O workshop de papel e arte é um encontro que vem sendo realizado desde 2009 para trocar experiências, conhecimentos e divulgar a prática de usar a impressão para a produção de uma imagem de alta qualidade, como uma obra de arte.

As palestras do IIF darão um norte para quem quer ou já trabalha na área. Durante o workshop os participantes aprenderão a identificar qual a melhor papel para certa imagem, por exemplo. “O papel deve ser escolhido de acordo com o resultado que se deseja. Se quiser uma imagem com detalhes em preto, por exemplo, é preciso tomar cuidado para que não saia apenas um borrão na imagem”, afirma o diretor do IIF, Danilo Russo. Na palestra sobre conservação, será possível entender como o cuidado com o papel é essencial para que este dure mais tempo. Igual a uma obra que vai para um museu e precisa resistir à ação do tempo e, neste caso, manuseá-la adequadamente interfere nesta conservação.

O projeto foi idealizado pelo IIF em parceria com Carlos Nascimento, que trabalha com os papéis da empresa alemã Hannemuller. “Hoje, com tantas facilidades, é difícil ver as pessoas imprimindo as fotos. Então os antigos papéis artísticos ganharam uma interpretação única e individual, que vai desde a fotografia química a base de prata”, conta Carlos. A intenção do workshop é mais do que mostrar alternativas para a impressão, é levar conhecimento e a possibilidade de transformar o produto em arte.

Ainda não conhece a prática? Pois saiba que ela é considerada um amadurecimento do fotógrafo, já que a arte de fotografar passa das lentes para o papel e todo o processo é minuciosamente planejado até alcançar o objetivo, ou melhor, o produto final.

Além da parceria com Carlos Nascimento, corresponsável pela elaboração deste projeto, o workshop também ocorre por meio das empresas Solução & Imagem, especialista em impressão de imagens, que trabalha com os papeis alemão Hannemuller – cuja empresa apoia a formatação destes workshops em escolas do Brasil. E a Giclée, especialista em captação, digitalização, tratamento, ampliação e reprodução de todo o tipo de imagem.

Quer se inscrever? O curso ocorre em março, clique aqui para saber mais detalhes e inscreva-se.

A fotografia da semana é da Jullia Nogueira, aluna do curso de técnica fotográfica e composição.

Para fazer esta foto e conseguir profundidade, Jullia fez vários testes, para identificar a diferença entre uma maneira e outra de produzir a fotografia. É fácil perceber a ideia de infinito que ela conseguiu capturar. Aqui ela usou a Canon T1i.

A Jullia já fez parte do quadro de funcionários da equipe IIF, e agora é nossa aluna. No intuito de continuar no mercado da fotografia fez o curso de técnica fotográfica e composição com a professora Lila Souza. E aos poucos está entrando para o mundo da fotografia, fazendo alguns frilas em festas de crianças e casamentos.

Gostou? Veja outras fotos na galeria abaixo:

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Texto: Alex Villegas

Uma das grandes polêmicas dos últimos tempos é o prêmio de fotojornalismo conferido a Chip Litherland no concurso Pictures of The Year International. Nenhuma novidade, tampouco razão de polêmica, se não fosse o processo pelo qual a imagem foi obtida: não foi utilizada uma tradicional – mas já? – DSLR, mas um tímido telefone celular. E não apenas isso: a imagem não está com as cores “reais”, mas foi modificada através do aplicativo de tratamento Hipstamatic.

Adulterada, será? Quando se trabalha com tratamento de imagem/manipulação e gerenciamento de cores, aprende-se rapidamente que não há verdade em uma fotografia, qualquer que ela seja. Cores, contrastes, tons – nada daquilo é real, é apenas uma interpretação. No jargão dos retocadores, há uma nítida diferença entre tratamento, interpretação/reinterpretação de cor e manipulação – são três coisas completamente diferentes, mas apesar de tudo, as duas primeiras são frequentemente confundidas pelo público.

Tratamento é o ajuste das características presentes na imagem já construída. Ajuste de contraste, aumento da nitidez, redução de ruído, ajustes menores em tons de pele, luz e sombra. A finalidade aqui é preparar essa imagem para que ela seja reproduzida em diferentes mídias sem perder as características que já possui. Já a interpretação de cor faz parte da construção da imagem. Quando uma câmera digital captura luz, ela precisa codificar essa luz capturada para que isso se torne uma imagem reconhecível, com características definidas – e isso inclui especificar as cores, contraste, ruído e nitidez de acordo com parâmetros especificados nos menus de configuração, seja na própria câmera, seja em um aplicativo como o Lightroom.

Sabendo disso e do fato que toda percepção é relativa – câmeras diferentes registram as coisas de maneira diferente – nós, retocadores e tratadores de imagem, usamos e abusamos da reinterpretação de cor, que é a mudança das cores da imagem. Como se a câmera enxergasse as coisas de maneira diferente. O que já mostra o primeiro dos dilemas, que é: se as cores/tons de uma imagem não são reais de início, alterá-los vai aproximá-los ou distanciá-los da realidade?

Quer ver um exemplo de reinterpretação de cor? Converta uma foto para PB. Olha só que interessante: ao converter uma imagem para PB, estamos usando uma estética extremamente associada ao fotojornalismo, por ter figurado em jornais por décadas – mas também estamos esquecendo que o mundo sempre foi colorido e que o único modo disponível de captura nessas décadas era PB. Capa e Bresson usaram sempre o que estava disponível. A fotografia PB digital é uma reinterpretação de cor e tom, e das mais radicais, visto que hoje em dia a captura digital é colorida.

Isso faria do PB digital uma falcatrua?

De outro lado, há o fotógrafo que trabalha em HDR com o argumento de que nossos olhos vêem algo muito mais próximo do HDR do que da contrastada fotografia tradicional. Para mim, ele está tentando ser mais preciso em sua documentação. Do que eu posso acusá-lo?

Como retocador, não vejo um único pixel acrescido ou manipulado na foto premiada. Não houve manipulação, nenhum elemento foi acrescentado ou removido. O fato é o mesmo. Mas é inegável que senti, naquele visual retrô, naquela interpretação de cores, uma poderosa referência aos anos 60 e 70, e às guerras que ocorreram nessas décadas. Se tem alguma coisa que essa foto me disse, foi “Bom dia, Vietnam!”. E é claro que tudo o que li nessa imagem foi disparado por essa impressão inicial. As cores têm sim uma pesada influência sobre a mensagem que a imagem carrega.

Então, estaria resolvido: o fotojornalismo para ser crível precisa de imagens exatamente como saíram da câmera, apenas com tratamento. Mas esse raciocínio tem um problema. O problema é que tratamento é feito em cima de imagem já construída – o que nos leva ao segundo dilema:

- Quem constrói uma imagem mais próxima do real, a câmera ou o fotógrafo?

Quando abro um arquivo RAW, não há muita coisa definida ali – a representação é bem flexível, porque a imagem ainda não foi completamente construída. Na verdade, nesse instante não tenho muita informação sobre o que tenha sido visto por ali. Preciso da presença do fotógrafo, para que ele me conte o que viu na hora, e para que possamos juntos chegar a algo que represente adequadamente o fato. Mesmo carregada de uma boa dose de subjetividade, sinto que essa construção posterior da imagem pode torná-la mais sólida, mais comunicativa – é o que o fotógrafo viu, não a câmera. Então isso adiciona força visual às imagens, mesmo que não se adicione ou remova um único pixel.

Já na outra circunstância – o registro mais “engessado” pelo sistema de captura, como JPEG ou cromo escaneado – vejo arquivos já construídos, com suas características definidas pela câmera/filme/scanner, restando apenas o tratamento para ser feito. Mesmo assim, sem intervenções externas, a diferença entre as imagens é gritante, porque cada um dos sistemas de captura hoje existentes enxerga cores e tons de formas diferentes. Acredito que vejamos essas diferenças com olhos mais benevolentes porque estamos acostumados a essas interpretações – viraram clássicos, de certa forma: atire a primeira pedra quem nunca disse “eu amo o TriX”, ou “que saudades do Velvia”.

No fim das contas, com DSLR ou celular, RAW ou JPEG, PB ou em cores, tudo o que teremos sempre serão cenas, um pouco incompletas, algo inexatas. Se elas contam ou não a verdade, já é toda uma outra história.

Texto originalmente publicado na revista Photo Magazine, Edição 37.

Alex Villegas 
Alex Villegas é fotógrafo e retocador, com mais de 10 anos de experiência em tratamento de imagens, produção gráfica e design. Atualmente, dedica-se à fotografia, pós-produção e educação fotográfica, ministrando cursos e workshops sobre o assunto desde 2005, por todo o Brasil. 
É autor do livro O Controle da Cor – Gerenciamento de Cores para Fotógrafos, e colunista das revistas Photos e Imagens e Photo Magazine, além de pertencer ao conselho editorial da revista Photoshop Creative Brasil.

A foto da semana é da aluna de capacitação profissional, Joana Feliciano.

Joana atualmente é professora de inglês, mas está apostando todas as fichas em uma nova profissão: ela quer se tornar fotógrafa profissional (e o pessoal do IIF dá todo apoio e comemora). Para chegar lá, ela está investindo pesado em cursos para aprender técnicas e se atualizar com as novidades do mercado de fotografia. “A gente investe bastante para ver as coisas funcionarem e o curso me ajudou a melhorar bastante. Está valendo muito a pena”, disse Joana.
Ela fez a foto durante a saída fotográfica realizada em uma das aulas, com o tema “Havia uma foto no meio do caminho”, sugerido pela professora Lila, ela nada mais fez que reproduzi-lo literalmente e o resultado ficou ótimo. Para registrar o momento, ela usou uma Canon T2i e a lente do kit.

Veja abaixo a galeria com outras fotos!

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Antenado no que está acontecendo de novo no mercado de trabalho, o Instituto Internacional de Fotografia está com a programação focada no desenvolvimento profissional de todos os fotógrafos, seja ele profissional ou amador. Há oportunidades para quem vem de fora, como para quem está em São Paulo capital.

Para os que não moram aqui, os cursos livres são ótimas opções, já que geralmente ocorrem aos fins de semana e são realizados em poucos dias. São realizados em períodos integrais, com aulas teóricas e práticas, apresentações de materiais referentes ao curso. Em alguns também há a saída fotográfica pelos pontos mais interessantes, que varia de acordo com o objetivo das aulas. Entre eles estão: Fotografia de viagem, Intensivo de arquitetura, Fotografia panorâmica, Lightroom 3, entre outros que ainda estão por vir.

E para quem tem a chance de morar por aqui, temos os cursos regulares. Com uma duração mais prolongada e com aulas mais detalhadas é a chance para o fotógrafo intensificar seus conhecimentos, habilidades, inclusive seu portfólio. Confira alguns que já estão na programação: Capacitação profissional, Fotografia digital, Aperfeiçoamento em moda.

O IIF se preocupa com a capacitação dos nossos colegas de profissão, por isso, fazemos de tudo para poder agregar conhecimento profissional sempre! E fiquem atentos nas atualizações do site, pois tem muito mais vindo por aí…

A fotografia de rua é um tipo de fotografia documental que retrata pequenos momentos e situações espontâneas que ocorrem em locais públicos, como ruas, parques, praias, centros comerciais, e que poderiam passar despercebidos se não fosse o olhar artístico do fotógrafo.

Neste workshop, o fotógrafo André Bueno – fotojornalista, documentarista e especialista em fotografia e educação –  trará um final de semana de convivência fotográfica, a partir de relações que se estabelecerão na sala de aula e na rua, propondo a troca de experiências a partir de contextos teóricos e principalmente práticos, partindo da relação a ser estabelecida com personagens, com a rua e com a cidade.

Será dividido em três partes, no primeiro momento, Bueno abordará questões teóricas e trocará vivências com os alunos, através da exposição de seu portfólio, além de relatar suas experiências fotográficas com trabalhos de cunho autoral e profissional.

Na segunda parte, serão realizadas duas saídas fotográficas dentro da cidade de São Paulo, sendo uma para local indicado pelo professor e uma segunda para região a ser definida com o grupo de alunos. Neste momento, além dos alunos vivenciarem na rua as peculiaridades discutidas em sala de aula, da ótica da relação entre o olhar, as vivências e as técnicas aplicadas, os participantes poderão acompanhar Bueno, percebendo como ele busca a fotografia ou esta o encontra durante o ato fotográfico.

No final dos encontros, uma leitura das imagens será realizada, com objetivo de analisá-las quanto aos seus aspectos estéticos, técnicos e conteúdo.

Programação do curso
Teoria
Apresentação de trabalhos profissionais produzido pelo fotógrafo, com imagens publicadas em várias revistas, jornais, portais e agências de noticias. Além da exibição de ensaios autorais com temáticas em torno do tema rua e cidade. Também serão apresentados alguns trabalhos de grandes fotógrafos da história, que tiveram em sua trajetória a rua como foco de seus trabalhos. A apresentação teórica será formulada, pensando em referências que propicie aos participantes, o contato para além do estético, proporcionando-lhes a oportunidade de estabelecer discussões a partir da fotografia sobre: cidade, imagem, técnica, sociedade e convivência.
Serão discutidos temas como:

>Composição Fotográfica;
>Técnicas, escolha de objetivas e equipamentos;
>A Luz da rua;
>Linguagem e Estilo fotográfico;
>Desenvolvimento e planejamento de Ensaio Fotográfico;
>Elaboração de Projetos para Fotografia de Rua;
>Fotografia de Rua e Trabalho Documental;
>Por que publicar ou expor a fotografia de rua;
>Estímulos do Olhar;
>Por que fotografar a rua?
>Temáticas cotidianas em torno do tema rua;
>O Olhar que alcança e que é alcançado;
>O ato de caminhar e o fotográfico;
>Formas de abordagem para fotografia de rua;

Saída Fotográfica
As sugestões para saída fotográfica são Parque da luz, Bom Retiro, Centro de São Paulo, Bairro da Liberdade, Vila Madalena, Distrito do Grajaú, Margens das Represas Billings ou Guarapiranga, Mercado Municipal.

Obs: Outros locais poderão ser escolhidos pelo grupo, dentro de um raio de até 35 km

Pré Requisitos
Poderão participar do workshop fotógrafos iniciantes, amadores ou profissionais que tenham conhecimento básico em fotografia. Os iniciantes deverão conhecer os recursos de seus equipamentos e saber manuseá-los. Necessário câmeras compactas, semi-profissional ou profissional, com objetivas intercambiáveis ou não (o uso do flash não é obrigatório).

Ficha Técnica
Data: 31 de março e 01 de abril

Carga Horária: 16 horas (sendo 8h na rua e 8h em discussão em sala de aula)

 Valor: R$ 750,00

Para maiores informações entre em contato através do e-mail cursos@iif.com.br ou pelo telefone (11)3021-3335

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Texto: Alex Villegas

Mal entendidos fazem parte da evolução fotográfica de qualquer um, mas há coisas que realmente fundem a cabeça não só de gente que está começando, mas até dos fotógrafos mais experientes. Uma delas, definitivamente é a nitidez das nossas imagens. Que atire a primeira pedra aquele que nunca comprou equipamento – quase sempre lentes caríssimas – e ficou frustrado. À medida que vamos trabalhando e guardando nosso suado dinheirinho para investir nas melhores lentes e melhores câmeras possíveis – tudo para tentar ter aquela nitidez que nos impressiona – vamos também nos decepcionando. Normalmente não fica tão bom quanto esperamos. Mas por quê?

Felizmente, muitas de nossas decepções são fáceis de remediar, visto que estamos constantemente subutilizando nosso equipamento. Outras são expectativas furadas mesmo, baseadas numa visão irreal da coisa – nada que os fabricantes não fiquem contentes em alimentar, visto que dá uma bela turbinada no consumo.

Escolhi cinco questões para esclarecer, trazendo soluções quando elas estão disponíveis. Então vamos a elas:

 1 – Minha câmera tem 18 Megapixels. Ela deveria ser mais nítida!
Infelizmente não. A tecnologia de desenvolvimento de sensores está muito à frente da ótica – o que quer dizer que não estamos utilizando todo o potencial desses sensores, porque as lentes não conseguem resolver com precisão detalhes tão pequenos quanto os necessários para atingir tamanha resolução.
Mesmo as lentes de projeto mais novo ainda estão batalhando em busca da nitidez necessária para preservar esses mínimos detalhes – e esse problema afeta mais as câmeras de sensor pequeno (APS-C) do que as câmeras com sensor de 35mm (vulgarmente chamadas de full frame). Quanto maior o sensor, mais alivia para a parte ótica, principalmente quando a resolução é mais baixa.

 2 – Acabei de comprar uma objetiva caríssima e ela não é tudo isso. Peguei um exemplar ruim ou as pessoas supervalorizam essa objetiva?
Pode ser qualquer uma das duas coisas, mas é muito mais provável que seja uma terceira: tanto lentes como câmeras para DSLRs são fabricadas em massa a baixo custo (se não acredita que sua lente é barata, pesquise quanto custa uma lente para câmera de cinema, ou uma Rodenstock HR para grande formato) e são sujeitas a pequenas variações na montagem. Por melhor que seja o projeto ótico, a parte eletrônica e os motores podem introduzir essas diferenças menores, o que cria uma lente que é ligeiramente míope ou hipermetrope. Aprendi bastante sobre isso em um artigo do Roger Cicala, que tem um acervo imenso de lentes para aluguel e mantém o site lensrentals.com.
Segundo ele, câmeras costumam vir com pequenos desalinhamentos que fazem com que elas também se tornem míopes ou hipermetropes – basta uma variação de mícrons na montagem da baioneta para que a distância entre a lente e o sensor se torne fora do padrão.
Os padrões de qualidade são bem rígidos, mas imagine uma câmera que tem um pequeno desalinhamento e foca errado qualquer coisa como -2 unidades. Com uma lente perfeita, mal percebemos o problema; com uma lente que foca errado +2 unidades, a diferença zera, o conjunto fica maravilhoso, e viramos fãs dessa lente para todo o sempre. Com uma lente que foca errado -2 unidades, o desvio do conjunto fica em -4 e aí a coisa desanda – a lente não nos parece tão nítida quanto dizem.
Pensando nisso é que algumas câmeras incorporaram o recurso de microajuste de foco – via menu, podemos ajustar milimetricamente o foco para que o conjunto funcione melhor. A câmera memoriza o ajuste para cada lente, e compensa o foco automaticamente.
Pessoalmente, mudei de corpo de câmera mais por conta da possibilidade de microajuste do que propriamente por resolução ou outros recursos – ganhei nitidez sem precisar investir em novas lentes. Julgue a qualidade da lente apenas após essa útil regulagem, que se faz em alguns minutos.

3 – Troquei de câmera e o foco ficou mais difícil de acertar! Como isso?
Até recentemente, a tecnologia de AF lidava com pontos simples, que podiam ser ativados um a um ou no esquema tudo-ao-mesmo-tempo-agora – este raramente era usado porque privilegiava o que fosse mais fácil de focar. Com um único ponto ativo, é fácil focar e reenquadrar para fazer a foto.
Mas na nova geração de câmeras, a focagem está mais sofisticada – é possível selecionar “clusters”, ou grupos de pontos de focagem e estabelecer seu comportamento. Então, caso queira focar da maneira antiga, é necessário configurar corretamente a câmera – porque ela provavelmente está ajustada para trabalhar da maneira mais automatizada, normalmente focando no ponto mais próximo que tiver algum contraste.
Outra possibilidade é o caso de você ter migrado do APS-C para o 35mm. Saindo de uma Canon 7D para uma Canon 5DMkII, você sentirá uma queda na profundidade de campo, ou seja, terá mais dificuldade para manter tudo em foco. Isso se deve ao fato de que o enquadramento na 5D é muito maior, o que obriga a usar uma lente mais longa (como por exemplo uma 85mm no lugar de uma 50mm) ou se aproximar mais para obter um enquadramento similar. E os dois procedimentos reduzem a profundidade de campo disponível.

4 – Mesmo com minha câmera configuradinha e as melhores lentes, minhas imagens não ficam tão boas quanto as que vejo nas revistas.
Calma lá! O que você está vendo são imagens finalizadas e pósproduzidas, frequentemente com três aplicações distintas de nitidez:
a – Nitidez de entrada, feita de maneira geral na imagem, frequentemente usando o software de conversão de RAW.
b – Nitidez seletiva, feita de maneira localizada, usando alguns conversores de RAW que dispõem do recurso, usando o Photoshop ou plugins especializados como o NIK Sharpener Pro, que podem rodar a partir do Photoshop, Aperture, Lightroom ou mesmo sozinhos.
c – Nitidez de saída, feita de maneira geral na imagem, mas baseada no sistema de impressão e no tamanho final da fotografia. Pode ser feita no Lightroom, Photoshop ou usando plugins.

Uma vez com essas três passagens executadas, a imagem se torna nitidamente superior em termos de definição.

5 – Que outras providências posso tomar para melhorar a nitidez das minhas fotos?
Alguns pequenos procedimentos podem ser usados para ganhar definição:
a – Pessoalmente, gosto de desabilitar a focagem do disparador, usando apenas o botão AF-ON, atrás da câmera, para focar. Explico: com o botão do disparador fazendo ambas as tarefas (focagem e disparo), o foco é recalculado a cada vez que disparamos processo muitas vezes desnecessário. Nas câmeras manuais, foco fica na objetiva e o disparador só dispara, o que permite que alteremos o foco apenas quando necessário.  Focando apenas com o AF-ON, recalculo o foco apenas quando necessário o que me permite clicar à vontade, exatamente como numa câmera manual, mas com a comodidade do autofoco.
b – Fique de olho na relação entre velocidade e distância focal de sua lente: é comum fotografarmos com velocidades baixas inadvertidamente, causando perda de definição por conta do movimento da câmera – mesmo que sejamos mestres de Tai Chi Chuan, o próprio movimento do espelho causa vibração. Um cálculo simples pode ajudar bastante: VS=DF x FC
Onde VS é a velocidade mínima segura, DF é a distância focal e FC é o fator de corte. Com uma Nikon D700, que tem sensor de 35mm, o fator de corte é 1. Então a velocidade mínima para usar uma 50mm com conforto seria 1/50. Já na Canon 7D, que tem sensor APS-C, com fator de corte 1.6, a velocidade mínima para usar a mesma lente seria 1/80, aproximadamente. Com as modernas lentes estabilizadas (IS ou VR), essa velocidade mínima cai um pouco, mas ainda assim não é bom abusar.
c – Se estiver fotografando produto ou tiver um tripé disponível, use a trava de espelho para garantir definição em baixas velocidades. Ao configurar a trava de espelho em uma digital, da primeira vez em que pressionar o disparador o espelho irá subir, mas será necessário pressionar uma segunda vez para fazer a foto – livrando a câmera da tremedeira da subida do espelho. Com um disparador remoto a coisa funciona ainda melhor.

Como podem ver, melhorar e muito a qualidade ótica das suas imagens não custa muito mais do que algum tempo e um pouco de técnica fotográfica. Se há algum segredo por trás das imagens que vemos por aí, é esse – técnica adequada para fazer seu equipamento render o máximo, não importa qual seja ele.

Alex Villegas 
Alex Villegas é fotógrafo e retocador, com mais de 10 anos de experiência em tratamento de imagens, produção gráfica e design. Atualmente, dedica-se à fotografia, pós-produção e educação fotográfica, ministrando cursos e workshops sobre o assunto desde 2005, por todo o Brasil. 
É autor do livro O Controle da Cor – Gerenciamento de Cores para Fotógrafos, e colunista das revistas Photos e Imagens e Photo Magazine, além de pertencer ao conselho editorial da revista Photoshop Creative Brasil.

A Fotografia da Semana é da aluna de Capacitação profissional, Renata Mori.

Renata Mori é diagramadora de fotolivro e decidiu fazer o curso de capacitação profissional para comprender melhor a fotografia. Então, entre as atividades sugeridas em sala de aula, ela teve a ideia de retratar uma cena que já estava a algum tempo em sua mente. “Todos os fins de semana este senhor para na esquina da praça perto de casa e com sua bicicleta equipada de som e com a bíblia em mãos ele prega o sermão para todo mundo ouvir”, conta Renata. Ela apostou no fato de que ali se encontrava uma foto pronta e que talvez possa contar um pouquinho da história daquele local.

O curso não só está ajudando ela aprimorar seu perfil profissional, como também a fez mudar seus objetivos: “com certeza, em um futuro próximo, vou partir para a fotografia. E pode ser que minha especialidade seja fotos sensuais”, conta.

Veja mais fotos na galeria.

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É tempo de começar novos cursos e se especializar no que você mais gosta de fazer: fotografar. E a programação de fevereiro está cheia de novidades que não dá pra perder. Confira:

FOTOGRAFIA DE VIAGEM – 09 a 12 de fevereiro
Como o próprio nome diz, este curso ensina técnicas para produzir fotografias de viagens. Portanto, além das aulas teóricas, os alunos também farão saídas fotográficas com o intuito de produzir um pequeno ensaio. E ainda terão a oportunidade de editar e avaliar o material produzido.

INTENSIVO DE FOTOGRAFIA DE ARQUITETURA – 10 a 12 de fevereiro
Para produzir a fotografia de arquitetura é preciso conciliar diversos aspectos, como a área em si, os estilos de arquitetura, a história local, entre outros. É o conjunto de tudo que está em volta que orienta o fotógrafo. Além disso, é preciso conhecer diversas lentes para obter enquadramentos adequados, dominar a luz – natural, artificial, flash – para obter o melhor registro, seja de uma fachada de um prédio ou de uma sala decorada.

FOTOGRAFIA DIGITAL – 27 de fevereiro a 28 de maio
Este curso é direcionado para qualquer pessoa que goste de fotografia, seja ela como hobby ou como profissão. As aulas são dinâmicas e práticas e trazem uma base consistente para entender os princípios e conceitos da fotografia digital.

Texto: Armando Vernaglia

Quando falamos em fotografia de arquitetura as primeiras aplicações comerciais dessas imagens que vem a nossa mente são revistas da área, como as de decoração e construção. E os próprios arquitetos e seus estúdios podem consumir esse tipo de produção para compor seus portfólios e mais um ou outro uso.

Em uma primeira observação pode parecer que a fotografia de arquitetura é uma área com pequeno campo comercial, mas esta é uma conclusão equivocada. Sendo assim, este artigo visa mostrar um pouco a multiplicidade de campos e aplicações da fotografia de arquitetura. Confira:

Estúdios de arquitetura
A primeira e mais óbvia aplicação reside naqueles que produzem a arquitetura: os arquitetos. Nesta área, um fotógrafo pode ser chamado desde os primeiros passos de uma obra para documentar processos da construção até o registro artístico da obra finalizada em imagens que ilustrarão o portfólio, site e publicidade do estúdio do contratante. Só aqui vemos a necessidade de conhecimentos diversos, pois a documentação da obra tem critérios mais técnicos do que estéticos. Diferente das imagens para portfólio, que têm mais espaço para a criatividade e o senso artístico.

Já as imagens publicitárias têm sempre que levar em conta aspectos comerciais, pois visam vender o trabalho do arquiteto. O que inclui a necessidade de serem belas, mas ao mesmo tempo informativas e também não podem ser abstratas demais. Do contrário, não conseguirão passar nada ao potencial consumidor.

Editoriais
As publicações da área de arquitetura cobrem campos semelhantes àqueles que envolvem os estúdios. Existem revistas mais voltadas à construção e reformas e que têm espaço para documentações mais técnicas e informativas, enquanto outras são voltadas à decoração de ambientes, que trabalham mais a estética e a beleza. Além de algumas voltadas para o lado artístico da arquitetura, que dão espaço limitado para a criatividade e permite que o fotógrafo entre no campo da abstração e do minimalismo.

Publicidade
Todos os anos centenas ou milhares de empreendimentos imobiliários são lançados e em muitos deles a fotografia é utilizada para ilustrar materiais impressos, sites na internet, entre outras formas de divulgações. Neste caso, as imagens sempre são belas e informativas. Isso porque a publicidade não tem muito espaço para o abstrato, de forma geral a imagem entrega o conteúdo sem fazer pensar. Ela é bonita e encantadora, técnica e bem realizada para que os consumidores comprem o que está sendo anunciado. Aqui a fotografia pode dividir espaço com o 3D e a ilustração e outras ferramentas visuais presentes em quase todos os materiais de venda de imóveis.

Institucional
Empresas em geral precisam mostrar sua imagem. Ou seja, lojas querem se mostrar convidativas aos clientes, indústrias mostram seu parque de máquinas para investidores, hotéis transmitem seu aconchego e conforto, entre outros. Há várias possibilidades de uso institucional da fotografia de arquitetura que ajudarão no relacionamento entre empresa e consumidor.

O foco aqui é o de comunicar conceitos mais amplos como a visão, missão e objetivos da empresa. Diferente do que conceito da publicidade de apenas vender.

Turismo
Aqui está outro campo para o fotógrafo desta área e que, muito semelhantemente à publicidade, exige imagens belíssimas e realizadas com grande requinte técnico. Afinal, muitos pontos turísticos são marcos arquitetônicos. O fotógrafo que atua na área de turismo e não compreende isso acaba produzindo imagens jornalísticas e, consequentemente, não consegue espaço no mercado editorial de turismo.

Outro campo relacionado ao turismo é o de documentação de patrimônio arquitetônico para fins de preservação. Esse tipo de material serve desde arquivo para governos, como referência para as equipes de restauração que usam as imagens para avaliar o trabalho a ser feito, como documentar etapas.

Social, retratos, trabalhos autorais e muito mais
Um fotógrafo de casamentos também deve ter conhecimento em fotografia de arquitetura, afinal os eventos em geral estão inseridos dentro de construções.  São igrejas, salões, que foram escolhidos pelos noivos por um conjunto de fatores que incluem a beleza e conforto da arquitetura, além da decoração. Sendo assim, o fotógrafo de eventos deve ser capaz de mostrar o ambiente que circunda e abraça os convidados da festa. É importante saber ver, traduzir e captar a iluminação do local e não destruí-la com o uso excessivo do flash.

Essa lógica se aplica também ao mundo dos retratos, ao fotografar um empresário em seu local de trabalho ou um artista em seu estúdio, a conjugação entre a pessoa e seu entorno se faz necessária. Além da união das técnicas do retrato com a arquitetura, pois de nada adianta uma bela luz sobre a pessoa se entorno ficar desequilibrado, distorcido e mal iluminado.

E veja que nem falamos na arquitetura como fonte para trabalhos autorais, artísticos, que sejam voltados à publicação de livros, realização de exposições, venda de cópias impressas para colecionadores ou para decoração, áreas nas quais as imagens que ilustram este artigo estão inseridas.

Conclusão
Após essa rápida olhada nos campos da fotografia de arquitetura, vemos que todo fotógrafo, entre seus muitos conhecimentos, deve ter noções e técnicas para o correto registro de construções e ambientes. Compreender como cada objetiva registra os espaços, perspectivas e distâncias, ter o conhecimento dos vários tipos de iluminação e sua relação com filtros e white balance, saber mesclar a luz do flash com a luz de ambientes para que uma não destrua a outra, conhecer história da arte e da arquitetura para compreender como os espaços arquitetônicos influenciam e servem de abrigo e moldura para as sociedades atuais e passadas, entre outros fatores técnicos e culturais envolvidos.

Quer conhecer mais dessa área? Venha participar de nosso workshop de Fotografia de Arquitetura no qual todos os tópicos tratados neste artigo serão vistos. Clique aqui e conheça mais sobre o curso e faça sua inscrição!

Conheça também mais sobre o trabalho do fotógrafo e professor do IIF, Armando Vernaglia Junior, visitando o site.

Armando Vernaglia
Fotógrafo e cinegrafista, vive em São Paulo mas atende a clientes em todo o Brasil. Com mais de 15 anos de experiência na fotografia,  especializado em fotografia de produtos e arquitetura, é também professor de fotografia, criatividade e arte, consultor de imagem e palestrante. Possui um banco de imagens próprio com mais de 15.000 imagens que são comercializadas em todo o mundo. Graduado pela Faculdade de Comunicação Social Cásper Líbero em Publicidade e        Propaganda, especializado em Relações Públicas e Comunicação Organizacional, estudou e estuda cinema na Academia Internacional de Cinema. Atualmente trabalha no desenvolvimento e direção de fotografia de dois curta metragens e um documentário.