Il cadavere squisito

MARCEL DUCHAMP E LA SEDUZIONE DELLA COPIA

Sun, 11 Feb 2024 19:13:55 +0100

La Boîte en valise di Marcel Duchamp, alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia.

La libertà di Duchamp di creare un'arte priva di una chiave di lettura immediata o evidente (almeno finché non le si dedichi un bel po’ di tempo), è la stessa di cui parla Thomas Mann nel suo Doctor Faustus: una verità che si finisce di comprendere del tutto a decenni di distanza.

“L'arte è spirito, e lo spirito non deve affatto sentirsi obbligato verso la società, verso la comunità. Non deve farlo, secondo me, per amore della sua libertà, della sua nobiltà. Un'arte che va "verso il popolo”, che fa propri i bisogni della folla […] si immiserisce; e fargliene obbligo magari da parte dello Stato, ammettere soltanto un'arte che l'uomo umile comprenda è la peggior meschinità e la morte dello spirito. lo spirito, ne sono convinto, nelle sue avanzate più temerarie, nelle sue indagini più libere, nei tentativi meno adeguati alla folla può essere sicuro di servire in qualche modo indirettamente all'uomo e, a lungo andare, persino agli uomini".

RON MUECK IN MOSTRA ALLA TRIENNALE DI MILANO

Sun, 11 Feb 2024 19:09:08 +0100

Gli esseri mitologici sono giganteschi o minuscoli. E quando si vedono da vicino fanno paura, come le polene delle barche antiche o i telamoni.
Anche le statue tombali mettono un po’ di agitazione, nonostante siano proporzionate e di dimensioni normali, perché resta il pensiero nascosto che possano animarsi.

L'arte dunque non ci ha ancora abituato al perturbante della scultura organica né alle dimensioni fuori scala, perché con quelle abbiamo sempre difficoltà a rapportarci.

Quella di Ron Mueck è una sintesi di storie, miti, i libri, manga giapponesi e paure Infantili.
Alla mostra della triennale di Milano, non c'è cerbero, il cane a tre teste, ma solo tre grandi cani molto aggressivi, che nel loro essere in gruppo ricordano un unico animale mitologico.
C'è una creatura dei boschi, che trasporta legna, un piccolo feto inchiodato al muro, una gigantessa sdraiata e un magazzino di teschi enormi accatastati.

L'immenso lavoro di Ron Mueck richiede una preparazione minuziosa di intelaiature, di stampi, di colori, di impianti di materiali diversi ad imitare capelli e tessuti, e di rifiniture inimmaginabili, tutte documentate in un bellissimo video che descrive il processo di realizzazione di questi oggetti che imitano la vita.

La numismatica detective. Indagine a Siracusa. Il libro

Sun, 14 Jan 2024 10:08:14 +0100

“Nel trauma della rottura accade che ci si spogli non di ciò che si era, ma di ciò che la società o l'epoca in cui si vive, o i casi della vita, avevano fatto di noi. Il cambiamento comporta spesso la liberazione di forze profonde”.

Avevo appena letto questo brano in un libro di Fernand Braudel su Venezia, e in parte l'ho ritrovato in questo romanzo di Linda Scaffidi. È un racconto sul caso e sulle scelte inverosimili che ci troviamo a compiere. Ma al di là del sussulto e del cambiamento che non avremmo immaginato, c'è il tema del singolo dettaglio che avvia ogni processo. l'input della curiosità, dell'interesse, dell'arte e dell'immaginazione. Un pezzo antico, un oggetto, un frammento che portano alla ricerca delle relazioni tra l'ambiente e le attività umane, e all’ interesse per ciò che passa dalla vita reale alla vita storica, archeologica o museale.
Il punto di partenza di ogni studio, è questo interesse, la curiosità che apre all'immaginazione ancora prima che al rigore della ricerca.
In questo romanzo la ricostruzione immaginaria della vita degli oggetti, e dell'esistenza delle persone che li hanno portati per sé, ci trasmette la sensazione precisa che la storia sia vita e che gli oggetti siano vasi canopi di esistenza e di memoria.

L'architettrice, di Melania Mazzucco - recensione

Wed, 03 Nov 2021 21:44:10 +0100

È un romanzo storico, in forma di autobiografia, che ruota intorno agli oggetti e allo stimolo prezioso che ne deriva.
Si tratta di oggetti chimerici, frammentari, generalmente antichi o fuori contesto, che esercitano un'attrazione per la loro forma, provenienza o per la funzione che hanno perso: un dente di balena, un ciondolo di ossidiana o un palazzo antico distrutto dalle cannonate.

All'attrazione degli oggetti arcani e fuori posto ci hanno abituato le avanguardie storiche del ‘900, da De Chirico a Duchamp. Il reperto archeologico o il prodotto di uso comune acquistano un aspetto e un fascino nuovi.
È lo stesso mistero dell’ object trouvée: sono gli oggetti a conservare i ricordi, e da quelli partiamo per cercare di ricostruire una storia.

Questo romanzo ci parla dei ricordi e dell'arte in generale: di quella contemporanea più ancora di quella antica, barocca, trattata nel romanzo. Perché l'arte di oggi è spesso un sostituto della persona, ed esiste in sua vece. Come gli ottanta chili di caramelle che Felix Gonzalez-Torres, nel 1991, riversa in una sala di museo, in sostituzione del suo compagno appena morto, invitando i passanti ad attingere dal cumulo.

L'arte non tramanda più l'eterno ma una singola esistenza. È la stessa cosa per le bustine di zucchero del progetto Base di Francesco Arena del 2020: una serie di bustine di zucchero il cui contenuto è utilizzato solo per metà dall’artista durante il suo quotidiano consumo di caffè. Il manufatto sostituisce la persona, l'oggetto parla al suo posto.
Il palazzo che ricorda la forma di un vascello è uno degli elementi attorno a cui si sviluppa il romanzo. Anche in questo caso ci troviamo immersi in salti temporali di duecento anni, sempre a ricercare la storia e ad immaginare il passato.

Landscape Incisioni di Norman Ackroyd

Wed, 31 May 2017 20:54:02 +0200

Dal 18 maggio al 24 giugno, Firenze

Cartavetra – Luogo Per Le Arti - Via Maggio 64/r - Firenze

Fino al 24 giugno, Cartavetra – Luogo per le Arti, ospita Landscape, la prima mostra italiana del pittore e incisore inglese Norman Ackroyd. Sono esposte trentacinque acquetinte di paesaggi marini.

Le marine di Ackroyd sono il frutto di un processo di ri-contestualizazione. Il loro principale interlocutore è il paesaggio romantico che, per tradizione, esprime spiritualità e ricerca dell’assoluto attraverso la contemplazione della natura.

Nella pittura romantica di paesaggio la presenza dell’uomo è marginale ed è eventualmente utile per esaltare la solennità della natura. La veduta urbana al contrario è espressione di un contesto puramente umano. La città è un luogo interamente costruito dall’uomo ed è difficilmente concepibile senza i suoi protagonisti. L’assenza della figura umana nelle vedute cittadine tende a conferire all'immagine un aspetto metafisico o surreale e concorre a creare una sensazione di spaesamento.

Nelle marine di Ackroyd la presenza umana è superflua: esse mantengono una relazione con lo spirito romantico ma subiscono una trasformazione. Il loro aspetto proto-fotografico, che le fa somigliare alle prime immagini ottenute con lastre d’argento e vapori di sodio, racconta la condizione dell’arte contemporanea fatta di recuperi di sovrapposizioni di epoche.

Ackroyd eredita l'aspetto contemplativo dal romanticismo, ma esclude dalla propria ricerca la celebrazione dell'artista come personaggio e la volontà di fusione tra arte e vita, che rappresentano il vero lascito del romanticismo.
Ackroyd circoscrive e trasforma la sua eredità romantica attraverso il tratto archeo-tecnologico in cui il positivo e il negativo si mescolano e le immagini sembrano emergere dopo lunghi tempi di esposizione, ma sfugge alla volontà di estetizzazione dell’intera esistenza, per testimoniare che non tutto nella vita può essere considerato arte.

Norman Ackroyd

La mostra Duchamp magnétique

Fri, 19 May 2017 18:10:58 +0200

Pablo Echaurren rilegge Duchamp
9 maggio – 15 ottobre 2017 Venezia S. Marco - Scala Contarini del Bovolo

In mostra a Venezia, fino al 15 ttobre 2017, una serie di opere che sviluppano una rilettura del metodo di lavoro di Duchamp ed entrano nel suo dominio concettuale e linguistico.
Nel suo confronto con Duchamp, Pablo Echaurren ripete la scelta di oscillare tra due posizioni e due significati differenti.

L'interpretazione dell'opera di Duchamp coglie, oltre al motivo fondante dell'ambiguità e dei giochi di parole, anche il tema della ripetizione, che per Duchamp è generalmente letteraria o verbale e per Echaurren gestuale.
La gran parte delle opere di Duchamp compone un doppio significato dato dalle omofonie, dalla riorganizzazione di elementi uguali e dallo scambio di posizioni.

Per Echaurren la ripetizione è invece più legata all'azione, come salire e scendere le scale o riprodurre un'opera duchampiana trasportandola, attraverso una particolare decorazione “all’antica”, in un'epoca più remota.
Ambiguità e ripetizione sono dunque i temi che Echaurren sceglie come elementi distintivi delle sue opere e come indicazione di legame con Duchamp.
La scelta di dare rilievo a gesti semiautomatici, come salire e scendere le scale, è un passaggio necessario all'assimilazione. L'elaborazione attraverso la ripetizione serve a dare corpo alla dimensione mentale e dunque a quella forma di coscienza o di consapevolezza alla quale si arriva attraverso un processo.

La ripetizione genera spesso una parziale sospensione della coscienza. Il semiautomatismo dei gesti o la ripetizione che genera ricordo ( come nella copia decorata con motivi cinquecenteschi dell'orinatoio firmato R. Mutt) costituiscono un esercizio sensoriale. Una forma di mediazione tra il conseguimento di significato nell'azione singola e un processo di apprendimento.
Si tratta in fondo di una ricerca in cui la singolarità è volontariamente dissolta a favore di una modalità differente, più diffusa e priva di personalismi.

L'arte ha smesso di essere lineare ed è diventata contemporanea, non tanto a noi quanto a se stessa: è divenuta un luogo ( principalmente grazie alla tecnologia) dove passato e futuro si azzerano e tutto è unito ed esiste nello stesso tempo.

Fotografia Europea 2017

Mon, 08 May 2017 18:35:53 +0200

Reggio Emilia 5 maggio - 9 luglio 2017

Circuito Off - Le foto di Ermanno Foroni

Ateliers Viaduegobbitre è uno degli spazi più interessanti dei Circuito Off di Fotografia Europea. È un vecchio edificio con appartamenti e cortile interno, in cui ogni scala, stanza o ingresso, nelle giornate di Fotografia Europea è utilizzato come sede espositiva.

Le foto sono ammesse nello spazio fisico: anche quelle di Instagram superano il puro spazio social e rientrano in quello tangibile.
In uno dei vani dell'edificio, tra ringhiere, scale e ballatoi, sono esposte le foto dell'ultimo reportage di Ermanno Foroni, realizzato in Congo a gennaio di quest'anno.

Le foto documentano l'estrazione del coltan, un composto di due minerali (molto prezioso e leggermente radioattivo) largamente utilizzato per la produzione di componenti elettronici e nel campo dell'high-tech. Le immagini illustrano le tragiche condizioni di vita, i rischi per la salute e il lavoro malpagato dei minatori della Repubblica Democratica del Congo.

La povertà, la malattia e l'assenza di diritti sono temi talmente consueti da rischiare di diventare impercettibili e vaghi e spesso l’informazione e la comunicazione risultano inefficaci. La comunicazione trova nella fotografia uno dei suoi strumenti principali e tuttavia non ne esaurisce la portata. La fotografia infatti non è una semplice trasmissione delle conoscenze, Il suo campo d'azione sta a metà tra informazione e cultura; essa consegue significato attraverso il modo in cui è realizzata e contestualizzata.

È la collocazione nel giusto contesto a fare la differenza tra far comprendere e provare.
Sottoporre se stessi a un viaggio difficile e pericoloso per il raggiungimento di una nuova conoscenza, serve per vedere il proprio mondo con altri occhi; trasmettere la propria esperienza è il passo successivo.

Alla mostra ho acquistato la foto di un bambino con tre taniche gialle. Foroni (che accoglieva i visitatori) mi ha raccontato che questo bambino camminava per due ore per arrivare al fiume a riempire i recipienti e poi rientrava portandoli una alla volta, così doveva fare tre viaggi. Non mi sarei soffermata se l'avessi vista su Google senza conoscere la storia. In mostra non ci sono didascalie a descrivere le foto e i loro protagonisti: spero che vengano aggiunte al più presto perché è il racconto a distinguere un'immagine da banca-dati da un'esperienza.
Tutto il meraviglioso racconto del fotografo che descrive e ricorda il suo arresto per aver scattato foto senza i permessi necessari, il sequestro della sua macchina fotografica e il suo rilascio grazie all'intervento del vescovo della Diocesi di Goma, se non aggiunto a corredo delle fotografie rischia di ridurre il loro impatto, perché di informazioni e conoscenza siamo pieni ma l'arte e la fotografia valgono anche come momenti di trasmissione di un'esperienza.

L'arte contemporanea croata in mostra a Roma

Sat, 22 Apr 2017 20:23:59 +0200

KUZMA KOVAČIĆ 11 aprile – 20 maggio 2017 Musei di San Salvatore in Lauro -Piazza di San Salvatore in Lauro 15, Roma.

Ai Musei di San Salvatore in Lauro a Roma è stata allestita una mostra che promuove l'arte contemporanea croata.
Si tratta di una mostra monografica di Kuzma Kovačić, professore ordinario di scultura all’Accademia delle Arti dell’Università di Spalato. Gran parte della sua produzione artistica riflette una profonda unione con la fede cristiana.

Nelle opere realizzate per i luoghi di culto ricorrono i simboli sacri più noti come la forma del pesce, già utilizzata nelle catacombe romane dalla fine dal primo secolo per simboleggiare il Cristo, la croce e altri simboli della cristianità come la stella d'oriente e la stella del mattino. Le opere non destinate ad arredi liturgici presentano invece un aspetto meno ortodosso e di più libera lettura.

Nei vetri blu irregolari, nelle terrecotte, nel legno, si manifestano quelle qualità più astratte che generano nello spettatore esperienze diverse e meno guidate rispetto agli arredi sacri.

Queste sculture meno osservanti, che alternano riflessi d'oro alla trasparenza dell'acqua, veicolano messaggi di rinnovamento e di rinascita.
Il ricorrente colore azzurro delle sculture in vetro e in poliestere, che nell’iconografia cristiana è associato al cielo, all’acqua battesimale e a qualità come la compassione e la devozione, richiama anche in un universo laico, una condizione di equilibrio e di armonia.

Anche i monumenti pubblici celebrano un legame spirituale con la terra d’origine. L’Altare della patria croata (1994) risponde a una ricerca di completezza e di continuità tra individuo e paesaggio

e la torre, da sempre simbolo di prigionia, si trasforma nel Monumento della libertà croata (2002) e diventa emblema di cambiamento. Una nuova creazione fatta di spazio e tempo differenti, in cui l'ordine delle cose possa essere ricostruito e trasformato.

Toulouse Lautrec - La Belle Époque

Tue, 11 Apr 2017 20:43:35 +0200

Dal 1 aprile al 3 settembre 2017
AMO Arena Museo Opera - Palazzo Forti, Verona

Una grande mostra ad AMO-Palazzo Forti celebra il percorso artistico di Toulouse-Lautrec con 170 opere provenienti dall’Herakleidon Museum di Atene.
Come sempre le opere d'arte riproducono la struttura del mondo intorno a loro, rispondono agli eventi storici, alle innovazioni tecnologiche, alle tragedie collettive e alle credenze religiose.

Le affiches di Toulouse Lautrec, che nascono come pubblicità, continuano a trasmettere a più di un secolo di distanza le immagini di una realtà dove le persone sono conosciute per nome, con la loro storia e la loro personalità: sono celebrità del mondo dello spettacolo, cantanti e ballerine che devono la loro permanenza nella storia a Toulouse Lautrec.

Non si tratta di quegli individui generici che troviamo in tanti dipinti, di anonimi gitanti della domenica o ignoti frequentatori di feste di paese, ma di personaggi concreti, vivi e familiari.
Oltre all'aspetto più evidente, di offrire un “quadro” del mondo esterno, queste opere veicolano la personalità del loro creatore, raccontano la sua vita e le sue esperienze.
Tutte le opere di Lautrec, dalle affiches ai disegni ai dipinti, presentano anche un aspetto diaristico: annotano gli eventi più consueti e ricostruiscono nel dettaglio il suo modo di vivere e di pensare.
Ogni artista descrive la realtà esterna attraverso se stesso e se stesso attraverso l'interpretazione della realtà esterna.

Le arti visive reagiscono al mondo, lo raccontano e lo trasformano e allo stesso tempo dicono qualcosa di chi le ha prodotte.
Anche a distanza di molto tempo dalla loro realizzazione esse continuano a reagire, a raccontare e ad interpellare ciascuno dei propri fruitori in base alla diversa sensibilità di ognuno di loro.

SyntaxReflux di Eric Shaw

Wed, 05 Apr 2017 18:23:49 +0200

Privateview Gallery Torino 30 marzo – 29 aprile 2017

SyntaxReflux è la prima personale europea di Eric Shaw - artista statunitense, nato a Brooklyn nel 1983 - che ha inaugurato a Torino, alla Privateview Gallery, il 30 marzo 2017.

Domenico de Chirico, Il curatore della mostra, descrive così il metodo di lavoro di Shaw: "Il punto di partenza è uno schizzo realizzato con i tools di editing dello smartphone che Eric riporta sulla tela dipingendo a mano con l’uso di colori acrilici e vinile"

Per Eric Shaw dunque l’immagine statica è in realtà una sovrapposizione di eventi, un'esperienza formata da una serie di accadimenti stratificati. Shaw attua una procedura di intervento sui contenuti che, attraverso un aggiornamento dinamico continuo, richiama il digitale.

La percezione procede come una costruzione sovrapposta, continua e organizzata.
Eric Shaw fissa le modalità percettive del divenire. Riproduce In forma fisica e visiva i propri processi cognitivi, fatti di sequenze di singoli eventi distaccati, necessari al raggiungimento di una forma di conoscenza e di un processo intellettuale.
Un processo quotidiano con una propria cronologia che si costruisce come un resoconto di eventi e produce una visione retroattiva complessa.
Questa sovrapposizione di vari livelli percettivi produce una nuova dimensione potenziata.

È Parigi di notte quella che si ritrova alla mostra di Palazzo...

Sun, 02 Apr 2017 20:00:28 +0200

È Parigi di notte quella che si ritrova alla mostra di Palazzo Forti a Verona. Un'ambientazione fine ottocento con musica, vecchi lampioni e luci da palcoscenico per raccontare la vita e il lavoro di Toulouse Lautrec.

Link alla recensione della mostra di Toulouse Lautrec.

La mostra di MARKKU PIRI a Firenze

Sun, 26 Mar 2017 18:23:55 +0200

23 Marzo – 4 Giugno 2017 Palazzo Medici Riccardi

MARKKU PIRI è un artista e designer finlandese. Il suo interesse si estende dalla pittura alla progettazione di oggetti di arredo e alla creazione di costumi e scenografie per spettacoli teatrali.

La mostra a Palazzo Medici Riccardi si focalizza sull'arte vetraria e sul disegno tessile e unisce opere in vetro, dipinti e serigrafie.
La coerenza di questi elementi di arredo e la stretta connessione visiva richiamano il concetto di opera d'arte totale; un progetto di interazione di tutte le arti, basato sul superamento delle differenze tra le varie discipline.
L'idea di opera d'arte totale affonda le sue radici nel XIX secolo. E’ un approccio culturale che ha interessato trasversalmente la società durante la prima metà del Novecento (dall'Art Nouveau al Bauhaus) per poi perdere gradualmente rilevanza fino al volgere del secolo e rinnovarsi in questi ultimi decenni attraverso l'idea di interdisciplinarità .

L'opera d'arte totale si concretizza nella fusione di diversi mezzi espressivi e confluisce in una prassi estetica unitaria, che non si compone attraverso la somma delle varie discipline ma attraverso la loro fusione.

La predilezione per l'arte vetraria (con la sua pratica antica) e i temi naturali dei tendaggi e dei dipinti esprimono un doppio legame simbolico con la natura e con la storia.

Una relazione tra identità storica e ambiente fisico che esprimono appartenenza culturale e legame viscerale con la natura. La continuità con l'esterno e la relazione intima con la natura e con le sue trasformazioni denotano un approccio decisamente nordico: acqua, fiori e pietre sono i soggetti prediletti dei tessuti e dei dipinti,
Il rapporto istintivo con la natura si somma a una connessione tra gli uomini, espressa attraverso la cultura e il pensiero.

Le forme arcaiche di alcuni vasi, il colore ametista che ricorda i vetri romani della Pianura Padana, e il metodo antico di fusione del vetro, sono intese come segno di identità di specie.

Utilizzare materiali e immagini per esprimere il proprio rapporto intimo con la natura e con la storia è insieme una presa di coscienza della propria identità, e una volontà di mettersi a confronto con se stessi e con le proprie origini.

L'Espansionismo

Tue, 14 Mar 2017 20:56:59 +0100

In mostra fino al al 19 marzo 2017 al
Complesso del Vittoriano Roma

Sta per concludersi a Roma la mostra dell’Arte dell’Espansionismo.

La finalità della corrente è il raggiungimento di una sintesi intuitiva del funzionamento del tutto. Secondo le parole del suo fondatore si tratta di “una fusione tra sangue e artificialità”.
Un'analisi sensoriale che consenta di intercettare il segreto dell'universo.
Sono esposte 35 opere di Marco Ambrosecchia tra sculture, dipinti e bassorilievi.

Le sculture sono forme dinamiche tridimensionali, con un asse centrale che si sviluppa a spirale verso l'esterno.

L'andamento è rotondeggiante e descrive l'aspetto di una spora o di qualche altro organismo infinitamente piccolo e non visibile a colpo d'occhio. Ognuna di queste strutture richiama un movimento continuo.
La spirale è la forma geometrica più diffusa in natura. E’ la struttura delle galassie, dei cicloni, di alcune conchiglie ed è anche un modello grandemente utilizzato da architetti e scultori per trasmettere l'idea di continuità e di movimento infinito.

La spirale continua compone la struttura del Museo Guggenheim di New York, aperto al pubblico nel 1959, del Monumento alla Terza Internazionale progettato da Vladimir Tatlin del 1919 e della Torre del fuoco, progettata da Johannes Itten, al Bauhaus nel 1921.
La finalità è differente in ognuna di queste strutture:
La torre a traliccio con forma a spirale progettata da Tatlin è stata concepita come strumento di integrazione sociale e culturale.
La spirale della Torre di Itten assume una connotazione mistica, che rispecchia la personale concezione didattica di questo insegnante del Bauhaus. Il suo approccio intendeva liberare le energie creative attraverso un'autodisciplina fatta di tecniche di rilassamento e concentrazione, dieta vegetariana e abbigliamento austero e monacale.
La struttura di Frank Lloyd Wright per il museo di New York supera, attraverso la spirale, i singoli criteri di razionalità ed efficienza e costruisce una relazione anche visiva tra forma e funzione.

Nell'espansionismo esiste la stessa volontà di realizzare un legame tra spirituale, organico e artificiale.
Queste opere piene di colore ricercano una unità di energia, di coscienza e forme di vita inconsapevoli. Ambiscono all'eterno e al legame tra organico e artificiale.
Si tratta però di una visione intuitiva, decorativa e passionale.
L'autore infonde nella sua opera un atteggiamento fideistico che ricerca discepoli più che semplici fruitori.

Ritratto di Donald Trump - Paolo Lucchetta, Donny Red

Fri, 10 Mar 2017 21:54:01 +0100

Raccontare il carattere e le personalità attraverso le espressioni, la postura o la mimica facciale è una delle caratteristiche fondamentali della ritrattistica.
La facoltà dell'artista di guidare l'approccio dell'osservatore è un altro strumento utile per focalizzare l'attenzione su un aspetto o sull’altro.
La scelta del materiale, l'impatto della luce sulla materia, l'equilibrio o l'asimmetria, la scelta della veduta multipla o frontale possono trasmettere un'idea di azione o di staticità, di misticismo, di irrealtà o di realismo, o ancora di estraneità o di oggettività.

La descrizione analitica del vero era già diffusa nella ritrattistica romana, in cui i ritratti privati si distinguevano per una riproduzione fedele che lasciava trasparire gli aspetti più rilevanti del carattere e della personalità, come la portata morale o intellettuale.
La caricatura politica al contrario è sempre stata volontariamente ridicola. Ogni caricatura o immagine satirica stravolge i lineamenti e costituisce generalmente un attacco frontale.

Paolo Lucchetta, Donny Red, scultura in legno massiccio di faggio, laccato in color rosso brillante, 26x28x35 cm

Il rosso ritratto di Trump non è eccessivo né grottesco, è piuttosto fedele. Le rughe profonde tuttavia non sono associate a uno sguardo sereno e riflessivo, come accade generalmente nei ritratti celebrativi.
Le labbra serrate e rivolte all’ingiù si chiudono in una smorfia, gli occhi sono piccoli, ravvicinati e leggermente obliqui, la parte bassa del viso è interessata da un importante cedimento muscolare. Tutte le informazioni sono realistiche ma, nel complesso, vagamente minacciose. L’aspetto torvo non è reso in modo evidente o caricaturale ma si percepisce come un rumore di fondo.
Questo allarmante realismo elude la razionalità e compone una mappa naturale di paura e diffidenza.

Questa scultura di legno di faggio, laccata color rosso brillante, è in vendita alla Galleria Pisacane Arte di Milano.

Ceramica Art Déco. Il gusto di un’epoca.

Wed, 01 Mar 2017 19:00:45 +0100

Dal 18 febbraio al 1 ottobre 2017.

La ceramica Art Déco è il soggetto della mostra appena inaugurata al MIC di Fenza. Sono esposte ceramiche, vetri e arredi preziosi: oggetti nati per essere pregiati e straordinari.

E’ sempre l'aspetto emotivo a legare le persone alle cose.
Gli oggetti antichi suscitano sentimenti nostalgici, a volte anche reazionari e passatisti ma hanno molto fascino e sono motivo di grande suggestione.
Il loro aspetto emotivo o psicologico è più importante di quello estetico, che discende dai primi due.

Il valore estetico segue sempre un percorso e allude a una visione superiore, che cambia in ogni epoca. Negli ultimi due secoli la bellezza è stata ricercata in molti modi differenti: guardando alla tradizione e al lavoro manuale attraverso il pensiero di William Morris o del movimento Arts and Crafts (con tutte le sue derivazioni, dall'Art Nouveau al Déco ) oppure, attraverso l'esperienza del Buahaus, con slancio verso il futuro e propensione per una produzione industriale in grado di costruire un legame tra linguaggio artistico e nuove tecnologie, e unire forma e funzione.

Gli oggetti sono dotati di una propria forza ed esercitano un’attrattiva particolare perché appartengono alla sfera privata e sono strettamente legati alla vita e alla persona che li possiede e li utilizza. Quelli antichi o appartenuti ad altri sono evocativi perché diventano reliquie.
Il legame affettivo si instaura con una minoranza di oggetti, gli altri vengono sostituiti perché sono invecchiati precocemente e smettono di inviare quei segnali di appartenenza per cui erano stati acquistati.
Gli oggetti Déco hanno un valore psicologico, un valore estetico e ovviamente un valore commerciale.

L’Art Déco è lusso, ornamento e prestigio sociale, è la rivolta elitaria e geometrica all'eccessiva diffusione delle linee sinuose del Liberty, coglie qualche aspetto formale della modernità ma non è interessata alle istanze popolari o ai costi bassi ne’ mira all'unità sociale.
È un rifugio per pochi nella bellezza e nella tradizione e rifugge l'anonimato.
Le opere Art Déco sono state concepite per comunicare l'eleganza di una élite fuori dall'ordinario. Sono coinvolgenti nella loro ricerca della pura forma e danno piacere in sé.

Immagini dalla Mostra di Keith Haring - About art - dal...

Sun, 26 Feb 2017 21:00:47 +0100

Immagini dalla Mostra di Keith Haring - About art - dal 21.2.2017 al 18.06.2017 a Palazzo Reale, Milano.

Link alla recensione http://www.ilcadaveresquisito.it/post/157535318726/keith-haring-about-art .

San Sebastiano di Keith Haring e Carl Fisher.Link alla...

Thu, 23 Feb 2017 21:00:37 +0100

San Sebastiano di Keith Haring e Carl Fisher.
Link alla recensione della mostra di Keith Haring a Milano.

Immagini dalla Mostra dei Maya, a Verona fino al 5 marzo 2017.

Wed, 22 Feb 2017 19:00:37 +0100

Immagini dalla Mostra dei Maya, a Verona fino al 5 marzo 2017.

Keith Haring - About Art

Tue, 21 Feb 2017 19:26:00 +0100

Mostra di Keith Haring dal 21.2.2017 al 18.06.2017 a Palazzo Reale, Milano.

Identità personale e identità di clan.
Alla mostra di Palazzo Reale, attraverso la lettura di 110 opere concesse da 65 prestatori, l'estetica di Keith Haring è messa in relazione sia con le forme espressive del suo momento storico che con le icone della tradizione classica.

La lettura di un'arte impulsiva o selvaggia, ascrivibile alla sola cerchia dei graffitisti newyorkesi, prevalentemente sociale e politica, fatta di forme schematiche ripetibili e tesa al superamento dello spazio classico della pittura, si allarga fino a riconoscere una relazione più estesa con la tradizione artistica del passato.

Quello che si nota attraversando le sale è l'aspetto rituale delle opere: cortei o lunghe teorie di uomini in movimento, forme fantastiche, danze collettive e figure antropomorfe con testa di animale.
Sono sistemi simbolici rinnovati e reinterpretati ripresi da diverse culture.
C'è di fatto una comprensione e una interpretazione della propria identità attraverso la storia.

Ogni pittura rituale riflette gli interessi specifici di una persona o, più generalmente, di un gruppo. Haring si muove nella stessa direzione: il tema è trovare un legame tra interno ed esterno, tra singolo e gruppo, tra privato e sociale, tra individuo e religione e naturalmente tra vita e morte.

I suoi simboli grafici costituiscono una forma di scrittura che attinge alla simbologia delle culture tribali e alle radici culturali occidentali. La ripetizione di un simbolo (o di una immagine schematica) è un segno di appartenenza.

Motivi simbolici riconoscibili, mutuati da culture arcaiche, sono ricorrenti: si passa dall‘albero della vita popolato da uomini scimmia, ad antichissimi simboli della fertilità come la grande madre o dea nutrice, fino al serpente che si morde la coda.

Sono simboli molto antichi che parlano di continuità, di rigenerazione, di totalità e di legame con l'universo, concetti sacri a varie religioni, come la forma del serpente che, con la sua muta periodica, indica rinnovamento e rinascita.

Si trovano anche simboli cristiani, con uomini in bilico tra croci e creature mostruose o demoni giallastri che reinterpretano gli affreschi di Luca Signorelli a Orvieto.

Molti temi e molti simboli che compongono una sola e singolare espressione artistica, una forma di comunicazione segreta, non percepibile al primo impatto, che esprime un legame olistico con il mondo.

Interno autobus. Reggio Emilia.Link Il reale e l'autentico...

Tue, 21 Feb 2017 19:00:42 +0100

Interno autobus. Reggio Emilia.

Link Il reale e l'autentico della foto digitale