Fun Fact: als das letzte reguläre Studioalbum von by Robert „3D“ Del Naja und Grant „Daddy G“ Marshall erschienen ist, war Bad as Me noch nicht einmal auf der Welt – und Waits 20. Studioalbum ist immerhin bereits bald 15. Jahre her.
Allerdings waren Massive Attack in der Zeit seit 2010 nicht unproduktiv. Sie haben neben den Non Album Singles Spoils und Dear Friend 2016 auch die EP Ritual Spirit veröffentlicht, vier Jahre später kam das Kurzformat Eutopia – allesamt gelenkt durch den selben Willen zur Kooperation, wie es schon beim Feature-lastigen Heligoland der Fall war.

Ästhetisch geht Boots on the Ground den Weg all dieser Veröffentlichungen relativ nahtlos weiter, obgleich die enorm catchy daherkommende Single praktisch ideal auf die Komfortzone von Waits abgestimmt ist – so wie sie sich perkussiv klackernd schüttelt und im marschierenden Rhythmus hinter dem schmutzig grummelnden 76 Jährigen marschiert.
Aber die Stimmung, die alleine durch das melancholische Klavier erzeugt wird, ist eindeutig Massive Attack. Neben der Hook („This is a fucking ass machine gun war/ With your boots on the ground, boots on the ground“) und aufzeigenden Zeilen („Brown, mean and young, dumb and full of cum/ What can you use a Marine for?/ …/ Born shiny bullets in an army of ants/ Blow that horn, we sleep in our pants/ Big titties, big titties/ Well we holler and we burn down cities“) ist es so vor allem die bedrückend und dunkel nach Hoffnung suchende Atmosphäre, die später noch regelrecht trostlos an Bläsern und Chor-Ansätzen vorbeiziehen wird und die eigentlich diametralen Sound-Ästhetiken der beiden Parteien ideal harmonieren lässt, die das politisch aufgeladene Stück zu einem eigentlich risikofreien, aber befriedigenden Zusammentreffen macht.

Dass es lange dauerte, bis dieses zustande kam, erzählt Tom Waits, nachdem die (ihre bisherige Diskografie entgegen letztjähriger Ankündigungen nicht von Spotify entfernt habenden, aber hiermit nicht mehr auf dem Streaming Dienst fortführenden) Massive Attack sich vor der lebenden Legende verneigt haben („It’s a career honour to collaborate with an artist of the magnitude, originality and integrity of Tom, but this track is arriving in an atmosphere of chaos. Across the western hemisphere, state authoritarianism and the militarisation of police forces are fusing again with neo-fascist politics. Seen within the American emergency, at home and overseas, this track contains pulses of callous impulse and abandoned mind.“):
„One day many years ago, I accepted an invitation from Massive Attack to collaborate. Their long release delay never worried me. Today, as in all of mankind’s yesterdays, guarantees this type of song will never go out of style. Man’s folly of fiascos is a feast for the flies. Hence, the B-side of Massive Attack’s upcoming 12 inch ‚The Fly‘ features my appreciation for the winged nuisance.“
Dass der Altmeister derart wohlwollend in die Zukunft blickt, gibt dann auch Zuversicht, dass ein für seine Verhältnisse endlich wieder produktiver Jahrgang (Stichworte – 20th Century Paddy: The Songs of Shane MacGowan) als Initialzündung für ein Comeback funktioniert.

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Weil die Karriere von Khn de Poitrine (Gitarre, Bass) und Klek de Poitrine (Drums) bis zum 5. Februar 2026 ja praktisch abseits der öffentlichen Wahrnehmung passiert ist, kann es nicht schaden, rückwirkend ein paar Infos zum Werdegang des Duos aus Saguenay und Quebec einzuholen.
Gegründet wurden Angine de Poitrine (übrigens französisch für Angina pectoris) 2019 und entstanden eher aus der Not heraus, da die beiden seit Teenagerzeiten befreunden Musiker zweimal hintereinander im selben Club für einen Gig gebucht wurden, sich in der Angst, nach dem ersten Abend kein Publikum mehr anziehen zu können, für den das Engagement abschließenden Gig jedoch kurzerhand mit überkandidelten Pappmaché-Kostümen maskierte.
Von der Pandemie vorerst ausgebremst, nahm der experimentell mit einer Avantgarde Ästhetik flirtende mikrotonale Prog-Mathrock der Band über das 2024 erschienene Debütalbum Vol. 1 aber bereits auf lokaler Ebene an fahrt auf – bis eben eine eine Radiostation aus Seattle dafür sorgte, dass plötzlich von Dave Grohl bis Sean Lennon alles und jeder begeistert von Angine de Poitrine war.

Auch wenn es (zumindest bis zu einem ja nochmal das Bezugssystem wechseln könnende dritten Langspieler?) subjektiv frustriert, dass das Gespann für sein Zweitwerk zu römischen Ziffern geswitcht hat, ist Vol. II genau das Album geworden, das dem Hype (hätte es diese im Vorfeld gegeben exakt entlang der Erwartungshaltung gestrickt) die nötige Substanz unterschiebt.
Khn und Klek haben ihrem Sound, der mehr oder minder wie eine tanzbare Chimäre aus King Gizzard und Primus mit dem Ethos von Battles klingt, ein gehöriges Maß an zusätzlicher Schmissigkeit beigebracht, sie zeigen gar einen vehementen Zug zum Pop und schreiben in Form des eilig knödelnden, im Sturm-und-Drang-Biss treibend mitreißenden Mata Zyklek so etwas wie Hits in ihrem Bezugssystem.
Sie bouncen auf hibbelige Weise schunkelnd (Fabienk), würzen ihre Formel im hinten raus doch auch ihre Limitierungen anerkennen müssenden Albumverlauf mit dem Zirkus-Polka-Tanz Utzp, der dem Schausteller-Dasein die Zügel immer enger zieht und nach einem kurzem Break fetzend praktisch für einen anderen Song aufs ausgelassene Gaspedal tritt, oder wissen nicht nur in Sarniezz, wann man groovend stampft und wann man lässig drängelt, um über kurzweilige 37 Minuten an der Stange zu halten.

Dass der sparsame Einsatz von Gesang dort demonstrativ zur simplen „Glauglauglau“-Lautmalerei „degradiert“ wird, ist durchaus symptomatisch für die manchmal nervende Funktionsweise der Vocals, die, simple Hooks irgendwo zwischen operettenhafter Theatralik oder catchy Skandierungen einsetzend, bloß wie redundant ausschmückende Gimmicks wirken, wo die gängige Auftrittsfläche des MOs ohnedies noch Tragfähigkeit hätte. Siehe etwa auch dem auf die instrumentale Ebene fokussiert alles richtig machenden Vol. II-Closer Angor (bei dem das Duo ironischerweise halt auch bereits alles gesagt zu haben scheint).
Sie wirken deswegen auch ein wenig wie rattenfangende Zugeständnisse – gar nicht unbedingt an jene, die die lustigen Kostüme der Band nicht sehen können: Zwar fehlt Angine de Poitrine auf die rein musikalische Ebene reduziert eine markante Komponente (weil es einfach sehr viel Spaß macht zu sehen, wie Bass und Gitarre nebeneinander eingespielt werden, derweil die lange Nase lustig wackelt), doch schmälert dies die Party-Stimmung der Platte praktisch kaum. Ob der Gag der durchs Dorf getriebenen Hype-Sau seine Pointe ausgereizt hat, muß also erst Album Nummer ٣ / 三 klären.

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Eine tatsächliche Ankündigung für den siebten Langspieler von Father John Misty steht allerdings noch aus, weswegen mit die mit Drew Erickson coproduzierte Nummer vorerst als weitere alleinstehende Veröffentlichung betrachten kann – selbst wenn sich anhand der fünfeinhalb Minuten hier von (dem noch ein klein wenig besser gefallenden) The Old Law ausgehend in stilistischer Hinsicht bereits ein roter Faden für den Nachfolger des 2024er Albums erkennen ließe.

The Payoff legt sich abermals dezent psychedelisch in das heavier drückende Ende des Father-Sounds, schunkelt in bratzender Baroque-Ästhetik cembaloesk zu Tame Impala und bounct über wuchtig-massive Drums geduldig wie dramatischer Art Pop-Rap auf der Yellow Brick Road. Die Streicher-Arrangements lieben Bond, die Gitarren die dramatischste Seite der Beatles, sogar mit Noise-Affinität – was mit den beschwörend-lakonischen Vocals eine eindringliche Vorstellung entwickelt.
Darüber, dass der Mix dabei etwas zu vollgestopft und überladen wirkt, kann man hinwegsehen, ist das Gesamtpaket doch klasse und zeigt Father John Misty im Jahr 2026 mit einer konstanten Klasse.

Und inhaltlich mit systemkritischer Agenda – The Payoff ist wohl sozialpolitisch zu verstehen und beobachtet die Ohnmacht der Masse in einer Welt, in der so etwas wie gerechten Lohn als Licht am Ende des Tunnels in Aussicht gestellt wird, während der Lärm der Weltenlenker einen taub gegenüber der leisen Geräusche macht.
„The sophistication of our methods can’t be discerned/ I’ll explain ‚cause it’s best you learn/ That man, when it’s hummin’/ You can’t hear the churn“ singt Tillman als sarkastischer Chronist. „It’s a low risk proposition/ Don’t lose your shirt/ I’ll appraise your body’s worth/ C’mon, a small cut ain’t bound to hurt“, bevor der Refrain den Titel wenig optimistisch klärt: „Waiting for the payoff/ Coming due/ I feel a little stupid/ Doubting you/ ‚Cause nobody gets ripped off when there’s nothing to lose“.
Dass sich das Outro dann als dystopisches Mantra im Kreis dreht, ist der konsequente Schluss für einen Song, der in einem Album-Kontext wohl noch eindrucksvoller nachwirken wird/würde: „There’s nothing you can do.“

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Nein, Eris ist nicht das Album, auf das man nach Moirae so sehnlich gewartet hat.
Denn anstatt es sich (bzw. auch allen anderen) vermeintlich einfach zu machen und ihrem Debütalbum, das bekanntlich eine der besten Genre-Platten seit der Jahrtausendwende darstellt, den erhofft direkt anknüpfenden Nachfolger zu bescheren, ist der zweite Langspieler der in Berlin ansässigen Achse Amerika-Griechenland ein knapp 25 minütiger Wachstumsprozess geworden, der zu Zielen jenseits des Ereignishorizonts des 2023er-Highlights strebt. „Past lives were pathetic, but this one’s not“ heißt es einmal, „I want to be brand new/ I want to feel grand too“ ein wenig später. Und während Soastasphrenas immer noch unverkennbar Soastasphrenas sind, setzt die Band die Hebel mittlerweile doch markant anders an.

Der neben Gittarist Alex Loukaros von Fabio Machado („meticulously chosen all distortion levels and built a universe through noise and soundscape“) Rodrigues miteingefangene, tatsächlich ziemlich einzigartige Sound zieht dafür weiter in den lärmschwangeren Morast, ist rauer und harscher, bedrohlicher und ja, gewissermaßen böser.
Post Screamo, wenn man so will, der die Göttin der Zwietracht, des Streits und des Chaos nicht umsonst als Patronin ausgewählt hat.
„This album is truly meant to make you feel insane as you listen” erklärt Sänger Nate im Interview bei Idioteque und dafür bürgen die Stimmen von 150 dasselbe Gedicht lesende Personen, deren Stimmen sich abstrahiert Textur über, unter und in das Album legen. Ein existentialistischer Bewusstseinstrom, enorm dicht drückend, kanalisiert durch eine aggressive Leidenschaft.
Die Gitarren bratzen dazu gleich in Out of the Ashes verzerrt zu wirbelnden Drums und einem tief unten grummelnden Bass rund um ein grimmiges, fast doomiges Riff, das heavy brütet, während die Vocals von angepisster Wut zur flehenden Verzweiflung wechseln, ohne weinerlich oder bemüht zu agieren.

Wo der schon auf dem Einstand Moirae nahezu ideal bediente Emoviolence immer noch die Basis und Essenz von Soastasphrenas bleibt, atmet drumherum nun eine stilistisch suchende, hungrige Bandbreite. Eine innere Unruhe lässt keine freie Fläche zu, jede Sekunde der Platte reizt.
Eris pulsiert als ansatzloser, durchgehender und unbändiger Strom, der homogen in sich geschlossen atemlos zieht. Passion., eine Art Take My Breath Away-Seance als weiches Interlude und sanftes Ambient-Schlaflied von Joshua Alex Daniel, bietet als einzige Passage eine Orientierungshilfe und Verschnaufpause, kommt jedoch symptomatisch für das Wesen der Platte erstaunlich früh im Verlauf.
Labyrinthisch hetzend legt sich kein Song vorhersehbar fest und folgt radikal und konsequent einer Impulsivität, in der wirklich griffige Szenen nicht destillieren werden wollen, obgleich es stets passieren könnte: I Guess You’re Right beginnt etwa als hinmelstürmende Hymne, zerfleischt sich und jede zugängliche Struktur dann aber selbstkasteiend, bevor am Ende das erhebende Gemeinschaftsgefühl eine vage Ahnung bleibt. Auch wenn ein This is Not in seiner unberechenbaren Wildheit etwas Episches ankündigt, dabei jedoch den Weg zum Ziel macht, verweigert dies dem Fokus ein konkretes Scharfstellen.

Die Option des geringsten Widerstandes ignorierend und gefühlt wenig Auftrittsfläche im augenscheinlichen Chaos anbietend, hält diese sicherlich auch frustrieren könnende Ausrichtung spannend und (über)fordernd.
Auch schließt sie zahlreiche herausragende Szenen nicht aus.
Wie sich Even it it Hurt beispielsweise als Chant auflöst, das Herzstück I Promise That it’s Your Last als dynamischer Mahlstrom aus stichelnden Attacken und ausbremsenden Verschleppungen bis in den garstigen Kakophonie-Drone fesselt, exemplarisch mit Tempo und Intensitäten spielt, die Zügel aber hinten raus mühelos anzieht, oder This Time You’re Right mit seiner melodischen Hook („With a chip on my shoulder/ This time you’re right/ This time you’re right„) hängen bleibt ist einfach große Klasse: Soastasphrenas spielen spätestens jetzt in einer eigenen Liga.

Und dabei dürfte die Evolution der Deutschen noch nicht einmal notwendigerweise bereits abgeschlossen sein – mutmaßlich haben wir es sogar mit einem Übergangswerk zu tun? (Womöglich auch mit einem solchen, für das sich die hier euphoriebefreit nüchtern gehaltene Bewertung letztlich als zu niedrig erweisen wird?)
„With passion, I lead with what makes me bleed/ With pleasure, I let my heart beat/ And with pain, I sit with my comfort, even if it hurts“ brüllt Nate im den Charakter der Platte so ideal zusammenfassend im Closer Pain zum Auslassen der Fäden in einer unaufgeräumten Geräuschkulisse. Aber auch: „Rebirth only works when you learn from the past lives.“
Getriebenen und ganzheitlich zeigt die Katharsis eine Band, die momentan wie ein unablässig mutierender Organismus klingt; die ihre Reichweite expandiert und eben nicht auf Nummer Sicher gehend die Erwartungshaltung kurzerhand überspringt – und sie gerade deswegen auch erfüllt.

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Tyler Peterson (Vocals), Jadson Carter (Gitarre), Alana Osborne (Bass) und Drummer Justice Winterrowd haben sich mit  mannigfaltigen Projekten wie Alan Turing, Between You and God, fingerswoventogether, Found, GILT, Leaves of Grass, Prinze Jr., Second Impact, St. Clovis, Unregistered Weapon oder Wasted Life bereits die Sporen für ein ordentliches – und hierfür zumindest ansatzweise als Referenz dienendes – Portfolio verdient.
Außerdem halten sie über die Songtitel auch nicht mit ihren Helden hinterm Berg: Man verneigt sich vor Converge, Botch und vor allem The Dillinger Escape Plan – alleine 43% Turnt startet quasi als indirektes Zitat eines leicht zu erratenden Calculating Infinity-Klassikers, bevor die Nummer über tanzenden Licks zum finalen Stakkato abbiegt.
Allerdings orientiert sich The Swordfighter Ballads in ästhetisch und inhaltlicher Hinsicht vor allem am sassy Mathcore der MySpace-Zeiten und Band wie The Number Twelve Looks Like You oder Heavy Heavy Low Low.

Von Jane Doe, Jim Fear, and John Woo Walk Into a Bar weg setzt die junge Band auch den Galopp einer stichelnden Panik und Hysterie (wobei der hackend adaptierte MO noch Raum für Variabilität lässt) und zappelt unter nervöser Spannung, gewinnt aber vor allem durch den kontrastierend als Verschnaufpause pendelnden Mittelteil. Das besonders manische Get in the Robot läuft auch deswegen nicht Gefahr zu generisch angelegt zu sein, weil My Sword! My Sword! entspannt in den Lounge-Funk für das relaxte Space Rock-Spa abbiegen (wo goodgoodgoodgoodgoodgoodgood später gleich ein kompletter kleiner Jam ist, der weiß wie Incubus in ihren Anfangstagen die Chili Peppers angeschmachtet haben), bevor die Lage nochmal eskaliert und I Want to Be a Hero / So a Hero I Must Be als Berserker seine Wildheit als akkuraten Morsecode hinausschreit, dann aber schön melodisch schwelgend ausklingt.
Weswegen The Swordfighter Ballads in seinen reinen Mathcore-Momenten auch mit Luft nach oben entlassen mag, gerade als Gesamtpaket in der Bandbreite aber eine sehr vielversprechende Vorstellung liefert – und das die Nostalgieader frisch anzapfende Quartett optimistisch betrachtet deswegen auch eine aufgerundete Bewertung verdient.

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“Prehistoric is a loose term. I just figure it’s our vibe, our take on things and it’s more a statement that we use old style to create something new“ sagt Gylve Fenris Nagellack.
Kann man so stehen lassen, weil der Albumtitel besagten Vibe von Darkthrone in dieser Phase ihrer Karriere tatsächlich ganz gut skizziert. Auch wenn das, was die Norweger auf ihrem 22. Studioalbum zelebrieren, doch vor allem das Gegenteil von „neu“.

Denn ja, der greinend röhrende Fenriz will diesmal gelegentlich singen und wirft sein vibrierendes Timbre dafür (wie im flotten Enthusiasmus The Dry Wells of Hell oder dem zäh nickenden Melodrama des wie ein alter Bekannter abschließen Serien-Titel Eon 4 mit seiner frustrierend abrupten Abblende) in windschief ausholende Gesten, die den inneren Dickinson anfleht, wie das Artwork der regulären Album-Version den Mond in teuflischem Hedonismus anheult – weil der Status Quo des Duos sowieso längst einer ist, der sich selbst nicht zu ernst nehmen muss. Und wo der Sound diesmal besonders räudig und crustig aus dem DIY-Keller müffelt, laufen Darkthrone auch mehr erinnerungswürdig-räudige Riffs zu, als zuletzt üblich. Dass Fenriz die Platte auch als „Angus Young playing Hellhammer“ angepriesen hat, nimmt den Mund im Celtic Frost-Worshipping insofern nicht zu voll.

Dennoch und vor allem (und zumindest im weitesten Sinne) ist Pre-Historic Metal eine relativ ansatzlose Fortsetzung des spätestens mit Old Star 2019 eingeschlagenen Weges der Band. Soviel macht gleich der fantastische Einstieg mit der von Mercyful Fate startenden primitiven 80er-Hatz They Found One of My Graves klar, in dem die Band ihre ranzige Melancholie aus Proto-Metal und Thrash-Attitüde, Heavy Rock und Doom mit archaischer Pragmatik in die assige Produktion legt, die Saiten treiben und die Vocals wie gedrückte Gruselgeschichten durch die mulmige Theatralik schleichen.
Was neben der stilistischen Prägnanz auch qualitativ maßgeblich für die Platte ist – zumindest für die überragende erste Hälfte von Pre-Historic Metal ist.

Der Titelsong ist ein superber Herold, der der Gitarre zwischen operettenhaft Pathos und punkiger Hatz den Hals umdreht. Schade also, dass das Duo nur den Scherer für ein billig überstürztes Fade Out als Abgang hatte. Siberian Thaw verneigt sich dagegen getragener vor launigen Black Sabbath, und versteift sich in Wiederholungen vor der ambienten Einkehr, bevor die Band den Druck auf die Nackenmuskeln erhöht. Denselben Kniff setzt Deeply Rooted variiert ein, indem es breitbeiniger um ein geiles Riff rockt, sich zäher ausbremst, und zum Abschied nochmal aufs Gaspedal galoppiert.
Dieses Niveau kann Pre-Historic Metal nicht über die volle Distanz halten, zeigt dafür aber andere Vorzüge der Platte auf.

Eat Eat Eat Your Pride turnt nach seinem Gardenia-Einstieg zwar nur als Standard um den MO der Platte, doch unterstreicht dieser, dass ihre Inszenierung mit individuell ausgewogen wahrnehmbaren Instrumenten gar nicht so unüberlegt und impulsiv hingerotzt ist, wie es den Anschein erwecken mag.
Und das durchatmende Interlude So I Marched to the Sunken Empire ist als düster getragener Ambient exakt richtig platziert und hebt das Sequencing des Albums pointiert auf ein Podest, während der Lacher am Ende stellvertretend für all die kurzen Studio-Einsprengsel steht, die zeigen, wieviel Spaß Fenriz and Nocturno Culto an dem nur sich selbst verpflichteten Zeitvertreib Darkthrone haben – und man als Fan gleich mit. Notfalls auch mit weniger perfektem Artwork.

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Für unkonventionelle Ideen war die Mehr-oder-minder-Band des Wahl-Kaliforniers Frank Bach (der auch diesmal Gitarrist Mike Carnarius und Multi-Instrumentalist lan Romano an Bord hat) ja immer schon zu haben. Nach den geführten Meditationen Everything Within You und Dust to Dust auf den beiden EPs Rock (2023) und Dark Side of the Mind (2025) schlägt das Pendel diesmal aber in die andere Richtung aus, indem Monk mit Song 2 von Fifa 98 ordentlich Party-Dampf ablassen.
Bach: „We started playing Song 2 as a joke while touring Mexico, and it ended up being one of the songs people popped off the hardest to. The lyrics are universal, and the track is pure energy. I grew up playing hockey and blasting Jock Jams; it’s the perfect stadium rock anthem. I love that Blur were poking fun at the grunge movement when they wrote it. The fact that their biggest song was basically a middle finger to a genre is hilarious. The universe has a way of laughing when you take yourself too seriously. The world feels intense right now and we figured a little playfulness might help. Woohoo!”
Während Monk ihren Spaß an der Sache haben (und das Cover live auch sicher zünden mag), macht das den Insider im Studio für Außenstehende aber nicht besser.  Rund um das schwerfällig gegröhlte „Woohoo!“ spielt die Hardcore Band den Song risikofrei nach, grummelt mit mehr Härte durch den Hit pflügend, wirkt aber dabei seltsam uninspiriert – was ihre Version abseits der Bühne wirklich arg banal (und beinahe wie eine Genre-Parodie) erscheinen lässt.

Ganz anders präsentiert sich die A-Seite No Gods, bei der Monk George Pettit von Alexisonfire zu ihrer Diskografie-Gästeliste hinzufügen (die ja bereits mit Mitglieder von Cancer Bats und Counterparts aufwarten kann).
„The collab with George came naturally. I’ve been a long-time fan, and Alexisonfire were one of the first bands I saw live as a teenager getting into alternative music. I think most Canadian millennials from that era share a similar story. Being able to DM George and have him jump on the track feels like a full-circle moment.” erzählt Bach und führt dann auch nich die Hintergründe der Nummer an sich aus.
„No Gods is about owning your life. It’s a rejection of giving your power to systems, fear, leaders, or anyone else. The video reflects that … war, protest, false idols, all showing what happens when people stop thinking for themselves and just follow. It’s not anti-spiritual, it’s anti-passive. Decide who you are, take responsibility, and act on it. That’s where the freedom is.“
Dafür starten Monk mit einer ritualistisch polternden Grimmigkeit, die tatsächlich an Cavalera-Sepultura erinnert, konterkarieren die dynamisch von der Percussion getriebene Heaviness aber durch aggressiv nach vorne peitschende Schübe, energiegeladen und hungrig.
Pettit funktioniert dabei als impulsiver Katalysator schreiend für die Freude am Hardcore, die sich zu einem groovenden Malstrom entwickelt, bei der die Gitarre letztlich sogar ein bisschen exzessiv solieren darf. Spätestens dann trumpft das strukturell relativ einfach nach dualistischen Muster gestrickte Wechselbad als ein Highlight der bisherigen Monk-Historie auf – weswegen die folgende Wertung auch trotz Song 2 wohlwollend aufgerundet wird:

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Nun aber – im Verbund mit dem perkussiv-schamanistisch klopfenden Ambient des die Spannungen rezitierend anziehenden Intros Come All You Beasts – dient die von Animesh Raval co-produzierte Nummer gewissermaßen dazu, den Bogen der zweiten Platte From the Pyre weiterzuspannen, wie Bassistin Georgia Davies gewissermaßen erklärt.
„Come All You Beasts comes as a way to introduce the folkloric and storytelling elements of From the Pyre to Big Dog. The themes of the song were interpolated with Bible verses, subverting prescriptive messages about women’s safety. We have always been inspired by poetry and performance in all forms, so spoken word with improvisational accompaniment felt like a natural extension of our art.”

Das fängt das Wesen der beiden nahtlos miteinander verwobenen Stücke eigentlich ziemlich treffend ein. Wie das beschwörende Come All You Beasts direkt in das bratzende Big Dog übergeht, ist jedenfalls absolut stimmig. Zurückgelehnt lauert die Strophe ruhig und lehnt sich für den Chorus heulende geradezu erdig in die Kurven des Classic Rock und den PJ Harvey-Tribut. The Last Dinner Party treiben das Finale dann auch nochmal energisch an – was dann auch gut kaschiert, dass die Nummer strukturell leider nicht so unberechenbar und wild ist, wie sie sich artworktechnisch und ästhetisch (trotz einer sowieso markanten Zähmung im Studio) gebärdet.
Wie scheinbar mühelos die Britinnen die Qualität ihres nicht durchschnaufen wollenden Outputs (auch abseits der Alben-Mutterschiffe) hochhalten, ist aber auch ganz ohne final euphorisierenden Exzess einfach nur beeindruckend – und zutiefst befriedigend.

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Allem Anschein nach haben wir es bei den drei versammelten Songs hier mit einem Ausblick auf das später im Jahr erscheinen sollende Debütalbum der Briten zu tun – womit die acht Minuten von Erase the File für sich stehend alsbald obsolet sein könnten.
Doch angesichts der Euphorie, die die vermeintliche Herold-EP lostritt, lohnt sich eine gesonderte Vorab-Sichtung auf jeden Fall. Immerhin halten Crowquill das Niveau ihrer ersten selbstbetitelten EP hier relativ ansatzlos und stürmen abermals mit traditionsbewusster Referenzqualität durch das Chaos des seine Lehren bei Botch und Co. gelernt habenden Metalcore, der so verzerrt keift, dass J.R. Hayes seine infernale Freude haben dürfte.

Lead Smile hakt in wild kontrollierter Panik und geduldiger Heaviness seine Riffs manisch fauchend, ist fokussiert und prägnant, eskaliert letztlich aber auch im Galopp einer feisten Hardcore-Mentalität. Das Titelstück spukt seine Galle danach in einen besonders aggressiven Husarenritt durch den Math und gönnt sich einen Oldschool-Converge-Abgang, bevor Everything (I Need to Know) es dennoch schafft, nicht weniger gemein in den Ring einzusteigen, angepisst zu drücken, und die Hatz dennoch stimmig-wohldosiert mit dem melodischen Pathos des Emo-Klargesang würzt.
Dafür, dass der eklektische Ansatz der Band weiterhin aus überdeutlich klar erkennbaren Quellen gespeist wird, dient das dezent generische Worship–Artwork übrigens ebenso als Mahnmal wie als Qualitätssiegel: Das Crowquill-Debütalbum kann nach dieser EP-Messlatte eigentlich nur noch an den Erwartungshaltungen scheitern.

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Aus einer geplanten kurzen Auszeit nach dem dritten Studioalbum im Jahr 2019 wurde aufgrund der Pandemie schließlich notgedrungen eine sehr ausführliche, die dann 2021 dann auch im frustrierten Ausstieg von Schlagzeuger Steve Lamos gipfelte. Und weil sich Mike und Nate Kinsella nach fruchtlosen Session dann ihrem neuen Projekt Lies zuwandten, schien es das letztlich gar gewesen zu sein mit American Football.
Sechs Jahre später sieht die Welt anders aus. Nicht unbedingt besser, aber zumindest Pandemie-frei. American Football sind zudem zurück. Mit Lamos hinter den Drums. Und einigem an emotionalem Gepäck. Man gib deswegent in fantastisch ausführlichen Interviews unverblümte Eindrücke in das Seelenleben der Gruppe, und verarbeitet die dabei präzisieren Themen wie Scheidungsprozesse und Betrug, Alkoholismus und anhaltende interne Streitigkeiten in weiterer Folge einhergehend auch auf einem Viertwerk, das inhaltlich zwischen kodierter Abstraktheit sowie (mancherorts als Cringe-Faktor empfundender) Selbstoffenbahrung pendelt, und das musikalisch zwischen Szenen absoluter Schönheit auch hochklassiges Füllmaterial mitträgt.

Vor diesem Hintergrund und angesichts seiner zerrütteten Entstehungsgeschichte besticht American Foltball (LP4) insofern vor allem dadurch, wie unverkrampft und ungezwungen, reif und mit sich selbst Frieden geschlossen habend das neuerliche Comeback letztlich als runde, beinahe komplette Weiterentwicklung seines direkten Vorgängers besticht.
Wobei der Einstieg Man Overboard mit seinen perlenden Saiten und kontemplativen Vortrag, der vielschichtig texturierten Melange des Band-Sounds im Postrock und Ambient, nicht nur die Ausrichtung der Platte – der Weg ist als mäandernder Therapieprozess das Ziel! – an sich vorgibt, sondern auch gleich die Perspektiven gerade rückt, indem es dem zuletzt um Wertschätzung ringenden Lamos das Spotlight zugesteht. Sein jazzig stolperndes, um die Tackte purzelndes Spiel ist einfach nur atemberaubend und ein Sinnbild dafür, wie American Football ihre exzentrische Ader mittlerweile als subversives Kaleidoskop anlegen, während die Komposition eine Resonanzkammer ist, deren Echo meditativ im Kaninchenloch abtaucht.

Auch in weiterer Folge ist (LP4) weniger an konkretem Songwriting interessiert, als daran, dieses so formoffen und strukturfrei wie möglich zu gestalten und über die Inszenierung und Arrangements Akzente zu setzen – was zumeist schlichtweg meisterhaft gelingt.
In No Feeling erzeugen Bass und Synth eine Post-Punk-Ästhetik, während Turnstile-Frontmann Brandan Yates mit seinen Harmonien eine Reverie Lagoon-Stimmung kreiert. Blood on My Blood ist ein Suchen von Melodien und Hooks als Klassentreffen mit Rainer Maria-Freundin Caithlin De Marrais, und ebensowenig wie das von Wisp unscheinbar ausgeschmückte Wake Her Up ein Scene Stealer im Verlauf.
Diese Rolle kommt eher der achtminütigen Vorabsingle Bad Moons zu, die als progressiv wandelndes Epos voller sich sofort einbrennender Bilder einen ikonischen Instant-Klassiker der American Football-Diskografie darstellt. Was hinter der traditionell an Trompete durchatmenden Zwischenspiel-Melancholie The One With The Piano so ebenfallsfür das überragende Patron Saint of Pale gilt, das mit wundervoll behutsamen Handclaps und Kinderstimmen pure Sehnsucht destilliert, derweil die Band ihren Eskapismus am einsamen Strand zu Bläsern im Ambient zupft. Zeitlos und nachdenklich, in anmutiger Grandezza. Noch besser ist es nur, dass das folgende Desdemona nicht weniger grandios ist – nur mysteriöser, andächtiger und sakraler. Sich an der Schwelle zur Reife im ständigen Hadern mit den eigenen Entscheidungen sanft aufreibend: „You’ve already moved on and I’m barely holding on/ I’m the ghost of a memory.„

Danach geht (LP4) jedoch ein klein wenig die Luft aus, nachdem das Instrumental-Interlude Lullabye in sich blickt, dem Finale aber keine spannenden Impulse mehr abringen will. No Soul to Save ist ein schöner Standard, wenngleich als Closer offenkundig unterwältigend. Und gerade deswegen ein runder Abschluss.
Weil Kinsella als egozentrischer Reibungspunkt und (positives wie negatives) Epizentrum des Quartetts keinen Hehl aus dem Anti-Spektakel macht und sich plakativ im Scheinwerferlicht windet: „Ladies and gentlemen/ You’ve watched me walk through fire/ Swallow swords and ugly desires/ I’ve nothing left to fear/ Now, for my next trick, you can watch me disappear“ singt der mittlerweile mit seiner Affäre verheiratete 49 jährige auf dem sich selbst so weich kasteienden Canossagang im Lavalampenschimmer. Und wählt einen Abgang, der Dylan Thomas viel zu versöhnlich sein dürfte:„ If we’re all born the same/ Why am I so ashamed?/ Ladies and only the gentlest of men, please, fuck you/ I already said I’m sorry for everything and I won’t say it again/ …/ I’ve made too many mistakes/ I’ve no hope for rеdemption and no soul to save/ …/ I’ll go gentle into the night/ I’m invisible in the afterlife“.

Der Beitrag American Football – American Football (LP4) erschien zuerst auf HeavyPop.at.