A Fraude custa apenas 2,00 reais e é produzida pelos 12 bolsistas do Programa de Educação Tutorial de Comunicação (Petcom) da UFBA, fomentado pelo Ministério da Educação. A festa terá o show da banda Quarteto de Cinco, as intervenções poéticas e musicais do Coletivo Muito Barulho por Nada e também o som do DJ Ox. Não deixe de dar uma passadinha e adquirir o seu exemplar! Mas aos que não podem ir, ainda resta a alternativa de passar na sala do Petcom, na Faculdade de Comunicação da UFBA, campus Ondina ou conferir os pontos de distribuição através do blog da Fraude.

O que: Lançamento da Revista Fraude 7, com participação da banda Quarteto de Cinco, do Coletivo Muito Barulho por Nada e do DJ Ox

Quando: 27 de novembro, às 19h

Onde: River’s Pub (Rua da Paciência, 123, rio Vermelho)

Entrada gratuita

Mais informações: Blog da Fraude [http://www.revistafraude.blogspot.com]

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“As obras de Fagundes refletem bem as tendências modernas da época, sem se encaixarem no paradigma modernista. Nesse sentido, o seu trabalho remete aos esforços de alguns dos grandes nomes do design de cartazes internacional como A. M. Cassandre, E. McKnight Kauffer e Jean Carlu”. (CARDOSO, 2004, p. 128)

Iniciando uma busca por imagens de seu trabalho, percebi que não seria fácil, por que não se sabe quem é Ary Fagundes, nem no Google (rs). E como encontrar referencias? Foi quando achei o texto de Licia Rubinstein para o 8° P&D e para minha supresa o artigo nasceu da mesma indagação (ou indignação).

Enfim, sempre se fala do design brasileiro e sua herança devido a fundação da ESDI, em 1962, no Rio de Janeiro, e as influencias de Alexandre Wollner e Aloisio Maganhães, mas Ary Fagundes já trabalhava, com seus cartazes inspirados na Art Decó, na decada de 1930, tendo sua obra reconhecimento internacional, sendo matéria para revistas européias da época.

“Ary Fagundes nasceu em 20 de julho de 1910 no Rio de Janeiro, cidade em que viveu até falecer, em 4 de maio de 1992. Formou-se em Arquitetura em 1934, mas desde 1930 já trabalhava como designer gráfico no Ministério da Fazenda, tendo exercido esta função até 1964, quando se aposentou. Entre 1966 e 67 foi Diretor de Arte da Editora Bloch. Em 1973 passou a criar selos para os Correios e mais tarde trabalhou na Casa da Moeda. Durante todo esse período prestou serviços a diversas outras empresas, fazendo rótulos de embalagens, capas de revistas, logomarcas, gráficos estatísticos e muitos cartazes. Recebeu mais de sessenta prêmios por seus trabalhos e participou de diversos concursos públicos para todo tipo de material gráfico, sendo vencedor em muitos deles. Em 1956, ganhou uma viagem aos Estados Unidos, como prêmio pelo primeiro lugar em um concurso de cartaz para o dia das mães. Esta foi sua única viagem ao exterior, mas seus trabalhos participaram de exposições coletivas de cartazes em Veneza, Londres, Madrid, Porto, Barcelona, Roma, Paris, Varsóvia e Brno”. (RUBINSTEIN, 2008)

Mesmo buscando outras fontes de informação (rápidas, concordo) apenas se encontra o seu nome relacionado aos designers brasileiros esquecidos. E uma pena que a falta de referencias sobre esse importante artista e representante do design brasilero tenha sido esquecido desta forma. Mesmo imagens sobre suas obras mais populares, como os selos se perdem por não haver mais uma preocupação com a filatelia, como a alguns anos.

Acima imagens de selo postal (1974) e de uma capa de disco (de vinil, de 1958) com um estilo próprio de seu trabalho e um cartaz (abaixo) sobre o Recenciamento de 1940.

Assim como Ary Fagundes, outros nomes do design brasileiro estão se perdendo por não termos uma memória cultural e artística disseminada. O trabalho de Rafael Cardoso em registrar a história do design em livro é muito importante, mas não podemos esquecer que temos, também,  o compromisso em manter esta história viva. São referencias para que nós possamos entender o que é feito hoje e como podemos interferir de maneira criativa para que a convergência futura de midias possa ser rica nos seus aspectos visuais. E quem sabe a tão falada identidade nacional não começa a ser iniciada, realmente.

Referencias:

Textos:

CARDOSO, Rafael. Uma introdução à história do design. São Paulo: Edgard Blücher, 2004

RUBINSTEIN, Licia. Moderno, mas não modernista: Ary Fagundes e o cartaz como veículo de comunicação de massa. 8° P&D. São Paulo, 2008. Disponível em <http://www.modavestuario.com/96modernomasnaomodrenistaaryfagundeseocartascomoveiculodecomunicacaoemmassa.pdf>.

Google:

Sobre Ary Fagundes: http://www.google.com.br/search?q=capas+ary+fagundes&ie=utf-8&oe=utf-8&aq=t&rls=org.mozilla:en-US:official&client=firefox-a

Capas de discos: http://www.google.com.br/search?ndsp=18&hl=pt-BR&client=firefox-a&rls=org.mozilla:en-US:official&q=%22Ary+Fagundes%22&start=20&sa=N

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Fez sua arte baseado no conceito de que o objeto a ser fotografado devia estar isolado para ganhar força expressiva. Suas fotos são basicamente de estúdio, mesmo quando fazia um trabalho mais antropológico, registrando o vestuário e acessórios de tribos e povos de determinada região, ele sempre carregava um estúdio portátil e fotografava com um fundo infinito.

Inicialmente Penn foi assistente na Harper’s Bazaar por dois anos,  mas foi na Vogue americana que ele despontou,  a partir de 1943, sendo responsável por mais de 150 capas desta revista, ditando o perfil e o estilo da mulher elegante nos Estados Unidos do pós-guerra.

Quatro capas: 1943, 1944, 2004 e 2008

A mais famosa de suas capas é a edição de junho de 1950, uma obra de arte que consagrou a modelo Jean Patchett como símbolo de mulher elegante nos anos 50.

Outra foto muito famosa e com Jean Patchett.

Essas fotos mostram o quanto Irving Penn tinha uma preocupação artística.

Ainda com Patchett, ele fez esse trabalho que eu achei muito bonito: mulher na cama.

Outro símbolo de beleza e sofisticação na década de 40 e 50 que Penn gostava de fotografar era Lisa Fonssagrives, considerada a primeira supermodel. Os dois acabaram se casando em 1950.

Irving Penn foi o segundo marido de Lisa. Eles montaram um estúdio de fotografia em 1953, tiveram um filho e viveram juntos até 1992, quando ela faleceu. Abaixo, mais duas lindas fotos de Lisa por Penn.

O fundo neutro, o contraste e as texturas são qualidades marcantes na fotografia de Penn.

Para ele, qualquer modelo poderia ser fotografado com o mesmo glamour, seja uma top model magra, uma mulher comum ou obesa.

Kate Moss

Christy Turlington

E o que dizer dessa desajeitada e bela Gisele Bündchen?

Apesar  de ter fotografado mais mulheres, ele também tem excelentes retratos de personalidades masculinas.

Minha favorita é a de Barnett Newman.

Marcel Duchamp

Por um tempo ele fotografou, para a Vogue, pessoas roupas e costumes do mundo, fazendo um trabalho de registro antropológico, mas nos mesmos moldes estéticos de suas fotos com supermodelos.

Defensor da idéia de que qualquer objeto poderia ser fotografado, fez essas famosas fotos de natureza morta, com lixo e outras coisas do cotidiano.

Um trabalho de seus trabalhos que eu gosto bastante são essas flores, meio murchas, meio mortas, mas vivas na fotografia de Irving Penn.

E a última que eu deixo é a bela Summer Sleep.

Textos que valem uma leitura: Expresso, Público, The New York Times e um belo texto do Design Observer.

Nesse site russo, dá pra ver a unidade do trabalho dele, não importanto o objeto fotografado.

____________________________________________

ATUALIZAÇÕES

18/10/09 Eu havia procurado a primeira foto de capa que fez para a Vogue, desconfiava de uma, mas  não encontrei uma fonte segura. Agora encontrei no site da SPD esse texto de Greg Pond que confirma minha suspeita. Abaixo, a primeira foto de Irving Penn para a Vogue.

Encontrei também essa pequena, mas boa seleção de trabalhos dele.

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Referencias:
CARDOSO, Ricardo. Design, cultura material e o feticismo dos objetos. Revista Arcos, v. 1, no único, outubro 1998. In: ESPINOLA, Vanessa; COUTINHO-SILVA, Thiago. Arte e design: uma reflexão sobre suas distinções. Anais VIII P&D Design, São Paulo/SP. VIII Congresso brasileiro de pesquisa e desenvolvimento em design. São Paulo: SENAC, 2008.
GASPAROTO, Jayme W. Metodologia Científica. Apostila de aulas. Marilia: UNIVEM, 2006.
MUNARI, Bruno. Artista e designer. Lisboa: 70, c2001.

footnotes

[1] Twitter: ricardocortaz RT @mduart: Acho que design é uma ciência que usa a arte aplicada a seu favor.

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Imagine fazer 24 páginas de quadrinhos em apenas 24 horas. Impossível? Não para o pessoal do 24 Horas de Quadrinhos ou “24 Hour Comics Day”, um evento voltado para a celebração da nona arte. E o melhor de tudo: todos podem participar! Seja profissional ou amador, o importante é se divertir produzindo HQs de qualquer natureza, estilo e temática.

O 24 Horas de Quadrinhos acontece simultaneamente em diversas cidades do mundo e é coordenado pela ComicsPRO, a associação americana de comic shops, que ao final de cada edição reúne os quadrinhos produzidos em um arquivo especial da Cartoon Research Library na Ohio State University, nos EUA.

Em Salvador, o 24 Horas de Quadrinhos irá acontecer pela segunda vez na comic shop RV Cultura e Arte - localizada no Rio Vermelho – nos dias 3 e 4 de Outubro. Para obter mais informações sobre o evento e a programação visite a página oficial – clique aqui.

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Este foi o primeiro longa de animação israelense e teve um orçamento muito baixo, por isso foi todo animado no Flash. O resultado foi uma animação “tosca” mas impactante e coerente com a memória fragmentada da guerra no Líbano, que o filme busca resgatar.

A idéia de fazer o documentário dessa forma surgiu quando David Polonsky trabalhou numa série de TV chamada “The material that love is made of“ com Ari Folman – diretor, roteirista e protagonista de Valsa com Bashir.

Ao buscar informações sobre David Polonsky, percebi que o filme foi um trabalho bem diferente do que ele estava acostumado a fazer, tanto pela temática quanto pelo estilo utilizado, mais próximo de um comics.

Polonsky nasceu na antiga União Soviética,  mudando-se para Israel aos oito anos de idade. É professor universitário em Jerusalém e trabalha como freelancer para jornais e revista, além de fazer ilustrações para livros.

Ele tem um trabalho frequente para o jornal de maior circulação em Israel o Yediot Achronot

Uma ilustração de janeiro de 2009 para o The New York Times

Polonsky já ganhou dois prêmios Israel Museum Ben Yitzhak Awarad pelos livros Heart-Shaped Leaf e Moonless Night, ambos de literatura infantil.

Heart-Shaped Leaf

Moonless Night

Também gostei das ilustrações para o livro The Rhimed Bible

Destaco também L’Elixir D’Amour

Gostei dessa capa do livro His Dark Materials

Em 2009 está sendo lançado Valsa com Bashir em quadrinhos. Polonsky frisa que o impresso é completamente diferente da animação. Ele afirma (nessa entrevista) que o filme toca mais as emoções, enquanto o livro tem um apelo mais racional. Assim, a animação trabalha com o impacto visual e o livro com a informação detalhada e coerente.

Recomendo o filme e uma visita à página do ilustrador.

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Tarde em Quadrinhos, evento produzido pelo Petcom. Leiam abaixo o release. Recomendo:

“Acontece na sexta-feira, dia 25 de setembro, das 14 às 18 horas, uma conferência sobre Quadrinhos, Mangá e Humor Gráfico com Aleco e André Betonnasi. Aleco é formado em Desenho e Plástica (licenciatura) pela Escola de Belas Artes da UFBA, já foi selecionado em diversos salões de humor no país e no exterior e ilustrou vários periódicos como o Jornal Tribuna da Bahia, os jornais laboratórios da Facom-UFBA e da FIB e a Revista Lupa. Já Betonnasi é doutorando em Comunicação e Cultura Contemporânea pela UFBA, membro pesquisador do GRAFO – Grupo de Análise em Fotografia, tem experiência de pesquisa em histórias em quadrinhos, narrativas visuais (fotografia e quadrinhos), texto/imagem, mangá, tipicidade do herói e mito.

As inscrições podem ser feitas através do e-mail tardeemquadrinhos@gmail.com (enviando nome completo, RG e curso) ou presencialmente, no caso de sobra de vagas.

O evento será dividido em dois momentos, um primeiro com Aleco sobre Humor Gráfico, especialmente em periódicos, e um segundo com André Betonnasi sobre Mangá, tema de seu doutoramento. Ao final, haverá ainda espaço para perguntas.

Trata-se, também, de um aperitivo pré-lançamento do número 7 da Revista Fraude, que mais uma vez trará uma história em quadrinhos na editoria Imaginando. Tanto a Fraude quanto o Tarde em Quadrinhos são trazidos a você pelo grupo PET da Faculdade de Comunicação da Universidade Federal da Bahia (PETCOM-UFBA).

O quê: Conferência sobre Quadrinhos e Humor Gráfico

Quando: 25/09 (sexta-feira), das 14 às 18h.

Onde: Auditório da Facom – UFBA”

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Observando o trabalho dele, identifiquei quatro paixões básicas: o corpo humano, o movimento, a água e as cores. O corpo humano é seu objeto favorito, esse corpo se movimenta e Howard gosta de investigar a anatomia desse movimento. Sua forma predileta de executar tal investigação é mergulhando os corpos na água ou inundando eles de luz e líquidos. Por fim, para fixar o resultado de sua pesquisa, busca contrastes de cores, claros e escuros. Essa foi a leitura que fiz desse trabalho fabuloso.

Para iniciar nossa viagem visual, começo com o corpo de per si. Abaixo uma série que se chama Folds.

“Dança é movimento, a fotografia é imóvel. A dança tem profundidade, a fotografia é plana. Na dança frequentemente há música, a fotografia é silenciosa. Então, a fotografia não pode competir com a dança. Ela tem que ter sua própria coreografia, seu próprio meio, sua própria modalidade. (…) Então, eu não fotografo dançarinos dançando. Eu fotografo dançarinos que representam o momento.”  Fonte

Essa série com dançarinos se chama Passion & Line.

E estudando as possibilidades do movimento corporal, ele criou uma tipografia.

Com atletas, ele experimentou novos ângulos.

E o espelhamento.

Conjugando ângulo, dançarinos e cores, saiu a série Knots.

Liquid Light não poderia deixar de ser citado no uso explosivo das cores.

Athlete: as possibilidades do corpo e da luz.

No mesmo espírito, Body Flower.

Recentemente: atletas, o movimento e a luz.

E para finalizar os trabalhos secos: Cirque du Soleil

Até aqui não mostrei seus trabalhos mais poéticos, de corpos mergulhado na água. Começo também com as fotos do Cirque du Soleil.

Das séries aquáticas, esse é um dos meus favoritos.

Mas é muito difícil decidir-se por uma ou outra…

Série From Pool Light

Water Dance

E um trabalho impressionante da representação da Santa Ceia.

Vale ressaltar que ele não usa computação gráfica para compor a imagem, a foto sofre apenas pequenos ajustes no computador. Os modelos precisam mergulhar no mesmo instante que ele, prender a respiração por um bom tempo e se mover debaixo da água. Howard diz que  alguns modelos conseguem prender a respiração por tempo suficiente para ele capturrar 36 poses.

Duas capas, para não terminar sem mostrar o trabalho aplicado: Scientific American e T Magazine.

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E por fim, um ensaio de moda inspirado em Gustav Klimt, que eu amo!

Ainda teriam muitas coisas para mostrar, mas não cabem aqui. Então, visite o site oficial dele, de onde sairam todas essas imagens. Na página dos filmes, aconselho uma espiada nos vídeos da MGM Grand Spa e Barely There.

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6. Uma Bifurcação de Caminhos – Roma e Império Bizantino, séculos V a XIII

Quando a Igreja passou da posição de perseguida à autoridade no Império de Constantino, o modo de tomar a arte religiosa cristã mudou. As primeiras igrejas foram construídas em grandes salões compridos e estreitos chamados de ‘basilicas’.

As igrejas e santuários cristãos não podiam, por restrições da religião, apresentar estátuas e imagens para serem louvadas. Entretanto, no sexto século, o Papepa Gregório empreendeu mudanças neste aspecto, lembrando que a maioria dos cristãos não poderia ler ou escrever. Então, para ‘ensiná-los” sobre a religião, as imagens poderiam ser utilizadas didaticamente.

Gombrich explica que isto foi de imensa importância para a história da arte, porque permitiu que a produção de pinturas avançasse através dos temas religiosos, que se provaram ser centrais durante séculos neste tipo de arte.

O capítulo é fechado com a imagem do mosaico da catedral de Moreale, produzida em torno de 1190 na Sicília, que comprime uma narrativa que, segundo o autor “parecem ser símbolos perfeitos da verdade divina”.

7. Olhando para o oriente – Islã, China, séculox II a XII

Outra vez a religião cumpre o papel principal nos caminhos que a arte toma. A arte islâmica também condenava, de forma mais rígida no início, a representação de seres humanos. Devido a essa restrição, os artistas islâmicos se dedicaram a padrões e formas. Gombrich mostra a Corte de Lions, em Alhambra, na Espanha, como um grande exemplo dessa arte. Também cita, é claro, os tapetes persas que se transformaram em produto de luxo no ocidente até hoje.

Em relação à arte chinesa, Gombrich chama a atenção que davam à sinuosidade das formas, também na escultura. A influência do budismo na arte chinesa toma destaque. A arte religiosa da China, segundo Gombrich, se dedicava mais a ser um apoio às práticas de meditação do que a doutrinar sobre as lendas e mestres, como foi o caso da arte ocidental.

Essa particularidade se refletiu, além dos motivos utilizados, no próprio modo de ensino da arte. Os artistas chineses dessa época aprendiam primeiro a pintar cada tipo de objeto e elemento da natureza a partir das obras dos mestres para, só depois, contemplar a natureza diretamente e criar suas próprias obras a partir daí. Mas nestas pinturas não se buscava a referência exata a paisagens naturais, mas sim  motivos simples da natureza executados com maestria.

8. Arte Ocidental na Caldeira – Europa, séculos VI a XI

Depois da queda do império romano, a “Idade das Trevas” se refere ao período, aproximadamente, dos anos 500 a 1000 no qual os povos da  Europa viveram em migrações e guerras sem “conhecimento” a guiá-los.

A arte européia desse período também se caracterizou pelo conflito. Neste caso, ao invés de uma arte uniforme, esta se caracterizou por grande número de estilos diferentes. Os chamados povos bárbaros do norte da Europa certamente não tomavam a arte como os romanos, mas isso não significou que produziam uma arte inferior. Gombrich escreve sobre a habilidade destes em trabalhar o metal e madeira. Os vikings, por exemplo, produziam esculturas imbricadas de monstros e pássaros com fins mágicos.

Ao contrário da arte contemporânea, a arte deste período não valorizava a originalidade, e sim a precisão em produzir obras sob determinado estilo. Gombrich atenta para este fato e dá como exemplo a igreja construída sob ordens de Carlos Magno em Aachen por votla do ano 803, feita pra ser uma cópia de outra igreja construída 300 anos antes em Ravenna.

“Os ergípcios pintaram o que eles sabiam existir, os Gregos os que eles viam; na Idade Média, o artista aprendeu a expressar o que sentia“. Nesta frase , Gombrich resume o que acredita que foi a maior constribuição deste período. Se, por um lado, a arte é aparentemente menos desenvolvida – infantil, alguns diriam, os elementos das composições buscaram uma expressividade maior, como a representação  de Adão e Eva em bronze nas portas da Catedral de Hildesheim.

9. A Igreja Militante – século XII

Ernst Hans Gombrich começa este capítulo escrevendo sbore a importância da igreja como construção física nas cidades européias do século XII. Na maioria dos casos, era a única construção de pedra. A única construção que poderia ser vista a distância. Para os camponeses e guerreiros recém-convertidos, a grandiosidade das igrejas deveria condizer com a ideia de que seriam basilares da luta contra as trevas, até o fim dos tempos. Parte da técnica desenvolviada na arte romana, entretanto, foi perdida durante a “idade das trevas”. Este período foi, então, campo de diversas experimentações. Um método que Gombrich destaca é o uso de grandes arcos para dar a impressão de gradiosidade, mas com o intervalo entre estes preenchidos de material mais leve.

Neste capítulo é mostrado o Castiçal de Gloucester. O objeto de bronze representa dezenas de criaturas entre demônios, homens e anjos. Entre a base do castiçal e o topo, simbolicamente e, de fato, mais iluminado (pela luz da vela), as ameaçadas das trevas do inferno são representadas através das criaturas e das inscrições. É um ótimo exemplo de como a função e forma foram trabalhados para enfatizar um ao outro.

Ainda neste capítulo, Gombrich continua a escrever sobre os pontos fortes de uma arte que estava buscando modos de expressar sentimentos como o sobrenatural, mas sem objetivar representações supostamente naturais.  A imagem produzida para um calendário conta a história dos martírios de santos ocorridos no mês de outubro em uma intricada obra que usa de elementos geométricos para evidenciar relações e narrar ações.

10. A Igreja Triunfante – século XIII

Durante a primeira metade deste capítulo, Gombrich se debruça sobre arquitetura. Especialmente as transformações técnicas e estéticas que começavam a formar a arquitetura Gótica. Nesta parte, quem não é suficientemente versado em arquitetura, como eu, relembra que o texto deste livro é primoroso e consegue explicar elementos artísticos até a quem não está habituado com os termos.

Algumas páginas são dedicadas a Giotto di Bondone, pintor florentino que viveu, aproximadamente, de 1267 a 1337. Segundo Gombrich, Giotto inaugurou uma nova fase na história da arte, na qual esta passa a ser a “história dos grandes artistas”. No caso de Giotto, por exemplo, a maestria como no uso da ilusão de profundidade na representação Fides (parte do afresco ao lado) e no desenvolvimento de uma gestualidade mais expressiva o fizeram adquirir fama e notoriedade ainda em seu tempo.

+ Leia a primeira parte da resenha de A História da Arte
+ Leia a segunda parte da resenha de A História da Arte
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Em breve, os próximos capítulos.

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Homenagem Póstuma
Já escrevi sobre este blog quando ainda era vivo. Mas agora a coisa é diferente: leiam antes que suma. O grande Barba Uonderias escreveu um post de fechamento do Arte e Vício. Leiam este e todos os outros posts.

Os blogs da casa (ou: jabá)
Cíntia Sá escreve sobre revistas no Revista e Atualizada. Marcel Ayres escreve sobre criação em novas mídias. O Márcio Duarte escreve sobre design em blog pessoal. Eu tenho escrito sobre comunicação digital e mídias sociais.

Blog Day de verdade
Entre as descobertas desde o último dia 31 de agosto, destaco:

criadesignblog – http://www.criadesignblog.com
Don’t Touch My Moleskine – http://donttouchmymoleskine.wordpress.com
Lente Aberta – http://lenteaberta.wordpress.com
Marketing Alternatif – http://www.marketing-alternatif.com
Mark Porter – http://www.markporter.com/notebook
Olha, vê – http://www.olhave.com.br/blog

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