de John Boorman
(GB- 2015 -1h55 )
Avec Callum Turner, Caleb Landry Jones, David Thewlis

‘’Alors que Hope and Glory était une fiction autobiographique relatant l’enfance d’un alter-égo de John Boorman au cours de la seconde guerre mondiale, Queen and Country revient sur les souvenirs que le réalisateur britannique garde de la décennie suivante, et en particulier de son service militaire à l’époque de la guerre de Corée. Ancré dans une Angleterre marquée par l’effritement de son empire coloniale, le scénario réussit à mettre en avant, avec beaucoup d’humour, le décalage contre-productif entre la jeunesse et le pouvoir hiérarchique des institutions militaires du pays, tout en construisant une sous-intrigue, sans nul doute très romancée, relatant son premier amour. La question de la limite entre la liberté de pensée que défend le personnage principal et l’esprit de rébellion et d’irrespect incarné par son meilleur ami mais aussi, dans une moindre mesure, par sa sœur, est au centre de ce récit empli de mélancolie et dans lequel Boorman n’hésite pas à nous rappeler comment son amour inconditionnel pour le cinéma l’a fait inéluctablement passer de l’état de cinéphile à celui de cinéaste, et ce sans jamais sombrer dans le nombrilisme.’’
‘’Avec ce long-métrage, qui souhaitons-le, ne sera pas le dernier, John Boorman offre une suite logique au magnifique Hope and Glory. La photographie de Seamus Deasy, aux tons volontairement pastel, plonge le spectateur dans cette époque pas si éloignée et qui pourtant semble lointaine, presque irréelle. La réalisation d’une grande finesse enchaîne les situations cocasses avec d’autres beaucoup plus intimistes, un rien mélancoliques. Des aventures personnelles qui prennent ici un intérêt tout particulier par la fidélité évidente que le réalisateur accorde ses souvenirs. Servi par un casting parfait, du premier au dernier des seconds rôles, Queen and Country narre avec brio une tranche de vie que l’on sent d’une grande sincérité.’’

‘’Un film superbe et vigoureux dans ce lyrisme impertinent de ce cinéma britannique que l’on n’avait plus l’habitude de voir.’’ (le monde)

‘’ Avec une liberté de ton et une invention formelle constante, Boorman (…) signe une oeuvre qui, derrière sa cocasserie et son refus de l’esprit de sérieux, dessine un subtil autoportrait du cinéaste en jeune homme. Un délice.’’ (Positif)
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‘Ecrit et mis en scène par le réalisateur argentin Damian Szifron, ce film à sketches déploie une férocité et un humour noir réjouissants qui font du bien au moral en ces temps de morosité ambiante.’ (Direct Matin)

‘Méchant, décapant, hilarant : ce film à sketches est une réussite totale, grâce à un scénario original, cathartique et jouissif, une tension qui ne retombe jamais, des personnages en lâcher-prise.’( Le Journal du Dimanche)

‘Damián Szifron se distingue par son sens aigu du tempo, la précision de son découpage, son habile utilisation de la bande sonore. Surtout, il possède cette capacité à emmener une situation toujours plus loin, à faire durer et renouveler son potentiel comique….’(Positif)

Vulnérables face à une réalité qui soudain change et devient imprévisible, les héros des Nouveaux sauvages franchissent l’étroite frontière qui sépare la civilisation de la barbarie. Une trahison amour, le retour d’un passé refoulé, la violence enfermée dans un détail quotidien, sont autant de prétextes qui les entraînent dans un vertige où ils perdent les pédales et éprouve l’indéniable plaisir du pétage de plomb!

Avec David Gulpilil, Peter Djigirr,Luke Ford….
Charlie est un ancien guerrier aborigène. Alors que le gouvernement amplifie son emprise sur le mode de vie traditionnel de sa communauté, Charlie se joue et déjoue des policiers sur son chemin. Perdu entre deux cultures, il décide de retourner vivre dans le bush à la manière des anciens. Mais Charlie prendra un autre chemin, celui de sa propre rédemption.

‘le cinéma australien offre rarement le point de vue des vrais habitants, les aborigènes (en tout cas, qui arrive sur nos écrans), alors j’avais très envie de voir ce film. je n’ai pas été déçu. Charlie est un personnage d’une grande simplicité, mais en même temps haut en couleur. si l’histoire en elle-même n’est pas très palpitante, elle permet d’avoir un aperçu des conditions de vie des aborigènes, entre allocations de l’Etat et parcage dans des réserves (comme les Etats-Unis avec les indiens), le tout menant à un alcoolisme et une surveillance généralisés de ces personnes considérées comme des étrangers dans leur propre pays, et traités comme des citoyens de troisième zone. le tableau n’est pas réjouissant, mais il est heureusement égaillé par une image lumineuse, une touche humour, et aussi une certaine poésie. ‘(César D)

‘Ce film tout en sobriété, qui témoigne avec force, mais sans effets, de ce qu’endurent encore les peuples autochtones, se fait toujours plus poignant à mesure qu’il avance. Il laisse une trace profonde et silencieuse.’ La Croix

(USA- 2014- 2h05 )

Avec Jessica Chastain, Oscar Isaacs,Albert Brooks,

Alessandro Nivola….

New York – 1981. L’année la plus violente qu’ait connu la ville. Le destin d’un immigré qui tente de se faire une place dans le business du pétrole. Son ambition se heurte à la corruption, la violence galopante et à la dépravation de l’époque qui menacent de détruire tout ce que lui et sa famille ont construit.

‘Après « Margin Call » et « All Is Lost », J. C. Chandor poursuit sa réflexion sur l’Amérique. Il confirme son grand talent avec cette plongée stylée dans le New-York des années 1980…’ (Tele7 jours)

 ‘JC Chandor, cinéaste majeur en seulement trois films aussi différents que tenaces dans leurs obsessions, signe l’allégorie magistrale d’un rêve américain devenu cauchemar doublée d’une parabole sur les ravages du capitalisme (…).’  TF1 News

‘Depuis « Mean Streets » de Scorsese et « The Yards » de James Gray, on n’a rien vu de tel. C’est du Série noire king size, soufflant et génial. ‘Le Nouvel Observateur

 ‘Oscar Isaac et Jessica Chastain sont remarquables dans ce western urbain à ne manquer sous aucun prétexte.’( 20 Minutes)

(USA-2014- 2h45)

avec Ellar Coltrane,Patricia Arquette,Ethan Hawke…

Ours d’argent Berlin 2013- meilleur film Golden Globes 2015- meilleur film BAFTAS 2015

Chaque année, durant 12 ans, le réalisateur Richard Linklater a réuni les mêmes comédiens pour un film unique sur la famille et le temps qui passe. On y suit le jeune Mason de l’âge de six ans jusqu’ à sa majorité, vivant avec sa sœur et sa mère, séparée de son père. Les déménagements, les amis, les rentrées des classes, les premiers émois, les petits riens et les grandes décisions qui rythment sa jeunesse et le préparent à devenir adulte…

‘Rarement il est donné au cinéma d’éprouver le temps d’aussi belle manière. Ce mélange diffus de vitalité et de mélancolie fait de « Boyhood » un miracle.’ Le Monde

‘Une approche artistique inédite, pour un véritable petit bijou de film.’ (Tele7 jours)

‘Un long fleuve tranquille de quidams, de lieux quotidiens, de sentiments comme tout un chacun en éprouve tous les jours. « Boyhood » regarde au fond l’âme des sepctateurs du monde entier.’ (positif)

‘Boyhood ce n’est pas seulement un projet un peu fou qui s’étale sur douze ans. L’intérêt est ailleurs. Boyhood c’est la chronique d’une vie, d’un morceau de vie, d’une enfance, d’un envol, du temps qui passe, de ces opportunités qu’on ne saisit pas, de cette incapacité à ralentir la vie, de cette force qu’on a au fond de nous, de ces vies qui ne sont que ce que nous en faisons : on ne sait jamais le moment, l’instant, et c’est le moment qui, parfois, rarement, daigne nous saisir. Boyhood c’est la vie , la vie qui passe.  Boyhood ce n’est pas un artifice d’émotions, c’est une mayonnaise qu’on prend le temps de se mélanger, lentement, avec maestria mais sans se presser, sans chercher l’artifice, sans chercher à épater.C’est une émotion qui  frappe violemment après 2h40, secoue et nous  regarde pleurer alors qu’on est  mis KO par un gamin de 19 ans. J’ai pleuré, pleuré de ce vide que laissent parfois les vies qui disparaissent, pleuré de ce vide de moments à jamais passés et qui ont disparu. Garder les mêmes personnages tout du long participe à la cohésion du projet. Et c’est impossible de ne pas dire un mot des acteurs, hallucinants de justesse, de naturel. Du très grand art à tous les étages.’ (J Henry)

19 mars : ‘Queen and Country ‘ (2014) de John Boorman

à 18h

‘’L’impossible Mr Bébé’’

de Howard Hawks

(USA- 1938- 1h42min, version restaurée)

Avec Cary Grant , Katherine Hepburn….

L’Impossible Monsieur Bébé  fait partie de ces curiosités de l’histoire du cinéma : aujourd’hui révéré comme l’une des plus importantes screwball comedy d’Hollywood. David Huxley, timide paléontologue à la recherche de financements pour son musée rencontre une héritière déjantée, Susan Vance, une miss catastrophe  qui se prend d’amour pour lui et cherche par tous les moyens à le garder auprès d’elle : un léopard apprivoisé appelé Bébé servira d’appât, puis un chien amateur d’os de brontosaure refermera le piège sur un homme déjà conquis (bien qu’il ne le sache pas encore). « Comment autant de choses peuvent-ils arriver à la même personne ? », s’exclame David Huxley. De fait, L’Impossible Monsieur Bébé prend dès les premières minutes un rythme effréné que le film ne perdra plus jusqu’au générique de fin : de duel de répliques en courses poursuites, la comédie s’emballe à un tempo qui relève de la virtuosité scénaristique.  Une petite merveille de comédie absurde !

‘’Le bonheur existe ! Il est en noir et blanc et dure cent deux minutes, durant lesquelles Katharine Hepburn, impériale, sublime, jongle avec des olives, vole les vêtements de Cary Grant afin qu’il reste plus longtemps auprès d’elle et essaie d’apprivoiser un léopard (…) Un sommet de la comédie américaine de la fin des années 1930 et une brillantissime mise en scène de Howard Hawks. Indispensable.’’ (les echos)

Puis entre les deux films

 Un Cocktail célébration !

Suivit à 20h30

de

‘’Miracle au Village’’

de Preston Sturges

(USA- 1944-1h38-  version restaurée)

Avec Betty Hutton, Eddie Bracken……..

‘Un des très grands films de Preston Sturges, au script incroyablement osé et provocateur mais si vicieusement peaufiné et cadré que de la censure n’y trouva rien à redire !

 (Swashbuckler Films)

 ‘Complètement loufoque et déjanté, ce film de Preston Sturges a la capacité étonnante de faire bondir le spectateur de son siège quasiment à chaque scène. Une jeune femme, sa sœur et son père policier : voilà le point de départ d’une intrigue complètement rocambolesque, absurde et surtout hilarante. Le père est un abruti qui se ridiculise à chaque occasion, et qui défend à sa fille d’aller au bal des soldats. Bien entendu, la fille en question arrive après un méchant subterfuge à passer la nuit à faire la fête… jusqu’aux noces, improvisées et vite oubliées dans la furie du moment, et une bonne dose d’alcool faisant perdre l’esprit et la mémoire. Mais tout s’enclenche dès cette soirée : mariée sans même savoir à qui, enceinte (c’est là le plus important), et devant rapidement trouver une solution et une justification pour son père. L’affaire atteindra même un écho national et international, mettant en fureur Hitler et Mussolini, bouleversant le monde politique, et tout cela avec un habile scénario complètement fantasque de Preston Sturges. On retrouve le côté burlesque des films de Sturges : le père qui tombe par terre dès qu’il veut corriger sa fille, le fiancé qui bondit et chavire à la moindre nouvelle surprenante (il faut avouer que dans ce film, le moindre événement est sensationnel au plus haut point). Le spectateur est peut-être le plus secoué dans l’affaire, et sûrement après avoir perdu le fil de la cohérence, c’est en suivant le rythme endiablé que le mot « fin » apparaît à l’écran.’ (Ricordo)

 (USA- 2014- 1h47 min)

 Avec   Miles Teller, J.K.Simmons, Paul Reiser….

Andrew, 19 ans, rêve de devenir l’un des meilleurs batteurs de jazz de sa génération. Mais la concurrence est rude au conservatoire de Manhattan où il s’entraîne avec acharnement. Il a pour objectif d’intégrer le fleuron des orchestres dirigé par Terence Fletcher, professeur féroce et intraitable. Lorsque celui-ci le repère enfin, Andrew se lance, sous sa direction, dans la quête de l’excellence…

‘’On sort de la projection, deuxième long métrage de Damien Chazelle, au bord des larmes, bouleversé par le jeu des acteurs, encore subjugué par la puissance narrative du film pour quelques heures. Au Shaffer Conservatory de Manhattan, le jeune Andrew Neiman (Miles Teller), batteur de jazz est remarqué par Terence Fletcher (J. K. Simmons), un chef d’orchestre à la fois génial et tyrannique qui l’intègre à son Big Band. Whiplash est un hommage vibrant à Buddy Rich, incroyable batteur de Charlie Parker, dont les solos légendaires ont inspiré les compositeurs de la bande original. Le cœur de Whiplash, c’est la musique jazz. On ressent dans chaque plan, un amour véritable de cette musique de la part de Damien Chazelle. Les cordes, les cuivres, les vents, chaque famille d’instruments est sublimée lorsque le groupe se met à jouer. Terence Fletcher est un enseignant intransigeant, poussant les élèves au-delà de leur limite, et parfois dans les cordes.. Whiplash est une plongée haletante dans la vie d’un manipulateur, persuadé de pouvoir jouer à Dieu, de créer le génie à partir de rien. Personnage ambigu, il nous fascine et nous fait peur dans le même temps. Comme le jeune Andrew, on reste longtemps sous son emprise, renforcée par la musique qui devient hypnotique. Lorsque, pour l’enseignant, la vengeance prend le pas sur l’amour de la musique, il est alors temps pour le jeune prodige de reprendre le contrôle de la situation et de donner à son art tout ce qui lui reste, du sang, des tripes, de la sueur, du génie ! Peu importe que Fletcher ait eu raison ou tort. Comme l’a dit Flaubert : « La morale de l’art consiste dans sa beauté même, et j’estime par-dessus tout d’abord le style, et ensuite le vrai.’’ (Remy J)

‘’L’un des meilleurs films de l’année. Le film évite le manichéisme simpliste, les deux personnages principaux sont bien travaillés : c’est emporté et avec plaisir que l’on suit ce duel haletant et au rythme maîtrisé entre deux passionnés. La réalisation est exemplaire, on est vraiment au plus près de chaque scène et c’est presque physiquement que l’on ressent la moindre note. Le reste du film n’est pas en reste et tous les moments « non musicaux » tombent parfaitement justes. Et bien sûr la musique, magnifique et traitée avec succès, le dernier personnage du trio qui fait de ce film un plaisir non seulement pour les yeux mais aussi pour les oreilles. Indispensable pour les fans de musique ; indispensable pour les autres aussi ! ‘’(Lucasarts)

de Abderrahmed Sissako

avec Ibrahim Ahmed dit Pino, Toulou Kiki,Abel Jafri…..

Non loin de Timbuktu tombée sous le joug des extrémistes religieux, Kidane  mène une vie simple et paisible dans les dunes, entouré de sa femme Satima, sa fille Toya et de Issan, son petit berger âgé de 12 ans.En ville, les habitants subissent, impuissants, le régime de terreur des djihadistes qui ont pris en otage leur foi. Fini la musique et les rires, les cigarettes et même le football… Les femmes sont devenues des ombres qui tentent de résister avec dignité. Des tribunaux improvisés rendent chaque jour leurs sentences absurdes et tragiques.
Kidane et les siens semblent un temps épargnés par le chaos de Timbuktu. Mais leur destin bascule le jour où Kidane tue accidentellement Amadou le pêcheur qui s’en est pris à GPS, sa vache préférée.Il doit alors faire face aux nouvelles lois de ces occupants venus d’ailleurs…

 ‘’(…) Sans jamais renier sa condamnation de l’extrémisme, Abderrahmane Sissako dialogue par le cinéma – avec la même fermeté mais aussi la même dignité que le sage imam de la mosquée de Tombouctou – avec ceux qui exercent leur terrible répression. Sa dérision tragicomique n’est pas manque de respect mais lucide état des choses. Il s’engage et nous engage pour une vision humaniste forcément plus complexe que les raccourcis médiatiques. Timbuktu, le chagrin des oiseaux, ce film au si beau titre, est à la fois hommage aux souffrances et aux morts et célébration de la résistance des vivants. Seul un cinéaste de grand talent pouvait réussir ce pari de leur rendre un visage dans une telle cohérence et avec une telle sensibilité.’’

‘‘’Cette oeuvre (…) provoquera sans nul doute émoi et indignation chez le spectateur qui se doit, autant par citoyenneté que par cinéphilie, de découvrir ce formidable message d’alerte.’’ aVoir-aLire.com

’Difficile de ne pas se laisser happer par la beauté formelle de « Timbuktu ». Difficile de ne pas être saisi par l’esprit de résistance des personnages féminins, tous terriblement attachants. Difficile, en somme, d’oublier « Timbuktu ».( Positif)

(GB/2014 -2h30min)

Avec Timothy Spall, Paul Jesson, Dorothy Atkinson….

PRIX de L’INTERPRETATION MASCULINE CANNES 2014

« Mr Turner » au cinéma s’impose bien vite comme une évidence. Filmé par Dick Pope, la vie de Turner s’avère une formidable occasion pour animer les tableaux du maître, renouer avec cette lumière extraordinaire, très chaude, décrite par le peintre comme le fondement du monde : si cette lumière de Pope est émouvante, c’est aussi parce que le film, en tant que projection, est effectivement un monde animé par la lumière. Joué par Timothy Spall, la vie de Turner s’avère une formidable occasion pour l’acteur de livrer une composition incroyable de borborygmes, raclements de gorge, éructations et gestes bourrus bourrés de tics. Raconté par Mike Leigh, la vie de Turner s’avère constituer une œuvre très significative sur les vicissitudes de la vie d’un artiste : trop excentrique pour ses pairs, le génie de Turner n’était pas reconnu et il était vu et considéré comme un grossier personnage à moitié fou. La mise en scène est admirable car elle ne force rien, elle fait adhérer le spectateur par lui-même au regard que le cinéaste portait sur les situations qu’il lui montre. L’on devine présent le regard du cinéaste qu’a posteriori – puisqu’on pense d’abord que c’est le nôtre. Cette mise en scène repose sur l’intelligence du spectateur, et un principe fondamental : l’empathie pour les personnages. Tout est magnifique dans le film, la photographie, l’interprétation, les décors, les costumes, les cadrages, mais c’est ça qui fait de « Mr. Turner » un chef-d’œuvre.