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Tiny Biomes Review: quebra-cabeça relaxante demais acaba perdendo o desafio

2026-04-03T08:00:00.001-03:00

Nem todo jogo precisa testar reflexos ou fritar o cérebro. Alguns querem apenas ser um momento de calma antes de dormir. Tiny Biomes, publicado pela eastasiasoft em parceria com a Double Mizzlee, tenta seguir exatamente esse caminho — um puzzle tranquilo, quase meditativo.

O problema é que, no processo, ele acaba relaxando até demais.

Um quebra-cabeça simples desde o primeiro segundo

A proposta é familiar: girar blocos para criar um fluxo contínuo entre pontos iniciais e finais do mapa. É aquele tipo de puzzle que normalmente aparece como minigame dentro de aventuras maiores — só que aqui ele sustenta o jogo inteiro.

O funcionamento é direto:

selecione o bloco
pressione um botão para girar
conecte todos os caminhos
avance para a próxima fase

Não há movimentação de peças, trocas ou combinações complexas. Apenas rotação.

Isso reduz drasticamente as possibilidades estratégicas. Na maioria das fases, fica óbvio quase imediatamente para qual lado cada peça deve virar.

Resultado: você resolve níveis em sequência quase no piloto automático.

Três biomas, 150 fases… e pouca evolução

O jogo apresenta três ambientes:

Floresta
Vulcão
Inverno

Cada um possui 50 quebra-cabeças. Parece bastante conteúdo — mas existe um problema estrutural.

Mais da metade das fases iniciais de cada bioma é extremamente fácil.

Quando o desafio finalmente começa a aparecer, o jogador troca de cenário e o ciclo reinicia do zero, voltando novamente a dezenas de níveis triviais antes que algo interessante aconteça.

A sensação é de estar sempre recomeçando o tutorial.

Quando o jogo melhora… ele já mudou de fase

Os puzzles ficam mais interessantes quando:

há mais blocos na grade
aumentam as possibilidades de erro
o fluxo pode ser desviado acidentalmente

Nesse ponto, o sistema de avaliação por estrelas começa a funcionar melhor, já que o número de movimentos influencia a pontuação.

Mas o jogo raramente exige planejamento real. Tentativa e erro resolve praticamente tudo.

E como não existem rankings online, conquistas relevantes ou recompensas extras, falta incentivo para buscar perfeição.

Relaxante… até demais

Tiny Biomes claramente tenta ser um “jogo aconchegante”. As animações suaves e a trilha sonora criam uma atmosfera calma, quase hipnótica.

A música, inclusive, é um dos pontos altos — discreta e agradável, funcionando bem como pano de fundo.

Por outro lado, a apresentação traz um problema inesperado: o excesso de tremor de tela e efeitos sonoros repetitivos. Cada rotação causa vibrações visuais constantes, o que pode tornar sessões longas cansativas para os olhos.

Curiosamente, o que deveria relaxar acaba gerando o efeito contrário para alguns jogadores.

Mecânica limitada reduz o desafio

Como as peças são fixas e apenas giram, o nível de complexidade cai bastante. Em muitos casos:

peças de borda têm apenas uma direção lógica
caminhos finais já indicam a solução
obstáculos não alteram realmente a estratégia

Isso faz com que cerca de 80% do tabuleiro seja resolvido quase automaticamente.

O jogador não descobre soluções — apenas confirma o óbvio.

Biomas diferentes só na aparência

A expectativa de mudanças mecânicas entre os ambientes não se concretiza.

Apesar dos nomes promissores:

o vulcão não altera gameplay
o inverno não adiciona física nova
a floresta não traz mecânicas únicas

A única diferença real é a paleta de cores dos blocos.

Depois de algum tempo, tudo começa a parecer o mesmo quebra-cabeça com roupa diferente.

Um jogo pequeno que dura mais do que deveria

O maior problema de Tiny Biomes não é ser simples — é estender demais uma ideia curta.

O conceito funciona bem em pequenas doses. Jogar algumas fases antes de dormir pode ser agradável. Mas completar o pacote inteiro vira quase uma maratona de repetição.

Em certo ponto, o verdadeiro desafio passa a ser terminar rápido cada fase para criar diversão própria.

Vale a pena jogar Tiny Biomes?

Depende do que você procura.

✅ Pontos positivos:

atmosfera relaxante
trilha sonora agradável
mecânica fácil de aprender
preço acessível

❌ Pontos negativos:

dificuldade extremamente baixa
pouca variedade entre biomas
ausência de recompensas ou progressão real
efeitos visuais repetitivos

Se a ideia é desligar o cérebro por alguns minutos, ele cumpre o papel. Mas quem busca puzzles desafiadores provavelmente vai sentir falta de profundidade.

Tiny Biomes não é ruim — apenas seguro demais para se destacar.

Nota final ⭐⭐⭐☆☆ (3/5)

Um puzzle confortável e acessível, ideal para sessões curtas, mas que carece de desafio e variedade para sustentar sua duração total.

Super Mario Galaxy O Filme estreia sob críticas negativas

2026-04-02T18:00:00.001-03:00

O aguardado Super Mario Galaxy O Filme chegou aos cinemas, mas sua estreia foi marcada por uma recepção dividida, e em muitos casos negativa, por parte da crítica especializada. Após o enorme sucesso do primeiro longa animado do personagem, a expectativa era de uma sequência ainda mais ambiciosa, especialmente com a adaptação do universo cósmico visto nos jogos. No entanto, para muitos críticos, o filme não conseguiu atingir totalmente esse potencial.

As principais críticas giram em torno do roteiro pouco desenvolvido e da dificuldade em equilibrar a expansão do universo com uma narrativa consistente. A introdução de novos elementos, como diferentes planetas e personagens importantes da franquia, acabou sendo vista como superficial por parte da imprensa, que esperava uma construção mais sólida.

Outro ponto levantado é o ritmo irregular, com o filme alternando entre sequências de ação bem executadas e momentos que não aprofundam suficientemente seus conflitos. Ainda assim, há consenso em relação a um aspecto: o visual. A animação e a direção de arte seguem sendo um dos grandes destaques, elevando o nível técnico da produção.

Apesar da recepção negativa em parte da mídia, a opinião não é unânime. Aqui no GeekBlast, por exemplo, nossa crítica completa foi mais positiva. Nossa redatora destacou que o filme, mesmo com falhas, entrega uma experiência divertida, com humor eficiente e uma expansão interessante do universo de Mario.

Para ela, Super Mario Galaxy O Filme acerta ao apostar no espetáculo e na criatividade visual, mesmo que não aprofunde todos os elementos que apresenta. A produção pode não ser perfeita, mas cumpre bem seu papel de entretenimento e ainda abre caminho para futuras sequências.

Agora, resta acompanhar como será a recepção do público — fator que pode ser decisivo para o futuro da franquia nos cinemas.

Crítica: Super Mario Galaxy – O Filme aposta no espetáculo, mas emociona pelo simples

2026-04-02T16:31:00.000-03:00

Depois do sucesso estrondoso do primeiro filme do encanador mais famoso da Nintendo, Super Mario Galaxy – O Filme chega com uma proposta mais ambiciosa: expandir o universo e levar Mario para além do Reino dos Cogumelos. O resultado é um filme visualmente deslumbrante, com escala maior e uma narrativa que tenta equilibrar aventura cósmica com o charme simples que tornou a franquia tão querida.

Diferente do longa anterior, aqui a história não se apoia apenas na nostalgia. O roteiro introduz elementos do jogo Super Mario Galaxy, explorando planetas variados, gravidade dinâmica e uma ameaça mais grandiosa. Bowser continua presente, mas o foco se divide com novos personagens e conceitos, especialmente a introdução de figuras como Rosalina, que traz um tom mais contemplativo e até emocional à trama.

Visualmente, o filme é um espetáculo. A animação evoluiu em todos os aspectos: iluminação, texturas e principalmente a forma como o espaço é retratado. Cada planeta tem identidade própria, e a sensação de movimento entre eles é fluida e criativa. É o tipo de filme que claramente foi pensado para a tela grande, com sequências que impressionam não só pela ação, mas pela direção artística.

No entanto, o roteiro às vezes sofre com essa ambição. Ao tentar abraçar um universo mais amplo, o filme acaba deixando alguns personagens de lado, especialmente Luigi, que mais uma vez poderia ter sido melhor aproveitado. A narrativa também segue um caminho previsível em certos momentos, sem arriscar tanto quanto o cenário sugeriria.

Por outro lado, o filme acerta ao trazer mais emoção. A presença de Rosalina e a temática de exploração e pertencimento acrescentam uma camada que não existia com tanta força antes. Ainda que não seja profundamente dramático, há uma tentativa clara de dar mais peso à jornada de Mario — algo que funciona bem dentro da proposta leve da franquia.

O humor continua sendo um dos pontos fortes. As piadas são rápidas, acessíveis e funcionam tanto para crianças quanto para adultos, especialmente aqueles familiarizados com os jogos. As referências continuam presentes, mas de forma mais orgânica, sem parecer apenas fan service gratuito.

No fim das contas, Super Mario Galaxy – O Filme não é perfeito, mas acerta onde mais importa: entrega diversão, expande o universo com criatividade e mantém o espírito da franquia intacto. Pode não aprofundar tudo o que propõe, mas abre caminhos interessantes para futuras sequências — talvez ainda mais ousadas.

Se o primeiro filme foi uma celebração nostálgica, este é um passo em direção a algo maior. E, mesmo com algumas limitações, é difícil não sair da sessão com a sensação de que Mario ainda tem muito a explorar nas telonas.

Espere para ver as duas cenas pós-crédito.

Ficha Técnica

Título original: The Super Mario Galaxy Movie
Título: Super Mario Galaxy - O Filme
Ano: 2026
Duração: 98 min
País: Estados Unidos
Classificação: Livre
Direção: Aaron Horvath, Michael Jelenic
Roteiro: Matthew Fogel
Elenco: Benny Safdie, Brie Larson, Keegan-Michael Key, Donald Glover, Anya Taylor-Joy, Chris Pratt, Glen Powell, Charlie Day, Jack Black

Crítica: A Pequena Amélie - animação colorida que reflete sobre o sentido de existência e perdas

2026-03-26T08:31:00.000-03:00

A Pequena Amélie, que estreou dia 12 de março nos cinemas, é uma animação que utiliza recursos narrativos, como cenários coloridos, jardins de contos de fadas e personagens profundamente feridos, para contar a história da pequena Amélie, uma garotinha que passou a maior parte da sua vida sem existir.

Sinopse
O mundo é um mistério desconcertante e tranquilo para Amélie, uma garotinha belga nascida no Japão. À medida que desenvolve um profundo apego à governanta de sua família, Nishio-san, Amélie descobre as maravilhas da natureza, bem como as verdades emocionais ocultas sob a superfície da vida idílica de sua família como estrangeiros na Terra do Sol Nascente.

Ainda que a história se passe 30 anos após o fim da Segunda Guerra Mundial, a narrativa apresenta personagens que carregam feridas e consequências desse conflito, além de abordar um tema tabu e muito difícil de ser trabalhado: o autoextermínio infantil. Esse tema é desenvolvido de forma lúdica a partir da percepção de mundo de Amélie, que narra toda a sua história a partir de sua percepção de mundo.

O impacto da ausência

Amélie é uma garotinha que passou a maior parte da vida não existindo. Calma, vou explicar melhor: apesar de estar ali, sendo um membro da família, ela não interagia com pessoas, animais ou objetos. Era como se ela vivesse presa em sua própria mente enquanto o tempo passava e os demais criavam memórias.

Até que, um dia, desperta e, a partir desse momento, é como se ficasse repleta de vida. Movida por essa existência, a garotinha começa a explorar o mundo que sempre esteve ao seu redor, mas que ainda não conhecia, visto que, durante toda a vida, ela esteve em modo de espera e então começou a funcionar (por causa de um evento). Mas Amélie passa a existir em modo turbo.

Conforme Amélie começa a viver, explorar a natureza que cerca sua casa e conhecer pessoas, percebe que não é o centro do mundo, que este é muito maior que seus olhos conseguem alcançar. Entretanto, no processo de viver, também começa a encarar as primeiras perdas.

A dualidade da vida

Ainda que o mundo seja lindo, incrível e colorido, que entrega a chuva e o calor do sol, ele também leva coisas e pessoas. Assim como a chuva, as pessoas vêm, se espalham e vão embora. Algumas são passageiras; outras, tempestades ou chuva de verão, mas sempre vêm e vão.

Como eu já disse, apesar do visual colorido e lúdico, o filme trata de uma temática muito pesada, o autoextermínio no contexto da infância. Se o suicídio já é um assunto tabu na sociedade quando falamos de pessoas adultas e ainda não aprendemos como lidar, imagina refletir sobre crianças que querem deixar de existir ou considerar que isso é uma possibilidade. Como tocar nesse assunto? Por meio de uma personagem carismática que começa a questionar, investigar, sentir, viver e experimentar a vida.

Amélie é uma garotinha que veio ao mundo de uma forma diferente, que sempre se comportou de uma forma diferente e as pessoas durante muito tempo não souberam como lidar com ela. Porque durante a maior parte da sua vida, Amélie simplesmente não viveu, ela só estava lá. E como lidar com as perdas sendo uma pessoa com tão pouco repertório de vida?

Enfim, o filme A Pequena Amélie utiliza cenários de contos de fadas e personagens que sofrem grandes perdas ao longo da vida, para apresentar um assunto muito difícil e desconfortável, sem julgamento, que precisamos debater. Precisamos começar a falar sobre assuntos difíceis e desconfortáveis, para que sejam tratados com a seriedade necessária e solucionados da melhor forma.

Ficha Técnica

Título: A Pequena Amélie
Título original: Amélie et la métaphysique des tubes
País: França, Bélgica
Data de estreia: 12 de março de 2026
Gênero: Animação
Duração: 78 minutos
Classificação: 6 anos
Distribuidora: Mares Filmes
Direção: Maïlys Vallade e Liane-Cho Han Jin Kuang
Elenco: Loïse Charpentier, Victoria Grosbois e Isaac Schoumsky

Blast From The Past: Arquivo X - Temporada 9 - O início pelo final

2026-03-23T08:00:00.002-03:00

Quantico, Virginia. Novembro de 2001.
Oito anos se passaram desde que a diretoria do FBI me designou para o porão da Hoover Building. Minha missão era clara: trabalhar ao lado do Agente Especial Fox Mulder e utilizar meu conhecimento em medicina para invalidar seu trabalho.

Eu deveria ser a voz da razão que silenciaria as "fantasias" de um homem que, outrora, o FBI considerada brilhante e que, naquele tempo, a agência só queria descartá-lo o quão logo possível. Eu deveria ser o bisturi que cortaria os laços entre a realidade e o extraordinário, encerrando os Arquivos X de uma vez por todas. Minha lógica era simples: apenas quando esgotássemos todos os métodos científicos é que deveríamos considerar possibilidades mais extremas.

Eu só não imaginava o quão rápido esse limite chegaria.

A mesma ciência que eu trouxe como ferramenta de ceticismo começou a me trair — ou melhor, a me libertar. Com o passar dos anos, minhas análises, microscópios e autópsias tornaram-se evidências do extraordinário. Eu própria experienciei o extraordinário, a junção dos mistérios homem com os mistérios da alma, os mistérios da Terra e daquilo que espreita além da estratosfera.

Hoje, encontro-me "só".

Tive de convencer Mulder a fugir de Washington. Fugir do FBI. Deixar para trás nosso filho. Foi a única forma que eu encontrei para protegê-lo. A única forma que ele encontrou para proteger nosso filho. A única forma dele me proteger.

Eu posso não estar mais fisicamente naquele porão onde tudo começou, mas continuo sendo a mesma cientista de 8 anos atrás, sigo mantendo a mesma convicção e curiosidade que meu excêntrico colega de trabalho me ensinou a ter.

Junto a Monica, John e Skinner, eu continuo buscando pela verdade a respeito de como o Governo, a tecnologia extraterrestre que ele possui em mãos, a criação da arma de guerra perfeita através da mutação genética artificial, um híbrido humano-alienígena e o meu bebê estão relacionados.

A verdade continua lá fora.

E eu continuo indo atrás dela.
Scully, Dana.

Este é o primeiro de uma série de artigos que pretendo escrever a respeito da minha experiência em assistir Arquivo X pela primeira vez, uma promessa que eu fiz a mim mesmo desde o revival de 2016 e 2018.

Para tentar sair um pouco do lugar comum, não apenas pretendo escrever partes dos textos (ou até textos inteiros) como se fossem narrados por algum dos protagonistas da série, como também estou assistindo a série na ordem inversa.

Sim, ao invés de começar a saga de Fox e Dana pelo princípio, eu estou começando a série pela 9ª temporada e vou regredindo as temporadas até terminar minha jornada onde tudo começou. Por que eu estou fazendo isso? Por nenhum motivo aparente. Só por diversão, eu acho.

Mas eu sei que eu vou aproveitar muito essa eXperiência.

Crítica: Narciso - filme de Jeferson De sobre uma infância marcada pelo abandono

2026-03-22T18:43:00.003-03:00

Narciso, filme escrito e dirigido por Jeferson De, cineasta de Taubaté, São Paulo, que criou o Dogma Feijoada (explicado no vídeo Os Sete Mandamentos do Dogma Feijoada). Narciso, que estreia dia 19 de março nos cinemas, é uma narrativa densa, muito profunda e produzida para participar de festivais. Esse último ponto é muito importante na hora de decidir se vai assistir ao longa, pois sua complexidade e construção narrativa não são comerciais.

Sinopse
Narciso, menino negro e órfão, mora na casa de Carmem e Joaquim junto com outras crianças que aguardam por adoção. Ele sonha em ter uma família, mas acaba enfrentando uma grande decepção. Para alegrá-lo, uma das crianças da casa lhe dá de presente uma bola de basquete velha e mágica e diz que, se ele acertar três cestas, um gênio aparecerá e realizará todos os seus desejos.

Partindo do princípio de que Narciso é uma obra de arte, um filme produzido para concorrer em festivais, acredito que Narciso representa o sonho de todo artista: realizar uma produção autoral a partir de um tema que o mobilize, algo que é feito para mostrar a sua visão de mundo e ideias. Sem precisar se preocupar com o quanto o que está sendo desenvolvido é comercial ou quanto dinheiro vai arrecadar, portanto sua realização já é uma vitória. Dito isso, considerando a realidade do nosso país, não acredito que esse filme consiga atrair um grande público.

Isso se deve à sua enorme complexidade, pois, para entender o filme, a pessoa precisa ter um nível de letramento racial, o que a maior parte da população não possui. Isso ocorre porque o filme apresenta várias histórias sendo contadas ao mesmo tempo, exigindo muita atenção para acompanhar todas as nuances que acontecem, a partir da história principal que está sendo apresentada na tela.

Narciso é um filme que utiliza o silêncio como recurso narrativo, pois Narciso, Arthur Ferreira, é um adolescente marcado pela ferida do abandono. Logo no início, vemos a família adotiva devolver o garoto a um lar provisório, mas que também já havia sido abandonado pelos pais. Essa ferida o faz acreditar que nunca será amado; por isso, quando tem a oportunidade, deseja uma família como as das propagandas de margarina. Contudo, estar em uma família “tradicional” não significa ser amado ou sentir-se protegido.

Síndrome de Peter Pan

Carmem, Ju Colombo, a responsável pela casa de acolhimento onde Narciso vive, é uma mulher negra que além de acolher o garoto, cuida de outras crianças que estão esperando para serem adotadas. Uma mulher forte, guerreira e sobrecarregada, ela luta porque essa foi a única opção que a vida lhe ofereceu, mas já está cansada de tanto lutar.

Além das crianças, Carmem também acolheu o irmão quando ele enfrentou um momento de extrema vulnerabilidade. Joaquim, Bukassa Kabengele, é o típico cara que as crianças gostam por estar mais presente na vida delas, pois dispõe de tempo e disponibilidade para isso.

Em determinado momento da narrativa, Carmem deixa claro o quanto está exausta e que não aguenta mais esperar que o irmão cresça, pois ele vive uma adolescência eterna ao não assumir as responsabilidades da vida adulta, que consistem em lutar pela própria sobrevivência.

Quando eu digo que a história de Narciso é apenas um pretexto para refletir sobre outras questões sociais, achei este um dos diálogos mais potentes do filme. Embora o título seja Narciso, a história dessa mulher, que segue lutando sozinha e sem apoio, revela a realidade de muitas mulheres negras e periféricas no Brasil. Ao falar de famílias chefiadas por mulheres – mesmo quando elas têm companheiro, mas ainda assumem sozinhas a responsabilidade de sustentar toda a família – as mulheres negras são maioria.

Por fim, Narciso é um filme muito complexo e, por isso, difícil de ser compreendido, pois exige do espectador certo nível de conhecimento sobre o funcionamento de algumas estruturas da nossa sociedade, desconhecidas pela maioria das pessoas comuns. Sua narrativa lenta e os longos momentos de silêncio são grandes obstáculos para prender a atenção do público. Narciso estreia dia 19 de março nos cinemas.

Ficha Técnica

Título: Narciso
Título original: Narciso
País: Brasil
Data de estreia: 19 de março de 2026
Gênero: Drama
Duração: 90 minutos
Classificação: 10 anos
Distribuidora: Elo Studios
Direção: Jeferson De

Elenco: Arthur Ferreira, Bukassa Kabengele, Ju Colombo, Faiska Alves, Diego Francisco, Levi Asaf, Teka Romualdo, Fernanda Nobre, Ernesto Piccolo, Larissa Nunes, Isadora Iglesias e participação especial: Seu Jorge, Juliana Alves e Marcelo Serrado.

Chainsaw Man: Parte 2 do mangá chega ao fim em março de 2026

2026-03-11T09:56:00.004-03:00

O mangá Chainsaw Man, criado por Tatsuki Fujimoto, está prestes a encerrar mais uma fase importante de sua história. O capítulo mais recente publicado no Japão confirmou que a Parte 2 da obra será finalizada ainda em março de 2026.

O último capítulo dessa etapa chega oficialmente em 25 de março, marcando o encerramento do atual arco narrativo protagonizado por Denji e os novos conflitos introduzidos após o fim da primeira fase.

Apesar da notícia levantar dúvidas entre fãs, o encerramento da Parte 2 não significa necessariamente o fim definitivo do mangá. Até o momento, não existe confirmação oficial sobre uma Parte 3, mas o histórico do autor indica que pausas entre fases fazem parte do planejamento da série.

A Parte 2 começou no capítulo 98 e estreou em julho de 2022 na plataforma digital Shonen Jump+, da editora Shueisha. O retorno aconteceu cerca de um ano e meio após o encerramento da primeira parte, originalmente publicada na revista Weekly Shonen Jump.

Diferente da fase inicial, a continuação expandiu o universo da obra, trazendo novos personagens, mudanças no tom da narrativa e uma abordagem mais psicológica — marca registrada das histórias de Fujimoto.

A trama acompanha Denji, um jovem endividado que sobrevive realizando trabalhos perigosos ao lado do demônio motosserra Pochita. Após uma traição brutal, ele renasce com poderes demoníacos e passa a atuar como o temido Chainsaw Man, enfrentando criaturas sobrenaturais enquanto tenta viver uma vida minimamente normal.

O contraste entre violência extrema, humor ácido e drama existencial transformou a obra em um dos mangás mais influentes da nova geração.

Chainsaw Man vai acabar?

Por enquanto, não. O encerramento anunciado refere-se apenas ao fim da segunda parte da história. Considerando o sucesso global da série e o padrão narrativo do autor, existe grande possibilidade de uma nova fase ser anunciada futuramente — embora nenhuma confirmação oficial tenha sido divulgada.

Até lá, os fãs aguardam o capítulo final que promete fechar esse ciclo deixando espaço para novos caminhos no universo caótico e imprevisível criado por Fujimoto.

“Meninas céticas compartilham guarda-chuvas” explora amor realista e autoconhecimento em romance ambientado na Coreia do Sul

2026-03-10T11:00:00.001-03:00

Nem todo romance segue o roteiro perfeito dos doramas — e é justamente essa ideia que move Meninas céticas compartilham guarda-chuvas, novo livro da autora best-seller Gisele Fortes. A obra New Adult mistura comédia romântica, amadurecimento emocional e choque cultural em uma narrativa ambientada na vibrante capital sul-coreana, Seul.

Publicada pela Editora Alta Novel, a história acompanha Manuela e Alice, duas melhores amigas brasileiras que enxergam o amor de maneiras completamente opostas. Entre cafeterias escondidas, ruas movimentadas e pontos turísticos icônicos como o Rio Han, a Biblioteca Starfield, o Palácio Gyeongbokgung e a Namsan Tower, o romance constrói um cenário digno de K-drama para explorar amizade, vulnerabilidade e autodescoberta.

Manuela é uma editora de livros de terror pragmática e desacreditada do amor, enquanto Alice vive guiada pelo romantismo típico dos doramas. O destino — ou o acaso bem coreografado — leva ambas para Seul: Manu participa de uma imersão profissional voltada a romances açucarados, gênero que despreza, enquanto Alice realiza a viagem dos sonhos. A mudança de país acaba se tornando também uma jornada interna, onde expectativas são confrontadas e sentimentos antigos vêm à tona.

Durante a experiência, Manuela se aproxima de Ji-hoon, editor sul-coreano que desafia sua visão racional da vida e a obriga a encarar o medo de se permitir sentir. Já Alice conhece o jornalista esportivo Seok-jin e descobre que o amor fora da ficção exige presença, escolhas e construção diária — bem menos roteiro perfeito e muito mais realidade emocional.

Narrado em primeira pessoa, com pontos de vista alternados, o livro aposta em um ritmo slow burn, aprofundando relações aos poucos. Cada capítulo traz referências diretas a doramas populares, como Beleza Verdadeira e Rainha das Lágrimas, além de elementos do universo K-pop, criando uma experiência de leitura que remete à estrutura episódica de séries coreanas.

Mais do que uma comédia romântica, Meninas céticas compartilham guarda-chuvas propõe reflexões sobre amizade feminina, coragem emocional e o processo de amadurecimento. A narrativa mostra que vulnerabilidade não é fraqueza — é o ponto de partida para escrever a própria história, mesmo quando a vida insiste em improvisar o roteiro.

Personagens favoritos retornam no trailer final de “Super Mario Galaxy: O Filme”; pré-venda começa em 10 de março

2026-03-10T10:11:00.005-03:00

A Universal Pictures divulgou o trailer final de “Super Mario Galaxy: O Filme” (The Super Mario Galaxy Movie), nova animação inspirada no universo da Nintendo que promete expandir o sucesso do longa anterior e apostar ainda mais na nostalgia dos fãs. A pré-venda de ingressos começa nesta terça-feira, 10 de março, em redes exibidoras de todo o Brasil.

A produção funciona como sequência direta de Super Mario Bros.: O Filme, que levou cerca de 6,6 milhões de brasileiros aos cinemas em 2023 e consolidou o encanador mais famoso dos videogames como fenômeno também nas telonas.

Confira o trailer:

Dirigido por Aaron Horvath e Michael Jelenic, o novo capítulo acompanha Mario, Luigi, Yoshi, Princesa Peach e Rosalina em uma jornada intergaláctica após os eventos no Reino dos Cogumelos. Desta vez, os heróis enfrentam uma ameaça cósmica capaz de colocar toda a galáxia em risco, em uma aventura que mistura humor, ação e novas paisagens espaciais.

A animação mantém a parceria entre a Illumination e a Nintendo, com roteiro de Matthew Fogel. O elenco original de vozes retorna, incluindo Chris Pratt como Mario, Anya Taylor-Joy como Princesa Peach, Charlie Day como Luigi, Jack Black como Bowser, Keegan-Michael Key como Toad e Kevin Michael Richardson como Kamek.

“Super Mario Galaxy: O Filme” estreia nos cinemas brasileiros em 1º de abril, com exibições também em versões acessíveis. Os ingressos poderão ser adquiridos antecipadamente a partir de 10 de março.

Confira alguns cartazes:

Open Air Brasil divulga data de abertura de vendas e programação completa da temporada no Rio de Janeiro

2026-03-02T10:22:00.001-03:00

Apresentado pelo Ministério da Cultura e pelo Nubank, o Open Air Brasil está de volta ao Rio de Janeiro - onde não acontece desde 2023 - e vai transformar o Jockey Club Brasileiro em um super festival de cinema ao ar livre, entre 25 de março e 11 de abril. O evento proporciona uma experiência audiovisual imersiva incomparável, com a maior tela de cinema a céu aberto do mundo (325m², do tamanho de uma quadra de tênis). Na programação, que também apresenta shows e atrações gastronômicas, estão títulos que agradam a diversos públicos: sucessos de bilheteria nacionais e internacionais, clássicos do audiovisual, animações e lançamentos. Alguns destaques são a pré-estreia de “Pequenas Criaturas”, de Anne Pinheiro Guimarães, protagonizado por Carolina Dieckmmann e Caco Ciocler; “Kill Bill: The Whole Bloody Affair”, versão estendida idealizada por Quentin Tarantino com os dois volumes da franquia; e sete longas indicados ao Oscar deste ano: “O Agente Secreto”, "Pecadores”, "Hamnet”, “Zootopia 2”, “Marty Supreme”, “Avatar: Fogo e Cinzas” e “Uma Batalha Após a Outra”. Os ingressos estarão à venda pela plataforma Sympla a partir de terça, dia 3, para clientes Nubank, e quinta, 5, para o público geral.

A abertura na quarta-feira, 25 de março, terá ingressos distribuídos de forma gratuita com retirada na plataforma Sympla; as informações de data e horário do resgate serão divulgadas nas redes sociais do Open Air em breve. A noite será marcada pela pré-estreia de “Pequenas Criaturas”, de Anne Pinheiro Guimarães, com a presença da diretora e dos protagonistas, Carolina Dieckmmann e Caco Ciocler. O drama foi o grande vencedor do Festival do Rio de 2025 e conta a história de uma mulher que se muda para Brasília em 1986 e é deixada na cidade pelo marido, com seus dois filhos pequenos. Logo antes da exibição, será apresentado o curta “O Pai da Rainha de Angola”, dirigido por Rodrigo França, que aborda questões como a paternidade solo e o resgate de ancestralidades afrodescendentes. Na quinta-feira, 26, o público poderá assistir na tela gigante ao grande sucesso do cinema nacional do ano: “O Agente Secreto”, de Kleber Mendonça Filho, que será exibido em uma noite que celebrará a cultura pernambucana embalada com o show da banda Academia da Berlinda, de Olinda.

A programação continua na sexta-feira, 27, com mais um enorme sucesso do ano: “Pecadores”, de Ryan Coogler, o filme com mais indicações ao Oscar na história, 16. O longa traz Michael B. Jordan interpretando irmãos gêmeos, que retornam à cidade natal e descobrem que terão que enfrentar um grande mal para conseguirem o recomeço que buscam. Antes e depois da sessão, o público poderá aproveitar o show de jazz de Ney Conceição Quinteto No sábado, dia 28, o Open Air terá duas sessões: a primeira com "O Diário de Pilar na Amazônia", aventura para toda a família; seguida do emocionante “Hamnet”, de Chloé Zhao, que acumula indicações a oito categorias do Oscar, entre elas Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Atriz. Os ingressos para cada uma das sessões serão vendidos de forma separada.

O fim de semana termina com risada garantida por uma clássica comédia dos anos 2000, “Superbad - É Hoje!”, que vai animar a noite de domingo, 29, com as hilárias confusões dos amigos Evan (Michael Cera) e Seth (Jonah Hill). A noite de domingo ainda vai contar com show do rapper 2ZDinizz com seu estilo autêntico e letras sobre o cotidiano carioca.

A segunda semana de evento começa na quarta, dia 1º de abril, com mais um clássico dos anos 2000, mas de uma maneira que o público brasileiro ainda não viu. Será exibido “Kill Bill: The Whole Bloody Affair”, criado por Quentin Tarantino como a montagem mais completa de sua saga de vingança. A obra reúne os dois volumes lançados em 2003 e 2004 em um único longa de cerca de 4h30, sem cortes e sem censura, com oito minutos inéditos e uma sequência em anime produzida pelo estúdio Production I.G, o mesmo de Ghost in the Shell. Excepcionalmente, essa sessão vai contar com um intervalo de 15 minutos.

Quinta-feira, dia 2, é a vez de “A Noiva!”, aguardado filme de Maggie Gyllenhaal que reimagina o clássico “A Noiva de Frankenstein” (1935) em uma Chicago pulsante dos anos 1930. Com um elenco de peso com nomes como Christian Bale, Jessie Buckley, Jake Gyllenhaal e Penélope Cruz, o thriller gótico combina terror clássico e romance sombrio. A noite segue com show da cantora CATTO, que encerra a sessão com muita música. A sexta-feira, 3, é feriado e mais um dia com duas sessões. Na primeira, será exibido “Zootopia 2”, indicado ao Oscar de Melhor Animação e enorme sucesso de bilheteria, com mais de US$1,4 bilhão arrecadado globalmente. Na segunda, mais um indicado à maior premiação do cinema será apresentado: “Marty Supreme”, dirigido por Josh Safdie, protagonizado por Timothée Chalamet e inspirado na história real do ex-mesa-tenista Marty Reisman. É necessário adquirir ingressos separados para cada uma das sessões.

No sábado, 4 de abril, o dia começa com mistérios e magia com “DPA 4 - O Fantástico Reino de Ondion”, quarto filme da franquia protagonizada pelo trio de detetives mais querido da criançada. Na segunda sessão do dia, será apresentado “O Morro dos Ventos Uivantes”, com uma nova versão do clássico romance impossível estrelado por Jacob Elordi e Margot Robbie e dirigido por Emerald Fennell. Domingo, dia 5, é mais um dia mágico no Open Air Brasil e os fãs de Elphaba e Glinda podem comemorar! “Wicked - Parte 2” será exibido na super tela com muita música e o emocionante desfecho da amizade entre as amadas bruxas de Oz.

A última semana do evento começa na quarta, dia 8, quando será exibido o clássico “Thelma & Louise”, road movie que marcou gerações ao celebrar a autonomia feminina. Na quinta, 9, o público será transportado para Pandora com “Avatar: Fogo e Cinzas” na telona. Indicado ao Oscar em duas categorias, o longa é o terceiro da franquia que teve início com o filme com a maior bilheteria da história do cinema. A sexta-feira, dia 10, será de muita ação e suspense com “Uma Batalha Após a Outra”, de Paul Thomas Anderson. Estrelado por Leonardo DiCaprio, o filme teve 13 indicações ao Oscar deste ano, em categorias como Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Ator.

O último dia de evento, sábado, 11, terá duas sessões. “Bob Esponja - Em Busca da Calça Quadrada” vai alegrar a criançada com aventuras submarinas e divertidíssimas do atrapalhado herói. Já na segunda sessão, o Open Air Brasil vai exibir o documentário “Maya and the Wave”, exibido no Brasil apenas no Festival do Rio em 2022. O filme traz a trajetória da surfista brasileira Maya Gabeira, recordista mundial ao surfar uma onda de 22,4 metros em 2020 e vencedora por cinco vezes consecutivas do prêmio de Melhor Performance Feminina no Billabong XXL Global Big Waves Award. A produção revisita o grave acidente sofrido por Maya em 2013, em Nazaré, quando precisou ser reanimada após quase perder a vida, e seu retorno ao mesmo pico para quebrar recordes históricos. Após a exibição, o público curte a Matinê do Quartinho, projeto musical do Quartinho Bar, que faz sucesso em Botafogo.

A programação completa está disponível em https://www.openairbrasil.com.br/. Os ingressos são adquiridos por sessão e dão direito à pipoca.

Open Air Brasil

De 25 de março a 11 de abril, no Jockey Club Brasileiro (Praça Santos Dumont, 31 - Gávea, Rio de Janeiro)
Ingressos à venda a partir do dia 3 de março para clientes Nubank e a partir de 5 de março para o público geral
Mais informações em: @openairbrasil

No Dia Internacional da Mulher, Canal Brasil estreia "Estopim", série que investiga as origens da violência de gênero

2026-02-27T09:14:00.004-03:00

O true crime, gênero cada vez mais presente no audiovisual, ganha uma nova abordagem em "Estopim", série documental que estreia no Canal Brasil no dia 8 de março, Dia Internacional da Mulher. Sem se limitar à investigação policial e à responsabilização individual dos casos, a produção volta o olhar para os contextos sociais, culturais e institucionais que ajudam a explicar por que a violência de gênero continua tão presente no país. Com direção de Ana Teixeira e produção da Escafandra Transmedia, a série conta com cinco episódios, que serão exibidos ao longo da semana de estreia, cada um dedicado a um “tipo” de crime: político, conjugal, sexual, de ódio e invisibilizado.

A partir de casos conhecidos do público, “Estopim” analisa a reação da sociedade, da mídia e do sistema de justiça, ao mesmo tempo em que investiga os fatores históricos e culturais que contribuem para que essas violências continuem. Ao buscar as circunstâncias que antecedem a “explosão”, a série transforma relatos de crimes em uma reflexão sobre memória, responsabilidade coletiva e transformação social. Realizada por uma equipe composta majoritariamente por mulheres, a produção reúne entrevistas com algumas das principais vozes do debate público sobre violência de gênero, como Maria da Penha, Anielle Franco, Mônica Benício, Valeska Zanello e Soraia Mendes, entre outras especialistas, ativistas e pesquisadoras.

Segundo a diretora Ana Teixeira, o projeto nasceu de um questionamento sobre o true crime, gênero que inspira o projeto. “E se buscassem os culpados para além dos que apertaram o gatilho? Se o feminicídio é o grau máximo de violência contra mulher, rebobinar a fita e questionar o caminho que leva até essas agressões poderia ajudar a evitar novas mortes”, afirma.

Com direção de arte e ilustração de Lívia Serri Francoio e Luma Flôres, a série aposta em animações e imagens metafóricas que atravessam os episódios. Os recursos ajudam a abordar os casos de forma a preservar as vítimas e evitando a exposição direta das situações retratadas. Dividida por tipos de violência, a série revisita histórias que mobilizaram o país e outras que receberam pouca atenção da mídia.

O primeiro episódio, “Crimes Políticos” (8/03), examina assassinatos com motivação política que tiveram mulheres como alvo. A partir dos casos de Marielle Franco, Patrícia Acioli e Dora Barcellos, o capítulo mostra que essas mortes não são casos isolados e aponta falhas das instituições, além da violência de gênero que está presente nessas histórias. “Crimes Conjugais” (9/03) analisa casos cometidos em relações afetivas, muitas vezes classificados como “passionais”. Ao revisitar os casos de Eloá Pimentel, Ângela Diniz e Sandra Gomide, a série questiona a cultura de posse sobre o corpo feminino e retoma o debate sobre a violência doméstica. O episódio traz o depoimento de Maria da Penha e reflete sobre os avanços da lei.

Já “Crimes Sexuais” (10/03) parte dos casos de Aída Curi e Mônica Granuzzo para mostrar como abusos, estupros e assassinatos costumam ser tratados de forma sensacionalista, muitas vezes tirando o foco da origem da violência sexual e reforçando a objetificação do corpo feminino. Em “Crimes de Ódio” (11/03), a série revisita as histórias de Gisberta Salce, Dandara, Luana Barbosa e Carol Campelo para tratar de assassinatos motivados por preconceito e intolerância. O episódio mostra como gênero, identidade de gênero, orientação sexual, raça e classe social marcam essas histórias.

Encerrando a temporada, “Crimes Invisibilizados” (12/03) aborda feminicídios que permanecem fora do debate público em razão da origem, classe ou etnia das vítimas. Ao destacar também a Marcha das Margaridas como símbolo de resistência coletiva, o episódio ressalta a força da mobilização social em um contexto em que esses crimes muitas vezes recebem pouca atenção. A marcha é uma mobilização nacional de trabalhadoras rurais que reivindica direitos sociais e o combate à violência contra mulheres do campo e da floresta. Realizada desde 2000, a cada quatro anos reúne manifestantes em Brasília.

Dados recentes do Ministério da Justiça indicam que, em 2025, o país registrou o maior número de feminicídios desde a tipificação do crime, com média de quatro mortes por dia. Em um cenário no qual 35 mulheres são agredidas por minuto e uma é morta a cada seis horas, “Estopim” retoma essas histórias a partir do ponto de vista das mulheres e das questões que continuam urgentes.

Estopim (2026)

Estreia: 08/03, às 21h (1 episódio por dia)
Exibição: de 08 a 12/03, às 21h
08/03 – Episódio 01 - Crimes Políticos, às 21h
09/03 – Episódio 02 - Crimes Conjugais, às 21h
10/03 – Episódio 03 - Crimes Sexuais, às 21h
11/03 – Episódio 04 - Crimes de Ódio, às 21h
12/03 – Episódio 05 - Crimes Invisibilizados, às 21h

Review: Heroes Battle Awakening – Um Clone Competente de Plants vs. Zombies?

2026-02-27T08:00:00.000-03:00

Quando você começa Heroes Battle Awakening, a sensação é familiar demais. O cavaleiro que atira projéteis substitui a clássica Peashooter. A máquina de cerco gera recursos como o Girassol. O minotauro faz o papel da Wall-nut com direito a contra-ataque.

Não é inspiração. É estrutura copiada quase na ordem cirúrgica.

A abertura lembra o que tornou Plants vs. Zombies lendário: introdução gradual de mecânicas, curva de aprendizado suave e design quase didático. A diferença é que aqui o ritmo muda rápido.

Comparação Direta: Heroes Battle Awakening vs Plants vs. Zombies

Curva de Dificuldade

PvZ é uma aula de design. Ele escala desafio com elegância matemática. Já Heroes Battle Awakening começa pressionando cedo demais — e depois fica fácil demais.

Nos primeiros níveis, você morre. Depois que entende a fórmula (máquinas de cerco primeiro, golens e magos depois), acabou. O jogo vira repetição estratégica.

PvZ limita plantas por fase. Heroes deixa tudo liberado. Resultado? Menos criatividade forçada, menos variação tática.

Variedade e Balanceamento

Em PvZ, quase tudo tem função clara. Não há planta inútil.

Em Heroes:

Algumas unidades são praticamente decorativas.
Outras são absurdamente fortes.
Magias são essenciais (especialmente bombas e cogumelos venenosos).

O balanceamento não é fino. É funcional.

Identidade Visual e Carisma

Aqui mora a maior diferença.

PvZ tem personalidade. Humor. Timing. Design memorável.

Heroes Battle Awakening é mais genérico. Mais infantil. Menos carismático. Funciona, mas não encanta.

Não é falta de competência — é falta de alma autoral.

O Que Heroes Battle Awakening Faz Bem

Ele diverge após os primeiros níveis. Introduz inimigos como o cavaleiro das trevas que ataca todas as rotas. Coloca foco maior em magias do que em “plantas”.

Existe tentativa de identidade própria. Só que ela demora a aparecer.

Vale a Pena?

Se você já conhece Plants vs. Zombies, vai reconhecer cada engrenagem. Se quer nostalgia com temática medieval, é um bom custo-benefício.

Se quer inovação real no gênero… talvez espere algo mais ousado como Plants vs. Zombies: Replanted.

Heroes Battle Awakening não revoluciona. Ele replica com competência.

E às vezes replicar bem já paga o ingresso.

28º Festival de Cinema Brasileiro de Paris exibe “Da Lata – 30 Anos” com presença de Fernanda Abreu

2026-02-25T15:00:00.002-03:00

O documentário “Da Lata – 30 Anos”, dirigido por Paulo Severo, integra a programação do 28º Festival de Cinema Brasileiro de Paris, que acontece de 7 a 14 de abril de 2026, no cinema L’Arlequin. A sessão contará com a presença de Fernanda Abreu, artista por trás de um dos discos mais inovadores da música brasileira dos anos 90. Lançado em 1995, “Da Lata” transformou a batucada urbana em linguagem pop contemporânea e marcou época ao fundir funk, samba, música eletrônica e um olhar crítico sobre o Brasil das grandes cidades, influenciando gerações e consolidando sucessos como “Garota Sangue Bom”, “Veneno da Lata” e “Brasil é o País do Suingue”. A exibição integra a Sessão Especial Embratur – Turismo, Música & Cinema, marcando três anos de parceria da Embratur com o festival, e contará também com a presença do diretor Paulo Severo e de Tuto Ferraz, que assina a trilha do filme.

O filme parte de um vasto acervo inédito registrado em vídeo durante a criação do álbum, acompanhando desde as gravações nos estúdios Nas Nuvens e Discover, no Rio de Janeiro, até a mixagem no Soul II Soul Studio, em Londres, além das filmagens de videoclipes, da icônica sessão de fotos com Walter Carvalho e de registros de shows no Canecão e no Festival de Montreux. Estreado no Festival do Rio, o documentário vai além dos bastidores ao reunir 33 depoimentos atuais, de colaboradores como Herbert Vianna ao poeta Chacal, radiografando o processo criativo e o modo de produção da música pop nacional dos anos 90. Ao revisitar também a estética visual de Fernanda Abreu — marcada por referências que vão do futurismo tecnológico a artistas como Bispo do Rosário —, “Da Lata – 30 Anos” se afirma como uma celebração musical e visual de um disco que transformou a música brasileira.

Dom Filó e L7nnon conectam gerações e trajetórias no novo episódio de "Espelho - 20 Anos Depois"

2026-02-25T09:43:00.003-03:00

Nesta sexta-feira, 27 de fevereiro, às 22h, o Canal Brasil exibe o quinto episódio do programa "Espelho - 20 Anos Depois", dirigido e apresentado por Lázaro Ramos. A edição reúne o engenheiro, jornalista, produtor, DJ, editor e documentarista Dom Filó e o rapper L7nnon em uma conversa potente sobre trajetórias, transformação social, fé, mercado musical e a força da cultura negra no Brasil.

No programa, L7nnon revisita sua infância em Realengo, na Zona Oeste do Rio, e relembra o contato precoce com a música. “Eu morava em Realengo e nas ruas tinham muitas caixas de música. A gente colocava dinheiro e escolhia uma faixa. Eu ouvia muito Racionais. Sabia cantar tudo, mas sem entender o peso das palavras. Mais à frente fui compreendendo”, conta. Antes de sonhar com os palcos, ele queria viver do skate — onde chegou a reunir cerca de 33 mil seguidores nas redes sociais e ter reconhecimento na comunidade. “No final dos rolês, a gente rimava no freestyle. Sempre me perguntavam por que eu não fazia música, mas eu queria me profissionalizar no skate.” O primeiro passo no rap veio com a faixa “Mais Um Capítulo”, gravada com a ajuda de amigos. “Eu só tinha três mil reais, um amigo fez o clipe e essa foi a música que mais me deu retorno financeiro na carreira. Quando lancei, o clipe passou de 100 mil visualizações. Ali eu senti que era um novo capítulo da minha vida.”

Ao longo da conversa, o artista fala sobre fé e propósito. Em um culto de Ação de Graças, pediu para ser um dos nomes mais influentes de sua geração, exaltando o nome de Deus e mudando vidas através da música. No ano seguinte, os convites começaram a surgir, parcerias foram acontecendo e, em 2019, gravou o primeiro álbum; em 2020, lançou o segundo. Sobre seu processo criativo, explica: “Eu escrevo tudo o que vou vivendo. Minha música é simples, fala de coisas cotidianas — do que eu queria, do que consegui e do que ainda quero viver. No começo, eu falava muito sobre vitória, sobre conquistar dinheiro para sobreviver. Depois, passei a falar também do que eu alcancei. As pessoas às vezes ficam presas ao meu eu do passado, mas naquela época eu queria aquelas coisas. Hoje eu quero falar das que eu conquistei.”

Dom Filó amplia o debate ao recordar os bastidores da construção da cena black no Brasil. “Na real, a gente só aparou o capim. Lá atrás alguém também fez esse trabalho, mas a gente não tinha acesso à informação para socializar. A música sempre foi a nossa grande arma e fomos pegos pela black music”, afirma. Ele relembra ainda seu primeiro contato com VHS e fotografia, sem imaginar que seus registros se tornariam documentos importantes da cena cultural negra. Ao abordar a repressão nos bailes, menciona a Lei da Vadiagem, que atingia jovens negros nas décadas passadas. “Eles não percebiam o potencial político daquela aglutinação, se preocupavam com a quantidade de negros reunidos. Nos bailes, tinha o momento do ‘papo reto’, quando colocávamos nossas questões, e muitas vezes éramos observados até sermos detidos. Eu já fui detido uma vez. Quando a gente é jovem, encara mesmo.”

O episódio também olha para o futuro. L7nnon afirma que quer “continuar construindo na vida musical e artística” e abrir espaço para talentos do teatro que caminham com ele. Dom Filó reforça o compromisso com a Casa Savana, localizada na Pequena África, no Centro do Rio de Janeiro, que define como “nossa embaixada”, e deixa uma mensagem sobre continuidade e ocupação de espaços: “Todos nós temos uma missão ao chegarmos aqui enquanto negros. Temos uma potência ancestral que precisa ter continuidade. A representatividade já era, agora queremos ocupar. A geração que vem agora é para ocupar. As ferramentas estão aí, o caminho é resistência, luta, positividade e vitória.”

Espelho – 20 Anos Depois

Horário: Sexta, dia 27/02, às 22h
Alternativos: 1/03, às 10h30; 3/03, às 14h30; e 4/03, às 19h
Episódio: L7nnon e Dom Filó - Temp.16 Ep 5
Direção: Lázaro Ramos

“Narciso”, coprodução brasileira dirigida por Marcelo Martinessi, estreia mundialmente no Festival de Berlim

2026-02-13T15:00:00.003-03:00

“Narciso”, coprodução brasileira dirigida pelo paraguaio Marcelo Martinessi e produzida pela cineasta Julia Murat, estreia dia 17 de fevereiro no 76º Festival de Berlim (12-22 de fevereiro) como parte da prestigiada Mostra Panorama, uma das principais vitrines do evento. O longa será exibido no Zoo Palast 1, um dos mais icônicos cinemas da capital. Adaptado do livro homônimo de Guido Rodríguez Alcalá, o longa é uma coprodução entre Brasil, Paraguai, Uruguai, Alemanha, Portugal, Espanha e França e fará sua estreia mundial no festival. No Brasil, tem lançamento comercial previsto para o segundo semestre com distribuição da Imovision.

Ambientado no Paraguai de 1958, a história acompanha Narciso, um jovem carismático que retorna de Buenos Aires com o rock ’n’ roll nas veias e, sob um regime militar sufocante, se transforma em uma sensação musical e símbolo de liberdade. Mas, após seu show final, ele é encontrado morto. No elenco estão Diro Romero, Manuel Cuenca, Mona Martinez e Nahuel Perez Biscayart, ator argentino que ficou conhecido por sua atuação em "120 Batimentos por Minuto" (2017).

Em 2018, o diretor Marcelo Martinessi foi um dos grandes destaques do Festival de Berlim com “As Herdeiras”, vencedor de cinco prêmios, incluindo o Urso de Prata de Melhor Atriz para Ana Brun e o Prêmio Fipresci (Federação Internacional de Críticos). O filme também foi o escolhido para representar o Paraguai no Oscar e, no Brasil, foi um dos grandes vencedores do Festival de Gramado com seis Kikitos.

Sessões “Narciso” no 76º Festival de Berlim:

17/02 - 18h30 - Zoo Palast 1
18/02 - 10h - Haus der Berliner Festspiele
19/02 - 21h30 - Cubix 7
21/02 - 22h - Cubix 6
22/02 - 21h30 - Cubix 9

Sinopse

Paraguai, 1958. Sob um regime militar sufocante, o carismático e misterioso Narciso retorna de Buenos Aires com o rock and roll correndo em suas veias. Ele se torna uma sensação no rádio e um símbolo de liberdade. Desejado por homens e mulheres, Narciso cativa e inquieta. Após seu último show, ele é encontrado sem vida. Em um país onde reina o silêncio e o medo sufoca a verdade – quem matou Narciso?

Open Air Brasil anuncia nova data e ganha mais uma semana no Jockey Club, no Rio de Janeiro

2026-02-13T11:00:00.002-03:00

O maior evento de cinema a céu aberto do mundo, que agora conta com patrocínio do Nubank, voltará no próximo mês ao Rio de Janeiro, onde não acontece desde 2023. A novidade, anunciada hoje pela D+3, é que o Open Air Brasil agora terá três semanas de duração e será entre os dias 25 de março e 11 de abril, no Jockey Club, na Gávea. A programação completa dos 14 dias de evento e a data de abertura de vendas serão anunciadas em breve. Após o Rio de Janeiro, a próxima parada é São Paulo, onde o Open Air chega no segundo semestre. Em 2025, a D+3 realizou uma edição em Brasília, de 3 a 15 de junho, pela primeira vez, levou o evento a Salvador, de 30 de setembro a 12 de outubro.

As duas primeiras edições com patrocínio do Nubank atingiram resultados inéditos, com o maior retorno de mídia espontânea de todas as suas 35 edições, ultrapassando R$ 80 milhões (soma BSB+SSA), e reunindo cerca de 40 mil pessoas (soma BSB+SSA). Sucesso de público, com mais de 980 mil pessoas ao longo de 20 anos, o Open Air já passou por oito capitais brasileiras, além de Lisboa e Madri, com sua tela gigante de 325m², do tamanho de uma quadra de tênis e da altura de um prédio de quatro andares — a maior tela de cinema a céu aberto do mundo.

Cinema Inflável

Além do Open Air Brasil, a D+3 é responsável pelo Cinema Inflável, projeto itinerante de cinema gratuito, que nasceu em 2013 e teve um crescimento de 300% em 2025. Com uma enorme tela inflável de 60m², o evento leva filmes de diversos gêneros a comunidades com acesso limitado ao cinema. Quando foi lançado, ocorriam 10 sessões do Cinema Inflável para cada Open Air. Após o incentivo do Nubank, foi possível realizar 40. O projeto oferece uma experiência completa e gratuita para toda a família, com distribuição de pipoca, oficinas, atividades infantis e estrutura para cerca de 800 pessoas por sessão. No primeiro semestre de 2026 o Cinema Inflável irá percorrer 12 localidades do estado do Rio de Janeiro. Para mais informações, acesse @cinemainflavel.

Serviço:

Open Air Brasil
De 25 de março a 11 de abril
Jockey Club Brasileiro - Praça Santos Dumont, 31 - Rio de Janeiro
1ª semana - 25 a 29 de março; 2ª semana - 1º a 5 de abril; 3ª semana - 8 a 11 de abril
Ingressos à venda em breve
Redes sociais: @openairbrasil

“Cansei de Ser Nerd” terá première no Boston SciFi Festival

2026-02-12T18:00:00.000-03:00

“Cansei de Ser Nerd”, primeiro longa-metragem dirigido pelo premiado diretor de arte Gualter Pupo (“Bufo & Spallanzani”, “Gêmeas”, “Chatô”), terá uma première internacional na 51ª edição do Boston Science Fiction Film Festival, o mais longevo e cultuado festival de cinema do gênero das Américas. O filme será exibido no dia 13 de fevereiro em uma sessão especial com a participação do diretor Gualter Pupo e do ator Fernando Caruso (“Vai Que Cola - O Filme”, “Não Vamos Pagar Nada”), que interpreta o protagonista, Aírton. Mais de 300 filmes foram inscritos para a edição de 2026 do Boston SciFi, 10 longas e sete grupos de curtas-metragens foram selecionados. O festival ocupa por cinco dias o Sommerville Theater e espaços ao redor da Davis Square com a curadoria de filmes, painéis e a tradicional “maratona”, que acontece no último dia do evento com uma programação especial de longas-metragens exibidos ininterruptamente por 24 horas.

Gualter Pupo traz referências das mais diversas ao filme, desde a estética vanguardista do cineasta chileno Alejandro Jodorowsky até a obra do diretor italiano Dario Argento, passando pelo surrealismo do filme “Quero Ser John Malkovich”, pelo humor “lunático” do britânico Rowan Atkinson, por Bruce Lee e Tarantino e pelo cinema nonsense do francês Quentin Dupieux, "Stranger Things" e pela premiada comédia Sci-Fi "Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo" , dirigida por Daniel Kwan e Daniel Scheinert. Sem esquecer os filmes "Scott Pilgrim contra o Mundo" e "Shan of the Dead", ambos de Edgar Wright.

“É uma comédia romântica de situação com terror vaudeville, lutas marciais e até um número musical. Quero fazer um filme original, divertido e cheio de metáforas. Uma homenagem ao cinema e ao mundo geek. É Scooby-Doo na veia", diverte-se Gualter Pupo, que assina o conceito do filme junto com Marcus Wagner, designer e criador do conceituado Baile do Sarongue. A direção de fotografia é de Gustavo Hadba, a direção de arte, de Fernanda Teixeira, o figurino, de Roberta Pupo, e a trilha, de Berna Ceppas. O diretor assistente Marcello Bosshard é responsável pela preparação do elenco e a caracterização é de Manu Monteiro. O elenco teve preparação para as cenas de luta com Flavio Almendra, presidente da Associação Brasileira de Muay Thai e de dança, com o coreógrafo Paulo Mazzoni.

“Cansei de Ser Nerd” tem argumento original de Renato Fagundes, que assina o roteiro junto com Taisa Damus, Luiz Noronha e Gualter Pupo. A produção é da Hungry Man e A Fábrica e a coprodução é da Paramount Pictures e do Telecine. A previsão de estreia nos cinemas brasileiros é 7 de maio de 2026, com distribuição da H2O Films.

Sinopse:

Nerd inveterado, Aírton foi o principal suspeito do sumiço e suposto assassinato de uma colega, nos tempos da faculdade. Hoje, 20 anos depois, ele decide reencontrar toda a turma na festa de reencontro da graduação para, enfim, provar sua inocência. Mais que isso, ele planeja revelar que os "populares", hoje integrantes de uma banda new wave de sucesso, são os verdadeiros culpados pela morte da estudante. E, pior, que eles a mataram em um ritual em busca de fama. Convicto disso, Aírton intima seu grande amigo e aliado, Ulisses, para ir com ele. O plano está armado: desmascarar uma seita bem louca, provar sua inocência e recuperar o amor de Juliana, sua grande paixão.

Com Nicolas Prattes, “Minha Vida com Shurastey” tem filmagens finalizadas em São Paulo

2026-02-12T13:00:00.000-03:00

As filmagens de “Minha Vida com Shurastey”, longa-metragem estrelado por Nicolas Prattes e dirigido por Diego Freitas (“Depois do Universo”, “O Segredo de Davi”, “Caramelo”), chegaram ao fim em São Paulo na última semana. A produção da Paris Entretenimento celebra a vida e a amizade de Jesse Koz e Shurastey, seu golden retriever, que embarcaram em uma longa viagem pelas Américas em um Fusca 1978. O filme teve cenas rodadas nos estados de São Paulo, Santa Catarina e Rio Grande do Sul e na Argentina e nos Estados Unidos. Com coprodução da Warner Bros. Discovery e distribuição da Paris Filmes, “Minha Vida com Shurastey” tem estreia nos cinemas prevista para 2026.

Morador de Balneário Camboriú, no litoral catarinense, Jesse Koz tinha 24 anos quando decidiu, em 2017, deixar para trás o emprego em um shopping center e desbravar as estradas ao lado de Shurastey, seu fiel companheiro. A dupla seguiu viagem com o objetivo de chegar a Ushuaia, na Argentina, em um projeto chamado "Shurastey or Shuraigow?", título inspirado na música "Should I Stay or Should I Go", da banda britânica The Clash.

A bordo do Fusca Dodongo, apelido do carro inspirado no jogo de videogame “The Legend of Zelda”, o jovem e seu golden retriever dão início à viagem dos sonhos por 17 países, que tinha como destino final o Alasca. Durante cinco anos, eles inspiraram milhões de jovens que acompanharam a jornada pelas redes sociais, mas, em maio de 2022, Jesse e seu cachorro sofreram um acidente fatal, deixando um legado de amor e admiração.

“Foi muito especial encerrar as filmagens de 'Minha Vida com Shurastey'. Foi um projeto desafiador, rodado em vários países com um Fusca e um cachorro, mas, acima de tudo, muito humano. Ao longo do caminho, fomos nos conectando com o Jesse e o Shurastey nas histórias, nas pessoas e nos encontros inesperados da estrada. Espero que a gente tenha conseguido traduzir um pouco da vida e da jornada deles. Depois de 12 semanas de filmagem, agora é hora de respirar, organizar o material e entrar na fase que eu mais gosto: a montagem”, conta o diretor Diego Freitas.

Tony Ramos reflete sobre carreira, finitude da vida e afeto no “Espelho – 20 Anos Depois”

2026-02-12T10:00:00.002-03:00

Tony Ramos é o convidado do terceiro episódio de “Espelho – 20 Anos Depois”, programa dirigido e apresentado por Lázaro Ramos. A edição inédita vai ao ar no dia 13 de fevereiro, às 22h, no Canal Brasil, e traz uma entrevista marcada por emoção e cumplicidade, com o ator totalmente à vontade ao revisitar momentos decisivos de sua trajetória. Ao longo da conversa, Tony e Lázaro se emocionam ao falar sobre afeto, empatia e os vínculos construídos ao longo da vida. O ator fica com a voz embargada ao abordar os impactos de uma cirurgia delicada e reflete sobre a consciência da finitude, tema que atravessa o episódio e reforça o tom sensível e profundo do encontro.

Seguindo a proposta do programa, Lázaro pergunta o que Tony estava fazendo há 20 anos. À época, o ator se destacava pela atuação na peça "Novas Diretrizes em Tempos de Paz" (2002), escrita por Bosco Brasil e, dois anos depois, começava na novela “A Cabocla” (2004) da TV Globo como o coronel Boanerges.

Tony também relembra o início da carreira na televisão, no programa "Novos em Foco", exibido pela TV Tupi, que funcionava como um noticiário dramatizado. “Eu tinha 15 anos e, sem me planejar, fui à Tupi perguntar como poderia me inscrever para atuar. Dali em diante, começaram a surgir convites”, conta. Pouco depois, veio a primeira novela na emissora (“A Outra”, em 1965), que marcou um período de 12 anos e meio de trabalho contínuo, seguido pelo contrato com a TV Globo. Em 2026, Tony completa 61 anos ininterruptos de atuação na TV.

Durante o episódio, o ator comenta ainda seu trabalho na novela "Dona de Mim" (2025) e fala sobre a felicidade de construir personagens complexos. “O prazer de atuar está em descobrir o que há por trás. [O Abel Boaz] era um poeta frustrado, que assume a empresa da família e abandona o sonho da literatura. Esse conflito me interessou muito. Foram 79 capítulos e é isso: essa é a minha profissão. Termino uma novela e já penso na próxima”, afirma, em tom bem-humorado.

Em um dos momentos mais comoventes da entrevista, Tony fala sobre a experiência de enfrentar duas cirurgias no crânio em um intervalo de 48 horas, em maio de 2024, e o contato direto com a ideia de finitude da vida. “Ali poderia ter sido o fim. Acordei e vi minha esposa [Lidiane Barbosa, com quem é casado desde os 21 anos], segurando minhas mãos. Nosso amor não é casual, é presença, é cuidado, é respeito. Pensei: que presente maior”, relata, emocionado. Segundo ele, a vivência reforçou valores que já o acompanhavam. “Saber confortar é empatia, é estar pronto para oferecer afeto. Isso me move: o afeto, a compreensão, inclusive com quem não me compreende. O afeto não se vende, ele precisa existir — e aparecer na hora certa.”

Espelho – 20 Anos Depois (12X25’) – Inédito

Horário: Sexta, dia 13/02, às 22h
Alternativos: Terça, às 14h30; quarta, às 19h; domingo, às 10h30
Episódio: Tony Ramos - Temp.16 Ep 3
Direção: Lázaro Ramos
Classificação: Livre

Durante o Carnaval, UCI exibe "O Agente Secreto" com ingressos a partir de R$ 11,50

2026-02-11T18:43:00.002-03:00

O filme brasileiro “O Agente Secreto”, dirigido por Kleber Mendonça Filho e estrelado por Wagner Moura, será o destaque da UCI durante o Carnaval. Entre os dias 12 e 18 de fevereiro, o longa fará parte da promoção Filme da Semana com ingressos a R$ 11,50 de segunda a quarta-feira e R$ 13 de quinta a domingo, valores referentes à meia-entrada. Os clientes participantes do programa de fidelidade da rede, o UCI Unique, pagam meia-entrada em qualquer dia e sessão.

A promoção é a alternativa perfeita para quem quer aproveitar o Carnaval com todo o conforto que a UCI oferece: ar-condicionado, poltronas aconchegantes, pipoca e som de cinema, mas sem deixar a folia de lado. O longa vencedor de dois Globos de Ouro é ambientado durante o Carnaval de Pernambuco.

(Cena do Filme “O Agente Secreto” durante o Carnaval do Recife)

Indicado a quatro categorias no Oscar 2026 - Melhor Filme, Melhor Filme Internacional, Melhor Ator (Wagner Moura) e Melhor Direção de Elenco - “O Agente Secreto”, conta a história de Marcelo, um especialista em tecnologia que retorna à sua cidade natal, Recife, durante o carnaval de 1977. Fugindo de um passado misterioso e tentando se reconectar com o filho, ele acaba envolvido em uma rede de segredos, vigilância e conspirações que se misturam ao clima de festa nas ruas.

Para mais informações sobre a compra, valores e programação, acesse o site oficial da rede. Os clientes do UCI Unique, o programa de relacionamento da rede, têm o benefício de pagar meia-entrada em qualquer dia e sessão. Para fazer parte do grupo, basta ter mais de 18 anos e adquirir o cartão na bilheteria de qualquer cinema UCI e fazer o cadastro no site. Os novos associados ganham um ingresso cortesia que pode ser utilizado de segunda a quinta-feira, inclusive feriados.

Crítica: O Morro dos Ventos Uivantes - a fanfic hot do livro de Emilly Brontë que não precisávamos

2026-02-09T21:49:00.005-03:00

Como sou uma pessoa cronicamente online, acompanhei toda a repercussão da campanha de divulgação do filme O Morro dos Ventos Uivantes, que estreia dia 12 de fevereiro nos cinemas, tanto nas redes sociais e outras mídias, como a matéria da revista Vogue - Austrália, por isso minhas expectativas em relação ao longa eram baixas. Ocorre que, além de superar minhas expectativas, o filme dobrou a aposta, sendo uma experiência pior do que eu imaginava.

Sinopse
Uma reimaginação ousada e original de uma das maiores histórias de amor de todos os tempos, escrita por Emily Brontë, "O Morro dos Ventos Uivantes", de Emerald Fennell, é estrelado por Margot Robbie, como Cathy, e Jacob Elordi, como Heathcliff - cuja paixão proibida a princípio romântica, torna-se inebriante, em um conto épico de luxúria, amor e loucura.

A partir deste ponto, o texto pode conter alguns spoilers.

Assistir ao filme O Morro dos Ventos Uivantes me transportou ao período em que explorava o Wattpad para ler. Quem é iniciado na plataforma sabe que ela é destinada a escritores e abriga muitas fanfics, narrativas criadas por fãs que imaginam seus personagens favoritos (ou figuras como artistas e celebridades) vivendo outras aventuras. Uma fanfic muito conhecida e rentável é a série de livros 50 Tons de Cinza, a versão hot da saga Crepúsculo, que pode ter servido de inspiração, segundo vozes da minha cabeça, para a criação do longa em questão.

Mas, precisávamos mesmo dessa fanfic?

Essa foi a sensação que tive ao assistir O Morro dos Ventos Uivantes, uma versão hot do romance escrito por Emily Brontë. Entretanto, essa versão tem um problema grave: esqueceram o romance e focaram apenas no hot. A narrativa do filme foi claramente construída para o público masculino, outro fator que distancia o filme do livro. Por que isso é tão problemático? Porque não conseguimos nos conectar com os personagens nem entender suas motivações.

Os personagens do filme O Morro dos Ventos Uivantes têm caráter execrável, o que é apresentado logo no início com a cena de enforcamento, é como se a narrativa já te preparasse para detestar essas pessoas. No decorrer da trama, o filme só vai escalando essa percepção ao mostrar o pai de Cathy, Mr. Earnshaw (Martin Clunes) um alcoólatra violento e viciado em jogos tocando o terror em casa; Heathcliff, por sua vez, é tratado como propriedade por todos, inclusive por Cathy.

O fato de Heathcliff, Jacob Elordi, comprar a propriedade dos Earnshaw e não fazer melhorias aca se perdendo, pois o filme não aprofunda esse ponto da história.

A narrativa também apresenta uma relação abusiva entre Heathcliff e Isabella Linton, Alison Oliver, que causa desconforto em muitos momentos. Mulheres não querem ver outras mulheres sendo tratadas como “uma coisa” na tela. Aliás, seres humanos jamais deveriam ter sido ou ser tratados como “coisa” nunca. Já as preferências sexuais das pessoas são outra história. O filme peca ao apresentar a história como um romance épico, quando isso não corresponde ao que vemos na tela.

O Morro dos Ventos Uivantes é sobre o que, mesmo?

Considerando que a reflexão original do livro foi ignorada com sucesso desde a escolha do ator Jacob Elordi para viver Heathcliff nesta nova versão, o que me fez sentir vergonha alheia daquele brinco de argola que ele usou, faltou uma tema central que amarrasse a história, pois só o tanquinho de Jacob não é o suficiente.

A escolha de ignorar a reflexão de Brontë esvaziou a narrativa, transformando o filme numa história que você encontraria em bancas de jornal, como a série Sabrina, o que leva ao questionamento: se o filme não tem mulheres como público-alvo, qual a real intenção de investir nesse livro específico? Porque, se a intenção era mostrar Margot Robbie e Jacob Elordi em cenas hot, há formas mais eficientes de fazer isso para atrair o público certo.

A sensação que ficou é que o filme O Morro dos Ventos Uivantes é um enorme catfish para mulheres desavisadas.

Cenários

Antes de finalizar esse texto, quero comentar sobre o quarto de Catherine Earnshaw, Margot Robbie, na mansão da família Linton. Que brisa foi essa? Quem teve a brilhante ideia de decorar o quarto com a textura da pele da Cathy? Dá arrepios só de pensar em ter que dormir num cômodo com a textura da própria pele estampada nas paredes. Se era para ser sensual, ficou só bizarro mesmo.

Seja dito de passagem, toda a mansão Linton parece um cenário de filme de terror. Começando pela enorme casa de bonecas de Isabella Linton, Alison Oliver, que fica no meio da sala, até uma sala de estar com chão vermelho sangue, onde uma chaminé decorada com mãos que se estendem até o teto chama a atenção. Fiquei esperando o Jigsaw aparecer a qualquer momento.

Na verdade, em termos de semiótica, todos os cenários da mansão Linton foram elaborados para causar inquietação, mas, para tentar explicar isso, eu precisaria iniciar uma monografia e não estamos aqui para isso.

Enfim, O Morro dos Ventos Uivantes, que estreia dia 12 de fevereiro nos cinemas, é péssimo por causa da campanha de marketing enganosa, pois, se o filme fosse vendido pelo que é: “uma narrativa hot para o público masculino livremente inspirada no livro de Emily Brontë”, a discussão poderia ser outra. Por isso, não merece nem uma estrela por tentar me fazer de otária.

Ficha Técnica

Título: O Morro dos Ventos Uivantes
Título original: Wuthering Heights
País: Reino Unido, EUA
Data de estreia: 12 de fevereiro de 2026
Gênero: Romance, Drama
Duração: 136 minutos
Classificação: 16 anos
Distribuidora: Warner Bros
Direção: Emerald Fennel
Elenco: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Alison Oliver, Shazad Latif, Martin Clunes, Ewan Mitchell e Owen Cooper.

Protagonizado por Christian Malheiros e Pietro Antonelli, “Preto no Branco” começa a ser filmado no Rio

2026-02-03T09:00:00.001-03:00

Começaram nesta semana, no Rio de Janeiro, as filmagens de “Preto no Branco”, longa-metragem dirigido por Caio César, que assina o roteiro ao lado de Taiani Mendes, Fernando Cabral e Roger Keesse. Protagonizado por Christian Malheiros (“Sintonia”, “Sócrates”) e Pietro Antonelli — em sua estreia nos cinemas — o filme aposta numa bem humorada troca de corpos para narrar o encontro entre dois jovens de origens sociais distintas. A produção é de Diogo Dahl e Maria Fernanda Miguel, da Coqueirão Pictures, em coprodução com a Buena Vista International, Pulo do Gato Preto e H2O Produções, e distribuição da H2O Films.

Na trama, Douglas (Christian Malheiros) é um jovem negro de Nilópolis, periferia do Rio de Janeiro, que luta para salvar o NiloShow, centro cultural fundado por sua família e ameaçado pela especulação imobiliária. Frederico (Pietro Antonelli) é um jovem branco de classe alta e herdeiro da empresa Esquema, comandada por seu pai, o autoritário e poderoso Inácio (Paulo Tiefenthaler). Seu sonho é se tornar um rapper de sucesso, mas o pai o força a trabalhar na empresa da família.

O caminho dos dois se cruza quando Douglas busca patrocínio da Esquema para manter o NiloShow. Após um incidente misterioso, os dois trocam de corpos e passam a viver a vida um do outro, o que muda completamente suas perspectivas sobre a desigualdade social que os separa. Ao assumir, inesperadamente, um lugar na empresa, Douglas passa a usar essa nova posição para tentar salvar o NiloShow com o apoio de Frederico, que agora entende a importância do centro cultural para a comunidade.

O elenco conta ainda com Paulo Tiefenthaler, Heslaine Vieira, Jonathan Azevedo, Mary Sheyla, Arthur Ferreira, Fernanda Schneider, Dig Verardi, entre outros.

A partir da fórmula da troca de corpos, “Preto no Branco” constrói situações de humor que colocam em choque duas realidades opostas. O contraste racial e social aparece no cotidiano dos personagens, em encontros, deslocamentos e relações atravessadas por diferenças de tratamento, expectativas e privilégios, que se revelam a cada nova situação, a partir de uma perspectiva contemporânea e bem brasileira.

Sinopse:

Douglas, jovem negro da periferia, luta para salvar o NiloShow, centro cultural da sua família que está sendo ameaçado pela especulação imobiliária. Seu destino cruza com Frederico, um jovem branco e de classe alta, que é o herdeiro da empresa que quer acabar com o NiloShow. Um incidente misterioso faz os dois trocarem de corpos e, vivendo na pele um do outro, eles descobrem novas perspectivas de vida. Agora, na linha de sucessão da empresa, Douglas vai fazer de tudo pra salvar o NiloShow.

“Espelho - 20 Anos Depois”, com Lázaro Ramos, estreia no Canal Brasil nesta sexta (30/01)

2026-01-27T13:00:00.002-03:00

Um dos maiores sucessos do Canal Brasil, o programa “Espelho”, dirigido e apresentado pelo ator e diretor Lázaro Ramos, volta com uma temporada especial a partir de 30 de janeiro, às 22h. O primeiro episódio conta com a participação das jornalistas Zileide Silva e Kenya Sade. “Espelho - 20 Anos Depois” terá 12 episódios de 25 minutos cada.

“O programa tem um legado de 20 anos ao abordar temas que não eram discutidos nem na TV aberta nem na fechada, além da responsabilidade de levar esses debates à sociedade e, em um momento tão sensível, uma contribuição importante por ampliar discussões de forma consistente, para além da bolha interessada”, afirma Lázaro.

Após duas décadas da primeira temporada, que estreou em 2006, este e mais onze episódios revisitam temas que marcaram a história do programa a partir de um novo olhar. Entre os convidados estão a deputada federal Erika Hilton, os atores Juan Paiva, Clara Moneke, Tony Ramos e Andrea Beltrão, Xamã, o grupo Os Garotin, a cantora Ebony, o escritor Itamar Vieira Junior, entre outros. A produção é da Lata Filmes.

No primeiro episódio, eles refletem sobre a mesma emoção de reencontrar representantes negros do jornalismo e da comunicação neste momento, sobre a percepção da profissão hoje e de como a educação foi prioritária em suas vidas, a realização dos amores pessoais, lazeres e muito mais. A entrevista se entrelaça com trechos de episódios anteriores que dialogam com as diversas pautas postas por Lázaro, como o de Glória Maria em 2013. Cada episódio também traz indicações de livros relacionados ao tema das entrevistas, apresentadas por Fernanda Felisberto — doutora em Literatura Afro-Americana e Negro-Brasileira e mestre em Estudos Africanos —, que relembra ainda sua parceria de 20 anos com Lázaro na promoção do protagonismo e da visibilidade de autores negros na literatura.

“Nós falamos de temas complexos e necessários, sem respostas fáceis", aponta Lázaro. "O ‘Espelho’ foi se atualizando nas temáticas e me ensinou a falar sobre a luta antirracista, a formação da nossa identidade e assuntos que muitas vezes são tabu. Isso acabou me transformando como comunicador, cidadão e homem negro. Durante muito tempo fui mais escutador; nesta temporada, o escutador e o provocador agora dividem espaço”, explica.

Para celebrar a estreia da nova temporada, o Canal Brasil preparou a Maratona Lázaro Ramos, um esquenta especial ao longo da sexta-feira (30/01) com filmes nacionais que dialogam com a trajetória artística de Lázaro e com as temáticas do “Espelho”. A programação começa às 14h15, com entrevista do ator e diretor no Cinejornal sobre seus trabalhos nos longas-metragens “Efeito Pipa” e “Velhos Bandidos", na série “Os Outros”, seu novo livro “Na Nossa Pele”, além da nova temporada de “Espelho”. A entrevista inédita vai ao ar hoje (26/01) com reapresentação no dia 30. A programação segue com “O Homem que Copiava”, de Jorge Furtado (14h30), “Ó Paí, Ó”, de Monique Gardenberg (16h40), “Saneamento Básico, O Filme”, também dirigido por Jorge Furtado (18h20), e “Madame Satã”, de Karim Aïnouz (20h15), chegando na estreia de “Espelho - 20 Anos Depois”, às 22h.

Espelho – 20 Anos Depois (12X25’) – Inédito

Horário: Sexta, dia 30/01, às 22h (1 episódio por semana)
Alternativos: Quarta, às 20h; terça, às 14h30; domingo, às 10h30
Direção: Lázaro Ramos
Classificação: Livre

UCI tem ingressos a partir de R$10 durante a Semana do Cinema, entre 5 e 11 de fevereiro

2026-01-27T10:00:00.004-03:00

Salve na agenda: entre 5 e 11 de fevereiro, a UCI participa da Semana do Cinema com ingressos a partir de R$10, inclusive nas salas especiais IMAX e XPLUS. Com valores reduzidos e uma programação que reúne estreias, sucessos recentes e clássicos, a rede integra a campanha idealizada pela Federação Nacional das Empresas Exibidoras Cinematográficas (FENEEC), com apoio da Associação Brasileira das Empresas Exibidoras Cinematográficas Operadoras de Multiplex (ABRAPLEX), da Ingresso.com e do Grupo Consciência. Em sua oitava edição, a ação já levou mais de 23 milhões de pessoas às salas de cinema em todo o país.

Durante o período, as sessões iniciadas até 16h59 terão ingressos a R$10. A partir das 17h, o valor será de R$12. Na UCI, os preços valem para salas tradicionais e também IMAX e XPLUS. Nas salas VIP UCI DE LUX da rede, o ingresso promocional será R$20 em qualquer horário. Para melhorar a experiência, o combo de pipoca média salgada e dois refrigerantes de 500 ml custará R$ 30. Já o combo queridinho da rede, com pipoca de chocolate e refrigerante de 700 ml, sai por R$50 e pode ser aproveitado tanto nas sessões DE LUX quanto nas demais da rede.

“O sucesso da Semana do Cinema demonstra a força do audiovisual em todo o Brasil. A cada edição, vemos milhares de pessoas engajadas, curtindo a sétima arte ao lado daqueles que amam. E isso só é possível graças à união das empresas exibidoras, que entendem o potencial que o nosso mercado tem de movimentar a economia e proporcionar entretenimento para a população. Vale lembrar que as salas de cinema geram mais de 27 mil empregos diretos”, afirma Lúcio Otoni, presidente da FENEEC.

A expectativa é superar o resultado da última edição, realizada em agosto de 2025, quando foram vendidos mais de 3,4 milhões de ingressos.

“O interesse do público pelo cinema brasileiro deixou de ser pontual e passou a ser consistente. A Semana do Cinema chega em um momento em que produções nacionais ocupam espaço de protagonismo, despertam conversas e levam pessoas às salas. Para nós, esta semana representa uma ocasião importante para oferecer ao público uma experiência de compra fácil, rápida e segura, reafirmando nosso compromisso com o mercado de cinema do Brasil”, destaca Mauro Gonzalez, diretor de Negócios da Ingresso.com.

Semana do Cinema

Data: 5 a 11 de fevereiro de 2026
Sessões até às 16h59: R$ 10
Sessões após às 17h: R$ 12
Salas DE LUX: R$ 20 (valor válido durante todo o dia)
Pipoca média salgada + 2 refrigerantes de 500 ml: R$ 30
Pipoca de chocolate + 1 refrigerante de 700 ml: R$ 50

Sob a energia do Cavalo de Fogo, Festival Seollal leva imersão na cultura coreana ao centro de São Paulo

2026-01-22T17:18:00.001-03:00

O bairro do Bom Retiro, principal polo da comunidade coreana em São Paulo, prepara uma grande celebração para dar as boas-vindas ao Ano do Cavalo de Fogo. O 4º Festival de Ano Novo Lunar – Seollal, realizado pela Feira do Bom Retiro, ocupa a Praça Coronel Fernando Prestes (Metrô Tiradentes) nos dias 31 de janeiro e 1o de fevereiro, das 10h às 20h.

O evento, que já atraiu mais de 50 mil pessoas em edições anteriores, ganha um simbolismo especial em 2026. Na astrologia oriental, o Cavalo de Fogo é um signo de rara ocorrência e grande magnetismo, associado a energia vibrante, mudanças rápidas e ação. Essa simbologia se reflete na programação do festival, que une tradições milenares da Coreia ao fenômeno contemporâneo da onda coreana.

Na Coreia do Sul, o Seollal é um momento profundamente ligado à família, ao respeito entre gerações e à preservação de costumes ancestrais. Durante o feriado, os coreanos retornam às cidades natais para se reunir com parentes, realizar rituais tradicionais e compartilhar refeições simbólicas.

Um dos principais ritos é o Sebae, reverência feita pelos mais jovens aos mais velhos como gesto de respeito e gratidão. Em troca, os mais velhos oferecem palavras de aconselhamento e o chamado “dinheiro da sorte”, desejando prosperidade para o novo ciclo. A tradição reforça valores como hierarquia, afeto familiar e continuidade cultural.

A culinária também ocupa papel central na celebração. O prato mais emblemático do Seollal é o Tteokguk, sopa preparada com fatias de massa de arroz, cujo consumo simboliza o início de um novo ano de vida. Acredita-se que comer o prato traz boa sorte e marca simbolicamente o amadurecimento para o novo ciclo.

Na área de expositores, mais de 40 marcas transformam a praça em um recorte do país asiático, reunindo gastronomia típica, cosméticos K-Beauty e produtos exclusivos ligados ao universo do K-Pop.

Imersão Cultural e Entretenimento

Para os fãs de K-Dramas e da cultura coreana, o evento oferece uma verdadeira experiência imersiva, com a oportunidade de vestir o Hanbok, traje tradicional da Coreia, além de participar de workshops do grupo de Caligrafia Tradicional Coreana e dobradura. O público também poderá acompanhar demonstrações de Taekwondo.

No sábado, dia 31, o palco recebe o Coral das Mães Coreanas, formado por senhoras da comunidade com cerca de 70 anos, que emocionam o público ao interpretar músicas tradicionais coreanas e cantigas clássicas brasileiras. A programação do dia inclui ainda a força rítmica do Tamashii Taiko, grupo de
percussão japonesa, a tradicional Dança do Dragão, símbolo de prosperidade e boa sorte para o novo ano, e apresentações de K-Pop com o grupo da escola de dança POZ-E, conectando tradição e cultura pop contemporânea.

Já no domingo, dia 1o, a diversidade cultural segue em destaque com o grupo Sugi Line Dance, formado por senhoras em torno dos 60 anos, que apresentam coreografias pensadas para o fortalecimento do corpo e das articulações. O público também poderá apreciar o trabalho da artista Lalla Yang, que une canto lírico coreano ao som delicado do Gayageum, instrumento tradicional de cordas da Coreia. Já o grupo Saxofone Hanullim leva ao palco clássicos da música internacional, especialmente, hits do K-Pop.

O público jovem tem destino certo no Random Play Dance, momento em que fãs de K-Pop ocupam o espaço para reproduzir coreografias virais, criando um ambiente espontâneo de interação, troca e celebração coletiva. Outro destaque é a parceria com o Centro Cultural Coreano no Brasil (CCCB), que promove a Competição de Canto de Canções Coreanas, com premiações em dinheiro, revelando novos talentos e reforçando o intercâmbio cultural entre Brasil e Coreia do Sul.

"O Seollal é mais que uma celebração de calendário; é uma ponte entre gerações e culturas. Este ano, queremos que o visitante sinta a essência do Bom Retiro e a hospitalidade do povo coreano em cada detalhe", afirma Milena Yoo, diretora da Feira do Bom Retiro.

Serviço

4º Festival de Ano Novo Lunar – Seollal
Data: 31 de janeiro e 1o de fevereiro
Horário: das 10h às 20h
Local: Praça Coronel Fernando Prestes (próximo ao Metrô Tiradentes)
Entrada: gratuita
Programação completa: @feiradobomretiro