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Gundam Build Fighters é um anime que se passa em um mundo parecido com o nosso, porém nesse mundo existe uma plataforma em que os Gunplas criam vidas e é possível pilota-los. 

Iori Sei é um excelente montador de Gunplas mas um péssimo lutador, um dia ele encontra com Reiji um menino misterioso que é um ótimo lutador e acabam formando uma dupla para participar do torneio mundial. 

Bem a história não é a mais original e possui diversos clichês, porém a ideia do anime é mostrar possíveis variações de Gundam que é possível fazer e principalmente ver as lutas entre Gundans que é algo que muitos fan das series Gundam imaginavam ou gostaria de ver, na minha opinião é um anime que se deva levar uma forma leve e se divertir com as lutas. 

Esse anime acabou recebendo uma segunda temporada chamada Gundam Build Fighters Try, onde se passa alguns anos na história e que segue a mesma linha de história da temporada anterior sendo a maior diferença dessa temporada que é a batalha em trios. 

Não é um anime para se levar a sério, é um anime feito principalmente para o público fan de Gunpla. 

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“Os sete vão reduzir aquele mundo a cinzas! E quando terminarem, disseminarão seu mal por todas  as dimensões conhecidas! Ninguém será poupado!”

Hellboy é um quadrinho criado por Mike Mignola em 1993 e publicado pela Dark Horse. Se você quiser fugir dos “universos regulares” da Marvel e da DC comics, mas ainda queira manter o tom heroico das histórias, essa é provavelmente a minha melhor indicação.

O personagem Hellboy, nasceu de uma experiência nazista na Segunda Guerra Mundial que aproximou o militarismo da Alemanha ao misticismo e as lendas, porém, ao verem um resultado incerto (um portal que não abriu no lugar previsto), perderam a maior arma que poderiam ter em suas mãos.

Um bebê com uma mão de pedra

A criança foi automaticamente Hellboy. E com o tempo, cresceu para se tornar um grande detetive sobrenatural. Passou a trabalhar para o BDPD (em português: Bureau de Pesquisas e Defesa Paranormal), indo para diversas partes do mundo e  resolvendo casos estranhos, envolvendo todo o tipo de misticismo. As histórias de Hellboy são repletas de personagens bizarros, lutas bem violentas (estamos falando no estilo Marvel Max, com membros sendo arrancados, paredes quebradas por pessoas arremessadas e um protagonista que pode ser sufocado se estrangulado por um monstro gigante) e vilões com propósitos infernais e abissais (nazistas, bruxos, nazistas, demônios, nazistas, vampiros, nazistas…). Isso tudo faz com que os quadrinhos sejam categorizados como “Aventura/terror”. Eu discordo pessoalmente dessa categoria. Não sinto a angustia de um protagonista sendo perseguido pelos demônios da história, na verdade, o que eu mais quero é que ele os encontre e me mostre uma boa briga! A roupagem da história nos remete ao terror, mas o funcionamento dela pouco nos “aterroriza”. Preferia chamar esse quadrinho de “Aventura pulp”, como naquelas antigas revistas do século XX. Afinal, a premissa se encaixa perfeitamente! Um detetive demônio que luta contra o mal que assola o mundo em situações exóticas! Eu leria isso hoje e em 1930!

Uma parte digna de ser mencionada é a relação que as histórias tem com os elementos de H.P. Lovecraft. As grandes forças por trás da origem de Hellboy são entidades malignas que estão presas no espaço, esperando pelo momento que possam despertar e causar o caos em todas as dimensões do universo. Pois é, é igualzinho mesmo. Mas nunca vi isso como um demérito, na verdade, só me faz gostar mais do universo em que a história se passa. E se você pensa “Ah, mas isso pode ser só uma coincidência com o “Cthulhu Mythos de Lovecraft” eu te asseguro uma coisa…

Não é.

Acho que preciso descrever a pessoa Hellboy. Do contrário, vocês poderiam achar que ele é só uma figura legal brigando com monstros. Na verdade, o personagem tem grandes dilemas, como o fato de saber desde sempre que é “A mão direita da destruição”, destinado a ser o agente do fim do nosso mundo, Hellboy nega a sua origem e se envergonha de ser um demônio (o melhor exemplo são os chifres, que ele serra para diminuir sua aparência). É o famoso “cara durão com um coração mole”. O autor já mencionou que se baseou no próprio pai, que era um veterano de guerra, rústico, brigão e carrancudo, mas ainda sim uma boa pessoa.

Hellboy é um quadrinho que te levará para um universo cheio de perigos, profecias e misticismo, mas te dará uma mão de pedra para esmagar o mal que encontrar.

Boa caçada.

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Gunpla Montado

Gunpla, Gundam model, é uma linha de model kit da Bandai baseada na série Gundam, no Brasil ficou famoso pelos modelos do anime Gundam Wing.

Model kits são kits que vem as peças do robôs separadas, onde você tem que destacar as peças e montar.

Existem 5 tipos de escalas de Gunpla:

– 1:144

– 1:100

– 1:60

– 1:48

– 1:35

As diferentes escalas normalmente se refletem na quantidade de peças e no valor, quanto menor o segundo numeral da escala, maior o tamanho, maior são os detalhes e maior é o preço.

A grande diversão do Gunpla é a montagem, não existe satisfação maior do que destacar cada peça, lixar, pintar (se tiver os materiais adequados) e montar, o robô fica articulado e é possível deixar em diversas posições.

Os modelos também evoluíram com o tempo, sendo que os mais recentes possuem articulações extras (como dedos individuais) assim como encaixes mais confiáveis e estáveis.

Caso tenha diversos Gunplas é possível fazer misturas de peças e criar um novo robô, e até maquetes com cenas do anime.

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Criada e dirigida por Yoshiyuki Tomino, produzida pelo estúdio Sunrise, a série Mobile Suit Gundam teve 1979 como ano de sua estreia no Japão. Também conhecido como Gundam 0079 ou Gundam Original por ser o incio da franquia, com varias séries subsequentes, algumas se passando na mesma cronologia da original e outras em universos diferentes, a série original tem somente 43 episódios devido a sua exibição inicial ter alcançado uma baixa audiência.

Os seres humanos, devido ao alto numero de pessoas e o elevado nível de poluição no planeta Terra, começam a viver em grandes números no espaço graças as chamadas colonias espaciais, assim começa a era espacial e tem inicio um novo calendário a partir do ano UC (Universal Century) 0001, no ano 0058 a colônia Side 3 declara independência da Terra mas sem declaração de nenhum tipo de guera o violência, liderados por Zeon Zun Deikun é criada a República de Zeon mas em UC 0068, Zeon é morto secretamente pela tirânica família Zabi surgindo assim o Principado de Zeon.  O principado declara a independência violenta das demais colônias espacias da terra começando assim uma guerra que aniquilaria metade da raça humana. Após a mortes de tantos humanos, ocorre um curto período de paz até Zeon começar a produção dos primeiras armaduras móveis de combate, os mechas ou armaduras robóticas gigantes, os modelos Zaku. No ano UC 0079 Zeon declara guerra à Terra, começando a então depois chamada Guerra de Um Ano.

A Federação Terrestre em resposta começa o desenvolvimento do modelo RX-78-2 Gundam (o primeiro Gundam para nós espectadores), Zeon ataca a colônia onde estava sendo construído secretamente o Gundam com o intuito de roubá-lo ou destruí-lo, matando no processo a maioria dos oficias da federação e de civis da colônia. Como no momento do ataque dos Zakus não havia no local ninguém disponível para pilotar o Gundam e contra atacar, Amuro Ray, um jovem civil filho do projetista do Gundam, assume o comando do mobile suit branco e repele o ataque dos Zakus de Zeon. Não tendo outra escolha,  os oficias e civis são obrigados a fugir na recém construída e lançada nave de guerra da federação, a White Base, e Zeon passa a persegui-los por todo o caminho até a Terra, liderados muitas vezes pelo famoso piloto ás de Zeon, Char Aznable conhecido como O Cometa Vermelho.

Os personagens mais importantes da série, que se tornariam os arquétipos para muitos dos heróis e vilões das séries seguintes de Gundam, inclusive até as mais atuais, são com certeza: Amuro Ray, um jovem de 15 anos com excelente habilidades de mecânico que se vê obrigado a pilotar o poderoso e extremamente avançado para a época Gundam, no início mal conseguia combater outros pilotos com mais experiencia como Char, dependendo do poder superior do Gundam para vencer, mais para frente na série vai desenvolvendo suas habilidades e poderes de Newtype (o próximo avanço na evolução dos seres humanos, com mais capacidade mental e espacial) se tornando um piloto extremamente capaz e considerado, senão o melhor, um dos melhores da franquia inteira. Ele é o arquétipo de piloto jovem com mentalidade conflitante devido ao ambiente de guerra que é muito usado ao longo da franquia. O outro personagem é Char Aznable, na maioria das vezes vilão e por vezes anti-herói ou até mesmo um dos heróis da série. Char é um jovem de 20 anos considerado um piloto ás de mobile suits, é conhecido por usar uma máscara e pilotar mobile suits vermelhos o que lhe rendeu o nome de guerra “O Cometa Vermelho”. Char usa a máscara para esconder sua verdadeira identidade, na verdade ele é Casval Rem Deikun filho de Zeon Deikun o fundador da Republica de Zeon, usa a nova identidade e a máscara em busca de seu verdadeiro objetivo que é a vingança contra os Zabis pelo que fizeram com sua família, Char é o arquétipo para todos os vilões mascarados e com algum passado obscuro da franquia, se usar uma máscara, com certeza tirou alguma inspiração de Char.

Outro aspecto importante é claro que são os mobile suits, em particular o Gundam ou modelo RX-78-2 Gundam desenvolvido pela Feração Terrestre para combater os mobile suits de Zeon. Mais precisamente os modelos Zaku I e II, bastante avançados para a época. Zeon teve muitos problemas para conseguir combate-lo, diferente das séries seguintes a de 79 só apresentou um modelo de Gundam, e ele é a base para todos os outros Gundam que vieram depois, o que não são poucos.

Gundam teve como inspiração inicial o livro Tropas Estelares (1959) escrito por Robert A. Heinlein, o livro é considerado o grande popularizador dos chamados trajes ou armaduras de combate. Não eram tão grandes como os mobile suits da série Gundam mas o conceito era praticamente o mesmo, não só nesse aspecto mas também na parte relacionada ao militarismo e a vida e relacionamentos das pessoas em uma sociedade militarista.

Para quem gosta de mechas ou robôs gigantes ou como prefiram chamar, é uma série que eu recomendo bastante. Lembrando que é uma animação de 1979, portanto é bem datada. No meu caso não importa nem um pouco e se vocês não ligarem vão poder acompanhar o início de uma grande e extremamente influente franquia.

Não esqueçam de fazer a manutenção de seu Gundam antes de partir e até mais!!!

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“Se acha que a vingança é ruim… Você ainda não conheceu Frank Castle”

O Justiceiro é um herói (ou anti-herói) que já passou por incontáveis mudanças. Normalmente elas influenciam a sua origem, as condições em que foi criado e a forma com que sua personalidade é definida. Nos filmes e na atual série, as guerras em que o personagem passou sempre são atualizadas. Guerra do Golfo, turnos na Guerra do Iraque, operações secretas no Afeganistão.

Mas nos quadrinhos, a guerra do Vietnã foi a melhor retratada.

Em “Justiceiro – Nascido para matar”, Garth Ennis (deixando sua loucura e sanguinolência fluírem) nos retrata 4 dias da guerra na base de Valley Forge, pelo ponto de vista do fuzileiro naval Stevie Goodwin. O jovem soldado sabe que não deveria estar na guerra, que a vida deve ser muito mais do que aquilo, que quando a guerra acabar, acabou.

Ele não será um apaixonado pela guerra, como o Capitão Frank Castle.

Frank Castle, ainda não é o Justiceiro, mas vemos o senso de certo e errado, castigo, ou melhor ainda “esse desejo que tem de dar a cada filho da mãe no mundo exatamente o que ele merece”, tudo isso já está lá, sempre esteve lá, e só espera pela oportunidade certa para sair.

Frank vê uma base abandonada, com líderes displicentes, e soldados drogados que mal conseguem sobreviver ao cotidiano do Vietnã. Porém, ele vive a oportunidade da sua vida na guerra, a chance de colocar para fora o guerreiro que ele sempre desejou ser.

Isso é um indicador de que “O Justiceiro” só precisava de um gatilho para existir. Ele queria existir. O futuro assassinato de sua família foi uma espécie de “justificativa perfeita” para a sua sede de sangue contra os criminosos do mundo vir à tona.

E não se engane, o capitão Frank Castle já era um soldado quase perfeito enquanto vivia a guerra, mesmo sem a caveira no peito, ele já era reconhecido como uma maquina de matar sem piedade (para inimigos e até mesmo aliados que “saiam da linha”). Este conceito faz com que o quadrinho tenha ótimas sequencias de batalha na selva, assim como uma batalha final apocalíptica. De fato, todo o tom deste quadrinho perdurou pelos anos seguintes nas mãos de Garth Ennis, que tirou o personagem do mundo compartilhado dos heróis e o transformou o herói que o começo dos anos 2000 permitiam que ele fosse.

Não quero ficar descrevendo a história aqui, é muito melhor ver suas nuances durante a leitura completa, mas garanto que a alma do personagem, a violência, a perturbação… Estão todas lá.

Vale a pena para todos os fãs do Justiceiro. Mas cuidado, Não encontre Frank Castle se você merecer ser punido.

Não diga que eu não avisei.

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No jogo você controla um estudante que acabou sendo transferido para a casa de um parente distante e permanecerá por 1 ano com ele. Com o passar dos dias na cidade você ouve notícias de homicídios que estão ocorrendo na cidade e acaba ouvindo sobre o Canal da Meia Noite, caso ligue a TV à meia noite em dias chuvosos acaba aparecendo a próxima vítima.

Um dia você tentando verificar sobre esse boato, descobrindo que é uma verdade, o que te leva a entrar  na TV (é isso mesmo), onde um habitante chamado Ted conta que alguém está jogando as pessoas na TV e que existem criaturas chamadas Shadows, inimigos no jogo, e nisso você acaba liberando sua persona, uma manifestação de sua personalidade.

Bem isso foi um resumo da história do jogo, o que difere na série Persona é que o jogo mistura elementos de RPG, quando você está nas dungeons, e elementos de um simulador de encontros onde você vivera dias normais de estudantes. Nesse ponto você precisa fazer provas, trabalhar para ganhar dinheiro e ter relacionamentos com as pessoas, e sim ter relacionamentos com as pessoas é muito importante não somente com os personagens que fazem parte do seu time.

A grande dificuldade do jogo é conseguir fazer o verdadeiro final ou até mesmo o final bom, pois caso você não tenha níveis sociais e nem habilidades sociais desenvolvidas não consegue desenrolar na história, e um fator para dificultar que você tem um prazo de um ano dentro do jogo para resolver os mistérios dos assassinatos.

Para desenvolver as habilidades sociais e o nível de relacionamento com as pessoas, você precisa dedicar um tempo com elas ou treinando as habilidades. Quando você dedica o dia com ela e não pode fazer outra atividade para melhorar as suas habilidades, isso faz com que toda decisão que você faça influencia no jogo.

No jogo Persona você ficara jogando por muitas horas caso queira fazer o final verdadeiro. Ele recebeu uma versão para o PS Vita chamada Persona 4 Gold onde incluíram alguns extras no jogo, esses 2 jogos tiveram bastante sucesso, tanto que foi adaptado um anime para cada jogo.

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Tarzan é um personagem criado por Edgar Rice Burroughs (1875 – 1950), foi publicado pela primeira vez em 1912 em uma revista Pulp chamada All-Story Magazine e em forma de livro em 1914 com o titulo de Tarzan of the Apes. Teve uma sequencia de mais 24 livros e vários contos escritos por Burroughs, nem todos, infelizmente, publicados aqui no Brasil. Teve vários outros trabalhos escritos e adaptados por demais autores tanto autorizados como não autorizados, e em muitas outras mídias como filmes, hq’s, desenhos animados e por aí vai.

Tarzan nasceu na costa ocidental da Africa, onde seus pais, Lord e Lady Greystoke da Inglaterra, foram abandonados com seus pertences após um motim no navio no qual se encontravam. Lady Greystoke morreu um ano após dar a luz e Lord Greystoke foi morto pouco depois por Kerchak, o líder do bando de símios que se auto intitulam em sua próprio idioma como mangani, e viriam a lhe adotar e dar o nome Tarzan, que significa pele branca. Por muito pouco Tarzan também não foi morto por Kerchak, mas ele foi salvo por Kala uma símia do bando, muito gentil e cuidadosa, que havia perdido recentemente seu filhote. A sobrevivência de Tarzan se deve a esse fato, com o trauma da perda, Kala se transformou em uma mãe beirando a paranoia, o que explica como um bebê humano que não pode se segurar ou locomover como um bebê macaco sobreviveu aos primeiros anos na selva.

Tarzan viveu sem encontrar outro ser humano na selva durante muitos anos, aprendeu a ler e escrever sozinho na cabana de seus pais com os materiais didáticos, desde livros a brinquedos que seus pais haviam trazido para exatamente esse proposito, é um personagem extremamente inteligente ao contrario do que pensam muitas pessoas com pouco conhecimento da série. Esse foi o inicio da vida de Tarzan, e com a faca de seu pai aprendeu como superar animais com maior força do que ele. O primeiro adversário que matou foi um Bolgani, por nós conhecido como gorila, que não é um da especie que adotou Tarzan como muitos obras retratam por ai, como o filme da Disney por exemplo. Tarzan acaba descobrindo o nome dado pelos seus pais humanos, John Clayton, e depois de herdar o titulo de seu pai se torna o Visconde de Greystoke. Tarzan como já dito é um personagem muito inteligente, com força e resistência tanto física quanto mental muito acima do comum as vezes beirando o sobrenatural, caçador incomparável e exímio lutador, prefere a vida na selva do que nas grandes cidades, e acha os animais muitas vezes mais respeitáveis que os seres humanos. É uma pessoa extremamente corajosa, honrado, leal e que aprende muito rápido, inclusive idiomas, não gosta de falar e muitas vezes é propenso a uma violência animalesca, principalmente quando lida com injustiças.

Outros personagens importantes seriam Jane Porter ou, mais tarde depois de se casar com Tarzan, Lady Jane Clayton, nascida em Baltimore nos Estados Unidos e se apaixona por Tarzan a primeira vista reciprocamente. Jane foi a primeira mulher branca que Tarzan viu e depois de algumas peripécias da vida, acaba se casando e morando a maior parte do tempo na Africa próximos a selva onde Tarzan cresceu. Jane muitas tem o papel de donzela em perigo, mas durante a série acaba se tornando uma pessoa muito mais forte, capaz de sobreviver aos perigos da selva sem ajuda nenhuma, ela e Tarzan são complementarmente fiéis e dedicados um ao outro. Outro personagem é Jack Clayton mais conhecido como Korak, filho de Tarzan e Jane, se parece muito com seu pai tanto em aparência, habilidades e comportamento, talvez um pouco menos reservado. Temos também a Rainha La da cidade perdida de Opar, que se apaixona por Tarzan que é muito diferente dos homens horríveis de Opar que parecem uma mistura de macaco com homem, obviamente Tarzan a rejeita devido a sua fidelidade a Jane, o que não o impede de ajuda-la.

Quanto a antagonistas e adversários, Tarzan enfrenta de tudo, desde animais como leões, gorilas, crocodilos e até dinossauros, a canibais, espiões russos, piratas, soldados alemães durante a primeira guerra mundial, escravagistas árabes, vários membros de reinos perdidos e cultos bizarros como os homens leopardo e muitos outros.

A série de livros se passa em sua maior parte em uma Africa fictícia criada por Burroughs, contem varias civilizações perdidas, como descendentes de Atlântida, dos romanos, cruzados perdidos e muitos outros. Contém também inúmeros animais e tribos fictícias e muitas outras coisas. A série tem inicio com Tarzan of the Apes de 1912 e fim com Tarzan and Castaways de 1965, sendo que esses livros foram todos escritos por Burroughs. Aqui no Brasil nem todos infelizmente foram lançados, o primeiro livro chega a ser relançado de vez em quando como a edição muito boa de capa dura da editora Zahar, os livros antigos somente em sebos, e os outros apenas em inglês. Em quadrinhos a Devir lançou 3 volumes das Hq’s de Joe Kubert, uma hq excelente e que não é muito difícil de achar por ai. Nos quadrinhos Tarzan já encontrou vários outros personagens famosos como Superman, Batman, Predador, etc, alguns até lançados por aqui.

Tarzan conta com um gigantesco numero de adaptações, não somente em livros, mas também com filmes, desenhos animados, e séries. Falando em série, eu conheci o personagem pela série de televisão da década de 60 estrelada por Ron Elly, que foi exibida aqui bem depois e reprisada varias vezes. Foi por ela que eu conheci o famoso grito do homem macaco. Recentemente em 2016 foi lançado um novo filme estrelado por Alexander Skarsgård (Hidden) e Margot Robbie (Esquadrão Suicida).

Tarzan tem tanta coisa, mas eu eu recomendo a maioria, principalmente os livros. Para quem gosta de aventura, ação, civilizações pedidas, selvas e animais selvagens e é claro, um personagem forte e imponente, não vai se decepcionar.

Tarzan bundolo e até mais!!

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Hikaru no Go é um manga que conta a história de Hikaru, um garoto normal que um dia acha no sotão do seu avó um tabuleiro de Go com manchas de sangue de onde aparece Sai, um fantasma que foi um grande jogar de Go, que acaba ensinando Hikaru a ser um jogador de Go. 

O interessante na história é mostrar a evolução de Hikaru um menino normal sem grandes pretensões na vida e tem a sua vida mudada por Sai e pelo Go, quando você começa a ler o manga de Hikaru no Go você acaba poir procurar melhor sobre as regras do jogo e tenta até jogar e acaba percebendo que é um jogo incrível por ter regras bem simples e complexo na hora de jogar. Fácil de aprender, complexo de se especializar.

O jogo de Go tem como objetivo criar a maior quantidade de território no final, diferente de xadrez ou damas as peças podem ser jogadas em qualquer lugar do tabuleiro, claro obedecendo as regras, isso faz com que o jogo se torne completo, pois você pode estar disputando uma área do tabuleiro e com algumas jogadas o seu adversário pode tomar conta de outra área sem você perceber.

A história do manga monstra muito sobre as partidas de Go, quais são as preocupações do jogadores, diferentes estilos de jogos (China, Japão e Coreia possuem regras diferentes e também como esses países lidam com o GO são diferenças culturais) e como é a vida de um profissional de Go.

Na minha opinião o mais interessante no manga é entender melhor sobre o Go e como o povo oriental leva a sério esse jogo já que é difícil encontrar informações aqui no Brasil.

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Garo é uma série tokusatsu com temática voltada para o publico mais velho, produzida pela Touhokushinsha Film Corporation, a série as vezes também conhecida Cavaleiro Dourado Garo. A 1ª temporada se iniciou no Japão em outubro de 2005 e foi até março de 2006 contando com 25 episódios. Criado por Keita Amemiya, que já inclusive trabalhou em varias outras séries tokusatsu inclusive Kamen Rider Black, RX, Decade, etc. No Brasil chegou a ser exibida na Netflix por um tempo.

A 1ª temporada de Garo segue a historia de Kouga Saesima e se passa nos tempos atuais, Kouga foi criado desde de criança para ser um cavaleiro, com pouco contato com pessoas de fora do circulo de convivência dos cavaleiros Makai, ele se torna uma pessoa que costuma não demonstrar os sentimentos para os outros e que não costuma rir muito, mas tem um coração nobre e gentil. Kouga mais especificamente possui o titulo de Garo o cavaleiro dourado e herdou a armadura, a espada Garo, o anel falante e guia Zaruba, de seu pai que era o Garo anterior. Os cavaleiros Makai tem por missão destruir os espíritos ou manifestações demoníacas conhecidas como Horrors, que vem do mundo Makai e se alimentam da escuridão inerente dos seres humanos.

Kouga no primeiro episodio conhece Kaoru Mitsuki, ele a salva de um Horror que se alimentava de garotas jovens e bonitas, e durante a luta ela acaba tendo contato com o sange do Horror, o que, sem ela saber, levaria a uma morte muito dolorosa em 100 dias. Kouga não conta para ela inicialmente mas passa a protege-la indiretamente com o intuito de salva-la mesmo com todos dizendo que é impossível e nunca foi feito antes, Kaoru é uma jovem pintora/desenhista iniciante que acaba inadvertidamente se envolvendo nesse mundo sombrio e desconhecido para a maioria dos humanos, qualquer humano que tenha tido contato com o sangue amaldiçoado se torna meio que uma guloseima para Horrors.  Kaoru, ao contrario de Kouga, é uma pessoa muito sorridente e amigável e a série foca bastante nas interações entre ela e Kouga.

Outros personagens importantes são o outro cavaleiro Makai dessa temporada, como o Rei Suzumura o presa prateada ZERO, que possui uma armadura prateada e luta com duas espadas, Rei, rival e anti-herói dessa temporada, mas com o passar do tempo descobrimos também que ele é um cara bem legal. Outro personagem importante é Gonza Kurahashi o mordomo da família Saezima, uma espécie de Alfred para o Batman, uma pessoa extremamente dedicada e que não tem medo de se colocar em perigo para ajudar, e também o anel falante Zaruba, que serve de guia, detector, rastreador de Horrors e mais importante, de amigo para Kouga.

Falando dos Horrors, eles são manifestações malignas que possuem e se alimentam de seres humanos, dos mais variados tipos, as vezes pessoas com uma índole ruim, e se alimentam da alma da pessoa enquanto satisfazem os desejos sombrios da pessoa possuída. Eles vem do mundo Makai através de portais, e somente os cavaleiros Makai e seus aliados conseguem impedir seus avanços contra a humanidade.

Eu recomendo muito a série. Definitivamente é para um publico mais velho ao contrario da maioria dos outros tokusatsus. Tem de tudo, ação, aventura, romance, terror, suspense, etc, conta com cenas de ação e lutas muito boas. A historia pode parecer clichê mas é uma historia que consegue te prender. Um dos problemas é que se você for assistir agora principalmente a 1ª temporada que é a que eu mencionei mais por aqui, ela tem efeitos bem datados principalmente no quesito CGI, lembrado que a 1ª temporada é de 2005, a série tem vários filmes que a complementam e as vezes até finalizam a historia das temporadas, no Brasil. Como tudo relacionado a tokusatsu é um pouco difícil de acompanhar a 1ª temporada, que já foi exibida na Netflix, e até a época em que eu escrevi esse artigo, o filme Red Requiem que é ligado a 1ª temporada estava disponível na Netflix, mas as outras temporadas e filmes são um caso mais complicado de se encontrar.

E lembrem-se pela espada dos cavaleiros, a humanidade ganhou esperança, até mais.

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A história se passa no começo da era Meiji, uma era em que é proibido carregar uma espada já que o shogunato havia acabado. Kenshin Himura, um andarilho, acaba encontrando Kaoru Kamiya, uma professora de kenjitsu do estilo Kamiya Kashin, e ela acaba confundido Kenshin como o “Battousai”, um retalhador (espadachim assassino) famoso que ajudou a construir a era Meiji, que está matando e difamando o dojo dela, após verificar a espada que ele carregava viu-se que é uma espada de lamina invertida, e que não poderia matar ninguém com ela, e acaba acolhendo Himura em seu dojo e depois de alguns dias ele volta a sua vida de andarilho. 

No mesmo dia que Kenshin sai do dojo, as pessoas que andam difamando o mesmo, vão até o dojo para intimidar a Kaoru para que ela venda o local. Ela acaba descobrindo e que o battousai era um farsante, mas Kenshin volta e a salva, reveland que ele é o verdadeiro battousai.

Rurouni Kenshin ou Samurai X, como é conhecido no Brasil, foi lançado pela JBC e o anime passou na Rede Globo e na Cartoon Network, a principal diferença entre o anime e o manga que é o anime não possui o ultimo arco do manga, a saga de Enishi.

Foram lançados OVAs, original videos animation, de kenshin que mostram a infancia e a época que o Kenshin era retalhador e tem uma história e uma narrativa bem mais pesada que o anime e o manga.

Samurai X é um manga classico aqui no Brasil pois foi um dos primeiros mangas lançados e possui uma história muito boa, um fato curioso do Kenshin que dois mangakas famosos trabalham como assistente de Nobuhiro Watsuki que eram o criador de One Piece e o criador de Shaman King.

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Quando a violência é o melhor recurso?

O filme “6 dias” da Netflix, dirigido por Toa Fraser, é inspirado majoritariamente pela história real da invasão à embaixada do Irã em Londres por terroristas em abril de 1980. Todo o filme é pautado por pontos de vista que nos permitem contemplar a perspectiva da mídia (BBC), dos negociadores da polícia londrina, do time tático SAS (Serviço Aéreo Especial) e dos próprios terroristas.

Precisamos ter consciência de que os homens que invadiram a embaixada e tomaram os reféns são terroristas, porém de uma “modalidade” diferente que precedeu a atual onda de ataques suicidas. Pelas décadas de 70 e 80 era mais comum que houvesse um sequestro de um local (como o caso do filme), ou de um avião (como tantos filmes da época retrataram), do que uma explosão insperada em um local público com um aviso de “nós fomos os culpados” no dia seguinte. As demandas eram muito mais políticas e pontuais.

Portanto, durante o filme (que é relativamente curto, com 1h34 de duração), vemos o negociador chefe da polícia tentando fazer com que os homens armados libertem os reféns em troca de suas demandas (que vão desde a conversa com diplomatas à ter suas demandas lidas na televisão). Ao mesmo tempo, é possível ver as discussões entre os próprios terroristas sobre matar ou não os reféns, e até mesmo questões que nos fazem entender que dentro do próprio grupo existem vertentes mais radicais e outras inclinadas à negociação.

Talvez o mais interessante de “6 dias” seja o grande jogo de xadrez político que existia sobre toda a situação. Permitir que terroristas consigam o que querem por meio de negociações “pós ataque” poderia servir de incentivo para que mais grupos abusassem da Grã-Bretanha para seus atos, ao mesmo tempo, uma ação que gerasse uma carnificina completa seria extremamente impopular para o governo de Margaret thatcher (a primeira ministra). Portanto, o governo imaginava desde o início, uma operação que não apenas pudesse salvar os reféns, como também assustar os “próximos” que pudessem pensar em realizar um ato de terrorismo contra a Inglaterra.

Neste momento entra o SAS

Com certeza a minha parte favorita do filme, o núcleo do Serviço Aéreo Especial nos coloca dentro dos treinamentos e da preparação da equipe. Acompanhamos desde o início as descobertas de rotas, quantidade de inimigos, mapas, portas, entradas, e oportunidades para a realização de um ataque eficiente. Essa parte pode agradar muito a todos que acostumaram a ver filmes e jogos que envolvem esquadrões de elite (sim, estou falando com você, jogador de Rainbow Six). Ao decorrer da história, o time cria réplicas da embaixada, planeja novas formas de vencer a situação, e se frustra com as constantes mudanças de planos do governo.

Falando propriamente da obra, acredito que o filme tenta falar por ângulos demais em muito pouco tempo. Repararam que não falei das partes em que temos o ponto de vista da repórter da BBC? Não é por nada, esse núcleo beira o desnecessário, não muda em nada os acontecimentos, não envolve nenhum dos seus personagens na resolução dos acontecimentos e não conta uma perspectiva que realmente interesse.

Você pode estar pensando “Ah, o Vinícius quer um filme todo sobre a invasão do SAS”. Olha, não é de todo errado pensar nisso. Mas, a história nestes momentos é melhor contada e consegue criar mais o suspense que o filme se propõe a sustentar.

É um bom registro histórico, que se divide por toda sua extensão na disputa Violência x Diplomacia. E é muito legal poder fazer a população civil ter a consciência de que o Estado deve saber equilibrar o uso de suas negociações com o do poder para a proteção da integridade nacional.

Recomendo o filme a todos os entusiastas das “obras baseadas em fatos reais”. Objetivo e focado, “6 dias” te jogará em conflitos psicológicos e físicos que te farão questionar a validade de seus atos e suas crenças sobre a atuação governamental que julgamos ser correta.

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Ren, o filho de Primus é um jovem príncipe do agora destruído reino de Octopon que já foi o maior e mais avançado reino do planeta. Ren por obra de uma força maior, encontra seu pai desaparecido a 17 anos a beira da morte na praia em frente ao farol aonde havia sido criado, Primus antes de morrer lhe revela a sua verdadeira identidade e a sua missão de encontrar os 13 lendários tesouros do reinado com a ajuda de uma estranha bussola, Ren recebe a espada quebrada de seu pai (que tinha tudo para ser reforjada como uma certa espada em O Senhor dos Anéis), aceita a missão e parte então no navio Assombração (Wraith no original) em busca dos tesouros para salvar o planeta das misteriosas águas sombrias e restaurar o seu reino por direito.

Piratas de Águas Sombrias, é um desenho animado produzido pelo famoso estúdio de desenhos Hanna-Barbera ( de Jonny Quest e muitos outros), teve 2 temporadas entre 1991-1993 com 21 episódios (muito pouco infelizmente), criado por David M. Kirschner mais conhecido pelos filmes animados do ratinho Fievel e da franquia Brinquedo Assassino. Piratas foi exibido aqui no Brasil no inicio dos anos 1990 pela TV Globo e anos depois nos canais de TV por assinatura Cartoon Network e Boomerang.

A historia se passa no mundo de Mer, um mundo com 20 mares e uma fauna bastante diversa, desde macacos voadores a gigantescas serpentes marinhas conhecidas como leviatãs. O mundo de Mer é composto de muitas ilhas e uma grande quantidade de piratas, mas o mal que mais assola o planeta são as águas sombrias, uma substância negra que lembra petróleo, parece ter vida própria, inteligência e devora praticamente tudo em seu caminho.

Ren é acompanhado por Niddler, um pássaro macaco que começa como inimigo, sendo ele um ex escravo do rei dos piratas Bloth. Ren liberta Niddler que o ajuda a escapar e acaba se tornando seu melhor amigo e um dos companheiros de aventura, os outros são Ioz, um caçador de tesouros e ex pirata da tripulação de Bloth , Ioz na verdade apesar de ganancioso, acaba se revelando uma pessoa de bom coração, e a ultima a se juntar ao grupo a guerreira Tula, que mais tarde descobre ser uma ecoapaziguadora (ecomancer no original) uma pessoa que pode manipular os elementos da natureza.

Já do lado vilanesco temos Bloth, o suposto Rei dos piratas, Bloth é um homem gigantesco e que comanda o também gigantesco e monstruoso navio Maelstrom. O seu objetivo é possuir todos os tesouros do reinado para comandar as águas sombrias e a conquista do mundo de Mer. Bloth manteve o Rei Primus preso por dezessete anos (caramba) é obcecado pela ideia de destruir tudo relacionado a linhagem real de Octopon, também é o vilão mais presente. O outro mais importante é o The Dark Dweller que aqui ficou conhecido com Lutador Sombrio, acho que o no mais correto na tradução seria habitante das trevas ou algo assim, o Lutador Sombrio é a fonte das águas sombrias que infestam o planeta, um ser extremante poderoso e maligno, com muitos servos demoníacos e com direito a até um culto lovecraftiano em seu nome, sua maior fraqueza e única maneira de derrota-lo de verdade são os 13 tesouros do reinado.

Talvez o desenho seja lembrado por alguns pelo jogo Beat ’em up lançado pela Sunsoft para Super Nintendo e Mega Drive. Era um jogo até difícil entre os beat ’em ups, mas bastante divertido de se jogar, também foi lançado em quadrinhos um minissérie de 9 edições em 1991.

A série infelizmente só tem 21 episódios e foi cancelada pela baixa audiência. Durante os episódios somente foram encontrados 8 dos 13 tesouros. Eu, particularmente, acho uma série muito interessante por respeitar a continuidade e possuir um tom mais sério, e também tem uma premissa de mundo muito interessante e com bastante potencial para desenvolvimento, sem vilões ridicularizados o tempo todo, algo que era muito comum nos desenhos antigos, e contando até com algumas mortes, a chance de ver o final dessa historia são muito poucas, tristemente somente na imaginação.

Jongo-longo e até mais!

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A história se passa em um mundo que existe a alquimia e ela é usada em diversas formas, principalmente para fins militares, e existe uma lei da alquimia que é a troca equivalente para transformar algo é preciso oferecer algo de mesmo valor e existe um taboo é transmutação humana. 

O começo da história mostra os Irmãos Elric fazendo a transmutação humana, tentar ressuscitar a sua mãe, por consequência desse ato Edward, o irmão mais velho perdeu uma de suas pernas e enquanto Alphonse perdeu o seu corpo passim Edward sacrifica o seu braço para prender a alma de seu irmão em uma armadura, agora o objetivo deles é recuperar a parte de seus corpos perdidos usando a pedra filosofal, um objeto que permite fazer a transmutação sem a troca equivalente.

Fullmetal Alchemist possui dois animes, o primeiro anime teve o seu lançamento enquanto o manga era publicado assim quando o anime chegou na mesma parte do manga a história começou a se divergir e para a conclusão do anime foi feito um filme.

O segundo anime é fiel ao manga pois foi lançado alguns anos depois e se chama Fullmetal Alchemist Brotherhood caso você tenha assistido o primeiro e nunca leu o manga veja esse anime vai valer muito a pena. 

A diferença entre o primeiro anime com o manga é muito grande, além da quantidade de personagens e desenvolvimentos de todos os personagens até o final da história é diferente, o manga existe a busca pela pedra filosofal não somente pelos irmãos Elric mas também por personagens de outro país, a história é mais trabalhada e os personagens secundários tem suas motivações e medos. 

Fullmetal Alchemist é um dos meus mangas favoritos e recomendo para todos. 

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“É muito simples dizer que o lobo transforma carne e sangue. O lobo transforma vidas”

Você deve conhecer a lenda do lobisomem.

Uma pessoa que é ferida por uma dessas criaturas e sobrevive, ou que é amaldiçoada (em algumas lendas especificamente por ciganos), durante o ciclo da lua cheia se transformará em um híbrido de homem e lobo. Irá atacar, caçar e matar a todos que estão ao seu redor, sem controle, sem piedade e sem remorso.

Até o fim da noite de lua cheia.

O quadrinho “Lua do Lobo” roteirizado por Cullen Bunn, desenhado por Jeremy Haun e publicado pelo selo Vertigo, mantem a lenda de uma forma muito próxima ao que conhecemos das lendas clássicas. O lobisomem só pode morrer se atingido por prata, a transformação é lenta e dolorosa durante apenas noites de lua cheia, e (segundo algumas lendas em particular) o lobisomem tem uma predileção particular por caçar as pessoas que mais ama.

Porém, nessa história existe uma diferença em particular, você não se torna um lobisomem porque foi ferido por outro e sobreviveu, você se transforma porque o espírito do Lobo te escolheu. Um lobisomem, uma pessoa, um ciclo da lua. E quando isso passar, você será abandonado para ter de lidar com as memórias das atrocidades que cometeu e as pessoas amadas que perdeu.

Portanto, nessa história existe apenas um lobisomem por vez. E isso torna tudo muito mais difícil.

A trama se passa pelo ponto de vista de Dillon Chase, uma pessoa que passou pela transformação do espírito do Lobo, perdeu a família para a fúria da criatura e agora tem como objetivo fazer com que a criatura morra de uma vez.

Acho que o mais impactante dessa história é o fato de que podemos ver a vida das pessoas que foram o lobisomem alguma vez. Loucos, atormentados, depressivos, fanáticos, violentos, as vitimas do Lobo não são apenas os que morrem, mas também os que matam sem poder controlar a própria vontade. Alguns, como Dillon, procuram por vingança, alguma noção de justiça contra a criatura que fez seus entes queridos morrerem, a maioria vive em reclusão, levando uma “meia vida” tentando esquecer o trauma, porém, existem aqueles que gostaram do poder e buscam tê-lo mais uma vez dentro de si.

No primeiro volume (que é um compilado das edições 1 a 6) temos as nossas primeiras impressões da caçada de Dillon, que se estende por todos os Estados Unidos, e suas dificuldades. Afinal, como caçar um espírito que só se manifesta na lua cheia e pode estar em qualquer pessoa?

Somos cruelmente colocados também em imagens da destruição que o Lobo causa em seus ataques. Ou seja, o quadrinho não poupa sangue e violência dentro de sua narrativa. Mas ainda acho que a maior agressão que a história transmite é o trauma. Ela realmente nos faz pensar “e se fosse comigo?”. Como viver em uma situação em que não houve monstro a enfrentar, pois ele era você?

Alguns dos caçadores que buscam pela criatura, estão tão obcecados em seus objetivos, que já não se importam mais com os danos colaterais e as pessoas que morrerão em seus caminhos, já Dillon não consegue deixar de confortar e apoiar aqueles tomados pelo Lobo. Reparem que toda a história é em parte uma metáfora para todos os problemas e desafios que carregamos em nossas vidas. Alguns os rejeitam, outros se viciam, outros apenas os vivem. Mas todos passamos por eles, e vivemos com seus resultados em nossas vidas.

Recomendo a história para todos os fãs das lendas clássicas de lobisomens e para aqueles que gostam de histórias com o foco em personagens. “Lua do lobo” vai te fazer pensar como um monstro na tentativa de caça-lo, a não ser que você já o seja.

E não importa o que acontecer, sempre fiquem atentos à lua cheia.

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Criado em 1929 pelo autor belga Georges Prosper Remi, mais conhecido como Hergé (1907 – 1983), Tintim é o personagem principal de série de historias em quadrinhos “As aventuras de Tintim”. Teve seu primeiro álbum lançado em 1929 com Tintim no pais dos sovietes e o ultimo lançado completo em 1976 com o titulo Tintim e os Pícaros, e em 1983 o álbum inacabado Tintim e a Alfa-arte.

Tintim é um jovem repórter de espirito aventureiro e corajoso, com a personalidade extremamente nobre. Viajando pelo mundo em uma investigação jornalistica por vezes somente por estar no lugar certo ou errado na hora precisa. Tintim passa pelas mais diversas aventuras, envolvendo desde organizações criminosas, conspirações governamentais, investigações cientificas e muitas outras situações, outras características do personagem seriam sua inteligência, bondade inerente e a qualidade de ser muito bom de briga.

Outros personagens importantes na série são o fiel cãozinho Milu, um Fox Terrier de pelos brancos, de personalidade as vezes tão heroica quanto o próprio Tintim, e com um nível de inteligência quase humana, acompanha Tintim a série toda, o Capitão Archibald Haddock ou simplesmente Capitão Haddock, ex capitão da marinha mercante francesa e também ex alcoólatra. O Capitão é uma pessoa de muito bom caráter e também por vezes bastante mal humorado, e conhecido também por sua frases celebres como “ Com mil raios e trovões”.

Outro personagem de bastante importância é o Professor Trifólio Girassol (Tryphon Tournesol no original) um cientista/inventor praticamente surdo. Grande amigo de Tintim e do Captião Haddock, entende tudo equivocadamente quando falam com ele devido a sua condição, e muitos outros como os detetives Dupond e Dupont (eles não são irmão), a cantora de opera Bianca Castafiore e por ai vai.

E como toda boa série de aventura não podem faltar os vilões, Roberto Rastapopoulos é um milionário mafioso desprovido de escrúpulos considerado como o maior vilão da série, o Coronel Sponsz o chefe da policia secreta do pais fictício Borduria, e muitos outros.

E não podendo nos esquecer do na minha humilde opinião, um dos melhores desenhos animados já feitos As Aventuras de Tintim de 1991 produzido pela produtora Nelvana e o estúdio de animação Elipse Animation em nome da Hergé Foundation, contando com 3 temporadas e 39 episódios, exibidos por aqui no inicio dos anos 90 da TV Cultura, sendo o primeiro contato que muitas pessoas tiveram com a série. Contando com uma abertura inconfundível, com uma excelente animação e adaptando quase todos os álbuns lançados por Hergé, o desenho segue muito o roteiro apresentado na série em quadrinhos, com exceção de alguns episódios, o mais modificado sendo o ultimo Tintim na América.

A série também conta com algumas polêmicas, principalmente referente à alguns dos álbuns, contando com acusações de racismo, crueldade com animais e o próprio Hergé sendo acusado de simpatizar com o nazismo durante a ocupação da Bélgica na época da segunda guerra mundial, muitos dos supostos preconceitos podem se explicar devido conceito da época, que era com certeza diferente dos padrões de hoje. Hergé até modificou algumas coisas por achar que havia representado erroneamente alguma coisa, quanto aos nazistas o material que eles aprovavam na época não continha nada a contra ou a favor deles.

Tintim também teve uma outra série animada com menos destaque de 1961, diferente do desenho de 1991 era bem diferente dos álbuns originais de Hergé, teve 3 filmes para cinema durante as décadas de 60 e 70, e um mais novo feito com animação em 3D em 2011 com o nome de As Aventuras de Tintim – O Segredo do Licorne, foi dirigido por Steven Spielberg e produzido Peter Jackson que se revelaram como grandes fãs da série, infelizmente o filme não foi um grande sucesso e conta com alguns defeitos importantes como a ausência do Professor Girassol, os envolvidos anunciaram uma trilogia começando com esse filme mas a sequência, até o momento ainda não tem data para início da produção.

Antes de sua morte em 83 Hergé havia começado os esboços de um novo álbum intitulado Tintim Alfa-arte, com enredo envolvendo falsificação e contrabando de arte, crime organizado e assassinato. Infelizmente nunca foi terminado, e o ultimo desenho feito por Hergé e com uma arma apontada para Tintim, alguns dizem que o personagem iria morrer ali, mas eu particularmente acredito que não. Bob de Moor o ex-assistente de Hergé se ofereceu para terminar o álbum mas foi impedido de finaliza-lo pelos herdeiros do espólio de Hergé, mais tarde foi finalizado não oficialmente.

Tintim conta com uma grande quantidade de fãs até hoje, sendo considerada por muitos uma das melhores obras relacionadas a quadrinhos e animação criadas, incluindo a minha pessoa.

Com mil raios e trovões e até mais!!!

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Sakura Card Captors conta a história de Sakura Kinomoto, uma garota de 10 anos que vive com o pai e o irmão Toya. Um certo dia ela descobre um livro contendo as cartas Clows, que são cartas mágicas, e as liberta sem querer e junto com Kero, o guardião das cartas Clows, ela vai atrás das cartas para recapturá-las.

Durante a história vão aparecendo outros personagens como a Tomoyo, amiga de Sakura que cria as roupas para a Sakura e grava os momentos de capturas das cartas, Syaoran, rival de Sakura para a captura das cartas e um dos descendentes do Mago Clow, o criador das cartas e Yukito o melhor amigo do seu irmão.

O anime foi estreado pela Cartoon Network na TV paga e depois foi exibido pela TV Globo, sendo que possui 52 episodios e 2 filmes.

O manga de Sakura Card Captors possui um traço bonito, foi lançado no Brasil pela editora JBC e foi um dos primeiros mangas lançados no Brasil. No seu primeiro lançamento possuia 24 volumes e depois de foi lançado a edição especial com 12 volumes com páginas coloridas.

Volume 1 do lançamento de Sakura Card Captors

Volume 1 da edição especial

A diferença entre o anime e o manga são a aparição de algumas cartas Clows e uma personagem chamada Meiling, a prima e a noiva de Syaoran, que aparece apenas no Anime.

Recomendo o manga de Sakura Card Captors caso queiram ler algo Kawai, expressão japonesa para bonitinho ou fofinha.

Caso seja um fa de Sakura Card Captors, será lançado o anime contando a continuação da história original dela.

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Você já leu ou assistiu a todas as análises de Stranger Things, eu sei, eu também. Na verdade, o ano de 2016 foi bombardeado por pessoas observando cada referência, imagem, som, posição de iluminação e diálogo.

Porém quero contar meu ponto de vista em particular.

Minha história com Stranger Things começou poucos anos antes, em 2011, com um filme chamado Super 8. Nessa história, seguimos um grupo de crianças, no início dos anos 80, que enquanto vivem seus hobbies, precisam lidar com uma criatura estranha que está aterrorizando a cidade.

Reconhece?

O filme tem muita semelhança com Stranger Things, o mesmo clima, as mesmas piadas e provocações entre os amigos, os mesmos planos que só uma criança poderia criar para deter o monstro, a mesma cara de “homenagem”. Só que o filme não se tornou tão conhecido do grande público. Poucos ao meu redor adoravam aquele filme como eu. E eu queria mais histórias como aquela.

Voltando para 2016.

Uma bela noite, a Netflix me apresentou um trailer, e enquanto assistia, eu revivi três grandes sensações. A primeira foi a que tive ao ver Super 8 e relembrar todos os filmes da Sessão da Tarde que vi na infância. A segunda foi a possibilidade reviver algo que não existe mais, a descoberta de uma estreia dias antes do lançamento. Stranger Things apareceu sem ser anunciada mundialmente anos antes, sem bombardear o público com milhões de trailers (que normalmente estragam a história). A terceira foi a ansiedade de ter de esperar por alguns dias para poder assistir e ver se a série era tão boa quanto o trailer.

Stranger Things foi provavelmente a série que assisti mais rápido em toda a minha vida. Não apenas pelo reduzido número de episódios, mas principalmente pelo ritmo com que a história é contada.

Devo aproveitar a oportunidade e admitir que me senti bem por ter assistido antes que a divulgação “boca a boca” fez com que o mundo todo assistisse a série na semana seguinte. Eu detesto ser o Hipster, mas foi bom dizer que “eu já tinha assistido antes da série ficar famosa”.

Agora pode me julgar.

Falando diretamente da série. Provavelmente o maior mérito seja o seu elenco. Se os atores envolvidos não fossem bons e carismáticos, todas as referências à cultura pop dos anos 80 seriam apenas “easter eggs” vazios e sem alma. E os atores são realmente muito bons em nos passar o medo pelo amigo desaparecido, a curiosidade por ver poderes e dimensões paralelas realmente existindo, ou mesmo o desespero de um filho preso em uma situação surreal.

A história é o próximo ponto que preciso destacar. Toda a série é divida em três núcleos (ou mesmo faixas etárias), a pesquisa do grupo das crianças, a história dos adolescentes, e a busca dos adultos.

As crianças Mike, Dustin, Lucas e Eleven, Que nos mostram em poucos episódios, os reais significados de amizade e confiança (principalmente na frase “amigos não mentem” ou a minha favorita “Ela é nossa amiga e é louca!” ). Além de bombardear a tela com milhões de referências em posters, brinquedos, atitudes e cenas (como o ataque telecinético da Eleven contra uma van, que foi uma versão menos boazinha do E.T. o extraterrestre fazendo as crianças voarem).

Os adolescentes têm seus próprios dramas (tanto que muitos consideram essa a parte menos atraente da série), porém, mesmo esses, que são os mais desconectados dos outros núcleos, acabam se unindo ao grande mistério final (e criam uma das melhores cenas de ação da série).

Por fim, os adultos são parte do lado conspiratório de Stranger Things, com experiências do governo, espionagem (na Guerra Fria, a melhor espionagem que existe), comunicação e viagens interdimensionais.

Destaquei os núcleos para expor aqui meu mais forte argumento. Stranger Things é uma série para todos. Todos mesmo! Por um ano eu vi pessoas dos mais variados tipos, das mais opostas opiniões, com todas as idades assistindo e adorando essa história.

Essa semana veremos a continuação (nem é segunda temporada, afinal o próprio trailer gosta de se intitular “Stranger Things 2”), e o sentimento dessa vez é a de rever velhos amigos, aqueles que mesmo depois de muito tempo longe, no momento que encontramos, não parece ter passado nem um dia. Juro que é verdade, afinal, amigos não mentem.

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No ano de 199X após uma devastadora e terrível guerra, o mundo se torna um planeta semidesértico com poucos sobreviventes e dominado por gangues, os fracos tem pouca chance. Eis então que surge o salvador do fim do século, o único e verdadeiro sucessor da arte assassina de mais de 2000 anos chamada de Hokuto Shinken, essa é a premissa inicial de Fist of the North Star, um manga (1983) e anime (1984) pós apocalíptico, altamente inspirado por Mad Max e Bruce Lee.

Escrito por Buronson e ilustrado por Tetsuo Hara, Hokuto no Ken foi publicado pela editora Shueisha na revista Weekly Shonen Jump de 1983 a 1988, e teve dois animes exibidos inicialmente no Japão: Hokuto no Ken de 1984 a 1987 com 109 episódios e Hokuto no Ken 2 de 1987 a 1988 com 43 episódios, infelizmente o mangá e os animes nunca foram publicados ou exibidos no Brasil.

Kenshiro é o personagem principal, o mais novo de quatro irmãos adotados pelo velho mestre Ryuken da arte marcial assassina Hokuto Shin Ken, e o escolhido para ser seu sucessor, um lutador silencioso de poucas palavras e que pode acabar com seus inimigos com apenas o toque de um dedo.

Tempos depois do fim da guerra que devastou o mundo Kenshiro passa a viver uma vida pacifica com sua noiva Yuria, mas essa vida dura pouco, devido à falta de pratica no treinamento Kenshiro é derrotado em um combate pelo seu agora ex amigo Shin mestre da arte marcial conhecida como Nanto Koshu Ken que é um dos estilos da arte marcial Nanto Sei Ken, a arte marcial oposta ao Hokuto Shin Ken.

Shin sequestra Yuria por ama-la e acreditar egoisticamente que Kenshiro não é forte o suficiente para protege-la no novo mundo que surgiu. Shin deixa Kenshiro à beira da morte após fazer as famosas sete cicatrizes com o formato das sete estrelas mais brilhantes do chamado grande carro da constelação Ursa Maior no peito de Kenshiro, e também quebrando a tradição ancestral de que Hokuto e Nanto nunca deveriam se enfrentar, dando assim início a muitas tragédias futuras.

Kenshiro após se recuperar, não é o mesmo homem de antes, parte então em sua busca por Yuria e por vingança, e eliminará as pessoa cruéis que cruzarem o seu caminho.

Durante sua jornada ele conhece as crianças Lynn e Bart, que se tornam seus protegidos e companheiros de viagem, a série também conta com muitos personagens memoráveis, dois dos meus personagens favoritos além de Kenshiro são, Rei mestre do estilo Nanto Suichoken e Toki, um dos irmãos mais velhos de treinamento de Kenshiro.

Não esquecendo os vilões, além de Shin temos Raoh o Conquistador do Fim do Século, um dos maiores vilões de todos os tempos, sendo ele o irmão mais velho de Hokuto, sempre acompanhado por seu fiel companheiro o gigantesco cavalo Kokuoh (do tamanho de um elefante), Raoh é um homem cruel que odeia a fraqueza mais do que tudo.

Quanto às inspirações de Hokuto no Ken: uma das mais claras e presentes na obra é Mad Max, o mundo pós apocalíptico devastado e as gangues lembram muito o mundo da quadrilogia de George Miller, sem falar a aparência de Kenshiro tanto nas roupas e no jeito solitário, e vemos ainda que Kenshiro, principalmente no início do mangá, se parece muito com Mel Gibson, mas mais para frente ele é desenhado com traços muito semelhantes a Sylvester Stallone, a outra grande inspiração com certeza é Bruce Lee, principalmente em alguns trejeitos e alguns aspectos marciais.

Sem falar outros personagens e suas inspirações como Raoh que lembra muito Arnold Schwarzenegger, Toki que lembra o Senhor Jesus Cristo, etc, outras fontes também seriam a arte de Frank Frazetta, Blade Runner e muitas outras.

Hokuto no Ken foi uma obra que também influenciou outras, como Jojo’s Bizarre Adventure principalmente nos dois primeiros arcos. Outros animes que tiraram alguma inspiração foram Dragon Ball e Cavaleiros do Zodíaco e muitos outros menos conhecidos por aqui no Brasil.

Hokuto no Ken também conta com vários filmes, Hokuto no Ken (1986) com uma animação um pouco melhor que a da série em anime original e com cenas mostrando mais violência que o anime para a TV. O filme é uma versão resumida e modificada da primeira parte do anime original, mudando alguns eventos e cortando alguns personagens.

Em 2003 foram lançados três ova’s (original video animation) chamados de Shin Hokuto no Ken, que seria uma continuação direta de Hokuto no Ken 2.

E a partir de 2005 até 2008 foram lançados cinco ova’s intitulados Shin Kyûseishu Densetsu com alguns sendo remakes e outro complementos da história original, dois deles centrados em Raoh, um em Yuria, um em Toki e outro em Kenshiro.

E em 2008 foi lanço um anime de 13 episódios inspirado pelo mangá Ten no Haō: Hokuto no Ken: Raoh Gaiden , que conta como Raoh se tornou o conquistador do fim do século antes da série original, o mangá é um spinoff escrito por Youkow Osada e não por Hara e Buronson.

E em 1995 foi lançado um filme com atores reais produzido nos EUA chamado no Brasil de O Guerreiro da Estrela Polar, exibido algumas vezes nas madrugadas da TV brasileira, com Gary Daniels (City Hunter) ator Britânico de filmes de arte marciais como Kenshiro, Costa Mandilor (Jogos Mortais III) como Shin e mais famoso ator do elenco Malcon McDowell (Laranja Mecânica) como Ryuken, o filme tenta adaptar o primeiro arco da série mas acaba mudando muita coisa, claramente teve um sério problema com verba e não fez muito sucesso. Uma curiosidade: o ator Gary Daniels virou um grande fã da série e até deu o nome de Kenshiro para um de seus filhos.

A série também conta com uma grande quantidade de jogos para videogame, saíram jogos para quase todas as plataformas possíveis, alguns dos mais recentes são Fist of the North Star: Ken’s Rage 1 e 2 para PlayStation 3 e Xbox 360 do gênero Beat ’em up da Koei Tecmo, a mesma de Dynasty Warriors. E o mais recente Hokuto Ga Gotoku, produzido pela Sega com a engine da famosa série de games Yakuza, com lançamento programado para 22/02/2018, infelizmente (por favor Sega) sem lançamento confirmado para o ocidente.

Com alguns boatos saindo de vez em quando sobre um possível lançamento do mangá por aqui no Brasil, é uma série um pouco difícil de acompanhar por aqui. Com certeza um dos meus animes preferidos, com personagens marcantes, super recomendando para quem é fã de artes marciais, cenários pós apocalípticos e uma boa história em geral.

É isso ai pessoal e Omae wa Mou Shindeiru!!

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O personagem principal é Yukihira Sōma, um adolescente que é um chef de cozinha amador que trabalha em um restaurante de sua família, sendo somente ele e o pai dele na cozinha, um dia o seu pai decide viajar e fechar o restaurante temporariamente assim enviando Soma para um colégio de culinária chamado Totsuki. Nessa escola somente uma pequena porcentagem se forma e os que conseguem tornam-se grandes mestre de cozinha, mas para entrar nesse colégio ele precisa ser aprovado em um teste de culinária e a juíza Nakiri Erina, conhecida por ter a Língua de Deus (pela sua sensibilidade aos sabores) e ser um dos membros da elite dos 10, um grupo dos dez melhores estudantes da academia, que tomam decisões que estão acima até mesmo dos professores.

O interessante de Shokugeki no Souma é que todos os problemas são resolvidos através de uma competição de culinária onde os jurados irão decidir o vencedor, se você já assistiu MasterChef vai entender a emoção de ver a competição no anime, uma das coisas mais engraçadas no anime são as animações e as descrições da sensação do prato julgado.

O escritor é o Yūto Tsukuda, o desenho do mangá é feito por Shun Saeki e a animação esta sendo feita pela J.C. Staff. O Mangá conta ainda com o auxílio da Chef Yuki Morisaki, que providencia as receitas que serão apresentadas.

Shokugeki no Soma pode parecer um anime estranho mas é um anime que te prende a atenção e a historia fica cada vez melhor conforme avança, pois vão aparecendo outros personagem como Aldini, Megumi entre outros e o desafio fica cada vez maior.

Como diria Sōma:

“Não por isso!”

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“Mais uma vez na briga. Na última boa batalha que eu jamais conhecerei. Viver e morrer neste dia. Viver e morrer neste dia.”

John Ottway é um caçador que trabalha em uma refinaria de petróleo no Alasca. Seu dever é impedir que a vida selvagem seja uma real ameaça contra os funcionários (em sua maioria desajustados, ex criminosos e encrenqueiros que não conseguem viver em sociedade). Após semanas de trabalho, ao voltar para a civilização, o avião que os transportava cai em território selvagem, e além de terem de sobreviver aos ferimentos da queda, frio e fome, John e outros sobreviventes se veem caçados por implacáveis lobos.

A Perseguição (The Grey, 2012) tem em sua essência, mais do que a história de sobrevivência retratada pela situação em que os personagens se encontram. Gosto de pensar que o filme todo não está apenas na questão “como sobreviver?”, mas sim na real pergunta “por que sobreviver?”.

Os poucos homens que sobreviveram ao acidente do avião, aos poucos vão mostrando suas reais intenções. Alguns desejam voltar para seus filhos, outros se apegam à fé, ao desejo de aproveitar a vida, ou simplesmente de continuar vivendo como por provocação à situação que a natureza lhes proporcionou naquele momento. Ottway, o protagonista, parece não ter razão para viver desde o falecimento de sua esposa (que constantemente aparece deitada ao seu lado em sonhos e alucinações), porém, cabe ao caçador definir se abandonará sua chance de viver, ou se lutará por ela.

Outro mérito a ser destacado do filme, são as interações e escolhas. Desde o momento da queda do avião, os sobreviventes são colocados a prova como seres humanos, tendo de tomar decisões que refletem a respeito da dignidade, da sobrevivência, e principalmente de seus medos mais profundos. Uma das cenas que mais me impressiona, mostra um funcionário nos destroços do avião, sangrando, cercado de seus companheiros desesperados, quando Ottway é chamado para ajudar. O protagonista se aproxima do homem sangrando e calmamente diz “Você vai morrer. É isso que está acontecendo.”. O mais assustador é ver que o homem aos poucos aceita a própria morte enquanto pensa nas pessoas que ama, mas aqueles ao seu redor parecem muito mais assustados.

Porém, o medo nesse filme possui uma forma física para se apresentar

Os lobos nesse filme são mais do que animais, são a representação da vida tentando eliminar aqueles menos aptos a sobreviver, um por um. Procurando pelo filme, você verá inúmeros artigos dizendo que “lobos de verdade não atacam dessa forma”, mas isso não importa. Os lobos são dificuldades caçando nosso protagonista e seus  companheiros. E assim fazem, em meio a efeitos sonoros de uivos que dão um profundo arrepio na espinha.

Para que não pareça que apenas assisti ao filme “tentando ver as metáforas e a arte por trás”, devo dizer que as cenas de combates e caçadas entre humanos e lobos são de uma tensão inacreditável, as técnicas de sobrevivência refletem o conhecimento de anos do caçador que protagoniza a história, e os instrumentos que eles usam para se defender são de uma criatividade digna de programas do Discovery Channel.

Vou falar sobre atuação? Não! Eu não poderia fazer isso, principalmente porque Ottway é interpretado por Liam Neeson. Se ele está no filme, eu provavelmente vou gostar sem julgamentos.

A Perseguição é um filme que me acompanha desde 2012 porque me faz pensar se faço o certo pelas razões certas, mas também porque é sempre muito legal ver um filme de sobrevivência que não tenha personagens rasos, motivações inexistentes e dramas sem importância.

Esse é mais do que um filme com Liam Neeson amarrando uma faca na mão e frascos quebrados na outra para enfrentar um lobo frente a frente, é um filme definidor de caráter que todos deveriam ver e pensar “Eu conseguiria?”.

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O programa era narrado por Carlos Valadares (que era um narrador e jornalista esportivo, falecido em 2012) e com Bob Léo (lutador de luta livre nacional) nos comentários, na verdade o programa era uma versão editada com várias lutas da então  WWF (World Wrestling Federation) hoje conhecida como WWE (World Wrestling Entertainment), o nome Super Catch é uma alusão a um antigo programa de luta livre brasileiro chamado Telecatch.

Na época tinha pouco conhecimento sobre luta livre e os lutadores mais conhecidos, o que eu mais conhecia na época era o lutador Hulk Hogan, conhecia mais pelos papeis em filmes e séries do que em programas de luta livre, mas as lutas exibidas no Super Catch eram após o auge de Hogan na WWF, portanto, para a minha pessoa, era tudo inédito.

Era como se fosse brigas entre estereótipos e profissões, tinha o coveiro (hoje em dia conhecido como um dos mais famosos wrestlers de todo os tempos, The Undertaker) enfrentando o gari (Duke The Dumpster), o palhaço (Doink The Clown) vs o nativo americano (Tatanka), o mulherengo (Shawn Michaels) vs o motoqueiro (Diesel).

Na época mal sabia que aquelas lutas e “personagens” faziam parte de algo muito maior, que já existia a muito tempo e perdura até hoje, com milhares de fãs ao redor do mundo.

Hoje a WWE, que já era uma empresa grande na época é uma das marcas mais conhecidas no mundo, e os lutadores, personagens ou superstars como são chamados atualmente, muitos dos quais ainda estão na ativa desde a época do Super Catch e alguns de até antes, a empresa foi o ponto inicial de muitas figuras conhecidas do grande público, talvez os mais conhecidos sendo, Hulk Hogan, The Rock (Dwayne Johnson), e outros como Brock Lesnar que também luta no MMA.

Dentro do mundo da cultura pop vários lutadores já serviram de inspiração para inúmeros personagens como por exemplo André The Giant – Hugo (Final Fight/ Street Fighter), Big Van Vader – Raiden/ Big Bear (Fatal Fury) entre muitos outros.

Wrestling também conta com uma quantidades jogos muito grande, tanto do passado como o Saturday Night Slam Masters para Super Nintendo e Mega Drive, e atuais como WWE 2K18 para PS4 E Xbox One.

E é claro os filmes estrelados ou com participação de lutadores ou ex lutadores como The Rock que fez dezenas de filmes e vai interpretar o vilão Adão Negro da DC comics em um futuro próximo,  e Dave Bautista que trabalhou recentemente em Guardiões da Galáxia, Blade Runner 2049 e 007 Contra Spectre, só para citar alguns.

Se você quiser assistir pro-wrestling aqui no Brasil, você pode acompanhar atualmente pelo canal de TV por assinatura Fox Sports para programas da WWE e pelo canal de TV aberto Esporte interativo onde exibem alguns programas da empresa rival da WWE a TNA, ou então assinando o serviço WWE Network e tendo acesso ao conteúdo deles, para ver shows relacionados as empresas independentes somente pela internet.

Um pilão giratório para vocês e até mais.

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Esse foi um anime aguardado com ansiedade pelos fãs, pois seria a comemoração de 15 anos da franquia. Em Digimon tri os episódios não são lançados com regularidade, pois são lançados no formato de filmes (no site Crunchyroll o Digimon-Tri é lançado em formato de episódios em vez de no formato de filme).

A animação da série tem uma ótima qualidade, a história está mais adulta e cada filme possui um tema central (Reunião, Determinação, Confissão, Perda e Coexistência) mas, infelizmente, ainda não foi terminada a série de filmes.

Uma coisa que foi mostrada durante os filmes são as mega forma de todos os parceiros dos digi-escolhidos, pois na primeira série de Digimon somente os Tai e o Matt conseguiram atingir essa forma de seus parceiros digimons, mas desta vez todos os demais protagonistas tiveram essa novidade explorada.

Caso você seja um fã de Digimon 1 e sempre teve a curiosidade de como seria a vida dos personagens após a primeira série, o Digimon Tri com certeza vale a pena assistir e acompanhar.

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“John Wick não é o bicho-papão, é quem você chama para matar o maldito bicho-papão”

Uma coisa que falta no cinema hoje em dia é criatividade. Não me leve a mal, mas pare e pense, quantos filmes você assistiu ultimamente que não eram adaptações de livros, quadrinhos, videogames, desenhos animados ou remakes, reboots e readaptações? Assim como vocês, eu adoro a maior parte desses filmes todos, mas sinto falta de algo novo e realmente bom.

É aí que entra John Wick.

Quando assisti ao primeiro filme em 2014 (traduzido como “De volta ao jogo” no Brasil), tudo que sabia eram as histórias fantásticas que circulavam pela internet. Relato de um filme com Keanu Reeves que parecia bom demais para ser verdade e que tinha uma contagem de mortos digna de um filme de ação dos anos 80. De fato, não lembro sequer de saber deste filme passando nos cinemas brasileiros, então fui assistir com curiosidade e poucas informações.

A história é simples, John é um homem casado e feliz, porém, quando sua esposa sabe que vai falecer, ela deixa um filhote de cachorro para que ele tenha algo a se apegar na vida, pois, como ela diz, ele não pode só amar ao carro (um lindo 1969 Ford Mustang Mach 1). Dias após o enterro de sua esposa, um grupo de criminosos ligados à máfia russa rouba o seu carro e mata o seu cachorro. O que acontece então é uma grande caçada a toda a máfia russa em toda a glória que apenas uma história de vingança pode proporcionar.

Não é a história que faz com que John Wick seja um filme tão adorado, ela é simples porque precisa ser simples, e ela precisa ser simples para que todo o resto possa brilhar. A fotografia artisticamente plástica, a trilha sonora misteriosa, os figurinos e cenários caricatos na medida certa, e a ação que não esperávamos, mas sempre desejamos.

O foco na ação não é por nada, os diretores David Leitch e Chad Stahelski, trabalharam no passado como dublês, desde a coordenação até a própria “mão na massa”. E o quanto conhecem uma boa cena de ação fica evidente tanto no primeiro quanto no segundo filme (John Wick: um novo dia para matar, dirigido apenas por Stahelski). Cenas de ação com continuidade, sem a necessidade de cortes abruptos (que na maioria dos filmes apenas servem para disfarçar a inaptidão dos atores em fazer cenas de ação convincentes), movimentos táticos, munição que acaba, combates de claro entendimento e muito “Gun fu”.

Eu preciso de um momento para falar do “Gun fu”.

John Wick é retratado como um homem de foco e disciplina, dotado de uma força de vontade inabalável e uma criatividade especial para matar seus alvos. Porém, apesar de incontáveis lendas serem ditas a seu respeito, John mostra seu talento ao matar dezenas de inimigos em sequencia, enquanto utiliza suas armas em movimentos que soam como uma arte marcial. Esse “estilo de combate” é comumente conhecido como “Gun fu”, e não poderíamos esperar menos de Keanu Reeves (não depois de Matrix). Tiros múltiplos em um mesmo alvo, golpes de Jiu Jitsu que derrubam os inimigos e os deixam vulneráveis a tiros e (o meu favorito) muitos tiros direto na cabeça dos pobres capangas. John usa pistolas, rifles, facas e “dizem que ele matou três caras num bar usando um lápis”. A forma com que esse protagonista enfrenta os inimigos, remete a uma experiência que vivíamos muito mais em filmes da década de 80.

Porém, o que mais me atraiu em ambos os filmes foi o universo em que se passa. É como se fosse um mundo escondido de nós, no qual assassinos profissionais tem uma sociedade quase própria, com suas regras e locais alheios à população. Tudo é atemporal, o Hotel Continental (e todas as suas filiais pelo mundo) é um “solo sagrado” em que os profissionais não podem matar, os pagamentos são feitos em moedas de ouro, os contratos de assassinatos são passados a uma central e telegrafados, os telefones tem fios e todos se vestem elegantemente enquanto portam as mais modernas armas.

Quando terminei o primeiro filme, eu pensava “cara, se fizerem um segundo, eu quero que mostrem mais dessa sociedade secreta”, bem, acho que não fui o único a pensar assim. A continuação é repleta de códigos (como as “promissórias” que forçam uma pessoa a pagar um favor que devem), instituições e “funcionários” desse mundo (o “sommelier de armas” é facilmente uma das minhas adições favoritas da continuação).

John Wick: Um novo dia para matar, pegou tudo o que foi bom no primeiro filme e melhorou, ampliou e (por que não?) degustou com um cuidado que sequencias pouco tem nos dias de hoje em Hollywood.

Espero que você entenda que a partir de agora, estará entrando no universo onde vive uma lenda, você está no mundo de John Wick, e eu garanto, é melhor não ficar em seu caminho.

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Um dos tipos mais antigos de tokusatsus, Kamen Rider é uma série criada pelo lendário Shotaro Ishinomori, e estreou a sua primeira temporada em 1971 no Japão com um total de 98 episodios.

A série original conta a história de um jovem chamado Takeshi Hongo sequestrado por uma organização secreta de terroristas chamada Shocker. A organização tem propósitos malignos, e submete Takeshi contra sua vontade a uma cirurgia para ser transformado em um ciborgue. Mas após a cirurgia, o jovem consegue escapar e passa a lutar contra a tal organização usando suas novas habilidades.

A série foi um sucesso e a franquia continua até hoje contando com varia temporadas e apenas hiatos esporádicos antes de começar uma nova temporada, normalmente com reformulações e novos arcos de histórias.

A maioria dos brasileiros teve o primeiro contato com o universo de Kamen Rider a partir de 1991 com a estreia de Kamen Rider Black ou Black Kamen Rider como ficou a tradução por aqui na antiga Rede Manchete.

Kamen Rider Black é a 8ª serie da franquia e estreou no Japão em 1987, e conta história de Issamu Minami (Kotaro Minami no original). Issamu e Nobuhiko são irmãos de criação desde o falecimento dos pais de Issamu em um acidente de avião. Os dois são sequestrados pela organização secreta Gorgon (sim, sempre tem uma nos mais antigos) e submetidos a uma cirurgia para serem transformados em ciborgues.

Os dois então deveriam se enfrentar e o vencedor sucederia o ser conhecido como Grande Rei, o líder e Deus dos Gorgon. Durante a cirurgia é implantada no corpo de Issamu a pedra do Sol e no de Nobuhiko a pedra da Lua. Das pedras vêm o poder para eles se transformarem em Kamen Riders, apesar de Nobuhiko nunca ser chamado assim. Issamu consegue escapar com a ajuda do pai adotivo, que também era um membro da organização, o jovem passa a combate-la enquanto descobre como utilizar seus poderes recém adquiridos.

Organizações secretas eram comuns nas séries da era Showa, as séries e filmes que começam com Kamen Rider em 1978 até o filme Kamen Rider J de 1994.

Depois de um hiato de 5 anos em janeiro de 2000, Kamen Rider volta a ser produzido com a nova série Kamen Rider Kuuga, dando início a chamada era Heisei, mas o que seriam Showa e Heisei? Esses termos têm origem nas eras japonesas e seus respectivos imperadores. Os Kamen Riders da era Heisei vão de Kuuga (2000) até o mais atual Build (2017).

A franquia então conseguiu se renovar e continua forte até hoje, muitos fãs tem medo de acompanhar os Riders da era Heisei por algum preconceito qualquer, seja por não conterem alguns elementos dos mais antigos, aparência e tom. Apesar das séries novas manterem muitos elementos ainda dos mais antigos, como é o caso dos olhos nos capacetes.

Da minha parte também houve receio. Procurei um que disseram ter um final mais “sombrio” que foi o Kamen Rider Blade (2004) e acabei gostando muito, e resolvi então dar uma chance para todos os outros, atualmente acompanhei até Kamen Rider Gaim (2013).

Como última parte do artigo, gostaria de recomendar algumas das séries que me agradaram mais ao longo da história dos Kamen Raiders.

Kamen Rider V3 (1973): Excelente série, muitos dos clichês vêm dela por ser tão criativa.

Kamen Rider Amazon(1974): Uma mistura de Tarzan com Kamen Rider, considerada uma das séries mais violentas, se não for a mais violenta dos Rider da era Showa. Infelizmente uma das mais curtas, com poucos episódios.

Kamen Rider Black (1987): Não precisa de apresentações, uma das poucas transmitidas no Brasil.

Kamen Rider Agito (2001): Tem uma história muito bem feita e envolvente, centrada em poderes psíquicos.

Kamen Rider Ryuki (2002): Apesar de ter um clima mais de comédia, as vezes revela um lado mais sério também. A primeira que contém vários Riders lutando entre si.

Kamen Rider Kiva (2008): A série tem elementos de filmes clássicos de terror como vampiros, lobisomens, o monstro de Frankenstein e etc.

Kamen Rider W(2009), tem como premissa uma agência de detetives.

Kamen Rider Amazons (2016 e 2017, 2 temporadas), inspirada na série Kamen Rider Amazon de 74, lançada direto para a internet. Bem diferente das outras séries Rider, extremamente violenta e voltada para um público mais adulto.

Para assistir é um pouco complicado, já que a única disponível no Brasil é o Black e o RX. As outras tem chance quase zero de chegarem por aqui oficialmente, então o jeito é através de fansubs (grupos de fãs que legendam e disponibilizam os episódios) que podem ser encontrados com alta qualidade pela internet.

Kamen Rider é uma série que para quem gosta de heróis e altas aventuras podem ter certeza que não vai se decepcionar.

Henshin e até mais.

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Saudações! Hoje estou mais pontual, muito animado para falar de uma sample que foi… intrigante. Senhoras e Senhores, com vocês: Lord of the Samples, nossa coluna de crítica de prévias de ebooks! Nosso prato do dia: Unwrapped Sky, romance de estréia de Rjurik Davidson, um livro sobre minotauros e… algumas outras… coisas… nebulosas.

Aproveitando que semana passada já critiquei romances de estréia como um todo, decidi escolher um que superasse minha expectativa fatalista. Como escolhi este? Simplesmente li a sinopse e vi “New Weird” no fim. Ora, posso criticar o quanto quiser alguns vícios do New Weird, no fim vou reiterar que os autores da escola (sim, digo “escola”, não “gênero”) costumam ter um domínio impressionante de técnica e estilo.Talvez esteja me adiantando, mas preciso anotar esta opinião logo: o livro parece ser bom, a sinopse foi legal, contudo… não senti tanto do clima do New Weird nele… Ao menos não tanto quanto senti do clima de Mistborn.

New Weird? Fantasia épica? Lembram-se de Six-Gun Tarot? Vamos à sinopse.

Caeli-Amur é uma cidade costeira em um mundo em que a tecnologia aos poucos suplanta a magia. Uma metrópole se industrializando, cheia de miseráveis, trabalhadores soturnos, assassinos-filósofos e Casas nobres em guerra.

– É Steampunk?

Não! É… Luthadel? Bom, é a cidade que você esperaria ver numa boa fantasia épica dos últimos dez anos. Cito Mistborn e não, digamos, Lies of Locke Lamora porque – céus! – os assassinos-filósofos têm uma cara incrível de mistborns (“Então, Kata tirou seu pequeno frasco de X do bolso e entornou seu conteúdo”, “Kata sacou suas duas facas longas e arremeteu contra o minotauro”). Ah, e há minotauros. Muitos. E uma cidade submersa na baía. E deuses. E… Mais, com certeza. Boa parte do interesse que tenho pelo resto do livro é ver até onde ele vai na construção do cenário. Por certo, o primeiro capítulo foi uma grande vitrine para a cidade. (Waking Engine, é assim que se mostra uma cidade fantástica no primeiro capítulo). Na verdade, é tão comum que os autores de fantasia não saibam apresentar suas cidades magníficas que o planejamento de Davidson me surpreendeu só por começar a se mostrar competente. No fim da sample, foi um trabalho realmente bem feito.

Entretanto, todo esse destaque para a cidade deixa os personagens um pouco apagados. O que é até curioso neste caso:  o enredo não fica parado enquanto as descrições acontecem, mas ainda parece cair para segundo plano. Prefiro não dar muitos spoilers do começo aqui, foi uma leitura bem instigante, então direi só que “Kata é uma assassina-filósofo contratada para matar dois minotauros durante a passagem de um grupo deles pela cidade”. Para onde vai a história a partir daí? Não sei.  Sinceramente, não sei. Na sinopse falam de mais dois protagonistas, mas não há sinal deles na sample.

O que acrescentar… É bem escrito, é bem pensado, é um começo muito bom para um romance de estréia promissor. Não sei se é mais New Weird ou fantasia épica – também não me importo. Gostei do que li, pretendo comprar o ebook no futuro próximo. Mais importante: só como sample já é uma boa leitura.

Ganha meu Selo de Recomendação.

Fico por aqui, preparando o post da próxima semana (há tempos não escrevo um para as Notícias). Antes de seguirem seus caminhos, novos e velhos leitores, deixem seus comentários (gosto de comentários, tiro minha energia vital deles).

E até a próxima semana!

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Saudações a todos! Depois de um bom tempo, volto com mais um Lord of the Samples. Hoje farei outra análise curta de uma sample curta para kindle.  Sekret**, de Lindsay Smith, vem chamando minha atenção há um tempo pela quantidade de propagandas que tem nos sites de literatura americanos. A capa é agradável, a sinopse parece decente, a propaganda é intensa… Vale a tentativa, não? Parece bom, não?

Eeeer…

*coff coff* 

Vamos começar falando sobre a autora. Lindsay Smith já publicou um conto pela Tor.com, mas Sekret é o primeiro romance dela. Isso explica tanto sobre o que li! Creio já ter comentado antes sobre meus pequenos preconceitos com romances de estréia, mas explicarei de novo por precaução. Romances de estréia costumam ser… péssimos. Há alguns ótimos, claro: Elantris é impressionante, Vellum é, apesar de exagerado e pouco polido, uma verdadeira obra de arte, e até Prince of Thorns impressiona pela sofisticação (só para citar os primeiros que me vieram à mente). Mas há um mar, repito, um mar, de títulos fracos que sofrem dos mesmos problemas e continuam a me bombardear a cada semana.

No geral, espero que, em um livro desses, o autor: (a) esteja inseguro com seu estilo e soe artificial de tempos em tempos por ter escrito poucos, ou nenhum, livros antes do que publicou; (b) esteja inseguro de sua história e não queira arriscar muito com enredo, personagens ou mensagem; (c) copie traços de livros da moda só para agradar um pouquinho a mais os leitores (“depois ele vai deixar isso de lado e descobrir sua própria voz, com certeza”); (d) esteja muito desesperado para chamar atenção e se esqueça de, afinal, criar algo que valha a pena nos apresentar depois de ter nossa atenção. Quais desses traços Elantris, Vellum e Prince of Thorns não apresentam? Sekret apresenta os quatro, mas, como é um livro infanto-juvenil, vou restringir a comparação só a Prince of Thorns.

O enredo gira ao redor de Yulia Andreevna Chernina, uma adolescente telepata forçada a trabalhar para a KGB nos idos tempos da corrida espacial. Espionagem, União Soviética, corrida espacial, um cenário familiar; coloquem telepatas no meio e… ora, continua familiar. Sim, o cenário per si não é muita coisa, vamos ver como é o desenvolvimento. A sample cobre 3 capítulos e o começo do quarto, todos bem curtos e simples, como se espera de qualquer livro YA. No primeiro capítulo vemos Yulia foragida, tentando comprar suprimentos médicos no mercado negro. No segundo, Yulia volta para casa e é capturada. No terceiro, há um pequeno trecho de memórias que definitivamente não mereciam um capítulo exclusivo. Por fim, um interrogatório cortado na metade. O enredo corre muito, não vou culpar a autora por isso, é o fluxo para um público mais jovem.

 O que vemos de desenvolvimento de personagens se resume à visão da própria Yulia sobre sua condição no mundo, e só um pouco de tempo dedicado a seus poderes psíquicos. Ao menos quanto a isso devo parabenizar a autora: a protagonista é bem simpática. Ela é pragmática, paranoica, não se preocupa em trapacear um pouco com seus poderes e tem um ou outro princípio a que se agarra não muito bem. Num livro infanto-juvenil? Ótimo. Fora isso, nenhum personagem secundário deu as caras para falar “oi” sem ser interrompido por uma tempestade de monólogo interno. Temo que seja uma tendência pelo resto do livro. O pouco que vi deles também foi simplesmente desinteressante.

Quanto ao estilo, só uma crítica: ela usou a mesma voz narrativa nojenta, em primeira pessoa no presente, de Jogos Vorazes.  Sério, que desgosto. Seres humanos, a menos que tenham algum uso muito criativo e impressionante para aquilo, não insistam no erro.

Veredito: não lerei o resto. Recomendaria para minha irmãzinha, talvez. Há livros infanto-juvenis que são ótimos dentro de sua simplicidade (eu ainda li Percy Jackson e me diverti), mas não vi sinal algum de que Sekret seja um desses.

Com isso, me despeço com a promessa de que volto muito em breve com outro Lord of the Samples, um em que serei menos chato e ranzinza. Espero estar bem animado, quero falar sobre New Weird!

Até breve. No próximo post, Unwrapped Sky.

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O LIVRO:

A EQUIPE:

Comentários por: Danielle Toste, Eric Torres, Juliana Morais, Gustavo Domingues.

Edição por: Gustavo Domingues

A AVALIAÇÃO:

—

AS REFERÊNCIAS:

Trilha Sonora:

Breogán e Zywiolak

PROXIMO EPISÓDIO:

O Capítulo 30 será sobre o livro: “Entrevista com o Vampiro” de Anne Rice

Comentários, dúvidas, sugestões: contato [arroba] grifonosso.com

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Sim, é um livro sobre dragões. Asseguro que não enlouqueci. Como disse nas últimas Notícias Subterrâneas, A Natural History of Dragons: A Memoir by Lady Trent*^ (Marie Brennan)  é um livro de cara simpática sobre uma naturalista que estuda dragões. Sua primeira sequência, Tropic of Serpents, já teve um lugar no meu último post e a capa para a segunda, The Voyage of the Basilisk, foi revelada na tor.com recentemente. Adiantando o veredicto, a sample é curta, simples e agradável – sugiro uma lida rápida.

Detalhando mais o enredo… Isabella, Lady Trent, é uma renomada estudiosa de dragões em um mundo muito semelhante ao nosso, exceto pela existência dos dragões, claro. Quando digo “muito semelhante”, quero dizer que a premissa da série é quase – quase – escrever uma biografia da naturalista/escritora inglesa Isabella Bird em um mundo com dragões. A partir disso, a história deve fugir completamente do que foi a vida da naturalista real. Quase completamente. Memoirs By Lady Trent ainda se preocupa com um tema central da biografia de Isabella Bird: o desafio às normas sociais. Assim como a Isabella real, em sua trajetória Lady Trent precisou superar as convenções sociais que supõem que uma Lady inglesa não viajará pelo mundo em busca de aventuras/dragões.

A Natural History of Dragons começa a série da forma óbvia: a velha Lady Trent nos diz que decidiu escrever sua biografia e começa a narrativa por sua infância. O que vemos disso na sample não é muito: uma descrição do ambiente em que cresceu a jovem Isabella, a cena de uma dissecação falha e o começo da narrativa de uma caçada. Perdão, vou corrigir algumas coisas – o que vemos não é muito: uma descrição da vida da vida da aristocracia rural, a cena da dissecação de uma ave e o começo da narrativa de uma caçada a um dragão raro. E, claro, algumas repetições de ” quão carente de estudos rigorosos sobre dragões o mundo era na época” (Lady Trent precisa garantir que saibamos como ela é importante).

É pouco conteúdo, concordo; o que me agradou mais foi o estilo da narrativa. Os capítulos começam com aquela cara de Verne, a voz narrativa é muito leve e despreocupada, até algumas construções tentam enganar o leitor fingindo ser algo mais antigo. Quando digo que “tentam enganar”, quero reforçar que o estilo não é, de forma alguma, uma simulação de uma escrita antiga. O que há na escrita de cada capítulo é, sim, um trabalho muito cuidadoso com vocabulário para passar a impressão de literatura do século XIX sem que o estilo seja o mesmo ou a leitura se torne difícil para um leitor desavisado. Achei impressionante.

Enfim, não é um livro pretensioso, criativo ou monstruosamente bem escrito, mas é elegante e tem seus truques. Ganha meu selo de aprovação. Apesar disso, não acho que leria o livro completo.

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