Aos 75 anos Malick ainda trabalha em  seu estúdio na cidade de Bamako, capital da República do Mali, fotografando em preto e branco.  Ele começou a fotografar em 1955 quando foi para a capital estudar artes. Em uma de suas declarações, diz que ficou encantado com a vida e juventude da cidade. Talvez por isso tenha conseguido fazer um registro tão encantador da sociedade malinesa, principalmente nas décadas de 60 e 70. As pessoas vinham de longe para serem fotografadas por Malick. Atualmente ele diz que a juventude não se interessa pela fotografia PB. Seu estúdio foi aberto em 1958, depois dele aprender fotografia com Gérard Guillat-Guignard e começar a fotografar as festas jovens e tornar-se reconhecido como retratista.

O reconhecimento internacional, no entanto, só veio nos anos 90. E somente na última década foi que ele começou a receber diversos prêmios por seu precioso registro da sociedade africana. Em 2008 foi feito um documentário sobre seu trabalho: Dolce vita africana (veja trailer).

Abaixo vemos Malick em seu pequeno estúdio em Bamako.

Atualmente ele também tem sido chamado para fazer editoriais de moda, como o da revista The New York Times (primeiro ensaio acima) e este abaixo, para a revista Cosmopolitan francesa.

O que mais me chama atenção em suas fotografias  é a inventividade na combinação das padronagens, tão criativa que não sentimos falta das cores. E desperta o desejo de criar nosso próprio colorido para elas.

Mais detalhes sobre o ensaio para a  The New York Times aqui. E outras páginas da Cosmopolitan nesse link.

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A revista Tupigrafia se dedica a mostrar a produção nacional do design tipográfico brasileiro e suas manifestações no design gráfico e na cultura em geral.

Também se propõe a trazer para os seus leitores as informações ligadas ao cenário internacional. Outra área de interesse é a produção de arte caligráfica, no Brasil e no exterior.

O design gráfico dá forma ao conteúdo editorial. Nesse sentido, ordena e qualifica obras que mostram a produção cultural de uma nação. Precisamos estabelecer rapidamente um parâmetro para a produção editorial e gráfica brasileira, mostrando e analisando trabalhos de artistas brasileiros. A comparação com a produção internacional também ajuda a formar um juízo crítico. O uso adequado dos recursos tipográficos é indispensável para garantir a expressividade de peças gráficas e levar o leitor à correta identificação e assimilação do conteúdo de uma obra editorial.

O designer, visto aqui como um produtor cultural, não é completo se não desenvolver ou aprofundar o seu conhecimento tipográfico. A computação gráfica capacitou o designer a produzir e interferir no design das páginas impressas com maior liberdade. É necessário garantir a qualidade de sua formação para que esteja capacitado a traduzir visualmente a cultura de nosso país.

Antes da computação gráfica, o bloco de texto estava condicionado e acabava por condicionar o designer-usuário a uma relação mecânica com mínimas possibilidades de interferência. Os designers deixaram de ser meros usuários da tipografia. Passaram a se apropriar livremente desse código. A página digitalizada não mais se apresenta de forma estática, mas como algo vivo, com novos e inúmeros recursos. Esse, portanto, é o novo cenário com as mais diferentes concepções e tendências, evidenciando a força desse mercado e o reconhecimento da tipografia como recurso imprescindível na linguagem gráfica.

O design tipográfico traz um repertório amplo, uma dimensão estética poderosa e expressiva, além de sua função primordial como veículo do conteúdo. Interessa não só àqueles envolvidos com o processo gráfico e editorial mas também ao leitor comum, sensível aos recursos visuais que valorizam e organizam uma página de livro, um cartaz ou uma placa de sinalização.

Revista Tupigrafia http://htxt.it/suHi
Compra aqui http://htxt.it/InUm

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Qual a sensação de sentar nesse sofá Montanara?

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E nessa cadeira Feltri?

Sente-se um rei?

Imagine como se sentiria nesse sofáUp…

Quer se sentir o dono do mundo? Tenha o pôr-do-sol de Nova Iorque na sala.

No meio de tantas possibilidades de materiais e formas para sofás, o que mais me interessou foi o La Michetta.
Na Itália, a michetta é o pão mais simples que existe. Obviamente, nenhuma unidade é igual a outra. Mas é essa simplicidade e diversidade que Gaetano Pesce aplica em seu sistema modular de sofá. Um módulo, nesse caso, não é igual ao outro, enriquecendo as possibilidades compositivas. O sofá é criado pelo consumidor de acordo com o ambiente.

Existem outros trabalhos muito bonitos, como essas cadeiras Broadway

Outros mais inventivos, comoa linha Nobody’s Perfect

E essa poltrona deretalhos, Rag.

O trabalho dele é bem diversificado e cheio de conceitos.
Como arquiteto também tem projetos que valem uma espiada.
Quer saber mais? Visite o site de Gaetano Pesce e se você estiver no Rio de Janeiro, vá até a ESDI amanhã e confira a palestra!

por Cintia de sá

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Seu trabalho é expontâneo, com um estilo próprio, de rua. Mostra uma fusão de imagens e conceitos baseados na realidade e no comportamento social que o cerca. Um exemplo de como aproveitar o caos urbano em detrimento da arte.

Um profissional para servir de espelho para muitos, seus trabalhos vão desde ilustrações genéricas até a customização de produtos, mostrando que a utilização da arte como esforço de marketing é um diferencial.

Ousadia no fazer e talento para expressar conceitos. Esse é o trabalho que Eduardo Bertone aprsenta em seu portfolio (http://www.bertoneeduardo.com). No seu blog (http://www.bertoneeduardo.blogspot.com) e possível ver detalhes sobre seu trabalho, como ilustrações para rótulos de vinho, marailhosas.

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“As obras de Fagundes refletem bem as tendências modernas da época, sem se encaixarem no paradigma modernista. Nesse sentido, o seu trabalho remete aos esforços de alguns dos grandes nomes do design de cartazes internacional como A. M. Cassandre, E. McKnight Kauffer e Jean Carlu”. (CARDOSO, 2004, p. 128)

Iniciando uma busca por imagens de seu trabalho, percebi que não seria fácil, por que não se sabe quem é Ary Fagundes, nem no Google (rs). E como encontrar referencias? Foi quando achei o texto de Licia Rubinstein para o 8° P&D e para minha supresa o artigo nasceu da mesma indagação (ou indignação).

Enfim, sempre se fala do design brasileiro e sua herança devido a fundação da ESDI, em 1962, no Rio de Janeiro, e as influencias de Alexandre Wollner e Aloisio Maganhães, mas Ary Fagundes já trabalhava, com seus cartazes inspirados na Art Decó, na decada de 1930, tendo sua obra reconhecimento internacional, sendo matéria para revistas européias da época.

“Ary Fagundes nasceu em 20 de julho de 1910 no Rio de Janeiro, cidade em que viveu até falecer, em 4 de maio de 1992. Formou-se em Arquitetura em 1934, mas desde 1930 já trabalhava como designer gráfico no Ministério da Fazenda, tendo exercido esta função até 1964, quando se aposentou. Entre 1966 e 67 foi Diretor de Arte da Editora Bloch. Em 1973 passou a criar selos para os Correios e mais tarde trabalhou na Casa da Moeda. Durante todo esse período prestou serviços a diversas outras empresas, fazendo rótulos de embalagens, capas de revistas, logomarcas, gráficos estatísticos e muitos cartazes. Recebeu mais de sessenta prêmios por seus trabalhos e participou de diversos concursos públicos para todo tipo de material gráfico, sendo vencedor em muitos deles. Em 1956, ganhou uma viagem aos Estados Unidos, como prêmio pelo primeiro lugar em um concurso de cartaz para o dia das mães. Esta foi sua única viagem ao exterior, mas seus trabalhos participaram de exposições coletivas de cartazes em Veneza, Londres, Madrid, Porto, Barcelona, Roma, Paris, Varsóvia e Brno”. (RUBINSTEIN, 2008)

Mesmo buscando outras fontes de informação (rápidas, concordo) apenas se encontra o seu nome relacionado aos designers brasileiros esquecidos. E uma pena que a falta de referencias sobre esse importante artista e representante do design brasilero tenha sido esquecido desta forma. Mesmo imagens sobre suas obras mais populares, como os selos se perdem por não haver mais uma preocupação com a filatelia, como a alguns anos.

Acima imagens de selo postal (1974) e de uma capa de disco (de vinil, de 1958) com um estilo próprio de seu trabalho e um cartaz (abaixo) sobre o Recenciamento de 1940.

Assim como Ary Fagundes, outros nomes do design brasileiro estão se perdendo por não termos uma memória cultural e artística disseminada. O trabalho de Rafael Cardoso em registrar a história do design em livro é muito importante, mas não podemos esquecer que temos, também,  o compromisso em manter esta história viva. São referencias para que nós possamos entender o que é feito hoje e como podemos interferir de maneira criativa para que a convergência futura de midias possa ser rica nos seus aspectos visuais. E quem sabe a tão falada identidade nacional não começa a ser iniciada, realmente.

Referencias:

Textos:

CARDOSO, Rafael. Uma introdução à história do design. São Paulo: Edgard Blücher, 2004

RUBINSTEIN, Licia. Moderno, mas não modernista: Ary Fagundes e o cartaz como veículo de comunicação de massa. 8° P&D. São Paulo, 2008. Disponível em <http://www.modavestuario.com/96modernomasnaomodrenistaaryfagundeseocartascomoveiculodecomunicacaoemmassa.pdf>.

Google:

Sobre Ary Fagundes: http://www.google.com.br/search?q=capas+ary+fagundes&ie=utf-8&oe=utf-8&aq=t&rls=org.mozilla:en-US:official&client=firefox-a

Capas de discos: http://www.google.com.br/search?ndsp=18&hl=pt-BR&client=firefox-a&rls=org.mozilla:en-US:official&q=%22Ary+Fagundes%22&start=20&sa=N

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Fez sua arte baseado no conceito de que o objeto a ser fotografado devia estar isolado para ganhar força expressiva. Suas fotos são basicamente de estúdio, mesmo quando fazia um trabalho mais antropológico, registrando o vestuário e acessórios de tribos e povos de determinada região, ele sempre carregava um estúdio portátil e fotografava com um fundo infinito.

Inicialmente Penn foi assistente na Harper’s Bazaar por dois anos,  mas foi na Vogue americana que ele despontou,  a partir de 1943, sendo responsável por mais de 150 capas desta revista, ditando o perfil e o estilo da mulher elegante nos Estados Unidos do pós-guerra.

Quatro capas: 1943, 1944, 2004 e 2008

A mais famosa de suas capas é a edição de junho de 1950, uma obra de arte que consagrou a modelo Jean Patchett como símbolo de mulher elegante nos anos 50.

Outra foto muito famosa e com Jean Patchett.

Essas fotos mostram o quanto Irving Penn tinha uma preocupação artística.

Ainda com Patchett, ele fez esse trabalho que eu achei muito bonito: mulher na cama.

Outro símbolo de beleza e sofisticação na década de 40 e 50 que Penn gostava de fotografar era Lisa Fonssagrives, considerada a primeira supermodel. Os dois acabaram se casando em 1950.

Irving Penn foi o segundo marido de Lisa. Eles montaram um estúdio de fotografia em 1953, tiveram um filho e viveram juntos até 1992, quando ela faleceu. Abaixo, mais duas lindas fotos de Lisa por Penn.

O fundo neutro, o contraste e as texturas são qualidades marcantes na fotografia de Penn.

Para ele, qualquer modelo poderia ser fotografado com o mesmo glamour, seja uma top model magra, uma mulher comum ou obesa.

Kate Moss

Christy Turlington

E o que dizer dessa desajeitada e bela Gisele Bündchen?

Apesar  de ter fotografado mais mulheres, ele também tem excelentes retratos de personalidades masculinas.

Minha favorita é a de Barnett Newman.

Marcel Duchamp

Por um tempo ele fotografou, para a Vogue, pessoas roupas e costumes do mundo, fazendo um trabalho de registro antropológico, mas nos mesmos moldes estéticos de suas fotos com supermodelos.

Defensor da idéia de que qualquer objeto poderia ser fotografado, fez essas famosas fotos de natureza morta, com lixo e outras coisas do cotidiano.

Um trabalho de seus trabalhos que eu gosto bastante são essas flores, meio murchas, meio mortas, mas vivas na fotografia de Irving Penn.

E a última que eu deixo é a bela Summer Sleep.

Textos que valem uma leitura: Expresso, Público, The New York Times e um belo texto do Design Observer.

Nesse site russo, dá pra ver a unidade do trabalho dele, não importanto o objeto fotografado.

____________________________________________

ATUALIZAÇÕES

18/10/09 Eu havia procurado a primeira foto de capa que fez para a Vogue, desconfiava de uma, mas  não encontrei uma fonte segura. Agora encontrei no site da SPD esse texto de Greg Pond que confirma minha suspeita. Abaixo, a primeira foto de Irving Penn para a Vogue.

Encontrei também essa pequena, mas boa seleção de trabalhos dele.

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Referencias:
CARDOSO, Ricardo. Design, cultura material e o feticismo dos objetos. Revista Arcos, v. 1, no único, outubro 1998. In: ESPINOLA, Vanessa; COUTINHO-SILVA, Thiago. Arte e design: uma reflexão sobre suas distinções. Anais VIII P&D Design, São Paulo/SP. VIII Congresso brasileiro de pesquisa e desenvolvimento em design. São Paulo: SENAC, 2008.
GASPAROTO, Jayme W. Metodologia Científica. Apostila de aulas. Marilia: UNIVEM, 2006.
MUNARI, Bruno. Artista e designer. Lisboa: 70, c2001.

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[1] Twitter: ricardocortaz RT @mduart: Acho que design é uma ciência que usa a arte aplicada a seu favor.

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Imagine fazer 24 páginas de quadrinhos em apenas 24 horas. Impossível? Não para o pessoal do 24 Horas de Quadrinhos ou “24 Hour Comics Day”, um evento voltado para a celebração da nona arte. E o melhor de tudo: todos podem participar! Seja profissional ou amador, o importante é se divertir produzindo HQs de qualquer natureza, estilo e temática.

O 24 Horas de Quadrinhos acontece simultaneamente em diversas cidades do mundo e é coordenado pela ComicsPRO, a associação americana de comic shops, que ao final de cada edição reúne os quadrinhos produzidos em um arquivo especial da Cartoon Research Library na Ohio State University, nos EUA.

Em Salvador, o 24 Horas de Quadrinhos irá acontecer pela segunda vez na comic shop RV Cultura e Arte - localizada no Rio Vermelho – nos dias 3 e 4 de Outubro. Para obter mais informações sobre o evento e a programação visite a página oficial – clique aqui.

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Este foi o primeiro longa de animação israelense e teve um orçamento muito baixo, por isso foi todo animado no Flash. O resultado foi uma animação “tosca” mas impactante e coerente com a memória fragmentada da guerra no Líbano, que o filme busca resgatar.

A idéia de fazer o documentário dessa forma surgiu quando David Polonsky trabalhou numa série de TV chamada “The material that love is made of“ com Ari Folman – diretor, roteirista e protagonista de Valsa com Bashir.

Ao buscar informações sobre David Polonsky, percebi que o filme foi um trabalho bem diferente do que ele estava acostumado a fazer, tanto pela temática quanto pelo estilo utilizado, mais próximo de um comics.

Polonsky nasceu na antiga União Soviética,  mudando-se para Israel aos oito anos de idade. É professor universitário em Jerusalém e trabalha como freelancer para jornais e revista, além de fazer ilustrações para livros.

Ele tem um trabalho frequente para o jornal de maior circulação em Israel o Yediot Achronot

Uma ilustração de janeiro de 2009 para o The New York Times

Polonsky já ganhou dois prêmios Israel Museum Ben Yitzhak Awarad pelos livros Heart-Shaped Leaf e Moonless Night, ambos de literatura infantil.

Heart-Shaped Leaf

Moonless Night

Também gostei das ilustrações para o livro The Rhimed Bible

Destaco também L’Elixir D’Amour

Gostei dessa capa do livro His Dark Materials

Em 2009 está sendo lançado Valsa com Bashir em quadrinhos. Polonsky frisa que o impresso é completamente diferente da animação. Ele afirma (nessa entrevista) que o filme toca mais as emoções, enquanto o livro tem um apelo mais racional. Assim, a animação trabalha com o impacto visual e o livro com a informação detalhada e coerente.

Recomendo o filme e uma visita à página do ilustrador.

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Observando o trabalho dele, identifiquei quatro paixões básicas: o corpo humano, o movimento, a água e as cores. O corpo humano é seu objeto favorito, esse corpo se movimenta e Howard gosta de investigar a anatomia desse movimento. Sua forma predileta de executar tal investigação é mergulhando os corpos na água ou inundando eles de luz e líquidos. Por fim, para fixar o resultado de sua pesquisa, busca contrastes de cores, claros e escuros. Essa foi a leitura que fiz desse trabalho fabuloso.

Para iniciar nossa viagem visual, começo com o corpo de per si. Abaixo uma série que se chama Folds.

“Dança é movimento, a fotografia é imóvel. A dança tem profundidade, a fotografia é plana. Na dança frequentemente há música, a fotografia é silenciosa. Então, a fotografia não pode competir com a dança. Ela tem que ter sua própria coreografia, seu próprio meio, sua própria modalidade. (…) Então, eu não fotografo dançarinos dançando. Eu fotografo dançarinos que representam o momento.”  Fonte

Essa série com dançarinos se chama Passion & Line.

E estudando as possibilidades do movimento corporal, ele criou uma tipografia.

Com atletas, ele experimentou novos ângulos.

E o espelhamento.

Conjugando ângulo, dançarinos e cores, saiu a série Knots.

Liquid Light não poderia deixar de ser citado no uso explosivo das cores.

Athlete: as possibilidades do corpo e da luz.

No mesmo espírito, Body Flower.

Recentemente: atletas, o movimento e a luz.

E para finalizar os trabalhos secos: Cirque du Soleil

Até aqui não mostrei seus trabalhos mais poéticos, de corpos mergulhado na água. Começo também com as fotos do Cirque du Soleil.

Das séries aquáticas, esse é um dos meus favoritos.

Mas é muito difícil decidir-se por uma ou outra…

Série From Pool Light

Water Dance

E um trabalho impressionante da representação da Santa Ceia.

Vale ressaltar que ele não usa computação gráfica para compor a imagem, a foto sofre apenas pequenos ajustes no computador. Os modelos precisam mergulhar no mesmo instante que ele, prender a respiração por um bom tempo e se mover debaixo da água. Howard diz que  alguns modelos conseguem prender a respiração por tempo suficiente para ele capturrar 36 poses.

Duas capas, para não terminar sem mostrar o trabalho aplicado: Scientific American e T Magazine.

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E por fim, um ensaio de moda inspirado em Gustav Klimt, que eu amo!

Ainda teriam muitas coisas para mostrar, mas não cabem aqui. Então, visite o site oficial dele, de onde sairam todas essas imagens. Na página dos filmes, aconselho uma espiada nos vídeos da MGM Grand Spa e Barely There.

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