Salut à tous ! Après un certain temps sans rien vous rédiger, je reviens aujourd’hui avec un article sur l’illustrateur coup de cœur du moment, Diego L.Rodriguez ! Je vais vous présenter son travail qui m’a vraiment bluffé. De l’illustration, essentiellement faite sur des portraits, un travail alliant de multiples techniques numériques entre retouches, photomontages et travail d’illustration.

C’est un illustrateur, graphiste et photographe espagnol doué d’un talent et d’une technique plus qu’impressionnants. Il travaille aujourd’hui à Madrid après être passé par Los Angeles et Mexico.
Diego L.Rodriguez exerce ses talents dans le secteur musical (design d’album, flyers, posters), en particulier pour la marque Warner Music Group. Il réalise également des travaux d’identité visuelle, publicité, brochure mais aussi des tshirts. Rappelons tout de même qu’il est aussi le directeur de galerie du collectif Slashthree…
Avec ses créations graphiques, Diego Rodriguez explore certes des pistes différentes, mais il démontre aussi sa capacité à maintenir une technique et un style graphique qui lui sont propres, des travaux colorés et détaillés, un style particulier, qui le démarquent et qui interpellent.

Je vous laisse donc découvrir son univers dans la suite de l’article :

Et le site de l’artiste !

Cet article est la suite du tutoriel [3D Studio Max] Les bases de la modélisation

Il sera question ici de présenter quelques fondamentaux des textures de 3DS Max. Comme vous le verrez par la suite, il existe plusieurs types de matériaux. Je me concentrerai essentiellement (à partir de la partie III) sur ceux de type Vray, qui est un moteur de rendu payant dont vous pouvez télécharger la version d’essai ici : Vray pour 3DS Max .

Note avant de débuter : sur les nouvelles versions (3Ds Max 2010 et plus), l’éditeur de matériaux est présenté sous cette forme

 

 

 

N’utilisant jamais cet éditeur, (il ne fait que vous changer la présentation, le fond reste le même) je me baserai uniquement sur sa version standard. Pour passer d’un éditeur à l’autre, il suffit d’aller dans Modes > Compact Material Editor

I/ Présentation de l’éditeur de matériaux

De base, tous les objets que vous créez se voient assigner une couleur au hasard qui fait office de très mauvaise texture. Pour en changer, vous devez ouvrir l’Editeur de matériaux (raccourci : M).

Cet éditeur présente plusieurs sphères que vous pouvez modifier pour créer des textures. Pour afficher davantage de sphères, il suffit (une fois dans l’éditeur) de faire X . Pour assigner une texture, faites glisser une des sphères vers un objet de votre scène.

Dans cette fenêtre, beaucoup d’informations. Mais une seule est vraiment capitale : le Shader.

Un Shader est un modèle de matériau dont vous pouvez ajuster les paramètres. Sur un Shader Standard par exemple, le contrôle de la réflexion se fera par le biais du Specular Level et du Glossiness. Sur un Shader VrayMtl, il faudra jouer sur le Refl. glossiness ainsi que sur l’IOR (termes sur lesquels je reviendrai).

Par défaut, le Shader est de type Standard. Pour en changer, il suffit de cliquer dessus. S’ouvre alors une liste de Shaders, que nous n’aborderons pas ici.

II/ Comment fonctionnent les matériaux ?

Avant de rentrer en détail sur les caractéristiques des matériaux que nous allons créer, il faut savoir que ces derniers fonctionnent de paire avec les moteurs de rendu de 3DS Max. Le logiciel dispose de base de deux moteurs : Default Scanline Renderer et Mental Ray. Vray est un troisième moteur de rendu, qui n’est pas présent sur 3DS lorsque vous l’installez.

Chaque moteur dispose de ses propres Shaders. Ainsi, certains Shaders ne sont accessibles que si vous avez au préalable choisi le bon moteur de rendu. Nous travaillerons par la suite avec le Shader VrayMtl, associé à Vray.

Faites donc F10 et choisissez Vray comme moteur (j’ai ici la version 2, mais n’importe quelle autre convient).

Vous pouvez à présent prendre un Shader VrayMtl.

III/ Le Shader VrayMtl

Chaque moteur de rendu ayant son propre Shader privilégié, il serait inutile de prendre le Standard pour une scène tournant avec Vray. Je vous recommande donc de choisir systématiquement le VrayMtl pour vos textures de base.

Une fois ce dernier sélectionné et appliqué à un objet de votre scène (prenez par exemple une Sphère), vous avez accès à diverses options.

A/ Diffuse

Il s’agit de la couleur de votre matériau. Deux moyens de la modifier : cliquer sur le rectangle gris pour choisir une nouvelle couleur d’ensemble, ou bien cliquer sur le petit carré gris pour lui assigner une texture plus complexe.

Si vous avez choisi cette dernière option, une nouvelle fenêtre s’ouvre. Remarquez qu’il ne s’agit plus ici des Shaders que nous avions vu précédemment, mais de Maps.

Une Map est une texture applicable à votre matériau. La plus utilisée est le Bitmap, qui vous permet de choisir une image sur votre ordinateur. Le Gradient va créer sur votre texture un dégradé allant du noir au blanc. Le Noise est très utile pour générer rapidement une texture aléatoire en niveaux de gris.

Choisissons ici Bitmap. A vous de prendre une texture appropriée; je choisirai pour ma part celle ci : Texture marbre .

Je vous recommande au passage ce site : CG Textures, qui est une vraie perle en la matière. Il y est archivé à peu près tout ce que vous pouvez souhaiter, et en plus le contenu est gratuit.

Le bitmap sélectionné, la fenêtre de votre éditeur s’est modifiée. Pour revenir à la fenêtre principale, cliquez sur le bouton retour (en bleu).

Remarquez que votre Diffuse est maintenant différent : il est apparu dans le petit carré un M, qui vous rappelle qu’une texture est assignée au slot Diffuse. Ainsi, modifier la couleur d’ensemble du matériau n’aura maintenant aucun effet.

Pour supprimer votre texture, il vous suffit de cliquer droit sur ce même M et de choisir Cut ou Clear.

Pour l’afficher dans votre fenêtre de navigation, (ce qui n’est pas fait de base, par souci d’économie de mémoire vive) cliquez sur Show Standard Map in Viewport :

B/ Reflection

La réflexion vous permet de régler la manière dont la lumière va rebondir sur votre matériau. C’est l’un des réglages les plus importants que vous aurez à faire. En effet, vous savez sans doute que notre vision de l’objet est conditionnée par la manière dont il réfléchit la lumière : pas de réflexion signifie un objet perçu noir; une réflexion maximale implique un objet presque blanc.

Tous vos rendus en 3D seront donc une affaire de lumière : c’est elle qui donnera une crédibilité à votre scène.

Dans ce Shader VrayMtl, il vous est proposé plusieurs options pour modifier la réflexion.

- Reflect : règle la réflexion du matériau de manière grossière. Plus vous mettez une couleur proche du blanc, plus votre matériau sera réfléchissant.

Remarque : ce paramètre en apparence simple est complètement contre-intuitif : plus vous mettez de blanc dans le Reflect, plus votre matériau semble transparent. La raison à cela est que pour le moment nous n’avons pas encore réglé correctement la réflexion.

 

De la même manière que pour le Diffuse, vous pouvez très bien choisir de mettre une Map dans le Reflect au lieu d’une simple couleur. Essayez avec votre texture précédente : pour cela, faites glisser la texture précédente vers le slot Reflect de manière à la dupliquer. Choisissez « Copy ».

Remarque : Les maps de Reflect n’acceptent pas la couleur. 3DS Max convertit donc automatiquement l’image de marbre que nous avons mise en image en niveaux de gris.

Rien ne vous empêche (et c’est même souvent mieux) de créer vos propres maps de Reflection sous Photoshop, en choisissant quels endroits seront les plus réfléchis.

 

 - Refl. glossiness : règle la dureté des reflets. Plus cette valeur est petite, plus le matériau renvoie la lumière de manière diffuse. Evidemment, ce réglage dépendra de la couleur de votre slot Reflect. J’ai pris ici un gris intermédiaire.

 - Fresnel reflections : je n’ai pas vraiment de définition à vous donner ici. Disons simplement que le Fresnel reflection est une option que vous pouvez ou non cocher, et qui va radicalement modifier la réflexion du matériau. Je l’active souvent, bien qu’en théorie elle soit surtout adaptée aux matériaux de type verre.

Voici un exemple de réflexion avec et sans Fresnel reflections. Remarquez qu’en la cochant, je préserve la couleur du matériau.

• Fresnel reflection off, Refl. Glossiness à 1.0 et map de Marbre dans le Reflect

 

 

 

Refl. glossiness à 0.7 : les reflets sont assez doux, et uniformément répartis sur le matériau

 

 

 

Refl. glossiness avec map de Marbre (changer sa valeur est alors inutile) : les reflets ne sont plus présents que sur les zones claires de mon image de Marbre

 

 

 

• Fresnel reflection on, Refl. Glossiness à 1.0 et map de Marbre dans le Reflect

 

 

 

Refl. glossiness à 0.7

 

 

 

Refl. glossiness avec map de Marbre

 

 

Voici donc les 3 paramètres les plus importants de la réflexion. Je vous donnerai en fin de tutoriel quelques réglages de base pour différents types de matériaux.

La méthode la plus prolifique reste de tester par vous même tout cela : je vous ai créé une scène avec un éclairage basique et quelques paramètres de rendu Scène Matériaux. A vous de créer les textures.

Pour modifier la taille du rendu, faites F10 et changer les valeurs Width et Height. Pour démarrer le rendu, cliquez sur le bouton Render.

C/ Refraction

Le Refract détermine la transparence de votre matériau. En physique, un rayon réfracté (par opposition au rayon réfléchi) passe à travers le matériau sans revenir vers votre oeil. Ainsi, si tous les rayons sont réfractés, vous verrez à travers le matériau.

Plus le Refract est blanc, plus le matériau est transparent. Je n’aborde pas les autres réglages, qui sont assez fins et dont je ne me sers presque jamais.

Remarque : dans votre éditeur, vous pouvez afficher un fond derrière votre matériau de manière à apercevoir la réfraction. Pour cela, allez dans Options > Background. 

Une chose importante dans cet onglet (même si votre matériau n’est pas transparent) est l’IOR.

Ce dernier n’aura une utilité que si vous avez activé le Fresnel reflections et mis un Refl. glossiness inférieur à 1. Plus l’IOR est grand, plus vos reflets seront brillants et concentrés. C’est donc un paramètre crucial, et parfois baisser un IOR peut totalement changer une texture.

D/ Maps

Les Maps vous permettent d’accéder à tous les autres réglages autres que le Diffuse, la Reflection et la Refraction. Pour y accéder, il faut descendre dans votre éditeur et dérouler la liste Maps.

Remarque : si vous aviez précédemment mis un Bitmap dans le Diffuse ou le Reflect, vous devez les retrouver ici.

 

 

C’est uniquement dans la liste Maps que vous pourrez modifier la transparence de vos textures. Par défaut, l’opacité est à 100%. Diminuez-la si vous souhaitez voir apparaître en dessous la couleur de base de votre Diffuse ou Reflect.

Dans ces Maps, deux slots sont particulièrement utiles.

 - Le Bump vous permet d’ajouter un relief factice à votre texture. Il fonctionne en niveaux de gris : les endroits les plus blancs de la map que vous mettez seront les plus en relief.

Exactement de la même manière qu’avec le Diffuse, vous avez ici le choix de la Map à placer dans le Bump. Cliquez sur None et choisissez Bitmap, Gradient, Noise, ou bien une autre Map.

 Remarque : le bump ne fonctionne que si une lumière est présente dans votre scène. Plus le matériau sera éclairé, plus le bump sera prononcé.

  - Opacity : votre matériau est délimité par la Map que vous mettrez dans ce slot. Ce genre de technique est très utile pour certains matériaux : par exemple, un grillage qui nécessiterait quelques minutes de modélisation et pas mal de polygônes, peut être simulé très facilement avec un plan et une map Opacity.

Diffuse

Opacity

 

Vous avez donc maintenant un aperçu global de l’éditeur de matériau : tout commence par le Shader. Ici, nous avons travaillé avec le VrayMtl.

Ce Shader a plusieurs options qui lui sont propres : Diffuse, Reflection, Refraction, Bump et Opacity. A chacune de ces options on peut assigner une map qui délimite sa zone d’action. Par exemple, une map Noise associée au Bump aura pour effet de donner du volume à votre matériau, mais seulement aux endroits où la map est la plus claire. 

IV/ Le Shader VrayBlendMtl

J’en profite pour vous montrer un second Shader très utile : le VrayBlendMtl. Il vous permet de mélanger facilement plusieurs textures et Shaders.

Dans votre éditeur, sur un nouveau matériau, cliquez sur Standard pour changer de Shader et prenez le VrayBlendMtl.

Il vous faut d’abord choisir un Base material, qui sera votre matériau référent par dessus lequel vous ajouterez les autres.

Dans la colonne Coat materials vont se mettre les Shaders supplémentaires. Le Blend amount se remplit avec des Maps, et règle la manière dont vous mélangez les textures.

Voici quelques exemples :

 

 J’ai choisi un Gradient pour mélanger les textures. J’ai modifié le dégradé de manière à ce que la texture ajoutée soit surtout visible en bas.

 

 

 

 

Le noise a fait ici office de masque. J’ai réglé le Tiling (c’est à dire l’échelle de la texture. Un Tiling de 2 donne une texture deux fois plus petite).

 

 

 

 

Une Map un peu particulière : le VrayDirt.

Une combinaison très utilisée et vraiment intéressante est la dernière : elle permet de simuler à peu de frais l’usure qui existe toujours sur le rebord des matériaux (question de géométrie, les rebords sont les parties les plus exposées à la saleté).

Le VrayDirt va ajouter du noir sur les rebords tout en conservant intacte la texture originale. Vous pouvez changer le Radius (la surface sur laquelle vous permettez à la saleté de se répandre) ainsi que les Subdivs (la qualité de la map).

V/ Quelques matériaux de base

C’est souvent le plus dur : savoir sur quels paramètres jouer pour obtenir le résultat voulu. Je vous ai regroupé ici quelques matériaux de base dont vous pouvez partir pour créer vos textures.

Le résultat final dépendra énormément de l’éclairage de votre scène. Voici la scène que j’ai utilisée, sur laquelle vous pouvez vous baser pour tester vos matériaux : Rendu textures. Elle comporte deux plans éclairant, ainsi qu’une lumière basique pour projeter les ombres. J’ai aussi mis un plan courbé de manière à réfléchir toute la lumière sur la sphère.

Chrome

 

Matériau avec une réflexion assez forte et diffuse. L’option Ward permet d’avoir une lumière plus uniformément répartie.

 

 

Verre 

 

Combinaison classique pour des matériaux transparents : une réfraction maximale associée à une réflexion assez discrète. Remarquez qu’ici l’IOR a une importance alors que je n’ai pas coché Fresnel reflections. L’influence de l’IOR se fait ici sur la réfraction.

 

 

Argent

Beaucoup de réflexion, répartie sur une petite zone.

 

 

 

 Marbre

 

 

Remarquez qu’ici les reflets sont inexistants (Refl. glossiness à 1.0). Une mauvaise habitude à ne pas prendre est de croire qu’un bon matériau est toujours très réfléchissant; la très grande majorité des matériaux qui vous entourent reflète très peu la lumière.

Laisser le Refl. glossiness à 1 pour un matériau est donc très fréquent.

J’en ai donc fini avec la création de matériaux, et je crois que ce tutoriel pourra vous être utile pour tout ce que vous compterez faire ensuite. Je n’ai bien sûr ici pas tout mentionné, c’est aussi à vous de découvrir par vous-même le logiciel (et de vous casser les dents sur certains problèmes ).

Je tenais juste à ajouter une dernière chose : la texture la plus réussie que vous puissiez faire sera toujours décevante si vous ne prenez pas la peine de faire une modélisation correcte au préalable. Commencez donc votre scène par une mod propre, avec un matériau simple (par exemple un VrayBlend avec VrayDirt et comme base material un VrayMtl gris avec reflets), et seulement après songez aux textures.

]]> http://www.graphistes-world.com/3d-studio-max-les-bases-du-texturing-vray/feed 8 http://www.graphistes-world.com/depthcore-xliii-time http://www.graphistes-world.com/depthcore-xliii-time#comments Thu, 29 Dec 2011 07:49:20 +0000 pezcado http://www.graphistes-world.com/?p=5306 Depthcore lance sa toute nouvelle exposition : Time !]]>

À quelques jours de Noël, c’est un beau cadeau que nous a fait le célèbre collectif DepthCore, qui se passe maintenant de présentation.

Approchant de leur 10e anniversaire, ils ont cru bon de choisir le thème «Time» pour travailler sur cette 43e exposition qui compte plus de 80 pièces.  Ils nous parlent ici du temps et des gens qui passent et évoluent.

Cette fois, c’est au tour de leur nouvelle recrue venant de Serbie, Vesna Pesic, d’être sous les projecteurs de cette exposition. Cette artiste utilise principalement le collage ainsi que quelques autres techniques traditionnelles pour réaliser ses œuvres. Elle ajoute ainsi un peu de fraîcheur à ces expositions qui comportent souvent des créations où les effets Photoshop pullulent.

Je trouve en revanche dommage que le collectif n’ait pas regroupé sa série sur un seul et même tableau, mais plutôt séparé son travail comme des pièces uniques. En effet, en parcourant l’exposition, on a un peu l’impression de revoir passer les mêmes œuvres… Il en va de même avec la série de Saddo.

Dans cette expo, j’ai eu deux petits coups de cœur. D’abord, j’ai vraiment pris la peine de découvrir le portfolio de Matei Apostolescu. Son travail avec le vectoriel est tout simplement gigantesque et impressionnant. Ses créations sont toujours très colorées et pleines de petits détails. Ensuite, il y a l’évolution du style de Rik Oostenbroek. Cette fois, avec sa pièce intitulée «Karma», on retrouve les savoureuses formes fluides (que l’on aimait tant dans ses pièces abstraites) utilisées intelligemment pour créer une image plus cohérente. Personnellement, je trouve que ça rend très bien.

Voilà, je vous laisse maintenant, sans perdre plus de temps, regarder ma petite sélection. Le lien vers l’exposition complète se trouve en fin d’article !

Looking Back par Vesna Pesic

Ambition par Pete Golibersuch

Blue Moon par Zach Bush

Clock Wise par Matt W. Moore

H. Khan’s Dark Delight par Matei Apostolescu

Karma par Rik Oostenbroek

Siccero par Niklas Lundberg et Justin Maller

Time is a great Healer par Mike Harrison

Le site de DepthCore XLII – Time : cliquez ici !

C’est sans doute une question qui vous taraude chaque matin en ouvrant Photoshop : que se passerait-il si, par le plus grand des hasards et au mépris de tout sens moral, vous l’aviez cracké ?

Rien, sans doute. L’ironie veut qu’Adobe, qui avait ouvert dans les années 90 le marché de la retouche photo aux amateurs éclairés, se voit aujourd’hui régulièrement pillé par nous, les internautes sans conscience.

Cet ingénieur d’Adobe pleure. Et c’est de votre faute

Outre le fait que cracker un logiciel (c’est à dire appuyer sur un bouton ou deux) ne relève pas franchement de l’acte héroïque, la question qui peut se poser dans notre communauté pour moitié composée d’amateurs est la suivante : cracker est-il nécessairement répréhensible ?

Tout d’abord, petit historique de votre vie de graphiste en herbe. Ayant découvert Photoshop sur le PC de votre père à l’age de 8 ans, vous l’avez sans doute ouvert par curiosité, avant de tripatouiller à des outils auxquels vous ne compreniez rien. Le résultat, après maintes heures de labeur, a été quelque chose à mi-chemin entre l’immondice et un morceau électro de David Guetta.

Pire, les photos que vous aviez essayé de retoucher ne s’en sont jamais remises (ce qui vous apprendra à ne pas savoir utiliser correctement le tampon de duplication, mécréants).

Clairement, cette photo est bien meilleure après votre passage

Bref, ce premier contact n’était pas de votre faute. Et puis, à mesure que les nouvelles versions sortaient, ça vous a démangé. Ces merveilleuses vidéo de présentation, où il vous suffisait en apparence de cliquer sur deux boutons pour modifier parfaitement l’image…c’est sûr que ça donnait envie. Vous avez donc consulté les prix. Comme il vous manquait à peu près 2 500 euros, vous avez choisi de cracker Photoshop.

Si vous trouvez ça cher, c’est que vous y mettez quand même de la mauvaise foi 

A ce point du récit, et éblouis que vous êtes par ma clairvoyance, vous vous demandez sans doute si votre acte était fondamentalement mauvais. Était-ce un vol ou un emprunt ?

Cette question est récurrente sur internet, où le choix se pose toujours à nous : avoir gratuitement et illégalement, ou bien payer pour rester dans les clous. Sauf que le graphisme échappe à la règle. Il ne s’agit pas de musique par exemple, où l’on s’approprie irrémédiablement la création d’un autre.

La différence réside ici dans le fait qu’il y a évolution. Quand je télécharge une musique, je porte atteinte à ceux qui l’ont créée, sans moyen de revenir en arrière. Quand je cracke photoshop, je m’approprie le travail de centaines de personnes dont c’est le métier. Sauf que nous, amateurs, évoluons en même temps que le logiciel. Notre talent se développe, et après quelques années vient le moment du choix : être, ou ne pas être professionnel ?

Vous l’aurez compris, le graphisme est original parce que les vilains petits canards se voient offerts une chance de se racheter : payer sa licence, à l’aide de l’argent des commandes.

Il est intéressant de remarquer que si Photoshop n’avait pas été si facilement piratable, nous ne serions pas sur ce forum. C’est donc un acte amoral qui a donné lieu à une génération d’autodidactes, dont certains aujourd’hui vivent du graphisme.

Présenté par Design Spartan et Living Tuts, « La vie en 2100 » est un concours de créations graphiques ayant pour but de faire travailler votre créativité et de faire la promotion de l’art digital. Pour ce faire, notre ami Spartan s’est trouvé plusieurs partenaires dont les noms ne nous sont pas inconnus. On y retrouve : Adobe, Wacom, Video2Brain, Fotolia, les magazines Advanced Creation, Digital Artist et Web Design, Book of Creation, Stickaz, Wisibility et Ça c’est Gang. Les lots proposés aux quatre vainqueurs ne manqueront pas de vous faire saliver, j’en suis certain !

Pour ce concours, vous devez imaginer à quoi pourrait bien ressembler la vie à l’aube du prochain siècle. Ce thème a votre créativité pour seule limite !

Maintenant, vous vous demandez sûrement : « Mais comment puis-je participer ? » Voici la réponse !

Comment participer ?

 

Rendez-vous sur le site dédié au concours (http://concours.designspartan.com) pour envoyer votre plus belle image depuis la page du site.

 

Vous avez jusqu’au 11 janvier 2012 à 23h59 (GMT+1) pour envoyer votre création graphique sur ce thème, ce qui vous laisse 6 semaines à compter d’aujourd’hui. A vous de réaliser votre meilleure création d’art digital : photomanipulation, illustration, 3D, matte painting… Laissez libre à court à votre imagination et à votre style!

 

4 gagnants seront sélectionnés par le jury. Tout le monde a une chance de gagner, même les débutants ! Le prix de l’originalité récompense le concept le plus original ou le plus drôle sans se reposer uniquement sur les compétences techniques alors relevez le challenge !

Voici maintenant ce que vous pouvez espérer remporter à l’issue de ce concours :

Première position :

• Tablette Wacom Intuos 4 Medium
• Adobe Photoshop CS5
• Abonnement Premium sur Fotolia (3 mois)
• Abonnement Tutorium de luxe sur Video2Brain
• 100 € en bon d’achat sur Stickaz.com
• Abonnment au magazine Digital Artist (3 numéros)
• 1 t-shirt Ça c’est Gang

Deuxième position :

• Abonnement Premium sur Fotolia (1 mois)
• Abonnement Tutorium de luxe sur Video2Brain
• 50 € en bon d’achat sur Stickaz.com
• Abonnement au magazine Advanced Creation (3 numéros)
• 1 t-shirt Ça c’est Gang

Troisième position :

• Abonnement Premium sur Fotolia (1 semaine)
• Abonnement Tutorium de luxe sur Video2Brain
• 25 € en bon d’achat sur Stickaz.com
• Abonnement au magazine Web Design (3 numéros)

Quatrième position (prix de l’originalité) :

• Abonnement Tutorium de luxe sur Video2Brain
• Tutoriel vidéo Photoshop : Des ombres et des lumières (2/2)
• Book of Creation : Nouveau magazine d’inspiration

Si vous désirez plus d’informations et les règlements officiels, rendez-vous sans plus tarder sur le site officiel du concours :  www.concours.designspartan.com

Bonne chance !

Aujourd’hui, nous jetons un coup d’œil aux étonnants travaux d’Alexis Marcou, un illustrateur grec ! On sait peu de choses de lui en dehors du fait qu’il est diplômé de l’université de Plymouth et qu’il a travaillé pour quelques grandes marques telles que Cisco et Nike. Il fait également partie des collectifs SlashTHREE et Designers Against Child Slavery (DACS).

Alexis Marcou travaille principalement de manière traditionnelle, soit avec des crayons à mine standard, du fusain, des effaces, encre et pinceaux. Il ajoute la touche finale grâce a Photoshop et Illustrator. Le moins qu’on puisse dire au sujet de ses créations, c’est qu’elle dégagent beaucoup d’énergie. Les coups de crayons sont vifs et frénétiques mais précis. Il ajoute à cela un travail intéressant sur la lumière et les ombrages afin de contribuer au dynamisme de ses illustrations.

Le résultat final est surprenant car, à première vue, on aurait la tentation de croire qu’il s’agit là d’un joli travail de photo-manipulateur comme on a l’habitude de voir de nos jours. Ce que la plupart font avec les logiciels d’Adobe, lui le fait en majeure partie directement sur papier avec un bon vieux crayon HB !

Voici maintenant venu le temps de jeter un coup d’œil à ces fameuses illustrations ! Le lien vers le portfolio de l’artiste se trouve en fin d’article 

Site web de l’Artiste : Alexis Marcou

Allez y faire un tour ! Il y a des photos de l’exécution de ses illustrations si vous souhaitez voir comment il s’y prend. Bonne visite !

A l’heure où je vous parle,  ces superbes expositions photographiques que sont les rencontres d’Arles, sont terminées. Mais il n’est pas trop tard pour vous parler d’un dernier photographe, ou plus précisément d’une photographe puisque je vous fais découvrir aujourd’hui le travail de Dulce Pinzon.

Dulce Pinzon

Née en 1974 à Mexico Dulce Pinzon vit et travaille à Brooklyn. Elle étudie la communication et les médias à l’Universidad de las Américas à Puebla Mexico et la photographie à l’université d’Indiana en Pennsylvanie. En 1995, elle s’installe à New York où elle étudie à l’International Center of Photography et c’est en 2010 qu’elle s’impose vraiment avec  sa série de photos « La véritable histoire des super-héros » .

Cette série est composée des photographies de vingt immigrants mexicains habillés dans le costume d’un super-héros américain ou mexicain populaire sur leur lieu de travail. Chaque photographie est accompagnée d’une légende indiquant le nom du travailleur, sa ville natale au Mexique, son travail à New York et la somme qu’il ou elle envoie chaque semaine au Mexique. Pour Dulce Dinzon, il s’agit de soulever, de manière satirique, à la fois la question de notre définition de l’héroïsme et de notre ignorance et indifférence pour la main-d’œuvre qui alimente notre économie de consommation.

La photographe explique que depuis le 11 septembre 2001, l’image de « héros » est devenue petit à petit omniprésente dans l’imaginaire collectif.   »En cette période de crise, la nécessité de reconnaître le travail et l’extraordinaire détermination de certains individus face au danger semblait criante, ceux-ci sacrifiant parfois leur vie en tentant d’en sauver d’autres. Le travailleur immigré mexicain à New York est l’exemple même du héros qui passe inaperçu : il travaille souvent de très longues heures dans des conditions extrêmes, et économise sur son salaire, si bas soit-il, au prix d’immenses sacrifices, pour l’envoyer au Mexique à sa famille et à sa communauté  » . C’est le portait de ces hommes là que réalise Dulce Pinzonsa dans série de photos  « La véritable histoire des super-héros« .

Je vous laisse maintenant découvrir l’incroyable travail de cette photographe :

Et le site de l’artiste !

Mathieu Bessudo, mieux connu sous son pseudonyme McBess, est un illustrateur et designer français né en 1984 pas loin de Cannes et qui réside maintenant à Londres. Il a étudié dans la célèbre école de Supinfocom à Arles où il a notamment participé à la réalisation du court métrage d’animation Sigg Jones. Après avoir passé son diplôme, il est rentré dans la boîte londonienne The Mill (allez voir leur site et leur showreal, vous verrez qu’ils ne font pas n’importe quoi!).

McBess travaille également pour lui,  en réalisant des illustrations au style particulier qui s’inspirent de vieilles animations comme celles de Fleischer Studio notamment. L’artiste a également son propre groupe de rock où il joue de la guitare électrique. Il s’agit de The Dead Pirates et, ma foi, ce n’est pas mauvais du tout !

Enfin, signalons que McBess réalise des designs de T-shirts pour la marque allemande The Dudes Factory, basée à Berlin.

Ses dessins illustrent un univers complètement éclaté et surréaliste. Ils mettent régulièrement en scène sa propre personne, des filles étranges et dénudées, genre de nymphes, de la viande et bien sûr des tonnes de références à la musique et au rock’n'roll. Il travaille presque exclusivement en noir et blanc ou dans des tonalités sépia. Il se sert également fortement de la perspective isométrique et accorde une bonne place à la typographie dans ses travaux.

Enfin, il n’hésite pas à réaliser des œuvres de grande envergure où les détails et les références à la culture populaire et rock foisonnent. On trouve en effet nombre d’amplis, de guitares, de batteries, de disques vinyle, de crânes qui gravitent autour de ses personnages la plupart du temps recouverts de tatouages.  Bref, on peut dire sans se tromper que sa musique et son art illustratif sont intimement liés.

Voici maintenant quelques unes de ses oeuvres et le vidéo clip qu’il a réalisé pour la chanson Wood de The Dead Pirates. Je vous épargne la peine de chercher son nom sur google en vous laissant le lien vers son site personnel en fin d’article Je vous conseille également de jeter un coup d’œil aux différents liens dont j’ai assaisonné l’article, ils en valent tous le clic !

Site web de McBess : mcbess.com

Bonne visite !

Une fois n’est pas coutume, l’article d’aujourd’hui ne portera pas sur un artiste digital, mais sur un peintre « à l’ancienne » de génie, Robert Motherwell.

Diplômé de philosophie et intellectuel américain, Motherwell a vite compris que la peinture abstraite pouvait constituer un terrain de jeu sans pareil pour qui veut émouvoir tout en véhiculant une idée. Néanmoins, pour lui l’art se devait d’éviter deux écueils : le recherche inconditionnelle du plaisir et son contraire, la représentation politique et partisane. Il propose, quant à lui, un compromis : « esthétiser le politique ».

Ancrant son oeuvre dans une démarche intellectuelle, il refuse que l’artiste soit le seul jouet de l’inconscient qui ramènerait sans cesse sa création aux mêmes considérations (sexuelles, peurs primaires…). Il affirme au contraire que l’art doit s’adapter aux besoins (car il s’agit bien de besoins) de la société dans laquelle il a trouvé naissance. Encore faut-il comprendre ses derniers, par l’intermédiaire de la conscience.

L’oeuvre de Motherwell est originale car elle se fonde sur l’étude de la poésie. Il utilise les contrastes entre blanc et noir comme autant de notes sur une portée, conçoit la peinture comme complémentaire à la musique des mots.

Selon la technique du « dripping » (utilisée par ses contemporains Masson et Pollock), il ne peint pas à la verticale mais projette ou étale la peinture sur la toile posée par terre. Il termine ses tableaux de manière classique, la gravité aidant à ce que la peinture forme en séchant de légères traces verticales.

Avec Elegy to the spanish Republic, Motherwell entame sa série la plus remarquable de tableaux. Le numéro 34 (le plus célèbre) est inspiré d’un poème espagnol de Lorca, « Chant funèbre pour Ignacio Sanchez Mejias » mettant en scène la mort d’un torero, Ignacio.

A la différence des autres Elegy, peintes en noir et blanc (désignant pour Motherwell respectivement la mort et la vie), Elegy n°34 a pour particularité de comporter quelques touches de couleur. Cette présence n’est pas due au hasard, mais fait référence à un fragment du poème

Et tout n’était que mort et rien que mort

À cinq heures du soir [...]

Les blessures brûlaient comme des soleils

À cinq heures du soir.

Les rares percées rouges prennent alors la signification de taches de sang, sur un fond ocre symbolisant la terre espagnole. Ce sont ces taches qui marquent le passage du torero de vie à trépas.

Mais Motherwell ne se contente pas de la reprise (dans un but esthétique) du poème de Lorca. Avec ses Élégies à la république espagnole, il rend un hommage politique aux morts de la guerre civile de 1936. Sa peinture tend donc à dépasser la dimension anecdotique du poème pour donner aux Élegies l’aspect d’un hommage funèbre à la nation ibérique toute entière.

Pour finir, je vous laisse en compagnie de quelques tableaux de ce peintre exceptionnel. J’espère en tout cas que cela vous aura donné envie d’en apprendre plus sur l’art contemporain, et invité à considérer cette peinture en apparence opaque comme quelque chose de beau.

Note : je me suis très largement inspiré pour rédiger cet article des analyses et présentation de Jean-Luc Chalumeau, parues dans le livre Comprendre l’art contemporain. Si vous pouvez vous le procurer, n’hésitez pas un instant. C’est ce bouquin qui m’a permis de découvrir ce courant si particulier, qui est vite haï quand on ne le comprend pas.

Intrinsic Nature, un autre collectif international d’artistes, vient tout juste (enfin, au moment où j’écris ces lignes) de dévoiler sa 11e expérimentation. IN n’ajoute jamais de thème pour ses expos mais propose toujours quelque chose de très coloré et de varié. Cette fois encore, ils ne déçoivent pas, bien au contraire! Avec plus de 70 œuvres originales, il s’agit d’une de leur plus grande exposition. Le collectif s’agrandit et présente plusieurs nouveaux artistes, ce qui procure une certaine fraîcheur. Personnellement, j’en redemande !

Dans cet artpack, vous trouverez beaucoup de vectoriel et de mixed-media, des images sombres et d’autres beaucoup plus joyeuses. Qu’est-ce qu’il y a au programme ? Eh bien vous traverserez des explosions, gravirez des montagnes, observerez une ville s’élevant au dessus des nuages, voyagerez dans une cité futuriste, plongerez dans les abysses des océans, chevaucherez avec Poséidon et Hermès, délivrerez une ange de sa prison, partagerez votre repas avec une mouche et bien d’autres choses encore. Bref, vous en aurez plein la vue, des émotions en perspective! Je vous conseille de visionner la galerie tout en écoutant les cinq musiques proposées pour accompagner votre visite. D’ordinaire, ce sont probablement les créations sonores qui m’intéressent le moins dans ce genre d’expo, mais je dois dire que cette fois-ci je les ai bien appréciées!

Mais assez parlé, je vais maintenant finir de vous mettre l’eau à la bouche en vous montrant mes images favorites pour enfin vous laisser le lien vers le site complet.

Capture the flag par Johnson Ting
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Last breath of Nedolya par Karim Fakhoury
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Ajna par Jinchilla
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Journey of the Atreidae par Finnian
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Hermes par Cigarro
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Life par Sansan
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Disco Fly par Agiaco
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The Missing Link par Billelis
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Golden par Dos19 et Wagsi
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Poseidon’s ride par Cigarro
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Voici le site de Intrinsic Nature , bonne visite !

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