.

Até porque o esporte feminino passou décadas lutando para ser reconhecido por desempenho, profissionalismo e competência.

Quando uma campanha esportiva coloca o corpo de uma mulher no centro da mensagem, é compreensível que algumas atletas perguntem: “É realmente nisso que vocês querem que o público preste atenção?”

Uma propaganda conseguiu falar de tudo, menos de esporte

A ironia da história talvez esteja justamente aí.

A Novig criou uma campanha para dizer que seu produto é “Just Sports”.

Mas poucos dias depois, a principal conversa em torno da campanha não é sobre futebol, basquete, tênis, natação ou qualquer outro esporte.

É sobre:

sexualização;
publicidade;
apostas;
celebridades;
mulheres no esporte;
representação feminina;
e o papel de Sydney Sweeney como investidora da empresa.

Ou seja...

a propaganda queria falar de esporte e acabou criando uma discussão sobre todo o resto.

Marketing moderno, meus amigos.

Às vezes o plano funciona tão bem que dá errado.

Fontes:

Deadline: Sydney Sweeney enfrenta reação de atletas após campanha da Novig

Variety: Sydney Sweeney e a reação de atletas olímpicas à propaganda da Novig

The Guardian: Atletas criticam campanha por sexualizar o esporte feminino

NBC: Atletas reagem à nova campanha esportiva de Sydney Sweeney

Scarlet, novo anime de Mamoru Hosoda, chega à HBO Max dublado e legendado

2026-09-12T13:47:59.229-03:00

Quem estava esperando para conferir o novo filme de Mamoru Hosoda já pode comemorar. Scarlet (Hateshinaki Scarlet) entrou no catálogo da HBO Max no Brasil em 4 de setembro, com opções dublada e legendada.

O longa havia sido planejado para chegar aos cinemas brasileiros em 16 de abril de 2026, mas a estreia acabou não acontecendo. Depois de meses sem uma nova data para as salas, Scarlet chegou primeiro ao mercado digital para compra e aluguel e agora desembarca no streaming.

Uma princesa entre a vingança e a Terra dos Mortos

Escrito e dirigido por Mamoru Hosoda, responsável por obras como Crianças Lobo, Guerras de Verão, Mirai e Belle, Scarlet acompanha uma princesa que fracassa ao tentar vingar a morte de seu pai.

Depois disso, ela desperta na chamada Terra dos Mortos, um mundo misterioso situado entre a vida e a morte. Lá, Scarlet conhece Hijiri, um homem vindo do Japão moderno, que passa a acompanhá-la em sua jornada.

Para não desaparecer completamente, Scarlet precisa concluir sua vingança e alcançar um lugar conhecido como Local Sem Fim.

A história mistura fantasia, aventura e drama com elementos inspirados em tragédias clássicas, uma combinação bastante característica do cinema de Hosoda.

E tem dublagem em português

A versão brasileira foi produzida pelo estúdio Dublavídeo, com direção de Raphael Ferreira.

No trio principal, Juliana Máximo dubla Scarlet, Raphael Ferreira interpreta Hijiri e Cassiano Ávila dá voz a Claudius.

Assim, quem preferir assistir ao anime em português já pode conferir o longa dessa maneira na HBO Max.

De Veneza para o streaming

Scarlet teve sua estreia mundial no Festival de Cinema de Veneza de 2025, onde participou das categorias de Filme Independente, Direção e Roteiro. O longa também foi indicado ao Crunchyroll Anime Awards 2026 na categoria Filme do Ano, mas perdeu o prêmio para Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castelo Infinito.

O filme chegou aos cinemas japoneses em novembro de 2025 e agora finalmente está disponível oficialmente para o público brasileiro no streaming.

Onde assistir Scarlet?

Scarlet já está disponível na HBO Max no Brasil, com versões dublada e legendada. O filme também continua disponível para compra digital em plataformas como Prime Video e Apple TV.

Gabriel Martins fala sobre representatividade negra em novo filme, On Behalf of My Son

2026-09-12T11:10:50.937-03:00

Depois de conquistar o mundo com Marte Um, o cineasta mineiro Gabriel Martins está de volta com um filme que promete repetir a força emocional de seu trabalho anterior — mas agora colocando ainda mais em evidência uma questão que atravessa sua própria trajetória: a representação de pessoas negras no cinema brasileiro.

Em entrevista à Variety, Martins falou sobre On Behalf of My Son, longa que internacionalmente recebe esse título e que será lançado no Brasil como Vicentina Pede Desculpas. Para o diretor, construir personagens negros e colocá-los no centro de histórias complexas não é simplesmente uma escolha artística.

É um projeto de vida.

Não é apenas cinema

Martins deixou claro que a representatividade negra presente em seus filmes está diretamente ligada à maneira como enxerga o próprio cinema.

O diretor é um dos fundadores da Filmes de Plástico, produtora conhecida por desenvolver obras que retratam comunidades negras e trabalhadoras brasileiras com humanidade e sem reduzir seus personagens a estereótipos. A produtora também esteve por trás de Marte Um, filme que representou o Brasil na disputa pelo Oscar de Melhor Filme Internacional em 2023.

Em On Behalf of My Son, essa perspectiva aparece novamente por meio de uma história extremamente íntima: uma mãe tentando lidar com uma tragédia que destruiu sua família.

Uma mãe em busca de perdão

O filme acompanha Vicentina, interpretada por Rejane Faria, uma professora aposentada de 75 anos.

Tudo muda quando seu filho Wesley, motorista de ônibus, morre em um acidente depois que o veículo despenca de um viaduto em Belo Horizonte.

O caso rapidamente ganha repercussão nacional.

Imagens de câmeras de segurança levantam a possibilidade de que Wesley tenha provocado o acidente intencionalmente. Diante dessa possibilidade, Vicentina decide procurar as famílias das vítimas para pedir desculpas em nome do filho.

Só que pedir perdão não significa necessariamente recebê-lo.

E é justamente nesse caminho que Gabriel Martins constrói o drama.

O peso de carregar uma culpa que não é sua

A premissa de Vicentina Pede Desculpas parece simples, mas carrega uma pergunta bastante pesada: até onde alguém pode assumir a responsabilidade pelos atos de outra pessoa?

Vicentina não provocou a tragédia.

Ela não estava dirigindo o ônibus.

Mesmo assim, como mãe, decide enfrentar as consequências do que aconteceu.

A jornada da personagem passa por diferentes famílias, encontros e reações. Algumas pessoas podem estar dispostas a ouvir. Outras podem não conseguir perdoar.

E, no meio disso tudo, Vicentina também precisa lidar com seu próprio luto.

O resultado é uma história sobre culpa, perdão, maternidade, responsabilidade e a tentativa de continuar vivendo depois de uma tragédia.

Rejane Faria é o coração do filme

Se a história pertence a Vicentina, a força dela está em Rejane Faria.

A atriz, que já havia trabalhado com Gabriel Martins em Marte Um, assume novamente um papel central em uma produção do diretor.

A Netflix descreve sua interpretação como o núcleo emocional do longa, enquanto Martins destaca a capacidade da atriz de equilibrar a dor da personagem com seus pequenos gestos e momentos de humanidade.

O elenco também reúne nomes importantes do cinema brasileiro, incluindo Flávio Bauraqui, Giovanna Heliodoro, Giovanni Venturini, Grace Passô, Karine Teles, Maíra Azevedo, Renato Novaes e Thalma de Freitas.

Um filme brasileiro com os olhos voltados para o mundo

On Behalf of My Son não chega à Netflix como um lançamento nacional qualquer.

O filme teve uma trajetória internacional bastante relevante antes mesmo de chegar ao público.

A produção foi selecionada para a competição Platform do Festival Internacional de Toronto de 2026, uma das principais vitrines do cinema contemporâneo. O vencedor da seção recebe uma indicação direta para consideração na categoria de Filme Internacional do Oscar.

O longa também integra a competição oficial do Festival de San Sebastián, na Espanha, concorrendo à Concha de Ouro, principal prêmio do festival.

Para Martins, essa circulação internacional representa também uma oportunidade de colocar o cinema brasileiro — e especialmente o cinema produzido em Minas Gerais — no centro das conversas internacionais.

A identidade mineira continua presente

Assim como em Marte Um, Minas Gerais ocupa um espaço importante no novo filme.

Gabriel Martins nasceu e cresceu no estado, e On Behalf of My Son também está ambientado em Minas Gerais.

O diretor já destacou que a produção representa mais um momento importante para o cinema mineiro, que vem conquistando espaço em grandes festivais internacionais.

É interessante perceber como Martins constrói sua carreira sem abandonar suas raízes.

Ele não precisa transformar o Brasil em uma caricatura exótica para falar com o mundo.

Pelo contrário.

É justamente ao contar uma história profundamente brasileira que seu cinema encontra uma linguagem universal.

Depois de Marte Um, a expectativa é enorme

Marte Um foi o filme que colocou Gabriel Martins definitivamente no radar internacional.

Lançado em 2022, o longa acompanhava uma família negra de classe média baixa em Contagem, Minas Gerais, e acabou escolhido para representar o Brasil no Oscar.

Agora, quatro anos depois, Martins retorna com uma história bastante diferente, mas que mantém algumas das características que marcaram seu cinema: personagens negros complexos, relações familiares e uma narrativa profundamente humana.

A diferença é que, desta vez, a história começa com uma tragédia.

E a pergunta não é apenas como sobreviver a ela.

É como continuar vivendo depois dela.

Quando Vicentina Pede Desculpas estreia?

No Brasil, Vicentina Pede Desculpas terá sessões no Festival do Rio, antes de chegar aos cinemas.

O lançamento comercial em cinemas selecionados está marcado para 5 de novembro de 2026, enquanto a estreia na Netflix acontece em 20 de novembro, simultaneamente em mais de 190 países.

O filme tem 148 minutos de duração e é dirigido e roteirizado por Gabriel Martins.

Mais do que representatividade, uma forma de existir

Talvez o aspecto mais interessante da declaração de Gabriel Martins seja justamente não tratar representatividade como uma tendência passageira do mercado.

Para o cineasta, colocar pessoas negras no centro das histórias, permitir que tenham desejos, defeitos, conflitos, humor, sofrimento e contradições faz parte de uma construção muito maior.

É uma maneira de mostrar pessoas negras simplesmente vivendo.

Sem precisar justificar sua existência.

Sem precisar transformar cada personagem em símbolo.

E talvez seja justamente por isso que On Behalf of My Son desperte tanta atenção.

Porque, por trás da tragédia de Vicentina, existe uma história sobre pessoas.

Sobre uma mãe.

Sobre um filho.

Sobre culpa.

Sobre perdão.

E sobre aquilo que fazemos quando a vida nos obriga a continuar caminhando mesmo quando ainda não descobrimos como deixar a dor para trás.

Depois de Marte Um, Gabriel Martins parece novamente disposto a provar que o cinema brasileiro pode contar histórias profundamente locais e, ao mesmo tempo, falar diretamente com o mundo inteiro.

E dessa vez, pelo caminho de Vicentina, ele talvez esteja fazendo uma pergunta ainda mais difícil: quem perdoa uma mãe quando ela pede desculpas pelo que o próprio filho fez?

Fontes:

Variety — entrevista com Gabriel Martins sobre representatividade negra: Leia a matéria original da Variety

Netflix — anúncio do filme e data de lançamento: Netflix

Festival de Toronto — seleção de On Behalf of My Son: TIFF

Festival de San Sebastián — competição oficial: San Sebastián Film Festival

Paramount e Warner Bros.: negociação de acordo pode acontecer em outubro

2026-09-11T18:36:25.405-03:00

A novela da fusão entre Paramount Skydance e Warner Bros. Discovery ganhou mais um capítulo — e, pela primeira vez em algum tempo, existe a possibilidade concreta de que a história termine sem precisar chegar até o julgamento.

As partes envolvidas na disputa antitruste deverão participar de negociações de acordo no fim de outubro, em uma tentativa de resolver o processo que atualmente impede o avanço da fusão avaliada em aproximadamente US$ 110 bilhões.

A determinação veio da Justiça americana nesta sexta-feira, 11 de setembro, que ordenou que a Paramount e os procuradores-gerais dos estados que contestam a operação encontrem datas para dois dias consecutivos de negociações. A Writers Guild of America (WGA), que também move uma ação contra a fusão, participará das conversas.

Ou seja: depois de meses de processo, ameaça, taxa bilionária e troca de acusações, chegou a hora daquele momento clássico de qualquer reunião de família: “Tá bom, mas o que você quer para acabar com essa briga?”

Uma fusão de US$ 110 bilhões travada nos tribunais

A Paramount Skydance anunciou em 2026 um acordo para adquirir a Warner Bros. Discovery por aproximadamente US$ 110 bilhões.

O problema é que uma coalizão de 12 estados americanos, liderada pela Califórnia, entrou com uma ação para impedir a operação, alegando que a união das empresas reduziria a concorrência nos mercados de televisão, cinema e distribuição de conteúdo. A WGA também entrou com seu próprio processo, argumentando que a concentração poderia prejudicar roteiristas e trabalhadores da indústria.

A fusão acabou sendo colocada em espera até que as questões antitruste sejam resolvidas.

O julgamento está marcado para começar em 2 de março de 2027, com previsão de duração de 12 dias de tribunal.

Agora, entretanto, as negociações de outubro podem mudar completamente esse calendário.

Paramount já deixou claro que quer um acordo

A Paramount vem pressionando para encontrar uma solução que permita concluir a aquisição antes que a disputa se prolongue ainda mais.

Em agosto, representantes da empresa já haviam iniciado conversas com o gabinete do procurador-geral da Califórnia, Rob Bonta, sobre uma possível solução. Bonta afirmou que estaria disposto a negociar, mas indicou que as medidas oferecidas pela Paramount até então não seriam suficientes.

O grande problema está no tipo de compromisso que os estados querem.

A Paramount já prometeu, por exemplo, manter pelo menos 30 filmes por ano nos cinemas durante três anos, com uma janela teatral mínima de 45 dias.

Mas os estados argumentam que compromissos desse tipo — chamados de remédios comportamentais — podem ser difíceis de fiscalizar e fazer cumprir.

Bonta e outros procuradores-gerais defendem medidas mais estruturais, que poderiam envolver mudanças mais profundas nos ativos das empresas.

E tem uma conta de US$ 7 milhões por dia

Como se a situação já não fosse suficientemente complicada, existe um relógio financeiro correndo.

A partir de 1º de outubro, a Paramount começará a acumular uma chamada ticking fee de US$ 7 milhões por dia, valor previsto no acordo com os acionistas da Warner Bros. Discovery enquanto a transação não for concluída.

Com o julgamento previsto apenas para março de 2027, a conta poderia chegar a aproximadamente US$ 1,2 bilhão até o fim do julgamento, dependendo de quando a operação for concluída.

E é justamente essa conta que tornou a negociação ainda mais urgente.

A Paramount chegou a pedir que os estados e a WGA apresentassem uma garantia de US$ 1,88 bilhão para cobrir possíveis prejuízos caso a empresa vença a disputa judicial depois de ter sido impedida de concluir a aquisição. Uma audiência sobre esse pedido está marcada para 24 de setembro.

Os estados, naturalmente, não acharam a ideia maravilhosa.

A treta está longe de acabar

Apesar da nova rodada de negociações, isso não significa que a fusão esteja garantida.

Os procuradores-gerais continuam defendendo que a operação representa uma ameaça à concorrência, enquanto a Paramount sustenta que a aquisição será positiva para o mercado e para consumidores e criadores.

A empresa afirma ainda que já obteve autorizações regulatórias em 69 jurisdições e que os processos movidos pelos estados e pela WGA são os últimos obstáculos para a conclusão da transação.

Portanto, outubro pode ser decisivo.

Se as partes encontrarem uma solução aceitável, o processo poderá caminhar para um acordo e o julgamento de março talvez nem seja necessário.

Se não houver entendimento...

Bom, aí teremos mais alguns meses de documentos judiciais, audiências, bilhões de dólares e executivos tentando explicar por que US$ 110 bilhões não são suficientes para comprar tranquilidade.

David Ellison também colocou pressão na mesa

A negociação ainda ganhou uma camada adicional de tensão depois que David Ellison, CEO da Paramount Skydance, afirmou que a empresa poderia começar a retirar suas operações da Califórnia a partir de 1º de outubro caso não houvesse avanço nas negociações com o estado.

Bonta respondeu acusando Ellison de tentar pressionar a Califórnia para aceitar a operação.

A disputa, portanto, deixou de ser apenas uma discussão sobre concorrência e passou a envolver também questões políticas e econômicas relacionadas à presença histórica de Hollywood no estado.

Outubro pode ser o mês decisivo

Depois de tantas idas e vindas, a ordem para que Paramount, estados e WGA participem de negociações no fim de outubro representa uma mudança importante no processo.

Ainda não existe acordo.

Ainda não existe garantia de que os estados desistirão da ação.

E muito menos existe certeza de que a fusão será concluída.

Mas agora existe oficialmente uma mesa de negociação.

E, considerando que a alternativa é um julgamento em março de 2027 enquanto a Paramount vê US$ 7 milhões evaporarem por dia, talvez todo mundo tenha finalmente descoberto que conversar pode ser mais barato do que brigar.

US$ 110 bilhões em jogo e uma conta de US$ 7 milhões por dia.

É aquele tipo de reunião em que ninguém pode chegar dizendo: “Depois a gente vê isso.”

O que acontece agora?

24 de setembro: audiência sobre o pedido da Paramount por uma garantia de US$ 1,88 bilhão.
1º de outubro: começa a cobrança da ticking fee de US$ 7 milhões por dia.
Fim de outubro: Paramount, estados e WGA devem participar de dois dias consecutivos de negociações.
2 de março de 2027: início previsto do julgamento antitruste, caso não haja acordo.
Valor da operação: aproximadamente US$ 110 bilhões.

Fontes:

Variety: Paramount e estados devem iniciar negociações para acordo em outubro

Bloomberg Law: Paramount é orientada a iniciar negociações de acordo no fim de outubro

Reuters: Paramount acusa procurador-geral da Califórnia de contradizer argumentos sobre a garantia

Paramount: Empresa apresenta argumentos sobre os custos do atraso da fusão

Filme Marília, do Prime Video, encerra filmagens e chega em 2027

2026-09-11T09:04:11.237-03:00

O Prime Video anunciou o fim das filmagens de Marília, filme Original que contará a trajetória de Marília Mendonça. As gravações aconteceram desde julho em Goiânia e São Paulo, e o longa tem previsão de estreia para 2027.

Um dos destaques do projeto é a escalação da cantora Marina Versos para interpretar Marília Mendonça. A produção também conta com Hermila Guedes como Dona Ruth, mãe da artista, além de Klara Castanho como Maiara, Sophia Valverde como Maraisa, Marcelo Serrado como Wander Oliveira e João Guilherme como Juliano Tchula.

Uma história além dos palcos

Dirigido por Dainara Toffoli, com roteiro de Carina Schulze e Patrícia Andrade, Marília pretende acompanhar a trajetória da cantora desde a adolescência, quando começou a cantar na igreja, até sua transformação em um dos maiores nomes da música brasileira.

A produção também abordará os desafios enfrentados por Marília em uma indústria dominada por homens, além de seus relacionamentos, as pressões da fama e os conflitos profissionais.

Ao transformar suas próprias experiências em música, a cantora se tornou uma das principais vozes femininas do sertanejo e conquistou uma legião de fãs em todo o país.

Segundo projeto do Prime Video

O longa será o segundo projeto do Prime Video dedicado a Marília Mendonça.

Antes do filme, a plataforma estreia a série documental Marília Mendonça: Sentimento Louco, marcada para 16 de outubro de 2026.

Enquanto o documentário terá uma abordagem documental sobre a trajetória da artista, Marília contará sua história por meio de uma produção dramatizada.

Quando estreia o filme Marília?

Marília ainda não possui uma data específica de lançamento, mas o Prime Video confirmou a estreia para 2027.

Com as filmagens agora encerradas, o próximo passo deve ser a divulgação de mais materiais promocionais, incluindo o primeiro trailer e a data oficial de lançamento.

E com Marina Versos assumindo o papel da cantora, a expectativa é descobrir como o filme vai transportar para as telas a personalidade e o legado de uma das artistas mais marcantes da música brasileira.

One Piece 1193: Zoro usa Haki do Rei contra Sommers e deixa Cavaleiro Sagrado aterrorizado

2026-09-10T14:01:33.433-03:00

Se alguém ainda tinha dúvidas de que Roronoa Zoro está entrando em uma nova fase de seu poder, os spoilers do capítulo 1193 de One Piece chegaram para acabar com elas.

Depois de semanas com a história concentrando boa parte de seus holofotes em Luffy, Imu e Loki, Eiichiro Oda parece ter decidido entregar aos fãs de Zoro exatamente aquilo que eles estavam esperando: o espadachim tentando dominar o Haki do Rei aplicado aos seus ataques — e quase atravessando o coração de um Cavaleiro Sagrado no processo.

E o melhor?

Quando Sommers percebe o tamanho do problema, Zoro simplesmente manda: “Ah, desculpe!! Ainda estou praticando.”

Sim. O cidadão aparentemente resolveu transformar um Cavaleiro Sagrado em boneco de treino.

One Piece 1193: Zoro vs. Sommers ganha os holofotes

Segundo os primeiros spoilers confirmados divulgados pelo Geekdama, o capítulo 1193 recebe o título de “Ainda estou praticando” e coloca Zoro em confronto direto com Saint Sommers, um dos Cavaleiros Sagrados envolvidos na batalha de Elbaf.

A luta acontece enquanto a guerra em Elbaf continua se espalhando por diferentes frentes.

Zoro acaba cercado pelos perigosos espinhos de Sommers. Porém, em vez de simplesmente tentar escapar ou cortar tudo da maneira tradicional, o espadachim está pensando em algo muito mais importante: como utilizar o Haki do Rei em seu ataque para conseguir derrotar Sommers.

E é aqui que o negócio começa a ficar interessante.

Zoro está aprendendo a usar o Haki do Rei nos ataques

O grande destaque dos spoilers é justamente a tentativa de Zoro de aplicar o Haki do Rei de maneira ofensiva.

O personagem já demonstrou possuir o Haki do Conquistador e, durante a batalha contra Kaido, ficou evidente que ele era capaz de revestir seus ataques com esse poder.

Agora, porém, os spoilers sugerem que Zoro ainda está aperfeiçoando a utilização dessa habilidade.

Ou seja: mesmo depois de tudo que já vimos do espadachim, ele aparentemente ainda está aprendendo a controlar completamente esse recurso.

E Sommers teve o azar de estar presente durante a aula prática.

Quando o Cavaleiro Sagrado parte para o ataque, os espinhos que cercavam Zoro são subitamente cortados.

Na sequência, Zoro desfere um golpe de espada que atravessa o corpo de Sommers e quase atinge seu coração. O ataque é suficiente para deixar o inimigo aterrorizado.

E aí vem a cereja do bolo.

Zoro olha para a situação e responde:

“Ah, desculpe!! Ainda estou praticando.”

É aquele tipo de frase que só pode ser dita por alguém que acabou de quase perfurar o coração de um Cavaleiro Sagrado e ainda considera o movimento um treino.

Sommers finalmente percebeu que está em apuros

A reação de Sommers também chama bastante atenção.

O capítulo termina justamente com o Cavaleiro Sagrado aterrorizado diante de Zoro.

E isso é particularmente relevante porque os Cavaleiros Sagrados foram apresentados como alguns dos combatentes mais perigosos ligados ao Governo Mundial.

Não estamos falando de um inimigo qualquer.

Sommers é uma ameaça que vem sendo construída durante o arco de Elbaf, e agora Oda coloca Zoro em uma posição na qual o próprio adversário parece perceber que o espadachim está evoluindo durante o combate.

É claro que ainda precisamos esperar o capítulo completo para saber exatamente como o Haki foi utilizado na cena.

Os spoilers são traduções preliminares e podem sofrer diferenças em relação à versão oficial. O próprio Geekdama alerta que as informações passam por traduções do japonês para o inglês e depois para o português.

Mas uma coisa parece bastante clara: Zoro está levando essa luta muito a sério.

E Luffy? Bom... ele apagou

Enquanto Zoro rouba os holofotes em uma das pontas do campo de batalha, a situação de Monkey D. Luffy não está exatamente maravilhosa.

Os spoilers indicam que o protagonista fica sem energia e cai exausto no chão.

Depois de toda a pancadaria envolvendo Imu, isso não chega exatamente como uma surpresa.

Luffy vem utilizando seu poder em uma batalha que envolve alguns dos personagens mais absurdamente fortes apresentados até agora, e o desgaste físico começa a cobrar seu preço.

Enquanto isso, Loki está prestes a assumir sua forma híbrida, mas o capítulo mostra apenas sua silhueta.

Ou seja: Oda continua segurando essa transformação como quem sabe exatamente o quanto os fãs estão desesperados para descobrir o visual completo.

Gunko acorda e Biblo prepara uma surpresa

O capítulo também não fica exclusivamente nas batalhas.

Os spoilers confirmam que Gunko finalmente acorda, depois dos acontecimentos anteriores.

Enquanto isso, Biblo quer mostrar algo especial para Robin, Chopper e os demais personagens presentes na biblioteca.

E essa parte pode acabar sendo especialmente importante.

A Biblioteca da Coruja está no centro de diversos mistérios relacionados ao conhecimento e à história de Elbaf. Portanto, quando alguém diz que vai mostrar algo “especial” para Robin e Chopper, duas pessoas particularmente interessadas em conhecimento e história, fica difícil não levantar a sobrancelha.

Principalmente quando estamos falando de um arco que vem mergulhando cada vez mais fundo na história do mundo de One Piece.

Sanji também está na pancadaria

Enquanto Zoro encara Sommers, Sanji enfrenta Killingham.

Os spoilers confirmam que o confronto entre os dois também aparece no capítulo 1193, embora a luta de Zoro seja claramente o grande destaque dos primeiros vazamentos.

E isso também mantém uma tradição bastante conhecida entre os fãs: Zoro e Sanji continuam ocupados demais tentando provar quem é mais útil para simplesmente admitir que os dois são absurdamente fortes.

Só que, dessa vez, Zoro parece ter encontrado um argumento particularmente difícil de contestar:

“Eu quase atravessei o coração de um Cavaleiro Sagrado enquanto ainda estava praticando.”

Boa sorte para o Sanji responder a isso.

O capítulo 1193 pode marcar uma nova evolução para Zoro

Ainda é cedo para afirmar exatamente qual será o resultado da luta contra Sommers.

Mas os spoilers levantam uma possibilidade extremamente interessante: Zoro pode estar chegando a um novo nível de domínio do Haki do Rei.

O ponto mais importante é justamente a frase do personagem.

“Ainda estou praticando.”

Isso indica que o ataque que quase atingiu o coração de Sommers não necessariamente representa o limite atual de Zoro.

Pelo contrário.

Se ele ainda está aperfeiçoando a técnica, o que acontece quando conseguir dominá-la completamente?

Essa é justamente a parte que deixa os fãs de Zoro fazendo contas, comparações e provavelmente produzindo umas 47 teorias antes do lançamento oficial.

E conhecendo o fandom de One Piece, isso é apenas o aquecimento.

O título “Ainda estou praticando” não poderia ser mais Zoro

O título do capítulo, “Ainda estou praticando”, parece ter sido escolhido especificamente para provocar os fãs.

Porque imagine a situação:

Você está lutando contra um dos guerreiros mais perigosos do Governo Mundial.

Está cercado por espinhos.

Seu adversário acredita que tem vantagem.

Você consegue cortar os espinhos, atravessa o corpo dele com uma espada e quase acerta o coração.

A resposta normal seria: “Finalmente consegui!”

Zoro: “Foi mal. Ainda estou praticando.”

É praticamente a versão One Piece de alguém passar na prova com nota 10 e perguntar ao professor se pode refazer porque “dava para ter ido melhor”.

Quando sai One Piece 1193?

O capítulo 1193 de One Piece será lançado oficialmente no domingo, 13 de setembro de 2026, pelo Manga Plus.

Depois dele haverá uma pausa na publicação, com o capítulo 1194 previsto para 27 de setembro. A pausa está relacionada ao calendário da revista, e não necessariamente a uma pausa de Eiichiro Oda.

Até lá, os fãs terão tempo de sobra para discutir a pergunta mais importante: Zoro realmente está apenas praticando ou Sommers acabou de descobrir, da pior maneira possível, que o espadachim está chegando a outro patamar?

Pelo estado de terror do Cavaleiro Sagrado, eu diria que a aula prática foi bastante convincente.

E olha que o professor ainda nem terminou o treinamento.

Fonte: Geekdama, MangaPlus

Crítica: Da magia à sedução: Feitiço de amor, reencontrando as irmãs Owens

2026-09-10T08:14:47.085-03:00

Quase 30 anos depois, as irmãs Owens estão de volta — e Da Magia à Sedução – Feitiço de Amor traz as irmãs Owens de volta em uma continuação que mistura nostalgia, comédia, romance e terror. tinha uma tarefa nada fácil: reencontrar a magia do primeiro filme sem depender apenas da nostalgia. Como alguém que cresceu apaixonada por Sally e Gillian, fui para a cabine com expectativas altas. E a boa notícia é que a continuação conseguiu me surpreender.

Eu sou filha dos anos 90, e isso diz muito sobre a minha percepção sobre este filme.

Em 1999 ou 2000, quando assisti ao primeiro Da Magia à Sedução em casa, porque eu nem tinha idade para tê-lo visto no cinema, me apaixonei pelas irmãs Owens. Anos depois, neste ano, acabei revisitando aquela história ao descobrir que o filme original era baseado em uma série de livros.

Dito isso, eu estava muito animada com a ideia de Da Magia à Sedução – Feitiço de Amor. Mesmo que minha última experiência com a Nicole Kidman tenha sido horrível, ainda eram as irmãs Owens. E fico muito feliz em dizer que o filme atendeu, e muito, às minhas expectativas.

O roteiro é bem amarradinho e consegue equilibrar comédia, romance e momentos mais sombrios sem deixar nenhum desses elementos dominar a história. Há uma ou outra cena que poderia facilmente ser cortada, mas, no geral, o ritmo funciona muito bem. O filme sabe quando brincar, quando apostar no romance e quando deixar a história avançar para um tom mais emocional.

E existe uma coisa importante: Da Magia à Sedução – Feitiço de Amor não exige que você seja fã do primeiro filme para conseguir acompanhar a história. Quem nunca assistiu ao original provavelmente vai perder o peso de algumas referências e certos momentos podem passar despercebidos, mas isso não impede a compreensão ou o envolvimento com a trama. O filme consegue funcionar por conta própria, enquanto recompensa quem já conhece a história das irmãs Owens.

Isso, para mim, é particularmente importante em uma continuação que chega tantos anos depois. Existe uma diferença entre construir uma história para quem já ama aqueles personagens e simplesmente apostar que o público vai aparecer movido pela nostalgia. Felizmente, Feitiço de Amor parece entender essa diferença. Ele revisita elementos conhecidos, mas não passa o tempo todo tentando lembrar ao espectador por que o primeiro filme era querido.

Também gostei das escolhas envolvendo o elenco. A troca da atriz que interpreta a filha de Sally faz sentido dentro da própria proposta da história, já que Evan Rachel Wood já pareceria velha demais para ser filha da personagem de Sandra Bullock.

Outra coisa que chamou minha atenção foi a aparência das duas protagonistas. Não sei dizer se foi resultado de edição, maquiagem ou uma combinação dos dois, mas Sandra Bullock e Nicole Kidman parecem mais jovens em boa parte do filme. No caso de Nicole, há ainda algo especialmente curioso: seu rosto recupera uma movimentação que, em trabalhos mais recentes, parecia bastante limitada. É um detalhe pequeno, mas que chama atenção justamente porque estamos falando de uma personagem que continua sendo tão importante para a história.

E é impossível falar da continuação sem falar da relação dela com o primeiro filme. Para quem tem uma ligação afetiva com as irmãs Owens, reencontrar esse universo depois de tantos anos tem naturalmente um peso diferente. Há referências, personagens e situações que ganham outra dimensão quando você conhece a história anterior. Ao mesmo tempo, o filme não fica dependente desse vínculo para funcionar.

No meu caso, essa conexão vai ainda mais longe por causa da própria Sally. Existe algo muito bonito em acompanhar uma personagem que, de certa forma, precisa reencontrar uma parte de si mesma que havia deixado para trás. Para quem cresceu assistindo ao primeiro filme, é fácil enxergar um pouco de si nesse processo.

Então, se você alguma vez já quis que a colher do chá se movesse sozinha, tentou acender uma vela soprando ou adoraria uma margarita à meia-noite, Feitiço de Amor pode te levar a lugares que você tinha esquecido dentro de si. Assim como Sally reencontra a magia que enterrou tão fundo em si mesma, talvez o filme faça você lembrar que um dia também quis fazer um feitiço.

Talvez esse seja justamente um dos maiores méritos de Da Magia à Sedução – Feitiço de Amor: ele consegue revisitar as irmãs Owens sem depender exclusivamente da nostalgia. Há referências para quem já conhece esse universo, mas também existe uma história própria acontecendo aqui. E, no meu caso, sair da cabine com a sensação de ter reencontrado uma parte daquela menina que se apaixonou por Sally e Gillian foi, sem dúvida, uma das melhores surpresas.

Ficha Técnica

Título: Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor
Título original: Practical Magic 2
País: EUA
Data de estreia: 10 de setembro de 2026
Gênero: Comédia, Fantasia, Romance
Duração: 110 minutos
Classificação: 12 anos
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Direção: Susanne Bier
Roteiro: Akiva Goldsman, Georgia Pritchett e Kelly Marcel
Elenco: Sandra Bullock, Nicole Kidman, Joey King, Maisie Williams, Xolo Maridueña, Lee Pace, Solly McLeod, Stockard Channing e Dianne Wiest.

MARRIAGETOXIN: 2ª temporada ganha trailer e promete mais veneno, ação e romance em 2027

2026-09-09T17:10:38.699-03:00

Se você achou que MARRIAGETOXIN já tinha colocado Gero em situações suficientemente complicadas, pode preparar o veneno — porque a história está longe de terminar.

A segunda temporada do anime ganhou um novo trailer promocional, acompanhado da revelação do visual principal da nova fase. A melhor notícia para quem entrou nessa mistura completamente improvável de assassinos, golpes amorosos e romance é que o retorno já está marcado: janeiro de 2027.

E, conhecendo Gero, provavelmente “vida amorosa complicada” continuará sendo uma definição extremamente generosa.

Gero está de volta — e o casamento continua sendo uma missão impossível

O novo trailer funciona como uma espécie de recapitulação da primeira temporada, relembrando a trajetória de Hikaru Gero, herdeiro de um clã especializado em venenos e assassinatos.

O problema é que, apesar de ser extremamente habilidoso quando o assunto é eliminar inimigos, Gero é praticamente um desastre quando precisa lidar com relacionamentos.

Confira:

A situação ficou ainda mais complicada quando sua família determinou que ele precisava encontrar uma parceira para garantir a continuidade da linhagem.

É aí que entra Mei Kinosaki, uma vigarista especializada em casamentos que acaba se tornando a improvável consultora amorosa do assassino.

O trailer da segunda temporada não apenas revisita a busca de Gero por uma parceira, como também relembra os confrontos que ele teve com os chamados “Masters”, preparando o terreno para os próximos acontecimentos.

A dupla mais improvável dos animes está de volta

Parte do charme de MARRIAGETOXIN está justamente na dinâmica entre Gero e Mei.

De um lado, temos um assassino treinado desde a infância para lidar com situações que fariam qualquer pessoa normal chamar a polícia.

Do outro, uma vigarista que entende perfeitamente como manipular relações e pessoas.

O problema é que Gero precisa justamente aprender aquilo que nunca fez parte de seu treinamento: como se relacionar com outras pessoas.

E Mei acaba sendo a pessoa encarregada de transformar esse sujeito em alguém minimamente apresentável para o mercado matrimonial.

É uma premissa que poderia facilmente resultar em uma comédia romântica convencional, mas MARRIAGETOXIN prefere colocar explosões, venenos, conspirações e combates no meio do caminho.

Porque aparentemente conseguir uma namorada pode ser mais perigoso do que enfrentar um assassino profissional.

O novo visual esconde pistas da próxima fase

Além do trailer, o site oficial do anime revelou o visual principal da segunda temporada, que coloca Gero e Mei novamente em destaque.

Mas existe um detalhe interessante: a divulgação também indica a presença de ícones relacionados a personagens que aparecerão na nova temporada.

Ou seja, o material promocional está fazendo aquilo que anime adora fazer: mostrar o suficiente para deixar o fã curioso e esconder o suficiente para obrigá-lo a esperar.

A frase promocional da nova temporada reforça que a história continuará misturando veneno e romance — uma combinação que, em qualquer outro contexto, seria provavelmente motivo para procurar um médico.

Bones Film continua no comando

A produção permanece nas mãos da Bones Film, estúdio responsável pela animação da primeira temporada.

A equipe principal também retorna.

Motonobu Hori continua na direção, enquanto Kimiko Ueno permanece responsável pela composição e roteiro da série. Kohei Tokuoka continua no design de personagens e na direção-chefe de animação.

A trilha sonora novamente ficará por conta de Taisei Iwasaki e yuma yamaguchi.

O elenco principal também continua com Haruki Ishiya como Hikaru Gero e Shion Wakayama como Mei Kinosaki.

Ou seja: não teremos aquela situação clássica de “segunda temporada com metade da equipe trocada e você tentando reconhecer o anime pela memória afetiva”.

O que esperar da 2ª temporada?

Ainda não foram revelados todos os detalhes da história, mas o material promocional deixa claro que a nova temporada continuará a desenvolver a trajetória de Gero e seu relacionamento com os Masters que cruzaram seu caminho.

A primeira temporada acompanhou justamente a tentativa do protagonista de encontrar uma esposa enquanto enfrentava os perigos do submundo dos assassinos.

Só que, conforme a história avançou, ficou evidente que a missão de Gero não é apenas encontrar alguém para casar.

Ele também precisa compreender melhor o mundo fora do ambiente em que cresceu — e, principalmente, descobrir como proteger as pessoas que ama sem simplesmente resolver tudo com veneno.

Uma tarefa complicada para alguém cujo currículo profissional basicamente diz: “especialista em matar pessoas discretamente.”

Para quem ainda não assistiu, dá tempo

A primeira temporada de MARRIAGETOXIN teve 13 episódios e está disponível completa na Crunchyroll, com áudio e legendas em português.

O anime adapta o mangá escrito por Joumyaku e ilustrado por Mizuki Yoda, publicado desde 2022 na plataforma Shonen Jump+.

No Japão, a obra já chegou ao 18º volume, enquanto no Brasil o mangá é publicado pela Panini.

Portanto, se você ainda não entrou na história, existe uma boa janela para conhecer Gero, Mei e toda essa mistura maluca antes da segunda temporada chegar.

MARRIAGETOXIN retorna em janeiro de 2027

A segunda temporada de MARRIAGETOXIN estreia em janeiro de 2027.

A data exata ainda não foi divulgada, mas o novo trailer já deixa claro que Gero e Mei estão prontos para voltar ao trabalho.

Ou melhor...

Gero está pronto para voltar ao trabalho.

Mei provavelmente está pronta para tentar ensinar esse homem a ter uma vida amorosa normal.

E considerando tudo o que aconteceu na primeira temporada, talvez enfrentar outro assassino seja justamente a parte mais fácil.

Porque veneno, luta e conspiração são problemas que Gero sabe resolver.

Agora, arrumar uma esposa?

Aí sim estamos falando de uma missão impossível.

Onde assistir?

A primeira temporada de MARRIAGETOXIN está disponível na Crunchyroll, com dublagem e legendas em português. A segunda temporada tem estreia prevista para janeiro de 2027.

Jackass: Best and Last ganha data no Paramount+ e promete despedida da franquia

2026-09-09T15:46:25.916-03:00

Depois de mais de duas décadas transformando quedas, pancadas, humilhações públicas e decisões questionáveis em entretenimento, Jackass está aparentemente pronto para dizer adeus.

O filme Jackass: Best and Last, apresentado como o último capítulo da franquia, já tem data para deixar as salas de cinema e chegar ao streaming: 24 de setembro de 2026 no Paramount+. Ou seja: se você não teve coragem — ou dinheiro — para assistir à turma de Johnny Knoxville destruindo o próprio corpo na tela grande, em breve poderá testemunhar o caos do conforto do sofá.

E sim: a palavra é “aparentemente”. Afinal, estamos falando de Jackass. Se existe uma franquia capaz de anunciar que acabou e cinco minutos depois aparecer com mais uma ideia envolvendo um carrinho de supermercado, um animal furioso e alguém tomando uma decisão que claramente deveria ter sido impedida por lei, é essa.

25 anos de pancadaria, amizade e péssimas decisões

O que começou como uma série da MTV em 2000 acabou se transformando em uma das franquias mais reconhecíveis da cultura pop dos anos 2000.

A fórmula sempre foi simples: Johnny Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Wee Man, Dave England, Danger Ehren, Preston Lacy e companhia se colocavam voluntariamente em situações absurdas — muitas vezes dolorosas — enquanto uma câmera registrava tudo.

A série original teve três temporadas e ganhou uma coleção de filmes que levou a insanidade para o cinema. Atualmente, as três temporadas originais estão disponíveis no Paramount+, inclusive em versões restauradas para se aproximarem das transmissões originais da MTV.

A franquia cinematográfica começou em 2002, com Jackass: The Movie, e continuou com Jackass Number Two, Jackass 3D, Jackass Presents: Bad Grandpa e Jackass Forever.

Agora, Jackass: Best and Last chega como o sexto filme da franquia principal — e, segundo os envolvidos, o último.

O último filme? Bom... estamos falando de Jackass

A própria Paramount descreve Jackass: Best and Last como uma despedida e uma celebração dos mais de 25 anos da franquia.

O longa mistura novas acrobacias, cenas inéditas e uma seleção de momentos marcantes da história de Jackass, reunindo novamente Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Wee Man, Dave England, Danger Ehren, Preston Lacy e outros integrantes da família Jackass.

Knoxville também tratou o projeto como uma espécie de carta de amor aos fãs e aos próprios amigos.

E isso talvez seja justamente o que diferencia Best and Last de simplesmente mais um filme da franquia.

Depois de tantos anos, Jackass deixou de ser apenas um programa sobre caras fazendo coisas idiotas diante de uma câmera. A amizade entre os integrantes se tornou parte fundamental da identidade da série.

Por trás de cada tombo existe uma turma que passou décadas fazendo o público rir — e, ocasionalmente, perguntando por que alguém deixou Steve-O chegar perto daquele equipamento.

E tem material novo, porque aparentemente eles não aprenderam

Apesar de funcionar também como retrospectiva, Jackass: Best and Last não é apenas uma compilação de vídeos antigos.

O filme traz novas cenas e novas “ideias”, além de imagens inéditas e momentos recuperados dos bastidores da franquia.

A proposta é justamente misturar o passado com novas loucuras, funcionando como uma espécie de retrospectiva definitiva acompanhada de uma última rodada de insanidade.

O resultado é um filme de aproximadamente 1h32min, com classificação indicativa alta nos Estados Unidos devido ao conteúdo extremamente perigoso, nudez, linguagem pesada e material sexual.

Em outras palavras: é Jackass.

Ninguém estava esperando um drama familiar de duas horas sobre a importância do diálogo entre gerações.

Do cinema para o sofá

Jackass: Best and Last chegou aos cinemas em 26 de junho de 2026 e posteriormente foi disponibilizado para compra e aluguel digital em agosto.

Agora, o próximo passo é o streaming.

A chegada ao Paramount+ está marcada para 24 de setembro de 2026, colocando o filme ao lado dos outros longas da franquia que já estão disponíveis na plataforma.

Para quem quiser fazer uma verdadeira maratona de irresponsabilidade, o Paramount+ atualmente reúne os cinco filmes anteriores, além das três temporadas restauradas da série original.

Ou seja, dá para começar em 2000 e acompanhar aproximadamente um quarto de século de evolução tecnológica, envelhecimento dos integrantes e, principalmente, zero evolução no quesito bom senso.

A despedida de uma geração

Talvez o mais curioso em Jackass: Best and Last seja perceber o quanto a franquia mudou ao longo dos anos.

Quando Jackass estreou na MTV, a internet ainda estava engatinhando, redes sociais praticamente não existiam e vídeos de gente se machucando por diversão eram uma exclusividade da televisão, VHS e DVDs.

Hoje, vivemos em um mundo no qual qualquer pessoa pode produzir um vídeo viral pelo celular.

Mesmo assim, Jackass conseguiu manter uma identidade própria: não se trata simplesmente de fazer algo absurdo. É a química entre aquelas pessoas, a disposição de Knoxville e companhia para transformar a própria dignidade em piada e, principalmente, a sensação de que estamos assistindo a um grupo de amigos se divertindo juntos.

A Paramount resume justamente esse espírito ao apresentar o filme como uma celebração da camaradagem construída ao longo de mais de 25 anos.

Mas será mesmo o fim?

Essa é a pergunta que provavelmente ficará pairando sobre o filme.

Oficialmente, sim.

A Paramount chama Jackass: Best and Last de aventura final, e Johnny Knoxville também descreveu o longa como o último filme de Jackass.

Mas vamos combinar uma coisa: não existe grupo menos confiável para anunciar a própria aposentadoria do que o elenco de Jackass.

Depois de 25 anos, talvez seja realmente a hora de parar. Muitos integrantes já estão mais velhos, e os riscos físicos envolvidos nas gravações são cada vez maiores.

Por outro lado, se daqui a três anos aparecer um anúncio dizendo:

“Jackass 6 está acontecendo.”

Ninguém poderá dizer que foi pego de surpresa.

Uma última rodada antes de guardar os capacetes

Jackass: Best and Last chega ao Paramount+ em 24 de setembro de 2026, depois de uma passagem pelos cinemas e do lançamento digital.

Mais do que simplesmente outro filme da franquia, o projeto pretende funcionar como uma despedida para uma das equipes mais improváveis da cultura pop.

Foram 25 anos de tombos, explosões, pegadinhas, ossos provavelmente deslocados e decisões que fariam qualquer médico pedir demissão.

E talvez seja exatamente por isso que Jackass tenha durado tanto.

Porque no fundo nunca foi sobre a pancada.

Foi sobre um bando de amigos tentando fazer o outro rir — e descobrindo maneiras cada vez mais criativas de se machucar no processo.

Se realmente for o último filme, pelo menos eles parecem determinados a sair como entraram: fazendo uma enorme quantidade de besteira e chamando isso de entretenimento.

E sinceramente?

A gente não esperava outra coisa.

Onde assistir?

Jackass: Best and Last estreia no Paramount+ em 24 de setembro de 2026. Os cinco filmes anteriores da franquia e as três temporadas restauradas da série original também estão disponíveis na plataforma.

Fontes: Variety

Samsung TV Plus: 10 canais de cultura pop e entretenimento grátis

2026-09-09T11:58:45.581-03:00

Quem tem uma TV Samsung pode estar sentado em frente a uma verdadeira televisão por assinatura... sem pagar assinatura. O Samsung TV Plus reúne uma programação gratuita que vai muito além dos tradicionais canais de notícias e entretenimento, incluindo opções dedicadas a cinema, séries, games, ciência, creators, entrevistas e cultura pop.

Entre os destaques estão Omelete TV, Podpah, TV Flow, Letterman TV, Mark Rober, Manual do Mundo, Canal Like!, DiaTV, LinkTV e Caras TV.

A proposta acompanha uma transformação importante na maneira como o público consome entretenimento. Hoje, assistir a um filme ou série muitas vezes é apenas o começo: depois vêm os vídeos sobre o lançamento, entrevistas com elenco, análises, bastidores, memes, teorias e aquela discussão interminável sobre se o final foi bom ou uma completa tragédia.

O que é o Samsung TV Plus?

O Samsung TV Plus é o serviço gratuito de televisão por streaming da Samsung, com canais que podem ser acessados sem a necessidade de uma assinatura tradicional.

Em vez de escolher necessariamente um filme ou episódio específico, o usuário pode navegar por canais e encontrar uma programação contínua, como acontece na televisão convencional — só que pela internet.

E entre as opções disponíveis existe uma seleção especialmente interessante para quem acompanha cultura pop.

1. Omelete TV

Para quem vive no universo de filmes, séries, games e cultura geek, o Omelete TV é provavelmente um dos canais mais óbvios para colocar na lista.

Criado com exclusividade para o Samsung TV Plus, o canal reúne notícias, análises, entrevistas e coberturas relacionadas ao entretenimento e à cultura pop.

A programação acompanha lançamentos e acontecimentos importantes do universo geek, incluindo cinema, televisão e videogames.

Canal 2291.

2. Canal Like!

O Canal Like! também faz parte da seleção dedicada à cultura e ao entretenimento.

A proposta combina conteúdo relacionado a cinema, televisão e comportamento, trazendo uma programação voltada para quem gosta de descobrir e discutir o que está acontecendo no mundo audiovisual.

É aquele canal para quem termina um filme e imediatamente quer saber: “Tá, mas o que acharam disso?”

Canal 2294.

3. DiaTV

A televisão tradicional já entendeu que os creators vieram para ficar.

O DiaTV representa justamente essa aproximação entre televisão e o universo digital, trazendo conteúdos e personalidades que ganharam relevância principalmente pela internet.

O canal amplia o espaço para creators, entretenimento, entrevistas e conversas que fazem parte da cultura da internet.

Canal 2299.

4. LinkTV

Outro canal voltado ao universo digital é o LinkTV.

A proposta combina entretenimento e conteúdo relacionado a personalidades e assuntos que circulam pela internet, ajudando a levar para a televisão formatos que nasceram ou ganharam força no ambiente digital.

É mais uma prova de que a divisão entre “TV” e “internet” está ficando cada vez mais difícil de enxergar.

Canal 2300.

5. Caras TV

Celebridades, televisão, cinema e entretenimento também têm espaço no Caras TV.

O canal traz conteúdos relacionados ao universo dos famosos e da cultura pop, incluindo entrevistas e assuntos ligados às personalidades que estão constantemente nos holofotes.

Para quem gosta de acompanhar o que está acontecendo no mundo das celebridades, é uma opção interessante dentro da programação gratuita.

Canal 2301.

6. Letterman TV

Quem gosta de entrevistas e talk shows tem um prato cheio no Letterman TV.

O canal leva para a programação conteúdos associados ao lendário apresentador David Letterman, conhecido por seu estilo de entrevista e por algumas das conversas mais memoráveis da televisão americana.

É uma opção especialmente interessante para quem gosta de acompanhar celebridades, entrevistas e grandes personalidades.

Canal 2304.

7. Podpah

O fenômeno dos podcasts também ganhou espaço na televisão.

O Podpah leva para o Samsung TV Plus um dos podcasts mais populares do Brasil, aproximando o formato que nasceu na internet da experiência de assistir televisão.

O programa ficou conhecido pelas conversas descontraídas com artistas, influenciadores, atletas, músicos e outras personalidades.

É o tipo de conteúdo que mostra como o podcast deixou de ser apenas um formato alternativo e passou a fazer parte do entretenimento mainstream.

Canal 2305.

8. TV Flow

Outro gigante dos podcasts brasileiros presente no Samsung TV Plus é o TV Flow.

O canal leva para a televisão conteúdos ligados ao universo do Flow, incluindo entrevistas, conversas e personalidades que movimentam a internet brasileira.

Assim como o Podpah, representa uma mudança importante: o público que descobriu os grandes podcasts pela internet agora também pode encontrá-los em uma grade de televisão.

Canal 2306.

9. Manual do Mundo

Se a ideia é misturar entretenimento e conhecimento, o Manual do Mundo é uma das opções mais interessantes da lista.

O canal leva para a televisão o conteúdo produzido pelo projeto conhecido por transformar ciência, experiências, curiosidades e tecnologia em entretenimento acessível.

É aquele tipo de programa que consegue fazer você aprender alguma coisa sem perceber que estava estudando.

Canal 2510.

10. Mark Rober

Fechando a lista está Mark Rober, engenheiro e creator americano conhecido por transformar ciência e engenharia em grandes experiências e projetos de entretenimento.

Se você gosta de invenções, experiências malucas e ciência apresentada de maneira extremamente divertida, vale colocar o canal na programação.

É mais um exemplo de como conteúdos que nasceram no YouTube estão migrando para a televisão e encontrando um público ainda maior.

Canal 2512.

A televisão está ficando cada vez mais parecida com a internet

Talvez o aspecto mais interessante dessa seleção não seja simplesmente a quantidade de canais.

É o que eles representam.

Durante décadas, televisão e internet foram tratados como mundos diferentes. A TV tinha seus apresentadores, programas e celebridades, enquanto a internet tinha seus creators, podcasts e influenciadores.

Essa divisão praticamente desapareceu.

Hoje, um podcast pode virar canal de televisão, um creator pode ter sua própria programação e um canal especializado em cultura pop pode dividir espaço com emissoras tradicionais.

O Samsung TV Plus é um reflexo dessa mudança.

Cultura pop não termina quando o filme acaba

Existe também uma transformação na maneira como o público se relaciona com as obras.

Um filme de super-herói, por exemplo, não termina nos créditos.

Depois vêm: o trailer, a entrevista, o review, a teoria, o vídeo de reação, o podcast, o meme, a discussão nas redes sociais e, eventualmente, mais três horas de vídeo tentando explicar aquela cena pós-créditos.

É justamente esse ecossistema que canais como Omelete TV, Podpah, TV Flow e os demais ajudam a alimentar.

O entretenimento deixou de ser apenas aquilo que assistimos.

É também a conversa que acontece depois.

10 canais gratuitos para colocar na sua lista

Para facilitar, confira novamente os canais de cultura pop, creators e entretenimento destacados pelo Samsung TV Plus:

Canal Número

Omelete TV 2291

Canal Like! 2294

DiaTV 2299

LinkTV 2300

Caras TV 2301

Letterman TV 2304

Podpah 2305

TV Flow 2306

Manual do Mundo 2510

Mark Rober 2512

E tudo isso de graça?

Sim. Essa é justamente uma das principais atrações do Samsung TV Plus: não é necessário contratar um pacote tradicional de TV por assinatura para acompanhar esses canais.

A disponibilidade e a programação podem variar conforme o dispositivo e a região, mas a proposta do serviço é justamente oferecer televisão via streaming gratuitamente.

Para quem já possui uma TV compatível, vale conferir a programação e descobrir o que está disponível.

O futuro da TV talvez seja não precisar escolher

A televisão tradicional nos ensinou a esperar pelo horário do nosso programa favorito.

O streaming nos ensinou a escolher exatamente o que queremos assistir.

Agora, serviços como o Samsung TV Plus estão tentando misturar os dois mundos: a praticidade do streaming com a experiência de navegar por canais e descobrir algo inesperado.

E talvez seja justamente isso que torne a proposta interessante.

Você pode entrar procurando um conteúdo sobre cinema e acabar vendo uma entrevista.

Pode procurar um podcast e parar em uma experiência científica.

Ou pode simplesmente deixar a televisão ligada e descobrir alguma coisa que não estava procurando.

No fim, essa é uma das coisas que a velha televisão sempre fez muito bem.

A diferença é que agora ela está conectada à internet.

Suno lança v6 com apoio de Warner, BMG e Believe

2026-09-09T10:49:59.577-03:00

A Suno, uma das empresas mais conhecidas no mercado de geração de música por inteligência artificial, acaba de dar um passo que pode mudar bastante a relação entre IA e indústria fonográfica.

A empresa anunciou nesta quarta-feira, 9 de setembro de 2026, sua nova geração de modelos, chamada v6, desenvolvida em parceria com grandes nomes da indústria musical, incluindo Warner Music Group, BMG e Believe.

E o mais interessante não é apenas a tecnologia.

Depois de enfrentar uma série de disputas envolvendo direitos autorais, a Suno agora tenta construir um modelo em que artistas e detentores de direitos possam participar, autorizar o uso de suas obras e receber dinheiro por isso.

Em outras palavras: a empresa está tentando transformar o antigo "IA contra músicos" em "IA com músicos".

Suno v6 chega em três versões

A nova geração não será representada por apenas um modelo.

A Suno apresentou v6, v6-wild e v6-mini, cada um voltado para uma experiência diferente.

O v6 é o modelo principal e foi desenvolvido para quem deseja maior controle sobre o resultado final. Ele consegue interpretar instruções mais detalhadas envolvendo vocais, instrumentos, estrutura, gênero, clima e referências musicais.

Já o v6-wild aposta justamente no contrário: menos previsibilidade e mais experimentação.

A proposta é permitir que o usuário jogue uma ideia na máquina e veja onde ela vai parar.

É o famoso: "Não sei exatamente o que quero, mas sei que quero algo muito doido."

E existe ainda o v6-mini, que será disponibilizado gratuitamente para todos os usuários e foi desenvolvido para gerar resultados mais rápidos utilizando menos recursos.

Agora a IA pode editar uma música sem destruir tudo

Uma das novidades mais interessantes do v6 está no nível de controle sobre músicas já criadas.

A Suno afirma que será possível editar partes específicas de uma faixa usando linguagem natural, sem precisar reconstruir a música inteira.

Quer mudar apenas o refrão?

Pode pedir.

Quer substituir uma palavra?

Pode pedir.

Quer manter praticamente tudo e alterar apenas determinado elemento?

Essa também é a ideia.

O usuário poderá ainda combinar elementos de diferentes músicas, isolar instrumentos, criar novos beats e trabalhar com referências de gênero e atmosfera.

A empresa também afirma que o v6 consegue trabalhar a partir de texto, áudio, imagens e vídeo, permitindo transformar diferentes tipos de material em uma criação musical.

E aqui começa a parte realmente importante: música licenciada

O grande diferencial desta geração não está apenas no modelo.

Está em como ele foi desenvolvido.

A Suno afirma que o v6 nasceu a partir de parcerias com empresas da indústria musical, incluindo Warner Music Group, BMG e Believe.

Isso representa uma mudança significativa para uma empresa que vinha sendo pressionada justamente por questões relacionadas ao uso de músicas protegidas por direitos autorais.

Agora, a proposta é trabalhar com repertório licenciado e artistas que escolham participar.

A Believe, por exemplo, anunciou que músicas de artistas e selos participantes da Believe e da TuneCore poderão integrar os novos modelos. Artistas que optarem pela participação serão remunerados e terão proteções relacionadas aos seus direitos.

É uma tentativa clara de mostrar que existe uma terceira opção entre: "proibir IA" e "treinar IA com tudo que existe na internet e depois pedir desculpas".

Artistas poderão optar por participar

A Suno também revelou que está preparando uma nova categoria de produtos baseada no conceito de opt-in.

A ideia é que artistas possam escolher participar de experiências específicas e receber remuneração quando suas obras e identidades estiverem envolvidas.

O CEO e cofundador da Suno, Mikey Shulman, descreveu essa próxima etapa como experiências construídas ao redor de artistas individuais, permitindo que eles escolham participar e sejam pagos.

Esse modelo pode abrir caminho para experiências nas quais fãs tenham, por exemplo, novas formas de interagir com a música de seus artistas favoritos.

E aqui a coisa começa a ficar realmente interessante.

Imagine um artista autorizando oficialmente uma plataforma a permitir remixes, versões alternativas ou experiências interativas com suas músicas.

Nesse cenário, a IA deixa de ser apenas uma ferramenta que imita ou substitui.

Ela passa a ser uma espécie de nova camada de interação entre artista e fã.

A Suno ainda enfrenta resistência

Obviamente, não estamos falando de um conto de fadas tecnológico.

A Suno continua enfrentando processos e críticas de parte da indústria musical.

No início de setembro, por exemplo, o músico Jason Isbell entrou com uma ação coletiva contra a empresa, alegando uso indevido de nomes e identidades de músicos sem autorização. A ação também envolve outros artistas.

A empresa, por sua vez, vem tentando reforçar mecanismos de proteção.

A Suno afirma ter implementado sistemas para identificar arquivos de áudio e letras potencialmente não autorizados, além de mecanismos de transparência e novas restrições de download.

Portanto, o lançamento do v6 não significa que a discussão jurídica acabou.

Muito pelo contrário.

Agora ela ficou ainda mais interessante.

Suno está tentando transformar concorrentes em parceiros

Talvez a maior mudança estratégica esteja justamente aqui.

Durante o começo da explosão da música gerada por IA, a relação entre startups e gravadoras foi marcada por desconfiança, acusações e processos.

Agora, a Suno está tentando convencer a indústria de que licenciamento e participação financeira podem ser melhores do que simplesmente tentar impedir a tecnologia.

A parceria com Warner e BMG faz parte desse movimento, enquanto a chegada da Believe amplia a estratégia para artistas independentes e selos menores.

A Believe também afirma que artistas participantes poderão distribuir músicas criadas usando os novos modelos por meio da Believe e da TuneCore, criando um caminho que vai da criação à distribuição.

Isso é potencialmente gigantesco.

Porque uma das maiores reclamações sobre ferramentas de IA sempre foi: "Legal, eu gerei a música. E agora?"

A resposta da Suno começa a ser: "Agora você pode criar, distribuir e monetizar dentro de um ecossistema que inclui parceiros da própria indústria."

Mais de 100 milhões de pessoas já usaram a Suno

A aposta faz sentido diante do tamanho que a plataforma alcançou.

Segundo a empresa, mais de 100 milhões de pessoas já utilizaram a Suno. A startup também levantou recentemente mais de US$ 400 milhões, chegando a uma avaliação de aproximadamente US$ 5,4 bilhões.

Ou seja, estamos muito longe de falar de uma ferramenta experimental usada por meia dúzia de nerds em um fórum.

A música por IA já virou um mercado gigantesco.

E agora as próprias empresas tradicionais estão tentando descobrir como participar dele.

O download também ficou mais controlado

A nova estratégia vem acompanhada de mudanças importantes na plataforma.

Desde setembro, a Suno passou a limitar downloads dependendo do plano do usuário. A modalidade gratuita possui uma quantidade limitada de downloads, enquanto assinantes Pro e Premier recebem cotas mensais.

A empresa justifica as mudanças como uma forma de combater exportação em massa e abuso da plataforma, mantendo a possibilidade de ouvir e compartilhar músicas dentro do próprio serviço.

Além disso, músicas já criadas pelos usuários continuam disponíveis mesmo depois da aposentadoria dos modelos antigos.

E os modelos antigos?

A chegada do v6 também marca o fim gradual das gerações anteriores.

A Suno informou que os modelos antigos serão aposentados e a plataforma passará a utilizar a geração v6 para novas criações.

Isso não significa que músicas antigas desaparecerão.

Faixas já criadas continuam disponíveis na biblioteca do usuário, mas novas gerações e determinadas operações passarão a utilizar os novos modelos.

A grande aposta da Suno

O lançamento do v6 pode representar uma mudança de paradigma.

Até agora, a pergunta sobre inteligência artificial na música era quase sempre: "A IA vai substituir os músicos?"

A Suno está tentando mudar a pergunta para: "E se os músicos puderem decidir como a IA trabalha com eles?"

É uma diferença enorme.

Ainda existem questões jurídicas, éticas e criativas que precisam ser resolvidas. Também existe a discussão sobre quanto controle um artista realmente terá sobre sua identidade e sobre obras derivadas.

Mas a direção está clara.

A Suno quer que a próxima fase de sua história seja construída com participação da indústria musical, e não contra ela.

E, considerando que Warner Music Group, BMG e Believe já estão envolvidos, a experiência deixou de ser apenas uma aposta de uma startup de inteligência artificial.

Virou um dos primeiros grandes testes de como gravadoras, artistas, fãs e inteligência artificial podem dividir o mesmo palco.

A música por IA acaba de entrar em uma nova fase

O Suno v6 chega com modelos mais avançados, ferramentas mais precisas e uma capacidade muito maior de manipular e transformar músicas.

Mas seu verdadeiro significado pode estar fora do código.

A tecnologia está tentando resolver um problema que até pouco tempo atrás parecia quase impossível: como fazer inteligência artificial e indústria musical ganharem dinheiro juntas.

Se a Suno conseguir transformar esse modelo em algo sustentável, transparente e realmente vantajoso para os artistas, pode ter encontrado um caminho que outras empresas terão de seguir.

Se não conseguir...

Bem, provavelmente teremos mais alguns processos judiciais e uma quantidade absurda de músicas sobre robôs apaixonados.

Por enquanto, o v6 está no ar. E a disputa entre humanos e máquinas acaba de ganhar um novo capítulo — só que desta vez as gravadoras decidiram sentar à mesa.

Fonte: Variety

Paramount exige US$ 1,88 bilhão de estados e WGA por atraso da fusão com Warner Bros.

2026-09-08T21:36:43.584-03:00

A novela Paramount-Warner Bros. Discovery ganhou mais um capítulo — e, dessa vez, a conta é de US$ 1,88 bilhão.

A Paramount Skydance voltou a pressionar a Justiça americana para que os 12 estados que tentam impedir sua aquisição da Warner Bros. Discovery e a Writers Guild of America (WGA) sejam obrigados a apresentar uma garantia de US$ 1,88 bilhão para cobrir possíveis prejuízos causados pelo atraso da fusão.

O novo pedido foi apresentado nesta terça-feira, 8 de setembro de 2026, em documentos enviados ao tribunal. A juíza federal Araceli Martínez-Olguín marcou para 24 de setembro uma audiência para analisar a solicitação.

E aqui começa a parte interessante: Paramount diz que não está tentando derrubar a suspensão da fusão. Ela quer que quem pediu a suspensão arque financeiramente com as consequências caso a empresa vença a batalha judicial.

O que a Paramount está pedindo?

A lógica apresentada pela Paramount é relativamente simples.

A companhia afirma que já cumpriu todas as condições necessárias para concluir a aquisição da Warner Bros. Discovery e recebeu autorizações regulatórias em 69 jurisdições. Segundo a empresa, os processos movidos pelos estados e pela WGA são agora os únicos obstáculos restantes para o fechamento da transação.

Como a fusão está suspensa enquanto o processo antitruste avança, a Paramount argumenta que está sofrendo perdas financeiras que podem chegar a US$ 1,88 bilhão.

Por isso, quer que os autores das ações apresentem uma espécie de seguro financeiro.

A ideia seria: se os estados e a WGA vencerem, tudo certo; se a Paramount vencer e a Justiça concluir que a suspensão não deveria ter ocorrido, a garantia serviria para compensar os prejuízos da empresa.

É justamente essa interpretação que os adversários da fusão contestam.

A famosa "ticking fee" de US$ 7 milhões por dia

Um dos principais componentes da conta é uma cláusula do acordo entre Paramount e Warner Bros. Discovery.

Caso a operação não seja concluída até 1º de outubro, a Paramount terá de pagar aos acionistas da WBD uma chamada “ticking fee” de US$ 7 milhões por dia até que o negócio seja concluído.

É dinheiro queimando diariamente.

E não é pouco.

A própria Paramount calcula que, caso o julgamento e os procedimentos posteriores se estendam até a primavera americana de 2027, os custos acumulados — incluindo a taxa e despesas adicionais de financiamento — podem chegar aos US$ 1,88 bilhão.

Ou seja, enquanto Hollywood discute quem deveria controlar Hollywood, o relógio financeiro está literalmente fazendo: tic-tac, tic-tac, US$ 7 milhões, tic-tac...

Estados dizem que Paramount quer "terceirizar" a própria conta

Os estados que entraram com a ação não compraram o argumento.

Em documentos apresentados anteriormente, os procuradores-gerais, liderados pelo procurador-geral da Califórnia, Rob Bonta, argumentaram que a Paramount está tentando transferir para os autores da ação uma responsabilidade financeira que seria da própria empresa.

A manifestação afirma que a Paramount estaria tentando “offload its responsibility”, ou seja, se livrar da responsabilidade pelo custo da taxa diária que aceitou pagar como parte do acordo com a Warner Bros. Discovery.

Os estados também questionam por que o dinheiro público ou uma entidade sindical sem fins lucrativos, como a WGA, deveria servir para garantir financeiramente uma aquisição empresarial de aproximadamente US$ 110 bilhões.

É um argumento difícil de ignorar.

A Paramount, por outro lado, responde que não está pedindo que os estados financiem a aquisição.

Está pedindo que assumam o risco financeiro de impedir a conclusão de uma transação que, segundo a empresa, poderá ser considerada legal ao final do processo.

E onde entra a WGA?

A Writers Guild of America entrou na briga porque também processou a Paramount para tentar impedir a fusão.

O sindicato argumenta que a união das duas gigantes poderia prejudicar a concorrência no mercado de trabalho dos roteiristas, incluindo contratos para filmes de grande orçamento, séries de televisão e produções para streaming.

A WGA, portanto, não está simplesmente assistindo à disputa dos estados.

Ela é uma das partes que tenta impedir judicialmente a operação.

E agora a Paramount quer que também o sindicato participe da garantia de US$ 1,88 bilhão.

A companhia afirma que a própria WGA já argumentou anteriormente que a legislação antitruste poderia exigir uma garantia significativa quando uma liminar produz prejuízos financeiros relevantes.

Mas a fusão está oficialmente parada?

Sim.

Em julho, Paramount, Warner Bros. Discovery, os estados e a WGA chegaram a um acordo para manter a operação suspensa enquanto os processos avançam.

O acordo determina que a fusão não poderá ser concluída até o desfecho das ações ou até 1º de junho de 2027, o que ocorrer primeiro.

O julgamento está programado para começar em 2 de março de 2027.

Portanto, apesar de a Paramount dizer que está pronta para fechar o negócio, ela não pode simplesmente pegar a Warner e colocar a placa “agora é tudo nosso”.

A Justiça precisa resolver a disputa antitruste.

Paramount diz que a fusão está pronta para acontecer

Esse é um dos pontos centrais da nova manifestação.

A Paramount afirma que todas as condições para o fechamento já foram satisfeitas e que recebeu aprovações de autoridades regulatórias de 69 jurisdições.

Segundo a empresa, apenas as duas ações judiciais — a movida pelos estados e a movida pela WGA — continuam impedindo a conclusão da operação.

A companhia também argumenta que concordou em atrasar voluntariamente o fechamento para permitir que o julgamento acontecesse rapidamente, mas não abriu mão do direito de buscar compensação pelos prejuízos financeiros provocados pela suspensão.

Em outras palavras: "Tudo bem, vocês querem parar a fusão? Então, se estiverem errados, paguem a conta."

Estados não querem transformar o caso em precedente

O outro lado teme justamente que a Justiça aceite esse argumento.

Os estados afirmam que as regras antitruste dão aos tribunais ampla discricionariedade para exigir ou dispensar garantias, especialmente quando processos envolvem interesse público.

Eles também sustentam que obrigar os autores de ações antitruste a garantir valores gigantescos poderia criar um incentivo perverso.

Imagine a situação: sempre que o governo ou sindicatos tentassem bloquear uma fusão bilionária, teriam de apresentar uma garantia equivalente às possíveis perdas da empresa.

Para os estados, isso poderia tornar financeiramente inviável fiscalizar grandes operações corporativas.

A briga está ficando cada vez maior

A disputa pelo controle da Warner Bros. Discovery já deixou de ser apenas uma negociação corporativa.

Agora temos:

uma aquisição estimada em US$ 110 bilhões;
12 estados tentando impedir o negócio;
a WGA com uma ação própria;
uma suspensão judicial até o avanço do processo;
uma taxa de US$ 7 milhões por dia a partir de outubro;
uma possível conta de até US$ 1,88 bilhão;
e uma audiência em 24 de setembro para discutir justamente quem deve assumir esse risco.

E ainda existe toda a discussão política e trabalhista em torno da operação.

Ou seja: a novela está longe de terminar.

E a Paramount ainda quer fechar o negócio

Apesar de toda essa confusão, a posição da Paramount permanece bastante clara.

A empresa continua defendendo que a fusão deve acontecer e afirma estar preparada para concluir a transação assim que os obstáculos judiciais forem removidos.

A companhia também sustenta que a operação criaria uma empresa capaz de competir em uma escala maior no mercado de entretenimento, enquanto os estados e a WGA argumentam que justamente essa concentração representa uma ameaça à concorrência.

É basicamente o clássico:

Paramount: "Precisamos da Warner para competir."

Estados: "Vocês querem a Warner justamente para ficar grandes demais."

WGA: "E nós estamos preocupados com o impacto disso nos trabalhadores."

Paramount: "Tudo bem. Mas se vocês estiverem errados, quero US$ 1,88 bilhão."

E a juíza terá que decidir se esse último pedido faz sentido juridicamente.

O próximo capítulo será em 24 de setembro

A próxima data importante da novela é 24 de setembro de 2026, quando a Justiça ouvirá os argumentos sobre o pedido de garantia de US$ 1,88 bilhão.

Enquanto isso, a fusão permanece suspensa e a contagem para a possível ticking fee de US$ 7 milhões por dia se aproxima.

Se a Paramount conseguir o que quer, estados e WGA poderão enfrentar uma pressão financeira gigantesca.

Se perder, a empresa continuará arcando com os custos do atraso enquanto tenta convencer a Justiça de que sua aquisição da Warner Bros. Discovery não viola as leis antitruste.

E existe uma ironia maravilhosa nisso tudo: uma das maiores fusões da história de Hollywood está parada porque Hollywood não consegue decidir quem vai pagar a conta enquanto ela está parada.

Cinema, televisão, streaming, política, sindicato e bilhões de dólares.

Só faltou colocar o Succession Theme para tocar.

Fonte: Variety

South Park muda de nome para South America e zoa Trump antes da 29ª temporada

2026-09-08T17:37:55.249-03:00

South Park agora é South America: série muda de nome para zoar Trump antes da 29ª temporada

South Park mudou de nome.

Não, você não leu errado.

Às vésperas da estreia de sua 29ª temporada, a série criada por Trey Parker e Matt Stone anunciou uma mudança que só poderia ter saído da cabeça dos responsáveis por algumas das maiores trollagens da televisão: South Park agora se chama SOUTH AMERICA.

E, obviamente, existe uma explicação — e ela envolve Donald Trump, Apple, Google e uma bela cutucada na própria Paramount.

South Park virou South America

O anúncio foi feito nesta terça-feira, 8 de setembro de 2026, poucos dias antes da estreia da nova temporada.

Em um comunicado deliberadamente sarcástico, Trey Parker e Matt Stone afirmaram que, inspirados pela “bravura e patriotismo” da Apple e do Google, decidiram mudar o nome de South Park para SOUTH AMERICA.

E, como se isso já não fosse suficiente, os criadores agradeceram especialmente à empresa-mãe da série, a Paramount, que foi chamada por eles de “a Skydance Capitulation”.

Traduzindo do idioma South Park: eles estão zoando absolutamente todo mundo.

A piada é com Trump

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Um post compartilhado por South America (@southpark)

A mudança de nome é uma sátira direta às recentes tentativas do presidente americano Donald Trump de alterar nomes geográficos para incluir a palavra “America”.

Nos últimos meses, Trump promoveu mudanças como a transformação do Golfo do México em “Golfo da América” nos mapas oficiais dos Estados Unidos. Mais recentemente, também houve a tentativa de renomear o Lago Ontário como “Lake America” e até uma sugestão para chamar o estado do Novo México de “New America”.

Apple e Google passaram a refletir algumas dessas alterações em seus serviços de mapas para usuários americanos.

E aí Trey Parker e Matt Stone olharam para tudo isso e provavelmente pensaram:

“Bom... então vamos fazer isso também.”

Só que, em vez de mudar o nome de um lago, eles mudaram o nome de uma das séries de animação mais famosas da história.

A placa de South Park também ganhou um “America”

O anúncio veio acompanhado de uma nova imagem promocional.

Na placa que tradicionalmente identifica a pequena cidade do Colorado, a palavra “America” aparece sobre o nome original.

O resultado é justamente aquilo que se espera de South Park: uma alteração aparentemente absurda que, quando colocada no contexto político atual, fica ainda mais absurda — e justamente por isso funciona.

A mensagem é praticamente:

Se tudo precisa ser chamado de America, então vamos chamar South Park de South America também.

É difícil imaginar uma forma mais South Park de comentar a situação.

E a Paramount também levou

Mas Trump não foi o único alvo.

A frase “Paramount — a Skydance Capitulation” é uma provocação à própria empresa que controla a franquia.

Trey Parker e Matt Stone já tiveram atritos públicos com a Paramount relacionados à administração e distribuição da série. A relação ficou particularmente complicada durante as negociações que envolveram o futuro da franquia e seu acordo de streaming.

Agora, os criadores aproveitaram o anúncio do novo nome para colocar mais uma piada no colo da companhia.

É aquele tipo de situação em que você olha para o comunicado oficial e pensa: “Eles realmente colocaram isso no comunicado oficial?”

Colocaram.

29ª temporada estreia na próxima semana

A provocação acontece justamente antes da estreia da 29ª temporada.

A nova temporada chega à Comedy Central em 16 de setembro de 2026, às 22h nos Estados Unidos, com os novos episódios chegando posteriormente ao Paramount+. Os episódios seguintes estão programados para 30 de setembro, 14 e 28 de outubro, 11 e 25 de novembro.

A temporada terá seis episódios, seguindo o calendário divulgado oficialmente pela produção.

E existe uma boa razão para a expectativa estar alta.

South Park acabou de ganhar mais um Emmy

O anúncio do novo nome acontece poucos dias depois de South Park conquistar mais um Emmy de Melhor Programa de Animação.

A vitória veio pelo episódio “Sermon On The 'Mount”, que colocou Donald Trump novamente no centro da mira da série.

Foi o sexto Emmy da série na categoria, depois das vitórias anteriores em 2005, 2007, 2009 e 2013, além da conquista deste ano.

E, claro, os criadores não perderam a oportunidade de comemorar a vitória dando outra cutucada em Trump.

A conta oficial de South Park publicou uma imagem do Trump animado segurando o Emmy acompanhada da frase: “You finally got your Emmy!”

A piada faz referência ao fato de Trump ter sido indicado ao Emmy duas vezes por The Apprentice, mas nunca ter vencido.

Ou seja, o novo nome da série não surgiu do nada.

South Park x Trump: uma relação cada vez mais explosiva

A série vem transformando Trump em um dos seus principais alvos nas temporadas recentes.

A 27ª e a 28ª temporadas intensificaram as referências ao presidente e ao universo político americano, com Parker e Stone utilizando o humor absurdo característico da produção para satirizar Trump, seus aliados e decisões do governo.

E o interessante é que South Park não costuma escolher apenas um lado da política para atacar.

A série construiu sua reputação justamente fazendo piada com todo mundo.

Políticos, celebridades, empresas, movimentos sociais, religiões, fãs, grupos de interesse...

Se existe alguma coisa que possa ser transformada em uma piada absurda, provavelmente Cartman já está a caminho.

Mas South Park realmente mudou de nome?

Sim... mas calma.

A brincadeira está associada à divulgação da 29ª temporada e não significa que a franquia inteira tenha abandonado definitivamente o nome South Park.

Inclusive, a página oficial da produção e os materiais corporativos ainda apresentam a série como *outh Park. O comunicado promocional é que anuncia a mudança para SOUTH AMERICA como parte da provocação da nova temporada.

Portanto, não espere que o Paramount+ acorde amanhã e tenha simplesmente apagado *South Park* do catálogo.

Por enquanto, o nome oficial continua sendo South Park — mas a piada está oficialmente feita.

E o timing não poderia ser melhor

O anúncio chega em um momento perfeito para a série.

South Park acabou de conquistar um Emmy, está prestes a iniciar sua 29ª temporada e continua sendo uma das animações mais relevantes da televisão americana.

A própria Paramount afirma que a série foi o programa número 1 da TV a cabo entre o público de 18 a 49 anos em 2025, enquanto o retorno da 27ª temporada registrou sua melhor participação média nessa faixa etária em 27 anos e a temporada mais assistida em seis anos.

Nada mal para uma animação que começou em 1997 com quatro moleques mal-educados andando por uma cidadezinha do Colorado.

30 anos de South Park estão chegando

E existe outro detalhe interessante.

South Park estreou em 13 de agosto de 1997 e vai completar 30 anos em 2027.

Ou seja, a série está entrando em sua quarta década de existência — e aparentemente Trey Parker e Matt Stone continuam tão dispostos a provocar quanto estavam no começo.

A diferença é que agora eles têm quase três décadas de história, seis Emmys e uma empresa gigantesca para provocar junto.

South America... porque South Park aparentemente já não era americano o suficiente

No fim das contas, a mudança de nome é exatamente aquilo que South Park faz melhor.

Pegaram uma discussão política real, absurda por natureza, acrescentaram uma dose generosa de sarcasmo e transformaram tudo em uma piada que pode ser entendida em cinco segundos.

South Park virou South America.

Trump ganhou mais uma provocação.

Apple e Google entraram na brincadeira sem pedir.

A Paramount recebeu seu próprio apelido.

E Trey Parker e Matt Stone provavelmente estão sentados em algum lugar observando o caos e pensando: “Funcionou.”

A 29ª temporada de South Park — ou, se preferir, SOUTH AMERICA — estreia em 16 de setembro de 2026 na Comedy Central.

E, sinceramente, depois dessa, fica a dúvida: será que Cartman vai começar a exigir que todo mundo chame ele de “America Man”?

Fonte: The Hollywood Reporter

One Piece 1193: spoilers revelam contra-ataque de Imu e Zoro em destaque

2026-09-08T14:39:09.493-03:00

O capítulo 1193 de One Piece promete continuar a pancadaria em Elbaf — mas Eiichiro Oda aparentemente decidiu que era hora de lembrar aos fãs que Zoro também está no prédio.

Os primeiros spoilers do novo capítulo começaram a circular nesta terça-feira, 8 de setembro de 2026, e indicam que a história continuará mostrando as consequências do confronto envolvendo Luffy, Loki e Imu, enquanto outros combates importantes também ganham espaço.

Segundo as informações divulgadas pelo Geekdama, boa parte do capítulo é dedicada ao contra-ataque de Imu, enquanto outros personagens aparecem na segunda metade. Os spoilers ainda destacam Zoro como um dos grandes protagonistas do capítulo.

⚠️ ATENÇÃO: a partir daqui temos spoilers do capítulo 1193 de One Piece.
As informações abaixo são baseadas em vazamentos e podem sofrer alterações ou diferenças de tradução até o lançamento oficial.

One Piece 1193: Imu parte para o contra-ataque

Depois dos acontecimentos explosivos do capítulo 1192, Imu não pretende simplesmente ficar apanhando.

Os primeiros spoilers indicam que o capítulo 1193 será fortemente concentrado no contra-ataque de Imu contra Luffy e os demais personagens envolvidos na batalha. A própria prévia oficial da revista provoca os leitores com a frase: “Uma batalha feroz com Imu! Qual será o destino de Elbaf?”

E considerando o que aconteceu anteriormente, a situação está longe de ser confortável para os heróis.

No capítulo 1192, Luffy conseguiu atingir Imu utilizando seu ataque combinado com a estratégia envolvendo Loki, depois de inicialmente ter seu golpe bloqueado pelo misterioso Escudo do Vazio.

Agora, aparentemente, chegou a hora de Imu devolver o favor.

Luffy fica completamente exausto

Um dos spoilers mais importantes indica que Luffy fica sem energia e cai no chão, exausto.

Não chega a ser exatamente uma novidade para quem acompanha One Piece: colocar Luffy no limite físico depois de uma batalha absurda já virou quase uma tradição.

Mas o momento é especialmente importante porque o confronto contra Imu está acontecendo em uma escala completamente diferente.

O protagonista está enfrentando uma das figuras mais poderosas e misteriosas do mundo de One Piece, enquanto ainda tenta lidar com os efeitos de suas transformações e ataques.

E quando Luffy cai...

Bem, normalmente alguém precisa entrar em cena.

Loki prepara uma nova transformação

Outro detalhe revelado pelos spoilers é que Loki está prestes a assumir sua forma híbrida.

Por enquanto, porém, Oda não mostra completamente a transformação. O capítulo apresenta apenas a silhueta da forma híbrida, mantendo o visual completo em segredo.

E aqui temos aquele clássico método Oda de tortura psicológica: “Olha só uma coisa extremamente importante que vocês querem ver.”

Mostra a silhueta.

“Agora esperem duas semanas.”

Porque sim: o capítulo 1193 será seguido por uma pausa.

Zoro finalmente ganha seu momento

Se você estava sentindo falta de Roronoa Zoro, pode respirar.

O espadachim ganha uma sequência de destaque no capítulo 1193, enfrentando Sommers.

Segundo os spoilers, Zoro está tentando descobrir como utilizar o Haki do Rei em seu ataque para conseguir derrotar o inimigo.

O problema é que Sommers consegue cercá-lo com espinhos.

Mas aí acontece aquilo que os fãs de Zoro provavelmente já estavam esperando.

Os espinhos são cortados.

Na sequência, Zoro parte para o ataque e enfia sua espada no corpo de Sommers, chegando muito perto de atingir seu coração. Sommers fica aterrorizado com o que acabou de acontecer.

E então vem uma fala que parece ter sido feita sob medida para o personagem: “Ah, desculpa!! Ainda estou praticando.”

Sim.

Zoro.

O homem que aparentemente considera lutar contra monstros sobrenaturais uma sessão de treinamento.

Sanji também está em combate

Enquanto Zoro encara Sommers, Sanji aparece enfrentando Killingham.

Os spoilers iniciais não revelam tantos detalhes sobre essa luta quanto sobre o confronto de Zoro, mas a presença dos dois confirma que Oda continua dividindo os acontecimentos de Elbaf entre diferentes frentes de batalha.

Isso também ajuda a explicar por que o capítulo não ficará exclusivamente concentrado em Luffy e Imu.

A guerra em Elbaf está ficando grande demais para acompanhar apenas um combate por vez.

Robin e Chopper também aparecem

A segunda metade do capítulo também apresenta Robin, Chopper e outros personagens na biblioteca.

Um personagem chamado Biblo afirma que quer mostrar algo especial para Robin, Chopper e os demais.

Ainda não está claro o que exatamente será revelado nessa parte, mas considerando a quantidade de informações históricas e mistérios relacionados a Elbaf, qualquer coisa encontrada em uma biblioteca desse lugar merece atenção.

Especialmente quando Nico Robin está envolvida.

Afinal, colocar a arqueóloga dos Chapéus de Palha diante de livros antigos é praticamente pedir para Oda começar a soltar informação capaz de destruir teorias de 15 anos.

Gunko também acorda

Outro acontecimento mencionado nos spoilers é o retorno de Gunko, que finalmente desperta.

A personagem teve participação importante nos acontecimentos recentes envolvendo Elbaf e Imu, e seu retorno pode indicar que ainda existe muito mais a ser explorado em relação ao seu papel na história.

Por enquanto, os spoilers não revelam grandes detalhes sobre o que ela fará após acordar.

Capa mostra King e um cão-guaxinim

A página colorida de capa do capítulo apresenta King ao lado de um cão-guaxinim.

Como acontece frequentemente em One Piece, as capas podem parecer apenas uma brincadeira isolada, mas os fãs já sabem que Oda gosta de esconder pequenas referências e histórias paralelas nesses desenhos.

Por enquanto, porém, nada indica que a imagem tenha uma ligação direta com os acontecimentos de Elbaf.

E tem pausa depois do capítulo 1193

Agora vem a parte que nenhum fã queria ouvir.

One Piece entrará em pausa depois do capítulo 1193.

O capítulo 1193 será lançado oficialmente no domingo, 13 de setembro de 2026, pelo MANGA Plus.

Depois disso, o capítulo 1194 chegará somente em 27 de setembro. Segundo o Geekdama, trata-se de uma pausa da revista, e não de uma pausa programada de Eiichiro Oda.

Ou seja: o próximo capítulo vai demorar justamente quando a história está ficando cada vez mais insana.

Coincidência?

O fandom diria que não.

O que esperar do capítulo 1193?

Se os spoilers estiverem corretos, o capítulo 1193 terá uma estrutura bastante movimentada.

De um lado, temos Imu partindo para o contra-ataque e Luffy chegando ao limite de suas forças.

Do outro, Loki prepara sua forma híbrida, enquanto Zoro enfrenta Sommers e Sanji luta contra Killingham.

E ainda temos Robin e Chopper diante de alguma possível descoberta na biblioteca, além do despertar de Gunko.

Ou seja:

Imu contra-ataca.

Luffy cai exausto.

Loki vai mostrar uma nova forma.

Zoro mete a espada em Sommers.

Sanji continua lutando.

Robin pode descobrir alguma coisa importante.

E, claro...

Oda coloca uma pausa justamente agora.

Porque aparentemente o verdadeiro Haki do Rei é a capacidade de esperar duas semanas pelo próximo capítulo.

Quando One Piece 1193 será lançado?

O capítulo 1193 de One Piece será lançado oficialmente em 13 de setembro de 2026, pelo MANGA Plus.

Já o capítulo 1194 está previsto para 27 de setembro, após a pausa da revista.

Até lá, os spoilers e imagens vazadas devem continuar surgindo ao longo da semana. O Geekdama prevê imagens vazadas entre 9 e 10 de setembro, enquanto versões não oficiais devem aparecer posteriormente.

E agora fica a pergunta que realmente importa: quanto tempo até Oda finalmente mostrar a forma híbrida completa de Loki?

A resposta provavelmente é: tempo suficiente para o fandom criar mais 47 teorias.

Morre Roney Facchini, ator de Rá-Tim-Bum, aos 73 anos

2026-09-07T11:40:33.008-03:00

O Brasil perdeu mais um daqueles artistas que, mesmo sem necessariamente estarem no centro dos holofotes, fizeram parte da memória afetiva de milhões de pessoas.

Morreu neste domingo, 6 de setembro de 2026, aos 73 anos, o ator e diretor Roney Facchini, conhecido principalmente por interpretar Luís da Silva, o patriarca da família Silva no clássico programa infantil Rá-Tim-Bum, da TV Cultura.

A morte foi confirmada pelo Prêmio Bibi Ferreira e por amigos do artista. Facchini estava em São Paulo. Segundo informações divulgadas posteriormente pelo companheiro do ator, João Paulo, ele sofreu um mal súbito dentro do carro após deixar a garagem do prédio onde morava. Chegou a ser socorrido e levado ao Hospital Oswaldo Cruz, mas não resistiu.

Quem era Roney Facchini?

Nascido em São Paulo, em 6 de fevereiro de 1953, Roney Macedo Facchini construiu uma carreira que atravessou televisão, cinema e, principalmente, teatro.

Curiosamente, antes de seguir definitivamente pelo caminho das artes, Facchini estudou Engenharia Civil na Escola de Engenharia Mauá. Depois de concluir a formação, mudou de trajetória e se dedicou ao teatro e à atuação.

Nos palcos, participou de mais de 30 peças e também trabalhou como diretor, encenador e apresentador. Depois de aproximadamente 25 anos de carreira, escreveu e apresentou o monólogo A Alegria do Palhaço, de Antonio Rocco.

Mas foi na televisão que ele acabou entrando definitivamente para a memória de uma geração.

Roney Facchini era Luís da Silva em Rá-Tim-Bum

Para muita gente, basta dizer "Roney Facchini" e imediatamente vem a lembrança de Rá-Tim-Bum.

Exibido pela TV Cultura entre 1990 e 1994, o programa apresentou uma série de personagens e quadros que se tornaram parte da infância brasileira.

Facchini interpretava Luís da Silva, o pai da família Silva, contracenando com Grace Gianoukas, que interpretava Eva, além de João Victor d'Alves e Pamella Domingues.

E aqui vale uma observação importante: estamos falando do Rá-Tim-Bum original, e não de Castelo Rá-Tim-Bum.

Ainda assim, para quem cresceu acompanhando a TV Cultura no início dos anos 1990, a presença de Facchini fazia parte daquele ritual diário de sentar diante da televisão e descobrir que era possível aprender, rir e se divertir sem precisar de efeitos especiais milionários.

Uma carreira muito maior que Rá-Tim-Bum

Embora Luís da Silva tenha sido seu papel mais lembrado pelo grande público, Roney Facchini teve uma trajetória muito mais extensa.

O ator passou por diferentes emissoras e participou de produções como Malhação, A Diarista, Bang Bang, Minha Nada Mole Vida, Caras & Bocas, Cheias de Charme, Pé na Cova e Macho Man. Também esteve na série Hebe, lançada em 2020.

Na televisão, portanto, Facchini continuou trabalhando por décadas depois de Rá-Tim-Bum, construindo uma carreira marcada por participações em diferentes gêneros e formatos.

Foi aquele tipo de ator que você encontrava em uma produção e talvez não soubesse imediatamente o nome — mas provavelmente reconhecia o rosto.

Roney Facchini também esteve no cinema

A carreira cinematográfica do ator também foi significativa.

Facchini participou de filmes como Cilada.com, Vai Que Dá Certo, Meu Amigo Hindu e Polícia Federal: A Lei É Para Todos.

Seu trabalho no cinema acompanhou a mesma característica de sua trajetória televisiva: presença constante, mesmo que nem sempre como protagonista.

O teatro era uma de suas grandes paixões

É impossível falar sobre Roney Facchini sem destacar o teatro.

Foi nos palcos que ele construiu boa parte de sua identidade artística, atuando e também dirigindo espetáculos.

Entre os trabalhos associados ao seu nome estão peças como Gato Por Lebre, Os Mistérios do Sexo e Ricardo III, além do monólogo A Alegria do Palhaço.

Colegas de profissão lembraram justamente desse lado de Facchini após sua morte.

O ator Nilton Bicudo, amigo e parceiro profissional, publicou uma homenagem emocionada, descrevendo Facchini como uma pessoa carinhosa, generosa, de humor sutil e talento refinado. Os dois trabalharam juntos no espetáculo Rancor, e Facchini também dirigiu Bicudo em Uma Mulher de Vestido Preto.

A despedida de colegas

A notícia provocou manifestações de diversos artistas.

Grace Gianoukas, que contracenou com Facchini em Rá-Tim-Bum, publicou uma homenagem ao colega. Outros nomes, como Lucio Mauro Filho, João Vitti, Marisa Orth, Angela Dippe e Bárbara Bruno, também lamentaram a perda.

Marisa Orth chamou Facchini de "comediante estupendo", enquanto Grace Gianoukas expressou carinho e admiração pelo antigo colega.

São manifestações que ajudam a dimensionar não apenas o artista que Facchini foi, mas também a pessoa querida que deixou entre aqueles que trabalharam com ele.

Um artista que continuava ativo

Talvez um dos detalhes mais curiosos sobre os últimos dias de Roney Facchini seja que ele continuava bastante ativo nas redes sociais.

O ator compartilhava vídeos e comentários sobre cultura e outros artistas. Poucas horas antes de sua morte, chegou a publicar um vídeo no qual comentava e elogiava a voz de Gal Costa. Em publicações recentes, também havia refletido sobre a morte de artistas como Dolly Parton, Laura Cardoso e Glória Menezes.

A ironia dolorosa é que, enquanto falava sobre a trajetória e a partida de outros artistas, Facchini também estava prestes a deixar seu próprio legado.

Roney Facchini deixa uma memória afetiva

Talvez seja justamente essa a melhor maneira de falar sobre Roney Facchini.

Ele não foi apenas o ator de Rá-Tim-Bum.

Foi um profissional que passou décadas fazendo teatro, televisão e cinema, trabalhando diante e atrás das câmeras, dirigindo, escrevendo e ensinando através da própria experiência.

Mas é impossível negar que, para uma geração inteira, ele sempre será Luís da Silva.

O pai daquela família que aparecia na televisão brasileira no começo dos anos 1990.

Um rosto de uma época em que a TV Cultura ajudava a formar crianças sem precisar transformar tudo em uma disputa por audiência, algoritmo ou número de seguidores.

E talvez seja justamente por isso que sua partida doa tanto.

Porque existem artistas que fazem sucesso.

E existem artistas que fazem parte da infância das pessoas.

Roney Facchini pertence à segunda categoria.

Ele tinha 73 anos. Deixa uma trajetória de décadas dedicada à arte e uma lembrança que, para muita gente, começou na frente de uma televisão ligada na TV Cultura.

Descanse em paz, Luís da Silva.

Fontes: Terra, VEJA, CNN Brasil, Folha de S.Paulo, UOL