criatividade

A criatividade tem sido objeto de estudos intensos da parte da Psicologia e da Educação, nos últimos anos. Para a disciplina Educação Artística, nos inúmeros exemplos de modelos apresentados pelos Guias Curriculares (Secretaria da Educação) para orientar os professores, encontramos uma constante preocupação com o desenvolvimento da criatividade. Nas novas propostas de ensino da música, dentro do movimento que resultou à volta do ensino obrigatório desta, também a criatividade tem sido um objetivo ressaltado constantemente.

Num curso de composição musical, certamente a criatividade deve ter um significado ainda mais especial, pois se espera que um compositor tenha um mínimo de capacidade para produzir obras (ou mesmo arranjos) originais. Podemos ensinar criatividade? Vejamos, em primeiro lugar, o que seria criatividade.

Chamamos de criatividade a capacidade que um indivíduo tem para produzir, de fazer uma coisa, uma obra ou de conceber uma atividade e de organizá-la de forma a completá-la, segundo padrões próprios e, geralmente, em harmonia com os padrões estéticos de seu meio.

Podemos ainda, de uma forma sucinta, porém objetiva, definir criatividade como a capacidade que todo indivíduo normal possui, de reformular o conhecimento.

Partindo-se dessa última definição, fica mais fácil entender como tem funcionado as grandes revelações criativas dos mestres da música erudita (bem como de outros). Vamos tomar como exemplo o genial compositor Beethoven.

As 32 sonatas de Beethoven não podem faltar numa biblioteca musical pois apresentam, dentro dessa forma de composição, uma variedade de tratamentos de grande inspiração e inventiva. Entretanto, aquelas que foram compostas dentro da chamada primeira época , (1795 – 1801), ou período da imitação, apresentam forte influência de Mozart e Haydn. O que ocorria, nessa época, era a aquisição do conhecimento (Beethoven aprendendo e, consequentemente, copiando os estilos de seus mestres) que seria reformulado (numa manifestação de criatividade) nos períodos seguintes: segunda época , (transição – 1801 – 1815) e terceira época , (reflexão – 1815 – 1826).

Beethoven, entre outras coisas, ampliou o sentido de Sonata, inovando quanto ao emprego de modulações, dissonâncias e aproveitamento da coda (fazendo desta, uma parte integrante de seu desenvolvimento). Mas, vamos voltar ao tema e refletir como o professor poderia ajudar seu aluno para que ele desenvolva a sua criatividade.

Como a criatividade é uma capacidade inata, portanto não pode ser ensinada, cabe ao professor orientar atividades motivadoras, criando situações propícias à inventiva. A livre expressão seria uma importante ferramenta para levar o aluno a construir, imaginar, conceber e partir para ações de realização. Em música, a improvisação seria uma situação de livre expressão que estimularia a criatividade, mas é preciso cuidado porque, como avisa, com muita propriedade, o educador Koellreutter, é necessário que se diferencie a improvisação do “fazer qualquer coisa”.

O aluno não cria alguma coisa coerente do “nada”. É preciso então se manter o equilíbrio entre o fornecimento do conhecimento (que será transformado) e a manipulação deste de forma organizada, seguindo-se, na medida certa, os padrões estéticos da época (sem castrar a liberdade). O aluno deverá, durante esse processo planejado, aprender também a receber críticas, avaliar sua produção e ter disposição para refazer uma experiência sempre que necessário. Assim ele poderá vir a ser um artista criando obras originais e, ao mesmo tempo, compreensível pela sociedade.

• Metodologia na Concepção de Jogos Digitais
• Interface, Interacção, Ergonomia e Usabilidade
• Narrativa, História e Personagens
• Arte, Estética e Design de Jogos Digitais
• Experiência de Jogo e Entretenimento
• Avaliação de Jogos
• Serious Gamming
• Estudos sobre Jogos
• Estudos Sociais, Culturais e de Comunidades
• Estudos e Modelos de Jogador
• Videojogos e transmedia (Cinema, Banda Desenhada, Artes Visuais, Música, Literatura, Publicidade)
• Modelos de Negócio e Exploração de Videojogos
• Computação em Videojogos (Gráfica, Afectiva, Inteligência Artificial, Móvel, etc.)
• Prototipagem e Desenvolvimento de Videojogos
• Realidade Virtual/Aumentada

Para quem deseja se inscrever uma boa notícia: o prazo de inscrição de trabalhos foi prorrogado pela última vez.

A submissão de full papers, short papers e demos de jogo podem ser enviadas até o dia 31 de julho!

Para mais informações acesse o site oficial do evento: http://www3.ca.ua.pt/videojogos2009/default.html

O evento conta com várias palestras, minicursos e mesas de discussão voltadas para a área de Computação e afins.

Mais informações: http://enecomp.org.br/

COLE

A entrevista foi consedida à Revista Online PontoCom.

Leiam aqui.

ABEM

O 15º Simpósio Paranaense de Educação Musical acontecerá durante o XVIII Congresso da Associação Brasileira de Educação Musical. Associação esta que neste ano de 2009 completa seus 18 anos.

O XVIII Congresso da ABEM é uma promoção da Associação Brasileira de Educação Musical - ABEM; do Governo do Estado do Paraná – Secretaria de Cultura; da Prefeitura Municipal de Londrina – Secretaria de Cultura; da Universidade Estadual de Londrina - UEL; da Universidade Estadual de Maringá - UEM; e da Associação dos Amigos do Festival de Música de Londrina.

O Congresso será em Londrina de 6 a 9 de outubro.

Infelizmente a inscrição de trabalhos já está encerrada.

Mais informações no site: http://www.abemeducacaomusical.org.br

Hipertexto 2009

O III Encontro Nacional sobre Hipertexto acontecerá do dia 29 a 31 de outubro em Belo Horizonte, Minas Gerais.

Estão abertas as inscrições para ouvites e apresentadores de trabalhos estão abertas.

O Hipertexto 2009 oferece aos inscritos a possibilidade de participar de conferências, mesas temáticas, Grupos de Discussão, minicursos e pôsteres, em três dias de programação, divididos entre os campi do CEFET-MG em Belo Horizonte.

As conferências, cinco ao todo, serão apresentadas por pesquisadores convidados de renome internacional e versarão sobre temas importantes para o evento. Estão confirmadas as presenças de Ilana Snyder (Austrália), Maria Augusta Babo (Portugal), Rui Torres (Portugal) e Heloísa Collins (Brasil).

Para mais informações, acesse o site:  http://www.hipertexto2009.com.br/index.html

D. Kabalevsky

Dmitry Kabalevsky, nascido na Rússia em 1904 e falecido em 1987, tornou-se mundialmente conhecido pelas obras musicais que escreveu. Iniciou sua carreira musical como pianista, mas logo seguiu para o Conservatório de Moscou onde estudou composição com Nikolay Myaskovsky. Revelando grande genialidade tornou-se professor de composição no mesmo conservatório. Sua produção inclui muitos oratórios patrióticos, óperas, três concertos para piano, quatro sinfonias, músicas de câmara e peças para piano solo. Muitas de suas obras tornaram-se bastante conhecidas internacionalmente.

O que poucos sabem sobre Kabalevsky é o quanto produziu como pedagogo musical. Dentre seus trabalhos encontramos um grande número de peças para piano dirigidas às crianças considerando-se diversas faixas estarias e estágios de dificuldade. O sucesso dessas obras deve-se não somente aos cuidados de sequência mas, principalmente, porque elas foram escritas procurando respeitar as necessidades e natureza artística das crianças.

São palavras de Kabalevsky: - “não é suficiente ser um compositor para escrever música para crianças. Aquele que se propor escrever para elas deverá ser um compositor, um professor e um educador simultaneamente. O compositor tem a capacidade de produzir boa música; o professor cuidará dos aspectos pedagógicos da mesma enquanto que o educador terá em mente que a música, assim como qualquer arte, deverá ajudar as crianças a se desenvolverem e integrarem-se com o mundo. A música cultiva a sensibilidade estética e a imaginação criativa, tanto quanto o amor pela vida, povo, natureza, pátria e encoraja a amizade com os semelhantes de outras nações.”

Preocupado com a formação musical das crianças e com a forma correta de introduzi-las, ou atraí-las para esta arte, Kabalevsky, escreveu um livro intitulado “Como conversar com crianças sobre música”. A idéia principal desse trabalho é apresentar a arte musical de forma que ela seja entendida pela criança excitando sua curiosidade e despertando sua emoção e amor pela música.

A educação musical, na Rússia, passou por etapas semelhantes às nossas em vários aspectos. Inicialmente ela era obrigatória nas escolas regulares, para as crianças entre 7 e 14 anos, e constava somente de aulas de Canto Coral com algumas noções muito simples de teoria musical. Mais tarde a instrução musical, para essas crianças, foi ampliada com elementos de apreciação musical, noções de práticas instrumentais e algumas informações sobre a vida de alguns compositores considerados importantes.

Apesar dessas mudanças, a música era relegada a um segundo plano (como aqui) e a metodologia adotada não motivava, as crianças, com eficiência. Por essa razão, as sugestões apresentadas na sua obra: “Sobre as Três Baleias e Muitas Outras Coisas”, foram muito bem recebidas pelos professores de Educação Musical. O título pode nos parecer extravagante mas refere-se  a uma antiga lenda que afirmava que a Terra era sustentada por três enormes baleias. Nessa metáfora as três baleias seriam o canto, a dança e a marcha.

O programa de Kabalevsky tinha, claramente, por objetivo, despertar o amor pela música ou, pelo menos, promover uma aproximação consciente, e para conseguir esse resultado, três problemas principais deveriam ser resolvidos:

1. Despertar e desenvolver o interesse das crianças para a música como arte, e consequentemente, para os estudos musicais;
2. Desenvolver sistematicamente uma percepção consciente da música, bem como o senso estético;
3. Desenvolver o ouvido musical.

As “três baleias” permanecem presentes no desenvolvimento de seu programa de ensino pois o canto, a dança e a marcha são universalmente reconhecidos como os três elementos mais significativos da música. Podemos, inclusive, voltar nosso pensamento ao passado recente, da história da pedagogia musical moderna, e considerarmos como tudo iniciou-se e desenvolveu a partir de Jacques Dalcroze.

Outra preocupação importante, manifestada por Kabalevsky, foi a que se refere a falta de criatividade (de inovações reais) da parte dos professores e responsáveis pelo ensino pois ele pôde observar que muitas reformas propostas existiam somente no papel. E, como podiam ser ministradas aulas tão semelhantes para classes que nunca poderiam ser iguais? A conclusão que Kabalevsky tirava era a de que o professor precisa acreditar nas reformas e ele próprio ser reformado, coisa difícil de acontecer com aqueles de forte formação tradicional. Uma mudança de conduta profunda seria necessária, como a de se ter capacidade de modificar um planejamento em função de uma motivação maior presente, em determinados momentos, em outras palavras, ser criativo durante o desempenho, sempre que necessário. Esse fato pode ser facilmente constatado também aqui, no Brasil, e é sem dúvida, um elemento que deve ser considerado seriamente para que mudanças propostas em reuniões pedagógicas produtivas venham a ser realmente realizadas.

Para concluir, podemos afirmar que, assim como vários pedagogos contribuíram com inovações para tornar o ensino musical mais eficiente, Kabalevsky também tem seu lugar, com suas idéias que floresceram principalmente na sua terra natal mas que tem validade universal.

Referências:
- DIMENTMAN, Boris. Kabalevsky: music Educator. In: International Journal of Music Education, number 01, May, 1983.
- _____________. Kabalevsky and music education in The Soviet Union. In: International Music Education. ISME, 1988/XV.
- KABALEVSKY, Dmitry. Music in General School. Austrália (Perth), In: Challenges in Music Education. ISME, 1976.
- _____________. Un compositeur parle de l’éduction musicale. Lausanne, Unesco, 1987.

Bach

Duzentos e cinqüenta anos se passaram e a música de Johann Sebastian Bach, inspirado e genial compositor e organista alemão do período barroco, continua sendo admirada e estudada por entendidos, apreciadores e mesmo por leigos da atualidade. Nascido em 21 de Março de 1685 em Eisenach, faleceu em 28 de Julho de 1750.

Bach descendia de uma família de músicos dentro da qual iniciou sua formação musical. Com seu pai, Johann Ambrosius Bach, aprendeu violino e de seu irmão mais velho, Johann Christoph, recebeu aulas de cravo, aos 10 anos de idade, ocasião em que ficou órfão.

Apesar de seu grande talento, nem sempre encontrou facilidades em sua vida profissional, sendo que, ao concorrer a posição de organista em Sangerhausen (1702) não teve sucesso. Mas o mestre, dotado de extraordinária personalidade, dentre outras qualidades, era perseverante e logo superou o incidente.

Antes de ser conhecido como compositor, Bach foi tido como um organista importante, embora paralelamente ao seu trabalho de músico de câmara e organista, estivesse produzindo obras, principalmente para órgão. Esteve a serviço do duque de Saxe-Weimar, mas em 1717 deixou-o para ir trabalhar para o príncipe Leopold, e foi durante esse período que compôs os seis concertos de Brandenburgo, suítes, sonatas e diversas obras para teclado (órgão, cravo, clavicórdio, etc.), invenções e o Cravo bem temperado (1º Volume), sendo que mais tarde (1744) seria publicado o 2º Volume.

Muito mais poderíamos falar sobre as obras de Bach, já que sua produção abrangeu praticamente todos os gêneros musicais do seu período, com exceção dos gêneros dramáticos da ópera, mas preferimos nos deter um pouco no Cravo bem temperado por ser um trabalho com o qual lidamos mais diretamente e que, ainda hoje, é adotado obrigatoriamente por todos os Conservatórios nacionais e estrangeiros.

Bach adotou prontamente o sistema temperado no qual a diferença de afinação que resultaria na chamada “coma de Pitágoras” é resolvida através da distribuição igual entre os 12 intervalos da escala. O prelúdio e fugas dos dois livros do Cravo bem temperado seguem uma seqüência tonal de do a si, passando cromaticamente por todas as tonalidades maiores e menores. Com esse trabalho Bach demonstrou que com o novo sistema de afinação era possível executar-se uma peça com facilidade em qualquer tom, bem como modular.

Para os alunos de piano, o Cravo bem temperado apresenta-se como um grande desafio, entretanto a maioria logo reconhece a grandiosidade da obra, tanto pelo seu valor técnico e didático como pelo seu valor artístico.

Bach foi o grande mestre da fuga elevando-a ao ápice dessa forma utilizando procedimentos geniais, contrariando as regras de composição, mas demonstrando uma criatividade avançada para a época, onde a importância da fluência e clareza do tema sobrepõe-se a qualquer outra norma. E, nos prelúdios e fugas do Cravo bem temperado, que merecem análises e execuções cuidadosas, encontramos bem desenvolvida essa forma de composição que vai além de meras teorias, resultando em trabalhos polifônicos de beleza ímpar.

Contribuições de Psicologia do Desenvolvimento, dentre outras ciências, orientam o professor quanto às possibilidades individuais e etapas evolutivas do educando, tornando o seu trabalho mais delicado, complexo e com mais responsabilidades. De modo geral é essencial que se encaminhe o educando orientando (nunca impondo) de forma a indicar-lhe os caminhos de expressão, facilitando e motivando. Isso é o que se espera, mas nem sempre acontece.

Renoir e sua visão da música

Apesar de se falar muito em reformas de ensino, novas técnicas pedagógicas, planejamento centrado no aluno, etc. muitas escolas ainda mantêm uma dinâmica tradicional, impondo antigos métodos e vícios sendo um deles o do ensino fragmentado e sem sincronismo entre a teoria e a prática musical. E, como consequência, é comum acontecer que o professor de prática instrumental ou vocal tem em mãos alunos que parecem não estarem apreendendo nada das “disciplinas” complementares, apresentando má leitura, percepção fraca e conhecimento teórico insuficiente.

Para sanar esse problema, seriam necessárias pelo menos duas atitudes:

1. O planejamento curricular deveria ser elaborado levando-se em conta a necessidade do aluno vivenciar a parte teórica (a atividade prática reforçando a teórica e vice-versa) dentro de um cronograma harmonioso e lógico.

2. O professor deveria atualizar-se sempre (investimento em reciclagem é uma necessidade indispensavel da atualidade).

Acreditando nas ótimas possibilidades formativas da Educação Musical, julgamos que todo esforço, para que ela seja ministrada plenamente, vale a pena.

Quais atitudes você acrescentaria para que o ensino da música tivesse um melhor rendimento?