Ne nous y trompons pas, Musée Mécanique en dépit de son nom n’a rien de français. Sean Ogilvie et Micah Rabwin ont choisi ce patronyme par référence au “Mechanical Museum” du Fisherman’s Warf de San Francisco. Ce lieu est devenu le temple de tous les instruments des musiques mécaniques ainsi que des jukeboxes et depuis quelques temps déjà de toutes les consoles vintages des premiers temps des scratches.

Toute une école californienne de musique pop s’intéresse aux instruments mécaniques même les plus simples et basiques (style orgues de barbarie) sous l’influence d’un maître européen de musique “savante” : Ligeti relayé dans les déserts californiens par Conlon Nancarrow. Ce n’est pourtant pas chez lui qu’il faut chercher l’influence majeure de Hold This Ghost. Pour le duo de Musée Mécanique la “machine” est traitée de manière plus aérienne et dream-pop. L’univers reste avant tout nostalgique, mélancolique. Aux antiquités tout droit sorties du Mechanical Museum (Harmonium, glockenspiel) viennent se joindre les instruments moins forains (guitare sèche, caisse claire, piano) afin de créer la musique caractéristique du groupe.

On sait qu’existent deux mouvements majeurs en Californie. La musique surf & sun d’un côté et une musique plus brumeuses de l’autre. Cette dernière se retrouve généralement dans les brouillards de San Francisco. Mais pour Ogilvie et Rabwin la ville était encore trop solaire. Ils l’ont fui pour rejoindre plus au nord l’Oregon et Portland. De cet « exil » émerge ce nappage particulier dans une fusion de Nick Drake et du Floyd avec des accents folk. D’où une atmosphère contemplative et faussement nonchalante. L’ensemble demeure sensuel et cérébral. Il s’agit d’un cocktail saisissant, harmonieux et surtout accessible en dépit de ses (légitimes) ambitions expérimentales.

Le MySpace du groupe.

Les habitués de la scène reconnaîtront certains des morceaux déjà parus au gré de nombreuses compilations, de mixes, ou encore diffusés en masse sur les radios spécialisées (le titre “Rock it” en particulier). C’est donc en partie en terrain connu qu’on promène. Le sentiment est accru par le fait que les morceaux moins diffusés ne surprennent pas vraiment. On a là de la liquid assez convenue, des sons familiers et des beats classiques. Des mélodies assez basiques composées de 3 notes au synthé et une recette qui ne change pas  ostensiblement d’un titre à l’autre : sons 8 bit, samples de voix très house, montées lentes et breaks interminables, nappes planantes envahissantes. C’est, en vérité, du High Contrast en un peu moins mainstream, mais en bien plus ennuyeux. En dehors de “Rock It” et son caractère affirmé, les morceaux alternent entre le profondément soporifique (le closer “Coming Closer”), le vulgaire ibizien ou la repompe éhontée de Pendulum (”Splash” et “Timewarp”).

J’avoue ne pas saisir l’engouement pour cet album. Qu’il n’y ait pas énormément de concurrence aide à comprendre cette victoire. Aussi, en un sens, cet album est homogène dans sa qualité (médiocre). Racoleur, peu inspiré et facile, ce disque est digne de passer sur FunRadio. Ce qui n’est pas vraiment un critère d’appréciabilité ici.

L’inquiétante demoiselle, avant d’incarner Fever Ray, a été remarquée pour son action au sein de The Knife, duo formé en compagnie de son frère Olof Dreijer. L’entreprise electro, sans sombrer dans le bariolé ou l’acidulé, dispose d’une palette chromatique assez étendue, à même de chatouiller la rétine autant qu’elle fait vibrer les tympans. En revanche, le projet solo de Fever Ray se peint uniquement en noir et blanc. Principalement en noir à vrai dire.

Prolongées par un artwork digne d’une gravure de vieux contes (sans fée, mais avec des faux airs d’Ozzy Osbourne), les compositions electro-dark tressent une atmosphère lourde et oppressante, très rarement percée de rayons de légèreté. Certains morceaux se montrent assurément étouffants, notamment “Concrete Walls”, qui semble sorti de l’esprit un rien dérangé d’un charmant sociopathe en goguette. Cette plongée dans les méandres d’une âme un soupçon tourmentée génère un malaise indéniable. Et permet de tracer un parallèle avec un genre musical objectivement différent, le black métal.

Exception faite des atours musicaux forcément plus brutaux chez nos amis cavernicoles et brûleurs d’églises, une évidente vibration malsaine et démente anime Fever Ray. Et il apparaît même que la délicate Karin pourrait en raconter à bien des vikings bardés de cuir, hérissés de clous et peinturlurés en noir et blanc. Sur ce dernier point, le maquillage de la dame, directement inspiré des calaveras mexicaines, présenté dans le clip de “If I had a heart“, est sans conteste bien plus effrayant qu’un congrès de la Kiss Army (quoique).

Au final, avec ce projet solo, Karin Dreijer Andersson a frappé un grand coup, qui résonne encore un an après la sortie de Fever Ray. Projetant de grandes gerbes dégoulinantes sur les murs d’une musique électronique déjà dépolie, les pistes s’écoulent le long des parois en de longues phrases glauques, mais tellement intéressantes. Vu qu’il ne nous appartient pas de faire le ménage et de nettoyer les sols, peu nous chaut. Et alors que vient juste d’être révélé le dernier album de The Knife, on se prend déjà à espérer les prochaines névroses de la moitié féminine du duo.

1. If I had a heart
2. When I grow up
3. Dry and dusty
4. Seven
5. Triangle walks
6. Concrete walls
7. Now’s the oly time I know
8. I’m not done
9. Keep the streets empty for me
10. Coconut

Myspace : http://www.myspace.com/feverray

Site : http://www.feverray.com

Le Clip de “If I Had a heart” : http://feverray.com/video/if_i_had_a_heart_video.html

]]> http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1347/2010/03/09/fever-ray-%e2%80%93-fever-ray-2009-v2-records-international/feed/ 4 http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1347/2010/03/09/fever-ray-%e2%80%93-fever-ray-2009-v2-records-international/ http://feedproxy.google.com/~r/immortels/~3/vMJYqOxDrTc/ http://www.lesimmortels.com/blog/chronique-musicale/1334/2010/03/08/gamma-ray-freedom-call-secret-sphere-paris-10022010/#comments Mon, 08 Mar 2010 12:11:20 +0000 JB http://www.lesimmortels.com/blog/?p=1334

En cet hiver glacial, seule une affiche prometteuse comme celle-là pouvait réchauffer nos cœurs givrés.]]>

En cet hiver glacial, seule une affiche prometteuse comme celle-là pouvait réchauffer nos cœurs givrés. Dans l’ombre du Zénith sied une salle rikiki qui accueille de temps à autres ce genre de concerts musclés : le Trabendo. Non pas qu’elle soit particulièrement adaptée à l’événement, mais en ces temps de crise, mieux vaut assurer le coup. Gamma Ray qui a rempli deux fois l’Élysée Montmartre l’année dernière (lors de sa double-headliner tour avec Helloween) a dû se sentir un peu à l’étroit…

Qu’importe, l’endroit est plein comme un œuf au moment où les italiens de Secret Sphere investissent la scène dans une configuration minimaliste, empiétée qu’elle se retrouve par l’imposant kit de Dan Zimmerman. Eux qui tentent de se faire une place sur la scène européenne depuis un bon moment, à l’image de moult groupes italiens trop souvent cruellement sous-estimés, ont l’occasion de se montrer à l’échelle continentale, et ils ne s’en privent pas. Le speed metal est une spécialité transalpine, et force est de constater qu’ils maîtrisent très bien cette discipline, en toute circonstance. En effet, le chanteur habituel de cette formation ayant dû déclarer forfait pour cause de mauvaise grippe, c’est le frontman de Trick Or Treat qui le remplace, avec succès. Les compos du groupe sont assez prévisibles mais les musiciens compensent cette petite faiblesse par beaucoup d’envie et un charme indéniable. « Welcome To The Circus » ou le « Dance With The Devil » final laissent entrevoir un potentiel non négligeable, et le public ne s’y trompe pas. L’accueil est chaleureux et malgré quelques blagues vaseuses entre les morceaux, sur la sexualité de la première dame de France notamment, cette mise en bouche s’avère agréable même si relativement inoffensive. Heureusement on se dit alors que les deux gros morceaux de la soirée vont combler ce manque avec tellement d’évidence qu’on oubliera bien vite nos gentils ritals…

Les lumières se rallument et c’est l’occasion de jeter un œil à la salle, où se pressent un public majoritairement composé de jeunes venus voir de plus près leurs idoles. Et surprise, ce n’est pas pour Gamma Ray qu’ils s’enthousiasment, mais plutôt pour Freedom Call. Ceux-ci ont su conquérir une fanbase avec un style porteur facile à appréhender, des mélodies évidentes et enjouées, et ce dès son premier fait d’arme, Stairway To Fairyland. Si les premiers albums du groupes et ses bonnes prestations en live suscitent l’enthousiasme, les récentes productions incitent plutôt au scepticisme. D’où l’intérêt de ce concert parisien, qui va nous permettre de jauger les allemands, qui désertent la France depuis cette date avec Rage en 2007.

Le noir se fait au son d’une intro épique, et alors qu’on joue des coudes aux premiers rangs, Chris Bay et consorts apparaissent sous l’ovation du Trabendo. Les premières notes de « We Are One » résonnent, et dès cet instant, je sais pertinemment que je vais passer un sale moment. En un peu moins d’une heure, Freedom Call va montrer – avec le sourire – ce qu’ils ont de plus agaçant, kitsch et irritant. A l’oreille, on a l’impression d’avoir un récital de comptines vaguement boostées à la double pédale. Les refrains des nouveaux morceaux sont plus énervants encore que ceux des premiers disques, avec en tête les édifiants « Tears Of Babylon » et « Merlin », issus du dernier opus. Les « Wooo-hooo-hooo » qui sont légions donnent littéralement des envies de meurtre, et à voir le public reprendre niaisement ces mélodies à 3 DM, on frise la crise de larmes. Visuellement aussi, c’est consternant. Chris Bay est une véritable caricature, ses acolytes, notre pauvre Cede Dupont national en tête, semblent comploter ensemble afin de m’énerver d’avantage encore, leurs chœurs trop polis pour être crédibles enfonçant le clou dans mes pauvres tympans à l’agonie. Dan Zimmermann ayant quitté Freedom Call pour se consacrer à Gamma Ray, c’est l’ex-Primal Fear Klaus Sperling, qui au passage a pris un sacré coup de vieux, qui officie derrière les fûts pour cette tournée. Et le pauvre semble se faire chier autant que moi. Et quand ce n’est pas les compos qui sont foireuses, c’est la voix du groupe qui lâche, Chris peinant manifestement dans les aigus de « Land Of Light » et « Freedom Call ». Il est grand temps de mettre un terme au carnage. Le Trabendo n’y a toutefois vu que du feu et acclame ses héros !

Passons sur cette cruelle déception personnelle, à laquelle j’avais cela dit tout lieu de m’attendre… Pendant que la foule reprend son souffle, on installe à l’arrache un backdrop huit fois trop grand pour le fond de scène, deux ou trois éléments de décors sur le devant et dévoile la batterie pour la tête d’affiche de la soirée. Quelques semaines seulement après la sortie de To The Metal, un nouvel album studio mi-figue mi-raisin, Gamma Ray prend la route avec un lot de surprises sous le bras. Bonnes ou mauvaises, il tient aux 400 fans affamés présents ce soir d’en décider.

Ce qui n’est pas une surprise c’est de voir notre quartet débuter pied au plancher avec « Gardens Of The Sinner », le bon gros classique qui donne le ton en début de concert. Il n’en faut pas moins au Trabendo pour tout lâcher, quelques crowd surfers s’aventurant même sur la scène avant de s’en faire éjecter à coups de pied dans le derrière par un roadie pas content… Curieux de voir ce que les nouveaux titres donnent sur scène, les fans vont être servis : pas moins de cinq extraits de To The Metal seront joués ce soir, on est vraiment en pleine promo ! « Empathy » puis « Deadlands » s’enchaînent pour leur plus grand bonheur, puis « Mother Angel » vient démontrer que ces brûlots ne souffrent en aucun cas de leur transposition à la scène. Entre temps, le très speed « Fight » issu de Majestic avait déjà tout emporté sur son passage… Le son est honnête pour une petite salle, en revanche les lights aux couleurs primaires assurent vraiment le minimum syndical… Les infrastructures ne permettent que peu de liberté, mais on aurait apprécié un petit effort sur l’effet visuel. Statiques, les musiciens n’offrent pas non plus un grand spectacle même s’ils semblent tous heureux d’être là, c’est toujours ça ! La setlist nous offre alors un beau cadeau, « The Saviour » introduisant « Abyss Of The Void », un oublié de Land Of The Free, parfaitement exécuté, et assez bien reçu par un public toutefois quelque peu dérouté. Après un solo de batterie sympathique mais pas transcendant, « Armageddon » rend hommage à Power Plant avant que le « single » et titre éponyme du dernier album ne prouve que s’il est chiant à mourir sur cd, il prend une belle dimension en live. Les fans ne se font pas prier pour reprendre le refrain avec Kai et l’effet est assez impressionnant. Dommage qu’on enchaîne avec la ballade « No Need To Cry », dispensable, et qui casse une bonne dynamique. On commence à s’épuiser lorsque Gamma Ray passe la seconde : « Rebellion In Dreamland » et « Man On A Mission » viennent achever le Trabendo juste avant les rappels. Pas de reprise d’Helloween ce soir, ceux-ci consistent en « New World Order », une tuerie sur scène, et l’incontournable « Send Me A Sign » qui finit en beauté un concert donné à l’expérience par un groupe qui a connu mieux ici à Paris… et c’est réciproque.

Une soirée qui n’a pas tenu toutes ses promesses, mais dont on se contentera dans le contexte actuel, où plutôt rares sont les occasions de se réjouir…

Vouloir appréhender le monde musical de Schulze reste une gageure. Plus de cent albums ont paru sous son nom et ne se comptent plus ses innombrables – et  parfois improbables – participations à des sets studios et scéniques dont ceux avec Ash Ra Temple et les Cosmic Jokers de ses débuts. Le musicien allemand appartient à la catégorie des ogres musicaux au même titre que Zappa ou que ses anciens congénères de Tangerine Dream. Il les a quittés pour une carrière solo. En 1972 son premier album, Irrlicht, passe inaperçu, mais en 1977 il devient une rock star avec Time Wind et son rock psychédélique habilement monté dans un esprit free jazz. Peu à peu, il s’oriente vers des modes symphoniques de composition. Il les lie à l’improvisation dans des déclinaisons proches des concepts de  Picture Music et d’écoute active.

L ‘ensemble des C.D. de La Vie électronique permet de comprendre l’évolution et la structuration de sa musique depuis l’arrivée des premiers instruments électroniques qui ouvrirent sa musique à d’autres univers. Les différents Arp (le Soline, le 2600 puis l’Odissey) donnent au son de Schulze un grain particulier et une tonalité plus ou moins mystique. Parfois c’est un peu bricolé parfois ça flirte avec le Floyd pour le radicaliser loin des formules calibrées et commerciales. De longues plages développent des nappes planantes. Mais Schulze se souvient qu’il a été batteur et il reprend parfois les baguettes pour le plaisir de faire chuinter la résonance des filtres à travers une rythmique savamment bosselée.

Actif sur la scène musicale depuis 1967, Schulze est non seulement un des précurseurs du space-rock allemand mais encore l’un des premiers musiciens à expérimenter le synthétiseur. En introduisant des percussions électroniques dans sa musique, il reste (avec les Kraftwerk) le grand pionnier de la musique entièrement électronique et demeure le symbole (en France en particulier) de la musique planante. Il la pousse parfois soit dans un wagnérisme psychédélique, soit dans un minimalisme répétitif. Mais le plus souvent on navigue dans le cosmique. Et ce n’est pas par hasard si les « teknologistes » iront très vite lorgner du côté de l’artiste. Ils sont impressionnés par ses trames de fond auxquelles le fourmillement de l’échantillonneur bloqueur crée une sensation d’abîme et d’infini. Timewind en reste le meilleur exemple. Et dès l’époque originaire tout est en place en somme.

Mais le renouvellement d’un matériel de plus en plus sophistiqué permet à Schulze une progression dont les quatre ensembles de La Vie Electronique offrent plus qu’un échantillon. Ils sont à conseiller d’une part aux fans de Schulze bien sûr, mais à ceux dont l’électro est la culture de fond. Ils trouveront là bien des racines à leur goût musical. Qui aime le genre ne peut faire l’impasse sur le compositeur, producteur et instrumentiste. Même si, courtisé de près par des musiciens anglais de la vague techno, il s’égare parfois sous leur influence dans des productions discutables. Trancelation et Trance Appeal dérapent par exemple vers une musique dance floor. Mais l’artiste n’est pas dupe de ces errances et il a soin de publier ces dérives sans doute commerciales sous le pseudo de Richard Wahnfried.

Avec Klaus Schulze Goes Classic, il fait en quelque sorte amende honorable et revient à ses racines. Il va jusqu’à de l’opéra et à des œuvres faites pour les concerts. Son Das Wagner Desaster le ramène à un de ses musiciens de prédilection. Depuis l’artiste a tendance à republier ses œuvres ou à sortir des versions inédites du passé. Elles n’ont rien de fonds de tiroir. Et après un CD original très réussi (In Blue)  il publie une rétrospective d’inédits de 10 CD en série limitée intitulée Historic Edition. Leur succès l’entraîne – entre quelques publications de productions récentes – vers une boulimie rétrospective. 6 C.D. de morceaux enregistrés lors des débuts d’Ash Ra Temple sont réédités. Paraissent pour les cinquante ans de l’artiste 25 C.D. sous le titre Jubilee Edition. Vite épuisés, ils sont devenus des musts. Depuis, Schulze a publié deux autres coffrets de « listening music » sous le titre de Contemporary Works (16 CD au total) puis un triple live en 2001 et un autre en 2008. La même année en association avec Lisa Gerrard des Dead Can Dance il sort Farescape avant de publier les La Vie Electronique 1, 2, 3, 4.

On peut s’interroger sur une telle boulimie. Certes, Schulze est un de ces rares créateurs qui pendant tout un temps était capable de créer de la (bonne) musique « au mètre ». Chaque concert devenait pour lui (sous le nuage de shit des spectateurs spaces) un véritable lieu de création musicale. D’un point de départ connu, l’artiste fonçait dans des constructions nouvelles. La force créatrice de l’artiste faisait de chacun de ses spectacles la fabrication d’œuvres de pure improvisation « free jazz ». Peu de créateurs sont capables de cela. C’est d’ailleurs la raison du succès de cette masse de rééditions d’œuvres originales ou de version inédite. Dans chacune d’elle la créativité reste présente et on ne les écoute pas comme on visiterait un musée.

Chaque opus jette dans une méditation indicible, constamment renforcée par les nappes, les boucles, les variations créées par Schulze. Elles construisent un temps qui semble immense et fixe. L’artiste fait, dit-il, de lui comme de ceux qui écoutent sa musique « des oiseaux invraisemblablement posés et attentifs ». Chaque pièce nouvelle ou ancienne est toujours un trajet à parcourir dans une décomposition et une restructuration de l’imaginaire sonore. Et s’il est parti de Wagner, Schulze n’en accepte pas les réponses grandiloquentes (ou grandioses). Par mixages et structurations électroniques, il a fait de sa propre oeuvre quelque chose de monstrueux, d’hybride mais en une fusion qui n’a rien à voir avec les rituels wagnériens. Ne reculant jamais devant la disparité le musicien allemand a composé sa musique comme on inventa les dieux Ganesha et Anubis cher aux fumeurs de haschich. Elle a des têtes d’éléphant et de chacal sur des épaules d’hommes aux peaux rudes et aux attributs contradictoires dont la féminité n’est pas absente.

Site : http://www.klaus-schulze.com

Pourtant, dix ans après leur split, Atari Teenage Riot se reforme. On ne sait encore pas si le disque qui était en préparation au moment de la mort de Carl Crack sera finalisé et sortira, ou même si un tout nouvel album est sur le feu. La reformation porte pour l’instant sur une poignée de concerts et le groupe a choisi Limoges en France, le 7 mai prochain au CCM John Lennon. Alec Empire s’explique sur ce choix :

“Nous avons décidé de jouer à Limoges, dans le centre de la France, non seulement pour l’excellence du lieu, mais aussi pour la sincérité et l’enthousiasme avec lesquels le promoteur et l’équipe de la salle ont accueilli notre musique. Nous nous sommes refusés à jouer à Paris parce que là-bas la plupart des tourneurs n’ont rien à foutre des concerts qu’ils organisent, et leurs salles sont gérées comme des supermarchés. Le concert sera enregistré et filmé, pourquoi pas pour un futur DVD si le public est assez nombreux et prêt à se lâcher et prouver qu’il est chaud pour la révolution en marche…”

Atari Teenage Riot est connu pour son engagement extrême anti-fachiste, anti-nazi et anarchique, mais aussi pour l’ambiance électrique de ses concerts, où il ne fait pas bon être un agneau perdu dans la fosse. Vous êtes prévenus…

Mais au final ce léger étonnement n’est rien face à la surprise générée par l’écoute. Ainsi qu’ont pu le populariser des Inconnus illustres : « C’est fatigant l’éclectisme ! ». De par sa nature même, ce split vinyl comporte des compositions qui ne sont pas liées par un même fil créatif. L’existence d’une ligne de faille entre les prestations des deux artistes n’est en cela nullement incongrue. Il est en revanche plus marquant de constater une hétérogénéité réelle entre les titres proposés par un même auteur : l’ensemble aurait très bien pu être présenté comme une compilation de 4 auteurs sans que cela ne soulève un sourcil d’étonnement.

Ce vinyl, de bric et de broc, ne dispose pas d’une identité forte, mais bien d’identités marquées. L’expérience peut donner l’impression d’être un exercice de style, permettant à chacun des deux musiciens de s’illustrer dans un domaine particulier. Toutefois, l’effort ne dégage pas de côté « épate », ce qui rend l’écoute, brève, plutôt agréable. Il est cependant peu probable que chacun adhère aux quatre titres de la même manière.

1. Jonah Matranga – I’ve always wanted to write a song commanding people to dance !
2. Jonah Matranga – Daylight
3. Kevin Seconds – Grip on yr own
4. Kevin Seconds – Life unknown

Sites : http://www.jonahmatranga.com/

http://www.kevinseconds.com/

Souvent, l’écoute de compositions permet d’accéder à une narration, faite d’histoires ou de scènes tantôt graves, tantôt insignifiantes. Dans d’autres cas, ce sont des atmosphères, des tableaux qui sont dépeints, laissant ainsi le soin à l’auditeur de recomposer le fil de leur survenue ou de leur disparition. Ces procédés, connus, confèrent un aspect rassurant à l’expérience : une fois la technique identifiée, il est possible de poser quelques balises le long des pistes.

En revanche, il est plus surprenant de se retrouver face à un projet qui ne délivre que les échos d’une trame. Un peu à l’image de ce que les vestiges ou autres fossiles peuvent apporter comme précisions sur leur époque : le plus important n’est pas tant la découverte que son exploitation. En matière musicale, une autre difficulté se greffe : l’intervention de la validation scientifique, ou de la réfutabilité chère à Karl Popper, est inopérante. Chacun se trouve alors prisonnier de sa propre vérité.

Dans Okul, (<Ö>)  ne semble pas prodiguer tous les éléments de ses compositions. Si des accords, des plages, des vibrations sont bel et bien joués, la construction se poursuit tout autant dans l’emploi du silence, partie prenante des ambiances instillées. Les titres ne livrent ainsi qu’une partie des informations qu’ils ont pu recueillir, à l’image d’un bas-relief patiné par le temps. Seules les réminiscences d’une époque lointaine, par le temps ou l’espace, sont encore accessibles. A celui qui écoute de se perdre en conjectures.

Pour déstabilisant qu’elle puisse être, la technique utilisée n’est pas dénuée d’intérêt. Elle peut certes sembler stérile voire ennuyeuse, mais parvient quoi qu’il en soit à créer une atmosphère particulière, prompte à générer une projection dans l’entrelacs des courbes des temps et des notes.

1. Okul
2. Under the light of a black temple
3. Burst sand
4. Hostile blue
5. Sad & empty
6. The Bridge
7. At the end of the path

Myspace : http://www.myspace.com/oga-music

Son très heavy d’un côté, influence électro planante de l’autre ce dernier Xiu Xiu est donc le CD de l’alliance, ce qui ne veut pas dire pour autant de la sérénité. Tant s’en faut. Le gros son demeure toujours présent si bien que ce qu’on connaissait déjà ne semble pas avoir bougé. Toutefois, comme à chaque production de Jamie Stewart, quelque chose de neuf surprend. On apprécie en cela l’inventivité du maître de cérémonie. Sûr de sa voix il ne se contente plus de faire enfler la batterie mais au contraire il offre un délié non seulement des percussions mais de tous les autres instruments. Aux parties massives se plaquent des nappes sonores inattendues dans un mélange de glace et de feu.

N’est-ce pas là la marque d’un style glam électro noise qui a trouvé progressivement sa maturité ? A force de faire croire que heavy rime avec lourdeur on en oublie ceux qui savent le faire évoluer. Xiu Xiu est de ceux-là, fidèle à ses jeux de labyrinthes, de contradictions, d’oppositions parfaitement assumées. Très mélomanes les membres de groupe n’ignorent rien de toute la musique du temps : la metal mais aussi celles de créateurs avant-gardistes tels que Steve Reich et Tony Conrad. L’influence de ces deux derniers est parfois palpable dans divers types de boucles et d’étirements. Ceux-ci prouvent l’intérêt de groupe pour une sorte de power ambient et musclée (mais oui ça existe).

Le travail des Xiu Xiu reste donc loin de l’anecdote : ça bouge toujours dans leur ligne. Écouter Dear God I Hate Myself reste une manière de progresser musicalement parlant. Il suffit d’accepter des mariages qui peuvent sembler contre nature ou des infidélités notoires qui peuvent mener loin. Xiu Xiu est d’ailleurs un groupe “open” et Jamie Stewart l’a prouvé avec diverses alliances et contributions. Un tel album fait de nous des errants au sein des cristaux de ses perles plombées.

Meilleur DJ : Andy C
Meilleur album : SubFocus - SubFocus (Ram Records)
Meilleure DJette : Storm
Meilleur magazine : ATM/Atmosphere Mag (UK)
Meilleur disquaire : Redeye.com (UK)
Meilleur événement : Innovation in the Sun (Barcelone, Espagne)
Meilleur nightclub : Le Ram (Newham, Londres, UK)
Meilleure chanson : “Therapy” de Original Sin (Playaz Recordings)
Meilleure performance live : Pendulum
Meilleur producteur espoir : DJ Sly
Meilleur producteur : Original Sin
Meilleure radio internationale : Kool FM
Meilleure émission de radio : Fabio & Grooverider (BBC radio 1)
Meilleure MCette : Tali
Meilleur MC Old School : Bassman
Meilleur DJ Old School : Nicky BM
Meilleur DJ Tech : Noisia (NL)
Meilleur DJ Liquid : High Constrast
Meilleur MC catégorie “ambiance de malade” : Skibba
Meilleur MC catégorie “flow de dingue” : Eksman

Des grands noms pour des victoires indiscutables, et une soirée semble-t-il réussie.