Website: www.camillacattabriga.it

Il film della regista israeliana Hadar Morag è una pellicola cruda, lenta ma incessante, in cui si assiste a un sommarsi di disagio, di sofferenza, di declino. La fotografia, cupa e impersonale, tratteggia i contorni di un mondo in cui la solitudine fa da padrona, sia negli occhi dello sperduto Muhammad, sia in quelli del più maturo, ma non per questo maggiormente forte, Gurevich.
Del resto il titolo stesso, frase presa in prestito dal Vangelo, cita le parole che uno sconsolato Gesù Cristo, condannato alla croce, pronuncia al Padre che sembra averlo lasciato in balia del proprio destino: “Perchè mi hai abbandonato?” (“Why Hast Thou Forsaken Me?”)

Ed è l’abbandono la chiave di lettura principale del film: abbandono sia fisico che mentale, talvolta abbandono ai sensi, talvolta a un sentimento che risulta crudele e inaccessibile, o comunque certamente incomprensibile. Abbandono, soprattutto, alle colpe che il protagonista sembra dover espiare.
Non esiste redenzione per chi, come Muhammed, non è in grado di interpretare le motivazioni che spingono i suoi gesti, in un cammino verso la crescita adulta che si muove sul pericoloso binario di un’amicizia/amore sbagliati e impossibili, nonché sulla follia di una morbosa gelosia che lo divora, nel momento in cui scopre che il suo (s)oggetto d’amore non è altro che un personaggio ambiguo che offre a troppi giovani le proprie cure.

La pulsione sessuale, che in Muhammed si evidenzia solo nei diversi momenti in cui si dà piacere tramite la masturbazione (nuovamente vi è un’insistenza attorno a un’espressione gestuale della solitudine), non riesce invece ad avere sfogo nei confronti dell’adulto, che per lui è figura di riferimento ma al tempo stesso fonte di confusione. Essa diventa dunque una nuova colpa, un peccato biblico (la regista ha studiato teologia) che può essere lavato solo col sangue e l’estirpazione di ogni desiderio, ottenibile solo ed esclusivamente con una punizione corporale che è azzardato mezzo per giungere a un suicidio. Ma se togliersi la vita ha un significato squisitamente morale, punirsi nella modalità scelta dal protagonista  ha invece un senso spietatamente fisico, che attira su di lui la somma di tutte quelle crudeltà che è stato costretto a sostenere nel suo viaggio verso una consapevolezza sentimentale inaccessibile.

La rude schiettezza raccontata dalla sceneggiatura si trasferisce con pari intensità in uno stile registico acerbo, graffiato da una camera a mano che è esplorazione nella periferia urbana ma anche strumento di indagine della complessa mentalità adolescente del protagonista, in un incedere fin troppo tranquillo e asfissiante, che trasporta lentamente lo spettatore verso il dolente ma necessario epilogo finale.

Un film di Hadar Morag. Con Muhammad Daas, Yuval Gurevich.
Titolo originale: Lama Azavtani.
Drammatico, durata 94 min. – Israele, Francia

Edoardo, spaesato cucciolo della periferia pisana, misura le proprie esperienze sulle sue difficoltà fisiologiche, vive la prima volta con sicurezza ma è costretto ad arrendersi per il dolore, sceglie l’approccio femminile soltanto dopo aver testato le proprie capacità in solitaria, non tanto per desiderio ma piuttosto per sfinimento. Il microcosmo che lo circonda, dall’amico ossessionato con la perdità della verginità al padre farfallone, dal medico terra terra alla sorella desiderosa di far accoppiare il cane (personaggio, quello della sorella, esilarante a livelli massimi), gli manda costanti input sessuali riflettendo, in maniera ironica e divertente, i desideri tipici e le fragilità dell’epoca moderna. E lui, come un novello Gabbriellini di Ovosodo, si barcamena nelle sue goffaggini tentando, per quanto possibile, di vivere esperienze in punta di piedi, con i dovuti tempi e modi, senza eccessiva vergogna ma non certo con cuore impavido. In mezzo a questo spaesamento, un collage di situazioni mostrate senza filtro e imbarazzo, senza eccessiva malizia: l’analisi dei membri altrui nelle docce, le prime prove di masturbazione, il sesso sperimentato infilando il pene in un polpo pescato al mare (geniale idea dell’amico, esperto di una teoria amatoria appresa tramite sentito dire e improbabili racconti letti su Internet). Duccio Chiarini sceglie di non coprire, regalandoci nudità femminili e maschili senza volgarità, come espressione naturale della scoperta del protagonista, che al tempo stesso diventa mezzo di confronto, talvolta alla ricerca di una confortante rivelazione di normalità, talvolta macigno che pesa sulla sua “menomazione”.

C’è tanto Virzì in questa opera semplice ma efficace, che si disvela nel toscano della recitazione, e nelle caratteristiche dei personaggi costruiti più su un canovaccio che su una ideale rappresentazione di nevrosi. E c’è un modo di fare cinema all’italiana, con un’ambientazione estremamente provinciale e caratteri in scena che non servono per stupire, ma solo per raccontare. Rispetto ai teenager di certi film americani, qui non si assiste al degrado nè alla perversione, e neppure alla devastazione del corpo come rinascita, ma si gusta piuttosto la presa di coscienza di un disagio, che diventa strumento e sprone alla modifica di sè, dapprima su base fisica e poi, di conseguenza, su base mentale.

Costato 150 mila Euro, girato in meno di 30 giorni, Short Skin fa parte dei tre prodotti di Biennale College, una sezione sperimentale del Festival di Venezia che mira alla produzione e al finanziamento di opere a basso budget. Operazione riuscita per una pellicola che funziona grazie alla propria scorrevolezza e a dialoghi taglienti, che regalano spesso risate. Siamo dalle parti di un cinema di provincia genuino e pratico, che non spingerà a grandi riflessioni, ma strappa sorrisi a profusione e colpisce, caparbiamente, con spiazzante naturalezza.

Un film di Duccio Chiarini. Con Matteo Creatini, Francesca Agostini, Nicola Nocchi, Miriana Raschillà, Bianca Ceravolo.
Commedia, durata 83 min. – Italia, Iran, Gran Bretagna 2014.

Herbert Ritts (1952 – 2002) fu uno dei più stimati fotografi americani, i cui lavori si concentrarono soprattutto sul bianco e nero sulla ritrattistica. Rifacendosi alla cultura classica, come Bruce Weber si dedicò al nudo maschile e femminile con uno spiccato occhio glamour. Tendenzialmente amatoriale, all’inizio non utilizzò particolari artifici per le proprie fotografie, preferendo la luce naturale a quella artificiale. Fu influenzato da grandi fotografi del passato come Herbert List e Helmut Newton, ma grazie al suo stile semplice e minimale alcuni critici d’arte lo definiscono “il miglior fotografo degli ultimi 30 anni”. Fu anche regista.

Nella sua breve ma intensa carriera fotografò diverse celebrità, come attori, modelle, musicisti. Famosissime le sue fotografie alla cantante Madonna, di cui curò anche la copertina dell’album True Blue del 1986.

Ritts, che contrasse l’HIV, morì il 26 dicembre del 2002 a soli 50 anni per complicazioni legate a una polmonite.

Images: © Herbert Ritts / Fondazione Forma / Contrasto. Published under fair use principle.

Rogério Reis è un fotografo brasiliano, inizialmente formatisi come giornalista, divenuto famoso nel 2002 quando un suo ritratto del poeta Carlos Drummond de Andrade venne utilizzato come base per la famosa scultura dell’artista Leo Santana.
Tra i suoi lavori più celebri, Carnival na Lona resta una delle serie più belle e significative. Nell’arco di 14 anni, Reis fotografò diversi partecipanti al carnevale carioca, evidenziandone in maniera preponderante le caratteristiche fisiche celate dietro ai costumi più complessi e fantasiosi. Quello che ne consegue è una serie di ritratti emblematici, che trasfigurano il semplice animo umano per trasformare i soggetti in personaggi grezzi, fiabeschi, talvolta persino freak, in un’ottica complessiva che ricorda, a tratti, le serie circensi di Diane Arbus. Tuttavia, nelle opere di Reis non è tanto la ricerca della mostruosità ad emergere, quanto piuttosto uno spiccato interesse sull’eccentricità e sulla stravaganza, in una sorta di realtà contaminata dalla fantasia, che modifica le forme del vero per definirne di nuove, quasi fossero mitologiche figure inventate.

“Il telo è il sipario tra l’eccesso è il visibile”, scrisse il fotografo nell’introduzione del suo libro Na Lona. L’eccesso, per Reis, rimanda alla moltitudine di persone in festa tra le strade cittadine durante il carnevale, volti e personaggi che stimolarono la sua curiosità fotografica. Il piccolo palco isolato dove Reis li ritrasse, provvisto di un telo (“lona”) a nascondere la realtà circostante, funge nel complesso da set teatrale in cui vengono messe in scena personalità ambigue ed estroverse, slegate da un contesto, che raccontano la propria storia esclusivamente grazie agli sguardi, alle pose, ai costumi.
In queste foto l’interesse è completamente rivolto verso figure strane ma concrete, che mescolano la normalità dei volti alla follia delle vesti, in un sottile gioco di affascinante e talvolta sgradevole finzione.

Sotto certi aspetti, le fotografie di Reis non rimandano esplicitamente all’anima festaiola del carnevale, ma esprimono talvolta elementi malinconici, tristi, deliranti. L’utilizzo di un bianco e nero drammatico mette in risalto quelle caratteristiche fisiche ambivalenti che contribuiscono a dare alle immagini una grande valenza non solo stilistica, ma anche umana, come se l’occhio del fotografo cogliesse in maniera precisa i difetti umani, portandoli in scena come protagonisti assoluti.

In definitiva, quel che emerge da questi scatti non è eslusivamente l’immenso insieme di caratteri, allegorie, fantasie, ma anche e soprattutto un’idea più radicata e profonda del concetto di trasgressione, non intesa come rovesciamento dei valori a fini scandalistici, ma piuttosto come espressione più pura e positiva della follia umana.

Le sue immagini si focalizzano sulla ritrattistica, prevalentemente femminile, espressa tramite un taglio fashion a tratti malinconico e onirico. Nella medesima direzione si muovono le sue fotografie urbane e paesaggistiche, caratterizzate da una dimensione impalpabile che conferisce nel complesso un’idea di sospensione.

Trovate altri suoi lavori nella pagina Flickr.

For the images: © Katerina Pasnichenko. Published under author’s consent.

Queen.

I found that the best way to understand a woman’s soul is through black and white photography. There, she can tell you about her passions, fears and secrets. And as a photographer you can capture her essence.

I always try to shoot photos that makes us feel something. To be able to think and write our own stories into them.

In the end we all try to unforget our memories.

Yanki Sivrikoz è nato in Turchia nel 1981. Vive nella capitale Instambul, e si dedica soprattutto ai ritratti femminili.

Nel suo album Flickr trovate altre bellissime immagini.

For the images: © Yanki Sivrikoz. Published under author’s consent.

“E dopotutto ci sono tante consolazioni! C’è l’alto cielo azzurro, limpido e sereno, in cui fluttuano sempre nuvole imperfette. E la brezza lieve […] E, alla fine, arrivano sempre i ricordi, con le loro nostalgie e la loro speranza, e un sorriso di magia alla finestra del mondo, quello che vorremmo, bussando alla porta di quello che siamo.” (Fernando Pessoa)

Mentre siedo al cafè Brasileira accanto alla statua in bronzo di Fernando Pessoa, penso che in questa città magica dal sapore antico non sia cambiato nulla negli ultimi duecento anni.
Lisbona conserva ancora intatto tutto il suo fascino secolare, nelle viuzze strette che si snodano tra quartieri densi di contraddizione, dove il nuovo e il vecchio si incontrano in una fusione che ha dell’affascinante e del miracoloso. Nei ristoranti e nelle piazze riecheggiano ancora le dolci melodie della musica fado, mentre i turisti si rifocillano mangiando pesce fresco che viene cucinato oggi esattamente come un tempo secondo ricette tradizionali gustose e saporite.

Ma questa è solo la parte più esterna di un posto che è in grado di offrire mille sfaccettature, ed è così strettamente legato ai suoi abitanti da produrre un effetto di magnifico splendore. C’è nello spirito delle persone che animano o più semplicemente trascorrono questa città un qualcosa di sensazionale, un modo di approcciarsi all’esistenza del tutto insolito e meraviglioso. L’intima delicatezza che contraddistingue l’animo meditativo e triste – quella che i locali chiamano saudade – si fonde alla perfezione con il desiderio di apertura e di incontro, con il risultato di produrre una gentilezza ed uno spirito di unione che si può riscontrare in poche città del mondo. Tale spirito non si ritrova solo nelle persone, nel loro modo di socializzare, ma persino nei luoghi, nei monumenti, nelle cose; ed anche nei suoni e nei profumi che dimorano qui, al pari degli esseri umani che li respirano o li odono.

Questo è con grande probabilità il segreto di una città che ha saputo rinnovarsi pur mantenendosi fedele al suo aspetto originale, divenendo una piccola metropoli che al contempo mantiene lontana da sé e dalla sua immagine il caos ed il frastuono che sono stati la rovina di altre sue simili. Qui non è raro, dunque, camminare tra vicoli silenziosi e quieti, assaggiare con piacere dolci preparati con ricette ottocentesche, o viaggiare su tram ormai cinquantenni (ma non per questo in pensione) che ti trasportano in su e in giù per i colli cittadini come in un divertentissimo percorso sulle montagne russe. Piccole magie che inchiodano Lisbona nel cuore. Che trasformano la sua descrizione in una pagina di poesia, proprio come successo a quegli scrittori antichi che qui sono nati o vissuti. Pessoa, Saramago, Tabucchi: essi hanno raccontato le vibrazioni che queste strade producono. Ed ora che anche io posso avvertirle, capisco perché ne parlavano con tale entusiasmo. Lisbona è essa stessa un racconto: con i suoi uomini, le sue piazze, i suoi colori; con i chiaroscuri e le ombre proiettate sul fiume Tago. È il centro nevralgico di migliaia di storie, che qui stazionano da anni senza mai smarrire il loro gusto antico. Ed è, soprattutto, una città da cui non ti riesci a staccare, del cui ricordo sorridente e malinconico non è possibile liberarsi. E questo è decisamente il suo senso più fondamentale, ciò che la rende con certezza unica: Lisbona vive, e tu vivi con lei.

(Andrea Palla)

For text and images: © Andrea Palla. All right reserved.

L’artista russo Pyotr Pavlensky a terra, con lo scroto inchiodato

Pavlensky, dopo una breve passeggiata, si è seduto a terra e si è quindi inchiodato lo scroto al cemento, attirando l’interesse dei passanti e dei media di tutto il mondo. L’artista non è nuovo a performance scioccanti di questo tipo: nel 2012 si cucì le labbra per dimostrare la propria solidarietà alle Pussy Riot, incarcerate in seguito al loro blitz nella Chiesa del Cristo Salvatore, dove intonarono il ritornello “Madonna, caccia Putin”.

Qui di seguito vi proponiamo il video, registrato dai presenti e caricato su LiveLeak. Attenzione: le immagini sono abbastanza forti e potrebbero disturbare la vostra sensibilità.

Fin da bambina nutro un forte amore per l’arte in tutte le sue forme. Mi sono avvicinata distrattamente alla fotografia, per poi abbandonarla per dedicarmi al disegno e alla pittura, per poi riscoprirla e non abbandonarla più dopo essermi diplomata in tecniche grafiche pubblicitarie.
Attualmente vivo e lavoro in provincia di Venezia.
Per me l’importante è riuscire a trasmettere emozioni forti, potenti, positive o negative che siano nell’osservatore, cercare di risvegliare le sensazioni, i sensi in ciascuno di noi.
Credo che Benedetta Spagnuolo nella sua critica descriva la mia arte meglio di me per cui riporto una citazione da questa: “Danza con se stessa, mostra al mondo la sua realtà, cancella quella altrui con le sue figure eteree e sospese, ridipinge la sua personalità come fosse un acquerello, viaggia con barchette di carta su pensieri lontani e desidera rivedere la sua anima quieta.”

Trovate altre foto di Deborah, nata nel 1989 a Conegliano, nel suo profilo Flickr.

For the images: © Deborah Brugnera. Published under author’s consent.

Ex musicista, incontra l’immagine nell’Ottobre 2010 e grazie all’aiuto del fotografo professionista Max Ferrero sviluppa una grossa passione per la fotografia, diventando cosi un visionario del genere.

La sua ricerca fotografica è un continuo evolversi. Come denominatore comune nelle sue opere si possono ritrovare l’inconscio e l’onirico. Opera spesso grazie al suo alter ego Vitriol13, il vero burattinaio della sua mente quando crea.

Scrive su magazine, effettua servizi live e artwork per band e scrive articoli sulla manipolazione digitale.

Trovate le sue opere a questo indirizzo.

A iMAG invia la sua serie “Helpless”, che qui vi presentiamo.

For the images: © Alberto Adami. Published under author’s consent.

Ci invia una serie di immagini che mescolano diverse tecniche sia analogiche che digitali: William fotografa infatti sia usando una Canon 50D che usando macchine analogiche come una Holga. Le sue foto sono ruvide, crude, grezze, e dichiaratamente aperte ad una descrizione dei soggetti del mondo. Nella sua pagina Flickr è possibile ammirare molti scatti che sembrano uscire dall’Inghilterra punk degli anni ’70.

I photograph my friends, animals, people on the street. I like to keep my subjects close so i know exactly who i am photographing. I create with my friends and I create with the people on the street. I would like to bring a little more organisation to my photography by involving models, friends ideally, or strangers whom I shall get to know. Having days of shooting from morning till night surrouded by friends, future friends, animals and alchohol.

Il Flickr di William Boulter: http://www.flickr.com/photos/billyboneseyeballmoans/

For the images: © William Boulter. Published under author’s consent.

Meyerowitz si presenta in abiti semplici, una giacca dalle linee asciutte, in splendida forma. Magro, alto, un sorriso entusiasta e lo sguardo solare di chi ha visto la storia e ha l’onore di raccontarla. Non gli daresti mai l’età che ha, se non ricordando le sue numerose amicizie e collaborazioni: Garry Winogrand, Tony Ray-Jones, Lee Friedlander, Tod Papageorge e Diane Arbus. Fu tra i primi a usare la pellicola a colori e a credere nel valore della fotografia, in un’epoca in cui – così racconta con sarcasmo e ironia – il colore era destinato ai pubblicitari o ai fotoamatori, e il lavoro di fotografo non permetteva neanche di arrivare a fine mese. Oggi invece i suoi scatti vengono venduti a peso d’oro, e al di là del puro valore economico è indubbio quello artistico e storico delle sue fotografie, repertori di un’America in evoluzione tra contraddizioni e patriottismi, tra simboli di decadimento e sprazzi di rinascita.

Mentre proietta i suoi lavori dal 1962 fino al 2012, in un corposo portfolio intitolato “Taking my time” (ovverosia: una raccolta misurata e attenta, senza fretta), come un attore teatrale racconta aneddoti e dispensa consigli, farcisce le immagini di dettagli e ricordi, spiega come e perchè certi scatti sono nati e, come un maestro sincero e mai austero, descrive alla platea quali sono gli elementi oggettivi che trasformano una fotografia comune in una fotografia leggendaria. Sorride quando mostra la prima foto che il suo maestro e committente Robert Frank decise di inserire in una mostra alla National Gallery di New York: un ritratto in bianco e nero molto semplice, sporcato dalla presenza di una grata in primo piano che imprigiona il soggetto. Ma proprio quella grata, elemento esteticamente disturbante ma ricco di significato, fu il motivo principale della scelta, nonché l’insegnamento primario per Meyerowitz che non è la tecnica a definire la grandezza di un’opera artistica, ma piuttosto il tocco personale e il significato recondito che l’artista vi imprime.

Nel corso della propria carriera, Meyerowitz ha attraversato molte fasi. “Dopo un certo periodo e ciclicamente,” dice, “ho sempre sentito il bisogno di cambiare e fare cose nuove. Vivo così la fotografia, come una sorta di rinascita continua”. Non tutte queste fasi sono state capite dalla critica e dagli amici. “Sul finire degli anni ’80 ho iniziato a perseguire un nuovo modo di fare fotografia, alla ricerca di una profondità degli spazi unita alla presenza in scena di persone in primo piano, il tutto grazie a fotocamere di grande formato. Quando ho mostrato queste foto ai miei amici, mi hanno detto: Joel, hai perso il tuo tocco magico. Io non la vedevo così. Sono immagini diverse rispetto alle precedenti, ma facente parte di una mia sperimentazione, il tentativo di unire gli spazi alle persone che li abitano.”

L’architettura, l’ambiente e gli spazi saranno proprio al centro delle sue più recenti immagini, quelle post 11 Settembre. Quando parla di quel giorno e di tutto quello che ne è seguito, Meyerowitz diventa improvvisamente fiero delle sue origini americane e al tempo stesso cinico nei confronti di un sistema politico che non permette libertà di espressione e limita i giovani sia economicamente che culturalmente. Le immagini delle torri gemelle distrutte e degli uomini al lavoro alla ricerca dei corpi sepolti sotto le macerie suscitano in lui commozione e rispetto. È fiero di ricordare come, a dispetto dei divieti imposti dall’allora sindaco Giuliani riguardo all’accesso a Ground Zero, alcuni detective lo abbiano “protetto”, permettendogli di penetrare nel sito e raccogliere, attraverso le sue foto, la testimonianza storica della ricostruzione. Le ultime immagini raccontano di un uomo che, all’ultimo giorno di lavoro, si sofferma ancora a cercare  reperti biologici che aiutino a identificare le vittime. E poi del binario di una vecchia linea ferroviaria che passava sotto le torri, riportato alla luce proprio dagli scavi successivi al loro crollo. “Mi piace pensare che esista sempre una speranza che le cose sepolte, all’improvviso, rivedano la luce e restituiscano al mondo cose che si credevano dimenticate”.

Nel corso dell’incontro, il fotografo si è dimostrato aperto alle domande e all’interazione col pubblico, ricordando l’importanza di portare sempre con sé una macchina fotografica (magari una Leica, proprio come la sua da cui non si è mai separato), perché “non è possibile prevedere il momento in cui accadrà qualcosa che, senza la fotografia, potrebbe addirittura non essere esistita mai”.

La conferenza termina con un lungo e meritato applauso. Ma le immagini di Meyerowitz continueranno a stupire grazie alla mostra “Sightseeing – Un sentimento della vita” che il Centro Culturale San Fedele (Via Hoepli 3/B, Milano) ospiterà fino al 30 Novembre 2013. Un modo per avvicinarsi alle immagini di questo grande personaggio, che scoprì la fotografia come destino nel lontano 1962 e che è stato testimone e narratore, nei luoghi della metropoli, dell’immensa commedia umana.

“Sightseeing – Un sentimento della vita”
Dal 28 ottobre al 30 novembre 2013 presso Centro Culturale San Fedele (Via Hoepli 3/B, Milano)
16.00/19.00 dal martedì al sabato e al mattino su richiesta (chiuso 1 e 2 novembre)

For the images: © Joel Meyerowitz. Published under fair use principle.

Giunti alla quinta edizione, questi calendari nacquero anni fa quasi per scherzo. Poi, il boom delle edizioni dell’anno scorso. “Quando l’abbiamo creato non avevamo idea che potesse avere un così largo seguito – si legge sul sito – vogliamo creare dei contenuti accessibili ai giovani in tutto il mondo e fornirgli i contenuti di cui hanno bisogno”.

The scar project (letteralmente “il progetto sulle cicatrici”) è cresciuto pian piano, è diventato un sito, poi una pagina facebook, poi un libro. Proprio il social network numero uno al mondo aveva censurato queste fotografie, giudicandole inappropriatea causa delle segnalazioni di molti utenti (Facebook tende a censurare in maniera automatica quando riceve tanti feedback negativi, ndr). Ora le immagini di David Jay, unitamente alle storie delle persone ritratte – qualcuna fortunata e guarita, qualcun’altra che purtroppo non c’è più -, sono in mostra a Houston fino alla fine di Ottobre. E poi si sposteranno, facendo il giro del mondo, grazie alla risonanza acquisita tramite i media. Si tratta degli scatti di più di 100 donne affette dalla malattia, delle quali il 10% non ce l’ha fatta a guarire e sopravvivere.

L’idea è nata da un fatto personale. Una cara amica del fotografo si è ammalata a soli 29 anni, e ha dovuto sottoporsi a una mastectomia: “Lì ho capito che dovevo fotografarla per dare voce alla mia tristezza nel vederla soffrire. Poi pian piano sono entrato in contatto con tante donne che avevano vissuto la stessa esperienza. Insieme a loro abbiamo deciso di scattare queste foto per far capire le conseguenze del Tumore al seno. Nella nostra società il cancro al seno viene celato dietro un nastro rosa, dietro iniziative che sembrano quasi voler commercializzare il male. Molte donne mi hanno chiesto di mostrare la realtà. Di mostrare i loro corpi segnati”.

Tra tutte le partecipanti, ce n’è una in particolare che è rimasta nel cuore di David. Si chiamava Jolene, e di lei il fotografo dice: “Le è stato diagnosticato un cancro quando aveva 17 anni. Nel corso del tempo, il cancro le ha completamente cambiato il corpo e la vita. Quando l’ho fotografata sapevo che sarebbe stata l’ultima volta. Era coraggiosa, adorabile. Ci ricorda di essere presenti, di essere grati per quello che abbiamo. Ci mostra come non è solo possibile ma anche importante vivere e morire con grazie e dignità”.

E a proposito della crudezza delle immagini, per il quale è stato criticato, il fotografo ha affermato: “Questi ritratti possono non essere ‘comodi’ per l’osservatore. Forzano a confrontarci con paure e inibizioni sulla vita, la morte, la sessualità, la malattia, le relazioni. La realtà non è sempre bella. Ma questa è la realtà”.

For the images: © David Jay/The scar project. Published under fair use principle.