Gracias a Las Canciones

Nicola di Vari: Gitano es mi corazón

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 29 Apr 2011 23:59:00 +0000

21 de septiembre de 2008
Fuente La República

Después de quince años, Nicola di Bari, el baladista italiano más famoso en el continente, se presentará en Lima el 18 de octubre para desempolvar viejas canciones de amor que todavía aceleran corazones.

Por: Ángel Páez.

Nadie que se llame Michele Scommegna podría haber triunfado como cantante romántico. Michele Scommegna lo sabía perfectamente. En realidad, a Scommegna, un hijo de campesinos, ni siquiera se le había cruzado por la cabeza que sería famoso como baladista, ni como Scommegna y mucho menos como Nicola di Bari.

Como relata en su autobiografía, Scommegna sostiene que lo que cambió el curso de su vida fue haberse compadecido de un vendedor de helados de Zapponeta, su pueblo, que no podía ofrecer a gritos sus productos porque su voz era diminuta. Michele descubrió que poseía una potente, cavernosa y atractiva voz cuando comenzó a ofrecer los helados a todo pulmón. Sonaba especial, distinto, profundo. Así es que decidió ensayar cantando para sus amigos. De allí comenzó a ganar concursos regionales y hasta firmó contrato con un sello discográfico, pero su meta era conseguir la corona que concedía el exigente y masivo festival canoro de San Remo, en una época en que disfrutaba de un prestigio mundial. En ese tránsito, agradecido por lo que consideraba una bendición divina, Michele Scommegna adoptó el nombre de uno de los santos más populares de Italia, San Nicola di Bari, el mismo que inspiró la leyenda de Papa Noel. Aunque, la verdad, el patrón de su pueblo, Zapponeta, donde nació el 29 de setiembre de 1940, era San Miguel. No la tuvo fácil el muchacho flaco y miope, de mirada triste y enormes gafas. Tres veces seguidas, en 1965, 1966 y 1967, Di Bari falló en su intento. Y perdió por cuarta ocasión en 1970, a pesar de la protesta del público. Reconocido, además de intérprete, como compositor, Nicola Di Bari persistió. En 1971 cantó en dueto con Nada Malanima "Mi corazón es un gitano" y venció al favorito, Peppino Di Capri. Peppino había concursado con "El último romántico", un tema que luego grabaría Di Bari y que, por ironías del destino, se convertiría en su santo y seña (y no sería la única canción, ya que Nicola también registró "Un gran amor y nada más", con el que Peppino triunfó en 1973). Recién en solitario, en 1972, Nicola di Bari obtuvo el primer puesto con "Los días del arcoiris". Pero el hijo de campesinos quería romper el récord de cuatro títulos de Doménico Modugno y en 1974 compitió de nuevo, pero lo derrotaron. "En aquella época, ganar una manifestación canora de aquella importancia era una sensación casi de éxtasis, cuando oías pronunciar tu nombre y te proclamaban ganador", escribe Di Bari: "Pensabas que habías llegado a la cumbre. Era de veras increíble. Pienso que todavía lo es".

No sabía que mientras porfiaba en San Remo, en el mundo hispanohablante sus canciones lo habían convertido en un indiscutible ídolo. En la época en que reinaban las dictaduras militares, en América Latina, en los años 70 y parte de los 80, Nicola di Bari disfrutaba de una popularidad que antes no había tenido otro cantante italiano. "Trotamundo", "Como violetas", "Lisa de los ojos azules", "Tú y yo", "Vagabundo", "La primera cosa bella" sonaban encantadoras, narcóticas, seductoras, entre secuestros y desapariciones. Nicola Di Bari se había ganado el título de El último romántico. Con mucho menos cabello, con una voz antediluviana y al borde de los 70 años, Michele Scommegna sigue activo y canta como si lo hiciera por primera vez aquellos temas que son parte del canon amoroso latinoamericano. El pasado todavía le dura.

El saxo lo pongo yo

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Apr 2011 15:42:00 +0000

La República

Dom, 24/08/2008

El maestro del jazz latino presenta en vivo su reciente y premiado disco

Por Ángel Páez

ÓYELO BIEN. Todo el mundo sabe en Cuba que Paquito D’Rivera es un anticastrista sin pelos en la lengua. Su rechazo al régimen no es solo de palabra. Cuando se enteró de que Santana tenía planeado presentarse en la entrega del Oscar del 2005 con una camiseta estampada con el clásico rostro del Che Guevara, Paquito lo convenció de que no lo hiciera. Desde que abandonó la isla en 1981, D’Rivera no ha dejado de fustigar ferozmente a Castro y sin embargo en la isla su nombre inspira respeto.

Aunque su obra no es parte del canon oficial, ningún músico puede obviarla, especialmente si se recuerda que el inventor del jazz latino, el legendario Mario Bauzá, dijo de él: "Es el único a quien conozco que toca verdadero jazz latino, mientras que todos los demás hacen jazz afrocubano". Es tan poderosa la presencia e influjo del saxofonista que una de las figuras de la crítica oficial, Leonardo Acosta, en su enciclopedia Cubano Be, Cubano Bop: Cien Años de Jazz en Cuba, no sólo le dedicó a Paquito D’Rivera más espacio que a otros sino que el maestro escribió el prólogo a la edición norteamericana del libro.

D’Rivera vino al mundo con un saxofón bajo el brazo. Antes de aprender béisbol o dominó, ya dominaba el instrumento de metal (en el álbum Portraits of Cuba, de 1996, aparece una fotografía del músico cuando era niño tocando un saxo sobre el escenario). Fue su papá, el saxofonista Tito Rivera –quien lo acunaba con las notas de Benny Goodman y Duke Ellington– el que lo presentó en el Tropicana en calidad de prodigio. Tenía solo seis años y vestía pantalones cortos. Desde ese momento el músico nacido el cuatro de junio de 1948 despertó la atención de todo el que aprecia el sonido afrocubano.

De la misma generación que otros grandes de la isla caribeña como Chucho Valdés, Arturo Sandoval y Emiliano Salvador, la obra D’Rivera ha impactado decisivamente en la evolución del jazz latino del último medio siglo con álbumes que son materia de inspiración y estudio. El inquieto músico que sólo pierde el humor cuando le mencionan a Fidel Castro, también ha incursionado en la literatura con un libro de recuerdos, Mi historia saxual, en el que no pierde la oportunidad de hacer leña al régimen. Pero en su presentación del próximo sábado seis de setiembre en Lima, Paquito sólo ofrecerá una muestra de la enorme dimensión de su música. No todos los días se repite un milagro parecido.

INFLUENCIA PERUANA

Casi un lustro después de abandonar Cuba, llegó a Lima por primera vez en 1985. Se presentó un año antes que lo hiciera Irakere, la orquesta con la que revolucionó la música cubana. Retornaría en 1995 con Giovanni Hidalgo,con un espectáculo que incluyó al maestro Óscar Avilés. Su bajista Óscar Stagnaro es el responsable de que Paquito incluya en su repertorio música e instrumentos peruanos. D’Rivera es un devoto de Chabuca Granda.

EL TANGO SEGÚN PAQUITO

Ha grabado con el chelista de origen chino Yo-Yo Ma, con el Cuarteto de Cuerdas de Buenos Aires, la Chamber Orchestra Werneck, la European Art Orchestra y la Absolut Ensemble. Ha registrado joropos, guapangos y habaneras, lo mismo que piezas de Mozart y Lecuona. Inspirado en su amado Astor Piazzolla, Funk Tango es su nuevo y enésimo premiado disco. Suenan el cajón y la quijada peruanos. Una delicia.

“Es maravilloso todo lo que está pasando aquí”

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 09 Apr 2011 16:25:00 +0000

La Republica

16 de enero de 2011

TANIA LIBERTAD. Es una de las intérpretes que más lejos ha llevado la música peruana, y lo ha hecho fusionando ritmos locales con sonoridades foráneas. Tania Libertad fue de las primeras que tomó ese riesgo y acertó antes que otros. Hoy es una artista consagrada que vuelve al país para confirmar su vigencia y mostrar la solvencia con la que transita por los géneros más insospechados. Desde Arequipa, donde se presentó esta semana, ella habla aquí de su carrera, del país y de sus recordados Benedetti, Saramago y Chabuca.

Por Cristhian Ticona. Arequipa

Después de haber explorado distintos géneros, has hecho música mexicana, negra, criolla, boleros, etc. ¿Hay algún género por el que tengas una obsesión particular para tus proyectos musicales futuros?

–Se han inventado tantos géneros que por supuesto voy a morir y no voy a explorarlos todos. Yo siempre me acerco a aquellos en los que mi sensibilidad se sienta más cómoda. Por supuesto, no cantaría heavy metal, aunque me gustan muchas cosas del rock. Tampoco haría rap ni haría una improvisación de jazz porque no tengo esa capacidad, pero de pronto fusionadas es probable. Es más, estoy experimentado con música electrónica.

–Tú has hecho de las fusiones uno de tus baluartes musicales, y algunos puristas te critican por ello.

–Me gusta y respeto mucho el folclor, las raíces, pero creo que no hay ningún problema con fusionarlos o darles un nuevo aire. Yo estoy en contra de las fusiones cuando están hechas con mal gusto. Acabo de cantar en Lima, en una playa, en Asia, y les ofrecí una versión de El plebeyo con un arreglo minimalista, y se volvieron locos porque ahí está la canción y el ritmo, pero no es la misma guitarra llorona. Sigue siendo un vals pero tiene un aire que si se lo cantas a un europeo o un norteamericano también le va a gustar.

–Te recordamos por interpretaciones geniales como Alfonsina y el mar o Concierto para una sola voz, pero también grabaste un disco de arias. ¿Acaso ha sido este tu disco más difícil?

–Sí, cómo no. Me costó muchos sentimientos. Lloré después de haber aceptado hacer el disco. No quería hacerlo, pero el ingeniero Carlos Slim me persiguió tanto tiempo que tuve que decirle ya. Pero luego tuve un ataque de arrepentimiento y lloré porque sentí que me había pasado de soberbia. Sabía que no iba a poder hacerlo.

–Sin embargo, resultó un álbum extraordinario.

–Claro, pero estuve llorando cuatro meses arrodillada, con un aparato de sonido oyendo a María Callas porque yo quería cantar como ella, y fue esa mi peor soberbia.

–Empezaste precozmente en la música. A los siete ya eras conocida y a los nueve grabaste tu primer disco. ¿Cómo descubriste que tenías una voz prodigiosa?

–En realidad empecé a los cinco. A los siete ya ganaba dinero cantando. A los diez viene el éxito de la Contamanina. Pos yo me descubrí solita. Vivía en Chiclayo, que era un pueblo muy chico. Tenía un grupo de amiguitos que nos inscribíamos en todos los concursos de radio, y mi mamá se viene a enterar de esto cuando ya estoy en la final de un concurso. Tenía mis zapatos muy rotitos y entonces le dije: fíjate que soy finalista, y mi mamá se hizo un préstamo, éramos muy pobres, y me compró unos zapatitos de charol.

–Te fuiste del país en 1980 y en México empezaste una carrera ascendente desde cero, cantando en las plazas, en las cárceles.

–Totalmente de cero. No llevé ni los discos que tenía aquí, ni la ropa, ni el currículum. Estoy muy orgullosa de no haberle quitado el lugar a nadie en México; yo me lo gané.

–¿Cómo has encontrado el Perú ahora? ¿Crees que está encaminado?

–Me parece maravilloso todo lo que está pasando aquí. Cuando me fui el Perú estaba muy mal, empezaba la violencia terrorista, pero todo estaba muy mal, no había respeto por nada. A mí no me gustaba lo que hacía aquí porque yo vivía como una doble vida. Tenía que cantar por las noches en unas peñas, y luego por las tardes me iba a escondidas a cantar a los maestros en huelga y les cocinábamos la sopa. Había mucha polaridad, la gente estaba muy dividida, era muy difícil vivir aquí.

–¿Trovadicción y Como una campana de cristal son tus trabajos más políticos?

–Yo cantaba cosas de la trova desde acá. En el Teatro Municipal hacía cosas de (Joan Manuel) Serrat, de Silvio Rodríguez, de Pablo Milanés, pero la importancia de Trovadicción es que me atrevo a salirme de la trova pura y a meterme con el rock y con otros ritmos. Los trovadores no se salían de la guitarra, y yo me atrevo a hacer cosas con batería y guitarra eléctrica.

–¿Define ese disco de algún modo tu militancia en la izquierda? ¿Qué crees que ha pasado con la izquierda peruana?

–No lo sé (risas). Estuve con Susana Villarán, me parece una mujer extraordinaria. Creo que la tolerancia le ha aportado mucho a la izquierda en general.

–¿No crees que le ha pasado lo mismo que a los trovadores, que le ha faltado reinventarse?

–Mira, primero quiero ver gobernar a Susana. Aquí realmente la izquierda nunca ha estado en el gobierno. Los últimos gobiernos han sido de derecha moderada, más de centro, y hay que reconocer que le ha servido al Perú. Creo que la gente ha madurado mucho. Espero que no vuelvan los populismos porque eso es lo que más daño le hace al país.

–Tus versiones de Ojalá o Gracias a la vida son de antología, pero hay una de Sin la luna de Alejandro Filio que es de culto.

–¿Tú conoces Sin la luna? Poca gente la conoce. Esa canción es hermosa. Esa canción está grabada con una sola guitarra, que es la de su autor. Yo estaba muy resfriada, había ido a Guadalajara a cantar y me desvelé. Pero, con todo, a la gente le ha gustado mucho esa canción.

–Tienes el mérito de haber musicalizado poemas de Juan Gonzalo Rose, Mario Benedetti y Pablo Neruda.

–Claro, he tomado mucha obra de los poetas. De (Manuel) Scorza grabé Serenata, de (César) Calvo ni se diga. Yo pertenecí al movimiento de música popular que se hizo en la época de (Juan) Velasco y era de los talleres de la canción popular.

–Fuiste muy amiga de Benedetti. ¿Cómo asimilaste su muerte?

–Imagínate. Fui su amiga desde el año 75. Cuando hice el disco para él (La vida ese paréntesis) fue en el año 98, y le gustó tanto que cada homenaje que le hacían en España me llevaba para que yo cantara.

–Un disco que prologó el Premio Nobel de Literatura José Saramago.

–Él también se volvió loco cuando me oyó cantar en España en un homenaje a Rafael Alberti. Como ese disco salía para Alfaguara, me aceptó escribir el prólogo antes de ser nombrado Nobel. Y cuando lo nombraron yo dije: ya se fregó la cosa, ya no me va a escribir nada. Pues no, en el trayecto de Lanzarote a Lisboa, me escribió el prólogo.

–¿Cuánta ha sido la influencia de Chabuca Granda en tu música?

–Enorme. Era una persona muy sabia. Estuve hace unos días con su hija en México porque le vamos a hacer un homenaje allá. Yo le contaba todas las cosas que había aprendido de su mamá y también la cantidad de veces que le desobedecí y me fue mal. Una vez tenía que ir a cantar a un festival a Puerto Rico y ella me dio una canción y dije: no, yo quiero cantar Las flores buenas de Javier (Heraud), y ella no se enteró. Cuando la canté así nomás por mis pistolas, saqué cero pues. Porque era Puerto Rico, Estados Unidos, y ella me había dicho: cómo vas a llevar una canción de un guerrillero a Puerto Rico. Y me vine con cero.

Lucho Macedo y su Fabulosa Sonora

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Mar 2011 01:23:00 +0000

50 AÑOS DE EXCELENCIA
Por: Enrique Vigil Taboada kikevigil@yahoo.com
Fuente Original: Mambo-Inn

Antecedentes

Las primeras manifestaciones orquestales en el Perú aparecen durante los turbulentos años 30 en medio de una coyuntura política nacional inestable. Las orquestas bailables de la época se encontraban fuertemente influenciadas por sus pares cubanas, en especial, por las orquestas “Casino de la Playa” y “Lecuona Cuban Boys” de Ernesto Lecuona. La admiración por la “Orquesta Riverside”, “Habana Cuban Boys” de Armando Oréfiche y “Afrocubanos” de Machito, motivaron a la aparición de nuevas agrupaciones en la década siguiente. Lo propio sucedió en otras latitudes como en la República Dominicana, Panamá, México, Venezuela, Colombia, Puerto Rico y el resto del Caribe. Eran los tiempos de las grandes bandas norteamericanas que aparecieron durante y después de la segunda guerra mundial.

El maestro Lucho Macedo.

En la década del 50, la música tropical, como se le conocía a la música del Caribe, constituyó todo un fenómeno socio-cultural en el Perú. Las orquestas de César Santa Cruz, Charles Rodríguez, “Los Locos del Mambo” de César Augusto Altamirano, Al La Roca, Richard Baris, Carlos Pickling, “La Swing Makers Band” dirigida por Carlos Noya, “La Récord”, Armando Boza, Roberto Mori, Rubén Menéndez, Eulogio Molina, Freddy Rolland, entre otras, deleitaban a la audiencia limeña, interpretando guarachas, merengues y boleros. Sin embargo, la que alcanzó los mayores logros y prestigio internacional, compartiendo honores con la legendaria Sonora Matancera fue la del maestro Luis Young Agüero, más conocido como Lucho Macedo.

Nacido en Lima el 18 de febrero de 1930, sus padres fueron don Luis Young, un excelente pianista, compositor y arreglista que formó su “Orquesta Young Macedo” en 1933, de quien hereda todo el sentimiento por la música y doña Juana Agüero, quien se ocupaba de los quehaceres del hogar. Lucho Macedo forma parte de aquella legión de músicos peruanos que lograron la excelencia profesional y el virtuosismo de gran maestro. Sus inicios los dedica a estudiar la batería y el violín, convirtiéndose a la edad de 10 años, en un niño prodigio de esos instrumentos.

Al culminar su etapa escolar, a pesar que la música era su gran pasión, decide estudiar arquitectura. Sin embargo, el interesante panorama musical de aquellos años 50, lo hace cambiar de opinión. Recibe diferentes propuestas para trabajar como pianista y arreglista, siendo esta experiencia fundamental para lo que a la postre sería la esencia de su gran éxito, su dominio excepcional en el piano.

La noche del Jazz Zone homenajeado por Enrique Vigil.

Integró la orquesta “Panchito y sus Melódicos” que animaba el Restaurante La Cabaña del empresario León de Monzante. Un saxofonista argentino que llegó con la orquesta de Pérez Prado y que se quedó en el país, Ángel Bagni, más conocido como Freddy Rolland, fue el director de esa orquesta. Sobre el cambio de nombre, el maestro Lucho Macedo me hizo el siguiente comentario: “Al empresario no le gustaba el nombre de Ángel Bagni y nos pidió que le ayudáramos a ponerle un nombre mejor. Yo, en un arranque de gracia, propuse, que se llame Freddy Ronald, nombre de mi hijo mayor, pero, me entendieron Freddy Rolland. Gustó el sobrenombre y fue así como se le conoció a mi gran amigo Ángel, ¡Qué en Paz Descanse!”.

La Primera Sonora Peruana

Luego de cinco años de trabajar para diferentes orquestas, viajó en junio de 1955 a Guayaquil-Ecuador, como parte de la orquesta dirigida por el cubano Rubén Menéndez. Una exitosa gira de mes y medio por el país hermano lo inspiró a formar su propia agrupación. “Me encontraba en capacidad de dirigir mi propia orquesta. Pensé que había llegado la hora de hacerla realidad. Pero, tenía una gran duda sobre conformar una Sonora tipo La Matancera o una Orquesta a lo Pérez Prado... reflexionando sobre los costos, la logística y el repertorio, decidí en una Sonora… además, la primera en el Perú”.

Y así fue. Reunió a un grupo de buenos músicos y después de tres meses de ensayo, participó en el programa Concentración de Estrellas de radio La Crónica. Un concurso de orquestas que fue conducido por el desaparecido maestro de ceremonias David Odría. El debut no pudo ser mejor. Fueron los ganadores indiscutibles de ese concurso obteniendo un contrato por tres meses para actuar en dicha emisora, a partir del 2 de noviembre de ese mismo año.

La primera Sonora Macedo. (Arriba): Humberto Salas (Primera Trompeta), Chiquito Macedo (Cantante), Miguel Querevalú (Segunda Trompeta), Victor Aquije -Joe Di Roma (Bajista), Lucho Macedo (Piano) - (Abajo): Hugo Macedo (Timbales), Fernando Navarro (Congas).

El sonido tan parecido con la Sonora Matancera fue impresionante. Su afinque tuvo una tremenda acogida en los radio oyentes. Tanta fue la aceptación del público que hasta las emisoras de la competencia los querían contratar. A fines de noviembre fue solicitado por el director artístico de radio San Cristóbal, Pedro Tello Cadenas, para acompañar a la ya entonces famosa Celia Cruz, quien llegaba por primera vez al Perú. Celia le comentó: “Mire maestrito, estoy tan feliz porque no tenía la menor idea de que aquí en Perú se tocara tan bien la música cubana. Parece que estuviera con La Matancera. No tiene nada que envidiarle. Me ha dejado impresionada. Lo felicito”. El espectáculo con Celia Cruz fue sólo el inicio de lo que posteriormente vendría, grabar en el prestigioso sello disquero MAG del ingeniero Manuel A. Guerrero y la definitiva consolidación como la mejor agrupación de música tropical en nuestro medio.

Con los años, ese éxito traspasó fronteras, pues sus grabaciones fueron editándose en el extranjero. Sellos disqueros como: Peerless de México, Sonus de Venezuela, Discos Victoria de Colombia, registraron verdaderos ‘records’ de ventas. Sus versiones de: “La Boa”, “No, no, no”, “Margot”, “Dame bururú”, “No vuelvo”, “El mujeriego”, “Compay Lobo”, “La Bambaita”, “Yo no bailo con Juana”, “El manotón”, “Cara sucia”, “Baila mi rumba”, “El último bembé”, “Ave María Lola”, “Pachangueando”, “Moliendo café”, “Botaron la pelota”, “Mambo borracho”, “Bésame mucho”, “No hay amigos”, “Burbujas”, “Delirio”, “El sonsonete”, “Mi velerito”, “Descarga Sonora”, “La Pachanga”, “Estamos chao”, “La pitita”, “La pollera colorá”, “Sabor a mi”, entre otras, fueron magistralmente arregladas por el maestro Lucho Macedo.

El importante sello MAG ha editado el CD “50 Aniversario de la
Sonora” con los mejores éxitos en la carrera musical de Lucho Macedo.

Debo detenerme en este punto para analizar el éxito que llevó al maestro Macedo a liderar una de las bandas más interesantes e importantes del mundo de la música latina. Si bien en sus inicios imitó el sonido de la Sonora Matancera, también es cierto, que en pocos años logró diferenciarse de la agrupación cubana por el uso de unos arreglos más sofisticados y la presencia de algunos solos instrumentales con ciertos giros jazzísticos. Su piano marcó la diferencia. Recorría el son o la guaracha con la misma facilidad que el jazz o la música clásica. Sus solos de piano fueron tremendamente efectivos, siempre atacando el montuno e incitando al bailador a despojarse de sus mejores recursos. “Bésame mucho” de Consuelo Velásquez es un ejemplo de su inigualable virtuosismo. El mismo que conoceríamos años después con el salsoso estilo de Richie Ray.

La Internacionalización

En febrero de 1962 viaja por primera vez a los Carnavales de Caracas-Venezuela. Su Sonora fue recibida en el aeropuerto de Maiquetía, como un caso único en la historia, por toda una multitud que coreaba sus temas y que poseía una banderola que decía: “Bienvenidos Sonora Lucho Macedo”. En mi reciente viaje a Venezuela pude conversar con quien es una autoridad musical en Caracas, el señor Enrique Bolívar Navas, quien me contó sobre el impresionante recibimiento que en aquel entonces tuvo Lucho Macedo y sus músicos. “La orquesta de Víctor Piñero, en la pista de aterrizaje, los recibió interpretando el vals peruano “Estrellita del Sur” y luego “Alma Llanera”, en medio de los fanáticos que se encontraban en el lugar”. La llegada de Lucho Macedo fue todo un acontecimiento en Venezuela y así lo destacó el diario El Nacional, que dedicó una edición especial titulada Los Incas del Ritmo en Caracas con fotos y comentarios alusivos a la trayectoria de la agrupación peruana.

Con Pedro Night y Celia Cruz. Don Pedro, primer trompeta de la
Sonora Matancera, sostiene: Las Sonoras, Matancera y Macedo,
eran como dos gotas de agua.

A partir de esa fecha los contratos al exterior fueron presentándose cada vez con mayor frecuencia. Viajó a los Carnavales de La Paz-Bolivia y a las Ferias de Cali-Colombia, en reiteradas oportunidades, siempre con el éxito consiguiente.

En 1971, ingresa al restaurante turístico El Tumi donde permaneció por tres años. Durante todo ese tiempo, acompañó a las máximas figuras del género que visitaron Lima como: Xiomara Alfaro, Roberto Ledesma, Miguelito Valdez ‘Mr. Babalú’, Nelson Pinedo, Carlos Argentino, Leo Marini, Celio González, Celia Cruz, Olga Guillot, Rolando La Serie y el gran Tito Rodríguez, con quien grabó el sensacional LP 25 Aniversario. Esa producción con el tiempo se ha convertido en fiel testimonio de la excepcional dirección orquestal del maestro Macedo.

En 1975, viaja a Nueva York para presentarse junto con otros grupos de fama mundial en el Madison Square Garden. En esa ocasión alternó con las Estrellas Alegre, Johnny Pacheco, Ricardo Ray y Daniel Santos, entre otros. Este último tuvo un gesto muy especial con el maestro Macedo, a quien presentó diciendo: “Por su tamaño podría ser mi hijo, pero por su talento podría ser mi padre”. En aquella ocasión la Sonora estuvo integrada por Carlos Hayre (Bajo), Coco Lagos (Congas), Richard Macedo (Timbal), Emilio Chulli (Trompeta), Tomás Rebata (Trompeta), Tito Chicoma (Trompeta), Mocho Bustamante (Guiro y Clave) y sus cantantes, Manolo Castro y Rosita Negreiros.

Dos discos de oro que evidencian la calidad y el reconocimiento
al gran maestro peruano.

A su retorno de Nueva York, influenciado por la onda salsera que desbordaba la ‘Gran Manzana’, decide producir un disco en homenaje a Richie Ray, se tituló Sonido Bestial. El disco tiene un detalle especial, no fue grabado para el sello MAG, a pesar de su contrato vigente con esa discográfica, sino para el sello FTA y, a fin de no tener problemas contractuales, el disco fue presentado como la Orquesta Salsa Latina dirigida por Luis Young Agüero. Lamentablemente, esa característica de cambio de nombre no ayudó a la promoción del disco quedando totalmente en el abandono radial. Soy de los pocos que deben tener esa producción y puedo confirmar categóricamente, que es de los mejores discos producidos en aquellos gloriosos años 70, cuando la salsa estaba en plena expansión.

Años después, en 1987, regresó a Nueva York con su cantante Manolo Castro para integrar una agrupación de estrellas dirigida por el maestro Johnny Pacheco, quien era gran admirador de su Sonora. Pacheco tuvo palabras muy elocuentes con respecto a la calidad del maestro peruano, como músico profesional y director de primera línea. Alternó en esa oportunidad con la orquesta de Joe Quijano, quien tenía de pianista al gran Charlie Palmieri, con Canelita Medina de Venezuela y de “Cali Charanga” de Colombia. Esa presentación fue un momento importante para la carrera del gran pianista quien, hasta ese momento, llevaba más de 30 años como director de orquesta.

Reconocimientos

Sin lugar a dudas, el maestro Lucho Macedo es el músico peruano de mayor trayectoria y reconocimiento internacional. Sus discos a pesar del tiempo de grabados siguen vigentes en el mercado latino de los Estados Unidos. Este hecho le permitió recibir en 1996 el importantísimo trofeo mexicano “Al Prestigio Comercial y Mejor Imagen”. Del año 1997 al año 2001, fue galardonado con el “Sol de Oro a la Excelencia” y finalmente, en el año 2002, le otorgaron el trofeo “Galardón Mundial a la Calidad Siglo XXI”.

Con Las Leyendas del Ritmo en el Jazz Zone.

Hoy dedicado también a la enseñanza musical, el maestro Lucho Macedo, integra una de las agrupaciones que, a decir de muchos, ostentan el grado de “Leyendas del Ritmo”. Agrupación dirigida por el timbalero Oscar Nieves Cornejo y que rescata aquellos ritmos que hoy difícilmente pueden escucharse. Hace algunas semanas fue el especial Descargas: Hoy Como Ayer y posteriormente, Tributo a las Charangas. Esta última integrada por los maestros Antonio Correa (Congas), Fernando La Torre (Bajo), César Vivanco (Flauta), Héctor Cortez (Violín), Ruy Maldonado (Violín), Carlos Uribe (Voz), Coco Auyón (Voz), Orestes Avendaño (Voz), en la dirección Oscar Nieves (Timbal) y Lucho Macedo (Piano).

Ver al maestro Lucho Macedo tocar el piano es todo un espectáculo. Derrocha vida y alegría, sabor y sandunga, calidad y excelencia. Desde nuestra página Mambo-inn.com le extendemos nuestro afectuoso saludo y felicitación por sus exitosos 50 años brindando alegría y satisfacción a sus innumerables fanáticos que, ayer como hoy, siguen deleitándose con su ‘Fabulosa Sonora Macedo’..

www.mambo-inn.com

FANIA ALL STARS

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Mar 2011 00:58:00 +0000

Fuente original: Mambo-inn

La leyenda está viva

Eloy Jáuregui Coronado (*)

El siguiente texto es un fragmento de mi libro “Pa’ bravo yo. La historia de la Salsa en el Perú”, que aparecerá en julio. Es un escrito condensado de ese gran capítulo que se llama Fania All Stars, la más grande organización musical de nuestro continente. Se publica gracias a la admiración que siento por la tarea difusora de Enrique Vigil Taboada, líder del consorcio “Mambo-inn” en todas sus expresiones y a propósito de la llegada de la Fania al Perú.

Para Luis Rospigliosi Carranza

En aquel tiempo, numerosas culturas que poblaban el mundo, aceptaban que el sétimo día fue aquel en que Dios creó la música. Es decir, diseñada la tierra a la perfección, el Creador supo que a su maravilla terrenal le faltaba un sonido que armonice y reanime el alma humana. Así, la música no fue más que aquella manifestación sensual que comunicaba a los seres y los emocionaba en extremo. No obstante, se reconoce que no es hasta el día siguiente que propuso Dios: hágase la alegría. Y ésta no hizo otra cosa que obligar al júbilo del cuerpo, es decir, a ponerlos a danzar a todos contra todos. Ese y no otro fue el momento en que se inventó el germen de las melodías y los ritmos en medio de un diluvio de la más perfecta sabrosura.

Louis García, Adalberto Santiago, Ismael Quintana, Ismael Miranda

y Cheo Feliciano.

Existe el mestizaje como existe la fusión musical. Lo de Cuba tiene la misma intensidad en islas como Puerto Rico y República Dominicana. De ahí que la mayoría de términos en el plano de los aires bailables son semejantes aunque guardan características propias. Es pues el tráfico de esclavos y de bienes en el Caribe, aquel fenómeno que permite también que circulen las músicas criollas que se van formando en distintos países. Cuba exporta algunos de los ritmos de origen africanos y éstos se van enriqueciendo paradójicamente en ambientes marginales y mulatos de las costas Caribes. De esta manera, la música criolla en Puerto Rico es esencialmente ecléctica y abigarrada. Por eso, también, es única. Se dice que en Puerto Rico «hasta las piedras cantan» y no les falta razón. Géneros como la Bomba, la Plena y el Aguinaldo enriquecen la tradición borinqueña y permite el surgimiento de grandes compositores. Rafael Hernández y Pedro Flores, son el mejor ejemplo en la primera mitad del siglo XX y Tite Curet Alonso y Johnny Ortiz son sus pares de final de ese siglo que permitieron por osmosis la aparición de cantantes como Daniel Santos, Tito Rodríguez, Héctor Lavoe y Cheo Feliciano. De ellos, los peruanos descubrimos su sabrosura y admiramos su cadencia callejera, casi desde su origen.

La Salsa tuvo un brillante pasado en nuestras costas. Desde los cincuenta, Lima bailaba con la Swing Makers Band, la banda de los hermanos Mori, la Orquesta de Las Américas de Carlos Pickling, la Orquesta Récord, la Orquesta La Rosa Hermanos, la Orquesta de Laureano Martínez, las bandas de Lucho Macedo y la de su hermano Hugo y Los Mulatos del Caribe, organizaciones que competían sin cuartel con las de los argentinos Freddy Roland (que vino al Perú con Pérez Prado), Domingo Rullo y Enrique Lynch. El sello Sono Radio que dirigía don Mario Cavagnaro (autor del bolero “Emborráchame de Amor” que cantó Héctor Lavoe) que a su vez tenía a su Sonora Sensación, contrató a la orquesta La Perfecta del panameño Armando Boza y luego al cubano Charles Rodríguez. Otros sellos como El Virrey auspició a la Sonora de Ñico Estrada, discos MAG puso de moda a la Sonora Capri y a la Sonora Callao, todas éstas, por supuesto, con el formato cubano que imponía la Sonora Matancera.

Pero existieron otras orquestas, combos que les decían, que tocaban como las bandas puertorriqueñas y/o cubanas. Ese era el caso de Papo Meléndez, el de Papo y su Combo Sabroso, ducho en el Boogaloo y la Plena. Mario Allison era otro extraño del ritmo. Pero sin duda, el conjunto Camaguey de don Reynaldo Menacho, con una mixtura de Son y Bomba, descubrió las venas abiertas del gozo peruano y hoy sigue en actividad con la conducción de su hijo Adolfo. Luego en los setenta, habría que añadir a la puja a las pequeñas bandas de Pedro Miguel y sus Maracaibos y al grupo Cumpay Quinto, amén de la banda de Félix Martínez «El Chévere». Es decir, al nombrar las orquestas más importantes --las de las ligas mayores--, quiero decir que había otras más, que tenían su circuito cerrado –Los Hermanos Silva, por ejemplo— y otros conjuntos que tocaban en cuanto matrimonio o actividad social lo requería. Para los limeños, las fiestas sólo valían la pena si había orquesta de por medio y las radiolas o el karaoke bien podían esperar su turno. Así, había una cultura de fiesta y una institución: la orquesta.

Johnny Pacheco, el director por excelencia.

En los setentas, cuando aparecieron en los EE. UU. los primeros discos de los sellos Alegre, Tico y luego, de Fania, obligó a que hasta en la radio haya espacios dedicados exclusivamente a la llamada «salsa dura». El primero, sin duda, aquel que dirigía el promotor Alberto Maraví, luego El hit Parade Latino de Jorge Eduardo Bancayán en Radio Libertad y quien sería maestro de ceremonia del primer “salsódromo” limeño: “Los Munidalistas”. Radio Libertad fue la emisora que año antes había impuesto a una orquestica cubana que había revolucionado el movimiento de las caderas nacionales y, que tuvo como conductores a Fernando Rubio, a Víctor Montero –autor de un notable libro Ahí llega la Sonora y a Javier Chávez, el espacio se llamaba: Ritmo y Sabor con la Sonora Matancera.

LA DÉCADA DE LA GLOBALIZACIÓN RÍTMICA

La década del 70 había empezado con un universo oliendo a marihuana, con la revolución de los hippies y esa música estridente que salían de las guitarras de Jimmy Hendrix o del chicano Carlos Santana. La Salsa, a su manera, se había consolidado como expresión musical del Caribe mulato, las playas de Borinquen, El Barrio neoyorquino, y alcanzaba su primera etapa de madurez.

El estudioso César Miguel Rondón describe así ese momento: «La Salsa es una forma abierta capaz de representar la totalidad de tendencias que se reúnen en la circunstancia del Caribe urbano de hoy y ‘el barrio’ sigue siendo la única marca definitiva». Así, la onda expansiva que impuso la corporación Fania y su orquesta Fania All StarS amén de otros fenómenos masivos musicales hizo que la Salsa se convirtiera en un fenómeno mundial. Desde aquella reunión «en vivo» del Red Garter en 1968 y más tarde, la épica noche del Cheetah de 1971, la Fania impuso ese vital estilo establecido a fines del 50 por Cachao en sus grabaciones para la Panart en Cuba y de las reuniones de la Alegre All Stars y la Tico a mediados del 60 en Nueva York.

Hay que destacar que en medio de la producción de los años 70 y 80, aparecieron en Nueva York algunos grupos interesantes, como la Típica 73 y la Típica Ideal o el Grupo Folclórico y Experimental Neoyorquino, de Andy y Jerry González, que procuraba rescatar la salsa clásica en medio de la selva comercial que se había apoderado del género. De allí salió el Conjunto Libre, con el recordado timbalero Manny Oquendo, que grabó varios discos en los que podía respirarse el viejo sabor que deja el aroma de las caderas en fragua.

No es raro entonces encontrar películas como las del prestigiado realizador español Fernando Trueba quien le hace un homenaje en su film documental Calle 54 a la esencia de la Salsa. Cierto, él propone una suerte de yuxtaposición con el jazz y el flamenco, pero sólo son variantes para rendirle homenaje a un género que ha hecho bailar y lo seguirá haciendo a cualquiera que sepa disfrutar de los hervores del ritmo así haya nacido en Japón o en Copenhague.

Fania All Stars: Live at The Red Garter Vol. 1 (1967)

Recordar aquella performance de Fania de 1993 en una gira de tres conciertos —San Juan, Nueva York y Miami— que reunió a figuras como Eddie Palmieri, quien había prometido no tocar nunca con la Fania, y a Roberto Roena, que reaparecía después de años de alejamiento, es afirmar que aquel ritmo es inmortal. «El primer día de ensayo —declaró Larrry Harlow a la revista El Manisero— todos llevábamos gafas oscuras para esconder las arrugas. Algunos teníamos un poco menos de cabello, algunos estaban más regordetes. Pero el sonido era exacto al de veinte años atrás. Salsa brava, montuno con tradición. ¿Por qué cambiar el sonido cuando ese es el buen sonido?»

Las Estrellas de Fania eran dirigidas por la maestría de un músico con pasta de severo gerente musical –no había otra forma—, Johnny Pacheco. Brillaban junto a él, el finado Ray Barretto en las congas, Larry Harlow al piano, Willie Colón en el trombón, Bobby Valentín en el bajo, Roberto Roena en el bongó. La Fania tenía su base principalmente en los líderes de las bandas más importantes de la compañía y sus cantantes: Pete ‘El Conde’ Rodríguez, Adalberto Santiago, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Santos Colón y Cheo Feliciano, todos portorriqueños.

Y muchos se preguntan por qué la Fania gustaba a propios y a extraños. Sería pertinente desmontar un secreto. Pacheco confiaba en los dúos. Así, Adalberto Santiago y Pete «El Conde» Rodríguez, eran cantantes muy identificados con la tradición sonera de Cuba en Nueva York y por sus trabajos en las orquestas de Barretto y Pacheco. Otro dueto que calzó a la perfección fue aquel de Ismael Miranda y Héctor Lavoe. Eran los muchachitos, los soneros jóvenes que expresaban su conexión directa con un estilo de soneo malandro y callejero. Y a esta pareja le correspondía su antípoda sonera, el dúo de Santitos Colón y Cheo Feliciano, dos solistas que venían de la tradición musical de Nueva York. Colón pertenecía a la Orquesta de Tito Puente. Feliciano fue el imprescindible cantante del Sexteto de Joe Cuba que a mediados del 60 arrasó en Nueva York. Santos Colón, era un cantante curtido, Cheo era sin duda el mejor cantante que tenía la Fania en ese momento y logró un soneo arrollador y elocuente en el número "Anacaona" y luego en esa joyita del melao de caña que se llamó "El Ratón".

La historia de la Salsa no tuviera ribetes de leyenda si sus personajes no fueran aquellos seres casi tocados con la vara mágica del mito. Narrar su historia es conocer los secretos de tantos temas que hicieron y nos hacen bailar hasta ahora. El dominicano Johnny Pacheco, uno de los fundadores del sello Fania, cuenta por ejemplo en la película Yo soy del Son a la Salsa, filme de Rigoberto López, que ya consolidado el sello Fania, era tal la cantidad de «estrellas» que decidieron darle partida de nacimiento a lo que sería después el espectáculo más grande de la música latina que se produjo en Nueva York en el siglo XX.

Este encuentro ya es historia, fábula y leyenda. Ella fue escrita la noche del Jueves 26 de agosto de 1971, fecha que muchos, con muy buenas razones, marcan como la fecha de nacimiento de la Fania All-Stars. Ralph Mercado, entonces dueño del local de moda, el Cheetah, les dio apenas 48 horas para organizar un mega concierto. Así, cuenta Pacheco, que ahora que ya tenían el local, el lío del reparto de la orquesta fue resuelto sobre el caballo, al final, estrellas eran lo que sobraban.

Video promocional del Show de Fania All Stars en Lima.

Sin embargo, faltaba algo muy importante: los temas. Esa misma noche Pacheco se puso a componer ocho temas simultáneamente, mientras Bobby Valentín hacía en el acto los arreglos. En cuanto a lo económico, Masucci ya había vendido 4,000 entradas (más del doble de la capacidad del club) y la filmación estaba asegurada gracias al gran equipo del cineasta Leon Gast. Difícil escoger lo mejor entre toda la música que se tocó esa noche, ya que todo estuvo magistral, pero casi todos seleccionan de manera unánime como el clímax del concierto al son “Quítate tú”.

Pocos saben, no obstante, que el tema “Quítate tú”, recién fue compuesto horas antes del concierto cuando a falta de un tema, se fueron a almorzar con Valentin al restaurante “Asia”, el número uno y al salir, se quedaron atracados en la puerta giratoria. Ahí es donde sale a coro aquello de «Quítate tú para ponerme yo». En resumen, no sólo fue una noche gloriosa para el sello Fania, sino el nacimiento de una leyenda musical y por qué no, el inicio de la gran era de la Salsa.

LA FANIA ALL STARS, TODO UN CAPÍTULO

El título no es tan cierto. Trata de serlo. Así, con los personajes más desconcertantes, con otros menos estridentes y algunos genios de esquina, se fue armando, preparando y diseñando aquella etapa dorada de la Salsa que tuvo como estructura emblemática a la organización Fania. Un emporio de talentos que sólo el flautista dominicano Johnny Pacheco logró ensamblar como una fábrica del sabor y de un ritmo que se impuso en el planeta musical sin importar el color o la religión de los mortales a quienes hacía simplemente gozar infectándolos de un swing sabroso.

La visión del italo americano Jerry Masucci y el oído de Pacheco convierten a Fania en un monstruo que devoran a cuanta banda desconocida surge en Nueva York. La Salsa hacia arder los corazones y estos rompieron los diques de los bolsillos. El negocio fue redondo. Fania compra otras compañías disqueras latinas que funcionaban en la ciudad de los rascacielos. Sellos como Inca, Cotique y Tico pasan con músicos y todas sus chivas al gran fortín Fania. En 1970, el bongosero Roberto Roena y su orquesta, la Apollo Sound, que radicaban en San Juan de Puerto Rico, firman también para Fania.

Las irreverencias de los inicios de la Salsa fueron ajusticiadas por la crítica y no podía ser de otra manera. Ora, que era música insolente y agresiva, ora, que provenía de las miasmas del Barrio –Jorge Luís Borges opinaba igual del tango y uno está bien muerto y el otro está bien vivo--. Alguien decía que era música cubana vieja, que su nombre era una etiqueta para vender, que era música de gente baja, que propiciaba lascivia y promiscuidad, que le cantaba a las prostitutas, que no tenía nada de constructiva, que enajenaba a los jóvenes. Pacheco respondía, que igual dijeron de Louis Amstrong y de Elvis Presley. Pero, a pesar de estas críticas solemnizadas, su impacto en Nueva York y todo el Caribe --desde fines del 60 y principios del 70-- fue sencillamente avasallador.

Alfredo de la Fe y Bobby Cruz

La Salsa, que cumplió a fuerza de sangre sudor y lágrimas una función contracultural, como afirma Cristóbal Díaz Ayala, y que irrumpió teniendo como epicentro el Barrio Latino de Nueva York, fue la manifestación sonoro-musical de las transformaciones que organizaron músicos puertorriqueños junto a algunos cubanos y americanos sobre la base de diferentes géneros de la música cubana a los que le agregaron elementos del folclore boricua y del Jazz. La Salsa implicaba barrio, desasosiego, marginación, furia y sentimiento dramático frente a las garras de la vida. Así, esta música fue rápidamente asumida como propia por las comunidades de los barrios en las grandes ciudades latinoamericanas. Caracas, Cali, Ciudad Panamá, San Juan, Guayaquil o Lima y El Callao, no pudieron evitar sus flujos de salacidad y sus corrientes liberadoras.

A pesar de que la Salsa de los años del boom es considerada una verdadera criatura del Barrio, su alumbramiento formal se produjo en una sala de baile, el club, el Cheetah, situado a menos de cien metros de aquel famoso salón de baile Palladium que había cerrado sus puertas melancólicamente en 1964. Nadie imaginaría que el propietario del club, Ralph Mercado, estaba llamado a convertirse, al cabo de 30 años, en el industrial más poderoso de la Salsa.

Ya, desde 1968 Johnny Pacheco y Jerry Masucci integraron una suerte de gran selección con los músicos que estaba procreando la Salsa. El debut de la banda estelar del sello Fania fue en el hoy desaparecido club Red Garter y si bien la banda carecía de identidad propia, el repertorio que ejecutaron esa noche --recogido para la posteridad en los discos Live At Red Garter, Volúmenes 1 y 2--, tiene sus momentos especiales: El tema "Como me gusta el Son" con Monguito en la parte vocal, Eddie Palmieri al piano, Willie Colon en uno de sus mejores solos de trombón de todos los tiempos y Tito Puente, castigando el timbal, que en "Guatacando" crea con luminosidad uno de los primeros jazz latinos. Cierto, la Fania All Stars no necesariamente se funda en este recital, pero el show cumplió su cometido inmediato: presentar en mayor escala a los artistas que ya componían el conglomerado Fania. Nadie se podía escapar de la rumba.

ESA NOCHE EN EL "CHEETAH"

Es un jueves 26 de agosto de 1971 pasadas las nueve de la noche y en el Cheetah hay más de 4 mil personas. De pronto se prenden las luces del escenario y aparece Dizzy 'Izzy' Sanabria –uno de los maestros de ceremonias-- pronunciando estas frases históricas: «¡ Ladies y gentleman, qué viva la música! ¡Latin music power!». Luego Sanabria dejó al segundo presentador, el disc-jockey de radio, Symphony Sid; a su turno, Sid presentó enseguida a Johnny Pacheco; y Pacheco a las figuras de la Fania, «la gente del sabor»: en las congas, el neyorquino de origen puertorriqueño Ray Barretto; en el bongó, el boricua Roberto Roena; en los timbales, uno de los pocos cubanos del equipo: Orestes Vilató; en el piano, Larry Harlow, un neoyorquino que pasó del jazz a la salsa y se enamoró de la música afrocubana clásica. En las trompetas, el dominicano Héctor 'Bomberito' Zarzuela, Roberto Rodríguez y Larry Spencer; en los trombones, un as norteamericano, Barry Rogers, el puertorriqueño Reinaldo Jorge y Willie Colón. El cuatro puertorriqueño, hermano del tres cubano, estuvo a cargo del Yomo Toro; Bobby Valentín se encargó del bajo.

Fania All Stars: Live at Cheetah (1971)

La nómina de cantantes también era estelar y, como los músicos, básicamente puertorriqueños Héctor Lavoe, Pete 'El Conde' Rodríguez, Ismael Miranda, Santos Colón, Adalberto Santiago y Cheo Feliciano. Todos ellos cantaron el cuarto tema de la noche, "Quítate tú", de Pacheco y Valentín, una descarga de más de 16 minutos y medio que se robó el espectáculo y fue producto de esas épicas casualidades que tiene los fastos de la historia, en este caso, de la historia del baile.

Es cierto que la Fania no pudo dejar de lado a los grandes mitos de la música 'afrolatinocaribeñoamericana'. Por eso Celia Cruz e Ismael 'Maelo' Rivera no podían estar fuera de esta gran convocatoria, ni mucho menos el mejor timbalero del mundo, el recordado Tito Puente. Otra pareja de famosos tampoco quedó al margen y las sonoridades divinas de Richie Ray y su compadre Bobby Cruz aportaron muchos números famosos, como el formidable "Sonido Bestial" y el timbaleo de Bobby Collazos.

'MAELO' Y LA FANIA ALL STARS

Y fue aquel 11 de julio de 1977 es una fecha histórica para la historia de la Salsa. Esa noche ocurrió el debut del eterno 'Sonero Mayor', Ismael Rivera, con la Fania All Stars. Fue en el concierto en el Madison Square Garden, el mismo que se grabó en vivo y luego se publicó al año siguiente en el álbum Live. Aunque casi todo el material que se tocó esa noche fue nuevo, no todo lo que sonó esa noche fue publicado en el disco. Sin duda, lo mejor de la grabación es la nueva versión de "El Nazareno" de 'Maelo', con Papo Lucca luciéndose en el piano; también es notable "Felicitaciones", exitazo de Cheo Feliciano de 1976 --compuesto por Tite Curet-- en un nuevo arreglo de Bobby Valentín. Figura también el debate de soneros en "Saca Tu Mujer", con solos de Perico Ortiz y Yomo Toro y, en especial una contundente versión en vivo de "Cúcala", ahora con Celia y 'Maelo' en un memorable e histórico mano a mano. Barretto había retornado como el conguero estrella para este concierto, mientras el notable bailarín Anibal Vázquez –el tío de Roena-- pasa a ser el maestro de ceremonias oficial.

Después de este evento, 'Maelo', siguió cantando aunque con menos brillantez y potencia en su voz –cosa que él negaba rotundamente--, y se mantenía al frente de sus Cachimbos, ahora grabando bajo la sombrilla de Fania y escuchándose consistentemente en las ondas radiales con temas de Curet Alonso como "De Todas Maneras Rosas", "Mi Música" y el casi-himno "Las Caras Lindas".

Otro fenómeno cultural que produjo la Salsa en los setenta fue la aparición del panameño Rubén Blades quien se inició como empleado administrativo en el sello Fania y que fue invitado a debutar una noche con la orquesta de Ray Barretto, derrochando un sabor que había heredado por línea materna gracias a que su mamá fue una artista cubana. El contenido social y de afirmación latina de sus temas revolucionó la Salsa. Esa conciencia latinoamericana vivía en él desde niño, aun más cuando observó la sangrienta represión en 1964 cometida por tropas de Estados Unidos contra ciudadanos panameños que pedían la recuperación de la soberanía del canal interoceánico.

Fania All Stars: Hector Lavoe - Mi Gente - Zaire, Africa 1974

Esta primera incursión de Blades en la cuna de la salsa había resultado poco prometedora, y el cantante regresó a estudiar derecho y canto a Panamá. En 1974 Fania lo contrata y, luego de una experiencia con Ray Barretto, en 1978 reaparece con la nueva agrupación del ya famoso Willie Colón. Su primer disco se llamó Metiendo Mano para luego grabar Siembra --uno de los temas con los que Fania batió récord de ventas— y que incluye varias de sus más célebres canciones: "Pedro Navaja".

A Blades se le atribuye la formación del movimiento de la «salsa conciencia», que denuncia las condiciones de vida del pueblo latinoamericano, expresa los sentimientos de los hispánicos en Estados Unidos, y afirma la identidad de los pueblos latinoamericanos. También es padre de la llamada «salsa narrativa», que introduce textos largos y relatos donde antes sólo había estrofas cortas picantes o amorosas.

Otro capítulo que debo destacar es aquel del pianista De Bola de Nieve, y de quien el consumado poeta, Pablo Neruda, aseguró que: «se casó con la música y vive con ella en esa intimidad llena de pianos y cascabeles, tirándose por la cabeza los teclados del cielo. ¡Viva su alegría terrestre! ¡Salud a su corazón sonoro!». Igual se puede decir de Tito Rodríguez, que lanzó los dogmas del ritmo a la barra de un cabaret y que cantó todos aquellos ritmos que trenzan las venas. Cierto, su interpretación de "Inolvidable" es de factura sedosa, fresca de brisas marinas, caliente como un cuerpo después del combate amoroso. Por eso Fania All Stars le brindó un homenaje juntando las voces de Cheo Feliciano y de Héctor Lavoe por citar a los salseros que mejor interpretan los boleros a hierro candente.

Finalmente, Cierta vez el escritor cubano Alejo Carpentier explicaba casi quejándose sobre las consecuencias de esta fiesta natural y popular. Decía que en su país y en los Estados Unidos existía un prejuicio y la más intensa animadversión contra la música popular y sobre todo, sobre la desenfrenada sensualidad que estos ritmos provocaba en los bailadores. Este fenómeno lo llevó a afirmar: «Donde las calles resonaban de tangos, rumbas, sones, bambucos, guarachas, boleros y mariachis, la hostilidad de ciertos músicos «serios», sinfonistas, profesores de conservatorio, hacían escarnio de la llamada música ligera; era evidente que en ellos existían actitudes que llegaban a cobrar caracteres inquisitoriales». Es decir, no sabían lo que era el verdadero manantial del gozo. La Fania, damas y caballeros, fue ese gozo y mucho más que hasta hoy tengo su imagen en el verano de Cali, estadio Pascual Guerrero y ya es el verano del 2001 y ellos no paran de tocar en medio del aguacero. Agua del divino sabor adivinado en el diván de los sueños y que al fin, nos anegará a los peruanos en este caliente marzo del 2011. Yo tengo un sueño. Ya me desperté. Y sigo bailando, con usted, mi morena tentación.

(*) Es escritor, periodista y profesor de la Universidad de Lima

www.mambo-inn.com

El día que perdí a Lennon

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 11 Jan 2011 14:43:00 +0000

La República
Dom, 12/12/2010

El Mejor La noche del 8 de diciembre de 1980 cuatro disparos se llevaron la vida del ex Beatle John Lennon. La noticia ensombreció las miradas de sus miles de fanáticos alrededor del mundo y el Perú no fue la excepción. Treinta años después, algunos de sus fans limeños recuerdan cómo vivieron la fatídica fecha, el momento en el que supieron que el hombre de carne y hueso había dado paso al mito. Pero el aniversario también fue el momento perfecto para disfrutar de su música, que se oyó en los homenajes que la capital dedicó en su memoria.

Por Cynthia Campos

“Han matado a John Lennon”. A la mañana siguiente del asesinato –la noche del 8 de diciembre de hace treinta años– las emisoras de radio de Nueva York, y luego las de todo el mundo, daban la lamentable noticia. Un fan enloquecido, que solo cinco horas antes le había pedido un autógrafo y hasta se había fotografiado con él, le asestó cinco disparos –uno fallido– que acabaron, así, violentamente, con la vida del autor de “Den a la paz una oportunidad”.

Esa mañana, el café del desayuno tambaleó en las manos del rockero peruano Gerardo Manuel, quien por entonces conducía un programa en Radio Miraflores llamado “La hora pirata”. “Recuerdo que eran las 8 de la mañana y que yo estaba en una cafetería cercana a la emisora cuando las radios dieron la noticia. No lo creí. Tenía que corroborarlo. Así que dejé el desayuno y en la radio, lamentablemente, lo comprobé. Sentí como si hubiera muerto un amigo del barrio. Y lo que dolió más fue que muriera asesinado. ¡Justo él! Un tipo que solo hablaba de paz. Fue un momento muy difícil”.

Pero no se sabía más. Como él, miles de entristecidos fans pugnaban por mayor información. Los detalles se sabrían después, con el transcurrir de los días. El 10 de diciembre, diarios y revistas daban cuenta de lo que fueron los últimos momentos del músico.

–¿Te das cuenta de lo que has hecho, desgraciado?

–Sí, acabo de matar a John Lennon.

Así, con total tranquilidad, según las crónicas de la época, Mark David Chapman, un desquiciado joven de 25 años, respondía a la desesperada pregunta de uno de los porteros del edificio The Dakota, en Nueva York, donde residía acaso el más recordado de los Beatles. El cuerpo ensangrentado de Lennon yacía a la entrada del edificio, entre los gritos de su esposa Yoko Ono y mientras Chapman dejaba caer el revólver calibre 38 que había empuñado con ambas manos para atacarlo.

Esta semana, Gerardo Manuel participó del concierto de homenaje “Un día en la vida”, en el Teatro Peruano Japonés, un repaso por la trayectoria de The Beatles. Pero ese 9 de diciembre de 1980, un día después de su partida, “lo primero que hicieron muchas radios –entre ellas nosotros en ‘La hora pirata’– fue dedicarle un homenaje musical. En las calles el clima que se respiraba era de melancolía, de tristeza generalizada. Fue un día muy gris en todo el sentido de la palabra”, recuerda Gerardo Manuel.

Confieso que he llorado

Desde el escenario del Parque Las Naciones en el distrito de San Miguel, donde se realiza acaso el más importante tributo a Lennon y The Beatles en Lima, Paco Giles y su grupo Revólver encandilan a los fanáticos y a los curiosos que se han acercado a la intersección de las avenidas Faucett y La Marina para contemplar las pruebas de sonido de lo que será el concierto de homenaje por el aniversario de la muerte de John Lennon. Los primeros acordes de Michelle resuenan y una que otra espontánea asistente lanza un suspiro, otros tararean. “El gusto por la música de los Beatles no desaparece y más bien pasa de generación en generación”, comenta Paco mientras afina su guitarra. “Los ideales que ellos plasmaron en sus canciones también son eternos.

Para Lennon, por ejemplo, era injusto que los jóvenes viajaran en contra de su voluntad a la Guerra de Vietnam, una guerra que no era suya, como decía. Por ello el entonces presidente de EEUU, Richard Nixon, se hizo enemigo de Lennon. Su temática de paz y justicia es en realidad de todos los tiempos. Por eso lo recuerdan”, asegura.

Es precisamente el sentido de compromiso social la característica más admirable del ex Beatle, a decir de Paco Giles. El llamado a la paz, a la libertad, a la igualdad no solo fue tema de su música sino que se convirtió en su forma de vida. “Hay que recordar las actividades que John y Yoko organizaban. Por ejemplo, ‘Fin de semana por la paz’ (con ellos en la cama y su habitación abierta a todos), en parte para protestar por la guerra, en parte para difundir el amor”.

Lo que sucedió la mañana del 9 de diciembre, el día después de la muerte de Lennon, es algo que Paco jamás olvidará, por lo inédito de la experiencia. “Yo me enteré por la radio. Fue una sensación rara, como si me hubieran dicho que se murió un hermano mayor. Y es que mi grupo de amigos, todos aficionados a la música, lo veía así. Recuerdo que esa tarde salí sobrecogido a caminar. Y como yo vivía por Barranco me fui a caminar por el malecón. Tal fue mi sorpresa cuando, entre mi nostalgia, encontré allí a otras personas, parejas de enamorados, grupos de amigos, también melancólicos, que se habían reunido de manera inesperada y espontánea. Todos recordando a Lennon contemplando la inmensidad del mar. Fue algo que nunca volví a ver en mi vida. Confieso que se me escapó una que otra lágrima”, dice Paco. Pero el tiempo de recordar se acaba. Es tiempo de ensayar. Dejamos el escenario, el sol se va poniendo y los acordes de “Norwegian Wood” parecen apoderarse hasta del aire.

La goma de mascar Beatle

A la mesa de la sala del músico y profesor universitario Juan Carlos Guerrero le hace falta una velita para ser todo un altar. Desde discos de vinilo originales, ediciones peruanas, norteamericanas o colombianas. Desde cartucheras hasta la lonchera con la foto de los Beatles que llevaba al colegio cuando tenía 8 años, pasando por casetes, posters, cancioneros, revistas y la envoltura de una goma de mascar en forma de cubierta de disco LP, comprada a la salida de un cine (de hecho, la goma de mascar –de fresa– tenía también la forma de un LP). Todo ha sido conservado con el mismo entusiasmo con el que Guerrero habla ahora sobre su afición de toda la vida: los Beatles. ¿Su Beatle favorito? Todos, dependiendo del estado de ánimo. Esta vez, obvio, el elegido es John. “Admiro que haya sido un tipo atrevido y creativo. Hay que recordar que entonces los rockeros ganaban millones de dólares. Entonces él era un músico exitoso que protestaba por las cosas que estaban mal, y eso llama la atención. Además decía las cosas con honestidad. En eso radica su genialidad”, afirma Guerrero.

El día en que el mundo amaneció sin Lennon, Juan Carlos Guerrero vivía los últimos días del quinto año de secundaria. “Recuerdo que con mis amigos siempre hablábamos de música y ese día oímos la noticia: han matado a John Lennon. No lo podíamos creer, hasta que al día siguiente –10 de diciembre de 1980– a la salida de la escuela fuimos al puesto de periódicos y sí, efectivamente, lo habían asesinado. Sentí como cuando un amigo tuyo muere, de esos patas que los conoces pero que no los ves hace años. Y obviamente, como cualquier fan, regresé del colegio a mi casa y todo el día estuve escuchando mis discos. También empecé un álbum con los recortes de periódicos que informaban sobre su muerte”, recuerda.

Lennon en el corazón

Desde 1980, el año en que perdimos a Lennon, no se podría contar la cantidad de homenajes, discos tributo y actividades en su memoria. La última semana, una multitud de fanáticos se reunió al pie del edificio The Dakota a esperar que Yoko Ono encendiera una vela de homenaje, como todos los años. La revista Rolling Stone publicó íntegra la última entrevista que dio a un medio impreso, en la que John afirmó que no le interesaba ser “un jodido héroe muerto” y habló sobre un posible reencuentro de los cuatro de Liverpool, para retomar su carrera musical. “Tenemos todo el tiempo del mundo, ¿no?”, dijo al respecto, sin saber que tres días después estaría muerto. Su música, en cambio, es algo que las balas no pudieron silenciar.

Duke Ellington, el máximo divo del jazz

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 28 May 2010 00:37:00 +0000

’Jazz entre amigos’. Duke Ellington (parte 1)

Alex Acuña

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 20 May 2010 01:44:00 +0000

Extraido de la página web El Intruso de Argentina
Por Sergio Piccirilli.

Actualizado: 01 de julio de 2006

Alex Acuña nació en Pativilca, ciudad ubicada al norte de Lima, capital de Perú. Con apenas 4 años comenzó su trayectoria como músico, tocando bateria y percusión. A los 18 años se incorporó a la orquesta del cubano Damaso Perez Prado, con quien viajó por primera vez a los Estados Unidos. Al poco tiempo se trasladó a Puerto Rico, en donde ingreso al Conservatorio Nacional y participó de la sinfónica de San Juan. Tras constituirse en uno del pioneros del jazz de ese país, regresó a los Estados Unidos. A comienzos de la decada del ’70 se radicó en Las Vegas. Allí tocaria con figuras consagradas como Paul Anka, Elvis Presley, Diana Ross, entre otros.

Luego fue convocado por Joe Zawinul para integrarse a Weather Report. Banda con la que participaría (primero como percusionista y más tarde como baterista) en los albunes Black Market y Heavy Weather, además de formar parte de varias giras mundiales.

En 1978 se mudó a Los Angeles, iniciando una destacada carrera como músico de sesion. Desde ese entonces ha tocado con una interminable lista de artistas de diferentes generos.

Paul McCartney, U2, Joni Mitchell, Chick Corea, Al Jarreau, Carlos Santana, Placido Domingo, Whitney Houston, Julio Iglesias, Ella Fitzgerald, Milton Nascimento, Luis Miguel, Yellow Jackets, Gonzalo Rubalcaba, Herbie Hancock, Chucho Valdez, The Brecker Bros., James Taylor y siguen las firmas…

Si usted tiene algún pariente que ejecuta algún instrumento preguntele si ha tocado con Alex Acuña. Y no se sorprenda en caso de respuesta afirmativa…

Tambien ha participado en música para películas junto a los compositores más importantes de ese genero como John Williams, Michel Legrand, Bill Conti, Randy Newman, Lalo Schifrin, Mark Isham, Dave Gruisin, Michel Colombier y otros.

Ha liderado varios proyectos musicales: The Unknows, Tolu, Koinonia y fue nominado a los premios Grammy por Acuarelas de Tambores (junto a destacados percusionistas) y por Los Hijos del Sol en el que participa entre otros la gran cantante peruana Eva Ayllon.

Acuña tiene una prolífica tarea docente, Con 4 videos educativos editados y uno en preparación y un sinnúmero de clinicas alrededor del mundo, se ha constituido en uno de los maestros de la percusión más respetados y convocados de la actualidad.

También tiene un rol preponderante en el campo de la musica cristiana.

Acuña nos recibió en su casa. Corrijo: Nos ofreció su casa , que no es lo mismo. Cordial, amable, predispuesto a la charla y muy jovial…

O el tiempo no pasa para el, o hizo un tratamiento de rejuvenecimiento o…charlamos con su hijo…

¿Cómo haces para conservarte así?

Hay tres factores: Estar bien en lo profesional, tener una buena familia y alcanzar una buena comunicación con Dios…

Vayamos al primer factor. El salto inicial de tu carrera fue con Perez Prado, el rey de mambo…

Si… Perez Prado. Al verme tocar me dijo “quiero que vengas conmigo a Estados Unidos.” En ese entonces era menor de edad. Asi que mis padres tuvieron que autorizarme a salir de Perú. Pero llegue a Estados Unidos con la green card…( identificacion de residencia permanente en ese país)

Eras otras epocas…

Claro. Hice un contrato para tocar nueve meses con un sueldo de 1200 al mes y que era bastante dinero en aquellos tiempos.

Pero antes habias tocado en la banda de tu padre la Tropical Boys de los Hermanos Neciosup…

Bueno, eso fue en los principios. Allí es dónde adquirí mis primeros habitos musicales.

¿Siempre tocando percusión?

Percusión desde los 4 años. Eso fue algo natural. Pero también estudié trompeta y piano lo que me permitió desarrollar melodia y armonia. Todo en forma totalmente autodidacta hasta las 22 años…

Hasta que llegaste a Puerto Rico…

Cuando llegué a Puerto Rico… Me casé y nació mi hija mayor. Fue entonces que me decidí a ser un músico profesional… Por eso ingresé al Conservatorio…

¿Te hiciste profesional por una razón emocional?

No sé (sonrie)… El nacimiento de mi hija me llevó a decir “es otra boca para alimentar”. Un músico profesional tiene que estar preparado para tocar con una filarmonica o en una banda de rock. Para eso era necesario leer música, tener una formación musical completa… Esta profesión es muy competitiva.

¿Qué impacto tuvo en vos ese paso del músico autodidacta a la formación clásica?

Fue muy lindo. Descubrí cosas nuevas. Te das cuenta que no sabes mucho y luego terminás enamorado de la idea de ser un estudiante eterno…

Y ese aprendizaje continua…

Hasta el día que yo me muera.

¿Y qué aportó en tu formación academica el haber desarrollado antes un extenso período como autodidacta?

La naturalidad. El músico neto… Natural, absorbe mejor el conocimiento.

Tus raices latinas no te limitaron… ¿No corrias el riesgo de que te encasillaran en un estilo?

Cuando me llamaban para tocar era por ductibilidad. En esta epoca es mucho mas fácil encontrar músicos que pueden tocar diferentes estilos. Pero no era asi entonces…

La interacción multicultural se ha desarrollado mucho…

Ahora el que no toca todos los estilos es porque es un vago… Con acceder a internet consigues todo. Puedes escuchar música de Perú o China… De Rusia o del continente africano. Todo está al alcance de la mano.

Volvamos a Puerte Rico… ¿Por qué fuiste allí?

En Puerto Rico viví 10 años. En ese tour de 9 meses con Perez Prado recorrí todo Estados Unidos. De las Vegas a New York, de Chigaco a New Orleans. A veces por tierra a veces volando. Era extenuante… Se termina el contrato y... (Reflexiona) Recordá que era un muchacho muy joven. En aquel momento un muchacho latino de 18 años en Estados Unidos mentalmente equivalia a uno de 12.

¿Tanto?

No hablaba el idioma, la diferencia cultural, la estructura social completamente diferente. En aquella época la diferencia era mucho mayor que ahora.

Se terminó el contrato con Perez Prado…

¡Ah si! Él me propuso seguir en la banda e iniciar una gira por México y…

Y el muchacho de 18 con mentalidad de uno de 12 prefirio volver a casa… (Risas)

Exacto. Perez Prado me dió el pasaje y regrese con mi familia. Pero al llegar a Lima me rompí el brazo en un accidente automovilistico y tuve que quedarme 6 meses para recuperarme. Poco después empecé a tocar con un grupo de argentinos, brasileros, peruanos y chilenos… Y con Chano Scotty y su Combo Latino. En esa banda se tocaba de todo. Música de Sergio Mendes, música de Ray Conniff… de Tijuana Brass, latina al estilo de Tito Puente. Entonces nos contrataron para ir Texas por cuatro meses. Después de esa gira, nos consiguieron un contrato para ir a tocar a San Juan de Puerto Rico en un hotel. El que consiguió eso era un baterista argentino que se llamaba Cacho Gomez y que tocaba con Xavier Cougat pero no dominaba todos los estilos. Muy buen músico pero estaba algo limitado. Asi que me llamaron… Cuando llegué me dije: “Aquí me quedo”. Fue un sueño ya que allí pude aprender más sobre la música afro-cubana. Después conocí a mi primera esposa. Y me fuí al conservatorio. Es el día de hoy que me siguen considerando de Puerto Rico porque participe en el primer grupo de jazz. Tocabamos en el canal 6 todos los Lunes en un programa…El taller de jazz. De alguna forma nos constituimos en los pioneros del jazz de Puerto Rico.

¿Y siempre combinando percusión y batería?

Siempre. Esa combinación era “mi” instrumento…y todavía lo es.

Entonces ingresaste al conservatorio…

Me di cuenta que debía pasar a otro nivel. Ya tenía una familia con tres hijos, mi hija mayor y los mellizos… Siempre mi familia fue escencial. Me ofrecieron ir a New York… Mucho frío en invierno, mucho calor en verano, pense en mi familia y dije que no. También existía la posibilidad de ir a Los Angeles… Demasiado grande… Voy a terminar tocando en casamientos (risas) Y así fue como apareció la posibilidad de ir a Las Vegas. El que me entusiasmó fué un baterista que había tocado conmigo en Puerto Rico y que estaba en la banda de Paul Anka tocando en el Hilton de Las Vegas. Tenía 1500 dolares en el bolsillo, un Volvo Amarillo puse mis cosas en el baúl , la batería en el techo y fuí para allá. Alquilé un departamentito, mi ex-esposa empezó a trabajar en un casino… Lo concreto es que al mes me audicionaron para tocar en el Hilton… Bueno en realidad no me audicionaron sino que querian ver…

Si era cierto…

¡Eso! (Risas) Y terminé viviendo en Las Vegas. Mi intención era seguir elevando mi nivel en terminos musicales. Y si bien los cambios no se dieron drasticamente me fuí dando cuenta que era un músico natural para tocar jazz. Inclusive dejé de tocar en el Hilton para tocar jazz…

Alli en el Hilton tocaste con Elvis Presley

Si y con Diana Ross… Con Paul Anka, The Temptations …

¿Y qué decian en Pativilca (Ciudad natal de Acuña) cuando se enteraron que habias tocado con Presley?

Imaginate… (Risas) La verdad es que he tenido una vida muy bendecida. Una comunicación directa con el ser supremo… Y cuando le pedí algo siempre me lo concedió…

¿Y le pediste conocer a Joe Zawinul?

¿Sabes que si? Mirá el otro día recibí un e-mail de un músico de Puerto Rico que me recordo una charla que tuvimos hace más de 30 años y según él , en aquel momento le dije “quiero ir a Estados Unidos para tocar con Weather Report”… Asi que cuando estaba en Las Vegas justo me llega la invitación para tocar con Weather Report… Pues… ¡Allá voy! (Risas)

¿Es un tipo difícil Zawinul?

No, para nada. Es muy buena gente. Lo que pasa es que cuando lo entrevistan le hacen unas preguntas muy tontas… Entonces contesta con acritud. A él le gusta filosofar…(risas)

En Weather Report ingresaste como percusionista…

Si cuando me llamaron sólo tenía mi batería. Vas a tocar percusión, me dijo Joe (Zawinul). Me proveyeron todo. Apenas ingresado nos fuimos de gira a Europa…

¿Eso fué antes de Black Market?

Antes, si.

¿Cuál fue tu primera impresión?

Aprendí mucho pero además en la banda podía combinar mi experiencia academica y lo natural y eso empezó ha actuar como guia. Ese conocimiento y esa picardia musical comenzaron a confluir…

¿Ensayaban mucho?

Si, pero los ensayos no eran rigidos sino una guia para desarrollar la música.

Una base sobre la que pudieran improvisar…

Exactamente. No era pop o salsa , en la que tenes que tocar tal como lo ensayas. Otro concepto. Una música modernisima… Hasta ahora vos escuchas sus discos y siguen vigentes. Parece que se hubiesen grabado la semana pasada…

¿Y cómo pasaste a tocar la batería?

Nadie en la banda sabia que yo tocaba batería (risas). Compartia la habitación del hotel con Jaco (Pastorius). Un día el saca su bajo yo las escobillas y nos ponemos a tocar temas de Miles Davis (tararea un potpourri de Davis) Jaco se sorprendió que yo pudiera tocar jazz… Ellington, Davis, Harry James… Así fué que al día siguiente combinamos ir antes del ensayo con el grupo a tocar jazz, los dos solos. El ensayo empezaba al mediodía, pero ya a las 10 de la mañana estabamos en el estudio. Bajo y batería nada más… Zawinul llega como a las 11:30 y al escuchar… Se asoma sorprendido y dice: “quién esta tocando eso…”

¿Qué pasó con mi percusionista…(risas)?

¿Vos sabías tocar batería? (imitando el tono de voz y los gestos de Zawinul) Bueno, vos nunca me preguntaste… En esa época estaba tocando la batería Chester Thompson… Pero Jaco propuso que yo tocara batería y que incorporasemos otro percusionista…

Y llego Manolo (Badrena)…

Audicionamos percusionistas y vino Manolo. Se quedo por supuesto…

¿Se complementaba bien con vos?

¡Claro! Manolo era de Puerto Rico así que conocía muy bien esa música.

¿Te impacto emocionalmente lo que sucedió con Jaco?

(Respira profundamente) Jaco tuvo problemas psicologicos desde temprana edad. Le pasaron cosas siendo niño… Situaciones que se incrustan en el alma y allí quedan por siempre. Experiencias que jamás desaparecen…

¿Huellas?

Si, huellas y heridas muy fuertes (hace un largo silencio) Jaco no pudo deshacerse de todo eso… Y te digo que entiendo lo ocurrido porque yo también tuve experiencias similares y si me salve fue gracias a Dios. Él me sano. Mi vida y la de Jaco eran paralelas… En aquel tiempo nos pasabamos 5 o 6 días sin dormir, haciendo y probando todo lo que hubiera por ahí… Viviendo la lujuria, la lascivia y todo los peligros que circundan al mundo artistico…

Consideras que te salvaste al abrazarte a lo espiritual…

Sí y eso ocurre cuando uno reconoce que el poder de Dios es más fuerte y que la vida con Dios es más libre. Así halle la paz, la esperanza… Un crecimiento espiritual un cambio moral… La mansedumbre, la paz, el amor. Allí puedes encontrar una felicidad infinita y que está a disposición de todos. Una transformación verdadera.

¿Es necesario caer para encontrar la salida?

No sé. Tal vez no sea necesario pasar por eso, lo que hace el cambio es formularse una pregunta escencial: ¿Cuál es mi misión? ¿Cuál es el propósito de mi vida en esta tierra?

¿Y cuál es tu misión?

Lo que dije al principio. Una profesión, la familia y la comunicación con Dios. Cuando tu obtienes la satifacción profesional y cuentas con una familia ese ahínco por alcanzar algo más… solo lo puede saciar lo espiritual.

En ese momento hace ingreso su nieta. El rostro de Acuña se ilumina. La continuidad de la charla corre serio peligro… Pero finalmente la pequeña nos autoriza a seguir…¡En otro lado! Así que nos trasladamos al estudio de grabación…

Estabamos con Weather Report…

Muy linda experiencia musical… Viajamos por todo el mundo. Y también una hermosa experiencia espiritual. Porque especialmente en esa formación había varias religiones y filosofias diferentes. Joe (Zawinul) estaba muy metido con Nietsche…

Supongo que tenia fuertes discusiones con vos…

Bueno, se salvo porque todavía yo no era cristiano… (Risas)

¿Y los otros?

Wayne era budista, Manolo es santero y Jaco fue criado católico pero no practicaba…

Pero cuando tocaban se ponian de acuerdo, ¿no? (risas)

Ahí nos poniamos de acuerdo. Había unidad en ese sentido.

Pero después de Heavy Weather te fuiste de la banda.

Sí… Cuando empecé con Weather Report el status economico de la banda no era tan grande. Después de Heavy Weather la banda empezó a crecer en todos los aspectos. Ganabamos más dinero y nos trataban mejor. Columbia records nos dió un apoyo económico muy fuerte apoyando las giras mundiales. Empezamos a generar muchos más ingresos tocando en conciertos grandes para 20 mil o 30 mil personas… Pero se viajaba mucho. Dos meses en Europa, dos meses en Estados Unidos, dos meses en el resto del mundo… Imaginate…

Si, la familia…

Claro. Y me quedé en la ciudad. Entonces entro Peter (Erskine)…

Encontró todo servido…

Entró en la mejor época, buen sueldo… Pero igual me quedé en Los Angeles e hice una carrera. Me convertí en un músico de sesion y hasta ahora lo soy…

Empezaste a trabajar en música de películas…

Desde que me mudé a Los Angeles trabajé en eso. Casualmente uno de los primeros trabajos para el cine fue con Lalo Schifrin… Alrededor de 1978…

Y después…

Comencé a trabajar con Al Jarreau. Fue mas o menos parecido a lo de Weather Report ya que también empezó a crecer. Gano los Grammys… Parecía que cada vez que entraba en una banda el grupo crecía. Además tocando con Jarreu había otros privilegios… Podía llevar a mi familia. Todo más esquematizado y mejor organizado. En esa etapa nacieron mis hijos menores Regina y Daniel. Hice otro grupo con Abraham Laboriel que se llamaba Koinonia y lo desarrollamos desde el 80 hasta el 86. Entonces pare de viajar…

¿La razón?

La familia, mis hijos. Pero eso no me impidió tocar con todos… Me parece que es más fácil decir con quienes no he tocado…

¿Con quiénes no tocaste (risas)?

Prince y… Mariah Carey… Pero lo hice con U2 , con Paul McCartney, Michael Jackson… Muchísima gente. También con muchos en la música latina como Celia Cruz, Tito Puente, Luis Miguel…

Y Pimpinela…

Sí (risas). Me gusto mucho trabajar con Leon Gieco haciendo los Orozco…

Son ocho los monos (risas). Todo el mundo andaba cantando eso…

Claro, me imagino (suelta la carcajada) Cuando vivía en Perú toqué con Leo Dan , Palito Ortega…

No te privaste de nada (risas)

(Risas) Como te iba diciendo… En 1978 cuando me mudé a Los Angeles… Una noche como a las 3 de la mañana me puse a escuchar Heavy Weather y una voz en mi consciencia me dijo: “Alex me necesitas”. Era un momento de confusión en que mi vida se había quedado sin vibración… Seguía haciendo drogas… Y fue entonces que le pedí a Dios “por favor, cambia mi vida”. Bueno, muchos reciben a Cristo en las Iglesias pero…

Vos lo hiciste escuchando a Weather Report…

Es que me di cuenta que había tenido el prilegio de hacer esa música, sentí que Dios me había otorgado todo lo que le pedí pero que también era la hora de hacer algo por él. Asi que empecé a tocar música gospel con Kuononia y me puse a trabajar con una compañia de música cristiana

Y te desarrollaste en ese sentido…

Hice… Bastante música cristiana.

Pero tambien te has dedicado a la enseñanza… Hablemos de tu experiencia con la Virtual Drummer School.

Fue una linda propuesta pero no creo que este trabajando muy bien. Tuvo problemas de soporte informático. Aún asi la idea fue espectacular, tanto que ya hay otros proyectos similares en vias de desarrollo. He enseñado en distintas universidades y dando clinicas alrededor del mundo…

¿Qué te atrae de la docencia?

Compartir. Cuando noto que el estudiante tiene hambre por aprender me animo a enseñar…

¿Ese hambre del que hablas se puede enseñar?

No, eso lo tenes o no. Aun hoy en día sigo levantandome a las 6 de la mañana para practicar y conservo la emoción ante el descubrimiento de nuevas técnicas. Sigo con hambre…

Y que sentis cuando un alumno te dice quiero tocar como vos…

(Risas) Me rio porque… ¡Muchos me dicen eso! Lo siento como un halago pero uno es producto de su propia historia, por lo tanto seria muy difícil tocar de la misma manera. Soy una combinación entre las raices latinas y la disciplina anglosajona que solo puede aprenderse viviendolo. Cada uno tiene su propia voz y la misión de la enseñanza es mostrar el camino mas rápido para obtenerla.

En tu formacion… ¿Pasaste por lo mismo? ¿También querías tocar como alguien en particular?

(Reflexiona) No… Pero hubo gente que me inspiró. Lo digo de otra manera, cuando veia a Elvin Jones tocar la batería o a Tito Puente tocando el timbal queria absorber lo que ellos hacian cada uno en su estilo…

Cuando escuchas una banda que tiene percusión y batería, ¿en qué te fijas primero?

Te diria que en los dos al mismo tiempo, pero con seguridad me atraera mas quien mejor toca musicalmente y no tecnicamente…

La diferencia es…

Buen tiempo, buen sabor… El que sabe donde tocar y donde no, el que maneja los silencios. En cambio hay tipos que tocan muchisimo tecnicamente y solo tratan de impresionar…

Y de las nuevas generaciones de bateristas y percusionistas quienes te gustan

En la percusión Giovanni Hidalgo, Paoli Mejias, David “la mole” Ortiz, Changuito de Cuba… En batería… Algún portorriqueño, un mexicano y varios negros (risas) Antonio Sanchez (Baterista del Pat Metheny Group), un pibe de 20 años… Henry Cole que está tocando en la banda de David Sanchez… Y otros como Jimmy Braley, Tony Escapa y bateristas negros… Marvin McQuitty, Chirs Coleman, Sonny Emory, Tony Emory…

Ahora estas en un nuevo proyecto… Canela… ¿Qué representa para vos ha esta altura de tu carrera?

Con ellos (refieriendose a los integrantes de la banda: Justo Almario, Patrice Rushen y Abraham Laboriel) al igual que con The Unknows podemos tocar una diversidad de estilos. Mis composiciones toman la escencia latina y adoptan la estructura del jazz…

Inesperadamente hace un alto en la charla, coloca en el equipo el disco con The Unknows y sobre eso comienza a tocar el cajón peruano…

Este es un ritmo típico peruano que se llama lando...(el tema al que se refiere es Paseando)

¿Qué diferencias hay entre el cajón peruano y el cajón flamenco?

Las cuerdas… El flamenco tiene cuerdas y es mas fácil de tocar, en cambio el cajón peruano necesita una mano negra… Hay que darle fuerte…

En Canela todos aportan composiciones…

Si claro. Ahora vamos a tocar a España e Italia. Tenemos pensado sacar nuestro disco en Noviembre. Y de nuestra reciente presentación en Santa Mónica sacare material para un dvd didáctico e instruccional que estoy haciendo para la compañia DW Drums. También estare tocando con Zawinul y una big band en Holanda, Alemania y Francia. Pero Canela ocupará el centro de la escena ya que es una excusa perfecta para salir a tocar y mostrar lo propio. Además en la banda hay una comunión espiritual muy fuerte ya que los cuatro somos cristianos. Es muy lindo tocar para otra gente, te da experiencia y prestigio pero siempre estas atrás de este o atrás de aquel… Y ha esta altura de mi vida ya no quiero eso. Hace un tiempo, y por esa razón, le dije que no a Sting.

¿Se molesto?

Y si… Se molestaron un poco (risas) Me dijeron: ¿Sabés a quién le estas diciendo que no? Por aquel entonces había sido nominado para el grammy y fue entonces que mi hijo Javier vino a Los Angeles y juntos comenzamos una nueva etapa. Construimos este estudio de grabación e hicimos con Eva Allyon, Los Hijos del Sol…

Que también fue nominado a los grammys…

Es cierto. Y mi hijo terminó siendo manager de Eva (Ayllon) Todo eso profundizó la idea de mostrar al mundo entero la música peruana…

Me imagino que cuando vas a Perú te deben considerar un procer…

Mira… He ido a tocar jazz y terminé regalando 500 entradas… Luego he ido a reuniones cristianas y toqué para 15000 personas o más…

Parece que Dios es un buen manager…

Seguramente que si (Risas) De todas formas mas que el reconocimiento ha esta altura de mi vida, prefiero compartir mis conocimientos y ayudar a los mas necesitados. Predicando la palabra de Dios, además auspicio un orfanato en Perú y también al Hospital del Niño…

Una ultima pregunta: ¿Qué fue lo mas importante que lograste en tu vida?

Compartir con los demás mi fe en Cristo.

http://www.alexacuna.net/

Más
Entrevista en inglés en la página de fans de Joe Zawinul

ALEX ACUÑA: Acuñando éxitos

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 19 May 2010 17:48:00 +0000

Saturday, December 23, 2006

Extraido de la web de Javier Lishner

La siguiente fue una entrevista a Alex Acuña, destacado músico internacional, que apareció publicada, en dos partes, en el Diario Expreso de Lima, el 27 y 29 de agosto de 1990. De Acuña, creo que empecé a saber gracias a Lucho Argüelles, distinguido locutor, apasionado del jazz. Lucho es hoy, un destacado ejecutivo.

Alejandro Neciosup Acuña
ACUÑANDO ÉXITOS (PARTE I)

Fue la noche del sábado 12 de enero de 1985, cuando vi por primera vez en un escenario a Al Jarreau. En aquella oportunidad, el cantante norteamericano, tenía como baterista a un peruano, al cual, Johnny López -el presentador de la televisión-, había tenido acceso. Aún recuerdo a Johnny viniendo del backstage hacia el palco oficial de prensa, contando que había estado en los camerinos con "el peruano Alex Acuña". Yo no tuve esa suerte y, para ello, tuve que esperar cinco años. Días después, lo volvería a ver abriendo el espectáculo del grupo Yes. Hace unos días, luego de presentarse en Lima, partió con la firme intención de volver en noviembre.

Conversando con él, nos sorprendió su sencillez y tranquilidad espiritual, eso que solo irradian los que realmente la viven. Creo que es el músico peruano más sencillo del mundo, y el más conocido también. Lo reflejó cuando, tranquila y sencillamente, nos dijo cosas como que, durante un año, trabajó al lado de Elvis Presley o que, hace un tiempo, Sting lo llamó para que colaborase con él y le tuvo que decir que no, "porque estaba muy ocupado en ese momento". ¡Qué cosas! Es el famosísimo Alex Acuña, quien recientemente exhibió su talento en nuestra capital, al lado de reconocidas figuras peruanas bajo la denominación de Los Hijos del Sol.

[PATIVILCA, PERU] El 12 de diciembre de 1944, en Pativilca, un pequeño poblado al norte de Lima, en las costas del Pacífico, nació un niño que con el transcurrir del tiempo se convertiría en el músico peruano más reconocido en el mundo. Alejandro Neciosup Acuña viviría en ese distrito solo hasta los once años. "Recuerdo que en Pativilca terminé la primaria y de ahí me fui a Lima, en la que residí hasta que cumplí los dieciocho".

[LOS PRIMEROS PASOS] El pequeño Alejandro se inició como músico de acompañamiento, con su padre y hermanos, a la edad de once años. A los dieciséis ya era músico de sesión y, dos años más tarde, viajaba hacia Puerto Rico integrando la orquesta del famoso Dámaso Pérez Prado. "En San Juan tuve la oportunidad de estudiar en el Conservatorio desde 1968 hasta 1972", nos dice.

- ¿Fue suerte que Pérez Prado te llevara con su orquesta?

- No creo en la suerte, creo en las bendiciones. La suerte es superstición, las bendiciones son algo espiritual, algo que sientes.

[ESTADOS UNIDOS] "A la edad de treintiún años viajé a Estados Unidos para residir. Desde ese entonces no dejaría Norteamérica mas que por giras de trabajo o vacaciones". Y fue, justamente, en Estados Unidos, donde le cambiaron el nombre a Alex Acuña. "Es que sonaba más comercial", y él lo entendió así.

- ¿Cuál ha sido tu mayor experiencia musical?

- Pienso que todas las experiencias han sido importantes. En todas está tu sonido y eso queda para la historia. Recuerdo una, que fue la de mayor éxito a nivel mundial: el disco Heavy Weather que grabé con Weather Report. Yo me salí del grupo e inmediatamente, por ese disco, ellos ganaron un Grammy. Estuve en Weather entre el 75 y el 78. Antes había trabajado con muchos artistas conocidos.

- ¿Como quiénes?

- Elvis Presley, por ejemplo. Acompañé a Elvis entre agosto de 1974 y agosto de 1975 (Cuentan que Elvis lo llamaba "The Inca").

- Háblanos de otras experiencias musicales.

- Hace seis años formamos un grupo llamado Koinonia que, en griego, significa Comunidad. Tuvo mucho éxito en Europa y lo lideramos dos latinos, el bajista mexicano Abraham Laboriel y yo. Lo recuerdo mucho porque en esas producciones pude intervenir en las composiciones tanto como en los arreglos.

- Tus músicos preferidos.

- ¿Bateristas? Todos. Desde Gene Krupa hasta Steve Gadd. ¿De rock? Soy más jazzista pero admiro músicos como Steve Winwood, Peter Gabriel, Sting y Phil Collins.

- Alex, has recorrido el mundo con la música. ¿Qué lugares te falta conocer?

- He viajado muchas veces por América y Europa. También por Japón y otros países de Asia y Oceanía. Me falta conocer el Africa y Medio Oriente.

- El mejor estudio de grabación del mundo.

- Hay muchos. Si te menciono tres, éstos son: el de la A & M Records, el de Chick Corea llamado Mad Hatter y, el Conway. Los tres quedan en Los Angeles, indudablemente, la meca de la música y ciudad donde resido.

Weather Report, fase 76-77: Alex Acuña, al centro, con Joe Zawinul, Jaco Pastorius, Wayne Shorter y Manolo Badrena

- Hay algún músico que te haya impresionado por su talento, profesionalismo, personalidad, no sé.

- Creo que el mejor músico de jazz ha sido John Coltrane. De los contemporáneos con los que he trabajado, Wayne Shorter, Jaco Pastorius (fallecido en 1987) y Joe Zawinul.

Así finaliza la primera parte de nuestra conversación con el percusionista peruano, el mismo día que viajaba con destino a Los Angeles, para luego seguir a San Francisco y, posteriormente, a Nueva York. Así acontece su vida, entre aviones y escenarios. "Si aceptara todos los viajes, viviría más en el aire que en tierra", nos dice Alex Acuña, el músico.

ACUÑANDO ÉXITOS (PARTE II)

Luego de compartir sobre su amplia carrera profesional, Alex nos habló de su vida privada, sus hijos, su esposa, los artistas nacionales e, incluso, dejó un mensaje para la juventud peruana.

- Háblanos de tus gustos.

- En comida, me gusta la peruana. No hay nada como la papa a la huancaína, el lomo saltado o un buen ceviche. En colores, me gustan los del arco iris. ¿Vicios? Ninguno. ¿Si tengo alguna cábala? Bueno, toda mi música se la dedico a Jesucristo. ¿Un país? Perú. Si ello no fuera así, yo no podría entregarme al mundo que quiere verme.

- Tus viajes.

- Permanentes. Unas veces estoy en Japón y otras en Alemania, Francia y toda Europa Occidental. Voy mucho a los países escandinavos como Suecia y Finlandia, cuando no recorro los Estados Unidos o Sudamérica. Mi vida transcurre entre aviones, escenarios, estudios de grabación y escuelas de música.

- Tu ciudad.

- En 1987 volví a Pativilca después de veinticuatro años, y me recibieron muy bien. En el Municipio me hicieron firmar un libro de personajes célebres, y me hicieron conocer la casa en la que vivió el General San Martín. Me emocionó mucho pasar por la calle en la que crecí, aunque lamento que ya no exista la casa en donde nací.

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"Creo que el jazz es la máxima expresión
a la que un músico puede llegar. Es aquello que
solo algunos pueden alcanzar gracias a haber recibido
ese regalo divino que es la improvisación.
Si todos los músicos improvisaran,
todos serían jazzistas".
(Alex Acuña, 21 de agosto de 1990)

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- Tu país.

- El mejor del mundo. El Perú tiene tantas riquezas, y no solo naturales. Es la única nación en el mundo que tiene tres países en uno: la costa y el mar, la sierra, y la selva amazónica.

- Tu familia.

- La más linda sobre la Tierra. Mis padres, hermanos, sobrinos... Mi esposa, mis hijos. Nos amamos, nos respetamos, nos confiamos.

- El público peruano.

- Es muy alentador y siempre apto a nuestro regalo musical. Para mí es una inmensa alegría tocar aquí con Los Hijos del Sol. Esperamos volver a tocar pronto para todo el Perú.

- Tus hobbies.

- Muchos. Si me pides uno, es el de veranear con mi esposa e hijos. Alquilamos un yate y nos vamos a bucear, nadar y pescar. Para ello nos gusta San Diego.

- Deportes.

- Actualmente soy coach de la Liga Americana en la American Youth Soccer Organization, en la que juegan mis tres hijos. Practico con ellos las artes marciales y, con mi esposa, hago bicicleta.

- Tus hijos.

- Tengo cinco. Linette de 22 años, y los mellizos Javier y Jair de 17, que son de mi primer matrimonio. Luego siguen Regina de 10, y Danny de 8, de mi segundo compromiso con Diana.

- Tu esposa.

- Diana es la persona ideal para alguien como yo, que necesita entendimiento moral, espiritual y mental. Los músicos somos difíciles de comprender ya que tenemos ideas diferentes. Yo viajo constantemente y recibo de Diana el apoyo que necesito.

- ¿Y tu cuenta bancaria?

- (Ríe) Dicen que soy millonario. Te pido que publiques que eso es cierto. Pero que soy millonario en intis (la devaluada moneda durante el primer gobierno de García Pérez). La verdad es que mucho de lo que tengo se debe a que he sabido ahorrar, invertir, comprar y revender.

Alex Acuña, además de ser un reconocido músico, es imagen comercial de las principales firmas musicales del mundo. Yamaha, utiliza su imagen para promocionar sus baterías; Zildjian, sus platillos; Latin Percussion, sus instrumentos de percusión; Vic Firth, sus baquetas y, Remo, sus cueros.

- ¿Y los músicos peruanos?

- El músico peruano es el más vivo, el más pícaro y el más inteligente. Admiro a muchos pero, entre todos, a Ramón Stagnaro, quien es único en el mundo. También a Cocho Arbe, pianista, arreglista y compositor. Ambos son mis "gallitos de pelea", a quienes quiero y respeto mucho. Son aquellos que se suben a un escenario en cualquier lugar, hora, momento o situación, y salen airosos desde el primer instante de la actuación.

- Alex, algún mensaje para la juventud peruana.

- Líguense y átense a la honestidad, cuiden su salud. No abusen de las facilidades que están alrededor que, en muchos casos, solo sirven para deteriorar y exterminar a las personas. Reconcíliense con ustedes mismos y con sus compañeros que, solo así, podrán mirar hacia las nubes o más allá, hacia el cielo. Solo así podrán examinarse el espíritu.

De esta forma, concluye nuestra conversación con Alejandro Neciosup Acuña, alguna vez, compañero de Elvis, Roy Orbison, Al Jarreau, Diana Ross, Paul McCartney, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Bruce Springsteen, Jennifer Warnes, U2 y muchos más. Entre los peruanos, de Jean Pierre Magnet, Miguel Figueroa, Lucho González, Oscar Stagnaro, Héctor Veneros, Lucho Calixto, Juan Torres y, las hermanas Rosa y Eva Ayllón. El 30 de septiembre, lanzará su próxima producción solista bajo el nombre de Alex Acuña & The Unknowns, la que deberá aparecer en Europa (vía la Royal Music), Japón (vía la JVC Victor) y Estados Unidos (vía la GRP de Dave Grusin). Participan en el disco, entre otros, Paulinho Da Costa y Carlos Santana.

Javier Lishner
Lima, Perú
Agosto de 1990

“Somos escuela para otras orquestas”

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 30 Mar 2010 03:41:00 +0000

07 de febrero de 2010
La República

Domingo habló con Juan Formell, el creador de los Van Van, la orquesta de música popular cubana más famosa del mundo, a unos días de su presentación en Lima.

Por Segundo Alcalde Solís

Sin duda el nombre de Juan Formell merece figurar en el libro de honor de la música latina. Basta dar un vistazo a su trayectoria profesional para considerarlo como uno de los grandes íconos de la cultura popular en Cuba. Con su orquesta emblema ‘Los Van Van’ ha conquistado a los más exigentes auditorios del mundo. Su música está envuelta en la abundancia rítmica que caracteriza al caribe: jazz, son, danzón, charanga son algunos de los géneros que ha aportado su genialidad y personalidad. Domingo conversó con Formell por teléfono, minutos antes de su ensayo en el Coliseo José Miguel Abrelot de San Juan de Puerto Rico.

–¿Ahora la orquesta está prácticamente en las manos de su hijo Samuel? ¿Se está retirando de a pocos?

–Un momentito... que yo sigo vigente. Quizá no toque como antes, pero estoy ahí al frente. Sigo componiendo y dirigiendo. Pero también es verdad que le tengo confianza a Samuel, quien desde los tres años estuvo de viaje en viaje con la agrupación. Él se crió aquí y lo está haciendo bien. El talento lo lleva en la sangre.

–Han pasado cuatro décadas y siguen siendo los favoritos del bailador cubano y del mundo. ¿Cuál es la clave del éxito?

–Creo que las innovaciones en el grupo ayudaron a que Van Van siga siendo del agrado de todos los bailadores. Le pusimos violines, luego trombones y hasta cambiamos algunas voces. Eso sí, ha permanecido la sonoridad, mi línea musical. Somos una familia. Quizá no soñé con ser una escuela para la música popular cubana. Tengo más de 300 composiciones y 40 años de actividad, eso sí que es cosa seria.

–¿Cuál es la importancia del son en sus composiciones y arreglos?

–El son está en la guaracha, en la salsa, en el son montuno, la guajira. Es el común denominador entre todos los que hacemos está música bailable. Para mí el son es como respirar.

–¿Le causó sorpresa que Rubén Blades haya grabado el tema ‘Muévete’ de su inspiración?

–Con Rubén somos buenos amigos. Con él coincidimos en España en un festival en Gijón, me alegró mucho que se haya fijado en un tema mío. Hasta me pidió permiso para hacerle una que otra innovación en la letra. Es muy amable, una gran persona a quien le grabé el tema ‘Tierra dura’. Además hay un punto en común con Rubén. Los dos hacemos música con mucho contenido social.
Al otro lado de la línea una voz fenemina interrumpe la nota y don Juan nos pide unos minutos para retomar el diálogo. Mientras los segundos transcurrían se escuchaban murmullos y otra voz, esta vez masculina, que le daba la bienvenida. Era la del Caballero de la Salsa, Gilberto Santa Rosa, según nos confesó luego el propio Formell. “Disculpe usted, eran amigos y entre ellos estaba Gilberto Santa Rosa. Se acercaron a saludarme”.

–¿Qué diferencia encuentra entre la música cubana y la salsa que se hace en Nueva York o Puerto Rico?

–Siento que la música cubana es más bailable que la salsa que se hace en Nueva York o Puerto Rico. Los que le gusta este ritmo se dan cuenta que lo que se hace en Cuba es más para los bailadores, más agresiva, con mayor dinamismo, con más fuerza. La salsa es más suave, más ‘light’ y no llena al bailador.

–¿Si en décadas pasadas le cantaban a la realidad que se vive en la isla por qué ahora han centrado sus temas en el amor?
–Se canta de todo, no solo de amor. Además las épocas son diferentes y la gente cambia. Quizá a muchos hasta les sorprende ver a una mujer en la agrupación. Los Van Van como te dije nunca cambiarán de sonoridad.

–¿Incluyó una voz femenina para ponerse a la moda de otras orquestas?

–Yenisel (Valdez) es un gran talento. Pero no fue por moda que la puse en el grupo. Lo que pasa es que la orquesta hace muchas actuaciones en el año y los cantantes tienen una doble función, hacer coros y solos. Eso lastima al cantante. En cambio la mujer tiene un timbre de voz distinto al hombre y lo que para ella es mucho más cómodo, para él es muy agudo. Aunque muchos cuestionaron su llegada al grupo.

–¿Y cómo le fue en Miami? ¿Ya se ganaron al pueblo norteamericano?

–Lo bueno es que en los Estados Unidos nos fue bárbaro. Hay muchos latinos que aceptan nuestra propuesta. Les resulta cómoda nuestra música. Pero debo reconocer que en Miami había unos cuantos con mucho dinero que no querían que actuáramos. Pero no eran todos, solo una minoría. Al resto le gustó mucho lo que hicimos en la tarima. Hace unos días estuvimos en Miami y llenamos un coliseo de más de cinco mil bailadores.

La conversa llegaba a su fin, Formell debía ensayar. “Salúdame a ese pueblo bailador del Perú y espero estar ahí pronto para cautivarlos con nuestra música”. Así se despidió el creador de la Van Van, orquesta que actuará este sábado 13 en la Videna de San Luis junto a artistas de la talla de La India y Niche, en el Festival Salsa con Amor.

Ariel Ramírez

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 23 Feb 2010 03:56:00 +0000

19/02/2010
Texto extraído de la web de la revista venezolana TalCualDigital

El pianista argentino, Ariel Ramírez fue uno de los pioneros de la música folklórica sudamericana

El compositor y pianista, Ariel Ramírez fue un artista que, fiel a las raíces y valores culturales de su pueblo, conformó una trayectoria creativa que le permitió trascender el ámbito de su país de origen. A sus 88 años falleció la noche de este jueves por una neumonía.

Ariel nació en Santa Fe, ciudad del Litoral de la Argentina, el 4 de septiembre de 1921, estudió piano en su ciudad natal y, luego de obtener su título de maestro de escuela, ya convencido de que su futuro estaría destinado a expresar musicalmente las vivencias del hombre del interior de su país, buscó familiarizarse con las manifestaciones de instrumentistas y cantores populares.

Hacia 1943, iniciada ya su carrera de intérprete de un variado repertorio pianístico basado en la música folklórica sudamericana, se presenta como solista de piano en Buenos Aires en conciertos y filmaciones, como así también integrando ciclos de emisiones radiales de arte nacional, especialmente a través de Radio El Mundo.

Su participación fue requerida por las compañías grabadoras de discos, y es RCA Víctor la que imprime, en 1946, sus primeras placas en 78 r.p.m. con sus obras La tristecita (zamba), Purmamarca (bailecito) y Malambo: "lo más puro de mi creación", según ha observado el propio Ramírez.

En 1950 realiza su primer viaje a Europa. Radicado en Roma, durante cuatro años se presenta como intérprete de la música argentina y sudamericana en salas de concierto de las Universidades de Barcelona, Santander, Roma, Cambridge, Utrecht y Amsterdam. Durante 1951, radicado en Madrid, fue becado por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música de tradición oral española.

En 1955 regresa a la Argentina y emprende la tarea de organizar la Compañía de Folklore Ariel Ramírez con la cual recorre innumerables escenarios del interior del país durante más de dos décadas.

Durante esa etapa su labor compositiva se enriquece con temas como Los inundados, Volveré siempre a San Juan, La última palabra, La equívoca, El Charrúa, Allá lejos y hace tiempo, Cuatro rumbos y El Paraná en una zamba. Paralelamente reinicia sus estudios de composición con el maestro Erwin Leuchter, que continúa durante la década de 1960.

1964 es un hito especialmente significativo en su trayectoria, puesto que para la Navidad de ese año da a conocer Misa Criolla, con la cual se abre uno de los períodos más brillantes en su labor creativa jalonado de obras de reconocido mérito como Navidad Nuestra, Los Caudillos, Mujeres Argentinas y Cantata Sudamericana.

Su carrera internacional continuó ininterrumpidamente, llevando su arte a otros países americanos, como Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela, México y Uruguay; precisamente fue en Mercedes, donde se realizó la primera audición pública de Misa Criolla, el 20 de diciembre de 1965 en un espectáculo organizado por la Peña Lazo y Estribo.

Premios recibidos

Buenos Aires, Argentina, 1964
"Misa Criolla / Ariel Ramírez", otorgado por APTRA.

París, Francia, 1965
Premio Mejor Disco de Folklore. Academia Charles Cros.

Buenos Aires, Argentina, 1968
Premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina a la Mejor Música del año, por Martín Fierro, de Leopoldo Torre Nilsson.

Cosquín, Argentina, 1971
Premio “Camín”, otorgado por Festival Nacional de Folklore.

Naarden, Holanda, 1974
Disco de Platino Misa Criolla, un millón de ejemplares vendidos en el mundo entero.

Caracas, Venezuela, 1978
Orden Andrés Bello, Condecoración del Gobierno de Venezuela.

Buenos Aires, Argentina, 1979
Cruz de Plata Revista Esquiú.

Buenos Aires, Argentina, 1985
Premio Konex de Platino, por Compositor de Folklore Categoría Música Popular.

New York, EEUU, 1988
Mención Honorífica del Gobernador del Estado de New York, Dn. Mario Cuomo.

San José, Costa Rica, 1989
La Unión Musical Costarricense rinde homenaje al eminente músico argentino Ariel Ramírez.

México D.F., México, 1990
Medalla de Oro / Diploma de la Sociedad de Autores y Compositores de Música de México [SACM] por su brillante labor mundial como compositor.

Córdoba, Argentina, 1991
La Municipalidad de Córdoba al Maestro Ariel Ramírez en reconocimiento por su aporte al Patrimonio Musical Argentino. Dr. Ramón Mestre, Intendente Municipal.

Rimini, Italia, 1992
Honourary Fellow del Meeting per l’Amicizia fra I Popoli Avv. Antonio Smurro, Il Presidente.

Buenos Aires, Argentina, 1993
Reconocimiento por sus 50 años en la actividad musical Presidencia de la Nación.

Buenos Aires, Argentina, 1994
Premio Santa Clara de Asís. Por los 30 años de Misa Criolla La Liga de Madres de Familia.

Buenos Aires, Argentina, 1995
Homenaje en celebración de los 30 años de Misa Criolla Cámara de Diputados de la Nación.

Buenos Aires, Argentina, 1996
Orden a los Servicios Distinguidos, Condecoración otorgada por el Ejército Argentino.

Buenos Aires, Argentina, 1999
Académico Emérito. Academia Argentina de Música.

Santa Fe, Argentina, 2000
Profesor Honorario de la Universidad Nacional del Litoral.

Buenos Aires, Argentina, 2001
Sociedad de Distribuidores de Diarios, Revistas y Afines. Recorrido Dorado Angel Cholo Peco. 2001, a la Música.

Santa Fe, Argentina, 2002
Al Maestro Ariel Ramírez como reconocimiento a su trayectoria artística y en agradecimiento por su presencia en nuestro Festival Coral. Universidad Católica de Santa Fe.

Le Havre, Francia, 2003
Al Maestro Ariel Ramírez, medalla Le Ville du Havre. Maire du Havre D’Antoine Rufenacht.

La Plata, Argentina, 2004
En reconocimiento a su trayectoria, al Padrino de Nuestra Escuela Maestro Ariel Ramírez. Escuela de Hotelería, Gastronomía y Turismo “Mario N. Aguilar”.

Canciones inolvidables de Ariel Ramírez que retumbaron, alguna vez, en el Perú

Acércate cholito: genial creación de Ariel Ramírez que fue, inexplicablemente, desoida en el Perú en los 90s.

Y tres versiones de su máxima creación "Alfonsina y el mar", cada una más bella que la otra.Además, como bonus, el retrato de la musa inspiradora de la canción más laureada y sentida del gran Ariel Ramirez.

Elvis 75

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 16 Jan 2010 03:20:00 +0000

El cumpleaños de “El Rey”

El Comercio
07 de enero de 2010

MAÑANA, EL REY DEL ROCK HUBIERA CUMPLIDO 75 AÑOS, Y SU ESPOSA E HIJA SE ALISTAN A CELEBRARLO EN GRACELAND. SIN EMBARGO, NO FALTAN ADMIRADORES QUE AÚN SE NIEGAN A CREER QUE EL REY DEL ROCK NO SIGA ENTRE NOSOTROS

Por: Enrique Planas

“El 12 de noviembre del 2000, en Hutchinson, Kansas, entré a una gasolinera. Fui al baño y me encontré con Elvis. Le dije: “¡Eres el rey!”, y él me contestó: “Lo fui, chico, pero ya no lo soy””. Este es uno de los cientos de “avistamientos” colgados en www.elvissightingbulletinboard.com, una de tantas webs dedicadas a rastrear encuentros cercanos con el Rey del Rock, y que proclaman que su desaparición es parte de una gran teoría conspirativa.

Para algunos miles, Elvis Presley, quien mañana hubiese cumplido 75 años, está más vivo que usted o yo. Incluso aseguran haberlo visto en lugares tan comunes como restaurantes o lavanderías en recónditas localidades de Estados Unidos, Reino Unido o Afganistán. Y por ello imaginan que el vecino más famoso de Memphis celebrará su cumpleaños escondido en algún remoto poblado de la Unión, riéndose de todos los que escribieron su obituario.

La agencia alemana de prensa (DPA) informa de cómo el cineasta Adam Muskiewicz, en su documental “The Truth About Elvis”, intenta despejar lo que él llama las “muchas preguntas sin respuesta sobre Elvis” entrevistando a todo el séquito y personajes cercanos al divo. El realizador llegó a ofrecer una generosa recompensa a quien presentara pruebas de que Elvis siguiera vivo, pero aún nadie ha podido cobrar el dinero.

Quienes rechazan que Elvis haya muerto a los 42 años, el 16 de agosto de 1977 por sobredosis de medicamentos, llegan a tejer supuestas implicaciones del FBI y la inclusión del músico en un programa de protección de testigos, sin atender las explicaciones ni los llamados a la cordura que, a lo largo de 32 años, los encargados del legado de Elvis ofrezcan en www.elvis.com.

Mañana ciudades como Memphis, Los Ángeles y Las Vegas han preparado la fiesta más concurrida y larga para conmemorar los 75 años del Rey del Rock. Los imitadores tendrán la agenda copada, mientras que museos y galerías han preparado exposiciones. El evento principal comenzará la víspera, en Graceland, lugar que cada año recibe la más grande peregrinación no religiosa en el mundo, y que tendrá a su ex esposa Priscilla y su hija Lisa Marie como anfitrionas. Quién sabe: quizás Elvis está vivo, después de todo, y, como canta Andrés Calamaro, se quedará viendo su propia fiesta, en una bata de seda, desde un inodoro de cristal. Será mejor así.

UN CUMPLEAÑOS QUE CELEBRA TODO UN PAÍS

Elvis, el hombre que fue rey
El Comercio
07 de enero de 2010

EL REY DEL ROCK NACIÓ UN 8 DE ENERO, HACE 75 AÑOS, EN UN PUEBLO DEL MISSISSIPPI. EL LEGADO DE ELVIS PRESLEY, EL MÚSICO MÁS EXITOSO DE TODOS LOS TIEMPOS, LE SOBREVIVE

LOS ÁNGELES. [DPA]. Cuando “Heartbreak Hotel” se convirtió en el primer hit de Elvis Presley en la primavera de 1956, Estados Unidos aún se hallaba racialmente segregado y Frank Sinatra era su mayor estrella. Era la época del “boom” económico de posguerra, que llenaba de dinero los bolsillos de adolescentes para comprar discos, mientras la difusión de la TV y las radios portátiles creaba una nueva era. Cuatro lustros después, cuando en 1977 Elvis murió a los 42 años, el mundo era muy distinto: su rock and roll había derribado las barreras raciales y se había convertido en la banda sonora de las tumultuosas décadas del 60 y 70.

Elvis nació en 1935 en Tupelo, Mississippi, como hijo único en el seno de una familia humilde. De niño se crio en barrios afroamericanos y se le recuerda como un muchacho tímido que tocaba la guitarra, frecuentaba las tiendas de discos en Memphis y merodeaba por los escaparates buscando las últimas tendencias de moda.

Estudió para convertirse en conductor de camiones, pero sus planes cambiaron cuando el dueño de un estudio local lo escuchó cantar “That’s All Right” durante una pausa en una sesión de grabación, e intuyó el potencial de aquel joven blanco y guapo que cantaba blues, estilo musical hasta entonces exclusivo de la comunidad negra. Luego, tras firmar con RCA Victor, pasó a ser toda una sensación en 1956, con éxitos como “Heartbreak Hotel”, “Hound Dog” o “Love Me Tender”. Sus apariciones volvieron loco al público adolescente y escandalizaron a los críticos musicales. Incluso Sinatra hizo eco de la indignación de muchos estadounidenses conservadores. “Su tipo de música es deplorable, un afrodisíaco que huele a rancio. Fomenta casi totalmente reacciones destructivas entre los jóvenes”, diría el viejo Frankie.

Pero para su público, la combinación de su imagen independiente y su música desinhibida resultaba irresistible. Elvis compró Graceland en 1957, un año antes de cumplir durante dos años el servicio militar. A su regreso, en 1960, su tren fue arrollado por una multitud de “fans”.

Cuando el rock and roll que él inició comenzó a desvanecerse, arrollado por bandas como los Beatles, Elvis se retiró de los escenarios y los estudios, y se dedicó a filmar comedias románticas de dudosa calidad. En 1968, insatisfecho con su carrera musical y odiando la cultura hippie que se había forjado a raíz de sus innovaciones, decidió regresar con un especial de Navidad que fue su primera actuación en vivo y en directo en siete años.

Su trabajo de estudio también resucitó con temas como “Suspicious Minds” y el tour de conciertos en Las Vegas fue recibido triunfalmente. Incluso el presidente Nixon lo había reclutado para su campaña antidrogas. Sin embargo, con un matrimonio a la deriva, y un físico que evidenciaba su dependencia de los barbitúricos, su carrera empezó a caer cuesta abajo. En 1977 —según su biógrafo Tony Scherman— se había convertido en “una grotesca caricatura del elegante y enérgico personaje que había sido”. Ese año, el 16 de agosto, fue encontrado sin vida en el suelo del baño de Graceland. Había muerto el Rey del Rock, pero su extenso legado forma parte del ADN de nuestra cultura.

DATOS
El cumpleaños de Elvis se conmemorará con diferentes actividades este año en todo el país. El acto principal comenzará hoy, en la víspera del aniversario, en su mansión de Graceland.
50 millones de dólares generó el Rey del Rock en el 2009. Desde hace cinco años, Elvis ocupa el primer lugar en la lista de artistas desaparecidos que continúan generando ingresos.
Este año habrá Elvis para todos los gustos en EE.UU. Incluso su mítica motocicleta Harley-Davidson roja y blanca, modelo 1956, será el centro de una exposición en la ciudad de Milwaukee.
1.000 millones de personas vieron por TV el especial “Aloha from Hawaii Via Satellite”, programa protagonizado por el Rey del Rock en 1973. Un récord que aún nadie le arrebata.
El director clásico Leonard Bernstein dijo del Rey del Rock: “Elvis fue la mayor fuerza cultural del siglo XX. Golpeó todo, la música, el lenguaje, la ropa; fue toda una nueva revolución social”.

LOS NÚMERO UNO
A continuación, los dieciocho “singles” de Elvis que ocuparon el primer puesto en EE.UU.
1956
“Heartbreak Hotel”
“I Want You, I Need You, I Love You”
“Don’t Be Cruel”
“Hound Dog”
“Love Me Tender”
1957
“Too Much”
“All Shook Up”
“Teddy Bear”
“Jailhouse Rock”
“Don’t”
1958 “Hard Headed Woman”
1959 “A Big Hunk O’Love”
1960
“Stuck on You”
“It’s Now or Never”
“Are You Lonesome Tonight”
1961 “Surrender”
1962 “Good Luck Charm”
1969 “Suspicious Minds”

CRONOLOGÍA MÍNIMA
1935 Nace el 8 de enero en Tupelo, Mississippi.
1948 Se instala en Memphis.
1953 Se gradúa en la Hughes High School.
1955 Firma contrato con RCA Victor.
1958 Es reclutado por el ejército.
1967 Se casa con Priscilla Beauluieu en Las Vegas.
1968 Nace su hija Lisa Marie.
1977 El 16 de agosto fallece en su mansión de Graceland.

Veinte años sin la voz de Eduardo Franco

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 13 Jan 2010 23:37:00 +0000

ANIVERSARIO. Cantante uruguayo

El Comercio
01 de fgebrero de 2009

UN DÍA COMO HOY, HACE DOS DÉCADAS, DEJÓ DE EXISTIR EL VOCALISTA DE LOS IRACUNDOS SU INCONFUNDIBLE TIMBRE MARCÓ UN HITO ENTRE ROMÁNTICOS

¿Quién no ha escuchado la ronca voz de Eduardo Franco? Más allá de gustos personales, la música de Los Iracundos ha llenado buena parte de la canción romántica latinoamericana con temas simples (hasta cándidos), pero que ganaban fuerza con el timbre recio de su vocalista. Lamentablemente, en toda su plenitud, Franco se nos fue cuando apenas tenía 43 años. Aquello ocurrió el 1 de febrero de 1989, sí, un día como hoy hace veinte años.

Además de haber sido un cantante muy intenso, uno de esos que antepone el sentimiento interpretativo sobre cuestiones que tengan que ver con la técnica, Eduardo Franco era —según quienes lo conocieron— un tipo que amaba la vida en familia y con amigos, que siempre buscaba la ocasión de reunir a toda su gente para cumplir con los rituales de confraternidad en los que no podían faltar café, mate y, por qué no, un buen asado. Claro, también gustaba de las pastas, del vino y de los cigarrillos.

La vida dentro de la banda era muy placentera, toda vez que eran compañeros muy unidos. Juntos crearon un sinnúmero de éxitos que han rotado por las emisoras de todo el mundo; ahí están piezas como “Puerto Montt”, “Te lo pido de rodillas”, “Soy un mamarracho”, “Río verde” y “Va cayendo una lágrima”, entre muchísimos más que aún hoy suenan con insistencia en radios del recuerdo y de música romántica.

Franco estaba casado con Dana María Karlowics, con quien tuvo tres hijos: Sergio, Giselle y Julia. Dana fue la musa inspiradora de al menos dos canciones compuestas por Franco: “Apróntate a vivir” y “Dime quién”. Ambos formaron una pareja sólida que supo enfrentar los problemas y solucionarlos de la mejor manera.

Quienes estuvieron cerca de él afirman que era un hombre vanidoso, preocupado por su aspecto, pendiente de su cabello y algo obsesionado con su nariz, que presentaba una ligera desviación de tabique. Prefería los trajes negros, las camisas blancas y frecuentemente se fijaba en la imagen que rebotaba el espejo.

Para sus “fans”, la voz de Franco jamás se podrá igualar.

El patriarca del jazz latino

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 16 Dec 2009 03:17:00 +0000

ENTREVISTA A PAQUITO D'RIVERA
El Comercio
16 de agosto de 2008

D'RIVERA VOLVERÁ AL PERÚ, TRAS UNA PROLONGADÍSIMA AUSENCIA, PARA OFRECER UN RECITAL IMPERDIBLE EL 6 DE SETIEMBRE. EN SU QUINTETO MUSICAL DESTACA LA PRESENCIA DEL BAJISTA PERUANO ÓSCAR STAGNARO
Por Raúl Cachay A.

"Hace tanto tiempo que no me invitaban que ya estaba pensando que los peruanos no me querían más por allá. ¡Por un momento imaginé que los incas me habían declarado la guerra o algo!", dice el mítico clarinetista, saxofonista y compositor cubano Paquito D'Rivera a través del hilo telefónico. Su voz suena casi como la música que interpreta: alegre, juguetona, siempre lista para el juego de palabras ingenioso o el chascarrillo ocasional.

Paquito D'Rivera, uno de los padres fundadores del latin jazz, se presentará en el Perú después de muchísimo tiempo --tanto que el propio artista no alcanza a recordar cuándo fue su última presentación en Lima-- el lunes 6 de setiembre en el Jockey Club de Monterrico.

¿Cómo será su recital en Lima? ¿Tocará los temas de su más reciente álbum, "Funk Tango", sus grandes clásicos, o quizás alguna sorpresa?
Bueno, llevaremos música de nuestro nuevo disco, que incluye piezas de nuestro queridísimo y viejo bajista peruano Óscar Stagnaro, que arregló y escribió un tema muy lindo llamado "Mariella's Dream", que está inspirado en un sueño que tuvo su pequeña hija. Estoy muy feliz con Óscar, tanto que llevamos tocando juntos como veinte años. También interpretaremos piezas de Piazzolla y le voy a pedir a Óscar que toque su versión de "La flor de la canela", que la hace solamente con el bajo.

Este año ha sido bastante especial para usted: obtuvo un nuevo Grammy con "Funk Tango" y hace poco recibió un premio muy prestigioso en Fráncfort, Alemania.
Todo fue sorprendente para mí. El premio alemán lo otorga la Sociedad de Músicos y, entre quienes lo han recibido, figuran muchísimos grandes maestros, como Chick Corea, por ejemplo. Me llevé a Fráncfort a Alex Brown, un pianista extraordinario que también me acompañará en Lima, quien aprendió mucho de lo que sabe de Óscar Stagnaro. Y lo del Grammy fue también una cosa muy bonita, porque ese fue el primer disco que produjimos nosotros mismos. Es muy chistoso, porque en la portada del disco dice "Paquito D'Rivera Quintet" y aparecen como nueve nombres

¿Cómo se explica la popularidad que mantiene el latin jazz en todo el mundo? En Europa la gente literalmente delira con este género musical
Todo eso va 'in crescendo', porque el latin jazz es cada vez más popular en el mundo entero. Yo no sé a qué se debe, pero una de las razones tiene que ser la frescura que siempre tiene la música de Latinoamérica. Una de las pocas cosas en las que hemos tenido éxito los latinoamericanos es precisamente en el arte, porque en lo político siempre hemos sido un desastre. Ustedes tienen grandes escritores, como César Vallejo y Vargas Llosa, y músicos extraordinarios, como Álex Acuña, Chabuca Granda, Óscar Avilés El Perú es un país muy artístico y musical. Estoy entusiasmado con este viaje. Es más, espero darme una vueltecita por el Amazonas, porque la última vez que viajé al Perú estuve en Machu Picchu. Siempre tuve la ilusión de conocer el Amazonas. Otra cosa que debo decir de esta presentación es que he invitado a un viejo amigo mío, el chelista Miguel Ángel Reyna, que vive hace mucho tiempo en el Perú. Él fue compañero mío en el Conservatorio, allá en nuestro pueblo. Con él tocaré el danzón "Recuerdos". Estoy muy ansioso por tocar allá.

PERFIL
NOMBRE Paquito D'Rivera.
EDAD 60 años.
TRAYECTORIA Resumir la amplísima trayectoria del gran maestro cubano en unas pocas líneas sería, en principio, una completa insensatez: clarinetista y saxofonista, el forjador del latin jazz con agrupaciones como Irakere ha paseado su talento por el mundo entero y ha obtenido incontables premios musicales, entre ellos el Grammy (en siete ocasiones).

Olivia Newton John - "Hopelessly devoted to you"

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Nov 2009 17:56:00 +0000

Neil Diamond -September morn

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Nov 2009 17:41:00 +0000

Barbara Streisand & Barry Gibb "What Kind Of Fool"

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Nov 2009 17:36:00 +0000

Gracias por La Música (Tank you for The music) - ABBA

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Nov 2009 17:26:00 +0000