Algum tempo atrás encontrei o texto Six Cultures of Play, do blog The Retired Adventurer, e depois assisti ao vídeo Cultures of Play no YouTube que pegou esse texto e trouxe ainda mais exemplos de mesas e sistemas. A junção dos dois abriu minha cabeça — e talvez abra a sua também. Juntos, eles me fizeram repensar como cada mesa de RPG cria suas próprias expectativas, estilos e até conflitos. Porque sejamos honestos: todo mundo já passou por aquele momento em que a mesa trava porque cada jogador espera uma coisa diferente. Um quer combate tático, outro quer improviso narrativo, e tem sempre alguém que só queria fazer roleplay dramático no bar da taverna. O resultado? Frustração, desencontros e aquela sensação de “esse jogo não é pra mim”.

A boa notícia é que dá pra mapear esses estilos e, quem sabe, descobrir em qual “tribo” você se sente mais à vontade.

Este guia é um mergulho nerd nessas culturas de jogo, no RPG, misturando explicação detalhada com exemplos práticos. Ao final, você terá uma boa ideia de onde se encontra e qual sistema pode encaixar melhor no seu estilo.

1. Classic – Vencer o jogo na unha

Esse é o RPG das cavernas (literalmente). Nasceu quando os wargames deram cria e viraram aventuras. Aqui, o mestre é mais árbitro do que narrador, e os jogadores usam sua própria inteligência pra superar desafios.

Imagina explorar uma dungeon como se fosse um boardgame hardcore: turnos, armadilhas, recursos limitados, morte à espreita. É jogar contra o jogo, não contra a história.

Exemplo atual: Shadowdark está bombando justamente por dar aquele gostinho de old dungeon crawl, mas com menos dor de cabeça que um AD&D raiz.

• Origem: Final dos anos 70, quando os wargames viraram RPGs.
• Características: O mestre é árbitro, não contador de histórias. Jogadores usam inteligência real, não só fichas. É explorar dungeons como se fossem tabuleiros brutais.
• Exemplos modernos: Shadowdark, Four Against Darkness.
• Diferencial: Não confundir com OSR. Classic é a raiz; OSR é o revival.

2. Tradicional – O mestre como contador de histórias

Nos anos 80, alguém olhou para um vampiro perdido num calabouço aleatório e perguntou: “Mas o que esse cara tá fazendo aqui?”. Nascia a narrativa como centro do RPG.

No Trad, o mestre é praticamente o roteirista e diretor da campanha. Os jogadores participam, claro, mas a história já tem uma espinha dorsal preparada. É por isso que módulos como Dragonlance e Ravenloft marcaram época.

Exemplo moderno: Pathfinder e Starfinder são minas de ouro pra quem gosta de aventuras prontas.

• Origem: Anos 80, com Dragonlance, Ravenloft e Call of Cthulhu.
• Características: Histórias pré-escritas, imersão e emoção. O mestre atua como narrador e roteirista.
• Exemplos modernos: Pathfinder, Starfinder, Magical Land of Yeld.
• Onde se encontra: Clubes e eventos de RPG com módulos prontos.

3. Story Games – Todo mundo escreve o roteiro

Aqui a chave vira: os jogadores puxam a narrativa. O mestre? Mais facilitador que narrador. Os enredos surgem na mesa, no improviso, e geralmente com um sabor muito próximo de filmes e séries.

Quer um exemplo clássico? Blades in the Dark. Jogue com sua gangue de criminosos e sinta como se estivesse num seriado da Netflix. Outro queridinho é Monster of the Week, que simula caçadas ao estilo Buffy ou Supernatural.

• Origem: Anos 90 com Vampire, consolidado nos 2000 com FATE e Apocalypse World.
• Características: Narrativa emergente, jogadores puxam a história, pouco preparo do mestre.
• Exemplos: Blades in the Dark, Monster of the Week, The Wildsea.
• Editoras de destaque: Evil Hat, Magpie Games.

4. OSR – O retrô com tempero moderno

Pensa no OSR como o synthwave dos RPGs. Parece velho, mas é novo. A ideia é resgatar o clima dos anos 80 — personagens frágeis, exploração, improviso — mas com regras modernizadas. OSR vem de Old School Renaissance/Revival, mistura nostalgia com modernidade. As decisões e a criatividade dos jogadores pesam mais do que as estatísticas da ficha, cabendo a eles explorar, improvisar e encontrar soluções por conta própria, mestre decide com base no bom senso.

É aquela mesa em que o mestre toma decisões no feeling, sem depender de regras pra tudo, e os jogadores têm que ser criativos (não adianta só rolar o dado e rezar).

Exemplos: o cultuado Mörk Borg (dark fantasy heavy metal) e seu spin cyberpunk CY_BORG.

• Origem: 2006 em diante, com retroclones como OSRIC.
• Características: Mistura de nostalgia com modernidade.
• Exemplos: Mörk Borg, CY_BORG, BREAK!!, Aether Nexus.
• Clima: Dark fantasy, mas também pode ser colorido e criativo.

5. Colaborativo – A era Critical Role

Com o boom de podcasts e streams, surgiu o estilo que mistura narrativa do mestre com protagonismo dos jogadores. Aqui, todo mundo brilha. As histórias são co-criadas, cheias de drama, e os combates servem ao enredo.

É o que você vê em Critical Role, Dimension 20 e outros programas: jogo, improviso teatral e fanfics prontas pra sair do forno.

Dica de sistema: Fabula Ultima, que bebe direto nos JRPGs, é perfeito pra esse estilo.

• Origem: Popularizado por streams como Critical Role e Dimension 20.
• Características: Narrativa + protagonismo. Todos brilham, mestre é facilitador. Muito drama, co-criação e homebrewing.
• Exemplos: Fabula Ultima, Daggerheart, Drakonym.
• Nota: Conhecido no artigo original como “Neo-Trad”, mas hoje o termo mais usado é Colaborativo.

6. Tático – RPG ou videogame?

Esse é pra quem gosta de planilha de combate e mapa quadriculado. O Tático mistura roleplay livre com batalhas altamente estratégicas, quase como um XCOM ou Baldur’s Gate.

É o herdeiro espiritual do D&D 4ª edição. Hoje, jogos como Lancer (mechas no espaço!) e Beacon (fantasia heroica) carregam essa tocha.

• Origem: Herdeiro espiritual do D&D 4ª edição.
• Características: Roleplay livre fora do combate, mas lutas são extremamente estratégicas. Lembra XCOM ou Baldur’s Gate.
• Exemplos: 13th Age, Lancer, Beacon.
• Tendência: Cresce com jogadores vindos de videogames.

7. GMless – Sem mestre, sem problema

Já pensou jogar RPG sem mestre? Pois é, dá pra fazer. Jogos GMless usam oráculos, tabelas aleatórias e emuladores (como Mythic GM Emulator).

Isso abre espaço pra aventuras solo ou grupos que preferem dividir igualmente a narrativa.

Exemplo: Ironsworn: Starforged é um prato cheio pra quem curte ficção espacial e liberdade total.

• Origem: Consolidação recente (anos 2010 em diante), mas práticas semelhantes já existiam em nichos desde os anos 80.
• Características: RPGs sem mestre, usando tabelas, oráculos e emuladores como o Mythic GM Emulator.
• Exemplos: Ker Nethalas, Ironsworn, Ironsworn: Starforged.
• Uso: Popular em aventuras solo ou mesas mais democráticas.

8. Escrita Criativa – RPG como diário

Esse é o mais diferente de todos. São jogos em que você escreve cartas, registros ou até áudios como se fosse o personagem. Mais literatura interativa do que jogo.

É desafiador, mas também libertador. No contexto de RPG de Escrita Criativa, significa que em vez de interpretar o personagem apenas em fala ou ação, o jogador escreve como ele relata acontecimentos: uma carta para outro personagem, anotações em um diário, ou até um registro de missão. Isso dá ao jogo um tom mais literário, parecido com romances epistolares (como Drácula ou As Ligações Perigosas), em que a história é revelada através desses textos.

Exemplos: Thousand Year Old Vampire (uma saga de memórias que se perdem no tempo) e Koriko: A Magical Year (um RPG fofíssimo no estilo Kiki’s Delivery Service).

• Origem: Derivação dos GMless.
• Características: Jogos em que você escreve cartas, registros ou diários. Mais literatura interativa que jogo.
• Exemplos: Thousand Year Old Vampire, Koriko: A Magical Year, Colostle.
• Estilo: Narrativa epistolar, criativa e reflexiva.

Comparativo Geral

Então… qual é a sua cultura de jogo?

A verdade é que ninguém precisa se limitar a um só estilo. Eu mesmo já joguei OSR com clima de história colaborativa, e uma campanha Trad que descambou pra Story Game no improviso ou com momentos táticos(quando ainda nem tinham esses nomes e classificações).

Sistemas influenciam, mas no fim das contas quem define o estilo é a mesa. Saber disso ajuda a evitar conflitos, encontrar grupos compatíveis e, principalmente, se divertir mais. Se você entende qual é o seu “DNA de jogador” (ou o “DNA da mesa”, no caso do Mestre), evita frustrações e encontra grupos mais compatíveis.

E, cá entre nós, nada impede de experimentar todos. Afinal, RPG é sobre contar histórias — seja matando goblins, seja escrevendo cartas de vampiros milenares. Em qual dessas culturas você se encontra? Já bateu aquele choque de expectativas na sua mesa?

Fontes:

• Blog The Retired Adventurer: Six Cultures of Play
• Vídeo YouTube: Cultures of Play

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O Título e o Caminho até o Domínio Público

Originalmente, o filme de Romero se chamaria Night of the Flesh Eaters (ou A Noite dos Devoradores de Carne), um título que hoje soa datado e menos impactante. Pouco antes da estreia, a equipe decidiu mudar o nome para Night of the Living Dead, um título mais sugestivo e instigante, que captava melhor o tom sombrio e aterrorizante da história. No entanto, esse ajuste acabou desencadeando um erro fatal: ao atualizar as cópias do filme para distribuição, o editor responsável pelo processo esqueceu de inserir a notificação de copyright obrigatória na nova versão.

O Prejuízo para Romero e a Liberdade para Outros Criadores

A falta de proteção de copyright significou uma perda financeira significativa para Romero. Embora o filme tenha arrecadado cerca de 30 milhões de dólares nas bilheterias, Romero recebeu muito pouco desse valor. Como qualquer pessoa podia reproduzir e distribuir o filme, diversas empresas lançaram suas próprias versões do VHS e, mais tarde, DVDs, sem repassar um centavo para o diretor.

Além das perdas monetárias, Romero também perdeu o controle criativo sobre a distribuição do filme. A obra tornou-se uma presença constante em exibições de televisão e foi usada em outros filmes e programas de TV sem a necessidade de qualquer permissão ou pagamento de royalties. É comum, por exemplo, ver cenas de A Noite dos Mortos-Vivos na tela de fundo de outros filmes, um efeito direto de sua condição de domínio público.

A Explosão dos Zumbis na Cultura Pop

Curiosamente, o acesso irrestrito ao filme acabou sendo um golpe de sorte para o subgênero zumbi. O fato de A Noite dos Mortos-Vivos ser domínio público fez com que o filme fosse exibido repetidamente em redes de televisão, tornando-o muito popular entre o público. Esse constante contato com a obra de Romero aumentou o interesse pelos zumbis e pela estética apocalíptica do filme.

Além disso, a ausência de copyright permitiu que outros cineastas e artistas se apropriassem livremente do conceito de zumbis. Romero havia reinventado os mortos-vivos, introduzindo-os como seres canibais, lentos e aterrorizantes, em vez dos tradicionais mortos-vivos do folclore haitiano, associados à magia e ao controle de terceiros. A partir daí, o arquétipo do zumbi como o conhecemos hoje — um cadáver ambulante faminto por carne humana — começou a ser amplamente explorado por outras produções, consolidando o zumbi moderno como um símbolo do horror e da crítica social.

Romero e o Legado dos Zumbis

Apesar de não lucrar diretamente com A Noite dos Mortos-Vivos, George Romero continuou explorando o universo dos zumbis e lançou outros filmes no mesmo estilo, incluindo O Despertar dos Mortos (Dawn of the Dead, 1978) e O Dia dos Mortos (Day of the Dead, 1985). Essas obras, com direitos devidamente protegidos, ajudaram Romero a obter retorno financeiro e consolidaram seu legado como o “pai dos zumbis modernos”.

A partir de seu trabalho inicial, os zumbis evoluíram para se tornarem um reflexo das preocupações e ansiedades da sociedade moderna. No universo de Romero, esses monstros simbolizam o medo do apocalipse, da perda de identidade e até mesmo da alienação e consumo em massa — temas que se repetem em obras como The Walking Dead e Resident Evil.

Um Erro que Criou um Fenômeno

Talvez sem o descuido do editor ao esquecer o aviso de copyright, os zumbis não teriam se tornado tão populares e influentes na cultura pop. Esse erro burocrático permitiu que o conceito fosse explorado e reinventado inúmeras vezes, permitindo ao gênero de terror uma expansão sem precedentes. Se Romero perdeu financeiramente com A Noite dos Mortos-Vivos, ele ganhou em reconhecimento e impacto cultural, criando um legado que inspira filmes, séries, livros e games até os dias de hoje.

A Noite dos Mortos-Vivos é, portanto, um exemplo único de como o acaso pode transformar uma obra em fenômeno cultural. A liberdade com que o filme circulou abriu as portas para um gênero que hoje é sinônimo de crítica social e entretenimento, e tudo isso graças a um erro aparentemente pequeno, mas com consequências enormes.

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Hoje, 29 de agosto, é uma data icônica para os fãs da franquia O Exterminador do Futuro. No universo da série, é o dia em que a Skynet, a temida inteligência artificial, se torna autoconsciente, marcando o início do apocalipse das máquinas, também conhecido como o “Dia do Julgamento”. Esse marco fictício, que já aterrorizou gerações de espectadores, continua a ressoar em 2024, mas não sem sua dose de controvérsias e novidades.

Fake News e a Data de 29 de Agosto

Nos últimos dias, circularam nas redes sociais diversas fake news atribuindo o “Dia do Julgamento” a este 29 de agosto de 2024. Essas notícias falsas, que ganharam tração em plataformas como Twitter e Facebook, confundiram muitos internautas, especialmente aqueles que não estão familiarizados com os detalhes da franquia. Essas desinformações destacam a facilidade com que eventos fictícios podem ser distorcidos e apresentados como reais, especialmente em um cenário digital saturado de informações mal verificadas.

A Nova Animação de O Exterminador do Futuro

Coincidentemente, neste mesmo dia 29 de agosto, a Netflix lança uma nova animação baseada na franquia O Exterminador do Futuro. A série promete trazer uma nova perspectiva sobre o eterno conflito entre humanos e máquinas, explorando novos personagens e expandindo o universo já tão amado pelos fãs. Com visuais impressionantes e uma narrativa envolvente, essa nova produção tem tudo para cativar tanto os antigos seguidores quanto uma nova geração de espectadores.

A Relevância Contínua de O Exterminador do Futuro

Mas por que a data de 29 de agosto continua a ser relevante, mesmo décadas após o lançamento do primeiro filme? A resposta está na forma como a franquia aborda temas universais e cada vez mais atuais, como o avanço da inteligência artificial e os perigos de uma tecnologia que pode sair de controle. Em uma era onde a IA já desempenha um papel significativo em nossas vidas, desde assistentes virtuais até sistemas de vigilância, as lições de O Exterminador do Futuro parecem mais pertinentes do que nunca.

Curiosidade: a Skynet também cruzou o caminho de outro ciborgue famoso do cinema. Na HQ Robocop vs. O Exterminador (1992), de Frank Miller e Walt Simonson, a tecnologia usada para criar o Robocop acaba ajudando no surgimento da Skynet. Contamos essa e outras histórias no guia completo do Robocop.

Este 29 de agosto não só marca uma data fictícia importante, mas também serve como um lembrete para a necessidade de pensarmos criticamente sobre o papel da tecnologia em nossas vidas. Além disso, com o lançamento da nova animação na Netflix, é um ótimo momento para revisitar a franquia e refletir sobre o que ela nos diz sobre o futuro — e o presente.

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Essa é a premissa de Dungeon Meshi (ダンジョン飯, Danjon Meshi, lit. “Dungeon Meal”), anime de comédia e fantasia que conquistou os fãs de animação japonesa e RPG desde sua estreia na Netflix em janeiro de 2024.

A série, adaptada do mangá homônimo de Ryoko Kui, acompanha a jornada de Laios, um guerreiro habilidoso, mas com um paladar peculiar; Senshi, um anão experiente em sobrevivência e culinária; Marcille, uma elfa maga com um conhecimento vasto sobre monstros; e Chilchuck, um habilidoso ladino pequenino. Juntos, eles se aventuram pelas masmorras, enfrentando criaturas bizarras e perigosas, com um único objetivo em mente: recuperar a irmã de Laios, Falin Touden, que foi devorada por um dragão e, por que não, apreciar novas iguarias monstruosas no caminho.

Um banquete para os olhos e para o estômago

O que torna Dungeon Meshi tão especial é sua combinação única de humor, aventura e culinária. A animação, produzida pelo Studio Trigger, é impecável, com um visual vibrante e designs de personagens memoráveis. As cenas de batalha são empolgantes e coreografadas com maestria, enquanto os momentos de humor são genuínos e contagiantes.

Mas o verdadeiro destaque da série é a sua exploração da culinária monstruosa. Cada episódio apresenta novas receitas criativas e deliciosas, preparadas com ingredientes inusitados, como carne de goblin, tentáculos de polvo gigante e até mesmo escamas de dragão. A atenção aos detalhes e a paixão pela comida são palpáveis, e os espectadores são presenteados com pratos visualmente atraentes e que aguçam a saliva.

Uma história que vai além da comida

Embora a comida seja o elemento central de Dungeon Meshi, a série também oferece uma história profunda e envolvente. Os personagens são complexos e bem desenvolvidos, cada um com suas próprias motivações e objetivos. A dinâmica do grupo é divertida e emocionante, e os laços de amizade que se formam entre eles são o coração da série.

Dungeon Meshi também explora temas como trabalho em equipe, superação de desafios e a importância de aproveitar os pequenos prazeres da vida. A série nos ensina que, mesmo nos momentos mais difíceis, sempre há algo para celebrar, seja uma refeição deliciosa ou a companhia de bons amigos.

Um prato cheio para os fãs de animação e RPG

Dungeon Meshi é um anime obrigatório para os fãs de animação japonesa e RPG. A série oferece uma mistura única de ação, humor e culinária que irá conquistar os paladares mais exigentes. Com personagens cativantes, uma história envolvente e animação impecável, Dungeon Meshi é uma aventura gastronômica deliciosa que você não vai querer perder.

Os Aventureiros Culinários de Dungeon Meshi

Laios, o protagonista da série, é movido por um amor fraternal inabalável. Sua irmã, Falin, foi devorada por um dragão, e ele está determinado a resgatá-la, mesmo que isso signifique enfrentar os perigos mais terríveis. Apesar de sua força bruta e habilidades de combate excepcionais, Laios possui um lado sensível e um paladar aventureiro que o leva a experimentar os pratos mais exóticos preparados por Senshi.

Senshi, o cozinheiro do grupo, é um anão pragmático e experiente que domina a arte da sobrevivência. Com um conhecimento profundo dos monstros do calabouço e um talento nato para a culinária, ele transforma os ingredientes mais inusitados em pratos deliciosos e nutritivos que alimentam o corpo e a alma dos aventureiros. Sua paixão pela comida é contagiante, e sua sabedoria ancestral serve como guia para o grupo em suas expedições.

Marcille, a maga elfa, é a mente por trás das operações do grupo. Com um vasto conhecimento sobre várias formas de magia e itens mágicos. Sua inteligência e perspicácia são essenciais para o sucesso do grupo, e sua gentileza e compaixão constroem laços de amizade duradouros.

Chilchuck, o pequenino ladino, é o mestre da furtividade e da sorte. Com sua agilidade e destreza, ele se infiltra em áreas perigosas, encontra tesouros valiosos e abre caminho para o grupo. Sua sagacidade e humor ácido garantem momentos de leveza em meio às aventuras, e sua lealdade aos seus companheiros é inabalável.

Juntos, Laios, Senshi, Marcille e Chilchuck formam um time imbatível que enfrenta cada desafio com bravura, criatividade e um apetite voraz. Sua amizade e cumplicidade são a base para o sucesso de suas expedições, e sua paixão pela aventura e pela culinária os leva a desbravar os segredos mais obscuros das masmorras, transformando cada obstáculo em uma oportunidade para um novo banquete gastronômico.

Ryōko Kui: A Mãe da Culinária Monstruosa

Ryōko Kui, a autora do mangá Dungeon Meshi, é uma artista e mangaká japonesa. Formada em design gráfico, Kui começou sua carreira como ilustradora freelance, antes de se dedicar à criação de mangás. Ela publicou um webcomic em seu blog pessoal chamado UORIR: Amble, entre 2008 e 2012.

Dungeon Meshi, publicado entre 2014 e 2023, é sua obra mais famosa e aclamada pela crítica. O mangá rendeu a Kui diversos prêmios de reconhecimento. Kui também é autora de outras obras, como Terrarium in Drawer e Seven Little Sons of the Dragon.

Kui é conhecida por seu estilo de arte detalhado e realista (ou, como uma crítica de mangás comentou: “antirrealista”), sempre com um toque de humor. Seus personagens são expressivos e memoráveis, e seus cenários são ricos e vibrantes. A autora também é conhecida por sua pesquisa meticulosa sobre os ingredientes e técnicas culinárias que utiliza em seus mangás.

Dungeon Meshi não seria o que é sem a criatividade e a paixão de Ryōko Kui. Sua visão única do mundo dos RPGs e da culinária conquistou fãs em todo o mundo, e sua obra certamente continuará a inspirar novos artistas e chefs por muitos anos.

Para os fãs que buscam ainda mais:

Se você já devorou todos os episódios de Dungeon Meshi na Netflix e está ansioso por mais, não se preocupe! Há alternativas para você:

• O mangá original está disponível na Amazon e está sendo publicado em português pela Panini. (não são links de afilidado);
• Fãs estão se organizando para trocar divertidas ideias de receitas em fóruns online, os “cookbook zine”;
• Para os jogadores de RPG, existem diversos jogos que capturam o espírito de aventura e exploração de Dungeon Meshi, como Dungeons & Dragons e Pathfinder.

Até o momento desta publicação ainda não havia indícios ou confirmação de uma segunda temporada da série pela Netflix.

Dungeon Meshi é uma série que prova que a animação japonesa pode ser muito mais do que apenas lutas épicas e romances melodramáticos. Com sua criatividade, humor e paixão pela comida, Dungeon Meshi é um verdadeiro banquete para os olhos e para o estômago.

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O que é o dia da toalha?

Também conhecido como o Dia do Orgulho Nerd e Dia do Orgulho Geek por alguns, o Dia da Toalha é o dia Internacional de homenagem a dois ícones, e por que não, universos do mundo nerd. Hoje é lembrado o dia do falecimento Douglas Adams , escritor britânico, criador da saga de livros, que começou como um drama da Rádio BBC, O Guia do Mochileiro das Galáxias (The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy) e revelador da importância da toalha! Mas o que era para ser um dia de luto, se tornou – por inspiração do próprio autor – um momento de celebração e alegria.

A Toalha e seu Significado

No universo de Adams, a toalha era o item de maior importância para um mochileiro. Assim, nerds do mundo inteiro comemoram usando a sua toalha preferida, da maneira que mais lhe agradar. Afinal, com ela você pode enfrentar desafios, monstros e até mesmo, se cobrir se estiver pelado. Cuidado! As autoridades locais, bem como a população podem estranhar o uso de seu item especial, mas não esmoreça! Para um legítimo nerd mochileiro, a toalha é o seu bem mais precioso, ainda mais hoje!

Na verdade, Douglas Adams não morreu neste dia. Segundo o importante compêndio terráqueo chamado Wikipedia (menos importante que a Enciclopédia Galática), ele faleceu em 11 de maio, e a primeira homenagem se deu em 25 de maio de 2001, na Inglaterra. Chegou-se a cogitar marcar a data de comemorações 42 dias após sua morte, mas como isso parecia burocrático demais (coisa de vogon), acabou por permanecer como está.

No ano que Douglas Adams completaria 61 anos (2013) o Google fez uma homenagem com um Doodle animado com os itens mais característicos de suas obras:

Star Wars e Dia do Orgulho Nerd

Coincidentemente, 25 de maio também marca o lançamento do primeiro filme da saga Star Wars: Episódio VI de Star Wars: Uma Nova Esperança, em 1977 (Um filme que comece na 4ª parte já é, por si só, um fenômeno único!). Esta sincronia transformou o Dia da Toalha em uma celebração dupla, conhecida como Dia do Orgulho Nerd. Fãs de ficção científica e cultura nerd aproveitam a data para celebrar suas paixões e o impacto cultural dessas obras.

Nerds e Geeks: Entendendo as Subculturas

No vasto universo das subculturas modernas, dois termos frequentemente confundidos são “nerd” e “geek”. Embora possam parecer intercambiáveis, cada um tem suas próprias nuances e características distintas. Vamos explorar essas diferenças para entender melhor o que define um nerd e um geek.

Um nerd é alguém profundamente envolvido em áreas acadêmicas e intelectuais. Esse grupo é conhecido por sua dedicação a temas como ciência, matemática, tecnologia e estudos em geral. O estereótipo do nerd é aquele que passa horas mergulhado em livros, experimentos científicos ou programação. Nerds são frequentemente retratados como indivíduos reservados e introvertidos, focados em suas paixões com uma intensidade quase obsessiva. Seu alto desempenho acadêmico e dedicação aos estudos são marcas registradas, e eles geralmente preferem atividades solitárias que envolvem grande concentração e profundidade de conhecimento.

Por outro lado, um geek é visto como um entusiasta da cultura pop e tecnologia. Geeks têm um interesse particular em videogames, quadrinhos, filmes, séries de TV e gadgets. Eles são socialmente engajados, participando ativamente de comunidades online e eventos como convenções e encontros de fãs. O estereótipo do geek é de uma pessoa extrovertida, que gosta de compartilhar suas paixões com outros e se envolve profundamente em fandoms. Geeks são conhecidos por sua diversidade de interesses, que muitas vezes se expandem para coleções de action figures, memorabilia e a criação de conteúdos como fan art e fan fiction.

A vida de um nerd geralmente gira em torno de um ambiente de estudo ou trabalho altamente técnico. Eles estão mais interessados em descobertas e invenções do que em seguir tendências. Muitas vezes, nerds estão envolvidos em projetos de pesquisa ou desenvolvimento, utilizando seu conhecimento profundo para resolver problemas complexos ou criar novas tecnologias. Esse foco intenso nas suas áreas de especialidade os torna verdadeiros especialistas ou “enciclopédias ambulantes”.

Geeks, em contraste, têm uma presença forte em redes sociais e fóruns dedicados aos seus interesses. Eles estão sempre atentos às novidades e lançamentos de produtos e mídia, buscando constantemente se atualizar e compartilhar suas descobertas com outros. A cultura geek é marcada pelo compartilhamento e criação colaborativa de conteúdo, seja através de discussões em fóruns, vídeos no YouTube ou posts em blogs.

Para exemplificar essas diferenças, podemos olhar para personagens populares da cultura pop. Sheldon Cooper, de “The Big Bang Theory”, é o arquétipo do nerd, com sua paixão por física teórica e sua personalidade altamente introvertida. Já Peter Parker, o Homem-Aranha, representa o geek, com seu amor por ciência e tecnologia, mas também seu entusiasmo por quadrinhos e cultura pop.

Em termos de figuras reais, Bill Gates e Marie Curie são exemplos de nerds que dedicaram suas vidas ao avanço do conhecimento e tecnologia. Por outro lado, Steve Jobs e Felicia Day são exemplos de geeks, conhecidos por sua paixão por tecnologia e cultura pop, bem como por seu impacto significativo nesses campos.

O que é ser nerd?

Cientistas já tentaram identificar, de várias formas, os indícios de que uma mente é, ou se tornou, nerd. Eles encontraram Coletaram 3.526 características e 1 desvio de personalidade, elas podem variar entre indivíduos, mas vamos nos ater às principais:

1. Se você nunca perde um episódio de sua série de ficção científica, medieval, aventura, documentários e sitcoms.
2. Sabe todos os detalhes sobre o seu filme preferido! Elenco, diretor, efeitos especiais, frases de efeito… mesmo que ele ainda tem tenha sido lançado!
3. Detalhista, é capaz de lembrar, de cabeça, das mais diferentes minúcias de seu jogo, RPG, MMORPG, FPS, Cardgame, tomo, compêndio… enfim, qualquer minúcia maior do que dois caracteres.
4. O controle (remoto, computador ou videogame) é uma extensão de sua mão.
5. Estudar e ler exageradamente não são defeitos (só se faltar dinheiro para comprar mais leitura).
6. Sabe, de cor, passagens inteiras de livros, regras, datas músicas, frases de efeito que podem ser usadas nos momentos mais importantes da vida.
7. Faz uso de seus poderes Jedi, quando viaja no tempo em seu Delorean 4×4, para ir aonde nenhum nerd jamais esteve.

Se você tem uma destas características (fora as outras 3.520), então tenha orgulho de ser um legítimo nerd. Afinal, um ser com características ímpares de conhecimento, análise e raciocínio merece ter o seu dia! Por isso,  saque a sua toalha predileta do armário e porte-a, com orgulho.

Como Celebrar

Para comemorar, basta carregar uma toalha com você durante o dia, mostrando seu amor pela obra de Adams e pela cultura nerd. Eventos, encontros e maratonas de leitura e filmes relacionados são comuns entre os fãs, tornando o dia ainda mais especial.

Vida longa aos Nerds de Iniciativa!

Tem algum evento do Dia da Toalha acontecendo na sua cidade? Comente abaixo e deixe registrado para todos! Ah! mais uma coisa… NÃO ENTRE EM PÂNICO! (Sábio conselho) Aproveite para reunir os amigos e descobrir a pergunta mais importante do universo, já que, a resposta, todos nós sabemos… 42!

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Este guia serve para quem ouviu falar do jogo agora e quer saber se vale a pena e para quem já conhece e procura detalhes das regras, da campanha e das edições, incluindo a pergunta que mais chega aqui: existe Break!! em português?

Entenda os termos

• TTRPG: sigla em inglês para “tabletop role-playing game”, o RPG de mesa, jogado com fichas, dados e muita conversa, sem videogame.
• JRPG: os RPGs eletrônicos japoneses, como Final Fantasy e Dragon Quest, com grupos de heróis, mundos coloridos e combates por turnos.
• d20: o dado de 20 lados, o mesmo de Dungeons & Dragons. No Break!!, é o único dado de que você precisa.
• Financiamento coletivo: campanhas, como as do Kickstarter, em que os fãs pagam antecipadamente para o jogo ser produzido.

O que é o Break!! RPG?

Break!! (assim mesmo, com dois pontos de exclamação) é um jogo de fantasia de aventura em que os jogadores criam heróis e exploram um mundo partido em regiões muito diferentes entre si, com magia, tecnologia estranha, ruínas e criaturas que parecem saídas de um game de Super Nintendo. A proposta é recriar na mesa a sensação de jogar um JRPG clássico: o grupo viaja, conhece cidades, enfrenta monstros, junta tesouros e se envolve com os conflitos de cada lugar.

O livro de regras é enorme e caprichado: são cerca de 470 páginas coloridas, quase todas ilustradas por Carlo Tartaglia, com um traço que lembra os animes de fantasia dos anos 80 e 90. A edição normal ganhou uma versão especial, a New Aeon Edition, com o mesmo conteúdo, mas capa alternativa, acabamento metalizado e uma caixa protetora.

A história do jogo: 10 anos de trabalho e uma campanha recorde

Break!! nasceu como um projeto pessoal de seus criadores e levou mais de dez anos sendo desenvolvido antes de chegar às mesas. Reynaldo Madriñán cuidou do texto e das regras, e Carlo Tartaglia, da arte, que dá ao jogo a identidade visual que chama tanta atenção.

Quando o jogo finalmente foi para o Kickstarter, entre 17 de abril e 17 de maio de 2023, a meta de £10 mil (cerca de 12 mil dólares) foi batida em 20 minutos. A campanha terminou com 10.327 apoiadores e cerca de £492 mil arrecadadas, quase 50 vezes a meta. O PDF foi entregue primeiro, e os livros físicos seguiram para os apoiadores nos meses seguintes.

O sucesso abriu espaço para mais: o jogo voltou ao financiamento coletivo com uma nova impressão e um kit de iniciação para quem nunca jogou, e ganhou o START, um livro de apoio com uma aventura introdutória. Foi dessa segunda campanha que falamos quando este post foi publicado, em maio de 2024. Em 2024, veio o reconhecimento oficial: o ENNIE de ouro de Melhor Jogo para a Família, entregue na Gen Con.

Leia também: Daggerheart, o RPG do Critical Role

Como funcionam as regras?

Um dado só: o d20

Todo teste usa um d20. Fora do combate, a regra é simples: para fazer algo difícil, você rola o dado e precisa tirar um resultado igual ou menor que o atributo do personagem ligado àquela ação. Em combate, a lógica se inverte: você rola o ataque, soma os bônus e precisa igualar ou passar a defesa do inimigo.

Corações no lugar de pontos de vida

Em vez de centenas de pontos de vida, personagens e monstros têm Corações, em quantidade pequena, como nos games da série Zelda. Um ataque bem-sucedido tira um Coração, e um resultado muito alto pode tirar mais de um. Os números baixos deixam as contas rápidas, e cada golpe pesa.

Os Corações voltam ao fim de cada combate, então não é preciso descansar para “curar” o grupo. O perigo está em outro lugar: quando um herói perde todos os Corações, ele sofre uma lesão, que continua atrapalhando até ser tratada.

Combate sem grade e com manobras

O campo de batalha é dividido em áreas abstratas, sem a necessidade de um tabuleiro quadriculado. Mesmo assim, o combate é tático: cada tipo de arma tem uma função (armas de arco podem atingir dois inimigos, chicotes alcançam a área vizinha) e as regras incentivam manobras criativas, como apostas, acrobacias e truques, além de ajudar os companheiros.

Viagem, reputação e laços

Break!! também tem regras para a parte de exploração que os JRPGs fazem tão bem. As viagens usam um sistema de pontos de interesse ligados entre si (o chamado point-crawl), que evita caminhadas sem rumo pelo mapa. E os personagens criam laços com pessoas e lugares e ganham reputação, o que faz as escolhas do grupo terem consequências ao longo da campanha.

Como criar um personagem

A criação de personagem segue uma sequência curta, e costuma levar poucos minutos (de 5 a 15, conforme a experiência do grupo):

• Chamado: a “classe” do personagem, que define o que ele faz bem. Há 8 Chamados.
• Espécie: são 11 opções, das mais clássicas da fantasia às mais estranhas, como um ninja com orelhas de gato ou um mago mecânico.
• Terra natal: a região de onde o herói veio, que dá conhecimentos e ligações com o cenário.
• Peculiaridade: uma característica física ou de personalidade que torna o personagem único.
• Detalhes finais: equipamentos, que vão de armas e itens mágicos a animais de estimação, seguidores e veículos.

A ideia do jogo é que o personagem seja interessante, e não “otimizado”: as escolhas pesam mais na história do que nos números.

Para quem Break!! é indicado?

• Fãs de JRPGs e animes de fantasia, que querem levar aquele clima para a mesa.
• Grupos com iniciantes: as regras são enxutas e o ENNIE veio justamente na categoria de jogo para a família.
• Mestres que gostam de exploração: o jogo tem regras para viagens, reputação e laços entre os personagens.
• Quem cansou de combates longos: os números baixos e o dado único deixam as lutas rápidas.

O ponto fraco apontado por parte dos jogadores é que o livro chegou com pouco material de aventura pronta, o que o START e os kits posteriores tentaram resolver.

Uma leitura comentada do livro de regras, feita pelo canal Bastionland (em inglês).

Perguntas frequentes sobre o Break!! RPG

Break!! RPG tem em português?

Até outubro de 2026, não encontramos uma edição oficial em português de Break!!. O jogo é publicado em inglês pela Grey Wizard, e o livro é vendido em versão física e em PDF.

Por ser um jogo de regras enxutas, muitos grupos brasileiros jogam com o livro em inglês e traduzem as fichas por conta própria. Se surgir uma edição nacional, atualizamos este post.

Onde encontrar o PDF do Break!! RPG?

O PDF oficial é vendido pela própria editora, a Grey Wizard, e foi a primeira versão entregue aos apoiadores do Kickstarter. Durante a campanha de 2023, também foi disponibilizado um PDF gratuito com o resumo das principais regras.

Cuidado com cópias piratas que circulam por aí: além de não remunerar os criadores, costumam ser versões antigas ou incompletas do livro.

Quem criou o Break!! RPG?

O jogo foi criado por Reynaldo Madriñán, responsável pelo texto e pelas regras, e Carlo Tartaglia, responsável pela arte. Ele é publicado pela Grey Wizard, uma editora de Londres.

O projeto levou mais de dez anos até chegar à versão final, financiada no Kickstarter em 2023.

Quanto o Break!! arrecadou no Kickstarter?

A campanha de 2023 terminou com 10.327 apoiadores e cerca de £492 mil, para uma meta de apenas £10 mil, alcançada em 20 minutos.

Depois, o jogo voltou ao financiamento coletivo com uma nova impressão e um kit para iniciantes, e lançou o livro de apoio START.

Que dados eu preciso para jogar Break!!?

Só um d20, o dado de 20 lados. Todos os testes do jogo usam esse dado: fora do combate, você precisa tirar igual ou menos que o atributo; em combate, igual ou mais que a defesa do inimigo.

É uma das razões pelas quais o jogo é considerado amigável para iniciantes: não há uma coleção de dados diferentes para aprender.

Break!! é parecido com D&D?

Em parte. Os dois são RPGs de fantasia que usam o d20, e há classes (os Chamados) e espécies. A diferença está no estilo: Break!! é mais rápido, usa Corações em vez de muitos pontos de vida, dispensa o tabuleiro quadriculado e tem um mundo próprio com estética de anime e JRPG.

Quem vem de D&D costuma estranhar a regra de “rolar abaixo do atributo” fora do combate, mas se acostuma rápido.

Break!! ganhou algum prêmio?

Sim. Em 2024, o jogo ganhou o ENNIE de ouro na categoria de Melhor Jogo para a Família, entregue durante a Gen Con, nos Estados Unidos. Os ENNIEs estão entre os prêmios mais conhecidos do RPG de mesa.

O prêmio reforçou a fama do jogo como uma boa porta de entrada para quem quer começar no RPG.

Break!! é bom para iniciantes?

É uma das boas opções. As regras usam um dado só, a criação de personagem é rápida e os combates têm números pequenos, o que facilita para quem nunca jogou.

O desafio fica para o mestre, que vai precisar preparar mais aventuras por conta própria, já que o livro tem pouco material pronto. Para isso, o START e os kits de iniciação ajudam.

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E você, já jogou Break!! ou ficou com vontade de levar seu JRPG favorito para a mesa? Viu algum erro ou tem uma dica que faltou? Conta nos comentários.

Atualizado em outubro de 2026.

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O Google anunciou recentemente uma nova função chamada “Home Runtime” que permite que o Chromecast seja usado como um hub de conexão de dispositivos, com ou sem Google TV. O Google também anunciou a linha “Home APIs”, que permite que os desenvolvedores criem novas funcionalidades para a experiência Google Home.

Fast Pair e Conectividade Simplificada

Uma das principais novidades é a introdução do Fast Pair no Chromecast com Google TV. Essa tecnologia permite que os usuários conectem seus fones de ouvido Bluetooth de maneira extremamente simples, apenas ativando o modo de pareamento dos fones e confirmando a conexão na TV. Esse recurso, que já é um sucesso em Chromebooks, promete facilitar muito a vida dos usuários, eliminando passos desnecessários e complicações na hora de assistir seus conteúdos preferidos sem incomodar outras pessoas ao redor.Imagine você chegando em casa após um longo dia, querendo relaxar e assistir a seus programas favoritos sem perturbar sua família. Com o Fast Pair, você pode conectar seus fones de ouvido com apenas alguns toques, mergulhando no mundo do entretenimento sem interrupções. Essa funcionalidade torna a experiência de streaming muito mais conveniente e personalizada, adaptando-se às suas necessidades individuais.

TikTok na Tela Grande

Outra novidade empolgante é a capacidade de transmitir vídeos do TikTok diretamente para dispositivos com Chromecast integrado. Com a função de auto-play ativada por padrão, os usuários podem assistir a uma sequência contínua de vídeos curtos na tela da TV, uma mudança significativa que integra o consumo de mídia social com o entretenimento tradicional de televisão. Além disso, a Google promete futuramente a possibilidade de transmitir conteúdos ao vivo do TikTok, aumentando ainda mais as opções de entretenimento disponíveis.Imagine você e seus amigos reunidos para uma noite de diversão, rindo e compartilhando os melhores vídeos do TikTok em uma tela muito maior do que seus smartphones. Essa integração traz uma nova dimensão para a experiência de mídia social, permitindo que você desfrute do conteúdo de forma mais envolvente e compartilhada. Com a adição de transmissões ao vivo, você poderá acompanhar seus criadores favoritos em uma tela maior, tornando a experiência ainda mais imersiva.

Expansão do Chromecast para Mais Dispositivos

O Chromecast embutido está se expandindo para mais modelos de TV, incluindo a série de TVs LG de 2024 e dispositivos de hospitalidade e saúde da mesma marca. Isso significa que, ao se hospedar em um hotel ou hospital equipado com essas TVs, será possível transmitir conteúdo diretamente do smartphone para a TV sem a necessidade de aplicativos adicionais. Essa expansão é um passo significativo para tornar o Chromecast uma solução de streaming mais universal e acessível.Imagine você viajando a negócios e ficando em um hotel equipado com TVs compatíveis com o Chromecast. Em vez de se contentar com os canais limitados do hotel, você pode desfrutar de seus serviços de streaming favoritos, acessando seu próprio conteúdo personalizado. Essa conveniência também se estende a ambientes de saúde, onde pacientes poderão se distrair e se entreter durante a estadia, trazendo um pouco de conforto e familiaridade em momentos difíceis.

Integração com a Plataforma Matter

Outro avanço importante é a incorporação da funcionalidade de hub Matter em dispositivos Google TV e Android TV OS selecionados, incluindo as TVs LG. A Matter é uma plataforma de interoperabilidade para dispositivos de casa inteligente, que promete simplificar a configuração e a comunicação entre diferentes dispositivos. Com essa integração, as TVs poderão funcionar como centros de controle para dispositivos Matter, usando o app Google Home, o que torna a gestão de uma casa inteligente mais intuitiva e centralizada.Imagine sua casa inteligente funcionando de maneira harmoniosa, com seus dispositivos se comunicando perfeitamente entre si. Com a integração do Google TV e Android TV OS com a plataforma Matter, você poderá controlar e monitorar sua casa inteligente diretamente de sua TV, usando o app Google Home familiar. Essa convergência de tecnologias torna a automação doméstica muito mais acessível e fácil de gerenciar, permitindo que você crie um ambiente inteligente e personalizado com apenas alguns toques.

O Futuro do Entretenimento e Casas Inteligentes

Essas atualizações indicam uma direção clara que o Google está tomando: integrar profundamente suas soluções de entretenimento e casa inteligente, oferecendo uma experiência de usuário mais coesa e simplificada. As melhorias na facilidade de uso, a expansão para mais dispositivos e a integração com plataformas de casa inteligente como a Matter mostram um compromisso em fazer do Google TV e Chromecast componentes centrais do ecossistema tecnológico doméstico.

Essas inovações não apenas tornam o streaming mais acessível e agradável, mas também posicionam o Google como um jogador chave na evolução das casas inteligentes, oferecendo soluções que simplificam e enriquecem o cotidiano dos usuários.

Se você está planejando atualizar seu setup de entretenimento ou integrar mais dispositivos inteligentes em sua casa, essas novidades do Google TV e Chromecast certamente merecem sua atenção. Com recursos como Fast Pair, integração do TikTok e controle centralizado de dispositivos Matter, o Google está redefinindo a maneira como interagimos com nossos dispositivos e criando um futuro mais inteligente e conectado para nossas casas.

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Apesar de não ter sido oficialmente criada pela Lucasfilm, a tradição de celebrar o Star Wars Day foi rapidamente adotada pelos fãs da saga e ganhou reconhecimento e popularidade em escala global. O primeiro grande reconhecimento público do Star Wars Day ocorreu em 2011, quando o Toronto Underground Cinema, no Canadá, decidiu organizar um evento que combinava exibições de filmes da saga com uma festa temática, agregando um novo nível de envolvimento comunitário e fanfarra à data.

Desde esse momento inicial, a celebração do dia 4 de maio, que joga com a frase icônica “May the Force be with you” (“Que a Força esteja com você”, em tradução livre) para criar o trocadilho “May the Fourth be with you”, tem visto um crescimento notável em termos de escopo e de escala. A Lucasfilm e a Disney, atual detentora dos direitos da franquia, começaram a abraçar esta data com muito mais entusiasmo. Eles passaram a organizar eventos especiais e lançamentos de produtos nesse dia, consolidando ainda mais o Star Wars Day no calendário de eventos culturais.

Eventos ao redor do mundo, incluindo maratonas de filmes, sessões de cosplay, competições de trivia e mais, têm ajudado a manter o espírito da saga viva entre os fãs. Além disso, promoções e ofertas especiais relacionadas aos produtos de Star Wars geralmente são lançadas para coincidir com essa celebração, proporcionando aos fãs novas maneiras de se conectar com a sua paixão. O Star Wars Day se tornou assim não apenas uma data para relembrar os filmes, mas um evento cultural que celebra a criatividade e o legado duradouro da saga Star Wars.

Star Wars Day – May the Fourth be with you!

Desde o lançamento de “Star Wars: A New Hope” em 1977, a saga tem se expandido para incluir múltiplos filmes, séries, jogos e livros. Em 2024, a comemoração é ainda mais especial com a antecipação de novos lançamentos no universo Star Wars, incluindo a série “Tales of the Empire”, a aguardada sequência de “Ashoka” e o final de “Bad Batch”, que prometem expandir ainda mais a narrativa e o legado da saga.

No recente vídeo publicado pelo canal oficial de Star Wars no YouTube, a franquia fez uma bela homenagem aos fãs em comemoração ao Star Wars Day, uma data que celebra todo o universo criado por George Lucas. O vídeo ressalta não somente a paixão e dedicação dos seguidores de Star Wars ao redor do mundo, mas também sublinha o impacto significativo e duradouro que a saga tem exercido sobre várias gerações de espectadores.

A homenagem cuidadosamente elaborada reconhece a lealdade e o fervor dos fãs que têm acompanhado a saga ao longo dos anos, seja através dos filmes, séries, livros ou jogos. Ela celebra a forma como esses admiradores têm encontrado inspiração, refúgio, e uma sensação de comunidade dentro do vasto universo de Star Wars.

O vídeo também ilustra como a saga conseguiu criar uma cultura rica e vibrante, unindo pessoas de diferentes idades e culturas em uma comunidade global que compartilha uma paixão comum por essa história épica. A força da comunidade de fãs é evidente, não apenas através da criação de eventos em grande escala como a Star Wars Celebration, mas também em pequenos grupos que se reúnem para compartilhar seu entusiasmo e criatividade relacionada à saga.

A franquia Star Wars reconhece e agradece seus fãs por este apoio contínuo e por manterem a chama da saga viva. A homenagem serve como um lembrete poderoso do papel vital que os fãs desempenham em manter o legado de Star Wars ativo, inspirador e evolutivo. É um tributo emotivo e profundamente tocante à base global de admiradores que não apenas apreciam a história, mas também contribuem para a expansão contínua do seu universo.

Além dos lançamentos de conteúdo, o Star Wars Day é marcado por eventos ao redor do mundo, incluindo maratonas de filmes, competições de cosplay, e atividades especiais em parques temáticos. A data também é uma oportunidade para fãs adquirirem produtos exclusivos, como colecionáveis, vestuário e arte.

Para quem deseja comemorar o Star Wars Day, aqui estão algumas dicas:

1. Assista aos filmes: Reúna amigos e familiares para uma maratona de Star Wars. Vocês podem assistir aos filmes na ordem de lançamento ou na ordem cronológica do enredo.
2. Faça um cosplay: Vista-se como seu personagem favorito de Star Wars. Isso pode incluir desde simples acessórios, como um sabre de luz, até trajes completos dos Jedi, Sith, stormtroopers ou outros personagens icônicos.
3. Decoração temática: Decore sua casa ou o local da festa com itens que remetam ao universo de Star Wars. Utilize posters, figuras de ação e até mesmo crie um ambiente que lembre o cockpit de uma nave espacial.
4. Jogos e brincadeiras: Organize atividades e jogos baseados em Star Wars. Isso pode incluir videogames da franquia, jogos de tabuleiro temáticos ou até mesmo quizzes sobre detalhes dos filmes e universo expandido.
5. Culinária temática: Prepare petiscos e bebidas inspirados no universo de Star Wars. Exemplos incluem cookies no formato de estrelas ou planetas, bebidas coloridas que lembrem as cores dos sabres de luz, entre outros.
6. Leitura relacionada: Aproveite o dia para começar a ler ou presentear amigos com livros que exploram as histórias adicionais do universo de Star Wars, incluindo romances e HQs.
7. Participe de eventos online: Muitas comunidades e organizações realizam eventos online no Star Wars Day. Participe de webinars, encontros virtuais e outras celebrações.

A Força é poderosa em cada um de nós e, em 4 de maio, todos são encorajados a celebrar a cultura, a história e o impacto de Star Wars. Lembre-se de compartilhar seus momentos nas redes sociais usando a hashtag #StarWarsDay para conectar-se com outros fãs ao redor do mundo.

Que a Força esteja com você neste Star Wars Day!

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O que é o Robocop?

Numa Detroit do futuro tomada pelo crime e quase falida, a polícia foi privatizada e quem manda é a OCP (Omni Consumer Products), uma corporação que quer substituir os policiais por máquinas. Quando o policial Alex Murphy é brutalmente executado pela gangue de Clarence Boddicker, o corpo dele vira matéria-prima para o programa Robocop: o que sobrou de Murphy é colocado dentro de uma armadura de titânio, com a memória apagada e um sistema de regras gravado na mente.

Essas regras são as famosas diretrizes primárias: servir à confiança pública, proteger os inocentes e cumprir a lei. Há ainda uma quarta diretriz, secreta, que impede o Robocop de agir contra os diretores da própria OCP. Por trás da ação e da violência, o filme é uma sátira afiada sobre privatização, corrupção, consumismo e o que nos torna humanos, e por isso continua atual quase 40 anos depois.

Leia também: Ghost in the Shell: uma homenagem ao universo cyberpunk

Quem está no elenco do Robocop original (1987)?

Kurtwood Smith, o vilão Clarence Boddicker, depois virou um rosto conhecido de outra geração como o Red Forman, o pai rabugento de That ’70s Show.

Como o Robocop foi feito? Os bastidores

Um roteiro que o diretor quase jogou fora

A ideia nasceu da dupla de roteiristas Edward Neumeier e Michael Miner. Quando o roteiro chegou ao holandês Paul Verhoeven, ele achou que era só mais um filme bobo de ação e o descartou. Foi a esposa dele, Martine, quem leu com atenção e insistiu: aquilo era uma sátira inteligente sobre os Estados Unidos dos anos 80. Verhoeven releu, mudou de ideia e fez dele o seu primeiro grande sucesso em Hollywood, abrindo caminho para O Vingador do Futuro e Tropas Estelares.

Quem quase foi o Robocop

Nomes como Arnold Schwarzenegger, Rutger Hauer e Michael Ironside foram cogitados. Schwarzenegger, porém, era grande demais: com a armadura por cima, o Robocop ficaria parecendo um tanque. A produção precisava de alguém mais esguio, com um queixo expressivo (afinal, durante boa parte do filme só a parte de baixo do rosto aparece) e preparo físico para aguentar a roupa. Peter Weller, ator de físico de maratonista, encaixou perfeitamente.

O ator foi demitido no meio das filmagens

A relação entre Weller e Verhoeven ficou tensa com o calor, os atrasos e o sofrimento dentro da armadura, e Weller chegou a ser demitido no meio da produção. Os produtores cogitaram até Lance Henriksen para o lugar dele, mas esbarraram num problema prático: a roupa tinha sido construída sob medida para o corpo de Weller. Ele foi chamado de volta, as pazes foram feitas e o resto é história.

A armadura: atrasada, quente e quase impossível de vestir

A roupa criada por Rob Bottin chegou ao set com três semanas de atraso, no dia em que a primeira cena com o Robocop seria filmada. Vesti-la levava horas (os relatos falam em cerca de 10 a 11 horas no início), e o calor de Dallas transformava a armadura num forno: há relatos de que Weller chegava a perder cerca de 1,5 kg de suor por dia.

Antes das filmagens, ele tinha passado meses treinando com o professor de mímica Moni Yakim para criar um jeito “robótico” de se mover. Só que, quando enfim vestiu a armadura de verdade, quase não conseguia andar, e todo aquele treino teve de ser adaptado. A produção parou por alguns dias até ator e diretor chegarem ao andar pesado e preciso que virou marca do personagem.

O ED-209 foi animado quadro a quadro

O desajeitado robô ED-209, aquele que não consegue descer escadas, foi criado pela equipe de Phil Tippett. Eles construíram um ED-209 em tamanho real, de cerca de dois metros, movido por manipuladores nas cenas com os atores, e uma miniatura animada em stop-motion, quadro a quadro, para as cenas de ação. O efeito tem charme até hoje.

Violento demais para os cinemas

A primeira versão do filme recebeu a classificação X nos Estados Unidos por causa da violência gráfica, a mesma de filmes adultos, o que inviabilizaria o lançamento. O estúdio enviou cortes sucessivos até conseguir a classificação R. As cenas mais sangrentas, como a execução de Murphy e o “teste” desastroso do ED-209 na sala de reuniões, voltaram depois na versão do diretor.

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Curiosidades que você talvez não conheça

• Nada foi filmado em Detroit: apesar de toda a história se passar lá, o filme original foi rodado principalmente em Dallas, cujos prédios espelhados pareciam mais “futuristas”. Las Colinas e Pittsburgh também serviram de cenário. As ruas cheias de explosões eram de um trecho de Dallas que estava para ser demolido.
• Robocop “sem calças”: com a armadura completa, Weller não cabia no carro de polícia. Por isso, nas cenas dentro do carro, ele está só com a parte de cima da roupa.
• Um Oscar pelo barulho: o filme ganhou um Oscar especial pela edição de efeitos sonoros, entregue a Stephen Hunter Flick e John Pospisil. Os sons metálicos dos passos do Robocop e os rugidos do ED-209 são parte do sucesso.
• “Eu compraria por um dólar!”: o comediante dos programas de TV que aparecem no filme, Bixby Snyder, nunca tem o nome dito na tela, mas virou um dos personagens mais lembrados, com o bordão “I’d buy that for a dollar!”.
• A ponta do diretor: na cena da boate em que o Robocop vai atrás de um bandido, repare nos dançarinos. Um deles é o próprio Paul Verhoeven.
• Um romance que ficou no papel: Verhoeven chegou a pensar num caso secreto entre Anne Lewis e Murphy depois da transformação em Robocop (“muito holandês da minha parte”, brincou depois), mas a ideia nunca chegou às filmagens.
• Frank Miller entra na história: por causa da greve de roteiristas de 1988, o roteiro de Robocop 2 acabou nas mãos do quadrinista Frank Miller, que também faz uma ponta no filme como um químico.
• Robocop contra o Exterminador: em 1992, Frank Miller e Walt Simonson lançaram a HQ Robocop vs. O Exterminador, na qual a tecnologia do Robocop ajuda a criar a Skynet. A história virou até videogame. Falando em Skynet, veja por que o dia 29 de agosto é tão importante para os fãs de O Exterminador do Futuro.

Quantos filmes do Robocop existem? Todos, em ordem

O personagem também ganhou desenhos animados, várias HQs e outros jogos, como o recente RoboCop: Rogue City – Unfinished Business. Para quem quer começar, a ordem natural é a de lançamento, começando pelo original de 1987, que segue sendo o melhor de todos.

O remake de 2014, do brasileiro José Padilha

Em 2014, o Robocop voltou aos cinemas pelas mãos de José Padilha, o diretor de Tropa de Elite. Joel Kinnaman viveu Alex Murphy, com Gary Oldman como o cientista que cria o ciborgue, Michael Keaton como o dono da OmniCorp e Samuel L. Jackson como um apresentador de TV sensacionalista. A nova versão troca parte da sátira pela discussão sobre drones, vigilância e controle da mente.

Aqui no site, a gente fez a crítica completa do Robocop de 2014 e tentou explicar o mistério da mão humana do novo Robocop.

A estátua do Robocop em Detroit

Em fevereiro de 2011, uma brincadeira no Twitter virou uma campanha de financiamento coletivo para dar a Detroit uma estátua do Robocop. A meta de 50 mil dólares foi batida em cerca de uma semana, e a campanha fechou com mais de 67 mil. A gente contou aqui quando ela estava quase pronta, mas a espera foi bem maior do que qualquer um imaginava: a estátua de bronze ficou pronta em 2021 e passou anos guardada.

Finalmente, em dezembro de 2025, o Robocop de bronze, com cerca de 3 metros de altura, foi instalado no Eastern Market, o mercado histórico de Detroit. O policial do futuro, enfim, está na cidade que ele nunca filmou.

Em memória

Dois nomes importantes do elenco original já se foram: Dan O’Herlihy, o Velho presidente da OCP, morreu em 2005, e Miguel Ferrer, o ambicioso Bob Morton, em 2017. “Vivo ou morto, você vem comigo” também é deles.

Perguntas frequentes sobre o Robocop

O que é o Robocop?

Robocop é um policial ciborgue: o que restou do corpo do policial Alex Murphy, morto em serviço, foi colocado dentro de uma armadura robótica pela corporação OCP, que queria um policial perfeito, incansável e obediente. A memória de Murphy é apagada e substituída por diretrizes, mas aos poucos as lembranças da família e do assassinato voltam.

O personagem foi criado para o cinema, no filme de 1987 de Paul Verhoeven, e não veio dos quadrinhos. O sucesso fez dele um ícone dos anos 80 e gerou continuações, séries, desenhos, HQs e games.

Quem faz o Robocop?

No filme original de 1987 e em Robocop 2 (1990), o papel é de Peter Weller. Em Robocop 3 (1993), quem veste a armadura é Robert John Burke, porque Weller não voltou. Na série de TV de 1994, o Robocop é o canadense Richard Eden.

No remake de 2014, Alex Murphy é vivido por Joel Kinnaman. E Peter Weller voltou ao personagem em 2023, emprestando a voz e a aparência ao videogame RoboCop: Rogue City.

Quantos filmes do Robocop existem e qual a ordem para assistir?

São quatro filmes para o cinema: Robocop (1987), Robocop 2 (1990), Robocop 3 (1993) e o remake Robocop (2014). Os três primeiros formam uma sequência; o de 2014 é uma história nova, que recomeça do zero.

A melhor ordem é a de lançamento. Quem quiser ir além pode ver a série de TV de 1994 e a minissérie Prime Directives (2001), e jogar RoboCop: Rogue City, cuja história se passa entre o segundo e o terceiro filme.

Quais são as diretrizes do Robocop?

As três diretrizes públicas, gravadas no sistema do Robocop, são: 1. Servir à confiança pública; 2. Proteger os inocentes; 3. Cumprir a lei. Elas aparecem na famosa tela da visão do ciborgue, logo que ele é ativado.

A grande reviravolta é a quarta diretriz, secreta: o Robocop não pode agir contra nenhum diretor da OCP. Ela é a peça central da crítica do filme, porque mostra que o “policial do povo” foi programado para proteger a empresa que o fabricou.

O Robocop foi filmado em Detroit?

Não. Apesar de a história toda se passar em Detroit, o filme de 1987 foi rodado principalmente em Dallas, no Texas, e também em Pittsburgh. A produção achou que os prédios espelhados de Dallas pareciam mais com a “Detroit do futuro” que eles imaginavam.

A ironia é que Detroit adotou o Robocop como um dos seus símbolos, e desde dezembro de 2025 a cidade tem uma estátua de bronze do personagem no Eastern Market.

Quem dirigiu o Robocop de 2014?

O remake foi dirigido pelo brasileiro José Padilha, conhecido por Ônibus 174 e pelos dois Tropa de Elite. Foi a estreia dele em Hollywood, com um elenco que tinha Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton, Samuel L. Jackson e Abbie Cornish.

A versão de Padilha mantém Detroit e a ideia da corporação que fabrica o policial, mas muda bastante coisa, como o visual da armadura (agora preta), o foco na família de Murphy e a discussão sobre o uso de drones e robôs na segurança pública.

O Robocop ganhou o Oscar?

Sim. O filme de 1987 recebeu um Oscar especial (o chamado Special Achievement Award) pela edição de efeitos sonoros, entregue a Stephen Hunter Flick e John Pospisil.

Os sons do Robocop são parte da identidade do personagem: os passos metálicos, o zumbido dos movimentos, o disparo da pistola e os rugidos mecânicos do ED-209 ficaram tão marcados quanto o visual.

Existe um Robocop contra o Exterminador?

Existe. Em 1992, o quadrinista Frank Miller (o mesmo que escreveu Robocop 2) e o desenhista Walt Simonson lançaram a minissérie em quadrinhos Robocop vs. O Exterminador. Na história, a tecnologia usada para criar o Robocop acaba ajudando no surgimento da Skynet.

O encontro também virou videogame nos anos 90. Nunca houve um filme com os dois juntos, mas a ideia de que os dois universos se cruzam continua rendendo teorias entre os fãs.

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E você, prefere o Robocop de Peter Weller ou o de 2014? Conta pra gente nos comentários.

Atualizado em outubro de 2026.

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Este guia é para quem quer conhecer a série e para quem assistiu em VHS nos anos 1990 e quer relembrar: a origem, os personagens, a diferença entre o OVA e a série de TV, os games e a ordem para assistir. Há spoilers leves do começo da história, sinalizados.

Lodoss nas sessões de VHS dos anos 1990

Para muitos fãs brasileiros, Lodoss chegou antes da internet. Em 1993, as sessões de Japanimation no Castelinho do Flamengo, no Rio de Janeiro, lotavam de jovens que se acotovelavam nas salas pequenas para ver animação japonesa. As fitas VHS circulavam de mão em mão, muitas com som ruim e sem legenda. Só para fãs mesmo.

Entre as opções, um anime de capa e espada se destacava, com o mesmo espírito das mesas de RPG que também estavam em alta: era Record of Lodoss War. A comparação mais próxima que tínhamos era Caverna do Dragão, mas Lodoss tinha outra ambição na animação e na história.

Como Record of Lodoss War nasceu de uma mesa de RPG

Em 1986, a revista japonesa de games Comptiq começou a publicar os “replays” do Group SNE: transcrições de partidas de Dungeons & Dragons, com as falas dos jogadores e as narrações do mestre. O mestre era Ryo Mizuno. O formato fez sucesso e ajudou a popularizar o RPG de mesa no Japão.

Em 1988, Mizuno transformou a história num romance, um dos primeiros livros de alta fantasia escritos no Japão. É por isso que o grupo de heróis segue o padrão de uma mesa de RPG, com guerreiro, elfa, clérigo, mago, anão e ladrão: eles nasceram como personagens de jogadores.

Quem criou o visual da série

Os personagens foram desenhados originalmente por Yutaka Izubuchi, e o anime adaptou esse visual com Nobuteru Yuki, que depois faria os personagens de Escaflowne. Izubuchi costuma ser apontado como responsável pelas orelhas longas e finas dos elfos japoneses: ele disse que desenhou as orelhas da Deedlit assim porque achava o formato mais natural para uma elfa. Desde então, os elfos de animes, mangás e games japoneses seguem esse modelo.

Leia também: Caverna do Dragão, o RPG animado

Quem são os personagens de Record of Lodoss War?

Aviso: spoilers leves de o começo da história.

A ilha de Lodoss, chamada de “ilha amaldiçoada”, vive em guerra entre reinos. Por trás dos conflitos está Karla, a Bruxa Cinzenta, que manipula os dois lados para que nenhum reino fique forte demais. O grupo de heróis é este:

• Parn: o jovem guerreiro que quer limpar o nome do pai, um cavaleiro acusado de desonra. Impulsivo e corajoso, lidera o grupo.
• Deedlit: a alta elfa que domina a espada e a magia dos espíritos elementais. Apaixonada por Parn, virou o rosto da série e o modelo de elfa dos animes.
• Etoh: clérigo do deus Falis e amigo de infância de Parn. É quem cura o grupo.
• Slayn: o mago sábio, que larga a vida tranquila para acompanhar os amigos.
• Ghim: o anão teimoso e leal, que tem uma missão pessoal ligada a Karla.
• Woodchuck: o ladrão esperto, com mais experiência de vida (e de prisão) do que o resto do grupo.

Do outro lado, os vilões ficaram tão famosos quanto os heróis, como Ashram, o Cavaleiro Negro, e a elfa negra Pirotess.

OVA ou série de TV: qual assistir?

Existem duas animações principais, e elas não são continuação uma da outra da forma que se imagina:

A sugestão para quem nunca viu: comece pelo OVA e, se quiser continuar, siga para a série de TV a partir do ponto em que ela retoma a história. Quem quer apenas a versão mais fiel aos livros pode ir direto para a série de 1998, que reconta o essencial.

A abertura do OVA original de 1990.

A abertura da série de TV de 1998, Chronicles of the Heroic Knight.

Por que Lodoss é chamado de “Caverna do Dragão japonesa”?

Porque as duas obras saíram do mesmo lugar: Dungeons & Dragons. Caverna do Dragão (1983–1985) era o desenho americano oficial do jogo, com crianças presas num mundo de fantasia. Lodoss veio de partidas reais de D&D e mantém a lógica de uma mesa: classes, magias, deuses e monstros que qualquer jogador reconhece.

A diferença está no tom. Caverna do Dragão era um desenho infantil de episódios fechados. Lodoss é uma saga de guerra, com política, mortes e personagens que mudam ao longo da história, mais perto de O Senhor dos Anéis do que de um desenho de sábado de manhã.

Os games de Record of Lodoss War

A série também ganhou vários jogos. Os mais fáceis de encontrar hoje são estes:

• Record of Lodoss War: Advent of Cardice (Dreamcast, 2000): RPG de ação da Neverland, lançado no Japão em junho de 2000 e na América do Norte em março de 2001, com o nome de Record of Lodoss War. É o mesmo jogo, só com título diferente.
• Lodoss War Online (PC): um MMORPG gratuito em 2D ambientado em Lodoss, com participação de Ryo Mizuno. Lançado no Japão em fevereiro de 2016, teve também uma versão internacional no Steam, que saiu do ar primeiro. Os servidores japoneses foram desligados em 10 de outubro de 2024, e hoje não há servidor oficial ativo.
• Record of Lodoss War: Deedlit in Wonder Labyrinth (2021): um metroidvania do estúdio Team Ladybug, com a Deedlit presa num labirinto misterioso. Saiu em acesso antecipado no PC em março de 2020, teve a versão completa em março de 2021 e chegou depois aos consoles PlayStation, Xbox e Nintendo Switch.

Deedlit in Wonder Labyrinth, o jogo mais recente com a elfa como protagonista.

Curiosidades

• Mestre e autor: Ryo Mizuno era o mestre do jogo que deu origem à história, ou seja, o “autor” de Lodoss narrava as aventuras antes de escrevê-las.
• Orelhas de elfo: o visual da Deedlit virou referência para os elfos dos animes e games japoneses.
• Ilha amaldiçoada: Lodoss é uma ilha, o que deixa a guerra entre os reinos ainda mais apertada.
• Duas versões de um final: a série de TV de 1998 refaz parte da história do OVA para seguir os livros.

Perguntas frequentes sobre Record of Lodoss War

O que é Record of Lodoss War?

É uma saga japonesa de fantasia medieval criada por Ryo Mizuno a partir de partidas de Dungeons & Dragons publicadas em 1986. A história virou romances em 1988 e depois anime, mangá e games.

Conta a guerra na ilha de Lodoss e a aventura de um grupo de heróis, liderado pelo guerreiro Parn e pela elfa Deedlit.

Onde assistir Record of Lodoss War?

A disponibilidade muda bastante. O melhor caminho é consultar um buscador de streaming como o JustWatch, que mostra onde o OVA e a série de TV estão disponíveis no momento.

As duas animações também foram lançadas em DVD e Blu-ray no exterior, e os fãs mais antigos guardam até hoje as fitas VHS.

Qual a ordem para assistir Record of Lodoss War?

Comece pelo OVA de 1990–1991, com 13 episódios. Depois, se quiser continuar, siga para Chronicles of the Heroic Knight, a série de TV de 1998, com 27 episódios.

Atenção: a série de TV ignora a parte final do OVA para seguir os romances com mais fidelidade, então algumas coisas são recontadas de outro jeito.

Record of Lodoss War é baseado em Dungeons & Dragons?

Sim. A história começou como “replays”, transcrições de partidas de Dungeons & Dragons jogadas pelo Group SNE e publicadas na revista japonesa Comptiq a partir de 1986.

Ryo Mizuno, o mestre dessas partidas, depois transformou a aventura em romances. Por isso o grupo de heróis segue as classes clássicas do RPG.

Quem é a Deedlit?

Deedlit é a alta elfa do grupo, que usa a espada e a magia dos espíritos elementais. Ela é apaixonada por Parn e virou o rosto mais conhecido da série.

O visual dela, com cabelo longo e loiro e orelhas longas e finas, influenciou a forma como os elfos aparecem em animes e games japoneses até hoje.

Quantos episódios tem Record of Lodoss War?

O OVA original tem 13 episódios (1990–1991), e a série de TV Chronicles of the Heroic Knight tem 27 episódios (1998).

Juntas, as duas animações somam 40 episódios, além dos romances e mangás, que vão bem além do que o anime mostrou.

Por que Lodoss é comparado com Caverna do Dragão?

Porque as duas nasceram de Dungeons & Dragons: Caverna do Dragão era o desenho oficial do jogo, e Lodoss veio de partidas reais de D&D.

A diferença é o tom: Lodoss é uma saga de guerra mais adulta, com política e mortes, enquanto Caverna do Dragão era um desenho infantil.

Existe jogo de Record of Lodoss War?

Sim, vários. O mais recente e fácil de encontrar é Deedlit in Wonder Labyrinth (2021), um metroidvania disponível para PC e consoles.

Para quem gosta de retrô, há Advent of Cardice, um RPG de ação lançado para Dreamcast em 2000 no Japão e em 2001 nos Estados Unidos.

Record of Lodoss War tem mangá?

Sim. A saga ganhou várias adaptações em mangá ao longo dos anos, contando partes diferentes da história e de personagens secundários.

Mas a base de tudo continua sendo os romances de Ryo Mizuno, publicados a partir de 1988.

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E você, conheceu Lodoss em fita VHS, na TV ou só agora? Time Deedlit ou time Pirotess? Viu algum erro? Conta nos comentários.

Atualizado em outubro de 2026.

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Neste guia você encontra a história do Hardcore, como ele foi filmado, o que a crítica achou e uma lista dos outros filmes em primeira pessoa, dos clássicos de detetive ao terror. Não há spoilers do final.

O que é Hardcore: Missão Extrema?

Henry acorda num laboratório sem memória e sem voz, e descobre que foi transformado num ciborgue. A mulher que o reconstruiu, Estelle, diz que é a esposa dele. Logo ela é sequestrada por Akan, um vilão com poderes telecinéticos que quer montar um exército de soldados como Henry. A partir daí, são cerca de 90 minutos de perseguição por Moscou, com tiroteios, lutas e saltos de prédios, sempre do ponto de vista de Henry, que nunca mostra o rosto nem diz uma palavra.

Quem ajuda Henry é Jimmy, um personagem que morre e reaparece o tempo todo, em versões diferentes, e que guarda boa parte dos segredos da história.

Elenco

Como nasceu o filme

Um clipe de banda punk

Antes do longa, Ilya Naishuller era o vocalista da banda russa Biting Elbows. Em 2013, a banda lançou o clipe da música “Bad Motherfucker”, todo em primeira pessoa: uma fuga cheia de pancadaria e tiroteio, filmada como se fosse um videogame. O vídeo viralizou e passou de dezenas de milhões de visualizações no YouTube e no Vimeo.

A mensagem de Timur Bekmambetov

Um dos que assistiram foi o diretor e produtor Timur Bekmambetov, de Guardiões da Noite (Night Watch, 2004) e O Procurado (Wanted, 2008). Ele mandou uma mensagem para Naishuller pelo Facebook e o incentivou a transformar a ideia num longa. Bekmambetov virou produtor do projeto.

Financiado pelos fãs

No fim de 2014, ainda com o título Hardcore, a equipe abriu uma campanha no Indiegogo pedindo 250 mil dólares para a pós-produção. A meta foi batida: foram cerca de 255 mil dólares, de mais de 2 mil apoiadores. Na época, publicamos aqui a primeira prévia e o convite para apoiar a campanha.

A primeira prévia de Hardcore, divulgada pela banda Biting Elbows na época da campanha.

Como Hardcore foi filmado?

A grande novidade era o equipamento: câmeras GoPro presas a um suporte na cabeça de quem fazia o papel de Henry, na altura dos olhos. Assim, a câmera via o que o personagem via, e os braços e as armas que aparecem na tela são de verdade, não efeitos.

Como Henry nunca mostra o rosto, cerca de uma dúzia de pessoas se revezaram no papel, dependendo da cena: dublês, um especialista em parkour para as corridas pelos telhados, um praticante de base jump para a queda de helicóptero, operadores de câmera e até o próprio diretor. A estabilização das imagens foi feita depois, na pós-produção, para que a correria não ficasse impossível de acompanhar, o que nem sempre bastou para quem enjoa fácil (veja abaixo).

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Lançamento, bilheteria e crítica

O filme estreou no Festival de Toronto, em 12 de setembro de 2015, na mostra Midnight Madness, dedicada a filmes de gênero, e levou o prêmio do público da mostra. Os direitos foram comprados pela STX Entertainment, que lançou o filme nos Estados Unidos em 8 de abril de 2016, já com o título Hardcore Henry. No Brasil, ele chegou aos cinemas no mesmo mês, como Hardcore: Missão Extrema.

Com orçamento de cerca de 2 milhões de dólares, o filme fez em torno de 16,8 milhões no mundo. Nos Estados Unidos, porém, foi considerado um fracasso, por causa dos custos de distribuição e marketing.

A crítica se dividiu. Muita gente elogiou a ousadia técnica e as cenas de ação, que parecem impossíveis de filmar. Outros reclamaram da história fina, que funciona como fase de videogame, e da câmera agitada: houve espectadores relatando enjoo e tontura na sala de cinema.

E o diretor?

A ousadia abriu portas em Hollywood. Ilya Naishuller depois dirigiu Anônimo (Nobody, 2021), filme de ação com Bob Odenkirk, de Breaking Bad, desta vez numa filmagem convencional.

Outros filmes em primeira pessoa

Hardcore foi o primeiro filme de ação inteiro nesse formato, mas a câmera subjetiva é quase tão antiga quanto o cinema falado. Estes são os exemplos mais conhecidos:

A Dama do Lago, o pioneiro

Em 1947, o ator e diretor Robert Montgomery adaptou o romance policial de Raymond Chandler mostrando quase tudo pelos olhos do detetive Philip Marlowe, que ele mesmo interpretava. O público só via Marlowe quando ele passava por um espelho. É considerado o primeiro filme a usar a primeira pessoa de forma tão extensa.

Maniac, o terror pelos olhos do assassino

O remake de 2012 do terror Maniac (1980) coloca o espectador dentro da cabeça de um assassino em série, vivido por Elijah Wood, o Frodo de O Senhor dos Anéis. Como a câmera são os olhos dele, o ator quase só aparece em reflexos. O efeito é desconfortável de propósito: o público vira cúmplice.

E os filmes de “câmera encontrada”?

Filmes como A Bruxa de Blair (1999) e [REC] (2007) parecem primeira pessoa, mas são outra coisa: o que vemos é a gravação da câmera de um personagem, não os olhos dele. Esse gênero, chamado de found footage, mostra o mundo pelo visor, enquanto filmes como Hardcore fazem do espectador o próprio protagonista.

O trailer de Hardcore Henry, da STX Entertainment.

Perguntas frequentes sobre filmes em primeira pessoa

Qual é o filme todo em primeira pessoa?

O mais famoso é Hardcore: Missão Extrema (Hardcore Henry), de 2015, considerado o primeiro filme de ação gravado inteiro em primeira pessoa, com câmeras GoPro presas à cabeça do protagonista.

Outros filmes com quase toda a história nesse formato são A Dama do Lago (1947), um policial, e Maniac (2012), um terror com Elijah Wood.

Qual foi o primeiro filme em primeira pessoa?

A Dama do Lago (Lady in the Lake, 1947), de Robert Montgomery, é apontado como o primeiro filme a usar a primeira pessoa de forma extensa, mostrando quase tudo pelos olhos do detetive Philip Marlowe.

No mesmo ano, Prisioneiro do Passado (Dark Passage), com Humphrey Bogart, usou a técnica na primeira meia hora.

Onde assistir Hardcore: Missão Extrema?

A disponibilidade no streaming muda com frequência. O jeito mais seguro é consultar um buscador como o JustWatch, que mostra em quais serviços o filme está no momento, para alugar, comprar ou assistir na assinatura.

Vale avisar: a violência é explícita e o filme não é indicado para crianças.

Hardcore: Missão Extrema foi filmado com GoPro?

Sim. O filme foi gravado com câmeras GoPro presas a um suporte na cabeça de quem fazia o papel de Henry, na altura dos olhos.

As imagens passaram por estabilização na pós-produção, mas a câmera agitada ainda fez alguns espectadores relatarem enjoo.

Quem é o ator que faz o Henry?

Ninguém em especial: como o personagem nunca mostra o rosto, cerca de uma dúzia de pessoas se revezaram no papel, entre dublês como Sergey Valyaev e Andrei Dementiev, operadores de câmera e o próprio diretor, Ilya Naishuller.

Henry também não fala. Quem conduz a história, na prática, é o Jimmy de Sharlto Copley, que aparece em várias versões diferentes.

Hardcore: Missão Extrema é baseado em um jogo?

Não. A história é original, mas o filme foi pensado para lembrar os jogos de tiro em primeira pessoa, como Call of Duty e Battlefield.

A ideia veio de um clipe da banda Biting Elbows, do próprio diretor, lançado em 2013, que já usava o mesmo estilo.

Hardcore: Missão Extrema fez sucesso?

Mais ou menos. O filme custou cerca de 2 milhões de dólares e fez em torno de 16,8 milhões no mundo, mas foi considerado um fracasso nos Estados Unidos, por causa dos custos de lançamento.

Mesmo assim, ganhou o prêmio do público da mostra Midnight Madness, no Festival de Toronto de 2015, e abriu as portas de Hollywood para o diretor.

O que o diretor de Hardcore fez depois?

Ilya Naishuller dirigiu Anônimo (Nobody, 2021), filme de ação com Bob Odenkirk no papel de um pai de família pacato com um passado violento.

Antes do cinema, ele era vocalista da banda russa Biting Elbows, que continua sendo lembrada pelos clipes em primeira pessoa.

Existem outros filmes de terror em primeira pessoa?

Sim. O principal é Maniac (2012), visto inteiro pelos olhos de um assassino vivido por Elijah Wood. Enter the Void (2009), de Gaspar Noé, também usa a primeira pessoa, mas é mais um drama psicodélico.

Filmes de “câmera encontrada”, como A Bruxa de Blair e [REC], parecem primeira pessoa, mas mostram a gravação da câmera de um personagem, e não os olhos dele.

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E você, conseguiu assistir a Hardcore sem ficar tonto? Conhece outro filme em primeira pessoa que deveria estar na lista? Viu algum erro? Conta nos comentários.

Atualizado em outubro de 2026.

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O que é Daggerheart?

Daggerheart é um empolgante RPG de fantasia que se destaca por seu uso exclusivo do sistema baseado em dados d12. Neste jogo, os participantes são convidados a encarnar corajosos aventureiros em uma jornada épica por um universo repleto de encantamento e perigos inimagináveis. Criado por Matthew Mercer e Spenser Starke, o RPG vem com um design inteligente, o jogo é notavelmente fácil de aprender para novatos no mundo dos RPGs, assegurando que mesmo aqueles com pouca ou nenhuma experiência possam rapidamente mergulhar na aventura sem contratempos.

Ao mesmo tempo, Daggerheart não sacrifica profundidade por simplicidade. O sistema proporciona profundidade tática e narrativa, além de uma variedade de opções estratégicas que satisfarão até mesmo os jogadores mais veteranos e exigentes. Seja na escolha de habilidades, no desenvolvimento de seu personagem ou nas decisivas batalhas contra criaturas formidáveis, o jogo entrega uma experiência rica e cativante.

Daggerheart é feito para aqueles que anseiam por histórias épicas em mundos de fantasia, onde cada decisão pode alterar o curso da narrativa, e onde a bravura é a chave para o sucesso. Os participantes são encorajados a usar sua imaginação para explorar terras míticas, enfrentar vilões nefastos e tecer suas próprias lendas, tudo isso enquanto desfrutam de um sistema que apoia e enaltece a criatividade e o companheirismo.

Características principais:

• Sistema de dados d12: O sistema de dados d12 é rápido, intuitivo e oferece uma variedade de resultados.
• Foco na narrativa: Daggerheart coloca a ênfase na criação de histórias emocionantes e memoráveis.
• Combate emocionante: O sistema de combate é ágil e estratégico, com foco na ação e na tática.
• Personalização profunda: Os jogadores podem criar personagens únicos com uma variedade de raças, classes, talentos e habilidades.
• Mundo rico e detalhado: O mundo de Daggerheart é cheio de história, cultura e mistérios para explorar.

O que torna Daggerheart único?

Daggerheart se destaca de outros RPGs por vários motivos:

• Sistema de Força, Esperança e Medo: Este sistema inovador permite que os jogadores utilizem suas emoções para influenciar o jogo.
• Cartas de Ação: As cartas de ação adicionam um elemento estratégico ao combate e à jogabilidade.
• Múltiplas configurações: Daggerheart oferece suporte a uma variedade de configurações de fantasia, desde mundos medievais clássicos até cenários mais exóticos.

Para quem é Daggerheart?

Daggerheart RPG é perfeito para:

• Jogadores novos em RPGs: Com seu sistema intuitivo e amigável, é perfeita a escolha para quem está dando os primeiros passos no mundo do RPG. A diversão é garantida!
• Jogadores experientes: A riqueza e a variedade do sistema prometem estimular e satisfazer até os veteranos mais exigentes em busca de estratégias e aventuras inovadoras.
• Fãs de Critical Role: Imaginem mergulhar no mundo encantador criado pelo magnífico Matt Mercer. Este sistema traz todo o espírito de Critical Role para a sua mesa de jogo, brilhando um holofote sobre os elementos adorados por todos os fãs.

Onde posso encontrar Daggerheart?

Que alegria para os fãs de jogos de aventura! O playtest de Daggerheart já pode ser adquirido sem custo algum diretamente na página da web: https://darringtonpress.com/daggerheart/. E tem mais: o lançamento completo deste tão esperado jogo está programado para 2025. Prepare-se para uma experiência épica que está chegando!

Como jogar Daggerheart?

Introdução ao Daggerheart

• Equilíbrio entre Narrativa e Tática: Projetado para suportar tanto o teatro da mente quanto o jogo tático baseado em mapa.
• Criação de Personagem Personalizável: Oferece um sistema para criar e desenvolver personagens, com foco em relacionamentos dinâmicos e construção de mundo.
• Foco em Campanha de Longo Prazo: Adequado para campanhas estendidas por 10 níveis, mas também flexível para sessões mais curtas ou one-shots.

Mecânica Central: Dados de Dualidade

• Composição dos Dados: Envolve rolar dois dados de 12 lados, representando Esperança e Medo.
• Processo de Rolagem: Ao fazer uma rolagem de ação, ambos os dados são rolados e somados com modificadores relevantes.
• Resultados: O resultado determina sucesso ou fracasso, e o dado maior (Esperança ou Medo) influencia as consequências narrativas e o gerenciamento de recursos.

Classes e Traços de Personagem

• Classes Disponíveis: Bardo, Druida, Guardião, Ranger, Ladino, Serafim, Feiticeiro, Guerreiro e Mago, cada uma com habilidades e feitiços únicos.
• Traços de Personagem: Incluem agilidade, força, destreza, instinto, presença e conhecimento, que influenciam as rolagens de ação e habilidades.

Combate e Dano

• Fluxo: Projetado para ser contínuo, evitando paralisações no fluxo narrativo durante o combate.
• Sistema de Dano: Utiliza pontos de vida e estresse como métricas para saúde e resistência do personagem, com limiares para dano menor, maior e grave.

Papel do Mestre do Jogo (GM)

• Configuração de Dificuldade: Os GMs definem desafios com valores de dificuldade e podem influenciar o jogo usando tokens de Medo, derivados das rolagens dos jogadores.
• Gerenciamento de Combate: Os GMs gerenciam o fluxo de ação e ativações de inimigos no combate, utilizando um rastreador de ação para dinâmicas baseadas em turnos.

Morte e Recuperação de Personagem

• Mecânicas de Morte: Personagens enfrentam a morte ao esgotar pontos de vida, com opções como “Brilhar em Glória”, “Evitar a Morte e Enfrentar as Consequências” ou “Arriscar Tudo” para desfechos dramáticos.
• Opções de Recuperação: Personagens podem descansar para recuperar pontos de vida, estresse e consertar armaduras, com atividades adaptadas para períodos de descanso curtos ou longos.

Daggerheart é um RPG inovador e promissor que oferece uma experiência única para jogadores de todos os níveis. Se você procura um sistema de RPG que seja fácil de aprender, mas que também ofereça profundidade e opções, Daggerheart vale a pena conferir.

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