What Will We Be. Devendra Banhart. Warner. Rock. CD

Devendra Banhart tiene mala prensa. Cae gordo. Ya no mola. En el fondo, es como si no se le perdonará su excentricidad de freak marciano, como si ésta no fuera más que mera impostura. Pero él sigue a lo suyo, y servidor, que a diferencia de la mayoría sí disfrutó de Smokey Rolls Down Thunder Canyon (2007), celebra que este What Will We Be sea aún más consistente que aquél, más conciso en sus pretensiones y más rico en sus resultados. Recordando a su admirado Caetano Veloso, a Donovan o a Cat Stevens, consigue, otra vez, un repertorio admirable.

Logos. Atlas Sound. 4AD. Rock / Pop. LP / CD

Bradford Cox opta al galardón del músico hiperactivo. Bien con Deerhunter o con Atlas Sound, nos sirve periódicas raciones de sonidos psicotrópicos, fascinantes revisiones del legado psicodélico que en este Logos rozan la excelencia dejando a un lado los desvaríos raristas de Let the Blind Lead Those Who Can See but Cannot Feel (2008) para optar por hechuras clásicas. Ésas, al fin y al cabo, que remiten a Beach Boys (la deslumbrante Walkabout, con Noah Lennox, de Panda Bear), tienden puentes hacia el folk (Criminals) o nos impulsan a las estrellas (Quick Canal, con Laetitia Sadier, de Stereolab).

Ahí les dejo un clip de Walkabout…

Pinche aquí para ver el vídeo.

Foto: Peter Ross

Compositor formado en la Universidad de Columbia y en la prestigiosa Juilliard School, autor de bandas sonoras para cine (El lector, El sueño de Casandra…), arreglista en algunos de los más notables discos de rock y pop experimental de los últimos años y responsable de piezas camerísticas cargadas de “energía maníaca”, Nico Muhly (Vermont, EE. UU., 1981) renuncia con naturalidad a los límites genéricos que pudieran parcelar su creatividad. En particular, a aquellos empeñados en erigir un muro infranqueable entre música culta y popular.

Integrante junto al cantautor folk Sam Amidon y a los experimentadores electrónicos Ben Frost y Valgeir Sigurðsson del sello-colectivo Bedroom Community, con base en Islandia, Muhly recalará este sábado en Sevilla con el espectáculo Whale Watching Tour, en el que los cuatro músicos comparten tablas revisando sus respectivos repertorios. Su concierto pondrá, casi, el punto final a la segunda edición del festival Electrochock (US), organizado por la Universidad de Sevilla, que comienza hoy en Pista Digital.

–¿Cómo, cuándo y por qué se puso en marcha Bedroom Community?

–Bedroom Community comenzó hace ya unos cuantos años. Era algo que Valgeir [Sigurðsson] había estado pensando durante un tiempo. Cuando nos conocimos, me sugirió que grabara en condiciones mi, por aquel entonces, penosamente grabada música de cámara. Y durante el proceso de puesta en común creo que se le ocurrió la idea. El sello, tal cual es, está conformado alrededor del estudio que tiene en Islandia, por lo que, en realidad, es como una extensión de su cerebro.

–Llama la atención la disparidad estilística. Quizás se puedan encontrar conexiones entre la experimentación de Ben Frost y Valgeir Sigurðsson, pero ambos parecen lejanos a lo que haces tú o al folk de Sam Amidon. ¿Qué tenéis en común?

–Es interesante, porque no pienso para nada en ello. Sí pienso en el hecho de que, ya sabes, todos amamos Islandia, pasamos allí mucho tiempo y nos gusta la música de los otros. Eso es, me da la impresión, lo importante. Mucho más que hablar sobre el estilo, que siempre me parece algo ambiguo.

–¿Cómo es el Whale Watching Tour? ¿Qué vamos a escuchar?

–Creo que tendrá dos partes largas con distintas áreas de enfoque. Por ejemplo, Ben Frost tocará unas cuantas piezas largas, luego Sam unos pocos temas cortos, después yo algunas cortas y dos largas, etc. Debería ser muy extremo y colaborativo. Estaremos sobre el escenario bastante tiempo.

–¿Por qué entra un músico con formación académica en contacto con el ámbito pop?

–¡No soy un músico académico! Simplemente fui a una escuela de música, lo cual es completamente distinto. Todo el mundo debería ir, no puede hacerte daño aprender más cosas.

–Te has significado como arreglista… ¿Qué has aprendido, si has aprendido algo, de gente como Björk, Antony Hegarty, Will Oldham o Grizzly Bear?

–Hay mucho amor en esas colaboraciones. En su mayor parte, los músicos que citas son muy intuitivos y me contratan para que sea listo y ratonero con los instrumentos. Grizzly Bear, con los que estoy trabajando ahora, son fantásticos, porque arreglar su música es como hacer un puzzle gigante. Hay tantas cosas pasando al mismo tiempo, que encontrar mi pequeño camino entre ellos es como ir avanzando a machetazos a través de la jungla.

–¿Cómo afrontas la composición para el cine? ¿Te sientes menos libre que cuando compone música autónoma? ¿Optas por el pragmatismo?

–Más pragmático, desde luego, y también escribo más rápido, confiando en mis instintos primarios. Escribir una banda sonora es algo atlético. Componer, por ejemplo, una ópera, es un larguísimo e indulgente proceso, mientras que una b.s.o. es como: ¡Corre, escribe algo en diez minutos, ya! ¡Un sprint!

–No es trabajo tuyo, pero, estilísticamente, ¿dónde situarías la música de tus discos, Speaks Volumes y Mothertongue?

–Los diez minutos que me llevaría pensar en el estilo de mi música son diez minutos que perderé para siempre y nunca recuperaré… Digamos que es música de cámara amplificada, con espasmos, obsesiones y energía maníaca.

–En el ámbito académico suele utilizarse el término música contemporánea de manera bastante paradójica. Incluso para referirse a compositores del siglo pasado. ¿Qué opinión te merece?

–No pienso en ello, ahí está mi secreto. En cuanto sospecho que la gente va a ponerse a hablar de estilos o de clasificaciones, me tapo los oídos y empiezo a pensar en Brahms.

–Me temo que en España, al menos para buena parte de la crítica clásica, la distancia que separa a los músicos académicos de los populares es todavía grande: son mundos que apenas entran en contacto. ¿Has vivido esa situación?

–Intento no preocuparme por esas cosas. Para mí, con 28 años, viviendo en Nueva York y viajando todo el tiempo, simplemente me parece lógico involucrarme en distintos trabajos con muchos y variados músicos. Quizás para otros esta forma de verlo no tenga sentido, pero para mí sí. Es la única manera en la que puedo pensar.

Notas…

El Whale Watching Tour de la Bedroom Community pasará por el festival Electrochock (US) 2009 el próximo sábado 7 a las 21:00. Será en Pista Digital (c/Madame Curie, Isla de la Cartuja) con las entradas a 6 euros, 3 euros para la comunidad universitaria.

Junto a su concierto, la programación del festival, organizado por la Universidad de Sevilla, se completa con las actuaciones del británico Christ y los sevillanos Voodooetnies & Toroweins, hoy mismo, y la de los también sevillanos Tension Co. y el alemán Hauschka, mañana viernes.

Mientras que todas ellas, al igual que la de Bedroom Community, se celebrarán en Pista Digital, las dos sesiones de DJ’s programadas por el ciclo, a cargo de los barceloneses bRUNA -mañana- y Undo -el sábado- se llevarán a cabo tras los conciertos en la sala Wam by Abril (Luis Montoto, 118).

Voodooetnies & Toroweins es una pareja local de productores y DJ’s integrada por José Escabias y David Toro. El primero, habitual en los directos de Shotta, ha creado bases para diversos MC’s sevillanos, incluidos Tote King y Puto Largo (Dogma Crew) y acaba de editar un EP con el sello británico A Future Without, titulado Unfinished Works. El segundo ha tocado casi todos los palos del rap: comenzó con el graffiti, ejerció como MC y, finalmente, desembocó en los platos y la creación de ritmos.

Por su parte, Chris Horne, alias Christ., inició su carrera en Edimburgo compartiendo entusiasmo y referentes con los componentes de Boards of Canada para, a partir del comienzo de la década, dar rienda suelta a una discografía en solitario plagada de ejerciciós electrónicos planeadores y melodías exultantes.

Tras el nombre de Tension Co. se esconden Miriam Blanch -superviviente de la escena indie-rock sevillana de los 90- y José María Pérez Flor, un dúo que, a decir de la organización del ciclo, factura “electrónica ambiental oscura y minimal, ruidista y de intensidad creciente”.

Por último, Volker Bertelmann, alias Hauschka, es un pianista alemán conocido por su inclinación a manipular tan noble instrumento al objeto de arrancarle sonoridades inéditas. Son las que suenan en Fendof, su último trabajo discográfico, que presentará en Sevilla acompañado por una pareja de chelistas.

Splitting The Atom. Massive Attack. Virgin. Electrónica / Pop. CD / LP

Superar Blue Lines o Mezzanine no parece posible, pero seis años después de aquel último álbum –sin contar la b.s.o. de Danny The Dog– los de Bristol se descuelgan con este epé, anticipo de su esperado nuevo trabajo en 2010, que pone de manifiesto que el talento sigue ahí, intacto. También el fenomenal radar para detectar las voces invitadas idóneas: Tunde Adebimpe (TV on The Radio) hace suya la sepulcral Pray for Rain; Martina Topley Bird, más atinada aquí que en su último disco en solitario, seduce en la remezcla de Van Rivers & The Subliminal Kid de Psyche y Guy Garvey (Elbow) hace lo propio en Bulletproof Love. Un viejo conocido, Horace Andy, pone la guinda en la homónima Splitting The Atom. Y tras varias y agradecidas escuchas, lo cierto es que uno no queda ya tan convencido de la posibilidad o no de alcanzar las cotas antes citadas…

Ahí les dejo el extraño clip de Splitting The Atom…

All in One. Bebel Gilberto. Verve. Bossa nova / Pop / Electrónica. CD

Para cuando Bebel Gilberto desembocó con notable éxito en el mercado internacional gracias al delicioso acabado de Tanto Tempo (2000) lo cierto es que ya llevaba recorrida una larga trayectoria. Hija de un gigante de la bossa nova, João Gilberto, y de la cantante Miúcha, y sobrina de Chico Buarque, Bebel pisó escenarios desde la infancia y dejó muestras de su imponente voz en un dilatado listado de colaboraciones amistosas o pecuniarias (David Byrne, Amon Tobin, Thievery Corporation, Caetano Veloso…).

Sin embargo, ese éxito antes mencionado le llegó al aplicar la fórmula, ya empleada entonces con profusión, del feliz encuentro entre la música popular brasileña, la MPB, y la electrónica. Tanto fue así -130.000 copias despachadas en su día sólo en Estados Unidos-, que faltó tiempo para darle a aquel repertorio una nueva vuelta de tuerca incidiendo en la receta: Tanto Tempo Remixes, con fantásticas remezclas, entre otros, de Rae & Christian, Da Lata, 4 Hero y Peter Kruder.

Desde entonces, aunque sin superar las cotas creativas de su debut -tampoco las comerciales-, esta neoyorquina por nacimiento ha venido reiterando la vigencia de su propuesta con títulos como el homónimo Bebel Gilberto (2004) y Momento (2007).

All in One parece ahora especialmente diseñado para reverdercer aquellos laureles de popularidad. Parte de la producción recae sobre Mark Ronson (Amy Winehouse, Lily Allen, Christina Aguilera…), un aval industrial que comparte protagonismo con Daniel Jobim y Didi Gutman (Brazilian Girls), y la tónica general se decanta hacia la accesibilidad para todos los públicos.

Pese a esa pátina, que en ocasiones lastra el resultado sugiriendo un cierto aire previsible y convencional, el conjunto mantiene el tipo, cómo no, gracias a la voz de Bebel y al repertorio elegido, incluidas vistosas versiones de João Gilberto (Bim Bom), Marley (Sun is Shining), Wonder (The Real Thing) y Gordon & Warren (el clásico Chica Chica Boom Chic) alternadas con canciones coescritas junto terceros. Entre éstas destaca la emotiva Ela (On my Way), afortunada constatación de que cuando Carlinhos Brown aparca la carroza carnavalera, aún sigue ahí el músico que una vez fue.

Ahí les dejo una grabación en vivo para televisión de Chica Chica Boom Chic y Sun is Shining (el audio no es bueno, pero vale la pena)…

Pinche aquí para ver el vídeo.

Iniciado en Málaga hace ahora diez años, el ciclo de discoforums La Música Contada se ha consolidado como una de las propuestas nacionales más llamativas en torno al hecho musical. Personajes del más variado pelaje -músicos, fundamentalmente, pero también musicólogos, periodistas, actores, directores de cine, productores…- hacen uso de una fórmula tan sencilla como atractiva: presentarle a la audiencia sus canciones o composiciones favoritas y explicarle el porqué de la elección.

Gran parte del atractivo de la idea, si no la totalidad, reside, claro, en la lista de invitados, y La Música Contada puede presumir de un abanico amplio y variado. Alaska, Antonio Escohotado, Astrud, Carlos Álvarez, Diego A. Manrique, Fernando Alfaro, Fernando Márquez El Zurdo, Iñaki Gabilondo, Jesús Ordovás, Jordi Costa, José Ignacio Lapido, José Luis Ortiz Nuevo, Josele Santiago, Juan de Pablos, Kiko Veneno, La Buena Vida, Manuel Alcántara, Pedro G. Romero, Sabino Méndez o Sr. Chinarro, entre tantos y tantos otros, han pasado por el ciclo, que a lo largo de esta década amplió su radio de acción desde Málaga hacía otras ciudades andaluzas. Así, en su décima edición, tendrá cuatro sedes simultáneas: Málaga (Sala Gades y Teatro Cánovas), Granada (Teatro Alhambra), Córdoba (Rectorado de la Universidad) y Sevilla (Teatro Central).

Este último acoge esta misma noche La Música Contada en Concierto, suerte de prolongación natural del concepto inicial: si el invitado es un músico, ¿por qué en lugar de pinchar sus canciones favoritas no las versiona?

Ambas cosas, según se anuncia, harán hoy J y Florent, de Los Planetas, sobre las tablas del Central, en lo que se presume una cita de alto interés. Será a partir de las 21:00 y con las entradas a 10 euros.

Embryonic. The Flaming Lips. Warner. Rock. LP / CD

Embryonic es como un pastel de fresas ácidas, convenientemente azucaradas, envuelto en un papel de lija. En primera instancia, incluso cabría pensar en él como el fruto de un fiero arrebato de rock psicodelizante anestesiado a base de potentes narcóticos, sólo que tanto su extensión –se trata de un dilatado doble ábum con 18 canciones– como la coherencia de su estructura interna y su evanescente desarrollo –por momentos, deudor de los primeros Pink Floyd, con y sin Barret– delatan su auténtica naturaleza.

Esto es: la de un bien premeditado artefacto sonoro con el que The Flaming Lips se reinventa no sólo sin perder su identidad, sino incluso reforzando su merecida aureola de banda en la vanguardia.

Y van, ¿cuántos discos? Más de una docena. Con altos y bajos, sí, ¿pero con qué porcentaje de aciertos?: In a Priest Driven Ambulance (1990), Transmissions from the Satellite Heart (1993), Clouds Taste Metallic (1995), The Soft Bulletin (1999) y Yoshimi Battles the Pink Robots (2002). Y eso, citando sólo los indiscutibles, los que quedan fuera de disputas incluso más allá del amplio círculo de seguidores acérrimos que los norteamericanos han cultivado con tino y talento desde comienzos de la década de los 80.

Tras la deliciosa marcianada, nunca mejor dicho, de Christmas on Mars, disco y película de procelosa y lenta elaboración –amén de deliciosos resultados, recordado sea de paso– y contando de nuevo con el insustituible Dave Fridmann en la producción, Embryonic despliega con pantanosa calma su abultado catálogo de sacudidas eléctricas, a menudo aderezadas por melodías tan dulces –Wayne Coyne canta con emoción desgarbada– que las disonancias y distorsiones, los macizos muros de saturación, se diluyen en unos arreglos primorosamente elaborados.

Dominio, magisterio, experiencia… Hubo un tiempo en que dichos términos constituían poco menos que un anatema en el ámbito del rock, pero hoy que los tiempos se superponen, se atraviesan y se enroscan, parecen idóneos para definir el trabajo de una banda que sabe qué quiere y cómo conseguirlo. Pruebe con el tobogán de Worm Mountain, con el blues meets krautrock de The Sparrow Looks Up At The Machine, con la pulsión free-jazz de Aquarius Sabotage o con esa mole final, Watching The Planets, horadada por una línea melódica tan simple como efectiva, apenas unos cuantos ejemplos representativos de este repertorio extenuante, y probablemente concluirá, sólo probablemente, que The Flaming Lips ha vuelto a hacer un disco muy grande.

Ahí les dejo el clip de I Can Be a Frog…

Foto: Tom Beard

A brief history of love. The Big Pink. 4AD. Rock. LP / CD

Francamente, al margen del subsuelo, siempre revelador de curiosas y hasta notables sorpresas -The XX, por ejemplo-, uno desconfía desde hace tiempo, mucho tiempo, de cualquier novedad venida de las islas. No obstante, de cuando en cuando, salta la libre, y The Big Pink salta tela. Aún sin abandonar el círculo –concéntrico– de la cíclica reinvención (¿?) rock –estos experimentos ya los hicieron, sin ir más lejos, Primal Scream–, el debut en largo del dúo integrado por Robbie Furze y Milo Cordell sobresale entre el pelotón de cola del mainstream indie aportando algo de sincera tensión. ¿Durará?

Ahí les dejo el clip de Velvet…

…el de Dominos…

…y el de Too Young To Love.

Por cierto, no se pierdan la remezcla de este último tema a cargo de Delorean.

Where The Wild Things Are. Karen O and The Kids. Interscope. Rock / Pop. LP / CD

Umhh… ¿El lado tierno de Karen O? La incendiaria vocalista de Yeah Yeah Yeahs asume el riesgo de comandar la pandilla que pone música a la más reciente película del visionario Spike Jonze, adaptación cinematográfica del celebérrimo, al menos en el ámbito anglosajón, libro de Maurice Sendak Where The Wild Things Are –recuerde el episodio alucinatorio de The Simpsoms–. Los compañeros, esos the kids a los que hace referencia el nombre de la banda ocasional, se las traen: Dean Fertita de Queens Of The Stone Age, Aaron Hemphill de Liars, Bradford Cox de Atlas Sound y Deerhunter… El resultado, como cabía esperar, resulta embriagador.