Entsprechend verträumt klingen Songs wie das schwerelose “Gods and Gentlemen” oder das ergreifend schöne “Young Ladies” – zart, melancholisch, aber nie überzuckert oder kitschig: Musik als akustisches Pendant zu einer leicht vergilbten Postkarte aus der Vergangenheit.

Mit scheppernden Drums, unkonventionellen (Schlag-) Instrumenten, Uralt-Synthesizer und allerlei elektronischem Schnickschnack bauen Drink Up Buttercup aber auch gewaltige Klangkathedralen, die geerdet durch behutsame Elektronik-Elemente mit Klassikrock-Bombast und bisweilen mit viel Refrain daherkommen. Auch bei dieser ebenso experimentellen wie zugänglichen Musik ahnt man noch große Vorbilder: Die Beatles. Spätestens bei dem bittersüßen Song “Lovers Play Dead” hört sich das Album dann wie das avantgardistische Meisterwerk an, das dem amerikanischen Pop neue Wege öffnen kann.

Drink Up Butercup – Seasickness Pills (Live)

Drink Up Buttercup – Doggy Head (Live)

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So schrammelt das Quartett lieber auf seinen Gitarren, baut ein paar schräge Geräusche ein oder setzt auf einen kompromisslosen Low-Fi-Sound. Genau das macht die schwedische Band so einzigartig. Auch wenn Nervous Nellie hier fokussierter als auf den Vorgängeralben klingt, bleiben ihre traurigen Lieder eine der schönen Fußnoten des Indie-Rock.

Nervous Nellie – Long As Can Be

Nervous Nellie
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Aber natürlich nicht mit den schon genannten, sondern mit den Acrylics aus Brooklyn haben wir es hier zu tun. Während die erste EP “All Of The Fire” mit fünf Songs noch mehr nach Fleetwood Mac klang, kommt nun die neue Single “Molly’s Vertigo” mit 70er-Disco-Feeling daher. In diesem Song verbindet das Duo den Sound der 70er mit modernen Dance-Beats und spritzigem Funk und serviert damit den Soundtrack für durchtanzte Nächte. Dazu preisen die beiden Zeremonienmeister sehr dezent die Liebe, die Nacht, die Sehnsucht danach.

Ein minimalistisches Disco-Ensemble – vielschichtig und abwechslungsreich und mit solch einem Ohrwurm sollten die Acrylics schnell die Herzen der Fans dieses Genres erobern.

Acrylics – Molly´s Vertigo

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In Wirklichkeit ist diese postmortale Flut natürlich der Veröffentlichungspraxis seiner Plattenfirma American zu verdanken, aber auch der unermüdlichen und anstrengenden Studioarbeit, der Cash sich bis zu seinem Tod unterworfen hat.

Johnny Cash starb als Ikone der populären Musik, doch seine Karriere war von Höhen und Tiefen gezeichnet. Cash machte seine ersten Aufnahmen Mitte der 50er-Jahre in den Sun-Studios von Sam Phillips, in denen auch Elvis Presley aufnahm. Ende der 60er-Jahre war er zum Superstar des Country & Western aufgestiegen. Der Song “A Boy Named Sue” schaffte es auf Platz eins der Single-Charts, ebenso das Album “Johnny Cash At San Quentin”. Sowohl die Aufnahme im Knast von San Quentin als auch das vorangegangene “At Folsom Prison” zeigten den Sänger als Künstler, der sich für die Unterprivilegierten einsetzte und ihnen eine Stimme gab. Cash war ein Rebell, der oft mit seiner Meinung aneckte, und ein Sympathisant jener “Outlaws”, die in den USA seit jeher verehrt wurden. Mitte der 80er-Jahre war es mit der Herrlichkeit vorbei. Columbia Records feuerte Cash sang- und klanglos, und er tingelte durch die Vereinigten Staaten von Auftritt zu Auftritt, allerdings ohne eine vernünftige Platte herauszubringen.

Und dann tauchte Rick Rubin auf.

Rubin war ein bärtiger, langhaariger Typ, der Metal- und Hip-Hop-Bands wie die Beastie Boys, Slayer und die Red Hot Chili Peppers produziert hatte. “Ich dachte darüber nach, wer wirklich großartig ist, aber keine großartigen Platten macht”, erzählt Rick Rubin, “und als Erstes fiel mir Johnny Cash ein. Ich traf ihn dann 1993 bei einem Dinner-Konzert in Orange County und bot ihm an, ihn auf meinem Label zu produzieren. Von der ersten Begegnung an herrschte eine Verbindung zwischen uns. Er willigte ein.” Rick Rubin, 31 Jahre jünger als der 1932 in Arkansas als Sohn eines Baumwollfarmers geborene Cash, interessierte sich vor allem für die dunkle Seite des meistens schwarz gekleideten “Man in Black”. Cash hatte in den 60er-Jahre eine Phase exzessiven Tablettenmissbrauchs. Er schluckte Unmengen von Amphetaminen, bekämpfte das durch die Drogen ausgelöste Zittern mit Barbituraten und die trockene Kehle mit Alkohol. Bei einer Größe von 1,87 Metenr wog er damals nur noch 70 Kilogramm. Ein Wrack, dass sich hinter einer dunklen Sonnenbrille versteckte. 1967 therapierte Cash sich dann, indem er sich 30 Tage lang in einem Zimmer seines Hauses einschloss und mithilfe eines Arztes einen kalten Entzug durchzog.

Cash wusste, was Leiden bedeutet und wie sich schlimme Schmerzen anfühlen. Rubin wählte Songs für ihn aus, die aus der grenzenlosen Welt des Rock und Pop stammten. Nummern, die von Grunge-Bands wie Soundgarden oder Hardcore-Electro-Combos wie Nine Inch Nails geschrieben wurden; bekannte Songs aus dem Werk von Nick Cave, Leonard Cohen, Neil Young, Bob Dylan, Neil Diamond und U2. Mit seinem sonoren Bariton interpretierte Cash diese Lieder völlig neu und begleitete sich dazu auf der akustischen Gitarre. So pur hatte dieser bedeutende amerikanische Sänger zuletzt 1955 bei den Sun Sessions in Memphis geklungen. Cash sang Mörderballaden und Gospels, er sinnierte über den Tod, über Verrat und Verlust. Mit diesen schmucklosen Liedern zwischen Sünde und Sühne erschloss er sich das Publikum der MTV-Generation, das mit Country nichts am Hut hatte, aber viele der gecoverten Songs kannte und von deren düsteren Interpretationen begeistert war. Die Zusammenarbeit mit Rubin war äußerst fruchtbar. Die Alben verkauften sich gut, und Cash errang zum Ende seiner Karriere noch einmal fünf Grammys. Doch seine Gesundheit spielte in dieser kreativen Schaffensphase nicht mehr mit. Bereits nach “American Recordings IV: The Man Comes Around”, das im November 2002 veröffentlicht wurde, war Cash zu Rubin gegangen und hatte ihn gebeten, noch möglichst viele Lieder von ihm aufzunehmen. Cash, der bereits 1997 an einem Nervenleiden erkrankt war, spürte, dass seine Zeit auf Erden ablief.

“Johnny sagte, dass die Aufnahmen der Hauptgrund waren, warum er überhaupt noch am Leben war. Ich glaube, dass er einzig und allein für die Musik weitergelebt hat”, sagte Rubin. Jeden Tag standen ein Toningenieur und ein Gitarrist bereit, um zusammen mit Cash in seinem “Blockhüttenstudio” gegenüber seinem Wohnhaus in Henderson/Tennessee Songs aufzunehmen, wenn sein Gesundheitszustand das zuließ.

“Ain’t No Grave” ist die letzte Veröffentlichung gewesen, die Rubin und Cashs Sohn John Carter herausbringen konnten, denn das Material ist aufgebraucht. Die meisten der Songs aus den letzten Sessions sind bereits auf dem Fünf-CD-Album “Unearthed” (erschienen 2003) und auf “American Recordings V: A Hundred Highways” (2007) erschienen. Doch auch “Ain’t No Grave” enthält noch ein paar unter die Haut gehende Nummern wie das von Sheryl Crow geschriebene “Redemption Day” oder “For The Good Times” von Kris Kristofferson.

Mit Optimismus singt Cash hier gegen Tod und Depression an, es ist auch ein ergreifendes Liebeslied für seine Frau June, die während dieser Sessions an den Folgen einer Herzklappenoperation gestorben war; Johnny überlebte sie vier Monate.

“Ain’t No Grave” endet mit einem der bekanntesten Abschiedslieder der Welt. Johnny Cash singt das hawaiianische “Aloha Oe”. Ein schöner Ausklang der “American Recordings”, denn mehr letzte Aufnahmen wird es nicht geben.

Johnny Cash – Aloha Oe

Und sowieso: Der anhaltende Trend zum Songwriter ist doch gar nicht so schlecht – selbst die seichten haben noch mehr Substanz als der Schrott von der Stange, der sonst gern mal die Charts hochklettert. Aber das Duo First Aid Kid aus Stockkolm ist gar nicht seicht. Ganz im Gegenteil: Ihre Geschichten von den Abgründen des Lebens sind auch klangtechnisch eine aufregende Talfahrt, besonders am Lagerfeuer. Die beiden Schwedinnen setzen bei dem neuen Album “The Big Black And The Blue” wie gehabt auf Gitarren, Flöten und Orgel, schrecken aber auch vor rumpelndem Folk nicht zurück.

First Aid Kit – I Met Up With The King

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Das aktuelle Album, “Grey-Eyed Girl” präsentiert neue Stücke, die so gar nicht nach San Francisco, sondern nach Brooklyn, Seattle klingen. Da blitzen messerscharfe Stakkato-Gitarren in Hochgeschwindigkeit wie einst bei den Buzzcocks, da rockt sich die Gitarre die Saiten blutig wie bei The Gun Club, da düstert es so rabenschwarz und weltverachtend wie bei The Mekons.

Dunkel, reichlich dunkel klingt das – doch mit einzelnen, sorgsam gesetzten Sonnenstrahlen, mit schnöden Riffs, rotzigen Vocals und mannigfaltigem Einsatz versierter Pop-Effekte schaffen es The Fresh & Onlys den Hörer über die Distanz von zwölf Songs bei der Stange zu halten und die Querschießer sind längst da, wo andere hinwollen. Wovon man sich nachfolgend im neuen Video auch selbst überzeugen kann.

The Fresh & Onlys – Invisible Forces

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Fakt ist aber, dass die familiären Wurzeln der Raveonettes in Dänemark liegen, die musikalischen aber ganz woanders. Aufschluss gibt schon der Name, den Sänger Sune Rose Wagner und Bassistin Sharin Foo erfanden. Den baute das in New York lebende Duo aus dem Buddy-Holly-Hit “Rave On” und den Ronettes zusammen. Ewiggestrige sind die beiden aber bestimmt nicht. Sie mixen aus staubfreiem Retro-Sound, Einflüssen wie The Jesus And Mary Chain und Velvet Underground einen bunten Pop-Cocktail. “In And Out Of Control” heißt das neueste Werk, das vor Surf- und Garagenrock, Noise-Pop, Melodien und Beat nur so überquillt.

The Raveonettes – Boys Who Rape

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Nichts weniger als eine Attacke auf die Sinne, ein tonaler und hochintensiver Ritt durch die dornige Unterwelt der Indie-Musik. Der wird begleitet von wilden Trommel-Schlägen, mürrischen Gitarren-Riffs, verkopfte Electonic, sowie abstrakten und geisterhaften Tönen, die in einen DAT-Rekorder gesperrt wurden. Wenn diese manische Kapelle auch auf einem erstem Album die Schotten öffnet, dann droht Reizüberflutung.

Beaters – Fishage

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There was a Marktlücke und das schafft Raum. Raum für mehrere Stimmen, die mal mit ihrer rauen Zerbrechlichkeit intim und einzigartig wirken und in einigen anderen Momenten wie eine Mischung aus der charismatischen Billie Holiday anmutet. Das alles klingt manchmal wie die Doors, aber dank der orchestralen Inszenierung, der zauberhaften Background-Vocals und der Retro-Instrumentierung mit Orgel und Geigenklang hoffnungslos nostalgisch – und schlichtweg großartig.

Midnight Masses – Preacher’s Son/Desperate Man

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