QUIERO ESE BOLSO !

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Wed, 20 Mar 2024 20:21:00 +0000

5 Razones para hacer Zentagle

Zentangle si, has leído bien ¿Sabes lo q ué es Zentangle? Este novedoso método de dibujo fue inventado por Maria Thomas y Rick Roberts en Estados Unidos. Por supuesto, son muchas las utilidades y los beneficios de esta técnica! Hoy te contamos 5 motivos para empezar:

Beneficios Zentangle Art

La técnica consiste en repetir patrones preestructurados, a modo ‘mandala’ para conseguir obras de arte. Con finos trazos se crean resultados sorprendentes, no importa la edad, ni la experiencia como dibujante. En este caso, cualquiera que tenga interés puede ponerse manos a la obra.

1. Diversión

El arte de Zentangle es fácil de crear y es una forma fantástica de compartir y disfrutar. Este proceso de creación es fascinante. Puedes hacerlo sólo o en grupo, en forma de entretenimiento o juego. Para ello, selecciona los patrones al azar o realiza creaciones colaborativas. A diferencia de las actividades en las que el resultado se sabe de antemano (como pueden ser los puzzles o los Sudoku) con esta técnica vas descubriendo tú mismo tu propio resultado.

2. Relajación

Todos necesitamos, de vez en cuando, formas de relajarnos contra el estrés. El método Zentangle es un modo rápido de redirigir el foco de atención consiguiendo un estado de relajación. No precisa de ninguna habilidad mental especial. Para relajarte y disfrutar no necesitas ni un atuendo especial, ni un lugar en concreto, ni un equipo determinado.

3. Arte

El resultado del arte Zentangle es abstracto y espontáneo. Es una forma artística diferente porque nunca sabes de antemano qué resultado obtendrás. Este método te ayuda a descubrir un talento artístico que no sabías que tenías.

Observa en el vídeo la simplicidad de las formas en la realización de un zentangle y cómo la consecución de patrones, de una manera pausada, facilita la meditación, la atención total sobre el contenido y el flujo de pensamiento a través de la imagen.

A simple zentangle design (youtube.com)

4. Entrenamiento motivacional

El Zentangle se utiliza para promover la confianza en sí mismo y la creatividad. Además, fomenta el trabajo en equipo e ayuda a arreglar ciertos problemas. Es una técnica ideal para adicciones, trastornos de atención o problemas de estrés.

5. Terapia

Ya sea por iniciativa propia o por indicación médica, es una forma no verbal de retroalimentación, diario personal, reflexión, análisis, crecimiento personal y aumento de confianza en uno mismo.

Moda sostenible. El cactus sustituto de la piel

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Mon, 09 Nov 2020 19:56:00 +0000

¡El mundo está cambiando a un estilo de vida basado en plantas!

Cada vez más personas reconocen la importancia de volverse veganas con su dieta, y muchas amantes de la moda finalmente se están dando cuenta de lo cruel que es el cuero y están comprando ropa hecha de materiales veganos. En el pasado, hubo muchas críticas justificadas sobre el "cuero vegano". ¡Era básicamente plástico! Pero hoy en día existe una amplia selección de textiles veganos hechos con fibras vegetales, como Piñatex (Piña), Piel de Manzana, Fibra de Naranja, MuSkin (Hongos) y la Planta de Hana (Agave), por ejemplo. El novato en escena es uno de nuestros favoritos: ¡cuero hecho de fibra de cactus! El nombre industrial de este nuevo material es Desserto, y es una creación del dúo mexicano Adrián López Velarde y Marte Cázarez. Fundaron esta empresa en 2019, con el objetivo de utilizar fibras de cactus para algo productivo. También conocido como cuero vegano de nopal, se ha vuelto extremadamente popular extremadamente rápido por su textura similar a la piel y durabilidad incondicional.

¿Cómo se fabrica el cuero de cactus? El textil se elabora en el estado mexicano de Zacatecas, en el rancho de Adrián y Marte, donde se cultivan los cactus de forma natural. La planta es completamente orgánica, ya que no se necesitan herbicidas ni pesticidas para que crezca. La selección es concienzuda, porque solo se quitan las hojas maduras del cactus para producir la fibra, asegurándose de que el resto de la planta no se dañe. Una vez que se quitan las hojas maduras, se dejan secar al sol durante exactamente tres días. Luego, la materia prima se procesa con la fórmula patentada de la empresa.

Este proceso de recolección ocurre cada 6 a 8 meses, y lo excepcional de la planta es que no necesita mucha agua. ¡El agua de lluvia natural es suficiente! ¿Cómo se puede utilizar el cuero del cactus?

Cualquier cosa hecha en piel puede usar este material innovador, Su textura es suave y es resistente. Es perfecto para bolsos, accesorios. zapatos, asientos de coches y objetos de diseño interiores. La piel del cactus es resistente a la abrasión y a al humedad.

Los diseñadores que quieran dar rienda suelta a su creatividad con este textil a base de cactus pueden comprarlo por metros, y también pueden solicitar personalización en cuanto a colores y texturas.

La necesidad de cambiar la forma de producir moda tras el coronavirus según el BCF y CFDA

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Mon, 25 May 2020 16:52:00 +0000

El Consejo Británico de Moda (BFC) y el Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA) unen sus fuerzas para aplicar un nuevo enfoque en la industria tras la pandemia. Este llamamiento busca un cambio en todos los niveles. También insta a que la moda baje su ritmo, produzca menos y la creatividad pase a ser el centro de sus producciones..

En una declaración conjunta que se llama "Restablecimiento de la industria de la moda". Así que el final no está a la vuelta de la esquina, tenemos la oportunidad de reflexionar y redefinir la forma de trabajar y exponer nuestras colecciones.

En esa línea hace unos días Armani declaró que el ritmo frenético que imponen las cadenas de moda debe acabar " Es inmoral, yo no trabajo así". " Nos ofrece una ocasión única de recuperar una dimensión más humana"..

El BCF y el CFDA han comenzado a colaborar y en una declaración conjunta en la que se hablan del "restablecimiento de la industria de la moda". Explican que la pandemia COVID-19 " está golpeando a la industria de la moda desde todos los ángulos y afectando gravemente a todos los capitales de moda". Aunque el final no está cerca, pero es una oportunidad para reflexionar.

Ambos comparten la firme creencia de que el sistema de la moda tiene que cambiar y que es algo que tiene que producirse a todos los niveles". Y piensan que estos cambios debían haberse hecho antes.

Para empezar creen que es necesario que "las marcas, diseñadores y minoristas, acostumbrados al ritmo frenético de la moda, aminoraren la marcha. Se hace mucha mercancía y muchas entregas. La acumulación de existencias tiene que hacer reflexionar a diseñadores y monoristas sobre el ciclo de las colecciones e invitarlos a ser muy estratégicos con respecto a sus productos y la forma y el momento en que quieren venderlos".

También ve una clara desconexión entre el momento en que los artículos llegan a la tienda y el momento en que el cliente los necesita realmente", por lo que la cadencia de entrega tiene que ir más en la línea de la temporada que está prevista".

" Recomiendan a los diseñadores que se centren en dos colecciones al año", como sugirió Armani, proporcionando " a nuestros talentos el tiempo necesario para reconectar con la creatividad y la artesanía que hace único a nuestro campo". Un ritmo más lento también permite reducir el nivel de estrés de los diseñadores y sus equipos, lo que tendrá un efecto positivo en el bienestar general de la industria".

¿ Significa el fin de las precolecciones?. No necesariamente. Ambos grupos reconocen que entienden las necesidad de que existan " y la necesidad de cumplir con los plazos de entrega de las precolecciones actuales". Pero " recomiendan que recuperen su propósito original, que era ofrecer ropa bonita con el espíritu de cada marca, pero sin que fuera lo suficientemente moderna para garantizar un desfile".

Durante los últimos años las precolecciones se han convertido en una acontecimiento muy importante para marcas como Gucci, Chanel y Dior, ejerciendo una presión adicional a otras marcas. Pero el BCF y el CFDA dicen que " cuando puedan volver a realizarse muestras y exposiciones en persona , recomendaremos que esas presentaciones vuelvan a los showrooms".

Otra recomendación para la vuelta a la normalidad es que " las marcas intenten celebrar sus desfiles dentro del calendario ordinario de la moda y en una de las capitales de la moda para evitar la saturación de periodistas y compradores viajando constantemente". Algo que ha supuesto una enorme tensión para la industria y ha aumentado su huella de carbono individual".

Al hablar de las huellas de carbono, estos dos organismos abordan el tema de la sostenibilidad.

" Al crear menos productos, con una mayor creatividad y calidad, los productos ganan valor y su vida útil aumenta".El enfoque de la creatividad y calidad de los productos, la reducción de viajes y sostenibilidad aumentará el respeto del consumidor y, en última instancia,un mayor disfrute de los productos que creamos", afirmaron ambas instituciones.

La pandemia y las influencers ¿Tienen sentido en la nueva economía poscoronavirus?

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Mon, 04 May 2020 10:30:00 +0000

El Covid- 19 ha forzado a las "influencers" a cambiar sus selfies en Thailandia, Bali por fotos tomadas en el sofá de su sala de estar, y los restaurantes chic y gimnasios de lujo se han transformado en arte culinario vegano o sano, y entrenamientos en casa.

Pero más allá del cambio de contenido, hay un cambio aún más significativo. El modelo de marketing que constituye la mayor parte de ingresos de una influencers se está desmoronando, y las marcas están retirando los contratos millonarios que tenían con ellas. A medida que nos enfrentamos a una nueva era, no está claro si el estilo de vida propuesto por influencers a millones de seguidores se podrá sostener.

¿ Podría el coronavirus provocar una reconfiguración de la edad del influyente. "Me encanta la fama"¿ Podrá mantenerse ese slogan que define alos influencers?.

En la última década la cultura de influencers ha transformado como las marcas llegan a los consumidores: la industria de marketing de influencers generó alrededor de 6,5 mill millones de dólares en 2019; casi la mitad de vendedores gastaron más del 20% de sus publicaciones en publicaciones de influencers. La combinación de celebridad accesible y el respaldo de confianza permitió a las marcas un acercamiento más personalizado con sus clientes.

El pago por publicaciones era el siguiente : las empresas pagan a influencers con más de un millón de seguidores de 10000 doláres o más por una publicación que respalde su producto.

A pesar de crear un nuevo modelo innovador que definió una era digital, la industria de influencers no estuvo exenta de problemas. Una saturación del marketing en las redes sociales recientemente, provocó una reacción violenta, muchas estrellas se vieron forzadas a cambiar el enfoque de sus marcas para que parecerieran más auténticas después de saberse que se les pagaba muy bien alienar a sus seguidores con sus publicaciones. Los escándalos de perfil alto también sacudieron la industria como la propuesta sorpresa de las redes sociales del compromiso de Gabriel Grossman y la influencer Marisa Casey Fuchs, que la revista Atlantic descubrió el anuncio era un fraude, el csamiento no era real, para promocionar marcas y que sus patrocinadores les pagaban muy bien por ello. Otro ejemplo es el infame Fyre Festival, cuya organización pagó miles de dólares a los influyentes por promover un evento que no estaba casi organizado, que dejó a los asitentes colgados en una playade Bahamas. En esos momentos a los influencers parecía que se les perdonaba todo, porque eran " como un amigo y a un amigo se le perdona todo".

El 2020 debería haber sido el año para que los influencers retomen el deseo de "realidad" de sus seguidores. En cambio debido al Covid-19, muchos influencers se ven obligados a centrarse simplemente a sobrevivir de la recesión económica de 2020 en lugar de aprovechar la oportunidad de hacer crecer sus negocios.

Aunque el 69% de las marcas esperan reducir su gasto publicitario este año, un uso del móvil mayor significa que nuestra participación en las redes sociales ha aumentado. En tiempos de crisis la gente busca más conectarse para no sentirse sola.

Puede ser que esa nueva tendencia de los influencers, de mostrarse más auténticos, en casa, compartiendo experienncias como hacer la comida o limpiar puede ser algo bueno. Seguramente después de la pandemia los consumidores de todo el mundo no solo tendrán sus economías más resentidas durante un tiempo, que puede alrgarse depende de la evolución de la pandemia ; además puede que aparezca un consumidor más comprometido, consciente, exigente que busca la autenticidad. Si su mensaje no es constructivo o altruísta no tendrá ningún valor porque en tiempos de crisis se buscan soluciones más solidarias para superarla o porque una nueva forma de vida pueda surgir no basado en los parámetros exclusivos del mercado.

La moda de vanguardia como forma de protesta política. Los japoneses Comme des Garçons

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Thu, 16 Apr 2020 19:15:00 +0000

Caroline Evans , profesora de la historia y teoría de la moda de Central Martins propuso una reflexión sobre el trabajo de Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto, Martin Margiela, a quienes define como " moda experimental " frente a la " moda convencional". Para ella, ésta parece un proceso de la civilización, mientras que la moda experimental revela un síntoma neurótico, ansiedades reprimidas a fines del siglo XX.
A menudo se denomina "moda conceptual", "anti-moda" o "desconstruida", el trabajo de los diseñadores Issay Miyake, Rei Kawakubo, Yonhji Yamamoto, Martin Margiela, Helmunt Lang o Hussein Chalayan, que es muy significativo, si se opta por el papel político de la moda.

Los japoneses y el cuestionamiento de las convecciones occidentales

Nacidos respectivamente en 1942 y 1943, Rei Kawakubo y Yohji Yamomoto crecieron en el contexto de la austeridad japonesa de la posguerra, antes de presentar una colección conjunta en 1981 en París. Desgastadas, desgarradas, con volúmenes impresionantes, la ropa está asociada por algunos críticos con una estética "post-Hiroshima", una "estética de la pobreza" (Harold Koda, American Vogue, abril de 1983). Se dirigen específicamente a dos fundamentos de la moda occidental:

1.Una nueva interpretación de la idea de perfección.. Yohji Yamomoto quiere mostrar los efectos del tiempo en su ropa. Así es como lo evoca:

"El ser humano envejece. Del mismo modo, los textiles, que es un material vivo, están envejeciendo. Si se les permite envejecer durante uno o dos años, las fibras se tensan naturalmente y aumenta el encanto de la tela (...) Es por eso que la ropa vintage me parece envidiable (...) Esta paradoja del diseño es, en mi opinión, un elemento esencial. pregunta, que estoy constantemente tratando de resolver "Para hacer esto, realiza variso procesos de lavado, arrugado, corte en bruto. Las colecciones de Invierno 1981-1982, Verano 1984 o Invierno 1984-1985 ilustran la búsqueda de la imperfección: mientras que la primero juega con lana cruda, tejidos rústicos, la segundo está inspirado en fotografías de los agricultores anónimos de August Sander, y la último uno presenta ropa con costuras visibles, abrigos que se asemejan a mantas, además de numerosos cortes en bruto.

Rei Kawakubo, por otro lado, busca algo nuevo. Por esta razón, desarrolla una relación especial con las máquinas que su equipo interrumpe al eliminar a veces una tuerca o un programa de computadora para variar las irregularidades. Pero también trata de imitar la pátina en su ropa como lo hizo en el verano de 1983. Esta reinterpretación de la idea de perfección también toma forma en su uso de la asimetría. Rei Kawakubo desvía así la prenda de su función principal. Sus túnicas se transformaron en chales en 1981, las mangas y botones en1983. Yohji Yamamoto alarga las mangas, acorta los pantalones, baja los botones o mueve los bolsillos (Invierno 1985-1986).

2. Repensar la relación entre ropa y género.

Los dos diseñadores repensan la relación entre la ropa y el género. La elección del nombre "Comme des Garçons" aparece aquí como un deseo de liberar a las mujeres de las convenciones de ropa. Rei Kawakubo desarrolla una hostilidad hacia el "cuerpo consciente", ya no considera la ropa como una intención para mejorar las formas femeninas. El espectáculo Otoño-Invierno 1983-1984 es una ilustración: el cuerpo de la mujer se oculta, se niega, sus caderas, cintura, glúteos y cabello desaparecen debajo de las capas de tela.
Yohji Yamamoto critica la virilidad que define como un instrumento de control. Su objetivo es deconstruir el traje masculino occidental heredado de Savile Row. Para ello, elimina o redondea los hombros acolchados tradicionalmente, mueve botones o bolsillos, exagera los dobladillos y acorta la longitud de los pantalones.
Analizando la obra de estos diseñadores podemos pensar como la moda puede ser pensada como un medio crítico. En el siguiente post voy a analizar la figura del diseñador Martin Margiela , uno de los diseñadores actuales que más sostiene este enfoque crítico de la moda.

Ana Sal

La moda cortesana en la obra de Sofonisba Arguissola y Lauvinia Fontana

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Mon, 13 Apr 2020 11:45:00 +0000

Isabel de Valois de Sofonisba Anguissola . Museo del Prado.

En el siglo XVI se decía que para bordar se necesitaban actitudes para el dibujo. Por ellos quienes cosían estaban vinculadas al dibujo Los vestidos se pintaban en mucha ocasiones. Los borbadoras podían hacer retratos. El arte de la costura se asemejaba a la música. Era la formación exigida a las mujeres.
En ese marco desarrollaron su obra pictórica dos mujeres Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, dos de la mujeres más notables de la pintura del siglo XVI. Recientemente el Museo del Prado le ha dedicado un exposición en el marco de su Bicentenario: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Historia de dos pintoras.
La obra de ambas pintoras es un compendio de la moda cortesana del Renacimiento, ya que destacaron como retratistas, la expresión artística que mejor nos permite conocer la indumentaria de la época. En ese momento vestir al uso cortesano era "vestir a la moda".
El Renacimiento es el momento en que mejor, el vestido podía mostrar el vestido. Una sociedad que tenía pasión por el vestido, sobre todo, por el vestido lujoso. Además es cuando aparecen las revistas de moda, el primer muestrario es de 1529.


Reina Isabel de Portugal de Tiziano

Por otro lado, en el siglo XVI a nivel político se acentuaron las diferencias entre nacionalidades. La idea medieval fue sustituida por unos estado soberanos, a menudo rivales. Esas diferncias nacionales se reflejaron en la indumentaria, más marcadas en las mujeres que en los hombres.
En la primera mitad del siglo triunfó "el estilo español".
En el retrato póstumo de la Reina Isabel de Portugal deTiziano queda definido el estilo español femenino. El estilo español con 3 elemenos ocultos: el verdugado o saya saboyana ,cartón en el pecho y los chapines.
El nuevo estilo tendía a ocultar las formas femeninas con prendas armadas con una pieza que moldeaba muy poco. Con esta moda se pusieron de moda las gorgueras( luego lechugillas): cuello independente del traje que ocultaba todo el cuello, que lo remataban con una pieza rizada.
La lechuguilla se también en las mangas.La primera vez que encontramos el término lechugilla y no gorgueras fue en el retrato de la reina Isabel.
El retrato de Isabel de Valois de Sofonisba es un retrato en el que la reina va vestida con saya completamente cerrada con ese cuello de lechuguilla. Debajo el cartón en el pecho, lleva el verdugado y los chapínes en los pies.
La lechugilla se usó en todos los países, pero fue la corte española la que le dió identidad. Cada país nombró esa pieza de un modo; en Italia el país de origen de Lavinia y Sofonisba la llamó "tuga".
Allí eran abiertas y en red con una pieza de cartón duro en el pecho armada con ballenas vegetales y que moldeaba el torso.


Retrato de Bianca Ponzoni de Sofonisba Anguissola

Un ejemplo de ese tipo de cuello a la italiana, variante de la lechugilla, llamado "tuga" lo encontramos en el retrato de Bianca Ponzoni de Sofonisba Anguissola.
Se observa el cuello abierto con la pieza de cartón en el pecho en que asoman camisas,una pieza de lencería, testigo del renacimiento que adquirió en Italia la lencería.
A las italianas no les gustaban las gorgueras. Esta pieza se va a utilizar hasta el siglo XIX.

La infanta Catalina Micaela de Sofonisba Anguissola

La lechuguilla española con un bohemio encima-prenda de piel en forma de banda larga que se usa en el cuello similar a una estola-;una pieza muy usual en la época en Italia, como se ve en el retrato de Catalina Micaela o Dama del armiño. Aparece como una gran dama a la moda española, lo singular es que va vestida de calle.Del traje que viste solo puede verse la rizada lechuguilla de una manga.
Las cortas marcan las moda. La únicas diferencias entre unas y otros en los colores de las telas y la guarnición del estilo.

El retrato de Constanza Alidosi de Lavinia Fontana vestida con saya de tradición española con puños vuelto. En la segunda mitad del XVI se deja de usar la lechugilla y los cuellos altos.

En este retrato colectivo delas Damas de Palacio de Lavinia se puede ver las mujeres con sayo, con cuellos de lechuguilla, puños vueltos y una novedad: el pelo encrespado y elevado, que se pone de moda a fines del XVI. Los niños con lechuguillas en el cuello y los puños.

En la indumentaria masculina de la época el estilo español se componía de calzas con una prominente bragueta de estilo militar. Prendas muy armadas. Lal lechuguillas en los cuellos y puños desmontables.
Un ejemplo de exquisito estilo español de la moda cortesana masculina es el retrato de Felipe II de Sofonisba. El color negro del traje de Felipe II con calzas y cuyos únicos detalles en blanco son las lechuguilla del cuello y puños. El color negro era un detalle de elegancia, un verdadero artículo de lujo, procedente de un tinte originario de México, donde se acababa de descubrir un tinte sacado de palo campeche que conseguía un negro intenso, anteriormente inalcanzable en la manufactura textil porque el negro era un negro sin intensidad,descolorido. La elegancia del traje es extrema. Es el negro que luego inspirará a Balenciaga.

La obra pictórica de Lauvinia y Sofonisba tiene un interés muy notable , no solo desde el punto vista pictórico, además nos ayuda a conocer la moda de la época , y en concreto, el estilo español que fue el que dominó las cortes del momento, un reflejo del poder del Imperio español .

Ana Fernández Sal

La indumentaria masculina en los retratos de Joaquín Sorolla

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Thu, 09 Apr 2020 14:21:00 +0000

La produción artística de Joaquin Sorolla trascurrre paralela a cada etapa de su vida, y por ello, en cada uno de ella se refleja la sociedad de la época a observador de la realidad, escrutador hasta el más pequeño detalle. Por ello en sus cuadros plasmó todo tipo de detalles que nos ayuda a conocer la ropa, los vestidos, en definitiva , la moda de la época y sus cambios.

El retrato de la éopca, es una herramienta excelente para revisar como si de un album de fotos se tratara, la ropa de aquellos tiempos, al menos el pujante grupo que podía permitirse encargar retratos a un pintor de fama internacional, como fue Sorolla.

La retratística no era, en aquella época, un actividad artística especialmente apreciada desde el punto de vista intelectual; y menos si se trataba de retrato femenino. La contaminación cruzada entre el retrato y la moda, que ahora nos es tan útil para estudiar la vestimenta de la época, hacía que los artistas temiesen verse comparados a los modistos y por lo tanto infravalorados. Dicotomía como arte/ artesanía, desnudo/ vestido estaban a la orden del día en los debates de artistas e intelectuales.

Quizás los artistas se sintieran obligados a ceder con las señoras admitiendo cierto "arreglos"en sus retratos, que las favoreciera pero falsearan el resultado final, como hoy en día se hace retocando las fotos con programas informático. Al menos, ese fue el temor que manifestaron numerosos artistas, también Sorolla, que tuvo que atender numerosos encargos que si bien no siempre despertaban su interés como pintor, mejoraron su estatus y le proporcionaron una vida cómoda.
En los retratos de Sorolla la observación de la ropa es casi un placer para todos los sentidos. No es necesario tocar, sólo mirar. Encajes, bordados, dominio del blanco y negro, algún detalle de color: muy destacado es el color rojo que se encuentra en varios retratados.
En los más de quiñientos retratos individuales que pintó el protagonista suele aparecer sereno, relajado; en otros, los femeninos , el retratado está caracterizado por una actitud indolente, que acentúa su elegancia alejándolo del espectador. El traje ayuda, muchas veces, a acentuar esas actitudes, junto al mobiliario y el entorno.
En este post voy a anlizar solamente lo que nos dice del vestuario masculino de la época los retratos de Sorolla para no hacerlo muy largo y en el siguiente el de la mujer.


Retrato de Abogado Silverio de la Torre. !894. Colección particular

En cuanto al vestuario masculino de finales del XIX , podíamos hablar de una nueva nueva tendencia: la anglomanía, que redifinió la masculinada dando una silueta más adaptada al día a día y de donde surgirá la moda del futuro hombre moderno.La simplificación de la moda masculina se acelería con el nacimiento de los marchantes de indumentaria que concentran en la mujer todas sus atenciones. Esta identidad sobria se cristaliza a finales del XIX alrededor de los colores oscuros y del negro,sinónimo de autoridad. Los profundos cambios en la sociedad fijan nuevos prendas. Los chalecos a rayas y motivos geométricos reeemplazan a las flores de épocas anteriores.
Las piezas de la indumentaria masculina siempre eran: camisa, chaleco, chaqueta y pantalón. La elegancia pasaba por la corbata o pajarita y los puños almidonados o desmontables. También podía ser desmontable el cuelllo, por razones de higiene. Si es blanco es distintivo de las clases superiores. Y por último, la parte delantera de la camisa que se almidona en ella misma o se aplica en plastrón adornado.
En los retratos masculinos tomaba el tiempo necesario para buscar una buena postura que enseñase la delicadeza de una corbata, el movimiento de una manga, o la exhuberancia de un bordado. Y a pesar de que la ropa masculina a a menudo más insignificante que al femenina, sus retratados son portadores de mensajes.
Los intelectuales y artistas retratados por Sorolla pueden ir acompañados de objetos relacionados con su profesión ( un pincel, un microscopio, un libro, una pieza de arqueología) ; visten indistintamente ropa del trabajo o trajes elegantes que los caracterizan como parte de la clase social a la que pertenecen.
Un buen ejemplo de retrato de caballero de Sorolla es del abogado Silverio de la Torre y Eguía. 1893. Vestido con el aire intemporal del frac reposa el retratado con un actitud serena. Lleva como adorno una flor blanca, a juego con la pechera , cuello y puños de camisa, alegra sobriamente la solapa izquierda.

Retrato de D. Carlo Urcola con su hija Eulalia.1914. Museo de Bellas Artes de Valencia

Otro ejemplo es el retrato de Don Carlo Urcola y su hija Eulalia pintado en 1914 el traje del personaje retratado lleva el mensaje de jugar con la instantaneidad del traje de color marrón oscuro y con corbata.

En la última etapa de sus vida pintó el retrato de Ramón Pérez de Ayala, que haciendo oídos sordos a sus propias convicciones, concedió a Sorolla ser retratado con impermeable, aún considerando que no reflejaba su carácter. Sorolla imaginó que la imagen de sí mismo como un fraile iba a ser atractiva a Pérez Ayala:era una imagen poética con un trasfondo ascético que pareció interesante al escritor.
Es posible que plasmando lo que tanto le llamó su atención, esa primera impresión de Pérez de Ayala como un fraile entrando a la sala de exposiciones, nos dijera algo más sobre el escritor que un análisis psicológico prolongado. O puede que, pensando que el hábito no hace al monje, Sorolla utilizara la imgen del fraile para convencerlo, mientras se centraba en reflejar la tonalidad verdosa sobre su piel cetrina, lo que se tradujo en una combinación que hace de su efigie algo peculiar y distinto, muy sugerente en la línea de otras obras de gran modernidad que se pueden contar entre lo mejor de su producción.

PICASSO, una marca millonaria

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Sun, 05 Apr 2020 19:56:00 +0000

Cuando Picasso murió, había dejado 1885 pinturas, 1228 escultores, 7089 dibujos , 3222 cerámicas y 150 bocetos. El artista español es sinónimo de creatividad gracias a su extraorinaria producción.

Cada año hay más de doce exhibiciones de Picasso alrededor del mundo.Hay un deseo insaciable de adquirir un Picasso entre la élite adinerada que busca establecer credenciales de gusto. Jay-Z escribió una canción sobre su primera adquisición del maestro de arte moderno" Picasso,baby". Las pinturas se pagan millones de euros en una subasta.El artista encabezó las subastas de arte de 2019 con ventas de 346.224,674 milllones de dólares.

Además desde que el artista murió en 1971, su nombre y su marca se han convertido en una marca global que da millones. Picasso es más que un artista. Mont Blanc se encuentra entre los varios fabricantes de bienes de consumo que han autorizado el nombre de la firma y las imágenes del artista.
Picasso está en cojines, tazas, alfombras y bolsos. Los fabricantes de bolígrafos produjeron un bolígrafo con diamantes que se vendió por 54.500.

Citroen, la fábrica de coches , adquirió los derechos de uso de Picasso y su firma por 20 millones de euros y están todavía pagando regalías a los herederos. La palabra Picasso es un halo, tiene una aureola de 24 quilates en cualquier elemento con el que está asociado, sin importar lo mundano que sea. Hay todo tipo de teorías de porque la marca es importante para una empresa. Una de ellas es porque la marca trata de mitigar el riesgo de compra en la mente del consumidor. Si va a comprar un artículo en particular, puede comprar con confianza una marca conocida. Pero Picasso es una marca que la gente quiere comprar. Las personas que compran un cuadro de Picasso dicen "tengo un Picasso", no " tengo una gran pintura, es un Picasso". Hay lecciones que se puedan aprender del pintor para cualquiera que quiera construir una marca personal, para su carrera o para rendir lo que hacen. Lo curioso es que gran parte de como Picasso llegó a ser una gran marca, es contradictorio.
Picasso se convirtió en una marca famosa al descifrar muchas convecciones.

Picasso creó su marca

Cuando comenzó a pintar seriamente, alrededor del cambio de siglo, pensó:" Necesito ser una marca. Necesito investigar un poco, determinar tu posición en le mercado y luego crear una marca". Así es como los consultores suelen abordar el desarrollo de la marca
¿El mismo constituye "la marca Picasso", por etapas, aunque cambie de estilo?
De manera similar a Picasso, podrías argumentar que Nike es solo un fortuito accidente que se ha hecho realidad. Una agencia de publicidad le dió a Nike este eslogan " Just do it", como algo único para una campaña publicitaria. Incialmente los ejecutivos de Nike lo odiaban. Se convirtió en un éxito por lo que Nike la siguió usando. Comenzaron a coserla en su marca JUST DO IT y se convirtió en sinónimo de su marca.
¿ Nike es como Picasso?. Seguro. Ambos Picasso y Nike integraron nuevas direcciones creativas en sus marcas, en lugar de permitir que su marca limite su creatividad. La marca no es motivo para descartar nuevas ideas. Nike se hizo más conocida por su icónica campaña Just do it, la toma y se basa en ella, a pesar que no iba con su marca.
Al igual que Picasso se hizo famoso por sus pinturas, su mirada poderosa y sus camisetas a rayas. Nike cultivó su marca con el tiempo, jugando nuevas fortalezas y minimizando viejas debilidades.
Su marca es un claro un proceso de evolución.

El ENCUENTRO CON UNO MISMO ANTE EL ESPEJO

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Thu, 10 Oct 2019 09:30:00 +0000

La manipulación del propio cuerpo que compromete a la mujer en un rito cotidiano en el cual pierde tiempo y dinero, es una forma de placer sensual.
Sentirse protagonista de la propia transormación , de la mejora de aspecto eterno a través de una estrategia que tienda a evaluar los puntos débiles y los puntos fuertes del cuerpo para corregir los primeros y valorar los segundos.

El arte de reinventarse a sí mismo, de transformarse , en el que también están presentes el aspecto lúdico y mágico, hace que aumente al confianza y seguridad en la propia persona.

En el Paraíso Perdido de John Milton hay una hermosa descripción de Eva, que en el momento de nacer se cubre el rostro, por lo que no toma conciencia de sí misma hasta que ve su imagen reflejada en el agua. Cundo esa conciencia del yo personal corporal, toma conciencia de su dualidad, de la multiplicidad, se convierte en un amor hacia la propia imagen, estás ante un comportamiento narcisístico.
El término narcisismo tiene su origen en el mito de Ovidio, descrito en el tercer libro de la Metamorfosis, Narciso, enamorado se su propia imagen reflejada en el agua , se abandona a la muerte en el momento de aferrar el objeto de su pasión.
El concepto como el mismo Freud observa en 1914 en "Introducción al narcisismo", indica una configuración de la libido que se presenta en un amplio abanico de situaciones y que ocupa un puesto bastante más articulado.Atribuye a esa energía emocional, que tiene el yo como objeto, un gran poder de atracción sobre los demás y afirma que el encanto de las mujeres depende de su amor a sí misma, de su deseo narcisístico de ser amada.
Hélene Deutsch fue la primera en la historia del psicoanálisis en referirse a la psicología femenina de forma específica.Calificó la prolongación del narcisismo más allá de la adolescencia como un atributo especifico de la feminidad. Se separa de su maestro Freud, en el significado que atribuye a ese término" el narcisismo puede enriquecerse o arruinar la vida de una mujer. Para atestiguar sus afirmaciones propone ejemplos extraídos de " Guerra y Paz" de Leon Tolstoi, en donde se encuentran admirablemente descritos diversos tipos de mujer narcisista, haciendo especial hincapié en Natasha, que define como una réplica , para quien una mujer femenina no ama, sino que se hace amar.
La preocupación por la belleza y por su propio aspecto le permite apropiarse de su persona , elegir y crear la suya, es decir, reinventarse.

HAZME PARECER BONITA, MADAME D'ORA!

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Mon, 07 Oct 2019 13:33:00 +0000

En su estudio, d’Ora capturó los grandes nombres del mundo del arte y la moda, la aristocracia y la política del siglo XX. El primer artista fotografiado por ella fue Gustav Klimt en 1908, el último Pablo Picasso en 1956. Inmortalizó aún más al emperador Carlos I de Austria y a los miembros de la familia Rothschild, Coco Chanel y Josephine Baker, así como a Marc Chagall y Maurice Chevalier. En 1907, Dora Kallmus fue una de las primeras mujeres en Viena en abrir un estudio fotográfico. En solo unos meses, el Atelier d'Ora se había establecido como el estudio más elegante y reconocido para fotografías de retratos artísticos y sus imágenes se difundieron ampliamente a través de numerosos periódicos y revistas en Austria y en el extranjero. En 1925, una oferta de la revista de moda L’Officiel trajo a d’Ora a París, que se convirtió en el centro de su vida personal y profesional. Recibió innumerables comisiones de revistas de moda y estilo de vida, que solo comenzaron a disminuir a partir de mediados de la década de 1930 cuando la situación política en Europa se volvió cada vez más precaria. Una judía privada de sus derechos, d’Ora perdió su estudio de París en 1940 y durante años tuvo que esconderse de las fuerzas de ocupación alemanas en Francia. Habiendo escapado por poco de la captura, el retratista de la sociedad enfocó su mirada aguda y empática después de 1945 también en los sobrevivientes sin nombre del campo de concentración, así como en el caldo de carne de los mataderos parisinos. El trabajo de D’Ora traza un arco único desde el último monarca austríaco, a través del glamour del mundo de la moda de París en los años veinte y treinta hasta una Europa completamente cambiada después de la Segunda Guerra Mundial.

Los zapatos de Jimmy Choo de 4,3 millones $ para el mercado chino

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Fri, 09 Nov 2018 09:02:00 +0000

Los diseñadores de Jimmy Choo, Gènavant y Reggie Hung esperan atraer a los chinos de un por ciento con un par de tacones altos con incrustaciones de miles de raros diamantes de color rosa.

En la década de 1980, Paul Simon y Ladysmith Black Mambazo cantaban a una mujer rica en Nueva York tan glamorosa que tenía diamantes en las suelas de sus zapatos. Ahora el famoso diseñador de zapatos Jimmy Choo está apostando a que sus contemporáneos están en China.
Shanghai, Choo y el diseñador Reggie Hung están haciendo zapatos para los chinos del uno por ciento. El modelo top-of-the-line de Choo y Hung: un par de tacones altos con incrustaciones de miles de raros diamantes rosados con un precio de $ 4.3 millones.
La marca de lujo con sede en Londres está utilizando la China International Import Expo en Shanghai para lanzar su calzado deportivo en China, según el director gerente Tao Xiao.
A pesar de que el crecimiento económico de China se desacelera, algunos de los consumidores más ricos del país todavía están buscando a Shell fuera de Gusavant. La compañía de Choo y Hung, que fabrica sus zapatos en Italia, ya recibió pedidos, dijo Tao.
Si pagar más de $ 4 millones por un par de zapatos está fuera de su alcance, no se preocupe. Gènavant también ofrece zapatos con un precio inicial de $ 50,000 para consumidores con un presupuesto más modesto.

El Mercado de Diseño lanza su tienda on line

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Tue, 02 Oct 2018 07:03:00 +0000

El Mercado de Diseño de Madrid se lanza a la conquista de la Red. El evento, que se organiza desde 2013 y acumula casi cuarenta ediciones a sus espaldas, ultima el lanzamiento de una plataforma de ecommerce para llevar su negocio al canal online. En la actualidad, la empresa continúa buscando distintos perfiles para conformar su equipo digital.

Cada edición, el Mercado de Diseño acoge una lista de más de ochenta diseñadores independientes, dedicados a sectores como moda, joyería, arte e iluminación, entre otros. En sus últimas convocatorias, el evento ha sido visitado por una media de 40.000 personas. Al frente del proyecto está José Felix Garcia Alcázar, fundador y consejero delegado.
El ecommerce de Mercado de Diseño comenzará a operar el próximo 27 de octubre, coincidiendo con la próxima edición del evento en Madrid, que cumple su quinto aniversario. La organización prevé que la plataforma cuente con una oferta de unos 30.000 productos y en torno a mil diseñadores y marcas.

Desde 2017 han lanzado el "Premio al mejor diseñador independiente del año" Convocan dos ediciones del premio, en marzo dedicado exclusivamente a mujeres diseñadoras y en octubre donde cualquier diseñador que haya pasado por el Mercado de Diseño puede ser galardonado.
Para optar al premio de esta edición de octubre MD-i los diseñadores y diseñadoras deberán registrarse como vendedores en el Mrket place de Mercado de Diseño nte del día de su lanzamiento el 8 de diciembre. El lanzamiento de esta nueva plataforma se llevará a cabo durante la edición 5º aniversario, en Centro Cibeles.
Las bases las puedes consultar en Bases del concurso mejor diseñador.

Cada año tendremos 2 edi.

Pciones de este premio, en marzo, dedicado exclusivamente a mujeres diseñadoras, y en octubre, donde cualquier diseñador que haya pasado por Mercado de Diseño puede ser galardonado/a.

Cada año tendremos 2 ediciones de este premio, en marzo, dedicado exclusivamente a mujeres diseñadoras, y en octubre, donde cualquier diseñador que haya pasado por Mercado de Diseño puede ser galardonado/a.

Las marcas de moda más queridas por los millennnials

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Wed, 12 Sep 2018 12:21:00 +0000

La ropa deportiva y la lencería son los protagonistas en la mente de los compradores que apuestan por la moda, pero no hay garantía de que irán al sitio de Amazon.com Inc. para comprar esos artículos.Eso es según un informe de Goldman Sachs con Condé Nast que destaca a los compradores del milenio y sus marcas favoritas. El análisis del informe se basa en una encuesta a los lectores de Condé Nast, que define como "más joven", consciente de la moda y más afluente, así como otra encuesta a los consumidores convencionales.Las mujeres de moda avanzada no compran on line tanto como otros consumidores convencionales, según el informe. Si bien el comprador típico clasificó a Amazon como su minorista preferido para la ropa, ni siquiera llegó a ser el top 10 de la llamada "It Girls" en la encuesta."Los consumidores de moda parecen resistir este cambio" a las compras en línea, escribieron los analistas en el informe. "Eligen gastar una mayor proporción de sus ingresos en la tienda que los que gastan en la corriente principal, y también otorgan menos atención a Amazon"
Están son las marcas preferidas por los millennials :
:

La marca preferida por los millennials

"Devoción" . Dolce&Gabbana. Prueba de fe

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Wed, 05 Sep 2018 07:03:00 +0000

Fashion Week de Milán fue testigo del desfile de la colección otoño-invierno 2018-2019 de Dolce&Gabbana. Los drones sobrevolaban el escenario como libélulas: era el nuevo entretenimiento que Dolce & Gabbana reservaba a su público. Cada uno de estos dispositivos por control remoto portaba uno de los nuevos bolsos del dúo, y fueron recibidos con vitoreos, risitas y cientos de posts en Instagram.
El desfile tenía que SER por fuerza en domingo, el día más religioso. Los drones no podían estar más cerca del cielo, pero las modelos, ignorando las ofertas volantes, emergieron de un edificio en falso mármol coronado con las palabras Fashion Devotion.

Después del desfile de bolsos y accesorios llevados por drones, como ofrendas celestiales. Corazones, brocados, bordados y terciopelos completan la colección con iconografía religiosa.
Las piezas más básicas, abrigos con corte más clásico o chaquetas, estan impregnadas de este aire divino.
Vestidos , chaquetas vaqueras, faldas se adornan a modo de exvotos con exhuberantes estampados de cebra o rosas por cualquier lado.
Todo ese alarde de imaginería católica que respira la colección no nos deja claro si es una parodia o un homenaje y tributo a sus cuerpos celestiales y símbolos.
La juventud o su forma de mezclar referencias , junto a una actitud irreverante y una cultura de calle globalizada es un as en la manga en la escena actual de la moda. Dolce& Gabbana han conseguido el póker mezclando el respeto de las nuevas generaciones, en una colección que consagran como una forma de expresión personal a los más jóvenes. " Los milliennials han cambiado la forma de comunicación de ver el mundo" dice el dúo. " Esta colección se define por los contrastes, creando una moda muy marcada por al personalidad. En la actualidad, es la calle la que nos influye, no al revés"

La sociedad del cansancio de Byung-Chul Han

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Wed, 08 Aug 2018 10:38:00 +0000

Muy recomendable la lectura del libro la sociedad del cansancio en la que el escritor Byung.Chul Han en la que expone el cambio silencioso de paradigma que se está produciendo en la sociedad occidental, un exceso de positivismo que conduce a una sociedad del cansancio.

En el final del libro escribe:

" Hoy las cosas solo obtienen valor sin son expuestas y vistas, si acaparan la atención. Hoy nos exponemos en Facebook, convirtiéndonos así en mercancía.Originalmente , la palabra" producción" no significa "fabricación" ni elaboración, sino exhibir, hacer visible. Este nivel semántico fundamental de la producción todavía sigue vigente en el francés. Se produire significa "presentarse", dejarse ver.También en alemán se puede percibir este significado en el empleo peyorativo de sich produzieren, en el sentido de "darse tono".Sí , hoy nos afanamos en exhibirnos en las redes sociales, en Facebook. Dándonos tono, producimos informaciones y aceleramos la comunicación. Nos hacemos visible nos exponemos como si fuéramos mercancías. Nos exhibimos para esa circulación de la información y comunicación que hay que acelerar. La vida como producción total hace que desaparezcan tanto los rituales como las fiestas. En éstas se dilapida más que se produce.

Hoy el capital lo somete todo. Lifetime value significa la suma de valores que se pueden obtener considerándolo como cliente si se comercializan todos los momentos de su vida. La persona humana queda reducida aquí al valor del mercado. Este concepto se basa en la intención de transformar a la persona entera, toda su vida, en valores comerciales. Ya no queda ningún ámbito vital que no esté sometido al aprovechamiento comercial. El hipercapitalismo convierte todas las relaciones humanas en relaciones comerciales. Despoja al hombre de su dignidad reemplazándola por completa por el valor de mercado.

En el mundo actual se ha perdido todo lo divino y festivo. Se ha convertido en unas grandes almacenes. Lo que se puede llamar sharing economy o consumo colaborativo, nos convierte a todos nosotros en vendedores en busca de clientes. Llenamos el mundo de cosas con una duración y una validez cada vez más breves. El mundo se axfisia en medio de cosas. Estos grandes almacenes no se diferencian de un manicomio. Parece que lo tengamos todo, pero nos falta lo esencial: el mundo. El mundo ha perdido voz y habla; es más, ha perdido el sonido. El ruido de la comunicación ha sofocado el silencio. La proliferación y masificación de las cosas ha desplazado el vacío. Cielo y tierra están repletos de cosas. Este mundo de mercancías no es apropiado para ser habitado. Ha perdido toda referencia a lo divino, a lo santo, al misterio, al infinito, a lo superior, también hemos perdido la capacidad de asombrarnos. Vivimos en unos grandes almacenes transparentes en los que nos vigilan y manejan como si fuéramos clientes transparentes. Sería necesario escapar de esos grandes almacenes. Deberíamos volver a convertir los grandes almacenes en una casa; es más, en un centro festivo en el que realmente merezca la pena vivir"

Colección Meraki zen

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Sat, 28 Jul 2018 13:36:00 +0000

La simplicidad es la máxima expresión de sofisticación
Bolso zen de inspiración japonesa Meraki, una palabra que significa hacer algo con calma, dejando un espacio de ti misma en ello.

Con el tiempo se arregla todo como dicen los japoneses con su hermoso término Nankurunaisa

La mayoria de las empresas de moda españolas preparadas para comercializar por las redes sociales

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Tue, 17 Apr 2018 08:16:00 +0000

El 52% de las empresas españolas de moda aseguran que ya están preparadas para comercializar sus productos a través de redes sociales, tras la reciente incorporación de Instagram Shopping, mientras que el 77% reconoce que puede vender a través del móvil, según se desprende de la última edición del Barómetro de Empresas de Moda en España elaborado por vente-privee y Modaes.
En concreto, el informe muestra que el 85% de las firma españolas del negocio de la moda ya ha empezado a adaptar sus procesos a la omnicanalidad, lo que supone tres puntos porcentuales más que el año anterior.
Sin embargo, tan solo el 2% de ellas considera haber finalizado ya este proceso de omnicanalidad, mientras que en el ejercicio anterior, era el 4% el que aseguraba haber culminado esta transformación. Así, el 98% restante coincide en estar todavía amoldándose a los nuevos canales.
La apuesta por el ‘ecommerce’ y las nuevas tecnologías han provocado que el 93% de las empresas de moda hayan aumentado la inversión en el área digital o en nuevas tecnologías.
En cuanto a los procesos o departamentos concretos a los que se ha destinado esta inversión, el 34% afirma que se ha derivado al diseño y operación de la tienda ‘online’, mientras que el 29% ha apostado por reforzar el área de marketing y comunicación. En tercer lugar, la infraestructura logística ha sido la principal beneficiaria de la inversión en el 17% de las compañías, seguida de cerca por el análisis de datos, que representa un 13% del total.
Por último, sólo el 6% de las empresas reconoce centrar la inversión en la adaptación de la tienda física. El refuerzo de las firmas de moda en el área ‘online’ y su presencia en Internet responde a diferentes utilidades y fines según la estrategia de cada una.
En primera posición, la fortaleza de la imagen de marca vuelve a ser el beneficio principal para el 53% de las empresas, creciendo cinco puntos respecto a 2016, mientras que cae dos puntos, hasta un 35%, el factor de hacerlo por diversificar el target de clientes, y pierde peso la posibilidad de elevar las ventas en tiendas físicas, pasando de un 15% a un 1%.

El brillo de Gucci: Ignasi Monreal

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Sat, 24 Mar 2018 17:56:00 +0000

Inspirada en El jardín de las delicias (1490-1500) de El Bosco en el Museo del Prado, Madrid, y en Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434) de Jan van Eyck, The National Gallery, Londres.

Si hay algo que Gucci ha hecho durante el año 2017 es sorprendernos con sus inventivas campañas publicitarias que nos han llevado a una galaxia chic y muy lejana, sin hablar de sus pasarelas, que han tenido como protagonistas el arte renacentista italiano, y de sus increíbles colaboraciones entre las que se cuenta al icónico artista neoyorquino Dapper Dan, quien durante los años 80 se encargó de hacer sus propias versiones pirata de los diseños de Gucci en clave de hip hop.

Inspirada en "Ofelia" de John Everett Millais de la Tate Gallery, London

Ahora, Alessandro Michele y su equipo decidieron presentarnos su campaña Primavera/Verano 2018 de una manera novedosa, pues en vez de utilizar un lookbook fotográfico, las imágenes que nos muestran las piezas de la colección son ilustraciones digitales hechas por el artista español Ignasi Monreal, quien viene trabajando con la marca desde que lanzaron su iniciativa de memes algunos meses atrás.

Para su nueva campaña Primavera/Verano 2018, “Gucci Hallucination”, la marca ha viajado a través del tiempo y ha desarrollado un proyecto que mezcla referencias antiguas con otras más actuales, incluyendo además productos de la marca. Un resultado, cuanto menos, altamente sorprendente.

Asimismo, el artista barcelonés también ha creado dos impresionantes murales en Nueva York y en Milán para la firma y está pendiente que se lleve a cabo otro en Hong Kong este mes. El que luce en la ciudad italiana es una de las pinturas desarrolladas para la campaña, que está inspirada en El Jardín de las Delicias de El Bosco y en el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa de Jan Van Eyck.
En cuanto al mural de Nueva York, está situado en el SoHo y muestra dos retratos de estilo neoclásico del siglo XVIII con gafas de la marca

Crear y analizar las tendencias.Las agencias de estilo

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Sat, 24 Feb 2018 21:53:00 +0000

Los fracasos comerciales se interpretan como la consecuencia del desconocimiento de las tendencias.
Es por eso que esto por lo que el sector de la consultoría sobre tendencias es actualmente un sector floreciente.

Desde su creación por la agencia Mafia , la consultoría sobre tendencias se ha convertido en una actividad económica con derecho. la mayoría de estas agencias han conservado un rastro de su oficio de origen : aconsejar a quienes se encuentran al principio de la cadena de moda, a los hiladores y fabricantes de tejidos. Por ese motivo se ocupan en primer lugar de los colores, a continuación de los materiales y finalmente de las formas. Su trabajo se organiza alrededor de equipos creativos compuesto por directores artísticos y estilistas, acompañados con semiólogos, sociólogos o histroriadores de la moda. La actividad principal de estas agencias es la venta de " cuadernos de tendencias". Estos cuadernos se presentan en forma de lujosas guías creativas que mezclan gamas de colores, bocetos, muestras de tejidos, textos y conceptos. En ellos se pueden encontrar sugerencias de gama, propuestas de estilos. Por ejemplo, puede tratarse el tema de la seducción entendido de dos maneras distintas intimista o show off.
Tradicionalmente, las oficinas de estilo proveían de guías de anticipación creativa a sus clientes.éstos últimos, principalmente del campo de la moda textil y de los complementos, hallan consejos prácticos sobre lo que va ocurrir dos años más tarde.Sin embargo, esta periodicidad principal ha evolucinado, proponiendo actualizaciones. De este modo, junto a un periodo largo, se proponen lapsos de tiempo más cortos, de tres a seis meses, dando consejos oportunistas sobre la temporada en curso. Por supuesto, los dos enfoques difieren. Anticipar la tendencias a dos años supone un trabajo creativo verdadero, la definición, en el seno de estas agencias-consultoras, de planes de colección articulados alrededor de temas, destinados a una amplia gama de clientes potenciales, desde la gran distribución hasta las pequeñas marcas que desean reforzar su equipo de creativos. Por el contrario, las anticipaciones de tres a seis meses se limitan,casi siempre, a fotos tomadas en lugares de moda, dando una idea del espíritu del momento, a un la lectura atenta de la prensa de moda y de sus páginas de celebridades.

Colección de Calvin Klein inspirada en Wharhol en verno 2018

Prever las tendencias no se basa en ningún método analítico. Cada agencia posee sus recetas de fabricación, pero, más allá de esas singularidades, hallamos en estos casos distintos un mismo enfoque. En primer lugar, se crea u marco de palabras clave que definen la época. Dicho marco comprende términos tan amplios como "rebelión", "feminidad"," ecología". Los creadores de conceptos de los cuadernos de tendencias actúan como radares. Sacan su inspiración de los creadores de moda, pero también e otros ámbitos relacionados, entre los que se encuentra, en primer lugar, el arte contemporáneo. Tomemos como ejemplo, las colecciones de Calvin Klein y Versace inspirdas en Andy Wharhol Prestan una atención especial a los ámbitos de la vanguardia que se suponen revelan la tendencia del futuro. Finalmente, se organizan numerosas jornadas de compras por todo el mundo que permiten encontrar ideas en ámbitos que son únicamente los sectores textiles.

Los cuadernos de tendencias, muy alejados del discurso de ciertos gurús de la moda, ofrecen a los profesionales del sector indicaciones precisas que les permitirán construir su colección.
¿ Anticipan de forma permanente las tendencias? En determinados casos, lo consiguen debido al carácter autocumplido de previsiones. Al ofrecer una fuente de inspiración común a numeroso creativos, los escasos nombres que cuentan en el sector contribuyen a dar forma a las tendencias.
¿ Consiguen adivinar las tendencias del futuro? La multitud de propuestas que formulan y el gran numero de soluciones elegidas impide hacer un test. Sin duda, en su obligación de aportar a cada temporada nuevas tendencias , sin duda animan a la innovación.

El gran hermano de las tendencias

¿ Quién puede escrutar de froma permanente el planeta de la moda?¿ Quién puede localizar, durante las venticuatro horas del día, el nuevo escaparate realizado en Miláno hacer una compra en Bombay?.Loq ue ningún consultor de estilo er capaz de hacer, lo reivindica ahora WGSN. Bajo estas siglas está una sociedad denominada Worth Global Style Network fundada por Julian y Marc Worth, que se ha convertido en primer sitio en materia de tendencia, dejando a sus competidores- por ejemplo, Stylesight- muy detrás de él.
Este panorama continuo de las tendencias es posible, en primer lugar, por la acción realizada por las oficinas presentes en todos los continentes. WGSN da cuenta de los principales acontecimientos de moda- salones , desfiles - ofrecidos de forma inmediata. El servicio propone un análisis de tendencias emergentes, sobre todo alimentado por un estudio continuo de los ambientes más punteros o, también, de los nuevos creadores. La ambición de este servicio al que están abonadas las principales sociedades de moda es proponer al mundo entero un análisis de las tendencias a corto plazo, entre tres y seis meses; esas tendencias en las que se basa la actualización.
Los efectos que este servicio pueden tener pueden ser dos . En primer lugar, el papel de incitación a la innovación que desempeñan actualmente los cuadernos de tendencias acabará por aparecer anticuado ante este servicio que examina de forma continua las tendencias de la moda. Además, los pesimistas temen que, a partir de ese momento, que ya posee cierta tendencia al narcisismo, se contentará con mirarse vivir a través de este circuito de vigilancia previsto especialmente para él.

Crear y analizar las tendencias.Las agencias de estilo

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Sat, 24 Feb 2018 21:53:00 +0000

Desde su creación por la agencia Mafia , la consultoría sobre tendencias s e ha convertido en una actividad económica con derecho. la mayoría de estas agencias han conservado un ratero de su oficio de origen :aconsejar quienes se encuentran al principio de la cadena de moda, a los hiladores y fabricantes de tejidos. Por ese motivo se ocupan en primer lugar de los colores, a continuación de los materiales y finalmente de las formas. Su trabajo se organiza alrededor de equipos creativos compuesto por directores artísticos y estilistas, acompañados con semiólogos, sociólogos o histroriadores de la moda. La actividad principal de estas agencias es la venta de " cuadernos de tendencias". Estos cuadernos se presentan en forma de lujosas guías creativas que mezclan gamas de colores, bocetos, muestras de tejidos, textos y conceptos. En ellos se pueden encontrar sugerencias de gama, propuestas de estilos. Por ejemplo, puede tratarse el tema de la seducción entendido de dos maneras distintas intimista o show off.
Tradicionalmente, las oficinas de estilo proveían de guías de anticipación creativa a sus clientes.éstos últimos, principalmente del campo de la moda textil y de los complementos, hallan consejos prácticos sobre lo que va ocurrir dos años más tarde.Sin embargo, esta periodicidad principal ha evolucinado, proponiendo actualizaciones. De este modo, junto a un periodo largo, se proponen lapsos de tiempo más cortos, de tres a seis meses, dando consejos oportunistas sobre la temporada en curso. Por supuesto, los dos enfoques difieren. Anticipar la tendencias a dos años supone un trabajo creativo verdadero, la definición, en el seno de estas agencias-consultoras, de planes de colección articulados alrededor de temas, destinados a una amplia gama de clientes potenciales, desde la gran distribución hasta las pequeñas marcas que desean reforzar su equipo de creativos. Por el contrario, las anticipaciones de tres a seis meses se limitan,casi siempre, a fotos tomadas en lugares de moda, dando una idea del espíritu del momento, a un la lectura atenta de la prensa de moda y de sus páginas de celebridades.

Colección de Calvin Klein inspirada en Wharhol en verno 2018

La moda española sigue creando trabajo

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Tue, 13 Feb 2018 09:30:00 +0000

Bolsos Soliloquy

El paro en la moda española arranca 2018 manteniendo su senda bajista. El número de demandantes de empleo en el sector se redujo un 10,5% el pasado enero. El descenso estuvo en línea con el de diciembre, cuando el paro cayó un 10,3%. Todas las industrias vinculadas a la moda en España disminuyeron su tasa de desempleo y el textil lideró la bajada con un retroceso del 13,2%.

En enero, el número total de parados en la industria española de la moda se situó en 51.152 personas, según datos publicados por el Servicio Público de Empleo Estatal (Sepe), adscrito al Ministerio de Empleo y Seguridad Social. El primer mes de 2018 se saldó con 5.971 desempleados menos que el mismo mes del año anterior.

El paro en la moda española cayó en enero a un ritmo mayor que el desempleo en el conjunto de la economía española. El país cerró el mes pasado con 3,47 millones de parados, un 7,5% menos que un año atrás. El descenso fue el más bajo registrado de los últimos doce meses, y pone de manifiesto la paulatina desaceleración de la creación de empleo en el sector.

Dentro de la industria de la moda, el textil fue el subsector que anotó una mayor reducción en su número de demandantes de empleo el pasado enero, que cayó un 13,2%, hasta 17.244 personas. Un año atrás, el sector sumaba unos 2.600 parados más.

Le siguió la industria del cuero y del calzado, que cerró el mes pasado con 15.839 desempleados, un 9,6% menos. El tercer lugar lo ocupó la confección, que marcó un descenso interanual del 8,5%, hasta 18.069 personas.

En los primeros nueve meses de 2017, los demandantes de empleo en la moda española se han reducido a doble dígito mes a mes. En enero, la cifra de parados en el sector cayó un 10,7% respecto al mismo mes del año anterior, hasta 57.123 personas. Las caídas continuaron en febrero y marzo, con retrocesos del 10,6% y 10,8%, respectivamente.

El sector textil lideró la caída del paro en enero de 2018, con un descenso del 13,2%

En abril, el número de parados en la industria española de la moda española experimentó una bajada del 10%, mientras que mayo registró el mayor descenso del desempleo del año pasado, que fue del 11%, hasta 55.851 personas. En los meses de junio, julio y agosto, el número de demandantes de empleo siguió cayendo a tasas situadas entre el 10,1% y 10,9%.

El desempleo en la moda española continuó reduciéndose en octubre, aunque el ritmo de caída perdió el doble dígito. El retroceso del paro en noviembre fue del 9,8%, hasta 52.975 personas.

El empleo en moda anota su mayor subida desde agosto de 2016
En enero, el textil, la confección y el calzado en España contaban con una media de 143.047 afiliados a la Seguridad Social, un 1,9% más que en el año anterior. El dato supuso la mayor subida del empleo registrada desde agosto de 2016.

A cierre del primer mes de 2018, el sector textil sumaba 46.399 trabajadores, un 3,2% más. La confección, por su parte, elevó un 1,9% su número de empleados, hasta 50.083 personas. En último lugar, la industria del cuero y del calzado aumentó su fuerza laboral un 0,7%, hasta 46.565 afiliados.

Despolitización progresiva de los movimientos de moda

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Tue, 30 Jan 2018 17:12:00 +0000

Sex Pistols " No future"

La victoria de las tendencias se evidencia por la despolitización progresiva de los movimientos de moda. Nacido en los años 6o, el movimiento hippie es indisoluble de una representación utópica de la existencia. El movimiento se caracteriza por el amor libre, uso de drogas, pero es también portador de un mensaje político y es el origen de un movimiento comunitario. ¿ Cómo distinguir , dentro del fenómeno hippie, lo que depende de la simple tendencia y lo que participa en el rechazo a la guerra de Vietnam?. Este fenómeno de moda culmina a final de la década de los sesenta para luego apagarse a mediados de los setenta. los punks que suceden a los hippies abandonan cualquier tipo de esperanza colectiva. Explícitamente nihilista "No future", e l movimiento punk se propaga sin promesa ni esperanza. Al contrario de las comunidades hippies, los punks pregonan un individualismo exacerbado; la década de los años sesenta amaba los bailes en pareja o los corros colectivos, los punks inventaban el "pogo" en el que el individuo baila contra la muchedumbre. Después de la ola punk, las modas dejarán de ser movimientos sociales para convertirse en fenómenos recreativos, a menudo indisociables de su dimensión comercial.

SEX. , tienda de Vianne Westwood and Malcom Mclaren

El fenómeno punk posee, por lo tanto, promotores directamente interesados en el éxito del movimiento,Por ejemplo, es el caso de Malcom Mc Laren, no es ni estilista ni director artístico. Representa el arquetipo dele emprendedor de moda, sin él, el movimiento punk hubiera sido distinto.
Su historia resulta eficiente: con su compañera, la estilista Viviane Westwod, Malcom Mac Laren crea en Londres, en King´s Road , una tienda que al principio se llamó Let it rock. El lugar vendía moda de los años 50 con un lema:" Fabricar prendas realizadas con materiales muy pobres para venderlas a gente muy rica". Sin embargo, el rock no vendía lo suficiente y Mc Laren decidió rebautizar la tienda con el nombre de Sex. Como su nombre indica, la boutique tenía una oferta digna de las mejores sex-shops. Pero McLaren no quería limitarse únicamente a la ropa; se convirtió también en el manager de un grupo denominado los Sex Pistols. Para compensar el presupuesto modesto para la promoción del grupo, Mac Laren eligió el camino más corto para llegar del anonimato a la primera página de los periódicos: el escándalo. Para conseguir sus fines, Mac Laren hizo que el grupo cantara en la BBC un "God save the Queen" revisado por el mismo y que empezaba así: " Dios salve a la reina y a su régimen fascista que nos convierte en imbéciles. Adornó a sus criaturas con cruces gamadas y , para no escatimar, con insignias marxistas leninistas.


Vivianne Westwood, diseñadora y musa del punk

En octubre de 1960, Liberation dedicó su primera página al movimiento punk; el movimiento crea una tendencia masiva, algo desconocido desde la corriente hippie, defendiendo una posición exactamente contraria. Los babas preconizaban el amor, el punk promovía la violencia, los primeros se lanzaban a solos de guitarras interminables, los otros tocaban canciones cortas, muy rápidas; el pelo corto, teñido, o las crestas sucedieron a los pelos largos y naturales.Además el movimiento punk no fue recuperado, sino que fue lanzado desde el principio como un producto. Como cantó más tarde Johnny Rotten, antiguo vocalista delos Sex Pistols:

"No es una canción de amor,
feliz si poseo,
desgraciado si no poseo
El gran negocio es muy taimado
yo también quiero ganar dinero".

Exposición sobre el punk Chaos and Couture en el MET de Nueva York

Las modas pierden paulatinamente su significado ideológico: se convierten en industria. Este viraje decisivo refleja la situación descrita por el sociólogo Jean Duvignaud en la encuesta dedicada a los jóvenes que realizó en 1974-1975:" Todos los jóvenes encuestados, salvo dos o tres de los ideólogosescoge la opción de que al sociedad pueda ser destruida o sencillamente no pueda conservarse"escibió. Duvignaud explica que esta resignación conduce a los jóvenes a encerrarse en nichos" bailes, locales, drogas , apartamentos más acogedores, oficios individuales". La generación soñaba con un modo de revolución, pero acabó contentándose sólo con la moda. Después del punk, todas las modas sucesivas se limitarán a proponer una nueva estética, una nueva música y atuendos propios sin acompañarlos con algún tipo de discurso político. Del new age al gótico, pasando por el disco, las moda jóvenes se han ido sucediendo, pero ya sin rastro de mensaje político, dejando el terreno a la moda pura. Esta sucesión rápida de las modas ha provocado un interés constante por las tendencias. Periodistas, consultores y cazatendencias se empeñan en exponer las causas de esas pasiones pasajeras. La mayoría explica las modas como algo sujeto a un hipotético espíritu de la época; y al hacerlo recurren, casi siempre sin saberlo, a una concepción esencialista de las tendencias.

Adidas, Zara, Asos se han comprometido a prácticas más sostenibles para 2020

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Fri, 19 Jan 2018 09:25:00 +0000

Sesenta y cuatro empresas de moda como Zara, Asos, el conglomerado de lujo Kering y Target se han comprometido a promulgar prácticas más sostenibles en sus empresas para 2020. Como parte del esfuerzo de Global Fashion Alliance centrado en la sostenibilidad y la producción circular, cada empresa presentó objetivos individuales para "diseño sostenible, recolección de prendas de vestir, reutilización y el uso de textiles reciclados para 2020" según Women's Wear Daily.Cada objetivo se dejó a la empresa, pero el GFA hizo recomendaciones. La compañía deberá informar anualmente sobre su progreso y GFA publicará un "informe de progreso" en mayo.El nivel de participación varía. Adidas se comprometió a aumentar su colección de prendas usadas en ciudades clave (casualmente, este es el objetivo más común entre las 64 marcas). Asos dijo que, además de un sistema de recolección, su equipo de diseño sería entrenado en diseño circular, y los materiales no reciclables serían erradicados. Kering, propietaria de Gucci, Balenciaga y Stella McCartney, se está enfocando en la tecnología. En una declaración a WWD, la marca dijo que identificaría "las tecnologías de reciclaje de materias primas más prometedoras antes y después del consumo para el lujo y comenzará a escalarlas en la cadena de suministro". Las metas creadas por sí mismas (e informadas) pueden no ser ideal, pero en una industria que es notoriamente derrochadora, es un comienzo.

"El bolso adecuado lidera lel negocio de cada temporada" dice Pietro Beccari, nuevo CEO de Christian Dior

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Wed, 17 Jan 2018 08:46:00 +0000

Lady Dior Bag 2018

Pietro Beccari, de 50 años, toma asiento en una de las sillas de lujo más prestigiosas: es el nuevo director ejecutivo de Christian Dior Couture. Anteriormente nombrado en Fendi (desde 2012), reemplaza a Sidney Toledano, que había estado a cargo durante 20 años. Al unirse a Christian Dior, Beccari es plenamente consciente de lo que una marca de moda de lujo puede y debe hacer para garantizar su éxito y expansión. Él declaró claramente que durante una entrevista, informó sobre The Next 20, el número especial de diciembre publicado por el periódico en línea italiano MF Fashion. Ha elogiado a fondo los accesorios y, sobre todo, los artículos de cuero: "En la actualidad, los accesorios son tan estratégicos como siempre. En particular, los bolsos son de suma importancia en términos de volúmenes de venta, negocio de la tienda y rentabilidad para las 15 principales casas de moda del mercado. Hoy en día, más que nunca, el escenario ha cambiado ". Por un lado, las curtiembres italianas pueden confiar, sin duda, en bolsos, que nutren su esperanza; por otro lado, el lujo sabe que los bolsos son una certeza fundamental para el negocio. Beccari agrega: "An It Bag realmente puede impulsar y cambiar positivamente una temporada, gracias a Internet: las tendencias se anuncian mejor en varios canales, y la creatividad se mueve hacia la innovación. Los Millennials siguen anhelando artículos de lujo. Como nuestro objetivo es mejorar y potenciar nuestra marca, debemos ganar cuotas de mercado entre los It Bags que actualmente están en la cima ". En cuanto al calzado, señala: "Los zapatos llevan a los clientes al mundo del lujo a través de su precio, que es más asequible en promedio. Los zapatos adecuados les permiten a los consumidores marcar su área de juegos, mostrándose a sí mismos como seguidores de la moda. En términos generales, la tendencia actual es el calzado informal y práctico, cerca del estilo urban.


Pietro Beccari CEO de Christian Dior.

La moda no cambia tanto como nos parece

noreply@blogger.com (Ana Sal) — Tue, 16 Jan 2018 16:18:00 +0000

La moda no cambia tanto como nos parece. Hay una gran parte de la industria que nos vende esa idea de cambio constante, que es una de las claves para que se mantengan la industria, pero a menudo esa oscilaciones son sólo cambios de colores, looks, formas,estilo... nos son cambios profundos.

Los modos de producción , las nuevas técnicas, materiales,, maquinaria y sobre todo, estrategias de venta y difusión. Internet está siendo fundamental para generar dinámicas nuevas de propagación de modas, globalizando tendencias y abriendo nuevos canales de venta, ofreciendo la posibilidad de sumar al discurso nuevas voces, etc. ésto último es interesante y esperanzador, pero aún su impacto
es muy pequeño frente al poder avasallador de la publicidad, de los grande grupos de la industria textil.
Las posiblidades que abre internet son infinitas. Navegando por la red podemos conocer cómo se visten en países tan dispares como Nigeria o Australia, en que se fijan los cazadores de tendencias para confeccionar nuestra propia ropa, ver un documental de un diseñador de vanguardia, entrar en los talleres de las grandes marcas, ver los desfiles de las Semanas de la Moda de Milán, Londres, Paris, Nueva York o conocer en profundidad las reivindicaciones de quienes desuncían los abusos, injusticias laborales sobre los que se sostiene buena parte del sistema de la moda. Y aún más dar un paso adelante y formar parte de este diálogo abierto sobre quienes somos y cómo nos vestimos para expresarlo.

El futuro de la moda

En lo que respecta a las tendencias se suele dar la teoría del péndulo, es decir, oscilamos entre extremos, a una etapa de ropa minimalista le sucede un deseo de algo más barroco, a unos años en los que la ropa busca marcar las diferencias en el cuerpo masculino y femenino le sigue una etapa en que se tratan de suavizar ointercambiarse.Ésto seguirá sucediendo.

Todo apunta a que serán los nuevos materiales y los avances científicos en distintos campos los que transformarán nuestra ropa en las próximas décadas. La aplicación de la nanotecnología a la elaboración de fibras que es una realidad. También la utilización de elementos luminiscentes , inteligencia artificial. Todo esto unido a la necesidad apremiante de un consumo más sostenible y ético, debería marcar el futuro de la moda y nuestra relación con ella.

Ana Sal