Tony Marsh

En 1982 il rejoint The Mike Westbrook Brass Band puis il enregistre On Duke’s Birthday et avec Le Sinfonietta de Picardie London Bridge is Broken Down. Suit une longue collaboration avec Harry Beckett au sein de son quartet. Il travaille aussi avec le quartet Full Monte accompagné de Chris Biscoe (saxos), Brian Godding (guitare et guitare synthé) et Marcio Mattos (basse). Plus récemment il se produit avec le bassiste Nick Stephens et le saxophoniste Frode Gerstadt. Puis il sort Stops, enregistré à l’église St Peter’s de Whistable (souvent exploitée pour de telles sessions) et composé de quatre solos de percussions et onze duos avec l’organiste Veryan Weston.

Ce dernier fut d’abord un pianiste freelance dans les années 70. Il devint le cofondateur et le compositeur des Stinky Winkles et est élu “jeune musicien de l’année” par the Greater London Arts Association. Il reçoit parallèlement plusieurs distinctions en Europe et collabore avec des artistes plasticiens comme Liz Fritsch et Stephen Cochrane. Il compose aussi plusieurs musiques de film. A partir des années 90 il multiplie les performances avec (entre autres) Lol Coxhill, Phil Minton, John Butcher ou Roger Turner.

Stops propose neuf pépites à tous ceux qui aiment les musiques improvisées apparentée au jazz. La fluidité du jeu de Marsh conduit au plaisir des solos comme à celui du duo en complicité avec Weston. Maître en rythmique (et pour cause) le percussionniste organise des pulsations attentives au jeu de l’organiste ou se déploie en solitaire dans une précision diabolique. Tout cela avec élégance, finesse et sans le moindre ergoterie stylistique superflue. En duo ou seul Marsh développe un ensemble fascinant d’intelligence. Tout est lumineux et expressif et prouve que Marsh sait jouer sur divers registres.

Certes par sa spécificité ce C.D. est sans doute réservé aux spécialistes. Mais l’acoustique de Stops démultipliée par celle du lieu d’enregistrement agrandit tous les détails de jeux et les spécificités timbrales des divers éléments de percussion. Dans ce même lieu on a déjà pu entendre Evan Parker au saxo ténor avec Sten Sandell à l’orgue (Psalms) ainsi que John Russell à la guitare (Hyste), mais de ces différentes sessions celle de Marsh et Weston reste la plus convaincante. Elle transforme l’échange en débat et les solos en grandes interrogations qui font bouger les lignes sonores et brouillent les genres.

Photo par Malcolm Phillips

Dans le film intitulé Le Coup du parapluie, Pierre Richard était pris pour un tueur à gages. Improbable s’il en est. Certes, mais la plus grande réussite du diable n’est-elle pas de faire croire qu’il n’existe pas ? Bref. Le titre de l’album du groupe Le Coup du parapluie semblerait naturel pour un side-project de free jazz quelque peu expérimental. Mais la formation belge ne donne pas dans le solo de batterie de 23 minutes 48.

En effet, le groupe Le Coup du parapluie dispense un post-rock ample et mélancolique. Les riffs accompagnent des montées et vrilles mélodiques, tout en accompagnant les mouvements du chant. Au gré de compositions résolument urbaines, nimbées de gris, des structures dérogeant légèrement aux habitudes s’illustrent et parfont l’atmosphère.

Néanmoins, malgré un titre d’album et des noms de morceaux très travaillés, le résultat ne s’embarque pas dans des compositions rhétoriques ou une dialectique prompte à casser des briques. Ainsi, si cette singularité dans l’affichage peut attirer le chaland, elle peut conduire à une certaine perplexité. Un peu comme si quelqu’un s’attendait à écouter Kid A de Radiohead, mais se trouvait au final face à Amnesiac : c’est quelque chose d’intéressant, mais qui n’est pas réellement ce à quoi on s’attend.

Un peu à l’image de ce qui se déroule dans le film du même nom, Le Coup du parapluie peut se retrouver victimes des apparences. Et ce voile peut au final occulter les réelles qualités du groupe : l’album est de qualité, mais peut être desservi par les attentes suscitées par ses atours intellectuels, voire intellectualisants.

1. Bend and break fast
2. La Traversée du desert eagle
3. The Assassination of your beliefs
4. Colonel Mustard with an AK47 in the library
5. Le Loup dans la bergerie
6. La Chasse à la baleine
7. The Setup
8. Pourquoi Dieu n’est-il pas Albert Jacquard ?
9. 90%lr + 10%Pt + 0,28MM² ricine
10. Bulgarian Umbrella

Myspace : http://www.myspace.com/lecoupduparapluie

Site : http://www.lecoupduparapluie.com

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Sous un nom énigmatique et néerlandais se cachent 6 lillois résidants de la Malterie et découvertes du Printemps de Bourges en 2008. Ils ne respectent en rien l’injonction de leur patronyme à savoir : “fumer tue”. Preuve que le groupe ne manque pas ni de distance ni d’humour. Il nous permet d’entrer dans un univers musical à la Jim Jarmusch et à la Jim Morrison. « Coffee and Cigarettes » restent en effet des mots clés de ceux qui cultivent un romantisme très saturnien mais illuminé toutefois d’éclaircies et des pointes d’allégresse. Au carrefour de routes divergentes leur Indie-Pop mixe, disent certains, Nick Drake et Belle and Sebastian. Ce n’est pas faux car l’alchimie astucieuse de Roken is Dodelijk ne renonce jamais au mélodique. Elle est pimentée d’instruments inattendus : clarinette, stylophone, glockenspiel, orgue se mêlent à la trilogie de base guitare, basse, batterie. Et les voix féminines et masculines alternent dans ce rock pop qui renoue avec le rock et la pop des années 60 (l’influence des Animals et de Donovan est perceptible).

Photos de Roken Is Dodelijk à Rock En Seine par Alain G.

Mais ce qu’on retient de ce groupe reste sa puissance scénique. Il est vrai qu’il a déjà de la bouteille et a partagé des scènes avec Nosfell, Stuck In The Sound, Danielson, Tryo (personne n’est parfait…), Elvis Perkins, Akron Family. On sent chez Roken is Dodelijk un plaisir du show dès que le stress de départ fait place à une décontraction fruit d’un long travail de maturation. Le groupe existe depuis 2006 et l’on comprend mal qu’il n’ait à leur actif en production qu’un EP autoproduit, R.I.P. Sur CD comme sur scène le groupe sort des simulacres et projette chaque morceau de manière à le faire circuler comme un fantôme et un fantasme. Le live devient le parfait porte-empreinte d’une musique non seulement audible mais visible. Dans le frémissement de l’espace de la scène, au moment privilégié du concert s’atteint ce que Platon nommait le « chôra ». A la fois une pulvérisation du temps à travers le son et l’image. Car si par essence la musique meurt dès qu’elle naît sa poussière reste souffle. Et la puissance visuelle du groupe le renforce.

Après un début de carrière tonitruant récompensé par la critique et le succès public, le duo californien a pris la grosse tête. Legion of Boom, de 2003, était leur réel dernier album. Entretemps, ils ont cédé aux sirènes du tout commercial, sortant des disques de remixes ; un disque “publicitaire” fait de recyclage et estampillé du logo de la marque à la virgule ; écrit le générique d’une série télé très populaire, Bones ; réédité leur premier album Vegas. Mais on ne peut pas vivre longtemps de raclures de fond de tiroirs ; à un moment donné, il faut aussi se ressortir les doigts du fondement et les reposer sur les machines. Ou pas.

Divided by Night est terriblement décevant. Le duo a toujours pour ambition de s’entourer d’invités du Rock, mais ils sont moins prestigieux que les précités ; ici, outre le respectable bassiste de Joy Division/New Order, le chanteur de Grandaddy, ou encore le groupe LMFAO viennent poser voix, instrus ou flow. On était habitués à mieux, malgré tout le respect que l’on doit à ces artistes. Le son n’a pas changé : toujours ces nappes de synthés super compressés, et les fusions. Mais The Crystal Method fait le choix d’un tempo plus lent, plus Pop/Electronica, et donc plus mou que ce qu’on espère d’eux. Tout est moins percutant, plus fainéant. On s’ennuie. Pourtant, la production est parfaite et le sens des mélodies n’est pas perdu ; les californiens n’ont juste plus très envie et semblent se reposer sur leur gloire. Les doigts ne font que frôler les commandes et le disque est en pilote automatique la majorité du temps ; et puis le retour lumineux de The Prodigy au même moment ne fait que renforcer encore l’impression de ratage relatif. Certainement pas un album culte.

Mardi Gras.BB

Aimanté par diverses cultures – le groupe a parcouru l’Himalaya, les rapides du fleuve Brahmapoutre, l’Indus, le lac Lop Nor et a découvert des vestiges étranges dans les déserts les plus reculés – Mardi Gras.BB trouve dans son exotisme particulier un moyen de transformer Von Humboldt Picnic en un récit de son périple. Le formalisme hybride de l’opus est imprégné non seulement de rythmes mais de lumières, de couleurs, de senteurs, d’atmosphères et bien sûr de sensibilité sans quoi la musique n’est rien. Sa force tient ici à son pouvoir de transmettre des émotions multiples par le goût du mélange. Et la situation d’interprètes que se donnent les artistes du band se vit pour l’éclosion d’une ivresse. Chaque morceau est source de chaleur qui déferle en fusion.

L’auditeur navigue dans des particules de pigments sonores. Ils deviennent une pâte jamais indigeste. Elle gonfle juste ce qu’il faut. La musique n’est donc pas éloignement du monde mais fait retour à lui sur divers registres par effets de superposition et de transparence. De telle sorte l’ensemble vibre et trouble souvent de manière subtile et imprévue là où l’on pourrait s’attendre à un grand brouhaha. A travers des compositions habilement construites, bien des décentrages ont donc lieu vers la recherche d’un équilibre entre le ciel et la terre, le vide et la densité. Sur les traces des grands explorateurs qui ont bercé leur enfance, Mardi Gras.BB nous fait ainsi voyager sur son étrange caravane à travers des continents, des cultures et des époques différentes.

http://www.myspace.com/mardigrasbb

Deux artistes folks du label Herzfeld – Little Red (Claire Déribreux) et Lauter (Boris Kholmayer) – se sont réunis pour le meilleur et non pour le pire afin de former le groupe Little Red Lauter. Il y déjà 6 ans que le duo s’est créé du côté de Strasbourg. Après des échanges communs le couple a sorti l’année dernière un E.P. I Took the Long Way avant de réaliser cette année Slow Down. Des treize titres surgit un univers folk intimiste parfaitement conçu loin de tous les poncifs expressionnistes outranciers. Cela n’est pas sans rappeler New Order et par certains côtés Prefab Sprout mais sur un mode minimaliste. Tout se réduit à un velouté trompeur. Entre la douceur d’un titre comme « Fucked up » et l’alacrité de « Faces » (très punkisant et new wave) l’ensemble se déploie selon un feutrage acidulé remarquablement travaillé.

Produit par Vincent Robert ce CD restera sans doute comme une des réalisations à retenir de l’année 2010. Ecrit à quatre mains (lyrics pour elle, musique pour lui) Slow down réussit la symbiose entre deux personnalités qui se complètent à souhait. Preuve qu’après She and Him, et Triskaa les duos mixtes sont cette année à la base d’un «équilibre » entre intro et extraversion et dans lesquels l’élément féminin est (signe des temps ?…) souvent moteur. Dans le cas des Little Red Lauter on retiendra avant tout une vision dépouillée et minimaliste du folk. Celui-ci trouve ici et paradoxalement une complexité qui le dégage de toute « vision scout » du genre. Le bucolique countriesque est désamorcé parfois non sans humour soit par une boîte à rythme (même si le plus souvent les percussions restent très discrètes) soit un banjo qui remplace avec une impertinence maligne la guitare.

Slow Down crée un univers particulier. Et le seul problème de sa réussite tient sans doute à la nationalité de ses membres. Il reste toujours difficile à un groupe hexagonal de se faire reconnaître sur la scène internationale. Ils sont pourtant armés pour le faire. La singularité du duo est indéniable. Elle repose sur des repères que le couple décale habilement soit pour les abstraire soit pour créer des sorte de cavités sonores fascinantes dans une forme de clarté et de simplicité (ce qui n’est jamais simple). Au lieu de chercher des lignes de fuite Slow Down s’agrippe à ce qui ramène à l’être et à son sol. Le cours dépressif du monde se perd et surgit le sens même d’une musique qui se veut sinon rédemptrice du moins réconciliatrice.

Elle ne cherche ni à fuir dans son propre commentaire ou dans l’indifférence envers le réel. Elle fait beaucoup mieux. Car le duo imprime une musique dont le rythme écarte ce qui est platement représentatif en particulier dans la folk. L’écriture musicale dérive, réveille, révèle, se surprend elle-même mais juste ce qu’il faut en une sorte de danse qui n’a rien de la gigue. Slow Down atteint donc un espace minimaliste fait de retenu plus que d’abandon. Preuve que cette musique est construite – et non à la va vite – jusqu’à atteindre des souffles qui montent en divers états de renaissance.

Le MySpace de Little Red Lauter.

Lafayette

Les Lafayette ne portent pas leur nom par hasard. Ces quatre français sont engagés dans une guerre ouverte contre l’empire Brit-Rock, en proposant une musique qui y puise ses origines, certes, mais qui a pris une personnalité américaine dans la puissance du son et de la production, et surtout dans la Soul et le Groove qu’elle propose, portée par les trois musiciens et par Nathalie. Sa voix grave, tantôt sensuelle, tantôt énervée, mais toujours maîtrisée (tout comme l’anglais), rappelle parfois Robert Plant dans ses délires vocaux, ou encore les Four Non-Blondes avec plus de nuances. Véritable guerrière du groove, elle mène ses hommes par le bout de l’instrument dans une lutte pour la soul.

La bataille que livre Lafayette est sans faute. Le groupe pilonne l’adversaire avec dix titres qui ne ratent jamais leur cible. Le groupe ne relâche jamais son attention et tient chaque seconde et chaque note tel un vrai maître de guerre tient ses soldats. Le groupe ne rompt jamais les rangs de la Soul-Rock et offre un schéma de combat droit mais sûrement pas répétitif : surprendre l’ennemi en conservant sa rigueur, voilà sa devise. Le groupe ne s’épuise même pas à la fin. En fait, la bataille sera rapidement gagnée : au bout de 38 minutes seulement, le royaume Brit-Rock est à terre et doit capituler. “My Cars” est le coup de grâce, “If I” le requiem. Lafayette a remporté une deuxième guerre face au royaume d’outre-Manche. Les affrontements ont été propres, rythmés, voire sensuels. Dans ce cas-là, on en redemande.

photo © Olaf-Daniel Meyer

Néanmoins, le doute subsiste. Si Brave new world avait été des plus marquants, et pas seulement en raison des retours conjoints d’Adrian Smith et de Bruce Dickinson dans la formation, Dance of death et A Matter of life and death, sans être ratés, s’étaient révélés des plus communs. Au final, un ou deux morceaux sortaient du lot, mais le reste restait assez nébuleux. A se demander donc si Steve Harris et consorts sont en mesure de danser entre les astéroïdes, tel un Faucon Millenium voguant sous pavillon britannique, ou si le crash est inévitable.

Les singles proposés, censés donner le ton de l’album, laissent au final une impression mitigée. Le trailer de l’album, aussi avant-goût du clip de “Satelite 15… The Final frontier”, piquait la curiosité dans sa version courte mais pique au final la rétine avec ses effets spéciaux un peu datés. “El Dorado”, offert en libre téléchargement avant la sortie de l’album et doté d’une esthétique comic de science fiction des années 50, dispose également d’un charme quelque peu suranné, ne parvenant pas réellement à surprendre sans pour autant déranger.

Il serait grandement exagéré d’affirmer que le reste de l’album est de la même teneur. Certains travers sont néanmoins à noter. Ainsi “The Alchemist” sonne familier aux oreilles en raison d’un certain parallèle pouvant être établi avec “Flash of the blade”. Ce mécanisme d’autoréférence semble inévitable compte tenu de la longévité du groupe, mais peut parfois agacer, d’autant plus qu’il n’est pas circonscrit à un seul morceau. Iron Maiden ne fait pas que se répéter, et certains passages font preuve d’une réelle vitalité artistique. L’impression ne persiste pas cependant sur la totalité des morceaux concernés, des figures plus connues survenant à un moment ou un autre.

The Final frontier s’inscrit dans la lignée de A Matter of life and death. Il s’agit d’un album long, teinté de progressif, avec des fragments rappelant certains moments de bravoure passés. Clins d’œil pour certains, resucées pour d’autres, ces références ne doivent pas occulter la réelle vitalité musicale des membres. Pour autant, il est possible de se demander si Iron Maiden, indéniablement le vecteur le plus rentable pour leur art, en est toujours celui qui est le plus adapté à leur évolution.

1. Satellite 15… The Final frontier
2. El Dorado
3. Mother of mercy
4. Coming home
5. The Alchemist
6. Isle of Avalon
7. Starblind
8. The Talisman
9. The Man who would be king
10. When the wild wind blows

Site : http://www.ironmaiden.com

Le nom du groupe Flyingdeadman renvoie, par association d’idées, à la chanson “Living dead girl”, de Rob Zombie. Aussitôt les images du clip, très fortement inspirées par l’expressionnisme allemand et le film Le Cabinet du Docteur Caligari de Robert Wiene en particulier, reviennent en mémoire. Pour autant, difficile d’affirmer, à moins d’être frappé de surdité profonde, que l’album w.e.n s’inspire, même de manière indirecte, de l’œuvre musicale du fondateur de White Zombie. Quelques beuglements ne sauraient suffire. Rien à voir donc.

Mais. Oui, il y a un mais. La notion d’expressionnisme évoquée plus haut n’est pas totalement étrangère à ce que propose Flyingdeadman. Les constructions des compositions ne s’inscrivent pas dans des archétypes précis. Parfois, ce sont des nappes de clavier qui s’entrecroisent, l’une glaciale et l’autre brûlante, pour se mêler et diffuser une douce chaleur à celui qui écoute. A d’autres moments, les instruments tressent une ligne qui s’élève, ponctuées de hurlements ou de complaintes. Certains morceaux débutent quant à eux de manière quasi bruitiste pour se terminer par des structures plus traditionnelles. Et ces efforts tant de diversité que de singularité, loin de créer un univers en patchwork et de dérouter, confèrent une réelle identité à l’album. Sans avoir besoin de s’attacher en particulier à l’une des composantes des morceaux, il est possible de se reculer pour apprécier l’ensemble. Comme dans l’expressionnisme, la réalité peut ainsi se voir transposée sans pour autant se désagréger, et la poésie mélancolique de l’ensemble fait mouche.

Avec w.e.n, Flyingdeadman offre un objet musical peu orthodoxe. Une chose qui ne rentre pas forcément dans une typologie connue, qui a des côtés particuliers et parfois semble le fruit d’une géométrie non euclidienne, mais dont il est parfois difficile de se détacher.

1. Why
2. Sunday 12
3. Black sun
4. Once again
5. Drifting alone
6. w.e.n
7. Sunday 12 (remix par The Noein)
8. Black sun (remix par 3tin)
9. Drifting alone (remix par ohbymon)
10. Its (Flyingdeadman feat. 3tin, ho4x et Noli)

Myspace : http://www.myspace.com/flyingdeadman

A 73 ans celui qui fut l’ami de Beckett hier et de Lou Reed ou Laurie Anderson aujourd’hui reste un musicien particulier. Plus que tout autre il fait le pont entre musique pop et musique savante. Son minimalisme s’y prête. De son initiation musicale avec la mythique Nadia Boulanger aux échos de ses embardées indiennes avec Ravi Shankar (avant les Beatles), du rejet du monde du classique pour un avant-gardisme qui n’hésite pas à flirter avec le monde de la Pop, Glass a écrit des kilomètres de partitions répétitives. Elles sont parfois accrochées et exposées au mur de galeries. Certaines sont si longues que les musiciens devaient se déplacer pour suivre la mesure. Glass a aussi étudié la philosophie non sans utilité (euphémisme) pour l’évolution de sa quête musicale et scénique. Il a fait des rencontres étonnantes sur son chemin : Martin Scorsese, Woody Allen, Allan Ginsberg, John Cage, Patti Smith doivent être ajoutés, même si ne sont les seuls, aux déjà cités Beckett ou Reed.

Septuagénaire sans descendance et sans de véritables disciples même s’il est copié et remixé dans le monde de l’électro, celui qui refuse l’étiquette de minimaliste reste l’inventeur de la musique répétitive plus que Reich, Adams et quelques autres. Sa musique est devenue quasiment un marqueur culturel qui baigne l’univers sonore des années 70 à nos jours. Le créateur a toujours su s’adapter aux contingences et aux propositions qui n’ont pas manqué de s’offrir à lui. D’une pièce de Beckett à un texte de Burroughs, de Genet ou de Kafka, d’un film de Scorsese à une pièce de Bob Wilson (avec lequel fut créé le chef-d’oeuvre Einstein on the Beach), Glass a su toujours rester lui-même tout en se mettant au service de l’œuvre à laquelle il participait.

Célébré dans les dix dernières années autant pour sa B.O. du film sur Virginia Woolf (The Hours) que pour son oratorio space et écolo Itaipu, le musicien a toujours trouvé avec les metteurs en scène de théâtre et les réalisateurs de films une complicité particulière. Qu’ils soient vivants ou, comme avec Dracula, morts. A l’aspect très expressionniste et kitsch – forcément kitsch – du film de Browning, Glass ouvre une perspective de déconstruction habile. L’outrance est volontairement gommée sans toutefois disqualifier au contraire le charme horrible du film. Au lieu de simplement habiller le film d’éléments emphatiques, Glass crée une ossature et une atmosphère habilement délétères et étouffantes mais selon une autre esthétique que celle que Browning pouvait inspirer son film à des créateurs exsangues (c’est le cas de dire !) en ses poses ouvertes à l’effusion lyrique.

Glass ne cherche ni l’émotionnel ni à s’immerger dans le mystère qui imprègne le château du Comte. Plus qu’une longue péroraison démonstrative il joue de la réserve qu’il compose et dirige à la perfection à Lyon à la tête du Kronos Quartet. La B.O . de « son » Dracula semble neutre par rapport aux côtés exagérément sombres ou chargé de clichés expressionnistes de Browning. Mais c’est tant mieux. Glass déroule ses accords et ses rythmes comme s’il restait en distance par rapport à l’horreur de Dracula. Mais cette apparente indolence cache tout le poids de la dramatique du film. Peu à peu, elle devient oppressante. Elle s’insinue via la musique qui sous-tend la dramaturgie dans le spectateur. Celui-ci finalement retient son souffle dans le secret espoir de ne pas être témoin de ce qui se prépare dans les montagnes les plus reculées des Carpates.

Le chef d’œuvre prend ainsi un coup de neuf et une couche (qui n’est pas simplement de vernis) de post-modernité intelligente. Et à ce grand mythe et film fantastiques des années trente produit par les studios Universal Glass donne sa marque. Elle n’aurait sans doute pas déplu à Tod Browning et Bela Lugosi. Les prouesses narratives de l’un, la performance d’acteur de l’autre trouvent dans Glass une référence inattendue, surprenante mais efficace car sans redondance. La musique transcende et intensifie autant les images, le dialogue que le jeu des acteurs. C’est d’ailleurs – juste retour des choses – Universal qui a demandé à Glass pour son monument du cinéma d’horreur cette nouvelle partition musicale. On le sait déjà : elle fera date. Elle est d’ailleurs disponible aux USA sur le prestigieux label Nonesuch.

Dracula. La musique et le film.
envoyé par NuitsdeFourviere. – Clip, interview et concert.